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Sabrina Diamanti by Francesco Francia

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Above: the Maryinsky Ballet in the Diamonds section of Jewels. Photo: Kassir St. Petersburg

The New York Times has several new articles on the New York City Ballet to mark its 75th Anniversary Season, which opens Sept. 19. I'll be posting them all.

CITY BALLET AT 75

The Long Life and Long Reach of George Balanchine’s Butterflies

Balanchine didn’t think his ballets would last. But many have become classics, the cornerstone of repertory not just at City Ballet but around the world.

By Brian Seibert

While celebrating its 75th anniversary this fall, New York City Ballet is performing 18 ballets by its founding choreographer, George Balanchine. But to get a sense of the global standing of Balanchine, 40 years after his death, other numbers might be more telling. Last year, for instance, around 50 other ballet companies across the world performed his works, about 75 dances in total.

Balanchine likened his ballets to butterflies: “They live for a season.” But they have lasted much longer than that. They have become classics, cornerstones of the international repertory, 20th-century equivalents of 19th-century staples like “Swan Lake,” danced everywhere by all the major ballet companies and most of the minor ones, too.

These ballets, like Balanchine, emerged from the same Russian Imperial tradition as “Swan Lake,” but were shaped—as he was—by America, and by modernism and other 20th-century searches for the new. Always intimately connected to music, they sometimes told stories and sometimes, like music, were more abstract arrangements of forms and energies. They stretched ballet—in technique, in how daring and dynamic it could be, in how little outside of itself it needed — and were unparalleled in range and influence, so much so that the state of ballet is often framed as a question: Where is the next Balanchine?

City Ballet still performs by far the most Balanchine—the most ballets, the most often—but performances by other companies probably reach as many or more people, certainly in more places. All these performances, though, are connected to New York City Ballet, because the dissemination of his works remains a matter of lineage—of connections to Balanchine.

Above: Ballet Imperial (Tchaikovsky Piano Concerto #2) performed by the Paris Opera Ballet, with Valentine Colasante and Pablo Legasa. Photo: Agathe Poupeney

Before City Ballet became a durable laboratory and library for Balanchine’s choreography, he often worked as a choreographer for hire. That’s why American Ballet Theater dances “Theme and Variations,” which he made for that troupe in 1947. But few of the companies he created works for have survived, and most of the works that survived are those that became part of the City Ballet repertory. The company was the hub from which his influence radiated.

In the early years of the company, Balanchine sometimes staged works for European troupes with which he was connected: Paris Opera Ballet, the Royal Danish Ballet, what became the Royal Ballet. The reception to his innovations, especially the more radical ones, was highly variable, both abroad and in the more ballet-bereft country he had made his home. There, Balanchine was both generous and prudent with his ballets.

“He was giving them away for free, but he was in control,” said Jennifer Homans, the author of “Mr. B: George Balanchine’s 20th Century.” “Looking at the correspondence, you can see he was careful about who could do it and who couldn’t, and about which ballets could be done by others and which couldn’t.” He staged them himself, or he sent people he trusted. Francia Russell danced with City Ballet from 1956 to 1961. Since 1964, when she became a ballet master at the company, she has staged more than 200 productions of Balanchine ballets for other troupes. “They weren’t many people doing it at the beginning,” she said. “At first, I staged only ballets that I had actually danced.” Later, it became possible to consult films, but Russell didn’t use them much. “I always said I���m staging them the way I danced them when with Mr. B was with us.”

Left: Ida Praetorius and Jón Axel Fransson of the Royal Danish Ballet in Ballo della Regina. Photo: Henrik Stenberg Right: Pacific Northwest Balllet's Carrie Imler in Apollo. Photo: Angela Sterling

It was during the 1960s that City Ballet became a dominant institution, with a custom-built theater in the new Lincoln Center. An exceptionally large grant from the Ford Foundation put City Ballet and its affiliated School of American Ballet at the helm of a program to support ballet and ballet education. Following Balanchine’s recommendations, the foundation granted seed funding to regional troupes like Boston Ballet and Pennsylvania (now Philadelphia) Ballet. Balanchine granted these fledgling companies something nearly as important: some of his works, free of charge.

