#Arquitectura Brut

[lilianapsarte]

ARTE

En el mundo del arte, existen infinitas formas de expresión y disciplinas que abarcan desde la pintura hasta la escritura creativa. Desde el arte clásico hasta el contemporáneo, podemos encontrar una variedad de estilos y técnicas que nos conmueven y nos hacen reflexionar. Ya sea que prefieras los paisajes naturales o la abstracción, la cerámica o el videoarte, siempre habrá algo que te atrapará.…

[sonyclasica]

DARDUST

URBAN IMPRESSIONISM

Una exposición de 13 obras de piano, a la venta el 8 de noviembre. El 18 de marzo comienza una gira europea por 9 ciudades que incluye conciertos en España.

El multipremiado pianista, productor y compositor Dardust es una de las figuras más influyentes en su género, con una carrera de una década a sus espaldas. Tras haber evocado desde el principio atmósferas poco convencionales en perfecto equilibrio entre el piano y la electrónica, ha forjado un estilo totalmente distintivo e innovador que redibuja los límites de lo clásico y lo contemporáneo, y sitúa su música más allá de toda definición. El 8 de noviembre se publica en Artist First y Sony Masterworks su nuevo proyecto discográfico, Urban Impressionism, una obra para piano en la que Dardust explora nuevas combinaciones sonoras, haciendo contrastes entre ellas para darles mayor intensidad, como se aprecia en las piezas Mon coeur, Béton Brut, Impression, Skyline, Italian Rêverie, Danse (en plein air), Nocturne of You.

Dardust siguió una ruta desde Berlín a Reikiavik y luego a Londres en sus tres primeros álbumes (7, Birth, S.A.D Storm and Drugs) antes de llegar a Duality, el álbum de 2022 inspirado en Japón en el que tomaron forma sus dos hemisferios sonoros, a medio camino entre la cabeza y el corazón, la música de cámara instrumental y la electrónica de club. Urban Impressionism, su quinto álbum de estudio, representa una auténtica síntesis con el poder de unir estas dicotomías.

Dardust vuelve a desafiar una vez más las convenciones de la música neoclásica/contemporánea y, como de costumbre, lo hace rompiendo las barreras entre las artes, fusionando música y arquitectura, y haciendo armonía de sus contrastes, pero con nuevas fuentes de inspiración como punto de partida. Por un lado, la geometría arquitectónica de la periferia urbana, desde el brutalismo hasta el posmodernismo, que se traduce en expresividad musical, conseguida sin depender de adornos ni artificios de producción. Por otro, las pinceladas rápidas de los artistas impresionistas, reflejadas en su enfoque compositivo. Dardust explora nuevos escenarios urbanos viajando a la periferia de varias ciudades y grabando los sonidos que allí se producen, tomando como modelo la capacidad de los impresionistas para pintar escenas de la vida cotidiana al aire libre, representando la realidad de forma subjetiva y haciendo hincapié en la percepción personal directa más que en los detalles precisos.

Lo que lo inició todo para mí fue analizar las estructuras compositivas utilizadas por Brian Eno, Debussy y Steve Reich. Eso me llevó a descubrir mi lenguaje “minimalista”, en el que el piano sigue siendo el protagonista, explica Dardust. He intentado crear un álbum de atmósferas urbanas y oníricas, atravesado por los sonidos analógicos de los sintetizadores Moog One, Juno 66 y Take 5, repeticiones de El Padrino y samples grabados en los espacios urbanos de París, Nueva York y Londres. Me gustó la idea de colorear el blanco y negro de nuestras zonas emocionales como un pintor impresionista. Los flecos recién coloreados son nada menos que los “no-lugares” de nuestro polifacético mundo emocional de fondo, nuestros traumas, nuestras heridas. Vulnerabilidades que hay que vivir y explorar sin miedo para adquirir una nueva luminosidad y dar forma a una versión mejor de nosotros mismos.

