#lópez cobos

[elmartillosinmetre]

Breviario de directores

[El director rumano Sergiu Celibidache (1912-1996) es el más ampliamente tratado del libro. / D.S.]

La editorial Fórcola publica un estudio sobre la evolución de la dirección de orquesta

Dos críticos bien conocidos de la prensa musical española, Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián, habituales de la revista Scherzo desde hace décadas, acaban de publicar en la editorial madrileña Fórcola un volumen en que radiografían el oficio de director de orquesta. En quince capítulos y un epílogo, en este libro se hace repaso a una amplísima nómina de maestros, desde Weber, Berlioz y Mendelssohn a los nacidos después de 1980, mediante un somero repaso a sus carreras y sus tendencias estéticas.

Tuve la oportunidad de hablar con Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) sobre este trabajo, del que no hay antecedentes en la bibliografía española.

–Se trata de un libro a dos, pero en él se encuentran muchas valoraciones, muchos juicios. ¿Cómo lo plantearon?

–Lo contamos en las consideraciones previas, se trataba de respetar lo que ha escrito el otro. Los capítulos están en general muy repartidos de manera casi íntegra, hay pocos en los que hayamos metido mano los dos, y además cuando lo hemos hecho cada uno se ha dedicado a una figura distinta. Por supuesto cada uno tiene su visión y no siempre coincidimos, pero asumimos los criterios del otro, porque tampoco se trataba de establecer un debate entre nosotros. 

–¿Podemos ver la historia de la dirección de orquesta como un eterno Toscanini vs Furtwängler, es decir, objetivismo frente a subjetividad o se trata de una simplificación excesiva?

–Yo creo que es simplificar demasiado. Hay una parte de eso que efectivamente se mantiene en cierto modo. Pero no afecta sólo a la dirección de orquesta, sino a la interpretación musical en general: hay una parte de los intérpretes que se decanta por lo analítico y racional y otra parte que lo hace por lo intuitivo y emocional. Lo vemos sobre todo en la música anterior a Wagner: la tendencia historicista rompe con una manera de dirigir ese repertorio muy furtwängleriana y retrocede, no a lo Toscanini, pero sí a unas maneras desprovistas de la parte poswagneriana. Pero en el caso de la dirección hay otros componentes. Las orquestas han evolucionado a grupos que están mucho mejor organizados y preparados profesionalmente, los directores también, pero han tenido que cambiar sus formas. El mundo ya no es el mismo, ya no hay posibilidad de ensayos determinados, el director tiene un poder más limitado, tiene que cuidar las formas… De repente se puede encontrar con una orquesta respondona, que es cosa que hace siglo y medio era impensable. A principios del siglo XX a nadie se le ocurriría pensar en un levantamiento orquestal contra un director más o menos ilustre, aquello no cabía en la cabeza, y sin embargo hoy, si un director se pasa de la raya, sea quien sea, la orquesta se levanta y se va. Eso ha cambiado mucho. Entran otros ingredientes.

–El modelo de dirección autocrática pasó a mejor vida, sustituido por el primus inter pares, ¿podemos poner una fecha a ese cambio?

–El cambio es muy evidente, pero progresivo. Es algo que a partir de finales de los 50 va cambiando progresivamente. Pero, ¿hemos abandonado del todo los modos autocráticos? Hay un componente de apariencia. Hoy ya no tienes a un Toscanini que se dirija a gritos a los músicos o a un Celibidache que pueda llegar al desprecio más absoluto en el trato. Está ese famoso documental de Celibidache ensayando la 7ª de Bruckner con la Filarmónica de Berlín, y ese tono con que se dirige a los profesores de la orquesta hoy es imposible de ver… Hemos perdido esos exabruptos, incluidos los tacos de Toscanini, y hemos dado con maneras más sutiles. Hay quien dice que Claudio Abbado, que parecía muy amable, muy dialogante, si en un ensayo se le atravesaba un músico al salir podía decírle tranquilamente al gerente de la orquesta: "A ese no me lo vuelvas a poner…". Así que el cambio es real, porque los directores saben que no pueden ir con el martillo pilón, pero también hay un componente de apariencia. Sobreviven directores que vienen de generaciones más antiguas, que tienen determinada formación y han tenido sus más y sus menos, pero los maestros de 70 años para abajo se tienen que manejar de otra manera porque si no, no tienen ningún futuro.

[Rafael Ortega Basagoiti (Madrid, 1957) / D.S.]

–¿Es posible una democracia en una orquesta?

–Al final la dirección de orquesta, si dejamos la parte de teoría musical, es un liderazgo de grupos. El líder moderno en la orquesta, la empresa y cualquier sitio, tiene que liderar por convicción, por persuasión, pero es una persona que tiene que tomar decisiones. Tú tienes 100 músicos y cada uno tendrá su idea de cómo hacer esa música, y tú puedes convencerlo y crear cierto consenso, pero alguien tiene que tomar la decisión. Al final, por mucho que se intente vestir de alguna manera, esa decisión la tiene que tomar el director, eso es indiscutible. Cómo tomarla. Hay un punto de convicción, persuasión, carisma, pero también hay algo que choca con eso, es el tiempo que tienes, sobre todo cuando hablamos de directores invitados,  porque en las orquestas modernas, y no digamos ya si hablamos de las inglesas, tú qué puedes tener, siete, ocho, diez horas de ensayo, tirando por lo muy alto, doce. En esas horas tienes que preparar un programa y llevar al huerto a las orquestas. Hay veces que no tienes tiempo de enrollarte. Tienes que tener la capacidad de convencerlos de que tu camino es el bueno, pero no tienes mucho tiempo. El director de orquesta moderno tiene que tener mucho de psicólogo…

–¿Siguen existiendo las escuelas nacionales?

–Hay cuestiones de sonido que tienen que ver con los instrumentos: por ejemplo, los metales de las orquestas del Este no son como los de las occidentales, lo que genera diferencias de sonido. Pero estamos en un mundo global, hay muchos músicos españoles en orquestas alemanas y rusos o polacos tocando a mansalva en orquestas españolas, y eso hace que las diferencias se diluyan. No son las que eran antes.

–Hablando de dirección de orquesta, ¿cualquier tiempo pasado fue mejor?

–Uf, ese es un tema para otro libro. Habrá gente que piense que es así. Conozco muchos melómanos y críticos que piensan que es así. Otros que de ninguna manera. Y otros que pensamos que para algunas cosas, sí y para otras, no. Tengo una opinión muy personal al respecto. Para cuáles sí. Pues es verdad que en función de las presiones económicas y de las necesidades de tiempo, hemos perdido la capacidad de trabajar en profundidad un programa.

