#feria papel pintado | Explore Tumblr posts and blogs

elbiotipo · 5 years ago

Text

Favor de no rebloguear, no está terminado! Es sólo para que lo lean, muestra gratis!

“Al viejo árbol lo plantaron allá por los 80’, en la Era Dorada del Biopunk, en un baldío olvidado, nacido de la semilla de una nueva era. Una especie de ombú glorificado por la ciencia, creció en una ciudad furiosa, alimentado por la revolución de la vida, iluminado por los sueños de una biosfera que estaba despertando. Su sombra lentamente cubrió el baldío, y luego la calle, y luego el barrio entero, refrescando a las calles de un mundo ardiendo. Los Biopunks, aquellos inquietantes hippies que soñaban en aminoácidos y códigos binarios, esculpieron salones de sus ramas y esculturas con sus hojas, hicieron crecer deliciosas frutas de su tronco y llenaron las calles con guirnaldas de flores, con los aromas de las comidas ancestrales y los nuevos sabores creados en laboratorios, con las luces lámparas bioluminiscentes de colonias bacterianas, con las canciones de aves y ranas y grillos y todas las voces cantando a la América liberada, a la Tierra que despertaba.

Por años, fue un orgullo de la ciudad. Genios venían de todo el mundo a admirar a la milagrosa vida de la mano de las ciencias, asombrados de como revivían especies y curaban enfermedades, como alimentaban a los pueblos y creaban artes nunca antes vistas.

Pero después vino el Ecocidio, y la Década Traumática, y el dolor de millones asesinados por los dueños de la Tierra, usando blasfemas armas creadas por aquellas mismas técnicas milagrosas. Y vieron al árbol con desdén, y con rencor a aquellos que formaron parte de aquellos años dorados. El miedo, justificado sin duda, a la muerte los llevó al encierro, y a desconfiar de las maravillas genéticas.

Hoy en aquél legendario club, hoy dormido, silencioso, quedaban sólo algunos pocos con los ideales y los conocimientos de esos años.

Hippies desfasadas, como Florencia.

Delfines filósofos, como Pancho.

Marxistas otakus, como Melanie.

Técnicos frustrados, como Ariel.

Viajeras literarias, como Marina.

Y aquellos biopunks con la cabeza en las estrellas, como Marcos.

[...]

El laboratorio crecía en las ramas del árbol, como una cabaña de madera retorcida, las vetas vivientes, pulidas, visibles en el piso y en el techo, una acogedora cueva de madera, como la de un cuento de hadas. Sus paredes estaban cubiertas de gabinetes de metal y bioplástico, llenos de aparatos genéticos: pipetas con sus puntas, platos de petri, sondas genéticas, frascos de colores con compuestos diversos, chips y aparatos electrónicos diversos, algunos comprados en ferias, otros por internet, otros donados por Ariel. La mesada del medio crecía de la madera del mismo piso, cubierta con bioacrílico transparente para que los experimentos no contaminaran el resto del árbol. El desorden era evidente; papeles, computadoras, algunos aparatos genéticos, la consola de videojuegos de Melanie, bosquejos de diferentes frutas con cálculos estadísticos desprolijos escritos al lado, fotocopias de papers, libros de referencia apilados apuradamente, una caja de facturas vacía, y el infaltable termo con el mate. Y en las esquinas, al lado, las herramientas del oficio: la vieja y confiable PCR, la centrífuga que hacía un ruido medio raro si la hacían correr muy rápido, incubadoras para todas las formas de vida procariotas y eucariotas, una heladera para guardar muestras biológicas -y otra para el hielo para el fernet-, una ducha decontaminante (por suerte, casi sin uso), microscopios viejísimos, piletas y mecheros de bunsen, y una variedad de otros aparatos con un amplio rango de calidad y utilidad. Al contrario de lo que uno podría esperar de los pulcros laboratorios profesionales incorporados, los aparatos estaban cubiertos de stickers, algunos incluso pintados con figuras genéticas, proteicas, moleculares, psicodélicas, cortesía de Florencia y sus témperas biodegradables.

En un pizarrón con cálculos y memes vagamente borrados, colgaba el Certificado Federal de Club Biotecnológico Público, el Certificado De Seguridad Biológica, y la contraseña del Wi-Fi.

Las ventanas, unas hojas cristalinas, sumamente modificadas, dejaban pasar el sol porteño en rayos tornasolados, como si fueran vitriales de alguna de las catedrales antiguas que aún quedaban en la Federación Europea. Las puertas, sí, estaban hechas de metal, con las más estrictas medidas de bioseguridad. No que hacía demasiada falta para clonar zapallos o renacuajos, pero nunca estaba de más. Tras una de las puertas, estaba el pequeño invernadero, lleno de macetas cuidadosamente ordenadas para sus requerimientos particulares. Sus cristales daban a la ciudad de Buenos Aires, a los viejos departamentos de concreto y a los lejanos rascacielos de cristal y bioplástico.”

#favor de no rebloguear todavía no está terminado! es solo para que lo lean!#cosas mias #my writing

24 notes · View notes

hopejacksonworld · 5 years ago

Text

Varadero

Varadero es el mayor complejo turístico de Cuba que millones de turistas visitan una y otra vez. Se trata de un fantástico destino caribeño para pasar unas vacaciones inolvidables asegurando plena diversión con su mágico ambiente cubano y la tranquilidad en sus playas de ensueño. Considerado el balneario más famoso de Cuba, sin lugar a dudas con las mejores playas del Caribe y del mundo, el turismo es el principal sector económico en la playa de Varadero con extensa opción de alojamiento en hoteles todo incluido.

Varadero está ubicado en la Península de Hicacos, en la provincia de Matanzas (35km desde Matanzas) y a una distancia de 140 km de La Habana en un trayecto de 2 horas por autopista. Este destino turístico cubano también dispone de un confortable aeropuerto internacional que recibe numerosos vuelos directos desde Europa y norte de América, sin embargo no todas las ciudades cubanas tienen comunicación aérea con Varadero.

El medio más económico por carretera para llegar a las playas de Varadero desde Habana es el bus Viazul, cuyo precio es de 10 CUC por persona y trayecto. Otra opción de viaje a Varadero desde la Habana es viajar en taxi público o privado cuyo valor oscila entre los 70 y 90 CUC, aunque el precio suele ser negociable. Una manera divertida de moverse en Varadero es tomar un taxi Coco. Se trata de motocicletas en forma de coco pintados de un color amarillo. Otra alternativa económica es recorrer la ciudad en el Varadero Bus Tour por 5 CUC.

El complejo hotelero en Varadero lo componen más de 50 cadenas hoteleras cubanas y extranjeras, en su mayoría de 4 y 5 estrellas. Dotados de toda la infraestructura e instalaciones necesarias para brindar al turista un paquete “todo incluido”. Los hoteles en Varadero suelen ofrecer todo tipo de entretenimiento, espectáculos, deporte, actividades y diversión. Al mismo tiempo Varadero cuenta con una gran oferta de restaurantes, bares, tiendas, núcleos comerciales, centros nocturnos, bancos y casas de cambio.

Las exigencias de los viajeros han ido cambiando a lo largo de estos años y los hoteles en Varadero continúan creciendo a un ritmo acelerado. La alta demanda de los turistas veraneando en esta linda playa cubana ha originado un impulso al renaciente hospedaje en Varadero de casas particulares autorizadas, normalmente familias que alquilan habitaciones dentro de su inmueble, lo que ha contribuido a que cada vez más casas privadas renten a turistas, lo que a su vez ha incrementado la capacidad y opción de alojamiento en Varadero. No sólo influye el factor económico al ser este tipo de hospedaje bastante más económico, también la búsqueda del contacto directo con los cubanos, conocer su estilo de vida, su cultura y sus costumbres. En definitiva, nuevas experiencias que valen la pena vivir durante unas vacaciones en el Caribe.

De los más de 30 kilómetros de extensión con un paisaje marino caracterizado por su rica diversidad, 22 kilómetros lo son de fina arena blanca, aguas cristalinas, playas vírgenes y un clima tropical cálido de agradables brisas marinas con una temperatura constante del agua que ronda los 25 grados. Si bien, cualquier época del año para ir a Varadero es apropiada, el mes en que celebran sus festejos es diciembre, cuando la playa de Varadero, paraíso del ritmo tropical y el mambo festeja con espectáculos nocturnos en los reconocidos cabarets La Tropicana y Cueva de Pirata, Mambo Club, discoteca La Bamba, Bar Mirador, Casa de la Música y Bar Benny.

Para los amantes de los deportes náuticos y acuáticos, la oferta en Varadero es muy variada ya que es puerto libre con tres marinas internacionales y posee condiciones para pesca, buceo, snorkel, natación y vela. Varadero cuenta con aproximadamente 20 zonas de aguas limpias y tansparentes para practicar el submarinismo en una barrera con variados tipos de corales y peces de colores. Se imparten cursos reconocidos internacionalmente para principiantes y también para profesionales.

En sus inmediaciones se encuentra el único parque submarino de la isla cubana, Cayo Piedras del Norte. Las zonas más recomendadas para practicar buceo y snorkel en las playas de Varadero son: •Cueva de Saturno •Playa Coral •Las mandarinas

Para quien busca aventura y deportes al aire libre, Playa Azul o Varadero está bien equipado y es un gran destino para familias con niños ofreciendo desde un delfinario con baño incluído, paracaidismo, campo de golf, paseos a caballo, ciclismo, tenis, bote con pedales o paseos en tren y camello.

Si por algo se caracteriza Cuba es por su ron, habanos y café y en Varadero lo encontrarás todo al alcance. Una visita obligatoria es ir a la Casa del Ron de Varadero para saborear y conocer lo más emblemático de la isla. También merece la pena ir a la Casa del Habano para degustar y adquirir la variada oferta de puros cubanos. Una visita cultural la encuentras en el edificio Ediciones Vigía, una casa editorial única en el mundo que realiza libros con materiales rústicos, papeles desechables y elementos naturales. Otra visita entretenida es pasear por la feria Los Cayenes. Se trata de pequeños puestos en la feria artesanal de Varadero donde podrás adquirir recuerdos tradicionales.

Otras actividades turísticas y excursiones desde Varaderorelacionadas con el ecoturismo incluyen paseo a caballo o coche-caballo, rutas en bicicleta y cabalgatas arqueológicas. Si desea alguna caminata por senderos a través de una rica vegetación observando la colorida variedad de aves exóticas, puede realizarlas en la Reserva Ecológica Varahiacos.

Las excursiones locales que brinda Varadero:

Baños con Delfines

Safari Cayo Blanco

Aventura en Barco/Bote

Rio Canimar

Excursión Guama Vapor y Azúcar

Cueva de los Musulmanes o la Cueva Ambrosio

Otras actividades turísticas de interés en Varadero:

Parque Marino Cayo Piedras del Norte

Parque Natural Varahicacos

Cueva de Saturo

Museo Nacional de Historia

Parque Josone

La Mansión Xanadu

Para llevarte lo mejor de Cuba nada mejor que un viaje combinado Habana y Varadero con destino a Cienfuegos. Una alternativa para disfrutar de unas vacaciones ciudad-playa-historia-cultura totalmente completo.

En el lugar en que @wizard-fredweasleyii y yo estamos de vacaciones

#SHPF #Rizos Varadero #Cuba #Caribe #Fotos #Vacaciones

4 notes · View notes

perroprensa · 6 years ago

Text

El aullido del silencio

MANUEL LLORENTE Madrid (El Mundo.es)

El claustro del Monasterio de Silos. JOSÉ AYMÁ

Convertido en alivio, contrapunto místico o mito, el silencio se ha convertido en un hambre y un tema para músicos, artistas y escritores.

El aviso de maitines llega desde una campanilla que suena al final del pasillo a las seis menos veinte de la mañana. Si bajas las escaleras de madera del edificio, das la vuelta a un patio acristalado, subes unos escalones de piedra, atraviesas el claustro aún dormido y te adentras en la iglesia, a las seis podrás escuchar el primer canto. «Señor, ábreme los labios y mi boca cantará Tu alabanza». Al salir, ya clarea. El ciprés del Monasterio de Silos ha recibido la primera luz y podría pensarse que todo es una metáfora, que la palabra bautiza la jornada, disipa las tinieblas de la noche y surge el conocimiento. Todo está a punto de comenzar, se inicia el día, la labor. «Ora et labora».

Todo está en silencio, dentro y extramuros de la abadía, aún no se oyen los primeros trinos, todo es una promesa, un desafío. El huésped está desconcertado, no sabe cómo conducirse en medio del silencio. ¿Le abruma, le ahoga? No es fácil vivir en el silencio, estar instalado en él, ser parte de él.

El documental El gran silencio (2005), de Philip Groning, muestra el quehacer de los monjes cartujos del monasterio Grande Chartreuse, en los Alpes franceses, y fue un pequeño acontecimiento que removió de los asientos a quienes asistieron a la vida cotidiana de unos hombres entregados al silencio más absoluto. El gran silencio se empezó a fraguar en 1984, tuvo dos años de preparación, uno de rodaje y otro de postproducción. La película fue vista en una proyección por los monjes de Silos. Aquellos cartujos observan un silencio aún más severo que los monjes benedictinos del monasterio de la provincia de Burgos, ubicado entre Salas de los Infantes y Lerma, cerca del desfiladero de Yecla, donde discurre un riachuelo entre una fina garganta de paredes verticales de piedra blanca. Hasta allí se han ido acercando Federico García Lorca, Gerardo Diego, José Ángel Valente, Raúl del Pozo, Ramón Tamames, Cristino de Vera...

El monje Moisés Salgado tiene 66 años, de los que 52 los ha vivido aquí, dentro de Silos.

~¿Qué aporta el silencio?

~El silencio, físicamente, es un descanso. El silencio, psicológica y espiritualmente, es un encuentro consigo mismo, con Dios y los hermanos. Pascal ya dijo que la gran desgracia del ser humano es su incapacidad para estar una hora solo en una habitación.

~¿Tenemos miedo a estar solos?