Las piezas individuales vienen acompañadas de vídeos musicales filmados en lugares brutalistas de París, desde Les Arènes de Picasso hasta el Viaduc de Montigny, traduciendo en imágenes el contraste y a la vez la fusión de la geometría física y la música.

Dardust ha ganado dos premios en el Festival di Sanremo como productor, y tiene 100 discos de platino.

La gira Urban Impressionism comienza el 18 de marzo de 2025, y recorrerá salas de 9 ciudades europeas, comenzando en Barcelona y pasando por Madrid, Lisboa, París, Bruselas, Hamburgo, Berlín, Praga y Londres. La gira está producida por Metatron, A1 Concerti y ITB International Talent Booking.

URBAN IMPRESSIONISM - TOUR EUROPEO 2025

FECHAS

18 Marzo - Barcelona @Sala Paral-Lel 62

21 Marzo - Madrid @San Pol

22 Marzo - Lisboa @Teatro Capitolio

29 Marzo - París @L'Archipel

31 Marzo - Bruselas @Bozar

1 Abril - Hamburgo @Nachtasyl

2 Abril - Berlín @Colosseum

3 Abril - Praga @Conservatoire Hall

8 Abril - Londres @Hoxton Hall

[eurekadiario]

La visión del futuro de la ONU: un "órgano supremo" y una identificación digital para gobernarnos a todos

La ONU patrocinó el "Panel de Alto Nivel sobre Cooperación Digital", copresidido por Melinda Gates de la Fundación Bill y Melinda Gates y Jack Ma, creador del sistema de Puntuación de Crédito Social de China. Este grupo de architecnócratas está decidiendo el futuro de la humanidad: digitalización total y control total. Este festival de amor de oligarcas globales debe ser repudiado en todos los niveles

Las Naciones Unidas publicaron recientemente tres nuevos informes de políticas "para proporcionar más detalles sobre ciertas propuestas contenidas en nuestra agenda común": la visión del Secretario General de las Naciones Unidas para el futuro de la cooperación global que se decidirá en "La Cumbre del futuro" en septiembre de 2024. Estas reuniones informativas; Un Pacto Digital Mundial, Reformas a la Arquitectura Financiera Internacional y El Futuro del Gobierno del Espacio Ultraterrestreestablece un curso escalofriante para nuestro futuro.

Entre las propuestas se encuentra un nuevo "órgano supremo" a cargo de todo el sistema financiero que "mejorará su coherencia y alineará sus prioridades con la Agenda 2030 para el Desarrollo Sostenible". Esto podría, según el Secretario General António Guterres, hacerse a través de una "Cumbre Bienal entre el Grupo de los 20, el Consejo Económico y Social, el Secretario General y los jefes de las instituciones financieras internacionales".

Esto integrará aún más al G20 con las Naciones Unidas en un organismo que puede describirse como un Consejo de Seguridad económica. También parece un nido perfecto para los "depredadores del ápice" que dirigen el sistema bancario internacional.

Una parte vital de la agenda es también la conectividad digital y el establecimiento de un Pacto Digital Mundial. Esto puede describirse como un órgano cibernético, que consiste en una red conectada digitalmente de personas, entidades, dispositivos y cosas, que fácilmente puede ser dirigida por quienes dirigen el sistema. En el Policy Brief se explica, por ejemplo, cómo la digitalización ayudará a alcanzar los objetivos globales. Las sugerencias son muy similares a lo que el Foro Económico Mundial y PwC prescribieron en su informe Unlocking Technologies for the Global Goals in 2020. Una identificación digital es una piedra angular en este trabajo y, entre otras cosas, se considera una forma de reducir la pobreza.