–Lo de las dos semanas que se dejaban a algunos directores para un programa es casi imposible hoy, claro…

–Eso es muy difícil. El último caso que he visto fue poco antes de la pandemia y fue excepcional. Semyon Bychkov vino a dirigir la ONE, que hacía una obra que no sé si en España se ha hecho íntegra alguna vez, Mi patria de Smetana. Pidió dos semanas, y se las dieron. El resultado fue una maravilla. Pero la realidad es que esto hace 40 o 50 años era habitual. Con Celibidache o Giulini era normal. Erich Kleiber pidió 120 ensayos para el estreno de Wozzeck en 1925. Esto hoy no puede ser. En el otro extremo están pasando cosas. En Bayreuth por ejemplo estaba previsto que Valery Gergiev dirigiera el Tannhäuser. Pero Gergiev se ha metido en tal dinámica de óperas y conciertos que lo cortaron porque no tragaban con un señor que estuviera presente en un ensayo de cada tres. La realidad es que hoy se ha dejado de trabajar con el tiempo y la profundidad de antes. Si hoy te dan tres días de ensayo ya vas que ardes; eso si no es una orquesta inglesa, que a lo mejor tienes día y medio. En esto cualquier tiempo pasado fue mejor. Sin duda. La precariedad de tiempos de ensayo se nota mucho. 

–Los músicos están mejor preparados...

–Sí, eso es verdad, pero por muy bien preparados que estén… En los conciertos con solista, por ejemplo, tienen un ensayo y el general, y eso se nota. Y por eso Sokolov, que es un señor muy riguroso, ha dejado de trabajar con orquesta, porque vio que las orquestas trabajaban con tanta premura que no había forma de conseguir el nivel al que él aspira. Los músicos y los directores están mejor preparados, sí, pero hay límites, sobre todo para las obras poco habituales. A lo mejor sacas una interpretación correcta, pero nada más. No te puedes tirar 20 minutos ensayando el trémolo inicial de la 7ª de Bruckner, como Celibidache en el concierto al que me refería antes.

–El mundo de los directores es un mundo donde abunda (o abundaba al menos) el divismo. ¿Es necesario un ego enorme para brillar como director o los que son muy humildes también pueden destacar en el oficio?

–El ego es un componente de cualquier artista. Cuando uno se sube a un escenario o está muy seguro de sí mismo o te tiemblan hasta las costillas. El ego es inevitable y hasta necesario. Y es que los directores además de enfrentarse al público tienen delante a una orquesta. Si no vas seguro con lo que haces te pueden comer. Sobre todo si la orquesta es de las gordas. Recuerdo uno de los muchos documentales que hay sobre Leonard Bernstein, en que contaba cómo fue la primera vez que se enfrentó a la Filarmónica de Viena. Y para entonces él era ya un director muy establecido, y sin embargo confesaba que le temblaban las canillas. Porque la Filarmónica de Viena era la Filarmónica de Viena. Y él explica que empezó a hablarles y se dio cuenta de que se estaba empezando a poner nervioso y estaba hablando demasiado. Y entonces se puso a ensayar y ya fue bien, pero también tuvieron sus momentos tensos, porque no le gustaba cómo tocaban a Mahler… Así que una parte de ego es imprescindible, pero donde está el secreto es en gobernar el ego de forma que la orquesta te perciba como alguien seguro pero no prepotente. Hay que poner límites a ese ego. Tú sabes lo que quieres hacer pero no puedes ir levantando la nariz por encima de la orquesta. Y eso ha cambiado. Hace 50 años daba exactamente igual que levantases la nariz, pero hoy no lo puedes hacer. Y eso es posible. Yo he conocido directores que pueden ser duros en el podio, pero luego en el trato son gente muy normal y pueden ser perfectamente humildes. Por ejemplo, Harnoncourt. Era un señor de una energía, una pasión y una seguridad contagiosas, pero luego hablabas con él y era un tipo encantador, y los músicos lo adoraban.

–¿Un gran director es capaz de rescatar a una orquesta mediocre?

–Lo que no puede hacer es milagros. ¿Es capaz de reconstruir y con el tiempo llevar a una orquesta mediocre a otro nivel? Sí. Un buen trabajador de orquestas, un buen discriminador de lo que necesita un conjunto, puede hacerlo. Por ejemplo, el señor George Szell, que ha sido muy machacado porque tenía un carácter de mil pares de narices, pues llega a Cleveland y le da la vuelta por completo. Con el tiempo y la libertad para hacerlo, un buen director puede transformar una orquesta discreta en una de primer nivel. Ahora bien, de la noche a la mañana, vengo como invitado a una orquesta discreta y la hago de primer nivel, mira, no, eso no. Sí puede ocurrir que una orquesta medianamente decente, aunque no grande, se eleve a un gran nivel por un director invitado muy bueno. En una semana la transforma no en algo excepcional, pero sí en algo mucho mejor. Eso lo hemos vivido en España con gente como Celibidache o Lorin Maazel. Yo a Maazel lo vi una vez con la Orquesta de la RTVE y aquello fue apoteósico. ¿La hizo excepcional? No, pero la transformó en algo mucho mejor de a lo que estábamos acostumbrados.

–¿Están bien dirigidas las orquestas españolas?

–Sólo conozco de cerca las madrileñas, del resto no me atrevo a hablar. La Nacional y la de RTVE están en muy buenas manos, que son las de David Afkham y Pablo González. La Sinfónica ha estado en situación rara, después de López Cobos. Creo que fue Mortier quien decidió que no hubiera un titular y eso fue un error. Y en la de la Comunidad de Madrid, Víctor Pablo hizo una labor excelente y ahora está la polaca Marzena Diakun, a la que todavía no conozco lo suficiente como para opinar.

Un compositor, un director

Propongo a Rafael Ortega Basagoiti un juego: el nombre del director idóneo para cada compositor sugerido... Este es el resultado: Mozart. Nikolaus Harnoncourt. Beethoven. El último Claudio Abbado. Mahler. Leonard Bernstein. Bach. Nikolaus Harnoncourt o Philippe Herreweghe. Shostakóvich. Kurt Sanderling. Brahms. Ahí está muy alto en mi lista el mismo Sanderling y también Claudio Abbado, pero luego está Carlo Maria Giulini, que es muy especial. Chaikovski. Eugene Mravinski, aunque también me ha sorprendido Semyon Bychkov en su ciclo con la Filarmónica Checa. Haydn. Harnoncourt otra vez. Wagner. Hans Knappertsbuch entre los antiguos; Christian Thielemann, hoy. Haendel. John Eliot Gardiner. Falla. Ataúlfo Argenta.

[Diario de Sevilla. 11-12-2022]

Música, maestro: De Mahler a Dudamel. Rafael Ortega Basagoiti y Enrique Pérez Adrián. Madrid: Fórcola, 2022. 425 páginas. 34,50 euros.