That process continued as members of City Ballet founded their own companies or became artistic directors. Arthur Mitchell, the company’s first Black principal dancer, erected the repertory of Dance Theater of Harlem, founded in 1969, on a foundation of Balanchine pieces. Some City Ballet dancers found leadership roles in Europe, like Patricia Neary in Switzerland. In 1977, Russell and her husband, Kent Stowell, moved from Frankfurt Ballet to Pacific Northwest Ballet in Seattle and built it into another outpost of Balanchine repertory.

“Mr. B said he trusted me to only ask for the ballets I thought our dancers could do,” Russell said. “And whatever we wanted, it was ‘Of course, dear.’ He never asked for a penny.” These ballets, she added, “were an education in classical dance for our dancers,” a sentiment commonly voiced by artistic directors. After Balanchine’s death, in 1983, the City Ballet diaspora spread further. In 1985, Edward Villella, a City Ballet star of the 1960s and ’70s, transformed Miami City Ballet into a Balanchinian troupe. That same year, Helgi Tomasson, after dancing with City Ballet for 15 years, became artistic director of San Francisco Ballet, a post he held until 2022. None of these and other companies led by City Ballet alumni danced Balanchine exclusively, but there was a family connection. Successors were often in the family, too. Russell and Stowell were followed (in 2005) by Peter Boal, Villella (in 2012) by Lourdes Lopez, both former principals at City Ballet and alumni of its school.

Above: the San Francisco Ballet in Divertimento #15. Photo: Dave Morgan

By this point, acquiring a Balanchine work was no longer “Of course, dear.” Skeptical that his works could last without him, and never much interested in posterity, he left his ballets in his will not to City Ballet but to 14 dancers and colleagues. The George Balanchine Trust was formed in 1987 to bring some order and stability to the licensing and restaging. The stagers it authorized were all dancers who had been with Balanchine in the classroom and rehearsal studio.

Now Balanchine works circulated to places where they had not before been part of the repertory. Russell was the first to stage one in China, in 1987. The next year, she brought one to the Soviet Union — to the institution then known as the Kirov Ballet (now the Mariinsky), where Balanchine had trained in the first decades of the 20th century but where few of the dancers had seen his works or knew much about him.

Always, there have been questions about authenticity. Balanchine frequently changed his choreography—for different dancers and stages—so which was the right version and in whose memory of it? And beyond the steps, was the spirit transferable, the elusive and usually unspoken ideas, the all-important musicality? Disagreements about these questions—applied to companies of dancers not trained in Balanchine’s aesthetic and modifications to technique, but also to City Ballet—were perpetual and often heated. For many viewers, Balanchine after Balanchine wasn’t Balanchine at all, and couldn’t be. Balanchine had suggested as much himself. And now a new phase is coming. As Russell put it, speaking of her generation, “We’re all too old to preserve that tradition in the same way.”

Above: Left: Sandra Jennings of the Balanchine Trust rehearsing Gabriella McCann of the City Ballet of San Diego. Photo: K.C. Alfred Right: Symphony in C, second movement, with Olga Smirnova and Dennis Rodkin of the Bolshoi Ballet. Photo: Damir Yusupov

Lopez, who is 20 years younger, made a similar point. “There aren’t many of us,” she said, “who worked with him and still talk about him as if he were next door.” But she also spoke about dancers, at Miami City Ballet and elsewhere, hungry to learn Balanchine’s aesthetic, dancers born after he died who talk about him as if they knew him.

It is those kinds of people who make Suki Schorer feel positive about Balanchine’s legacy. A City Ballet member from 1959 to 1972, she wrote a book on Balanchine technique and has been teaching at the School of American Ballet for some 60 years. Asked about Balanchine’s influence today, she listed young teachers, trained at the school, who have fanned out across the country.

Silas Farley is one. Born 11 years after Balanchine died, he encountered the Balanchine lineage at the school of North Carolina Dance Theater, which was run by the former City Ballet stars Patricia McBride and Jean-Pierre Bonnefoux. Farley became obsessed with Balanchine lore, which he absorbed deeply at the School of American Ballet and as a City Ballet member from 2013 to 2020.