Sin embargo, su costo puede tener un costo. En el informe del Grupo de Alto Nivel sobre Cooperación Digital del Secretario General de las Naciones Unidas Era de la Interdependencia Digital de 2019, se afirma que:

Una identificación digital puede ayudar a desbloquear nuevas oportunidades, pero también puede introducir nuevos riesgos y desafíos. Pueden utilizarse para socavar los derechos humanos, por ejemplo, permitiendo que la sociedad civil sea blanco de ataques o que determinados grupos queden excluidos de los beneficios sociales.

¿Obtendrá su cobertura de protección social si no cumple con las vacunas u otras medidas introducidas para alcanzar los ODS? Probablemente no. Esto se puede fusionar más tarde con un sistema de crédito social y la Moneda Digital del Banco Central (CBDC), que ahora se está introduciendo y probando en muchos países de todo el mundo. Para recibir tu pan de cada día tienes que obedecer y aceptar las instrucciones de los Maestros que dirigen el espectáculo. Si la ONU declara una "Emergencia Planetaria", esto tendrá graves consecuencias para nuestras libertades (como experimentamos durante la pandemia).

En el Policy Brief – A Global Digital Compact, los autores mencionan sinceramente la creciente desigualdad después de la pandemia.

Las tecnologías digitales están acelerando la concentración del poder económico en un grupo cada vez más pequeño de élites y empresas: la riqueza combinada de los multimillonarios tecnológicos, $ 2.1 billones en 2022, es mayor que el producto interno bruto anual de más de la mitad de las economías del Grupo de los 20.

Pero parece que las Naciones Unidas tienen una forma un tanto peculiar de resolver este problema. No solo se esfuerzan por digitalizar todo, sino que también se han asociado con Big Tech para lograrlo.

El Panel de Alto Nivel del Secretario General de la ONU sobre Cooperación Digital fue dirigido por Melinda Gates de la Fundación Bill y Melinda Gates (según la biografía, Melinda "ayudó a desarrollar muchos de los productos multimedia de la compañía" durante su tiempo en Microsoft) y el multimillonario tecnológico Jack Ma del Grupo chino Ali Baba.

Esto viene con la asistencia de Jóvenes Líderes Mundiales como Mohammed Al Gergawi (presidente de la reunión de alta tecnología de La Meca – Cumbre Mundial del Gobierno en Dubai) y Marina Kolesnik (Rusia / Ucrania), así como una contribución "generosa" del Centro de Foros Económicos Mundiales para la Cuarta Revolución Industrial.

Ali Baba desarrolló el Sistema de Crédito Social de China a través de su subsidiaria Ant Group, mientras que Microsoft promueve la identificación digital en la Alianza ID2020 junto con GAVI, The Vacccine Alliance y la siempre tan presente Fundación Rockefeller.

Las Naciones Unidas parecen haber contratado a una banda de ladrones para administrar el banco. Estos son los "fideicomisarios del universo material para las generaciones futuras", como se afirma en el Manifiesto de Davos de las élites empresariales globales de 1973.

¿Por qué demonios estos "custodios iluminados" revertirían un desarrollo que ha puesto más poder y riqueza en sus manos?

Y ahora nuestros "generosos" multimillonarios tecnológicos se dirigen al espacio exterior. El último Policy Brief (The Future of Outer Space Governance) formula la gran visión para restablecer una presencia en la luna con una estación de paso (Lunar Gateway) y el desarrollo de una base en el polo sur de la Luna, así como la realización de una misión tripulada al planeta rojo (SpaceX de Elon Musk)

Estas son viejas fantasías de finales de la década de 1940 que nunca parecen materializarse. Pero sus "oportunidades basadas en el espacio" también destacan el "importante vínculo entre el espacio exterior y la Agenda 2030 para el Desarrollo Sostenible" con la importancia de la vigilancia satelital para "rastrear la deforestación, monitorear las áreas protegidas para la caza furtiva y la pesca ilegales y evaluar los cambios en la biodiversidad", así como rastrear cada uno de nuestros movimientos a través de los sistemas globales de navegación por satélite.