[arkipelagic]

Japanese attempts at invading early Spanish colonial-era Philippines

The earliest written mention of fears of a Japanese invasion in the broadest sense of the word appears in a Memorial to the Council of 1586, in which there is speculation within Manila that the Japanese wakō [i.e. pirate gangs] might have greater ambitions beyond mere plunder: they "make a descent almost every year, and, it is said, with the intent of colonizing Luçon [Luzon]." That never happened, but in 1591 the first proper invasion scare began when the Philippines entered the consciousness of Toyotomi Hideyoshi (1536-98). By means of a series of brilliant military campaigns, Hideyoshi had reunified Japan after the chaos of a century of civil war, and he now set his mind on overseas expeditions.

… Farandaquiemon was a Japanese Christian merchant from Sakai called Harada Kiemon. He had visited Manila on several occasions, most recently in 1591, and, having looked at its defences, he returned to Japan convinced that the city could be taken easily. Together with his colleague Hasegawa Sonin, described as a "court favourite," Kiemon persuaded Hideyoshi to write his arrogant letter to the governor of the Philippines. Hideyoshi's military strength and his unification of Japan had become known in Manila, so the bombastic letter begins with a reference to these military triumphs and his miraculous birth that had augured Hideyoshi's destiny to rule other nations. The threats appeared later in the missive: "If an ambassador is not sent, I shall unfurl my banner and send an army against that country to conquer it with a multitude of men; so that that country will repent at not having sent me an ambassador."

The Spanish sent back a reply dated 1 May 1592 that was delivered to Hideyoshi by the Dominican friar Juan Cobo. Cobo traveled to Japan with a Chinese Christian called Antonio López, who appears to have been sent as a spy. Cobo and López met Hideyoshi at Nagoya Castle, the military base in Kyushu built for the invasion of Korea.

… On 1 June 1593, López was questioned closely under oath about what he had seen and done in Japan, with most of the questions relating to his knowledge of any Japanese plans for an attack on the Philippines. López said first that he had heard that Hideyoshi had entrusted the conquest to "Kunquyn," which probably refers to Harada Kiemon. There was also a possible motive, because "[i]n Japon there is universal talk of the abundance of gold in this land. On this account, the soldiers are anxious to come here; and are coming, as they do not care to go to Core [Korea], which is a poor country." López also stated that the Japanese had interrogated him about the military strength of the Philippines. He seems to have tried misinformation on that point, even though his initial reply had caused some arrogant amusement: "The [Japanese] laughed when they heard Antonio say that these islands contained four or five thousand Spaniards. They said that the defense of these islands was merely a matter for jest, for one hundred of the Japanese were worth two or three hundred of us."

Lopez … also had overheard the Japanese discussing the likelihood of the Philippines being reinforced when under attack. "[F]our months are needed to go from Mexico to Luçon," said López, "and on this account but few soldiers could come from Mexico. Japan is not more than twenty days' journey distant, and therefore it would be well for us to appreciate this fact." In terms of Harada Kiemon’s personal ambitions, everyone López had met believed that when the Philippines were conquered he would become the governor.

Excerpt from Wars and Rumors of Wars: Japanese Plans to Invade the Philippines, 1593–1637 by Stephen Turnbull, published in 2016

[lesser-known-composers]

One of my favourite operas by Massenet. This for me is a lovely melody.....

Jules Massenet (1842-1912) - Werther, Act I: Act I: Je ne sais si je veille (Werther)

Plácido Domingo

Choir: Bavarian State Opera Chorus, Conductor: Jesús López-Cobos

Orchestra: Bayerisches Staatsorchester

[21peky1150]

Johannes Brahms. Danza húngara nº 5. Dir.:Jesús López Cobos

[centraldenoticiasmx]

Anuncia Claudia Sheinbaum nuevos nombramientos en el Gobierno de México

🖊#Nacional | Anuncia Claudia Sheinbaum nuevos nombramientos en el Gobierno de México +INFO:

● General de División de Estado Mayor, Enrique Covarrubias López, subsecretario de la Defensa Nacional● Almirante José Barradas Cobos, Subsecretario de Marina● Vicealmirante Juan Carlos Vera Minjares, director general del Corredor Interoceánico del Istmo de Tehuantepec● César Yáñez Centeno Cabrera, subsecretario de Gobernación● Edgar Abraham Amador Zamora, subsecretario de Hacienda y Crédito…

[dominiopublco]

Anuncia Claudia Sheinbaum nuevos nombramientos en el Gobierno de México

La Presidenta electa de México, Claudia Sheinbaum Pardo, dio a conocer los siguientes nombramientos en su administración:   ● General de División de Estado Mayor, Enrique Covarrubias López, subsecretario de la Defensa Nacional ● Almirante José Barradas Cobos, Subsecretario de Marina ● Vicealmirante Juan Carlos Vera Minjares, director general del Corredor Interoceánico del Istmo de Tehuantepec ●…

[mfm-mielec]

"Wielcy kompozytorzy, mistrzowskie interpretacje" Łukasz Długosz - flet Carlos Peña Montoya (Kostaryka) - harfa

15 września 2024, godz. 19.00 Park Oborskich, ul. Legionów 73 bezpłatne bilety wstępu

Carlos Roberto Peña Montoya - jeden z najwybitniejszych harfistów młodego pokolenia. Naukę gry na harfie rozpoczął w wieku 11 lat pod kierunkiem prof. Ruth Garita, pierwszej harfistki Narodowej Orkiestry Symfonicznej w Kostaryce, a następnie prof. Eileen Mason, pierwszej harfistki Orkiestry Symfonicznej Baltimore. W 2011 roku z wyróżnieniem ukończył studia na Uniwersytecie Mozarteum w Salzburgu w klasie prof. Helgi Storck. Od 2007 roku przebywa w Europie, realizując się jako solista, kameralista i pedagog. Występował z recitalami m.in. w Carnegie Hall w Nowym Yorku, Goldener Sala i Gläseneer Saal w wiedeńskim Musikverein oraz w Gasteig w Monachium. Współpracował z orkiestrami i zespołami symfonicznymi w Niemczech i Austrii, z którymi odbył liczne tournée. W 2012 roku wygrał 6. edycję konkursu orkiestrowego Summa Cum Laude w Wiedniu, będąc członkiem Tajlandzkiej Orkiestry Symfonicznej, z którą pozostaje w stałym kontakcie artystycznym. Od 2012 roku jest I harfistą Orkiestry Symfonicznej Polskiej Filharmonii Bałtyckiej im. F. Chopina w Gdańsku. Aktywnie uczestniczy w życiu kulturalnym Trójmiasta jako solista, kameralista, jak również pedagog. Współpracuje z czołowymi orkiestrami polskimi pod batutą znamienitych dyrygentów, a także bierze udział w licznych nagraniach fonograficznych, radiowych i telewizyjnych.