~El crecimiento del ser humano tiene que ir por el lado espiritual. Ya hemos crecido, si nos fijamos en cómo vivían en Atapuerca. En el plano técnico, en la medicina, se han producido verdaderos milagros. Pero el hombre, a nivel ético, ¿ha crecido? Borges dice que no. Bueno, Borges ya sabemos que es muy pesimista. El hombre sigue dominado por sus pasiones. Sí, se ha avanzado en los Derechos Humanos, por ejemplo; pero, ¿y el aborto? En esto el hombre tiene un comportamiento infantil y cruel.

El paseo del pasado domingo por la huerta del monasterio con el padre Moisés es un bálsamo. El sol ilumina las berzas heladas y la enorme secuoya traída desde las Américas hace mucho, pero no calienta. Hace un frío de cuchillo que él no siente. Camina despacio y se detiene mientras habla como desde el más allá, con una tranquilidad y desapego que asombra y tranquiliza. Ha subido hasta su celda para mostrar un ensayo que recomienda, La fuerza del silencio. Frente a la dictadura del ruido, de Robert Sarah, cardenal de Guinea. «Ahí está todo». Puede que también lo esté aquí, donde se desconoce el significado de la prisa; puede que todo esté escondido entre la observancia de las reglas de la orden, en la rutina de los cantos y los rezos, en el comer lentejas y lechuga y beber vino o agua en jarra de barro en el refectorio mientras un monje lee desde un pequeño púlpito textos religiosos o seglares; puede que todo se halle en los pequeños quehaceres para mantener vivos unos ritos milenarios.

Detalle de una columnata de Silos. JOSÉ AYMÁ

~El hábito también hace al monje, como la liturgia de las cosas.

El padre Moisés Salgado Gómez, que es de un pueblo cercano, Gumiel de Izán, ya ha publicado los libros Vivir con sabiduría y ¿Quién es el monje? y está escribiendo Otra forma de vivir es posible, donde plantea que, como el hombre tiene una herida moral, interior, de ruptura, sólo la puede curar un médico espiritual, que él considera es Jesucristo.

~Quizá no estemos acostumbrados a cultivar, si es que se cultiva, el silencio.

~Cuando llega algo duro, el silencio devuelve al hombre a sí mismo.

~¿El silencio puede llegar a abrumar?

~Nunca. Lo necesito como el comer. Lo dice san Benito [fundador de la orden benedictina], el monje busca a Dios en el silencio y en las Sagradas Escrituras. También en los grandes maestros.

~Dígame tres.

~Después de Jesús de Nazaret, Gandhi: todo un gigante. Y Sócrates.

~¿El silencion le colma?

~Cuando estoy de hospedero y ya puedo irme a mi habitación, a mi celda, me dedico a leer libros de espiritualidad, y leyendo me aíslo. Me da pena que no se cultive el silencio, invito a la gente a que lo busque porque lo necesitamos. La lectura es una buena forma de estar en silencio. Cada uno que lea lo que le diga algo. Estamos muy confundidos con la concepción hedonista de la vida, con ese vacío espiritual. Hoy no existe la esclavitud pero sí existe de otros modos.

Cristino de Vera. JOSÉ AYMÁ

En la mañana del pasado domingo en Silos acudieron tres autocares repletos de turistas que llenaron la iglesia en la misa de once, donde entre los cantos gregorianos sobresalían toses, muchas toses, bolsos que se caen y voces de niños. Después vino la visita al claustro entre risotadas y chavales jugando al balón. Y más tarde, la compra caprichosa y voluptuosa en la tienda del monasterio, esta postal, aquel chocolate, esa miel. Un envoltorio de papel de seda para la jornada de fotos en grupo para compartir y mucho selfi.

El silencio o lo no dicho. Ni sugerido. El silencio o el color blanco. La nada y el todo

El pintor Antoni Tàpies escribió: «Un día traté de llegar directamente al silencio». Al artista le dedicó José Ángel Valente Cinco fragmentos (Ediciones de la Rosa Cúbica), el segundo de los cuales dice así: «Mucha poesía ha sentido la tentación del silencio. Porque el poema tiende por naturaleza al silencio. O lo contiene como materia natural. Poética: arte de la composición del silencio. Un poema no existe si no se oye, antes que su palabra, su silencio».

El pintor Cristino de Vera vive no sólo en silencio, sino en el silencio. Habita una casa en el centro de Madrid con las persianas bajadas leyendo a sorbos una y otra vez las páginas que ha ido subrayando durante años de Conocer el silencio y Por los caminos del silencio, de Marià Corbí.

~¿Me los puede prestar?

~No, no. Si se los lleva me quedo solo.

Cristino de Vera no vive solo, pues comparte sus 88 años de preguntas e incertidumbres con Aurora, su mujer, psicóloga y silla de Cristino. Pero casi, vive en sus mundos.

Cristino de Vera ha pintado vanitas, monjes, lámparas y Cristos crucificados en tonos suaves y a plumilla con la dedicación de un asceta y el silencio de un estilita. Es su mantra.

~Al amanecer y al atardecer es cuando pinta Dios, la dulzura del azul es inexplicable. Mi paisano Luis Feria decía «Designio de la luz, no te acabes». Contemplar una nube es un milagro. Leonardo da Vinci está en el amanecer. El mediodía es casi pesado. Los grandes artistas son silenciosos. Miguel Ángel... el arte es una alabanza a Dios.

Cuando Cristino caminaba lo suyo, se acercaba hasta los alrededores del Parador de Sigüenza. Lo hacía «para calmar mis nervios, para dormir bien. Mientras, oía una sinfonía de pájaros que es el coro más bello que se pueda imaginar».

Marce Cunningham y John Cage. PETER HUJAR ARCHIVE / FUNDACIÓN LOEWE

~Dígame tres pintores silenciosos.

~Zurbarán, Sánchez Cotán, Mark Rothko. Esos carmines oscuros que tiene Rothko, esos azules profundos... Qué misterio.

Y cuenta Cristino cómo el arquitecto Philip Johnson diseñó la capilla Rothko para albergar y contemplar algunas de las enormes pinturas del artista judío. Esto también lo ha contado el actor Juan Echanove sobre las tablas del Teatro Españolhasta el pasado 30 de diciembre a través de la obra Rojo, de John Logan. En ella, el actor encarnaba a Rothko, puntal del expresionismo abstracto, y cómo se enfrentaba en su estudio a las telas, a su significado: cómo las miraba una y otra vez hasta conseguir los tonos y la textura que tenía en mente, su batalla interior. En esa obra, Rothko/Echanove decía en un momento dado: «Hay precisión en el silencio».

~Cristino, ¿y músicos?

~Mompó, Satie... Me los descubrió Juan Manuel Bonet, que es un sabio. Ellos utilizan el silencio, de ellos surge la melodía pura.

~Cuando pinta, ¿escucha música?

~Escucho a Mozart, a Händel y sobre todo a Bach. La pasión según san Mateo. Dios se justifica con Bach.

A Cristino se le alarga la cara en la mañana silenciosa cuando pronuncia Bach.

~He ido a Silos y a otras iglesias a escuchar el silencio. El arte del románico de Cataluña y Francia... También escuché el silencio en las cuevas de Altamira, cuando nos llevaba allí Camón Aznar en los años 60. Nos invitaban a los cursos de verano de la Magdalena de Santander durante 20 días y en las cuevas recitaba sus poemas Gerardo Diego. Yo paseaba por las cuevas silenciosas y miraba una cierva preñada, un búfalo. Imaginaba la vida de los hombres entonces, cuando salían a matar animales para comer y luego los pintaban con su sangre. Qué soledad, qué silencio en la oscuridad de la noche. El cielo es la caligrafía divina. El hombre no sabe si hay otros habitantes en el universo, el hombre no sabe nada. La respuesta está en el silencio. En las cuevas de Altamira meditaba sobre el silencio, sobre el cosmos. Las cometas en noches como las de Segovia son mensajes de Dios que no entenderemos nunca. Dios y el silencio... El silencio es la voz de Dios.

Todo lo que aquí se oye viene a cuento porque se acaba de publicar Tacet. Un ensayo sobre el silencio (Siruela), de Giovanni Pozzi (1923-2002), un italianista suizo que en este libro breve e intenso como un zumo de limón escribe: «Hay que imponer silencio al trajín del propio pensamiento, calmar el sosiego del corazón, la agitación de las preocupaciones, eliminar toda clase de distracción. No hay nada como la escucha, la verdadera escucha, para comprender la correlación entre el silencio y la palabra. Por analogía, la música se escucha plenamente cuando todo calla a nuestro alrededor y dentro de nosotros».

Pablo d'Ors. ANTONIO HEREDIA

De la música y el silencio trata 4' 33'', de John Cage, la experiencia más extrema que se conoce: una absoluta ausencia de sonido. Fue compuesta o ideada por Cage y estrenada el 29 de agosto de 1952 en Woodstock (Nueva York) por el pianista y compositor David Tudor. Si acudimos a Youtube podemos contemplar cómo otro intérprete, el pianista William Max, impecable en su chaqué, se acerca a todo un Steinway, saluda al público inclinando la cabeza, toma asiento, se coloca unas gafas, abre la partitura, acciona algo que no se aprecia (¿un metrónomo?, ¿un secundero?), sube la tapa del teclado, alza la mano derecha y... la mantiene durante 33 segundos. Fin del primer movimiento. Segundo movimiento: vuelve a abrir la tapa de madera negra, la cierra y levanta la mano que mantiene suspendida durante dos minutos y 40 segundos. Fin del segundo movimiento. Tercero: lo mismo durante un minuto y 20 segundos. William Max se quita las gafas, las coloca cerca del teclado, se levanta, saluda al público inclinando la cabeza y desparece por la izquierda del escenario. Fin de la obra de John Cage. Duración, la del título de la composición: 4' 33''. La versión de William Maxwell tiene 4.230.908 visualizaciones por internet.

¿Farsa, genialidad? Cage amó el silencio, no en vano fue maestro zen, estudió el budismo y tuvo el I Ching a su vera durante décadas. También fue un pionero de la música electrónica, además de discípulo de Schönberg. Y nadó entre las aguas revueltas de la música aleatoria. Bien, pero ¿qué quiso decir? ¿Necesita esta pieza explicación, debe tenerla? Al parecer quiso demostrar que el silencio absoluto no existe pues, comentó después, «se podía oír el viento golpeando fuera durante el primer movimiento. Durante el segundo, las gotas de lluvia que empezaron a golpear el techo, y durante el tercero los sonidos de la gente mientras hablaba o salía de la sala. El púbico no entendió el objetivo de la obra».

¿Existe el silencio absoluto? No, según John Cage. Él mismo se introdujo en una cámara aislada (anecoica) y sintió un sonido grave y otro más agudo. Le explicarían después que el primero corresponde a la circulación de la sangre por las venas y que el segundo provenía del sistema nervioso. Hay un libro de John Cage titulado, cómo no, Silencio (Árdora ediciones).

«Hablan los manantiales en la noche, hablan en los imanes del silencio», ha escrito el poeta Antonio Gamoneda en su Libro del frío. «Vuelvo a casa atravesando el invierno: olvido y luz sobre las ropas húmedas. Los espejos están vacíos y en los platos ciega la soledad», dice en otro poema.

Habla ahora Pablo d'Ors, autor de Biografía del silencio (Siruela). De este libro se han vendido cerca de 150.000 ejemplares, lo que indica el interés que suscita en la sociedad actual el silencio. O su necesidad. Este sacerdote, filósofo y escritor, además de consejero cultural del Vaticano nombrado por el papa Francisco y fundador de la asociación Amigos del desierto, escribe en este ensayo: «El silencio, tal y como yo lo he vivido, no tiene nada de particular. El silencio es sólo el marco o el contexto que posibilita todo lo demás. ¿Y qué es todo lo demás? Lo sorprendente es que no es nada, nada en absoluto: la vida misma que transcurre, nada en especial. Claro que digo nada, pero también podría decir todo».

~¿Qué oye usted en el silencio?

~Lo esencial es que nos oímos a nosotros mismos. Hay una fascinación por el misterio, que está mitificado, necesitamos un mito. Y esto revela una necesidad espiritual que está en el ser humano. Pero no nos han enseñado la práctica del callar, y menos del escuchar, no es tan sencillo.

~¿No nos aguantamos a nosotros mismos y por eso el silencio puede convertirse en peligroso?

~Por supuesto que puede convertirse en peligroso. Si no te conoces a ti, no te amas ni a ti ni a los demás. Yo distingo entre el silencio y el silenciamiento. El silencio exterior ahí está. El silenciamiento es el silencio interior.

~¿El silencio puede abrumar?

~Es una de las posibilidades más factibles. A mayor movilidad externa, menor movilidad interior. El silencio está de moda porque tenemos que parar. Como un coche, que si está encendido constantemente acaba por quemarse. Por eso invito a que la gente se encuentre consigo misma a través de la Asociación del silencio.

~El silencio, ¿hay que ir a buscarlo, hay que recibirlo?

~Primero hay que ponerse en predisposición, si no lo rehuiremos. Luego hay que recibirlo. El silencio es lo que hay, es lo que queda; el resto pasa. Las nubes pasan, el cielo permanece.

~Pudiera parecer que con el silencio llevamos la contraria a la vida, a la inmediatez, al ansia de poseer, de viajar...

~La vida no es eso. Con eso tapamos la vida. En el hombre hay un impulso a la apropiación, tiene una dinámica voraz, vertiginosa. Pero esto no nos construye, no nos hace más personas. Además la meditación no fomenta el egocentrismo. La sabiduría y la compasión van de la mano.

~¿Qué libros tiene de cabecera?

~Leo mucho a Franz Jalics, sus Ejercicios de contemplación, y las sentencias de Carlos de Foucauld. Y a Kafka.

~¿Franz Kafka?

~Sí, es el más grande. Porque no escribe desde la cabeza sino desde las entrañas. Se le utiliza como paradigma de lo oscuro pero está el Kafka luminoso, liberador. Su escritura es un ejercicio espiritual. Me interesan sobre todo sus diarios y las narraciones cortas.

~¿Vio el documental El gran silencio?

~Sí, pero no soy un entusiasta. Está bien hecho, con rigor... Te puede despertar paz, pero también ponerte nervioso. Puedes equiparar la contemplación con lo lento. Nos puede pasar como con las películas de Ingmar Bergman, que hoy pueden resultar demasiado metafísicas.