Como proclamó el fideicomisario del FEM y profeta / especulador del clima Al Gore con una risita en el comercial de su proyecto de vigilancia satelital Climate Trace: "Y lo más importante ... NO MÁS ESCONDERSE".

¿Están locas estas personas? ¿Cómo puede la construcción de un cerebro mundial digital contribuir realmente a un planeta más verde y saludable?

¿No sería una medida más eficiente asegurar la paz y el medio ambiente en este planeta si esta élite megalómana fuera enviada en una misión de ida a Marte?

Fuente: https://www.technocracy.news/

[iamrobertoraveralopez]

Philip Johnson

Pavillion in the Pond, 1962

New Canaan, Connecticut, USA

Photo by Paul Warchol 

Source: Glass House

©

[setdeco]

RICARDO BOFILL, La Fàbrica, San Just Desvern, Spain, 1973-75

[amazingarchitecturewebsite]

Beton Brut Residence in #Ahmedabad, India by tHE gRID Architects @thegrid_architects. Read more: Link in bio! Photography: Photographix @phxindia. tHE gRID Architects: A journey of brutalism in congruence with Indianness. The idea was to design in such a way that CONCRETE has an impact. This project involved creating a simple, functional home for a small entrepreneurial family with an appreciable creative streak. The client runs a thriving business, but is also an enthusiastic poet, while his son is an avid wildlife photographer… #casa #india #архитектура www.amazingarchitecture.com ✔ A collection of the best contemporary architecture to inspire you. #design #architecture #amazingarchitecture #architect #arquitectura #luxury #realestate #life #cute #architettura #interiordesign #photooftheday #love #travel #construction #furniture #instagood #fashion #beautiful #archilovers #home #house ‎#amazing #picoftheday #architecturephotography ‎#معماری (at Ahmedabad, India) https://www.instagram.com/p/CcrRkqfsaPB/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[useless-catalanfacts]

Hi! I’m looking for left-wing pro-Catalan Countries (possibly independentist?) newspapers / twitter accounts / instagram accounts / blogs / bands / books / youtube channels etc from the Valencian Country. I’m very tired of seeing right-wing catalanophobic and/or monarchic discourse in online spaces, it’s very overwhelming. Moltes gràcies and worry if you’d rather not reply or answer privately.

First of all, I completely understand that feeling, and thank you for looking further.

Com que parles valencià, responc la resta en valencià (total, els continguts que enllaçaré són en la nostra llengua i no crec que sigui d’interès de qui no l’entén).

Diaris:

Vilaweb: té seu tan a València com a Barcelona, i el director (Vicent Partal) és valencià. Tenen periodistes arreu dels Països Catalans.

Nosaltres La Veu: diari valencià.

Alguns comptes de Twitter

Plataforma per la Llengua País Valencià: la secció valenciana de l’ONG que treballa arreu dels Països Catalans.

Decidim: Plataforma pel Dret a Decidir al País Valencià

Reciprocitat Ara!: compte de la campanya per aconseguir la reciprocitat de tots els mitjans en llengua catalana arreu del territori de l'àmbit lingüístic

Valencian Memes

Redeula: una historiadora valenciana que fa tuits i vídeos amb humor sobre el País Valencià. També té TikTok.

Jaume I el Castigaor

Taronjada (sembla que ara té el compte en privat, potser és temporal perquè normalment el tenia obert)

Bruixeta

València en valencià: el compte del Gabinet de Normalització Lingüística de l'Ajuntament de València

Harca Medievalis: divulgació del grup de recerca d’història medieval valenciana i europea

Instagram

la.sintesi: un compte d’infonografies i notícies resumides

palmera.vir: una il·lustradora valenciana que té un compte preciós. Fa dibuixos del paisatges, arquitectura i elements del País Valencià i sobretot de València, i a voltes també il·lustra expressions o frases en valencià que li agraden.