ŁUKASZ DŁUGOSZ uznany przez międzynarodowych krytyków za jednego z najwybitniejszych flecistów. Jest również najliczniej uhonorowanym w historii polskim flecistą. Luxemburskie PIZZICATO za płytę „Flute Stories" okrzyknęło Długosza jednym z najwybitniejszych flecistów na świecie. Artysta nagrał 76 albumów płytowych, które zostały wysoko ocenione przez krytykę europejską i za które otrzymał wiele prestiżowych międzynarodowych nagród fonograficznych, w tym wielokrotnie nagrodę International Classical Music Award (ICMA), Pizzicato Supersonic Award, Gasteig Musik Preis oraz Fryderyki. Zwycięzca kilkunastu konkursów międzynarodowych, w tym tak prestiżowych jak w Paryżu, Monachium, Odense. Współpracuje z wieloma renomowanymi orkiestrami. Jako solista występował m.in.: w Carnegie Hall, Musikverein Goldener Saal oraz Konzerthaus w Wiedniu, Konzerthaus w Berlinie, Gasteig Carl Orff Saal oraz Herkulessaal w Monachium, Poly Theatre w Pekinie, Xinghai Concert Hall w Guangzhou, Shanghai Concert Hall, Opera House w Katarze, sala koncertowa im.Piotra Czajkowskiego w Moskwie. Grał pod batutą takich gwiazd jak Zubin Mehta, James Levine, Mariss Jansons, Walerij Giergijew, Jesús López Cobos, Jerzy Maksymiuk, Jan Krenz, Jerzy Semkow, Jacek Kaspszyk, Gabriel Chmura, Agnieszka Duczmal. Był wielokrotnie zapraszany do wykonania koncertu fletowego Krzysztofa Pendereckiego pod batutą kompozytora. W 2010 roku Łukasz Długosz miał swój debiut fonograficzny z London Symphony Orchestra. Artysta dokonał wielu nagrań radiowych i telewizyjnych w kraju i za granicą. Jego koncerty były wielokrotnie transmitowane przez najważniejsze rozgłośnie radiowe takie jak: BBC Radio 3, NDR, SWR, BR4, Deutschland Radio Kultur, Polskie Radio 2, Radio France, RMF Classic. Do tej pory powstało ponad 250 utworów jemu dedykowanych, które po prawykonaniu nadal są promowane i uwieczniane fonograficznie. Zarząd Główny Stowarzyszenia Polskich Artystów Muzyków przyznał artyście statuetkę Orfeusz 2016. Prezydium Zarządu Głównego Związku Kompozytorów Polskich przyznało artyście Nagrodę Honorową Związku Kompozytorów Polskich. Za wybitną działalność kulturalną i promocję kultury polskiej Łukasz Długosz otrzymał Nagrodę Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz medal Zasłużony Kulturze Gloria Artis oraz został odznaczony przez Prezydenta RP zaszczytnym Orderem Odrodzenia Polski i otrzymał tytuł profesora sztuki. Prowadzi klasę fletu w Akademii Muzycznej w Gdańsku.

[ulkaralakbarova]

Madrid, summer 2011. Economic crisis. 15-M movement and 1.5 million pilgrims waiting for the Pope’s arrival live side by side in a Madrid that’s hotter and more chaotic than ever. In this context, detectives Velarde and Alfaro must find what seems to be a serial killer. Their against-the-clock hunt will make them realise something they’d never imagined: neither of them are so very different from the killer. Credits: TheMovieDb. Film Cast: Luis Velarde: Antonio de la Torre Javier Alfaro: Roberto Álamo Andrés Bosque: Javier Pereira Alonso: Luis Zahera Bermejo: Raúl Prieto Rosario: María Ballesteros Amalia: Teresa Lozano Juana: Rocío Muñoz-Cobo Sancho: José Luis García Pérez Amparo: Mónica López Padre Raúl: Andrés Gertrúdix Rubio: Jesús Caba Céspedes: Alfonso Bassave Forense: Raquel Pérez Lorna: Anna Laserna Nico: Aitor Calderón Cano: Javier Tolosa Travesti 1: Estefanía de los Santos Travesti 2: Diego París Gabriel: Ciro Miró Mariño: Josean Bengoetxea Juanma: Chema Tena Sobrina Barrio Salamanca: Andrea Dueso Vecina Cotilla: Carmen Utrilla Conserje Casa Alfaro: Luis del Valle Anciana 1: María Antonia Pérez Anciana 2: Carmen Esteban Anciana 3: Silvia Casanova Médico Amalia: Juan Verdú Elena: María de Nati Rafael March: Francisco Nortes Film Crew: Producer: Gerardo Herrero Editor: Fernando Franco Executive Producer: Mariela Besuievsky Writer: Rodrigo Sorogoyen Producer: Mercedes Gamero Casting: Juana Martínez Producer: Mikel Lejarza Assistant Director: David Pareja Writer: Isabel Peña Director of Photography: Alejandro de Pablo Editor: Alberto del Campo Production Design: Miguel Ángel Rebollo Producer: Javier López Blanco Delegated Producer: José Torrescusa Hairdresser: Paco Rodríguez H. Line Producer: Iñaki Ros Original Music Composer: Olivier Arson Casting: Natalia Rodríguez Delegated Producer: Winnie Baert Makeup & Hair: Milu Cabrer Movie Reviews:

[laguaridadelnagual]