~¿Y la película Silencio, de Martin Scorsese?

~Tiene una tesis simple.

~El silencio, parafraseando a Santa Teresa, ¿puede estar en lo más pequeño, en todas partes?

~El misterio está en todas partes. Nada se puede comprender en plenitud. La práctica del silencio nos enseña a aprender a estar en la vida y no huir de ella. Hay que volver a lo que hay. Hay que saber estar en lo que estás, ahí está la vida. Podemos hablar de Dios desde la vida, partiendo de la vida, apreciar que hay algo palpitante.

«No digas nada, no preguntes nada./ Cuando quieras hablar quédate mudo/ que un silencio sin fin sea tu escudo/ y al mismo tiempo tu perfecta espada». (El silencio, Jorge Luis Borges).

2 notes · View notes

feriadelarecoleta · 4 years ago

Photo

Buen domingo! Estamos de feria, hoy pasamos a espiar el espacio de @atumaneracuadernos y encontramos estos "cuadernos gatitos" cosidos y pintados a mano. Para regalar y regalarte. Visita su espacio o dejarnos tu consulta, te leemos. @feriadelarecoleta @plazafrancia3 @bacultura @conociendo.ba @patrimonioba @educacionba @disfrutemosba @culturanacionar #hechoamano🖐️ #madeinargentina🇦🇷 #cuadernos #encuadernación #papel #artesanosymanualistas #baculturaencasa (en Feria Artesanías Recoleta) https://www.instagram.com/p/CCi78IBlFnF/?igshid=1q92itdb7s2bw

#hechoamano🖐️#madeinargentina🇦🇷#cuadernos #encuadernación #papel #artesanosymanualistas #baculturaencasa

0 notes

sandraglezart · 5 years ago

Text

Anders Zorn

Anders Zorn - El "impresionista sueco"

Anders Zorn fue un notable pintor sueco conocido principalmente por sus retratos femeninos desnudos pintados con pinceladas virtuosas y colores luminosos. A menudo se lo conoce como el "impresionista sueco". En esta publicación, proporciono algunos de los hechos clave sobre su vida y su arte, desgloso su estilo y técnica y miro más de cerca algunas de sus impresionantes pinturas.

Anders Zorn, Autorretrato, 1889

Datos clave sobre Anders Zorn

Zorn nació el 18 de febrero de 1860 en Suecia.Demostró una habilidad notable desde temprana edad y llamó la atención por sus representaciones de caballos y figuras humanas que talló en madera. Inicialmente planeó ser escultor, pero terminó metido en la pintura.Estudió en la Real Academia de las Artes de Suecia desde 1875 hasta 1880, pero su asistencia fue deficiente y luego admitió que no tenía mucho que aprender de la Academia.En 1880, Zorn exhibió su pintura de acuarela, In Mourning , que representa a una niña bajo un velo. La pintura es una muestra sensible de colores y pinceladas que allanó el camino para la prolífica carrera de Zorn. El público y los críticos lo elogiaron por su habilidad, incluido el destacado crítico sueco Carl Nyholm, quien elogió el trabajo de Zorn en el Boletín Oficial del Gobierno Sueco.

Anders Zorn, de luto, 1880 Luego pintó muchas de las principales figuras de la sociedad, incluido el Rey Oscar II de Suecia, Theodore Roosevelt, Grover Cleveland y William H. Taft.

Anders Zorn, presidente de los Estados Unidos William Howard Taft, 1911 Es conocido por sus representaciones de figuras femeninas desnudas. Con sus bordes suaves y pinceladas sueltas, las figuras parecen disolverse en el entorno.

Anders Zorn, Havsnymf, 1894 A los 29 años, fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en la Exposición Universal (Legión de Honor en la Feria Mundial de París).Obtuvo éxito internacional por sus acuarelas, pinturas al óleo y también grabados. A continuación se muestra un grabado de él y su esposa Emma que demuestra una notable semejanza con solo tonos claros y oscuros.

Anders Zorn, Zorn y su esposa, 1890 A mediados de los 20 años, Zorn exudaba confianza en sí mismo, alegando haber superado a sus predecesores y contemporáneos. “… Nunca pasé mucho tiempo pensando en el arte de otros. Sentía que si quería convertirme en algo, tenía que perseguir la naturaleza con todo mi interés y energía, buscar lo que me gustaba y desear robar su secreto y belleza. Tenía derecho a ser tan grandioso como cualquier otra persona, y en esa rama del arte tan ordenada por mí, la pintura de acuarela, me consideraba que ya había superado a todos los predecesores y contemporáneos ... " Anders Zorn (de Anders Zorn: el maestro pintor de Suecia ) En algunas de sus pinturas, utilizó una paleta extremadamente limitada que incluía solo amarillo ocre, marfil negro, bermellón y blanco (la " paleta Zorn ").Estableció el Premio Bellman en 1920, que es un premio para "un destacado poeta sueco" otorgado por la Academia Sueca. El premio fue financiado por la Fundación del Fondo de Donación de Emma y Anders Zorn .En sus últimos años, sufrió envenenamiento de la sangre y murió el 22 de agosto de 1920, a los 60 años.

El taller de Anders Zorn en su casa, ZorngåRden en Mora

Desglose de estilo y técnica

Zorn combina pinceladas sueltas y virtuosas con un uso hábil del dibujo, el valor y los bordes. Sus pinturas parecen increíblemente realistas, pero tienen una sensación de falta de esfuerzo al respecto, similar a las pinturas de Joaquín Sorolla y Sir Arthur Streeton. La pintura a continuación tiene una sensación muy pictórica. Aquí hay algunas cosas a tener en cuenta: Si miras de cerca, los trazos aparecen amplios y generales. Pero en su conjunto, parece increíblemente realista.Observa cómo los bordes alrededor de la mano principal del sujeto y su brazo derecho son relativamente suaves en comparación con el resto de la pintura. Esto sugiere movimiento mientras el sujeto toca el violín.Las partes oscuras del sujeto se disuelven en el fondo.El rojo vivo atrae su atención hacia la cabeza del sujeto.

Anders Zorn, músico, 1914 En relación con el color, Zorn es conocido por su uso de una paleta de colores limitada. Su "paleta Zorn" se enseña en muchas de las mejores escuelas de arte para ayudar a los estudiantes a aprender sobre la teoría del color y la mezcla. Sin embargo, es un error común pensar que solo usó estos colores. Muchas de sus pinturas sugieren el uso de otros colores auxiliares. De cualquier manera, sus pinturas en su mayor parte muestran un uso moderado y controlado del color. La pintura a continuación presenta una paleta relativamente limitada de amarillos, rojos y naranjas, pero fue capaz de hacer que esos colores realmente "brillen". Simplemente muestra lo que es posible cuando colocas los colores correctos en los lugares correctos .

Anders Zorn, una niña con un perro, 1884 Las composiciones de Zorn a menudo parecen naturales y orgánicas, con sus temas aparentemente inconscientes de su presencia, que se dedican a la vida cotidiana. Claramente tenía ojo para la composición y la pintura en general. Muchas de sus pinturas rompen las "reglas" estándar de composición, pero todavía parecen funcionar.

Anders Zorn, horneado de pan, 1889

Una mirada más cercana a algunas de las pinturas de Anders Zorn

Parque Alhambra, 1887 Esta es una delicada pintura de acuarela que presenta a una pareja compartiendo un beso, un gato maravillado y una composición inusual. La pareja está acurrucada en la esquina de la pintura y hay una sensación de calma, sin saber que son el tema de la pintura. En términos de técnica, parece que Zorn colocó bloques generales de color y luego se excedió con los detalles más intrincados (ramas, flores, reflejos y acentos).

Anders Zorn, Parque Alhambra, 1887 Nuestro pan de cada día, 1886 Nuestro Daily Bread es otra intrincada pintura de acuarela. El nivel de complejidad que se muestra en esta pintura me llevó a creer que se hizo en óleos a primera vista. Zorn claramente tenía un notable nivel de control y ojo para los detalles. La pintura muestra a la madre de Zorn sentada al borde de un camino cocinando papas para los cosechadores. Ella parece tener una mirada tensa en su rostro. Observa cómo tus ojos se dirigen hacia la madre con el mayor nivel de contraste , color y detalle en comparación con el resto de la pintura.

Anders Zorn, Nuestro pan de cada día, 1886 Emma Zorn Reading, 1887 Aquí hay un retrato de la esposa de Zorn, Emma, mientras leía. Al igual que con muchos de sus retratos, el tema solo trata sobre su vida, aparentemente sin darse cuenta de la presencia de Zorn. Gran parte de los detalles se ha simplificado; Observa cómo no intentó pintar las palabras en el papel y cómo la pared del fondo no es más que formas generales de color. También parece haber una pecera en el fondo con peces dorados de color naranja brillante. Contiene su atención en el lado derecho de la pintura donde también se coloca el sujeto.

Anders Zorn, Emma Zorn Reading, 1887 Castillos en el aire, 1885 Esta delicada pintura de acuarela presenta una mirada inusual y ascendente al sujeto (la esposa de Zorn, Emma) sosteniendo una sombrilla japonesa. La pareja se casó en octubre de 1885, por lo que esto pudo haber sido pintado en su luna de miel. La luz brilla a través de la sombrilla, dando vida a sus decoraciones.

Anders Zorn, Castillos en el aire, 1885 Desnudo bajo un abeto, 1892 Aquí hay una de las muchas pinturas de Zorn con figuras femeninas desnudas en el paisaje. El contraste entre las luces y las sombras en esta pintura es bastante impresionante; realmente se siente la luz brillante del sol. El sujeto está pintado con bordes suaves y parece mezclarse con el entorno que lo rodea, en lugar de destacar.

Anders Zorn, Desnudo bajo un abeto, 1892 Read the full article

#Impresionismo #PaletaZorn #Zorn

0 notes

sombrero25-blog · 5 years ago

Text

Gorros de cumpleaños

Los gorros para fiestas son un elemento decorativo que divierte a los invitados, son tan importantes como todo los demás objetos de cotillón que se elija. Aunque son normalmente asociados a celebraciones infantiles, lo cierto es que gracias a la incorporación de temáticas diversas, hoy existe la posibilidad de personalizarlo acoplándose muy bien con eventos de adultos.

Ha habido una evolución de estos pequeños accesorios de fiestas, que se reconocen clásicamente como un conito de colores con una liga sujetadora. En este artículo se compartirá la variedad que existe, el lector con alma de fiestero no se querrá perder.

Gorros con estilo majorette

Estos puedan tener la típica forma de cono, o parecerse más a un sombrero de copa, lo importante es el elemento característico de plumas con otros adornos se colocan para hacerlos más llamativos.

Según el portal web Decopeques, para elaborarlo en casa, solo se necesita materiales como cartulinas y plumas. Tiene posibilidad de hacerse en forma de visera, de cono, o redondos y los detalles más creativos que se le ocurran a su realizador.

Gorros con estilo circense

Llamativos por sus colores de feria, como el rojo y el blanco, estos gorritos pueden trasladar a los invitados a un ambiente divertido de esas ferias viajeras que se presentaban en los pueblos cada cierto tiempo.

El portal web de Decoques, señala que para realizarse se requiere: vasos de plástico para la base, unos rotuladores dibujar las líneas del mismo tamaño cada una, cartulina para hacer la figura de un cono en la parte de arriba, y unos palitos de madera para hacer banderines. Sus materiales pueden encontrarse dentro de la misma casa y el elaborarlos puede ser una manera de reciclar.

Gorros estilo coronas para reyes y reinas

Una idea las transformaciones de los gorritos de fiesta, se ha dado por el abandono de las figuras geométricas simples e ir en busca de hacer uso de otras más elaboradas. Así mismo, la inclusión de diademas o cintillos ha cambiado la menara en que lucen estos sombreritos, viéndose un poco más elegante.

Una opción que ofrece el portal web Decopeques es con cinta de encaje para ajustarla, cartulina, con un diseño impreso o pintado. También se pueden incorporar las coronas a la diademas, bien sea con papel estampado o purpurina se puede cubrir la superficie de ella.

Cabe acotar, que esta opción da para mucho, tanto para hacer unas más masculinas para los niños, como para adultas en una despedida de soltera también variando su diseño podrían verse hermosas y elegantes.

#Gorros #cumpleaños #fiestas #celebracón

0 notes

papelpintadobarcelona · 7 years ago

Text

Un año más , papel pintado Barcelona ha visitado la espectacular feria Heimtextil que se celebra en Frankfurt, Alemania. Descubriendo las novedades en papeles pintados para ofrecer a nuestros clientes las últimas tendencias en decoración de paredes. Preciosos stands decorados con las últimas propuestas que os encantarán, los fabricantes más reconocidos muestran sus mejores productos , tales como Limonta, Rasch, Art House, As Creation, Casadeco, Casamance, Noordwand, Sanddud, Origin, Arte, Esta Home y muchos más. Increíbles texturas, colores y diseños exclusivos.

Rasch en Heimtextil 2018

Papel pintado Casamance Heimtextil 2018

Los papeles modernos, geométricos y abstractos resaltan en sus expositores , destacan por sus acabados metalizados y reflejos perlados que los hacen únicos!

Papeles pintados geométricos exposición Heimtextil 2018

Los florales marcan la diferencia!, margaritas y mariposas con una combinación de tonalidades más que acertadas, papeles que nos aporta alegría y una renovación muy positiva, ideal para recibidor! El sofá con los cojines a conjunto en los otros colores disponibles de la colección es una opción muy buena!

Papel pintado floral Heimtextil 2018

Komar, el reconocido fabricante de murales, presenta su nueva colección donde Star Wars triunfa y el último Jedi luce en su stand. Increíbles imágenes y propuestas muy interesantes para crear ambientes originales que nos aportan una nueva perspectiva, el concepto abstracto, donde las formas y el efecto 3d esta presente en la creación de estructuras ambiguas.

Komar en Heimtextil Stand Star Wars

Murales Komar Heimtextil 2018

Cuidar todos los detalles es muy importante para nuestra percepción del acabado, vean las siguientes presentaciones, los elementos decorativos, complementos y accesorios, así como flores y jarrones, acorde con el papel colocado, teniendo en cuenta siempre el estilo principal.