“I have always had an acute sense that I’m one of the people who has been entrusted with a lot of these ideas and that, God willing, I’ll be here a long time after the people who entrusted those ideas to me,” he said on a call from Southern Methodist University, where he teaches.

His students, he said, are “empowered by all of Balanchine’s cool amendments and extensions of classical technique. They delight in the granular and the grand, the nuances and the capacity to dance more expansively, more freely.” Balanchine’s works, he added, “are such a big part of their understanding of what ballet is.”

Their understanding and everyone else’s. Those works, however altered by time, remain ubiquitous. Nikolaj Hübbe, a Danish dancer who performed with City Ballet from 1992 to 2008 and has led the Royal Danish Ballet ever since, is one of those who believe in their enduring power. “I don’t think I’ve ever worked with a dancer, even if Balanchine was foreign to them, who did not have an epiphany, a wow feeling, dancing his ballets,” Hübbe said. “Our dancers love them, revel in them. There’s a logic that speaks to all classically trained dancers. The choreography sings well. I don’t think that will ever go away.”

Above: Marianela Núñez and the Royal Ballet in Serenade, 2008. Photo: Johan Persson

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Le code secret de l'amour pour passer d'heureux moments… la complicité, les petits gestes tendres… dont chaque baiser est une fleur dont la racine est le coeur Tous les jours, partagez ensemble au moins une chose qui vous a fait rire dans la journée !

[eddy25960]

Claude Verlinde

Nació en Francia el 24 de junio 1927.

Uno de los genios de la pintura contemporanea, de gran sensibilidad, al que se encuadra en unas ocasiones en el surrealismo, postmodernismo, y en otras en el llamado «realismo imaginario»; se le ha llegado a calificar como «El Bosco del siglo XX», realmente diferente y anácronico, muestra claros rasgos de la influencia de los maestros en los que mayormente ha bebido, además de El Bosco, Kronach, Francisco de Goya y James Ensor.

Se formó en la École des Beaux-Arts de París y en la Academia Grande Chaumière.

Desde el primer momento, la riqueza de su pintura, su gran sensibilidad controlada por la técnica, ha hecho que Verlinde sea un indiscutible artista visionario de nuestro tiempo.

[suenosyfantasmas]

Arte: Fracois Batet, (Francisco Batet).

España (1921) - Francia, (2015). Fue un pintor e ilustrador español. Pintura, ilustración, historietas, representación de la figura femenina al estilo Art Deco.

Fuente: Google.com

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[napoleonic-sexyman-tournament]

Compañeros, hermanos, amigos escuchen y regocíjense.

Europa está en caos, el imperio español se está derrumbando, Portugal continúa perdiendo influencia y Francia pelea en demasiados frentes, es hora de unir nuestras fuerzas, nuestros pueblos pelearán por la libertad, por la justicia ¡Por América!

No sólo derrotaremos a los gachupines, portugueses y franceses en el campo de batalla ¡También nos veremos mejor que ellos mientras lo hacemos!

Esta encuesta determinará quién de todas estas sensuales personas latinoamericanas será la que opacará más a los europeos, a la que más gente le encantaría tener en su cama por una noche ¡El mas grande ejemplo de exquisitez latinoamericana!

¿Quieres nominar a alguien para tan aclamado premio? Puedes hacerlo aquí

Reglas:

1. Puedes nominar a todas las personas que quieras, el formulario no tiene un límite

2. Animamos a que manden propaganda (en inglés o español o portugués)

3. Sexy man/hombre sexy es un término sin género, todos, todas y todes son bienvenidos.

4. Serán juzgados en base de las edades que tenían durante las guerras por la independencia y los admins se esforzarán para encontrar los retratos apropiados.

Eng:

Comrades, brothers, friends listen and rejoice.

Europe is in chaos, the Spanish empire is collapsing, Portugal continues to lose influence, and France is fighting on too many fronts. It is time to join forces, our people fight for liberty and for justice. For America!

We will not only defeat the gachupines, the Portuguese and the French on the battlefield. We will also do it while looking better than them!

This contest will determine who among these sexy Latin Americans outshines the Europeans the most, who most people would invite to their bed for a night. The best example of the exquisiteness of Latin America!