Alistan BIME, el festival donde se conocerá la música del futuro

BIME, el encuentro internacional de industria musical de referencia mundial espera reunir en Bogotá, del 8 al 11 de mayo, a más de 2 mil profesionales en torno a una completa programación, con casi un centenar de actividades y más de 60 conciertos donde se darán a conocer las estrellas del futuro Bogotá está ya lista para dar la bienvenida a más de 2.000 profesionales, artistas, estudiantes, instituciones, marcas y agentes de todo el mundo en la decimocuarta edición de BIME, el encuentro de referencia de la industria musical, que completa hoy su programación con la participación de cerca de 200 expertxs y artistas. Una cita de cuatro días que convertirá la capital colombiana en el catalizador de cambio y epicentro de innovación para construir en conjunto el próximo capítulo de la industria musical. En su parte conferencial, BIME Pro, contará con una amplia representación de actores clave del sector a nivel mundial. A los nombres ya confirmados hasta la fecha, se unen algunxs de la talla de la artista y compositora argentina La Joaqui (AR); Christopher Breedlove (US), director de activación cívica de Burning Man Project; Tomas Cookman (US), director de Nacional Records y de LAMC; Alex Hackford (US), responsable de Asuntos Musicales Creativos de PlayStation; Ashley Carman (US), reportera de Bloomberg News; Janet López (US), supervisora musical y fundadora de Agave, Music & Media; Ángela Cortés Ramón (ES), directora de desarrollo de capítulos de We Make Noise; Jorge Navarro (MX), director de desarrollo de alianzas estratégicas de Youtube; Carolina Rodriguez (ES), dirección de comunicación y proyectos de APM; Tito Leconte (AR), socio gerente de DALE PLAY; Paula Raez (ES), secretaría de la Asociación de Mujeres de la Industria de la Música (MIM); Andrés Shaq (CO), director A&R de Warner Music Group; Fernando Escobar (CO), director de CMN Colombia; Leonor C. Suárez (US), fundadora de SHE-LION; o Julio Leiva (AR), periodista y ex-director de Filonews; entre otros muchos. Una programación creada por y para toda la industria, con un intenso calendario de actividades que dará comienzo el día 8 de mayo con la participación de Enrique Bunbury (ES) junto a Leila Cobo (CO/US), directora ejecutiva de Billboard, en una conversación inaugural que tratará de desgranar la carrera del artista español; y que continuará con más protagonistas como la española Lola Índigo (ES), una de las artistas más destacadas del panorama musical actual, profesionales como Maykol Sánchez (US), director de música para Latinoamérica de Spotify; Daouda Leonard (US), fundador y CEO de Createsafe y manager de la artista Grimes; Rocío Guerrero (ES), responsable de música latina Iberia en Amazon Music; Brigitte Baptiste (CO), rectora de la Universidad Ean; o Luis Giraldo (CO), de Bichota Records y padre de la artista Karol G. Además, BIME Pro acogerá conversaciones en torno a las principales tendencias de la industria musical como el papel de TikTok en el desarrollo de las carreras artísticas, el fenómeno de los estadios, el desarrollo y exportación de talento latino, los retos de la sostenibilidad en los espectáculos en vivo y los caminos para vincular a las audiencias, la fascinante historia del movimiento cultural y musical de la República Dominicana: el dembow, el impacto global de la música mexicana, el estado de la música latina y su alcance global sin precedentes, las nuevas dimensiones creativas y legislativas que ofrece la Inteligencia Artificial, el arte y el método de hacer grandes canciones, las oportunidades creativas de la música en los videojuegos, o los nuevos modelos de negocio. BIME LIVE. EL FESTIVAL DONDE CONOCER A LXS ARTISTAS DEL FUTUROA los más de 30 artistas anunciados recientemente, se suman otra decena con una gran representación de talento local colombiano como la nueva propuesta de sonido fresco y rap colombiano de Kei Linch (CO); el indie folk latinoamericano de Coco Ramé (CO), la artista argentina Lara91K (AR) con su hip hop de vanguardia y producción contemporánea; La Farmakos (CO), fusionando se esencia rapera con los sonidos de la cumbia; la orquesta de salsa brava de Bogotá La Pambelé (CO), el energético show pop-rock de Armenia (CO), el rapero colombiano Kriska (CO), las canciones y rimas de calle y vida de El Kalvo (CO), el sonido y movimiento exótico de Los Dioses del Ritmo (CO); la banda de cumbia radioactiva de Ecuador Papaya Dada (EC); el indie pop rock del quinteto Niña Lobo (UY); o la rapera uruguaya Eli Almic (UY), entre otros. Una celebración de la música que apuesta por el nuevo talento artístico, y por acercar su programación al público profesional que se da cita en BIME, y a la ciudad de Bogotá, con plazas de acceso libre para el público general (limitadas al aforo).En este marco, BIME Live contará con un showcase de clausura de la artista española Lola Índigo (ES), el viernes día 10 de mayo. Reconocida por su poderosa presencia escénica y su singular estilo musical, ha logrado posicionarse como una de las figuras femeninas más prominentes de la música en español. Su multitudinaria gira por España acumuló más de 300.000 asistentes, alcanzando un sold out para 2025 en el estadio Santiago Bernabéu. Este evento brindará a los asistentes la oportunidad de disfrutar de un show en el corazón de la ciudad, consolidando el impacto y la relevancia de Lola Índigo en la escena musical actual.

BIME Start Up! También se desvelan los nombres de las startups que formarán parte de BIME Start Up!, el programa de BIME para aquellos que buscan acelerar su negocio. Pro Indie Music, Snafu Song Fund, Son Gain, Gudmerch, Cactus Music, y Giggin, han sido las propuestas empresariales más disruptivas seleccionadas en convocatoria abierta para formar parte de StartUp Village, zona de exposición ante inversores; y en StartUp Competition, donde competirán por el MeetLatam Accelerator, y una asesoría one to one con el programa de Google Startups que entregará hasta 350.000 USD en créditos de Google Cloud. BIME Campus Además, BIME Campus, de la mano de la Fundación SGAE, ofrecerá un valioso programa de formación, en el que los asistentes recibirán de la mano de expertxs del sector masterclasses relacionadas con la gestión colectiva y la Inteligencia Artificial, la internacionalización de artistas, supervisión musical, cómo dominar el arte de la conversión con los medios de comunicación, o los datos clave en el mundo de la gestión cultural para la industria de la música. Además, estudiantes y aspirantes menores de 28 años podrán acceder a todo el contenido de BIME Campus con descuento de estudiantes.

LA CITA INELUDIBLE DE LA INDUSTRIA MUSICAL El programa está disponible en bime.org y el encuentro se podrá seguir de manera online mediante la plataforma, ya activa en la misma web y en la app.BIME se ha consolidado como un espacio de referencia internacional y un sólido puente de internacionalización entre Europa y América. Con el objetivo de fomentar las colaboraciones de profesionales y artistas, y facilitar la puerta de entrada a ambos continentes, es ya considerado uno de los grandes altavoces y espacios de visibilización para profesionales de todo el mundo. El diálogo y el networking está siempre disponible a través de bime.org y su plataforma online que se mantiene activa durante los 365 días y permite participar desde todas partes del mundo, además de acceder al networking en cualquier momento. El lugar de encuentro virtual donde mantenerse en conexión con profesionales de la música a nivel mundial, y donde volver a ver los debates y ponencias que tuvieron lugar durante las ediciones anteriores.

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[adribosch-fan]

Los Kirchner, la corrupción y el periodismo cómplice

Por Marcelo López Masia ¿En qué momento se pudrió el oficio de periodismo en Argentina? Hubo un punto de quiebre muy puntual: el 25 de mayo de 2003 con la llegada de Néstor Kirchner a la Casa Rosada. Los K corrompieron y trastocaron desde entonces todo lo bueno que tocaron: -Las organizaciones de Derechos Humanos -Buenos dirigentes políticos que se volvieron “transversales” como Julio Cobos…

[concienciasolidariaong]

DIPUTADOS: NO REMATEN EL AMBIENTE.

Desde las organizaciones sociales y ambientales de todo el país, exigimos a los diputados nacionales, de todos los partidos, que rechacen categóricamente las modificaciones a la Ley de Glaciares; NO CEDAN AL LOBBY MINERO. Es menester la custodia de leyes en materia ambiental. Leyes que se lograron con años de organización y ardua lucha.

Traer a menos estas normativas, implicaría un retroceso gravísimo frente a la crisis climática mundial, que pide a gritos, sea atendida, con verdadera conciencia y políticas de prevención, y lejos está de la entrega a las corporaciones, de nuestros bienes comunes. La regresión en material ambiental, es inadmisible.

El proyecto de ley ómnibus, pone en riesgo, en materia ambiental, nuestros ecosistemas y sus comunidades.

SIN AGUA Y SIN TIERRA, NO HAY VIDA.