Papel pintado naturaleza Heimtextil 2018

Papel pintado flores elegante Heimtextil 2018

Papel pintado floral oscuro elegante Heimtextil 2018

El rombo es un motivo que se repite en las nuevas colecciones para este 2018, a continuación vemos el modelo en una combinación de colores beige y azul , jugando con el tema de los contrastes y desgastados para llegar al efecto tridimensional. El resultado es espectacular, además el papel es de alto gramaje de una calidad excelente, lo mismo que decir que el papel que presentamos a su lado, las hojas de plátano verdes, que son tendencia del momento, papel que estará disponible en varias tonalidades .

Papel pintado moderno geometrico desgastado

Papel pintado hojas plátano

Y para acabar, os dejamos con Spiderman y sus amigos, Spider Gwen, el chico arácnido y chica araña saltando en medio de los edificios, parece que se adentren al stand de murales Disney. Ideal para habitaciones infantiles y juveniles, les encantara tener cerca a los héroes de la gran pantalla!

Mural Spiderman en Heimtextil 2018

[contact-form] Papel pintado Barcelona en Heimtextil 2018 Un año más , papel pintado Barcelona ha visitado la espectacular feria Heimtextil que se celebra en Frankfurt, Alemania.

0 notes

feiyuedigital · 5 years ago

Text

¿Cuáles son las ventajas de la impresión de gran formato?

La impresión de gran formato es cada vez más popular en la industria de la impresión digital. La impresión de gran formato se utiliza para imprimir murales, pancartas, papeles pintados y carteles. Estos son perfectos para materiales que tienen un dominio de gráficos o visuales. Los textos e imágenes de gran tamaño hacen que las impresiones de gran formato sean herramientas publicitarias extremadamente efectivas. El resultado es un mayor impacto. Un mayor número de clientes suele sentirse atraído por la impresión de gran formato.

1. ventaja del proceso

La impresión de gran formato se conoce con otros nombres, como la gran impresión o la impresión de gran formato. Las impresiones no se realizan en hojas individuales. En cambio, las impresiones se realizan en rollos que se alimentan de forma incremental. El proceso de impresión en sí es similar al digital con la excepción de ser una impresora más grande con boquillas. El papel se alimenta a la impresora cuando la tinta se aplica directamente al material. La fase de impresión es mucho más rápida y produce colores de primera calidad. Una impresora de formato ancho tiene siete componentes importantes: estación de suministro de tinta, cubierta posterior izquierda para tinta, calentador, cubierta posterior derecha para tinta, botella de tinta residual, rollo de papel y estación USB.

Las impresoras mismas son máquinas altamente eficientes que generan resultados de alta calidad. Estos son a base de agua. Las tintas UV son mucho más opacas y resisten la decoloración. También son excelentes para uso en exteriores.

2.Amplio uso

Los carteles se generan a través de la impresión de gran formato. Se muestran decoraciones de pared, exhibiciones de ferias comerciales o POP, gráficos minoristas e impresiones fotográficas. Es posible montarlos en tableros de cocodrilo o papel dominante de papel semibrillante. Las pancartas de vinilo también se imprimen a través de la impresión de gran formato. Estos también son extremadamente populares cuando se trata de uso en exteriores. Son excelentes para exhibiciones y ferias comerciales.

La impresión de gran formato también se utiliza para generar adhesivos de pared o gráficos. Estos son excelentes para animar cualquier pared. Los espacios interiores pueden proporcionar una perspectiva completamente nueva. Los gráficos de pared generalmente se imprimen en los papeles adhesivos. Dichas impresiones son resistentes a la decoloración y pueden reposicionarse si es necesario. Los consumidores de hoy en día están recurriendo cada vez más a la impresión de gran formato, ya que quieren que todo sea rápido y barato. El método de impresión de gran formato se adapta perfectamente a tales requisitos. Estos son mucho más asequibles en comparación con otras técnicas de impresión como la serigrafía. Este tipo de impresión se puede hacer fácilmente y el costo de producción también es más barato. Se puede lograr una impresión de mayor calidad a partir de materiales de calidad estándar.

#impresión de gran formato #Impresión de mayor calidad #large format printing #wide format printing

0 notes

wtnvspanish · 6 years ago

Text

10-Perros Salvajes

No te arrepientas de nada, hasta que sea demasiado tarde. Entonces arrepiéntete de todo.

Bienvenidos a Night Vale.

Nuestra noticia principal de hoy:

Una jauría errante de perros salvajes ha estado aterrorizando a Night Vale por las últimas horas. Los perros han sido descritos como perros corrientes en su mayoría, posiblemente cruzas de pit bull. Los testigos dicen que su líder aparentemente es el de tres cabezas usando una docena de medallas conmemorativas de servicio y chevrones militares.

La Policía Secreta del Sheriff ha confirmado que la jauría ya ha atacado a un grupo de niños de primaria esta mañana, cerca de las 8, mientras se estaban subiendo al autobús. Las lesiones fueron menores ya que los niños pudieron protegerse con las pistolas automáticas y latas de gas nervioso otorgados por la escuela.

Los motivos de los perros se desconocen por el momento, aunque las autoridades piensan que se puede relacionar a pandillas o metanfetaminas. Más acerca de esta historia mientras se desarrolla.

Esta tarde del Viernes, el Departamento de Parques rociara pesticida en todos los parques públicos y sus áreas, y en vecindarios con follaje denso y patrimonio predominantemente Irlandés.

Night Vale está haciendo un gran esfuerzo para reducir la población de mosquitos, y las peligrosas enfermedades que conllevan. El año pasado, los mosquitos fueron responsables por un brote de Influenza del Nilo Oeste, panaché, elefantitis, y Síndrome de Aproximación a Fanny Brice.

Por favor permanezcan adentro desde la 1:00PM del Viernes hasta las 10:00PM del Sábado para evitar contacto dermal con el pesticida – el cual se sabe que causa abrasiones, epilepsia, súper epilepsia e inversión de órganos. El Departamento de Parques añade también que el pesticida tiene una duración de 2,100 años, lo que significa que estaremos a salvo de los molestos mosquitos por mucho tiempo.

Acabamos de recibir información de Wayne Tyler, Gerente Asistente de Turno en el nuevo Pinkberry, que la jauría de perros salvajes fue vista esta mañana buscando entre los basureros detrás de la biblioteca. Se escaparon con algunos contenedores de comida china, una oxidada base de futon y dos vagabundos – probablemente se conviertan en secuaces de los perros salvajes. Si estas cerca de la biblioteca, te advierto que estos perros son peligrosos.

También, les advierto que las penalizaciones para los libros atrasados han aumentado a 50 centavos por día y después de 30 días, mutilaciones de quijada.

El Consejo Médico de Night Vale ha emitido un nuevo estudio indicando que tienes una araña en algún lugar de tu cuerpo en todo momento, pero especialmente ahora. El estudio dice que se necesitarían más investigaciones para determinar exactamente en qué parte de tu cuerpo se encuentra la araña, y cuáles son sus intenciones. Solo se sabe que definitivamente está ahí, y que estadísticamente es más probable que sea una de las verdaderamente feas.

Vayamos a los Consejos de Salud para la Comunidad.

Oyentes: ¿Sufren del Síndrome del Túnel Carpiano? ¿Disfrutan del Síndrome de Túnel Carpiano? ¿Se sorprenden por el Síndrome del Túnel Carpiano? ¿Les enoja el Síndrome del Túnel Carpiano? ¿Sienten una punzante tristeza que casi no pueden soportar por el Síndrome del Túnel Carpiano? ¿Sienten una abundancia de amor y aprecio por tus prójimos seres humanos viajando a través de esta confusa y finita vida junto a ti por el Síndrome del Túnel Carpiano? ¿Se sienten sexualmente excitados por el Síndrome del Túnel Carpiano? Eso sería raro.

No quiero ser prejuicioso, pero…eso sería raro.

Esto ha sido los Consejos de Salud para la Comunidad.

Radioescuchas, acabamos de saber que el sitio de construcción del Puente Levadizo ha sido atacado por vándalos grafiteros. La Policía Secreta de Sheriff sospecha que las jaurías de perros salvajes pueden ser los responsables por las gigantes letras pintadas a lo largo de los andamios que dice:

EL ESTANDAR DE ORO ES NUESTRO ESTANDAR

LEE TU CONSTITUCION

También había un muy elaborado retrato pintado de Alexander Hamilton usando lentes de Groucho Marx, con un pie de nota que decía:

PAPELES FEDERALISTAS

…pero donde decía FEDERALISTAS estaba tachado, y DE BAÑO estaba escrito en rojo

De hecho, deberían de ver esto. Es realmente impresionante. Todo eso con pintura en aerosol - ¡Estoy impresionado! ¡Estos sujetos son muy buenos artistas!

No obstante, estos perros están posiblemente armados, y posiblemente rabiosos. Son definitivamente artistas callejeros libertarios, y eso hace que los policías y los oficiales de la ciudad trabajando al doble para resolver este problema.

Si tienes alguna pista que pueda llevar a la captura de esta banda deambulante de perros, por favor, guárdatelas para ti mismo.

También hemos recibido noticia de que han intervenido sus teléfonos y computadoras, así que será mejor no salir de casa o hablar muy alto.

Vamos a darle un vistazo al Calendario de la Comunidad

Este Domingo por la tarde, el Departamento de Incendios de Night Vale tendrá su Desfile Bisemanal de Aprecio a los Bomberos. Todos los bomberos de la ciudad estarán montados en sus camiones rojos a través de la calle principal, los cuales serán transformados en carros alegóricos representando algunos de los más grandes incendios en la historia de Night Vale.

Uno de mis favoritos es el Incendio causado por el Polvo del Terremoto de 1983, cuando los fuegos iniciados por los temblores se volvieron tan intensos que las partículas de arena suspendidas en el aire se prendieron en mortales llamas. Casi la mitad de la población se perdió, y el DINV hace un fantástico trabajo capturando el drama con papel mache y serpentinas.

Al Departamento de Incendios le gustaría recordarles a los ciudadanos de Night Vale que el desfile es gratis, y que revisen sus cafeteras y estufas antes de salir de casa, porque no combatirán ningún incendio mientras el desfile está ocurriendo.

El Lunes, el personal de la Tienda de Discos Dark Owl usara chalecos de suéter.

Martes por la noche es la Corte de Honor de los Niños Exploradores. Los Niños Exploradores nombraran a los primeros Exploradores Pacto de Sangre – el rango justo encima del Explorador Águila. Hasta ahora, ningún explorador ha alcanzado la codiciada posición de Explorador Eterno, pero escuchamos que dos niños locales, Franklin Wilson y Barton Donovan, han conseguido la Insignia Invisible, la cual es un prerrequisito para el rango. Bien hecho, Frank y Barty.

Miércoles por la tarde, es la Feria de Fitness en el Centro Recreativo. El evento se canceló el año pasado, porque caía en el mismo día y a la misma hora que la Feria del Pollo Frito y la Feria de los Cigarros.

El evento de este año, sin embargo, promete ser un gran éxito, ya que han conseguido un gran patrocinador corporativo de El Grupo Internacional de Inteligencia – quienes proveerán exámenes de próstata gratis, mamografías, y aparatos de monitoreo quirúrgicamente implantados por el gobierno

Jueves por la mañana, el Servicio Nacional del Clima y la Agencia de Seguridad Nacional tiene programado una tormenta de arena gigante

El Viernes es un oasis. Tan solo una metáfora para algo inalcanzable, un agobiante sueño del significado de nuestras vidas, ¡pero no lo mires! Gira tu cabeza. Tu vida está aquí. Quédate aquí. Estas solo. Estas tan pacíficamente solo. Eso es. Sí. Bieeeen.

Hemos contactado al Zoológico de Night Vale, esperando encontrar más información acerca de cómo se comportan los perros en jaurías. Tal vez estos diestros expertos en animales pudieran darnos algo de perspectiva en como atrapar a estos perros, o al menos entenderlos.

La Directora del Zoológico de Night Vale, Emily Munton nos dijo que todos los animales prefieren pequeñas jaulas y tener un horario para consumir comida en croquetas, y que no tenía sentido que un animal quisiera merodear libremente por el pueblo. Ella añadió un rugido en una aguda voz, seguido de un acuoso sonido de gorgogeos, y luego nuestra conversación se terminó con repetidos truenos sin nubes.

Un recordatorio para cualquiera que esté buscando diversión con un presupuesto el día de hoy en Night Vale: es el día de admisión gratis en el Museo de Tecnologías Prohibidas de Night Vale

Como siempre, el museo presenta muchas exhibiciones fascinantes, incluyendo la barata fuente de energía libre de contaminación creada por Nikola Tesla, varias máquinas del tiempo (algunas de ellas todavía sin inventar), y calculadoras de bolsillo (las cuales fueron prohibidas por el Ayuntamiento hace 22 años por razones no especificadas).

Junto con esto, hay una exhibición temporal que demuestra los tan excitantes y extremadamente peligrosos usos de los láseres.

Asegúrate de comprar el libro guía de la Tienda del Museo, ya que todas las exhibiciones en sí, están completamente cubiertas con una gruesa lona en todo momento, y todas las placas explicadoras han sido tachadas con marcadores permanentes.

El Museo de Tecnologías Prohibidas. ¡Si no sabes acerca de ello, puede o no que lo tengamos!

Y ahora unas palabras de nuestro patrocinador:

Vienes a casa. Las luces están apagadas. Tienes un inquietante sentimiento. De repente, el teléfono suena. Recuerdas que no tienes un teléfono. Continúa sonando.

No sabes que hacer. Entonces recuerdas que sí, realmente tienes un teléfono. ¿Por qué no tendrías un teléfono? ¡Todo el mundo tiene un teléfono!

El teléfono sigue sonando ¡Ja ja ja ja! Que tonto, pensar que no tienes un teléfono. Continúa sonando. Sonríes, encoges los hombros, y contestas el teléfono. Sigue estando oscuro.

“¿Hola?” dices tú.

“Te están esperando” una voz susurrante de un género indeterminado te dice “Es tu hora” dice

Enciendes las luces. Ríes otra vez, preguntándote porque te tomo tanto tiempo encender la luz “¡Cielos, estaba oscuro!” piensas.