Do you want to nominate someone for such an honor? Nominate them here.

Rules:

You can nominate as many people as you want. The form does not have a limit.

Propaganda is encouraged (in English or Spanish or Portuguese)

Sexyman is a gender neutral term.

They will be judged based on the age they were during the wars for independence and the admins will try their best to find appropriate portraits.

La lista hasta ahora/The existing list is here:

Virreinato de Nueva España

México:

1. Agustin de Iturbide

2. Leona Vicario

3. Juan Aldama

4. José Maria Morelos y Pavón x3

5. Vicente Guerrero x2

6. Antonio Lopez de Santa Anna

Virreinato del Nuevo Reino de Granada:

Colombia:

7. Antonio Nariño x3

8. Antonio Morales Galavís

9. Policarpa Salavarrieta x2

10. Francisco de Paula Santander x 2

Venezula:

13. Simón Bolívar x2

14. José Antonio Paez

Virreinato del Perú:

Perú

11. Manuela Sáenz de Vergara y Aizpuru

12. Micaela Bastidas

Ecuador:

15. Manuela a.k.a Manuelita Saenz x4

Bolivia:

16. Antonio José de Sucre x 2

17. María Ana Carcelén de Guevara y Larrea-Zurbano

Chile:

21. Manuel Javier Rodríguez y Erdoíza

22. José Miguel Carrera Verdugo

Virreinato del Río de la Plata:

Argentina:

18. Manuel Belgrano

19. José de San Martín x 3

20. Martín Miguel de Güemes

Uruguay:

23. Manuel Ceferino Oribe y Viana

24. Juan Antonio Lavalleja

25. José Fructuoso Rivera y Toscan

Haití:

26. Toussaint L’Ouverture

Brasil/The Empire of Brazil:

27. Joaquim Pires de Carvalho e Albuquerque

28. Maria Quitéria de Jesus x2

29. Joaquim Gonçalves Ledo

30. Maria Leopoldina

31. Pedro I

32. Hipólito José da Costa Pereira Furtado de Mendonça

33. José Bonifácio de Andrada e Silva

34.Francisco Gomes da Silva

35. Domitila de Castro Canto e Melo, Marquesa de Santos

[sofea-00]

Por si no sabias: 🔥 Islas canarias esta ardiendo 🔥 California esta ardiendo 🔥 Oregon esta ardiendo 🔥 Washington esta ardiendo 🔥 Columbia esta ardiendo 🔥 Alberta esta ardiendo 🔥 Montana esta ardiendo 🔥 Nueva Escocia esta ardiendo 🔥 Grecia esta ardiendo 🔥 Brasil esta ardiendo 🔥 Portugal esta ardiendo 🔥 Algeria esta ardiendo 🔥 Siberia esta ardiendo ⛈Texas esta bajo el agua ⛈ India, Pakistán y Nepal con Monzones masivos están bajo el agua ⛈ Sierra Leona y Nigeria con inundaciones masivas bajo el agua 🌞Italia, Francia, España, Suiza, Hungría, Polonia, Romania, Bosnia, Croacia, y Serbia son atacadas por una onda de calor impresionante 🌞El sur de California bajo infernal onda de calor 🌞Usualmente en Agosto, la ciudad de San Francisco llegaba a récords de 106 grados, cuando ahora llega a 115 grados Fahrenheit . Mientras Carolina del Norte se sigue cocinando también en un infierno ((🌎)) El volcán de Yellowstone registra 2,300 movimientos desde Junio ((🌎)) Temblor de 5.3 golpea Idaho ((🌎)) Terremoto de Japón 6.1 con Alerta de Tsunami ((🌎)) Temblor de México de 8.2 con alerta de Tsunami ((🌎)) Temblor en México de 7.1 ((🌎)) Temblor en Chile de 5.0 🌊Huracanes Harvey, Irma (los mas grandes de la historia jamás registrados), José y Katia están barriendo el Atlántico Para finalizar una llamarada solar nivel X10 C.M.E . La mas alta jamás registrada ¿Todavía crees que nada esta sucediendo?