Fernanda Avila @avilafernandaok

Sebastián Nóblega @sebastiannoblega

Silvana Micaela Ginocchio @silvanamicaelaginocchio

Dante López Rodríguez @lopez_rodriguez_dante

ubone @fabiolaaubone

Jorge Chica @jorgechica

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Ancient Airs and Dances, Suite No. 2, P 138: IV. Bergamasca · Ottorino Respighi - Jesús López-Cobos - Orchestre de Chambre de Lausanne

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FRANCISCO JAVIER CANTERO SE DESQUITA PARA CONQUISTAR LA X CHALLENGE VUELTA A SEVILLA

El Specialized-Fundación Alberto Contador repite triunfo en Triana de la mano de Cristian Torres, pero cede la victoria en la general al granadino del Bicicletas Rodríguez FRANCISCO JAVIER CANTERO SE DESQUITA PARA CONQUISTAR LA X CHALLENGE VUELTA A SEVILLA 26.07.2015. El granadino Francisco Javier Cantero (Bicicletas Rodríguez-Extremadura) se ha proclamado este mediodía vencedor de la X Challenge Vuelta a la Provincia de Sevilla para corredores élite y sub 23, organizada por el Club Deportivo Ciclista Antonio Gómez del Moral, tras la disputa de la segunda etapa, una XVI Clásica Velá de Triana en la que el Specialized-Fundación Alberto Contador ha vuelto a llevarse el triunfo parcial por medio del albaceteño Cristian Torres, si bien su compañero Juan Camacho no ha podido retener el liderato que conquistara el sábado en Dos Hermanas. Cantero ha entrado sexto en la meta de la Plaza del Altozano, tres puestos por delante de su rival, lo que le ha valido para hacerse con la victoria final y desquitarse así de la segunda plaza que logró tanto el año pasado en la ronda como el sábado en la prueba nazarena. La clásica trianera ha resultado muy nerviosa desde el arranque, ya que nada más darse la salida se ascendía al primer alto puntuable, el de Castilleja de Guzmán. Allí, el primero ha sido el exprofesional jiennense José Luis Carrasco, que mediada la etapa repetiría en Las Doblas para anotarse el gran premio de la montaña. Los corredores del Mutua Levante-València Terra i Mar eran los más activos en las fugas, primero con el cordobés Miguel Muñoz y luego con el alicantino Julio A. Amores. Sin embargo, el primer movimiento consistente lo protagonizaría el dúo formado por otro cordobés, José Luis Cobo (Andalucía), y el manchego Pedro Merino (Supermercados Froiz), quienes llegaron a acumular 50” de renta sobre el pelotón hacia el kilómetro 40. Tras el reagrupamiento y el paso por Las Doblas y Sanlúcar la Mayor saltó un octeto que, liderado por Bicicletas Rodríguez y Seguros Bilbao, llegó a disponer de un minuto de ventaja. Por detrás, el Specialized del líder se encargaba de controlar y volvía a lograr neutralizar la escapada ya a la entrada de Sevilla, pero el conjunto extremeño no se conformaba y lanzaba un nuevo órdago de la mano de Cantero y su compañero Juan José Tamayo, quienes rodaron unos minutos por delante hasta ser capturados por el pelotón, que enfilaba así la Ronda de Triana dispuesto a disputar un ‘sprint’ masivo con un centenar de corredores. En la recta adoquinada y luego enlosada de San Jacinto, el Specialized volvía a llevarse el gato al agua con Cristian Torres, más rápido que el argentino Jorge Martín Montenegro y que el gallego Daniel López (Caja Rural), pero su compañero Camacho entraba noveno y no podía rematar la exhibición del conjunto que apadrina el campeón de Pinto ni reeditar la victoria de López-Cózar en 2014. El ciclista de Armilla Francisco Javier Cantero se lo impedía y premiaba así el esfuerzo de su equipo, el Bicicletas Rodríguez-Extremadura, que ya se había llevado la ronda hispalense en 2013 por medio de Daniel Sánchez Cidoncha. Creciente apoyo institucional y privado La X Challenge Vuelta Ciclista a la Provincia de Sevilla está organizada por el CDC Antonio Gómez del Moral, con el patrocinio de la firma Deporinter y la colaboración de los ayuntamientos de Dos Hermanas y de Sevilla; la Junta de Andalucía y la Diputación de Sevilla. De igual modo, colaboran con el evento la Fundación Cajasol, Cruzcampo, Coca-Cola, Škoda Cartuja Motor, Ciclos Cabello, Bicicletas Nono, la Real Federación Española de Ciclismo (RFEC) y la Federación Andaluza de Ciclismo (FAC). DECLARACIONES Cantero: “Este triunfo me sabe a gloria” Francisco Javier Cantero (Bicicletas Rodríguez-Extremadura) ha sido el brillante vencedor de la X Challenge Vuelta a Sevilla, y estaba en la meta lógicamente radiante de felicidad: “Este triunfo me sabe a gloria después de varios años en los que estuve casi a punto de ganar (el año pasado fue 2º y antes 7º en 2010, 8º en 2012 y 14º en 2011). Ya tenía ganas de conseguirlo”, recalcaba el ciclista granadino. Natural de Armilla, Cantero se desquitaba así del segundo puesto del sábado en Dos Hermanas: “Ayer lo probé a falta de diez kilómetros, pero Camacho me alcanzó y en la llegada me pilló cansado, me arrancó de lejos y me ganó por poco. Hoy teníamos la baza de que yo era más rápido sobre el papel, pese a que la llegada era difícil por el adoquín y el estrechamiento, pero mis compañeros me han lanzado fenomenal y hemos logrado el objetivo”, resumía el velocista del Bicicletas Rodríguez. Cantero, no obstante, intentó sorprender de lejos, como si no las tuviera todas consigo: “Hemos visto que el líder flaqueaba y estaba sin equipo y lo hemos intentado, pero el Atika venía lanzado para el ‘sprint’ y hemos desistido para ya intentarlo en la llegada”. La de hoy en Triana es la segunda victoria de la presente temporada para Cantero, de 24 años, que ya se había impuesto en junio en el Campeonato de Extremadura (aunque en su condición de andaluz no disputaba el título) y también había hecho podio en la Vuelta a Murcia. Torres: “Ya me tocaba levantar cabeza” Cristian Torres (Specialized-Fundación Alberto Contador) ha sido el más rápido en la meta del Altozano tras una jornada en la que “se ha ido más deprisa que ayer. El equipo ha ido controlando y a falta de 20 kilómetros hemos echado abajo la fuga y he podido ganar en el ‘sprint’. La lástima es que hemos perdido el liderato ante Cantero, que es bastante más rápido que mi compañero”. El ciclista de Caudete (Albacete), que ha cumplido 20 años en abril, ha podido celebrar así su primera victoria del año y como sub 23 tras una temporada 2014 en la que estuvo enfermo casi todo el curso por una mononucleosis. “Ya me tocaba levantar cabeza”, decía contento sobre el Puente de Triana. Esa enfermedad le hizo perderse la ronda hispalense el año pasado, cuando ganó su compañero López-Cózar: “Sí, el pasado año no pude venir. La verdad es que este año ha habido más nivel y equipos de más prestigio y eso se ha notado en la velocidad a la que se ha ido”, explicaba un Cristian Torres feliz. Read the full article