“¿Hola?” la voz pregunta.

Cuelgas, feliz de que por lo menos recordaste comprar Jugo de Naranja Tropicana.

El Jugo Puro de Naranja Premium Tropicana esta hecho de las naranjas más frescas, sin saborizantes añadidos o preservadores.

Además, ¡deberías tener identificador de llamadas! Es el siglo 21; ¿Cómo es que no tienes identificador de llamadas? En serio.

Tropicana.

Esto acaba de llegar: dos niños más fueron atacados por los perros salvajes esta mañana cerca del parque de la Escuela Primaria de Night Vale. Uno de los niños fue llevado al Hospital General de Night Vale con lesiones tratables en la pierna.

El otro chico, se nos ha dado a entender, no se lesiono, porque era un mejor chico, más amado por los Ángeles.

También hemos recibido información que un puñado de perros pulgosos acaban de irrumpir en el Asilo de Ancianos, robaron sus televisores e hicieron que el internet dejara de funcionar.

Esto se ha salido de control, damas y caballeros. Simplemente no podemos vivir con miedo de nuestra seguridad debido a los perros salvajes. Déjenme hacer una breve editorial aquí, con su permiso:

Primero, por favor, esterilicen a sus mascotas. Es un proceso rápido y barato. Puedes llevar a tu perro o gato a la SPCA de Night Vale, a tu veterinario local, o a la Pizzería de Big Rico. Rico estudia taxidermia como pasatiempo, así que estaría feliz de ayudar en cualquier modo posible.

Segundo, muchas de estas jaurías de perros están formadas por perros que no fueron criados para amar, sino para pelear. Los entrenadores están enseñándole a estos perros todo desde jiujitsu hasta kickboxing y peleas con cuchillos. Esto es simplemente inaceptable. Las peleas de perros son ilegales, crueles con los animales, y un peligro a la sociedad cuando estos perros se encuentran sueltos.

Pero somos una comunidad fuerte y unida aquí en Night Vale. ¡Debemos hacerle frente a la violencia!

Nuestro pueblo fue fundado por pacíficos conquistadores imperialistas quienes, para escapar de los impuestos, aplastaron a una potencialmente violenta raza de gente indígena y fundaron esta hermosa ciudad en los principios de familia, fortaleza, construcción de muros, y amigable propaganda.

No hay que olvidar nuestro antiguo lema: “No tenemos nada que temer excepto a nosotros mismos. Somos horrible, impía gente. Teman a nosotros mismos en silencio. Baja la mirada, Night Vale; ¡baja la mirada, y olvida lo que has hecho!”

Este es el lema de una comunidad unida y determinada.

Y ahora, ¡el clima!

[I Know This - Rachel Kann]

Damas y caballeros, ¡buenas noticias! La Alcaldesa Pamela Winchell llamo una conferencia de prensa hace unos momentos, declarando el fin del terror a nuestra jauría de perros.

La Alcaldesa anuncio que los perros no eran realmente perros, tan solo unas bolsas de plástico atrapadas en la brisa que la gente confundió por perros salvajes.

“No hay perros salvajes en Night Vale” dijo ella. “Y si los hubiera, ¡serian pequeños y dulces perritos con grandes ojos inexpresivos y lenguas como papel atrapa moscas!

Las bolsas de plástico, mientras tanto, han sido regresadas seguramente al Parque Canino de donde vinieron, y el cual debe permanecer incognoscible e inmemorable.

Los periodistas preguntaron acerca de las lesiones y las repercusiones de los crímenes relacionados con la jauría de perros esta mañana; la Alcaldesa respondió con una mirada vacía. Ella de inmediato sacudió al podio de su base y susurro a través de dientes entrecerrados “Bolsas de Plástico. Bolsas de Plástico”

La Policía Secreta del Sheriff entonces apaciguo éticamente al grupo de reporteros, gentilmente forzándolos con gas pimienta. La mayoría fueron llevados pacíficamente en esposas y capuchas negras.

¡Gracias al cielo que solo fue un malentendido!

Queridos oyentes, no quiero decirles se los dije, pero ¿no estaba yo en lo cierto cuando dije que somos un pequeño pueblo fuerte y determinado? En el enfrentamiento contra bestias salvajes, no nos derrumbamos, no retrocedemos. Nos paramos ojo a ojo con la violencia, y esta parpadeo primero. ¡Siéntansen orgullosos, Night Vale!

Siente temor en el interior, por supuesto – tu eres, después de todo, tu propia perdición – pero mantente orgulloso ante los depredadores que quieran dañar a tu familia.

¡Y ese fue nuestro programa! ¡Gracias por escuchar, oyentes!

Mantente sintonizado para el popular programa de consejos Dr. Brandon. Esta semana, Dr. Brandon ofrece una guía paso a paso de como remover tu propio apéndice sin cirugía.

El cielo es de un suave estremecedor verde, esta noche. El viento esta calmado, pero preparado. Ve a dormir Night Vale, y no te olvides de soñar.

Buenas noches.

El proverbio de hoy: Comer carne es una difícil decisión moral, porque la carne es robada. Deberías disculparte.

#wtnv #langblr #transcript translation #ep10

0 notes

esporas-ooo · 7 years ago

Photo

El extraño caso de Giorgio Morandi JOHN BERGER

Para Gianni Celati fue un solitario que pasó toda su vida rodeado de gente. Lo opuesto a un ermitaño. Fue un hombre que, estando profundamente inserto en la vida cotidiana de su ciudad y de sus vecinos, buscó, sin embargo, la pureza de su soledad y la desarrolló. Es éste un fenómeno especialmente italiano. Es lo que puede suceder detrás de las persianas, detrás de, los postigos. No es la soledad del bosque o de la cueva, sino la del sol reflejándose en un muro perfecto.

Se quedó soltero, y su soltería adoptó también una forma específicamente italiana. Esta forma no tiene nada que ver ni con el celibato ni con una opción sexual determinada. Se trata más bien de una probabilidad establecida por las estadísticas; como si cada ciudad (Bolonia, en este caso) necesitara cierta proporción de solterones y solteronas. Lo que es específicamente italiano es la manera de aceptar esta probabilidad, como si fuera la chocolatina envuelta en papel de plata que se sirve con un café fuerte y amargo.

Se le puso cara de sacristán; pero de un sacristán para el cual la modesta función de tener a su cuidado los preciosos objetos de la sacristía era una vocación escogida y no algo con lo que se había conformado a falta de mejor ocupación. La cara de un sacristán viril, carente de toda timidez. Al final de los años veinte creyó de todo corazón en el fascismo. Posteriormente creyó en la disciplina del arte. Por eso, tal vez, no le molestaba tener que dar clases para vivir. Fue profesor de grabado, y la disciplina tenía que ser intachable. Hoy es difícil imaginar un arte menos político y más intrínsecamente opuesto al fascismo (por su total oposición a toda forma de demagogia) que el de Morandi. Supongo que su soledad, su reticencia y sus arraigadas costumbres, unidas a la continua repetición de los motivos de su pintura (sólo pintó tres temas), debieron de convertirlo al final de su vida en un hombre bastante difícil, en un cascarrabias terco y desconfiado. Puede ser, sin embargo, que al igual que cada ciudad necesita cierto número de ciudadanos solteros, así también cada momento del arte necesite tener en algún lugar una especie de anacoreta gruñon y furiosamente obstinado en su incesante, aunque silenciosa, protesta contra las modas y las simplificaciones. En el arte, la tentación de agradar fácilmente está siempre presente; es algo que acompaña a la maestría. La obstinación de esos solitarios, que conocen bien el fracaso, es lo que salva al arte. Antes de Morandi, en el siglo XIX, lo fueron Cézanne y Van Gogh; después de él, Nicholas de Staël o Rothko. Estos pintores, tan diferentes entre sí, tienen, sin embargo, una cosa en común: la firmeza (y para ellos inexorabilidad) de su intención.

Los tres temas de Morandi fueron las flores, unas cuantas botellas y otros objetos sin importancia que guardaba en sus estantes y lo que veía fuera, por casualidad, sin realmente buscarlo. El término “paisaje” sugiere algo demasiado grandilocuente. Los árboles y los muros y los pedazos de hierba que escogió como temas de sus cuadros no son otros que aquellos que se encuentra uno mirando sin querer cuando se para en el camino para secarse el sudor de la frente en el calor de la tarde.

En 1925, a los 35 años, pintó un autorretrato. Todavía no tiene cara de sacristán, pero ya está presente en ella la soledad. Está sentado solo en un taburete, tal vez escuchando por la ventana abierta (no se ve la ventana) el murmullo que sube desde la plaza, y no dice nada. No dice nada, porque no hay palabras que puedan expresar la intensidad de lo que imagina mientras escucha. Este tipo de silencio es también muy italiano (Morandi sólo salió de Italia una vez en su vida para un breve viaje a Suiza).

En la mano izquierda tiene un pincel (creo que es importante el hecho de que fuera zurdo, aunque no sé por qué). Con la derecha agarra una paleta, en la cual se ven unos pigmentos exactamente de los mismos colores que los que lo rodean a él formando el fondo del lienzo. Esta artística manera de recordarnos que lo que estamos viendo, incluyendo la imagen del propio pintor, empezó por la mezcla de colores, nos dice algo sobre lo que vendrá después.

Su obra se divide en tres periodos, cuyas diferencias son extremadamente sutiles. Desde la época del autorretrato hasta 1940, pinta para acercarse al objeto que está siendo pintado: el camino que pasa bajo los árboles, las flores en el jarrón, las estilizadas botellas. Vemos cómo se va acercando cada vez más. La proximidad final no tiene nada que ver con el detalle o con la precisión fotográfica. Se trata de la presencia del objeto; casi podemos sentir su temperatura.

En el segundo periodo, entre 1940 y 1950, parece que el pintor se ha quedado quieto y que los objetos (los mismos, además de alguna concha marina de vez en cuando) se acercan al lienzo. Él espera y ellos llegan. Tal vez, el pintor se esconde a fin de animarlos a venir. En el último periodo, desde 1951 hasta su muerte, en 1964, los objetos parecen a punto de desaparecer. No es que sean borrosos o distantes, sino que son ingrávidos, fluctuantes; están en la frontera de la existencia.

Si suponemos que estas tres etapas son una progresión -es decir, que su maestría aumentó con la edad-, hemos de hacernos la siguiente pregunta: ¿qué es lo que intentaba hacer? La respuesta que se suele dar -que Morandi era el poeta de lo efímero- no me convence. La energía de su obra no es ni nostálgica ni íntima, en el sentido personal del término. Puede que llevara una vida recluida. Y sus odiosas inclinaciones políticas sugieren pánico. Pero su arte es extrañamente afirmativo. ¿Qué es lo que afirma?

Los dibujos y los aguafuertes nos susurran una respuesta. Como no hay en ellos ni densidad ni color, no nos distraen los objetos representados. Y nos damos cuenta entonces de que lo que le interesa al artista es el proceso de hacerse visible lo visible, antes de que la cosa vista haya recibido un nombre o adquirido un valor. Y, sorprendidos, nos decimos que la solitaria obra del sacristán cascarrabias es una indagación sobre los principios, sobre los orígenes.

Uno tiene que imaginarse el mundo como una hoja de papel y a un creador dibujando, probando con objetos que todavía no existen. Las huellas no son sólo lo que queda cuando algo ha desaparecido, sino que también pueden ser las marcas de un proyecto, de algo que va a revelarse. Lo visible empieza con la luz. Y en cuanto hay luz, hay sombra. La mano dibuja sombras en el blanco del papel. Todo dibujo es una sombra en torno a la luz.

Las marcas se entrelazan, vibran, se trocan. Y lentamente el ojo registra y lee el dibujo irrepetible de una rama concreta, cuyas hojas tiemblan frente a un muro concreto iluminado por el sol. En otras palabras, los objetos que pintó Morandi no se pueden comprar en una feria. No son objetos. Son lugares (todo tiene su lugar), lugares en donde nacen pequeñas cosas.

Cuando el viejo solitario se despertaba por la mañana, la luz del día ya estaba allí antes de que él abriera los ojos y distribuyera las sombras y la claridad en la habitación y fuera de ella, en la calle. Todas las mañanas, antes de abrir los ojos y mirar a nada, la marea de lo visible lo transportaba un pequeño trecho hacia lo presente.

Luego, en su estudio, se valía d el acto de pintar para volver a encontrar y señalar esa marea. En su soledad, Morandi no estaba enamorado de la apariencia de las cosas, sino del proyecto de esa apariencia o presencia. Y, de paso, fue el más sigiloso de los pintores.

#arte #giorgio morandi #john berger #pintura

0 notes

danielpico · 6 years ago

Link

La cartomancia es el método de adivinación más popular, frente a otros como los posos de té o los pulpos del acuario. Sin embargo, ha pasado de ser objeto de estudio (histórico o mágico) y una de las atracciones estrella de las ferias ambulantes a presidir los deprimentes programas nocturnos de televisión. Ahora es un bot de internet que te deja en la carpeta de spam tu lectura diaria de «Tarot del amor económico». Las razones de este desprecio de los sensitivos y el público, quienes prefieren consultar el tutorial de Windows para leer las tiradas del I Ching, reside en las modas y en el propio tarot y las confusiones sobre sus usos y origen.

Hasta hace no tanto tiempo, el tarot había sido considerado una herramienta muy valiosa dentro de los círculos contraculturales, y no solo por sus poderes de predicción. Estas cartas han sido utilizadas como medio narrativo, estructura argumental que se desenvuelve a sí misma. Así lo han hecho en sus obras personajes como Carl Jung, Italo Calvino o Alan Moore. Este último desarrolla la narración de su comic Promethea, un viaje fabuloso al mundo de la magia, bajo los símbolos de los arcanos mayores, inspirados en el Tarot de Aleister Crowley y en la figura del pintor y ocultista Austin Osman Spare, que dedicó parte de su vida y obra a leer y jugar con las cartas. El descubrimiento, hace apenas un año, de una baraja completa, diseñada y pintada por Spare, tarot que se creía perdido, es una noticia que a sus fans nos ha hecho muy felices. En este caso, y relativo a AOS, nunca la denominación de contracultura ha sido más elocuente. A pesar del abuso de los aspectos más coloristas del revival mágicko, hay determinadas ideas que siempre permanecerán ocultas. No porque el Tarot de Spare se encontrara custodiado en una peculiar colección privada, sino porque, como decían Psychic TV, «La magia(k) se defiende a sí misma».