[theonlinecollector]

Francisco de Goya y Lucientes

Caníbales preparando a sus víctimas (1798-1800)

Musée des Beaux- Arts et d’ Archéologie de Besançon, Besançon, Francia

[notasfilosoficas]

“Las mentiras más crueles son dichas en silencio”

Robert Louis Stevenson

Robert Louis Balfourd Stevenson, también conocido como Robert L. Stevenson o R.L. Stevenson fue un novelista, cuentista, poeta y ensayista británico nacido en Edimburgo Escocia en noviembre de 1850. 

Su legado es una vasta obra que incluye crónicas de viaje, novelas de aventuras e historias fantásticas de aventuras como “La Isla del Tesoro” y la popular novela de horror “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde”.

Robert Louis fue hijo único de una familia presbiteriana. Su padre era abogado y constructor. Buena parte de su familia eran ingenieros constructores de faros.

Ingresó a la Universidad de Edimburgo como estudiante de Ingeniería Náutica, influido más por su padre que por gusto propio, sin embargo, se licenció en derecho, aunque poco ejerció la abogacía.

Tanto la salud de Robert como la de su madre, se vió siempre debilitada por enfermedades respiratorias, el clima escocés de veranos frescos e inviernos lluviosos y nublados fueron siempre muy inconvenientes para ellos.

En los años de su adolescencia, Robert acompañó a su padre en sus frecuentes viajes, lo que le permitió adquirir inspiración para sus obras posteriores.

En 1875 comenzó a practicar la abogacía aunque su verdadero interés se centraba en el estudio de la lengua.

Para 1876 aparecieron los primeros síntomas de tuberculosis y por esas mismas fechas a la edad de 26 años conoció en Francia a Fanny Osbourne, una norteamericana separada diez años mayor que él con quien contrajo matrimonio en 1880 a la edad de 30 años.

El matrimonio se mudó a Edimburgo, luego a Davos Suiza, y posteriormente se instalaron en una finca adquirida por su padre en el balneario de Bournemouth. Fue por entonces que se dió a conocer como novelista con la publicación de su primera novela “La Isla del Tesoro” en 1883.

Vivió en su patria hasta 1887 y fue durante esos años que publicó dos de sus novelas mas populares; “La flecha negra” y “Raptado” y en 1886 una obra maestra del terror fantástico titulada “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde”.

Vivieron un tiempo en Nueva York, en donde Robert conoció e hizo amistad con Mark Twain y con Henry James. Tras una breve estancia en San Francisco, decidieron realizaron un viaje hacia las islas del Pacífico Sur. 

En 1889 llegaron a las islas de Samoa en donde construyeron una casa para establecerse.

Varias de sus novelas posteriores trataron sobre las islas del pacífico, como The Wreker en 1892, Island Nights en 1893 y En los mares del sur en 1896.

Stevenson Muere de un derrame cerebral en diciembre de 1894 en su casa de Vailima Samoa, y fue enterrado en la cima del monte Vaea con vista al mar.

Fuentes: Wikipedia, infolibros.org, biografiasyvidas.com

[jartita-me-teneis]

La obra de arte más decepcionante del mundo.

De hecho, muchos visitantes del Louvre se sienten decepcionados cuando se encuentran en mi presencia.

Cada día vienen a verme unas 30.000 personas, casi 10 millones en un año. Hacen largas colas sólo para una foto o un selfie. Tienen expectativas muy altas: después de todo, lo sabemos, ¡son el cuadro más famoso del mundo! Luego, cuando se encuentran frente a mí, tan pequeños, abrumados por toda esta multitud de fans, se van diciendo que yo no era tanto después de todo...

Los entiendo, pobrecitos.

Simplemente son ignorantes, en el sentido de que ignoran mi historia.

En primer lugar no son un cuadro, sino una TABLETA. Una tablilla de álamo de tan solo 77X53 cm. Quizás quién sabe lo que esperabas. Mi padre, Ser Leonardo Da Vinci, comenzó a pintarme en Florencia en 1503, borrando otro cuadro que estaba debajo de mí.

Represento el retrato de Lisa Gherardini.

De hecho también me llaman la MONNA LISA.