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Congratulations @delmonico_books and all of the co-publishers whose books have been nominated for the CAA's prestigious 2023 Book Awards!⁠ ⁠ ALFRED H. BARR JR. AWARD FINALISTS⁠ 'The Portable Universe / El universo en tus manos: Thought and Splendor of Indigenous Colombia,' copublished with @lacma⁠ Edited with text by @jubious.ch Héctor García Botero, Diana Magaloni, María Alicia Uribe Villegas. Introduction by Wade Davis. Text by Luis Cayón, Francisco Chimontero Nuibita Dingula, Juan Fernando Cobo Betancourt, Tom Cummins, Ana María Falchetti, Santiago Giraldo, Ariel James, Carlos David Londoño Sulkin, Carlos E. López, Santiago Muñoz Arbeláez, Carlo Emilio Piazzini Suárez.⁠ ⁠ 'Hayao Miyazaki,' copublished with @academymuseum⁠ By Jessica Niebel. Foreword by Toshio Suzuki. Text by Pete Docter, Daniel Kothenschulte.⁠ ⁠ ALFRED H. BARR JR. AWARD FOR SMALLER MUSEUMS, LIBRARIES, COLLECTIONS, AND EXHIBITIONS FINALISTS⁠ 'Michael Rakowitz: Nimrud,' copublished with @wellinmuseum ⁠ Edited with text and interview by @kalcausk Introduction by Tracy L. Adler. Text by Rijin Sahakian.⁠ ⁠ 'Afro-Atlantic Histories,' copublished with @masp⁠ Edited with text by @adrianopedrosa & @tomastoledo Text by Ayrson Heráclito, Deborah Willis, Hélio Menezes, Kanitra Fletcher, Lilia Moritz Schwarcz, Vivian Crockett.⁠ ⁠ The winners of the three prizes, along with the recipients of other Awards for Distinction, will be announced in January 2023 and presented during Convocation in conjunction with CAA’s 111th Annual Conference, February 15–18, 2023.  ⁠ ⁠ Read more via linkinbio.⁠ ⁠ @caavisual #bookawards #caabookawards #delmonicobooks https://www.instagram.com/p/CllzY53u7e-/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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“La canción española de concierto se está perdiendo”

[Pablo García López (Córdoba, 1988). la foto es de Juan Carlos Vázquez]

El tenor cordobés Pablo García-López acaba de presentar un disco de producción propia en el que, acompañado por el pianista Aurelio Viribay, ofrece canciones de cuatro compositores españoles

Pablo García-López (Córdoba, 1988) aprovechó el confinamiento de la primavera para grabar un disco que reúne dos de los ciclos de canciones más populares de la música española del siglo XX (las Seis Canciones de Toldrá y las Canciones playeras de Esplá) con piezas poco conocidas de dos maestros cordobeses fallecidos en los últimos quince años, Joaquín Reyes y Ramón Medina.

–¿Lo había hecho mucho en concierto? –Sí. Llevo años trabajando con Aurelio [Viribay] sobre este repertorio y dándole vueltas a la idea de grabarlo. Pero las agendas no cuadraban nunca. Hasta el confinamiento. Es, por un lado, un proyecto muy personal, y eso es algo que me mueve mucho, pero por otro me parecía muy importante, porque la canción española de concierto se está perdiendo. Sobre todo en las interpretaciones de hombres. Al contrario de lo que pasa en Alemania con el lied, aquí, la canción española, que un día hicieron Kraus o Carreras, está dejando de ser cantada por voces masculinas. Hay muy poca gente que la haga. José Antonio López, quizás, y pocos más. Me apetecía volver a poner en valor esta música desde una visión más joven. Junto a Aurelio, que tiene ese poso de la tradición, creo que hemos llegado a un punto intermedio muy interesante.

–¿Cómo hizo la selección del programa? –Toldrá y Esplá son conocidos por todos los aficionados. He crecido con estas canciones, las que empecé a escuchar cuando estudiaba canto. Me enamoré de la música española por ellas. Y yo quise añadir las canciones, mucho menos difundidas, de Joaquín Reyes, que fue Director del Conservatorio de Córdoba, y de Ramón Medina, un compositor al que conocí y para quien tuve la suerte de cantar cuando era muy joven. Había escuchado su música en el Conservatorio. Cuando la analicé en profundidad me di cuenta de que son canciones que aúnan gran calidad musical y un cuidado exquisito por realzar el poema. En los dos se aprecia un auténtico esfuerzo por destacar el sentido de los textos. Hay algunas canciones extraordinarias. La adelfa de Medina, por ejemplo, es una joya, es una de las canciones más inspiradas de todo el disco.

–Es usted más conocido como cantante de ópera. –Sí, ¿verdad? Pues mi corazón, mi espíritu son más liederistas que operísticos. Durante el confinamiento cada día he cantado dos lieder de Schubert. Era lo que me hacía la terapia. Yo viví en Alemania y allí me enamoré del lied. Es verdad que por mis cualidades técnicas y a lo mejor mi vis dramática en la ópera funciono bien, pero yo quería que la canción y el lied estuvieran muy presentes en mi carrera. Hice ya una Bella molinera con Simon Lepper en Londres y en el Centro Botín de Santander. He hecho mucho recital de concierto con Aurelio. En noviembre pasado estuve en China cantando las Canciones de Falla con orquesta. Es verdad que quizá la ópera se ve más. Es un mundo más llamativo. Pero el lied es lo que me hace conectar con lo que soy auténticamente. Aunque de primeras pueda parecer muy extrovertido, soy en realidad muy reflexivo y tengo un carácter algo melancólico. Además, mi voz está en el momento perfecto para hacer estas canciones. Tengo una voz fresca, muy clara, muy flexible; puedo acortar mi vibrato, hacer que el texto resalte mucho. Si sirve para que la gente me conozca en algo distinto ya está bien empleado el disco.

–De momento sus papeles operísticos son los de tenor ligero. ¿Piensa seguir en ese terreno o se plantea ya afrontar algo de mayor peso lírico? –Aunque mi registro puede llegar muy grave y mi color es aterciopelado no me quiero engañar y quiero saber dónde estoy. Mi voz es muy fresca y debo de mantenerme en un repertorio en el que no sufra. Creo que en Mozart hay una línea perfecta, la que llega hasta Tamino. Y es lo que interpreto. Poco a poco sí quiero hacer algún belcanto más. Hice L’elisir d’amore y me fue muy bien. Nemorino es un papel para mi voz. Creo que cuando la voz está fresca todo puede resultar tentador, pero quiero mantenerla fresca cuantos más años mejor. Por otro lado, los intérpretes tenemos la obligación de investigar y sacar a la luz otras cosas. Hay muchas obras barrocas por ejemplo que hay que ofrecer con visiones nuevas, o estas canciones, ciclos de lied y óperas contemporáneas, por ejemplo, que he hecho muchas. Creo que es un deber del intérprete.