valencianismes: memes

Música (molts d’aquests són explícits en el seu suport als Països Catalans, d’altres no els ho he sentit dir però tenen col·laboracions amb grups catalans o balears o d’altres grups valencians reivindicatius, o els he descobert a la revista catalana Enderrock): Zoo, La Fúmiga, Smoking Souls, El Diluvi, Atupa, Xavi Sarrià, Obrint Pas, la Gossa Sorda, Aspencat, Tessa, Pupil·les, Feliu Ventura, Atzembla, Pau Alabajos, L’Home Brut, Maldats, Aspart, Auxili, Mai Mai, Laura Esparza i Carlos Esteban, Mal-Humorats... I de més clàssics: Ovidi Montllor, Pep Gimeno “Botifarra”, Raimon.

Com sempre, per acabar obro la porta a tothom a afegir-ne més als comentaris o reblogs!

[modernbrutalismus]

Ordoño II 1 and 3 buildings, León, Spain.

Photo by Carlos Traspaderne with Hasselblad 500 C/M & Kodak film.

[howmanyartists]

Miquel Barceló

Un viaje a París en 1970 le permite descubrir el Art brut, estilo que deja una fuerte influencia en las primeras obras que presenta en público. Formó parte del grupo Taller Llunàtic de Mallorca. Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca entre 1972 y 1973 y continuó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona, pero poco después abandona sus estudios. Actualmente reside entre París, Mallorca y Malí, en los Acantilados de Bandiagara.

Gran elefante enhiesto (2009), en Barcelona Empieza a ser más conocido cuando participa en la Bienal de Sao Paulo (1981) y a raíz de la Documenta VII de Kassel (1982), en que Rudi Fuchs le presenta; desde entonces su obra es incluida en las más prestigiosas muestras internacionales, configurándose como una de las mayores revelaciones del arte español de los años ochenta.

En 2010, es profesor invitado de la Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Versalles

Distinciones Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2003) Doctor Honoris Causa por la Universidad Pompeu Fabra (2012)

[prontuariodearte]

“Vida es círculo. Vida es circunstancia,

circunferencia, circulación”

Man

Fueron las circunstancias de un viaje sin regreso, lo que propició que en la primavera de 1961 llegara Manfred Gnädinger (1936-2002) a la Costa da Morte, en Galicia, España. En aquel momento era solo un joven alemán con inclinaciones artísticas e ideas pacifistas y medioambientalistas, que lejos estaba de imaginar el rumbo que tomaría, en el pequeño pueblo pesquero de Camelle. Cuarenta y un años de transmutación, de libertad e intercambio emocional con la naturaleza: el sujeto cual ente natural, indisolublemente ligado al mar, al ciclo vital de la tierra; donde el elemento del círculo constituiría el principio y también el fin, en décadas de convertir su vida en un happening interminable, al comulgar el arte a su cotidianeidad.

Museo Man, el dique pintado, años 80

Man, años 80

Museo Man, 2018

Desde el instante que Manfred decidió quemar sus documentos personales, dejó atrás un pasado de convencionalismos sociales, para construirse un nuevo entorno de representaciones visuales: su Museo. A partir de entonces, se le conocería como Man o El Alemán de Camelle: y todo lo que su vista alcanzaba al levantarse, lo fue transformando de a poco en objeto artístico. Hasta conformar una única obra integrada por los desechos del mar, las fantásticas esculturas en piedra de su jardín, la diminuta caseta con lo justo para vivir, las acciones plásticas en el dique, las instalaciones, las pinturas, dibujos y fotografías. Transformación que incluiría su propia imagen, al abandonar las ropas y deconstruirse en la simplicidad de la desnudez, despojado de ataduras materiales, en franco gesto performático, instintivo y experimental. Con el uso del cuerpo como elemento de interacción con el medio, sensible a sus signos y señales, reafirmaba el carácter procesual del hecho artístico, en un largo ritual que asumiría cual filosofía de vida o religión.