Monna es el diminutivo de "Madonna", la palabra latina "Mea domina", mi señora. Lisa era la esposa de Francesco del Giocondo. Por eso mi nombre es Gioconda, porque fui su esposa, no porque sonría feliz.

Pero Leonardo nunca me vendió.

De hecho siempre me llevaba con él, me adoraba, yo era su cuadro favorito. Me retocaba constantemente. De hecho, como dice Vasari, soy "IMPERFECTO", nunca he estado terminado, ¿lo sabías?

Estaba en el dormitorio con él en Amboise, Francia, cuando Leonardo murió en 1519. ¡NUNCA fui robado por los franceses! Pero comprada regularmente por el rey de Francia Francisco I, que era un gran admirador mío. Así que cada vez que vosotros, los italianos, decís a los franceses: ¡Devuélvenos la Mona Lisa!

¡Mi casa está aquí, en París!

Con el tiempo me robaron, me desfiguraron, tiraron mi pintura. Duchamp me puso bigote, Andy Warhol me hizo pop, Botero gordito, Banksy un muyahidín con lanzacohetes. Soy un ícono moderno, una estrella o más bien una verdadera súper estrella.

Y hay muchos secretos que se esconden en mí.

A partir de mi misteriosa sonrisa.

Algunos dicen que sonrío porque Leonardo, mientras me pintaba, llamó a músicos y payasos para entretenerme. Otros, como Dan Brown en su Código Da Vinci, afirman que soy la versión femenina del propio Leonardo. Freud dijo que yo era un querido recuerdo de infancia de Leonardo, tal vez su madre.

¡Todas tonterías!

Sonrío, porque cuando os veo llegar a todos sin aliento delante de mí, en este turismo de masas apresurado e ignorante, sin contemplación, veo vuestras caras decepcionadas y comprendo que no habéis entendido NADA de mí. ¡Por eso sigo y seré para siempre la imagen más bella del mundo!

[knario47]

ANIVERSARIO

*Este 2024: 27 Aniversario del DÍA MUNDIAL de la BANDERA (ukenyal) AMAZIGH.*

ⵣⵣⵣⵣⵣⵣⵣⵣ

Cada 30 de Agosto, a raíz del Congreso Mundial Amazigh celebrado en Tafira (Las Palmas de Gran Canaria) en 1997, se celebra en todo el Mundo el nacimiento de este símbolo de unidad y libertad de los diferentes pueblos que viven en diversas regiones del norte de África (Territorio conocido como la Tamazgha) que comparten raíces culturales y lingüística comunes.

La bandera de nuestra identidad representa nuestra historia y nuestra lucha, une a todos los imazigen del mundo, y a los pueblos del norte de África: desde Siwa hasta Canarias, desde el mediterráneo hasta el río de Senegal (Tamazgha)

Los canarios, como uno de los pueblos imazighen más antiguos, lideramos, en ese Congreso histórico, la unificación de la Tamazgha y la creación de su bandera identitaria .

Los pueblos Amazigh han resistido y perdurado durante milenios, invasiones y colonizaciones incesantes (griegos, romanos , árabes... Y en la etapa moderna , europeos -franceses y españoles principalmente- y "yankees")

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La bandera Amazigh, representa la armonía de los seres humanos con su tierra.

El símbolo del hombre en rojo tiene un carácter antropomórfico, con forma humana, y ha sido conocido desde tiempos prehistóricos.

Su significado actual simboliza al pueblo Amazigh. Usado oficialmente desde que en 1966, Mohand Arav Bessaoud, fundara la Academia Amazigh .

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COLORES:

Simbolizan la costa norte de África con el Mediterráneo, el Atlántico con Canarias al Noroeste y el desierto del Sahara al sur, y su apego y su amor a su tierra.

Tienen los siguientes significados:

ⵣ☆ Banda superior azul (Amidad) : representa el mar Mediterráneo y el océano Atlantico, la costa imazighen durante milenios.

ⵣ☆ Banda central verde (Azegzaw) : significa la naturaleza y las grandes montañas (cordillera del Atlas) y tierras verdes que los imazighen han cultivado desde tiempos prehistóricos.