–Ya que habla de cosas barrocas acaba de venir de hacer un proyecto en Oviedo con Forma Antiqva. ¿Era la primera vez que trabajaba con un conjunto barroco? –Había hecho con ellos la Pasión según San Juan. Tengo que confesarle que el Barroco es mi pasión, pero lo he hecho muy poco. Por suerte, se me está abriendo este camino. En esta Isla locura de Oviedo creo que la gente pudo acercarse a una interpretación barroca nueva, y entró muy bien. Tengo algún proyecto más con otro grupo barroco, a ver si sale.

–No ha debutado todavía en el Teatro de la Maestranza. ¿Hay alguna perspectiva en los próximos años? –Eso espero. Javier Menéndez me ha llamado. Estamos viendo qué hacer. Hay un proyecto interesante para mi primera presencia en el teatro, algo que tampoco hago mucho y de lo que no puedo hablar públicamente. Sinceramente, no entiendo por qué no he estado antes. Me llamó en su día la ROSS, hice un proyecto con la orquesta, pero no sé por qué el teatro no lo hizo. Me gustaría venir más a Sevilla. Me encanta el Maestranza, me encanta la ciudad.

–¿Cómo se lleva con los programadores españoles? –Bien. Lo importante es que el programador sea una persona culta que mire más allá del artista. A veces me he llevado sorpresas de cosas que me han propuesto, que yo no veía y al final el programador tenía razón. En general, me siento bastante bien tratado por todos los programadores que valoro. Aunque es cierto que creo que los artistas españoles deberíamos tener más oportunidades. Si queremos cuidar la cantera de cantantes tendríamos que mirar la oportunidad que dan los alemanes a sus cantantes o los franceses a los suyos. Es importante apostar por los cantantes jóvenes, hacer repartos jóvenes, como se ha hecho en Oviedo, o en el Centro de Perfeccionamiento Plácido Domingo en Valencia, del que fui parte. Y aquí quiero romper una lanza en favor de Helga Schmidt, que hizo mucho por los cantantes jóvenes, españoles y no españoles. Muchos cantantes de mi generación le debemos mucho a Helga Schmidt. Como Mattia Olivieri, que está todos los años en la Scala, Olga Peretyatko e incluso Gregory Kunde, ya maduro, pero también. A mí me ayudó y me aconsejó sobre cosas que he entendido con los años.

[Pablo García-López. La foto es de Juan Carlos Vázquez]

–¿Y con los directores de escena qué tal se lleva? –No he tenido muchos problemas. Preparo con mucho tiempo las cosas, musical y escénicamente. No me gusta la improvisación. Cuando llego al teatro y veo que algo no está bien argumentado, sí que me paro y pregunto por qué vamos por ese camino. Yo voy a poner mi trabajo de meses para que la visión de ese director salga adelante, y quiero que me convenza, que me cuente por qué lo hace. En realidad he tenido más rifirrafes con directores musicales. Me llevo también bien con prácticamente todos. He trabajado con Mehta, Juanjo Mena, Chailly, López Cobos, Hernández Silva… Gente con la que puedes dialogar, que te convence. Con quien no puedo es con el dictador, con ese me suelo llevar mal.

–¿Tiene algún icono como cantante? –Fritz Wunderlich es un ejemplo a seguir por su repertorio y su forma de afrontarlo. Y en las grabaciones con orquesta es impresionante cómo lo acompañan, cómo su voz puede salir plena, cómo no lo ahogan, cómo están con él. Eso me encanta. Me fijé mucho en él como músico más que en su voz. Luego, Anne-Sophie von Otter es un modelo. Da igual que cojas grabaciones del principio de su carrera que del final. Está en todas estupenda. Ella es de las cantantes que me cuenta siempre algo interesante con sus interpretaciones, me descubre siempre algo nuevo del lied, de esa sinfonía de Mahler... Me fascina. Y en España, a María Bayo la he tenido como ejemplo en el mundo barroco, la zarzuela, la música española... Es una mujer que ha abierto muchas puertas. Ahora tengo la suerte de tenerla como amiga. Me ha ayudado a tomar algunas decisiones importantes.

–Sigue trabajando con un profesor... –Sí, sigo teniendo profesor en Berlín. Se llama John Norris, es estadounidense. Sigo preparando con él todos los roles. Él se basa mucho en la postura, en la parte física y efectiva del sonido. Es muy certero, muy preciso. Me siento muy cómodo, porque yo necesito sentir mucho lo que hago en el cuerpo. Creamos juntos. En Berlín encuentro una energía especial. Voy y parece que todo resulta más fácil para mí.

–Algún papel con el que sueñe. –Me gustaría hacer Wagner. No sé si podré hacerlo, porque dependerá de cómo evolucione mi voz y si puedo con la orquesta, pero… Me encantaría hacer Mime de Das Rheingold. Creo que haría una versión personal y distinta, quizás más como un niño que está jugando. Rake’s Progress también me interesa mucho, y quizás pueda hacerla en unos años. Y Tito [de La clemenza di Tito de Mozart]. Creo que para Tito necesito unos años de madurez. El personaje tiene algo en que la vida le ha pasado un poco de factura, y todavía mi aspecto y mi voz me parecen demasiado claros.

–Sus proyectos más inmediatos. –Voy a hacer Manon Lescaut en Navarra y Capricho en la Ópera de Zúrich. Luego tengo un proyecto mozartiano en Suiza también para el próximo verano. Estaré con la Orquesta Nacional. Y hay algunos proyectos en marcha con el Teatro Real. Creo que los músicos de mi generación vamos encontrando nuestro sitio. Es importante ir a lo que tú quieres hacer. Aunque siga haciendo ópera, yo quiero ir a ciertos títulos que me interesan mucho: Mozart, por supuesto, pero también barrocos y otro tipo de repertorios, cámara, barroco con ensembles…

[Diario de Sevilla. 16-11-2020]

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Participó el IMM en la construcción del Estándar de Competencia “La incorporación de la perspectiva de género en las políticas públicas estatales”

El objetivo de este Estándar, es certificar a las personas titulares de las Unidades Institucionales de Igualdad de Género, en las entidades estatales.

En representación de la presidenta del Instituto de la Mujer para el Estado de Morelos (IMM), la Dra. Guadalupe Isela Chávez Cardoso, la especialista en transversalización de la perspectiva de género, la Mtra. Cristina Cobos López, participó en la construcción del Estándar de Competencia “La incorporación de la perspectiva de género en las políticas públicas estatales”. Esta acción, fue…