La misma simplicidad constante en sus obras y acciones, marcada por esa delicada línea que mostraba al individuo en su estadio más puro; en diálogo abierto con los fenómenos de la naturaleza, y en especial con el mar. De tal modo que decidiera construir su Museo a orillas de este y llegara a sentirse hijo de Neptuno, nacido de una ola. El mar como centro, protagonista de lo inusitado, elemento perturbador y de poder, escenario de muertes y fuente de reflexiones; en el mar, el artista encontró el motivo para emerger con una particular cosmovisión afincada en lo autorreferencial; su experiencia personal, de encuentro y sobrevivencia, trazaría las coordenadas de un paisaje interior asentado en la síntesis de las formas circulares.

Man, Autoretrato, fotografía

Man, Autorretrato, fotografía

Man, fotografía

En el círculo Man encontró su máxima expresión, un leit motiv traducido en lenguaje abstracto y al mismo tiempo directo. El círculo resumía una estética obsesiva pero sobria, mínima en recursos; de una organicidad geométrica sustentada en un pensamiento complejo, y guiada únicamente por el impulso de la creación. Con juegos de círculos de contrastes cromáticos, el artista cubría toda su caseta, del suelo a las paredes. Las formas circulares determinaban los ensamblajes de las esculturas del jardín o las instalaciones que realizaba con antiguos espejos; con círculos pintaba las rocas del entorno abrupto, el muelle en el pueblo, las fachadas de algunas casas; y los casi trescientos ochenta metros de dique que una vez dividieron su Museo, para después convertirse en una extensión del mismo, al quedar cubiertos por composiciones a gran escala, esculturas con elementos de reciclaje, o dejar plasmadas las huellas de su cuerpo sobre el cemento fresco -a manera de protesta- cuando empezaban a construirlo.

Man, silueta sobre el dique, 2018

Museo Man, escultura sobre el dique, años 90

Museo Man, restos de una escultura, 2018

Es posible afirmar que el carácter efímero de aquellas obra expuestas al medio natural y hostil, le generaran al artista una dinámica circular e infinita, que lo obligaban a la acción repetitiva e incesante de rehacerlas una y otra vez. Ese énfasis cíclico, pudo haber influido en el ritmo de los aforismos de acento poético y otros textos metafóricos, que Man solía escribir cual ejercicios reflexivos y teóricos. En uno de sus aforismos sobre el círculo comentaba: “El punto, espacio cero. La nada. Por contraste, el círculo con dimensión. Si me alcanza la nada, dejo de existir. Si me llega el centro de mi círculo, soy todo presente.”

      Luego, en una entrevista radial, realizada a Man en 1986, el artista comentaba sobre los códigos del círculo en su obra, y la relación de este con el mar, y su persona:

“Mi alma es nada más que el círculo, y si es jorobado el círculo pues es la ola, la onda, y soy así, sin cuerpo, sin nada, solamente libre así, y soy agua nada más (…)El círculo es el elemento del mundo, no existe más que el círculo. Es el origen de otros elementos. El círculo así es todo, en tres dimensiones o más, si existen. La recta también está dentro del círculo. La horizontal cuando miramos ahora al mar es una recta, pero por la larga no, por la larga es el círculo de la tierra; y así, circulación, circulación del universo, es todo un círculo, todos círculos; y si es cuadrado pues es un círculo de cuatro puntos (…); y así el triángulo, es un círculo de tres puntos (…); el círculo es más suave y redondo como el cuerpo (…)”