ⵣ☆ La banda inferior amarilla (Awragh) :

simboliza la arena del Sáhara, del desierto de la TINIRI la zona de los Tuareg, pero también la alegría y el oro o la riqueza.

ⵣ☆ El signo de la figura, a su vez, es la letra sagrada "Z" (Yas o aza) del alfabeto tifinagh (idioma Tamazigh)

En rojo, porque representa el color de la vida, pero también el color de la resistencia.

En la bandera representa el nombre dado a los Amazigh: "personas libres", que es lo que significa Amazigh (plural Imazighen).

Es el principio de vida eterna y un símbolo de la sangre de los mártires por la libertad, que defendieron y defienden su cultura y su tierra ante el colonialismo conocido (delito de lesa humanidad imprescriptible).

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La bandera fue propuesta por la delegación canaria(¹), durante el Primer Congreso Mundial Amazigh, realizado los días 27, 28, 29 y 30, prolongádose hasta el 31 de Agosto de 1997 .

Al congreso acudieron representantes de los distintos pueblos del ámbito amazigh: Canarios, Rifeños, Tuaregs, Númidas, Kabilios, Chleuhs, Mozabíes Imazighen del Atlas, Soussa, Chausis, y también la diáspora amazigh estabilizada en Europa y América del Norte.

(¹) Jaime Sáenz Peñate (QPD) y Francisco Trejo Herrera , representantes de Solidaridad Canaria (S.C.) en el comité organizador, ante la ausencia de un símbolo que unificara a este pueblo milenario, con costumbres y lengua ancestrales con raíces comunes en la La Tamazgha (Norte de África) decidieron plantear en esa Primera Asamblea General, la creación de la bandera .

Se basaron en la primera propuesta oficial para que el pueblo Amazigh tuviera su propia bandera, que se hizo en el año 1971 en Roubaix (Francia) por Agraw Imazighen de la Kabilia ,como muestra cultural y de identidad.

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Con mucha ilusión y éxito, fue acogida como un símbolo que , dese aquel momento, une a la comunidad Amazigh de todo el Mundo.

ⵣ✊🏼ⵣ ¡Feliz día

de la bandera Amazigh!

¡Viva la libertad de la Tamazgha

y de todos los pueblos imazighen!

ⵜⴻⴷⴰⵔⴰ ⵜⴰⵎⴰ��ⴳⴰ ⵜⵉⵍⴻⵍⵍⵉⵜ!

ⵀ★☆★ ☆ ★☆★

[theoutcastrogue]

Luis Menéndez Pidal, El Lazarillo de Tormes (1900)

Théodule Ribo, Lazarillo de Tormes et son maître aveugle (1870s)

Francisco de Goya, Lazarillo de Tormes (1820)

Luis Santamaría y Pizarro, Lazarillo de Tormes (1887)

Lazarillo de Tormes, Francisco de Goya, España, 1810

Sátira sobre la miseria.

Romanticismo

Literatura

Técnica: Óleo ( 80 x 65 cm.)

Escrito por: Miguel Calvo Santos

Realizada durante la Guerra de la Independencia contra Francia (y por tanto época en la que Goya tenía pocos encargos), esta obra representa una escena del famoso y atemporal libro Lazarillo de Tormes.

Francisco de Goya oscurece su paleta, pero deja ver —gracias a la luz de las llamas de la derecha— al ciego metiendo los dedos en la garganta de su lazarillo para asegurarse de que no se ha comido una longaniza (dejándole a él con un simple nabo). Por supuesto, el pícaro no le pudo dar gato por liebre a su jefe, y acabó vomitando el manjar, aunque como vemos, está dispuesto a pasar la incomodidad de la inspección bucal con tal de haber podido saciar su hambre miserable.

Porque la miseria es la auténtica protagonista del cuadro, como lo era del libro. Miseria física, moral, y por supuesto social. De ahí esos personajes harapientos, grotescos, absolutamente caricaturescos, que viven en la penumbra de un país en el que cada cual busca su aprovechamiento sin pensar en los otros.

La obra, como podemos observar, preludia la oscuridad cromática y temática de las que serían sus fascinantes Pinturas Negras, con las que Goya decoraría su casa en sus tiempos más oscuros.

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