A ciencia cierta, no se sabe si las cartas de tarot nacieron con el propósito de ofrecer una iluminación sobre la vida de quien las consultaba o como un simple juego para pasar el rato. El azar y las visiones se intercambian con facilidad. Las cartas, sean de baraja española, japonesa, francesa, etc., se han utilizado tanto para jugar en el presente como para leer los acontecimientos en el tiempo. Tampoco se conoce su lugar de origen (quizá Turquía, el norte de África, incluso se habla de una ciudad castellana en la Edad Media donde hubiese un núcleo de lingüistas árabes, judíos y cristianos), pero los primeros mazos de tarot sí están localizados: en la Italia del siglo XV. Mejor dicho, en la suntuosa corte de Milán, para cuya familia dirigente, los duques de Visconti y Sforza, se fabricaron unas cartas especiales. Eran mucho más grandes de lo normal, aproximadamente de 17.15 por 8.9 cm, y estaban bellamente decoradas con adornos en oro. El dibujante añadió a la serie habitual de números y personajes de la corte (el rey, la reina, el caballero, el sirviente…), un grupo de veintidós naipes denominados «Triunfos», que simbolizaban objetos y figuras del ámbito confesional: las virtudes teologales, el mundo, la muerte… Con ellos, los cortesanos simulaban una sofisticada batalla por el control del territorio, trasladando a las cartas el poder del ducado. Este juego se extendió por Europa hasta el siglo XVIII (Suiza, Alemania, Francia), con muchas variantes (por ejemplo, el «tarrochino»).

Su forma definitiva fue realizada hacia 1760, cuando los impresores franceses, como por ejemplo, el grabador Nicolás Conver, diseñaron y pintaron a mano el Tarot de Marsella, el más conocido. Una obra maestra del simbolismo en formas y ejecución, con claras influencias de las miniaturas medievales y los colores de las vidrieras góticas, que dividía el mazo de naipes en dos grupos: los arcanos «menores», cincuenta y seis cartas que seguían las cuatro suertes o palos de la baraja italiana (bastos, copas, oros y espadas), y los arcanos «mayores», las veintidós cartas tituladas con un nombre y numeradas según el sistema romano, menos dos: la del loco, que viene sin numerar, y el arcano XIII, que no lleva nombre. En ellas se despliega una panoplia completa del mundo y los principales rasgos de la vida humana, no importa la época ni la situación, gracias a la disposición de los símbolos y la combinación de unos naipes con otros.

Sin embargo, el tarot seguía siendo un simple mazo de cartas para jugar en los salones europeos. El suizo Antoine Court de Gébelin, un pastor protestante y escritor de la Ilustración, lo encontró en uno de estos lugares encopetados de la capital y quedó maravillado ante el poder que tenían sus imágenes. En su afán por descubrir al mundo el legado del conocimiento antiguo, dentro de su enciclopedia Le Monde Primitif (1781), primer compendio de saberes ocultistas de la historia moderna, dedicó un tomo entero a este tarot. En él no solo divulgaba, sino que se inventaba directamente que las figuras de las cartas procedían de un misterioso libro de la sabiduría que había pasado miles de años encerrado en una pirámide egipcia, el Libro de Thoth, de ahí que los sacerdotes, además de conocer el horóscopo, ya leyeran el tarot a los faraones. Este conocimiento fue comunicado a los papas cristianos y así habría llegado a la actualidad del siglo XVIII. Gébelin, además, se permite dibujar él mismo un tarot alternativo al de Marsella, que dice ser más fiel a aquel primitivo egipcio, cambiando personajes, encuadres y quitando el color original. Esta imaginativa teoría no solo fue creída, sino que el tarot del enciclopedista pasó a ser el «bueno» y el revival ocultista francés dio por sentado la idea de que el tarot provenía de los egipcios, aunque luego cada autor mostrase sus desacuerdos en determinados puntos de la confección de los símbolos.

En 1997, el cartómago Alejandro Jodorowsky ayudó a restaurar el Tarot de Marsella con el descendiente de la familia Conver, Philippe Camoin. En su obra, La vía del tarot (Siruela, 2004, escrito con Marianne Costa) nos cuenta la fascinante biografía del impresor y la suya propia, donde las cartas han jugado un papel crucial. Sobre la historia del tarot desgrana la lista de errores y malentendidos esotéricos que se desarrollaron a partir de la obra del enciclopedista Gébelin. Su famoso tomo sobre el tarot tuvo tanto éxito que enseguida un peluquero de moda y vidente, Alliette, tras años de estudio y buena voluntad, lanzó su propio tarot bajo el seudónimo de Etteilla (1783). Esta era una baraja que afirmaba haber sido creada bajo la influencia de la cábala hebrea y la astrología egipcia, aunque no pasaba de ser un compendio de imágenes pop que se vendió muchísimo y comercializó el tarot como oráculo entre las clases pudientes. Resulta increíble, pero autores de la talla intelectual de Éliphas Levi, en su Dogma y Ritual de la Alta Magia, y poco después, Papus, con su Tarot de los Bohemios, también dieron por buena esta hipótesis del supuesto origen antiguo de las cartas, en plena moda del arte y conocimientos egipcios, aunque le añaden elementos cabalísticos que no estaban en el Tarot de Etteilla. Lo mismo hicieron Stanislas de Guaita y Oswald Wirth en su Tarot de la Edad Media (1889), aplicando los principios rosacruces a los arcanos y la lectura de la baraja. Desde entonces, cada autor ajusta el tarot a su filosofía y concepción del mundo. Como ellos, y hasta nuestros días, hay un rosario de cartas reinventadas según las creencias y estados de ánimo de aquellos que lo han estudiado y pintado, siempre atribuyéndole un origen divino, o como poco, misterioso. Lo mismo están detrás del tarot los masones, los illuminati, que los extraterrestres o Cthulhu.

Como muchas aficionadas a la cartomancia y antes de leer el tratado de Jodorowsky, yo también estaba convencida de este origen mitológico del tarot, porque Aleister Crowley tituló también al suyo El Tarot de Thoth. Lady Frieda Harris lo dibujó y pintó tras varios años de investigaciones del ocultista en este terreno, y fue publicado originalmente en 1944, en su revista-fanzine, The Equinox. No saldría como baraja, con los colores de la acuarela original, hasta finales de los años sesenta, y por su estilo parecía haber sido creado en esos años de la psicodelia, convirtiéndose en una de las barajas más vendidas y populares del siglo XX, a pesar de ser con toda seguridad el tarot más complejo de leer. Es un potente grupo de imágenes pensadas según la numerología, la religión egipcia, el hinduismo y los principios de la magic(k). Igualmente conservo un ejemplar de la fabulosa editorial Kier titulado El tarot del antiguo Egipto, escrito por Doris Chase Doane y King Reyes (sic), en edición argentina de 1974, donde se asegura que el afiche adjunto contiene las cartas que se extrajeron de los jeroglíficos del famoso libro de la sabiduría egipcia de Hermes y que ellos, los miembros de la californiana Iglesia de la Luz, custodian sus secretos (por el módico precio de 4.90 dólares te podían hacer llegar una baraja «en impresión de mayor solidez»). Jodorowsky, de nuevo, afirma que este tarot no es otra cosa que una teosófica reapropiación de «Las veintidós láminas herméticas» que en 1896 crearon Robert Falconnier y Otto Wegener.

En este proceso de secularización y sacralización del tarot, y dejando aparte los ejemplos más estrafalarios de la Nueva Era, hay que detenerse en el tarot encargado por la Orden Hermética de la Aurora Dorada (Golden Dawn) que vio la luz en 1909. Los aplicados estudiantes británicos de magia seguían las directrices de la cábala, los antiguos rituales egipcios y renovaron las prácticas y el enfoque del hermetismo según el sistema rosacruz. Uno de sus miembros, Arthur Edward Waite, cambió de forma sustancial los arcanos mayores del Tarot de Marsella, borrando de ellos los elementos cristianos y tomando como referencia las correcciones de Éliphas Levi y una baraja del Renacimiento. La pintora Pamela Colman Smith, también componente de la orden, fue quien dibujó este detallado e interesante tarot, que era una de las materias que la Orden estudiaba a fondo, como entrenamiento mental y guía para el autoconocimiento. Con la Aurora Dorada, el tarot toma un nuevo camino: ya no es un juego de cartas ni un recurso para echar la buenaventura. Ahora es un lenguaje visual que ilumina a quien pregunta. Un médium que responde con imágenes, que aunque hayan sido metamorfoseadas una y otra vez, son entendidas a la primera, porque se encuentran en el inconsciente colectivo desde épocas muy primitivas. Pero necesitan un estudio y trabajo en profundidad si queremos ser capaces de conocer todos los detalles del mensaje que se nos revela.

Extraño tarot hallado en una vitrina

Los estudiosos del pintor y ocultista Austin Osman Spare (1888-1956) sabían de su interés por el tarot. En su obra alude con frecuencia a las tiradas de cartas, las que hacía para sí mismo y para los demás. En algunos artículos invoca a los lectores, no solo con consejos sobre cómo interpretar las combinaciones de naipes, sino también a fabricar ellos mismos su propio tarot. El heredero de AOS, Kenneth Grant, y otros discípulos, conservaban unas pocas láminas realizadas con este propósito, la baraja «Arena de Anon» y los escasos fragmentos de un mazo originario conocido como las «Cartas Obeah», recuperado entre las ruinas de su piso poco tiempo después del fallecimiento del pintor, unas cartas que según se dice utilizaba para adivinar los resultados de las carreras de caballos. Pero no había rastro de una baraja completa, por lo que durante un siglo se había pensado que las investigaciones de Spare con el tarot pertenecían a su época de juventud y le habrían servido como paso inicial en el desarrollo de su sinuoso y complejo pensamiento, diferente del de otros ocultistas inmediatamente anteriores o contemporáneos. El sistema de Spare no es académico ni responde a una filosofía concreta, pero en ello radica su originalidad. Mezcla en la misma corriente la cultura popular británica con las ideas artísticas del momento (el surrealismo y el psicoanálisis) más la tradición esotérica (el hipnotismo, el yoga y su propio aporte personal, el sigilo mágico). Al contrario que los ocultistas de su generación, más inclinados por el lado más conservador, por no decir totalitario, Spare mantuvo una posición política muy beligerante, efecto de su paso por el frente de la Primera Guerra Mundial y conectada con el anarquismo. Desde muy joven, AOS conocía la práctica de leer las cartas, una moda en el Londres de principios de siglo que se cumplimentaba con manuales de instrucción al alcance de todos los bolsillos. Además, está la leyenda de la bruja local que le «inició» en determinados misterios; entre ellos, los de la adivinación. En esta historia, la de la Bruja Paterson, aquella figura a quien visitaba para que le leyera la buenaventura, se refleja la que cuenta el propio Jodoroswky, cuando al llegar de adolescente a Santiago de Chile, conoció a una mujer francesa que también leía su propio tarot.

Las cartas de tarot eran un capricho muy caro para gente como Spare en aquel momento. En Inglaterra no las debía tener mucha gente. Lo más lógico es que el pintor llegara a conocerlas a través de los miembros de la Orden de la Golden Dawn, por el propio Edward Waite y la pintora Pamela Colman, compañera en el Atelier Sufragista de Sylvia Pankhurst, dibujante y amiga íntima de Spare, influencia decisiva en el dibujo de estas cartas. Es evidente la influencia de los cambios que habían llevado cabo Papus y Eliphas Lévi sobre el Tarot de Marsella. Estos últimos matices sabemos que los aprendió gracias a Aleister Crowley, cuyo tarot es posterior al de Spare, que se calcula lo dibujó hacia 1905 o 1906.

En 1944, el pintor entregó su baraja original de tarot a Herbert J. Collings, un mago (de los otros) conocido por sus trucos de cartas y sus disfraces de oriental, para que lo guardase en la sede del Círculo Mágico, organización fundada y presidida por este último a comienzos de siglo para reunir a los profesionales de la magia. En su sede de Londres existe un museo con recuerdos y objetos de los magos británicos más populares. Pues bien, entre esas vitrinas han permanecido expuestas las cartas pintadas a mano del Tarot de Austin Osman Spare. El propio Collings no explicó las razones de por qué Spare le hubiera cedido su tarot, pero ya en los años cincuenta, Arthur Ivey, otro de los componentes de esta sociedad, ya había escrito sobre las peculiaridades de semejante baraja, mencionando a su autor, un «excéntrico» y «extraño» artista. Hasta 2016 y motivado por el interés en revisitar la figura del autor, que había sido olvidado desde los años sesenta, no se descubrió por fin esta pequeña maravilla. La editorial especializada en temas raros, Strange Attractor Press, publicó Lost Envoy: The Tarot Deck of Austin Osman Spare (Ed. Jonathan Allen), una edición con textos de varios especialistas, incluido Phil Baker, su biógrafo, además de la reproducción de los naipes y una detallada explicación de sus dibujos. Destaca un espléndido texto de Alan Moore, que transcribe su consulta al Tarot de Crowley-Harris sobre AOS y su tarot («A cartomantic mirror»).

Este tarot es verdaderamente inclasificable. No sabemos en este punto qué pensará sobre él el creador de la psicomagia, Jodoroswky, si es que ha tenido acceso a sus imágenes. Pero se trata del reflejo fiel de la personalidad de Austin Osman Spare, el estilo caótico y desmedido del autor en sus años de juventud. Un feliz cruce entre el pop art y el surrealismo, años antes de que ambas corrientes eclosionaran. En estos naipes se cruzan de forma libre y completamente desprejuiciada toda clase de dibujos, anotaciones y frases. Spare, con sus trazos de gran maestro, atiende a la forma ya establecida de los arcanos mayores y se basa principalmente en el Rider-Waite, pero al mismo tiempo compone un tarot sin precedentes, híbrido entre lo popular y lo esotérico, a medio camino entre la filosofía hermética y la práctica diaria de los no iniciados. Por ejemplo, para los palos de la baraja, en lugar de utilizar la italiana, echa mano de aquella que él maneja con familiaridad, la francesa (que es de donde procede la británica), y pinta diamantes, tréboles, corazones y picas. Pero las cartas tienen en su parte de atrás los colores que dicta la teosofía (morado, verde y rosa), y sobre fondos que siguen un aumento cromático según los números, rellena los espacios con los temas habituales de sus dibujos (símbolos de la astrología, antorchas, lenguas de fuego, bolsas de dinero, animales y seres mitológicos, bustos, faunos y desnudos en perspectivas inusuales…). Los meticulosos estudios de otros magos no existen (aparentemente) para este tarot, solo están el automatismo y la fluctuación de sus experiencias mentales y vitales en las cartas (relaciones sociales, sexo, arte, política, dinero…). Por ejemplo, el arcano de los Amantes está dibujado al revés de forma deliberada, y la palabra «egoísmo» escrita en el Colgado, es la imagen de AOS como filósofo del Uno, pero también pone sobre la mesa su dolorosa vertiente de artista olvidado.

El Tarot de AOS añade, además, una novedad que hasta el momento no tiene ninguna baraja de esta clase: los significados de las cartas se extienden más allá de sus límites. Spare no respeta el margen del naipe y dibuja en los bordes de cada uno distintos motivos y palabras que, al juntarse aleatoriamente en las tiradas, dan lugar a nuevas frases, números y objetos, consiguiendo que las respuestas y las visiones se obtengan en varios niveles y se expresen de forma cinemática. El Tarot de Spare, realizado con material humilde, los bordes gastados por el uso que le dio el propio artista y sus colores en círculos concéntricos que se extienden por las cartas, son la expresión más rotunda de la disidencia y la plenitud.

#tarot #AOS

0 notes

estudiodedecoracion · 6 years ago

Text

Joris Laarman

Joris Laarman. Diseñador, artista y empresario.

Joris Laarman (1979, Borculo, Países Bajos) es un diseñador, artista y empresario holandés conocido por sus diseños experimentales inspirados en las tecnologías emergentes más punteras.

“Usando tecnología emergente… y un lenguaje visual del futuro, damos pequeños saltos en el proceso evolutivo. Esto a veces resulta en un trabajo parecido a la ciencia ficción que estimula la imaginación y, a veces, en sugerencias muy prácticas que pueden aplicarse inmediatamente“.

Joris Laarman Lab colabora con artesanos, científicos e ingenieros y con todas las posibilidades de las tecnologías emergentes como: sistemas CNC, impresión 3D, robótica o software de simulación.

Para Joris Laarman la artesanía no tiene por qué ser algo nostálgico y debería plantearse como un proceso en continua evolución “que con la ayuda de herramientas de alta tecnología debería ser algo central para la sociedad“.

Joris Laarman nació en el pequeño pueblo holandés de Borculo, y pasó gran parte de su infancia construyendo sus propios patines y paracaídas.

Más tarde, después de decidir que la escuela de arquitectura era demasiado técnica y la escuela de arte demasiado autocomplaciente, terminó en la Design Academy Eindhoven, donde se graduó Cum Laude en 2003.

Aquí descubrió que los dos lados de su personalidad, el friki de la ciencia y el romántico soñador del artista, eran más compatibles de lo que él creía.

Joris Laarman recibió el reconocimiento internacional por primera vez con 23 años por su proyecto senior en la escuela de diseño del radiador “Heatwave” de hormigón modular.

Este radiador, con sus curvas barrocas inspiradas en el antiguo papel pintado francés, calienta un cuarto más eficientemente que un rectángulo de metal estándar, “combinar razón con emoción, eso es lo más difícil de hacer; en el diseño y en todo“, comenta Laarman.

Producido por la firma de diseño holandesa Droog y luego fabricado por Jaga Climate Systems, éste radiador se exhibe en la colección del Atlanta’s High Museum of Art (Georgia, EE. UU.).

En 2004, Laarman junto con su socia Anita Star, fundaron Joris Laarman Lab en Amsterdam (Holanda).

“Vivimos en un tiempo fascinante. Somos hijos de un momento de transición: un pie en la era industrial y el otro en la era digital. Es fascinante, aterrador e inspirador al mismo tiempo. Esta fascinación por los desarrollos tecnológicos y todas las posibilidades que lo acompañan están en el corazón de nuestro laboratorio“.

La fascinación de Laarman por la era digital empezó realmente “cuando vi una animación en un documental sobre el profesor alemán Claus Mattheck. Para mí, esto no fue solo una animación, sino una visualización de cómo en general la era industrial se está transformando en la era digital“.

Joris Laarman declara en su página web que “los tiempos industriales y los pioneros modernistas tenían que ver con las piezas estandarizadas y su ensamblaje en un lenguaje de formas geométricas dictado por las limitaciones de las máquinas industriales.

“En nuestra era digital, sin embargo, ya no estamos sujetos a estas limitaciones. Con el diseño digital y las herramientas de fabricación podemos crear formas personalizadas más inteligentes que son mucho más complejas“.

Desde el Art Nouveau hasta el diseño orgánico de los años 60 (impulsado por innovaciones en plásticos y madera contrachapada) los diseñadores se han esforzado por crear objetos inspirados en la naturaleza, “pero nuestra era digital hace posible no solo utilizar la naturaleza como referencia estilística, sino también utilizar los principios subyacentes para generar formas como un proceso evolutivo“.

Laarman está considerado como uno de los talentos más formidables del diseño en la actualidad y disfruta de un “caché” especial entre los museos y coleccionistas prestigiosos.

Así por ejemplo, su silla “Bone” (2006) forma parte de la colección permanente del Rijksmuseum de Amsterdam; del Museo de Arte Moderno de Nueva York; del Vitra Design Museum; el Weil am Rhein; el Centraal Museum de Utrecht, y del Museum fur Kunst und Gewerbe de Hamburgo.

El diseño de “Bone” comenzó en realidad en 1998 cuando Adam Opel GmbH, filial alemana de General Motors, desarrolló un nuevo software de imagen y simulación con la intención de crear un motor más eficiente. Este software en realidad lo que consigue es replicar un diseño que logra la máxima resistencia con una cantidad mínima de material.

“Cuando me pidieron que participara en la exhibición “Smart Deco”, iniciada por Droog y Barry Friedman, mi propuesta fue crear una silla completa utilizando este algoritmo como una herramienta de escultura digital de alta tecnología. Si la madre naturaleza quisiera crear una silla, probablemente se parecería a los resultados que obtendríamos“.

Para la silla “Bone” de aluminio el resultado generado por ordenador tuvo que ser replanteado para las especificaciones concretas de este material; y aunque dio como resultado que su forma se convirtiera en más esbelta fue todo un desafío debido a su complejidad orgánica.

“Prácticamente todas las empresas a las que nos acercamos se negaron a aceptar el desafío, hasta que recurrimos a Phil Verdult, que tenía un pequeño taller en algún lugar de la pequeña ciudad de Heerhugowaard“.

Gracias a años de experiencia con los procesos de fundición y a experimentos con nuevas técnicas como la fundición de metal en moldes de cerámica impresos en 3D -que ensamblados daba como resultado el objeto real fundido de una vez- se consiguió la primera silla de hueso de aluminio.

“Es como si un árbol simplemente creciera del suelo para mantenerlo apuntalado“, dice Paola Antonelli, curadora del MoMA de Nueva York.

Después de que la lámpara/candelabro “Nebula” (2007), que creó para Flos, fuera una de las piezas favoritas en la Feria del Mueble de Milán de ese año, y dos de sus piezas de mobiliario se presentarán en la exhibición del MoMA: “Design y Elastic Mind” (del 24 de febrero al 12 de mayo de 2008), Paola Antonelli destacó a Joris Laarman como una figura clave en la ola actual de diseñadores que exploran la intersección entre la tecnología de vanguardia y la belleza clásica.

“Muchos diseñadores ahora están buscando trabajar con software como una forma de crear nuevas formas”, dice Antonelli, pero “Joris lo hace con particular elegancia“.

Flos se convirtió en la primera de las pocas firmas de diseño con las que Joris comenzó a colaborar. “Conocía a todos los artistas que trabajaron con Flos y, para ser sincero, me sentí un poco intimidado… Quería hacer algo elegante y atemporal fuera de lo anónimo y lo común; quizás un poco en la tradición de Achille Castiglioni, pero a mi manera“.

De la lámpara “Nebula” comenta que “creé esta versión de vidrio soplado de un grupo de pantallas de lámparas antiguas que encontré en un mercadillo local. Mientras los mezclaba en diferentes composiciones, me llamó la atención la fuerza de la imagen que apareció al combinarlos en un grupo como una explosión de luz, casi sin simetría, pero con una armonía natural en su composición“.

En el año 2013, el Laboratorio (Joris Laarman Lab) colaboró con Greenpeace instalando una cápsula del tiempo en el fondo del mar Ártico para la campaña “Save the Arctic“.

Otro hito fue en 2014 con la producción de la consola “Vortex” (2014), que fue diseñada de tal manera que permitiera crear una nueva variación cada vez.

Múltiples capas de contornos de aluminio perforado se ensamblan siguiendo un modelo digital y en el laboratorio desarrollaron un sistema de molde a presión para laminar hojas delgadas de aluminio que resultó en si mismo espectacular.

Desde el comienzo del diseño moderno ha habido un discurso sobre el uso del ornamento contrapuesto a la funcionalidad, y de la artesanía frente a la industria.

“El ornamento siempre ha sido un aspecto importante de nuestro trabajo y nuestra era digital permite muchas perspectivas nuevas… Al observar un mundo globalizado cada vez más uniforme, creemos que el ornamento y la personalización son cada vez más importantes“.

Las piezas de “Vortex” se inspiraron en la investigación sobre métodos computacionales de vórtices de Mark J. Stock de la Universidad de Michigan, ya que con éste método los vórtices se pueden controlar.

“El uso de este conocimiento en nuestros diseños permite a los usuarios decidir la cantidad de ornamentación que desean, como un duelo entre la funcionalidad y el ornamento, un juego entre el bien y el mal“.

En Junio de 2015 se anunció otro proyecto importante. Entre Abril y Octubre de 2018 cuatro robots de seis ejes terminaron de imprimir en 3D la estructura de 4 metros de ancho de un puente para la ciudad de Ámsterdam.

Ésta estructura, impresa en el aire a partir de capas de acero fundido, se planificó para que la colocación de la plataforma y todo el complejo puente de metal llegara a tiempo para la Dutch Design Week.

“Creo firmemente en el futuro de la producción digital y la producción local“, declaró Joris Laarman al anunciar el proyecto en 2015.

Éste es un puente peatonal de acero de 12 metros de largo diseñado por Joris Laarman Lab e ideado por la startup de tecnología MX3D (con sede en Ámsterdam) que cruzará uno de los canales más antiguos y famosos de la ciudad (en el Oudezijds Achterburgwal, en el Barrio Rojo) una vez que se complete la renovación del canal.

La firma de ingeniería Arup e investigadores del Imperial College de Londres realizaron varias pruebas de carga completa para probar la integridad estructural del puente, que se imprimió dentro de un antiguo hangar de construcción naval.

Con geometrías complejas, fuertes y elegantes, el puente está programado para ser instalado en 2019, y muestra cómo la impresión 3D finalmente entra en el mundo de la gran escala.

La impresión 3D permite objetos funcionales y materiales sostenibles que a la vez permite una libertad de forma sin precedentes. “El simbolismo del puente es una hermosa metáfora para conectar la tecnología del futuro con la ciudad vieja de una manera que saca lo mejor de ambos mundos“.

Para este puente -que mide 12,5 metros de largo, 6,3m de ancho y pesa 4.500 kg- se utilizó el software MX3D (especialmente diseñado para este proyecto) y cuatro robots industriales multi-eje que tardaron seis meses en imprimir el tramo completo del puente.

En el fondo, Joris Laarman se parece mucho a un inventor de la vieja escuela de Buckminster Fuller, aunque su idealismo se equilibra con el mismo grado de conocimiento comercial que ha hecho que sus compañeros de Eindhoven, como Maarten Baas, tengan tanto éxito.

Gracias a la gran demanda de la silla “Bone” -de edición limitada y agotada- y sus colaboraciones regulares con gigantes del diseño como Flos y Droog, a Joris Laarman le resulta más fácil financiar sus propios experimentos fantásticos.

“Su trabajo es alucinante“, agrega Li Edelkoort, presidenta de la renombrada Design Academy Eindhoven, “y está cambiando nuestra perspectiva sobre el funcionalismo“.

Los diseños de Laarman se encuentran en colecciones permanentes y exposiciones en instituciones como el MoMA de New York; el Victoria & Albert de Londres y el Centro Pompidou de París.

Joris Laarman ha colaborado también en artículos y seminarios para la revista Domus y ha dado conferencias en la Architectural Association School of Architecture de Londres; la Gerrit Rietveld Academy de Ámsterdam, y la Design Academy Eindhoven.

Joris Laarman (pág. web).

Fuente: (designboom).

Joris Laarman sentado en su silla “Bones” (2006) y consola “Vortex” (2014).

TodosABCDEFGHIJKLMNOPQRSTUVWXYZ

Achille Castiglioni

Adolf Loos

Alessandro Mendini

Alfredo Häberli

Alvar Aalto

Andrea Branzi

Andrée Putman

Andreu Carulla

Andy Martin

Antonio Citterio

Arend Groosman

Arik Levy

Arne Jacobsen

Atelier Oï

Atelier Van Lieshout

Autoban

BarberOsgerby

Benjamin Graindorge

Benjamin Hubert

Bertjan Pot

Boca do Lobo

Carlo Alessi

Carlo Mollino

Carlos Tíscar

Charles Rennie Mackintosh

Charles y Ray Eames

Claesson Koivisto Rune

Claudio Colucci

David Adjaye

Dieter Rams

DimoreStudio

Doriana y Massimiliano Fuksas

Doshi Levien

Ed Annink

Edward van Vliet

Eero Aarnio

Eero Saarinen

Eileen Gray

Elena Manferdini

Elisabeth Garouste

Enrico Franzolini

Enzo Mari

Ettore Sottsass

Fabio Novembre

Färg & Blanche

Federica Capitani

Fernando Mastrangelo

Filippo Mambretti

Finn Juhl

Formafantasma

Francesco Rota

François Bauchet

Frank Gehry

Frank Lloyd Wright

Fredrikson Stallard

Gabriella Crespi

Gae Aulenti

Gaetano Pesce

Geoffrey Harcourt

George Nelson

George Sowden

Gerrit Rietveld

Gio Ponti

Goula Figuera

Greg Lynn

Hans J. Wegner

Héctor Serrano

Hella Jongerius

Hermanos Campana

Hervé Van der Straeten

Ico Parisi

India Mahdavi

Inga Sempé

Jaime Hayón

Jasper Morrison

Jean Prouvé

Jean Royère

Jean-Louis Deniot

Jean-Marie Massaud

Jean-Michel Frank

Jeffrey Bernett

Jens Risom

Joaquim Tenreiro

Joe Colombo

Johan Lindstén

Jonathan Adler

Joost Van Bleiswijk

Jörg Schellmann

Joris Laarman

Josef Hoffmann

Jurgen Bey

Kaare Klint

Kaj Franck

Karim Rashid

Kelly Wearstler

Kenya Hara

Kiki Van Eijk

Konstantin Grcic

Le Corbusier

Lex Pott

Lievore Altherr

Lindsey Adelman

Lucas Muñoz Muñoz

Ludovica y Roberto Palomba

Lukas Peet

Maarten Baas

Maarten Van Severen

Marc Newson

Marc Thorpe

Marcel Breuer

Marcel Wanders

Marco Acerbis

Marianne Brandt

Marie Christophe

Mario Bellini

Mario Ruíz

Martin Szekely

Martino Gamper

Massimo Iosa Ghini

Matali Crasset

Matteo Thun

Mattia Bonetti

Max Lamb

Michael Anastassiades.

Michele de Lucchi

Mies van Der Rohe

Miguel Milá

Nacho Carbonell

Nadadora

Naoto Fukasawa

Neil Poulton

Nendo

Nigel Coates

Nika Zupanc

Noé Duchaufour-Lawrance

Odosdesign

Oeuffice

Olivier Mourgue

Ora Ïto

OS and OOS

Paola Navone

Paolo Lomazzi

Patricia Urquiola

Patrick Jouin

Patrick Naggar

Patrick Norguet

Pedro Friedeberg

Peter Ghyczy

Peter Marino

Philip Michael Wolfson

Philippe Starck

Piero Fornasetti

Piero Lissoni

Pierre Charpin

Pierre Paulin

Piet Hein Eek

Poul Kjaerholm

Quentin de Coster

Ricardo Fasanello

Richard Hutten

Richard Sapper

Rick Owens

Rodolfo Bonetto

Rodolfo Dordoni

Ron Arad

Ron Gilad

Ronan & Erwan Bouroullec

Ross Lovegrove

Sacha Lakic

SANAA

Satyendra Pakhalé

Scholten & Baijings

Serge Mouille

Sérgio Rodrigues

Seung-Yong Song

Shiro Kuramata

Simone Simonelli

Snarkitecture

Sori Yanagi

Sou Fujimoto

Stefan Diez

Stefano Giovannoni

Studio Job

Studio Kaksikko

Tapio Wirkkala

Tejo Remy

Thomas Sandell

Tobia Scarpa

Tokujin Yoshioka

Tom Dixon

Toni Grilo

Tord Boontje

Ueli y Susi Berger

UUfie

Verner Panton

Vico Magistretti

Vincent Van Duysen

Vincenzo de Cotiis

Vladimir Kagan

Von Pelt

Warren Platner

William Plunkett

William Sawaya

Xavier Lust

Xavier Mañosa

Yrjo Kukkapuro

Yves Béhar

Zaha Hadid

Zanuso

from https://decorador.online/disenadores-destacados/joris-laarman/

0 notes

prontuariodearte · 6 years ago

Text

“Vida es círculo. Vida es circunstancia,

circunferencia, circulación”

Man

Fueron las circunstancias de un viaje sin regreso, lo que propició que en la primavera de 1961 llegara Manfred Gnädinger (1936-2002) a la Costa da Morte, en Galicia, España. En aquel momento era solo un joven alemán con inclinaciones artísticas e ideas pacifistas y medioambientalistas, que lejos estaba de imaginar el rumbo que tomaría, en el pequeño pueblo pesquero de Camelle. Cuarenta y un años de transmutación, de libertad e intercambio emocional con la naturaleza: el sujeto cual ente natural, indisolublemente ligado al mar, al ciclo vital de la tierra; donde el elemento del círculo constituiría el principio y también el fin, en décadas de convertir su vida en un happening interminable, al comulgar el arte a su cotidianeidad.

Museo Man, el dique pintado, años 80

Man, años 80

Museo Man, 2018

Desde el instante que Manfred decidió quemar sus documentos personales, dejó atrás un pasado de convencionalismos sociales, para construirse un nuevo entorno de representaciones visuales: su Museo. A partir de entonces, se le conocería como Man o El Alemán de Camelle: y todo lo que su vista alcanzaba al levantarse, lo fue transformando de a poco en objeto artístico. Hasta conformar una única obra integrada por los desechos del mar, las fantásticas esculturas en piedra de su jardín, la diminuta caseta con lo justo para vivir, las acciones plásticas en el dique, las instalaciones, las pinturas, dibujos y fotografías. Transformación que incluiría su propia imagen, al abandonar las ropas y deconstruirse en la simplicidad de la desnudez, despojado de ataduras materiales, en franco gesto performático, instintivo y experimental. Con el uso del cuerpo como elemento de interacción con el medio, sensible a sus signos y señales, reafirmaba el carácter procesual del hecho artístico, en un largo ritual que asumiría cual filosofía de vida o religión.

La misma simplicidad constante en sus obras y acciones, marcada por esa delicada línea que mostraba al individuo en su estadio más puro; en diálogo abierto con los fenómenos de la naturaleza, y en especial con el mar. De tal modo que decidiera construir su Museo a orillas de este y llegara a sentirse hijo de Neptuno, nacido de una ola. El mar como centro, protagonista de lo inusitado, elemento perturbador y de poder, escenario de muertes y fuente de reflexiones; en el mar, el artista encontró el motivo para emerger con una particular cosmovisión afincada en lo autorreferencial; su experiencia personal, de encuentro y sobrevivencia, trazaría las coordenadas de un paisaje interior asentado en la síntesis de las formas circulares.

Man, Autoretrato, fotografía

Man, Autorretrato, fotografía

Man, fotografía

En el círculo Man encontró su máxima expresión, un leit motiv traducido en lenguaje abstracto y al mismo tiempo directo. El círculo resumía una estética obsesiva pero sobria, mínima en recursos; de una organicidad geométrica sustentada en un pensamiento complejo, y guiada únicamente por el impulso de la creación. Con juegos de círculos de contrastes cromáticos, el artista cubría toda su caseta, del suelo a las paredes. Las formas circulares determinaban los ensamblajes de las esculturas del jardín o las instalaciones que realizaba con antiguos espejos; con círculos pintaba las rocas del entorno abrupto, el muelle en el pueblo, las fachadas de algunas casas; y los casi trescientos ochenta metros de dique que una vez dividieron su Museo, para después convertirse en una extensión del mismo, al quedar cubiertos por composiciones a gran escala, esculturas con elementos de reciclaje, o dejar plasmadas las huellas de su cuerpo sobre el cemento fresco -a manera de protesta- cuando empezaban a construirlo.

Man, silueta sobre el dique, 2018

Museo Man, escultura sobre el dique, años 90

Museo Man, restos de una escultura, 2018

Es posible afirmar que el carácter efímero de aquellas obra expuestas al medio natural y hostil, le generaran al artista una dinámica circular e infinita, que lo obligaban a la acción repetitiva e incesante de rehacerlas una y otra vez. Ese énfasis cíclico, pudo haber influido en el ritmo de los aforismos de acento poético y otros textos metafóricos, que Man solía escribir cual ejercicios reflexivos y teóricos. En uno de sus aforismos sobre el círculo comentaba: “El punto, espacio cero. La nada. Por contraste, el círculo con dimensión. Si me alcanza la nada, dejo de existir. Si me llega el centro de mi círculo, soy todo presente.”

Luego, en una entrevista radial, realizada a Man en 1986, el artista comentaba sobre los códigos del círculo en su obra, y la relación de este con el mar, y su persona:

“Mi alma es nada más que el círculo, y si es jorobado el círculo pues es la ola, la onda, y soy así, sin cuerpo, sin nada, solamente libre así, y soy agua nada más (…)El círculo es el elemento del mundo, no existe más que el círculo. Es el origen de otros elementos. El círculo así es todo, en tres dimensiones o más, si existen. La recta también está dentro del círculo. La horizontal cuando miramos ahora al mar es una recta, pero por la larga no, por la larga es el círculo de la tierra; y así, circulación, circulación del universo, es todo un círculo, todos círculos; y si es cuadrado pues es un círculo de cuatro puntos (…); y así el triángulo, es un círculo de tres puntos (…); el círculo es más suave y redondo como el cuerpo (…)”

Man

Museo Man, 1980

Man, escultura, 2018

Man, círculos sobre rocas, 2018

Un detalle a considerar en la obra de Man, fue su aislamiento voluntario. Apenas contaba con un puñado de amigos; y prefería mantener el vínculo con su familia por correspondencia postal. El artista consideraba la soledad como su tabla de multiplicar, de monólogo íntimo y modus vivendis. Soledad, que pudo estar condicionada por las contradicciones culturales con el entorno social que le rodeaba. Algo que suele ocurrir frecuentemente con los artistas outsiders, cuando deciden romper con esquemas y salirse de las conductas aceptadas por la sociedad. Aunque a pesar de este aislamiento, las personas que visitaban su Museo desde varios lugares de España y del mundo, formaban parte activa de este, al interactuar con el artista mediante pequeñas agendas que Man les ofrecía, para que dibujaran y dejaran sus impresiones. Por años, el artista logró reunir miles de agendas que recogían las experiencias de esta acción participativa, y que hoy se conservan como parte integral de su propia obra. El proceso artístico se movía en este caso, de la obra al público y viceversa, en una continua retroalimentación; donde la participación del público se convertía en un factor primordial.

Al igual que las pinturas monumentales con los grandes círculos, la caseta y el jardín de esculturas en piedras, eran la fascinación de quienes visitaban el Museo.[1] Todo el complejo resultaba un site specific en constante evolución. La acogedora caseta de madera, ladrillo y cristal apenas medía trece metros cuadrados; en ella conservaba sus libros de arte y filosofía, catálogos, herramientas y materiales, las agendas debidamente ordenadas por fecha, cuadernos de apuntes, libros manipulados, instalaciones y piezas escultóricas de huesos, caracoles, conchas, corales y plástico; además de fotografías, dibujos sobre papel y pinturas sobre lienzo. La caseta poseía un diseño funcional con una marcada intención artística, dada por el colorido, las figuras de círculos en el interior y en el exterior, el solárium de casi tres metros cuadrados, o la disposición rítmica de las alrededor de cincuenta ventanas de diversos tamaños y la puerta, que proyectaban la luz de día y de noche; con seguridad, la estructura y ubicación de la caseta respondía a un estudio minucioso de la luz, los puntos cardinales y el clima de esa geografía costera. En cuanto a las esculturas del jardín, movía manualmente cada piedra, para luego pegarlas con cemento y crear un conjunto caprichoso cerca de la caseta; algunas en forma de pináculos, fuentes, pórticos, o gigantescos templos. Consideraba cada piedra como una palabra sin ruido, que unidas formaban aforismos. Pura poesía visual, escenificada en el silencio de la soledad de un artista que construyó su hogar ideal, su refugio para escapar del mundo. Sus obras de décadas de trabajo eran todo lo que tenía, y las amaba como un padre a sus hijos.

De ahí que fuera un golpe tan duro, cuando en una mañana de noviembre del 2002, su Museo amaneciera cubierto de chapapote. Un barco había colapsado en medio de la tormenta, derramando al mar las setenta y siete mil toneladas de petróleo que traía. Con la marea negra provocada por el Prestige, no solo quedaron desbastadas buena parte de las costas gallegas, sino la obra de toda una vida de este prolifero artista. La tristeza, la pena y la desilusión ahogaron el corazón de Man, ya sin fuerzas; quien murió a los 66 años, al mes siguiente de este terrible desastre.

Durante todo ese tiempo de entrega espiritual y esfuerzo, hubo quienes lo tenían por un loco y un vago; en cambio otros lo veían como un genio, o adivino capaz de predecir sucesos. Pero Man no era más que un artista en plena libertad de crear, que asumió como pocos el riesgo del anonimato, al desarrollar sus producciones en un lugar apartado de los circuitos artísticos; lejos de galerías, ferias, coleccionistas, críticos, subastas y eventos. Riesgo que a la vez resultó su mayor mérito. Con su aislamiento, se mantuvo fuera de ambientes contaminados por el mercado y presiones sociales, para realizar una obra artística en comunión consigo mismo; y consolidar un cuerpo coherente, donde se fusionaron las distintas manifestaciones, bajo la premisa de demostrar la posibilidad real de establecer un enlace entre el arte y la vida. Man irrumpe desde la experimentación y la búsqueda de su yo; logra difuminar fronteras clasificatorias que lo encierren o enmarquen en tendencias, movimientos y períodos; y se convierte en el eslabón necesario para entender el proceso creativo, como un amplio ciclo, sin límites, principio ni fin.

Yaysis Ojeda Becerra

Investigadora y crítica de Arte

Madrid, 28 de Octubre 2018

Notas

[1] La investigadora de arquitecturas y espacios bruts, Jo Farb Hernández, dedicó el capítulo 40, de su libro Singular Spaces (Editorial Raw Vision, 2015) al Museo de el Alemán de Camelle.

Los Círculos de Man “Vida es círculo. Vida es circunstancia, circunferencia, circulación” Man Fueron las circunstancias de un viaje sin regreso, lo que propició que en la primavera de 1961 llegara Manfred Gnädinger (1936-2002) a la Costa da Morte, en Galicia, España.

0 notes