Man

Museo Man, 1980

Man, escultura, 2018

Man, círculos sobre rocas, 2018

Un detalle a considerar en la obra de Man, fue su aislamiento voluntario. Apenas contaba con un puñado de amigos; y prefería mantener el vínculo con su familia por correspondencia postal. El artista consideraba la soledad como su tabla de multiplicar, de monólogo íntimo y modus vivendis. Soledad, que pudo estar condicionada por las contradicciones culturales con el entorno social que le rodeaba. Algo que suele ocurrir frecuentemente con los artistas outsiders, cuando deciden romper con esquemas y salirse de las conductas aceptadas por la sociedad. Aunque a pesar de este aislamiento, las personas que visitaban su Museo desde varios lugares de España y del mundo, formaban parte activa de este, al interactuar con el artista mediante pequeñas agendas que Man les ofrecía, para que dibujaran y dejaran sus impresiones. Por años, el artista logró reunir miles de agendas que recogían las experiencias de esta acción participativa, y que hoy se conservan como parte integral de su propia obra. El proceso artístico se movía en este caso, de la obra al público y viceversa, en una continua retroalimentación; donde la participación del público se convertía en un factor primordial.

Al igual que las pinturas monumentales con los grandes círculos, la caseta y el jardín de esculturas en piedras, eran la fascinación de quienes visitaban el Museo.[1] Todo el complejo resultaba un site specific en constante evolución. La acogedora caseta de madera, ladrillo y cristal apenas medía trece metros cuadrados; en ella conservaba sus libros de arte y filosofía, catálogos, herramientas y materiales, las agendas debidamente ordenadas por fecha, cuadernos de apuntes, libros manipulados, instalaciones y piezas escultóricas de huesos, caracoles, conchas, corales y plástico; además de fotografías, dibujos sobre papel y pinturas sobre lienzo. La caseta poseía un diseño funcional con una marcada intención artística, dada por el colorido, las figuras de círculos en el interior y en el exterior, el solárium de casi tres metros cuadrados, o la disposición rítmica de las alrededor de cincuenta ventanas de diversos tamaños y la puerta, que proyectaban la luz de día y de noche; con seguridad, la estructura y ubicación de la caseta respondía a un estudio minucioso de la luz, los puntos cardinales y el clima de esa geografía costera. En cuanto a las esculturas del jardín, movía manualmente cada piedra, para luego pegarlas con cemento y crear un conjunto caprichoso cerca de la caseta; algunas en forma de pináculos, fuentes, pórticos, o gigantescos templos. Consideraba cada piedra como una palabra sin ruido, que unidas formaban aforismos. Pura poesía visual, escenificada en el silencio de la soledad de un artista que construyó su hogar ideal, su refugio para escapar del mundo. Sus obras de décadas de trabajo eran todo lo que tenía, y las amaba como un padre a sus hijos.

De ahí que fuera un golpe tan duro, cuando en una mañana de noviembre del 2002, su Museo amaneciera cubierto de chapapote. Un barco había colapsado en medio de la tormenta, derramando al mar las setenta y siete mil toneladas de petróleo que traía. Con la marea negra provocada por el Prestige, no solo quedaron desbastadas buena parte de las costas gallegas, sino la obra de toda una vida de este prolifero artista. La tristeza, la pena y la desilusión ahogaron el corazón de Man, ya sin fuerzas; quien murió a los 66 años, al mes siguiente de este terrible desastre.

Durante todo ese tiempo de entrega espiritual y esfuerzo, hubo quienes lo tenían por un loco y un vago; en cambio otros lo veían como un genio, o adivino capaz de predecir sucesos. Pero Man no era más que un artista en plena libertad de crear, que asumió como pocos el riesgo del anonimato, al desarrollar sus producciones en un lugar apartado de los circuitos artísticos; lejos de galerías, ferias, coleccionistas, críticos, subastas y eventos. Riesgo que a la vez resultó su mayor mérito. Con su aislamiento, se mantuvo fuera de ambientes contaminados por el mercado y presiones sociales, para realizar una obra artística en comunión consigo mismo; y consolidar un cuerpo coherente, donde se fusionaron las distintas manifestaciones, bajo la premisa de demostrar la posibilidad real de establecer un enlace entre el arte y la vida. Man irrumpe desde la experimentación y la búsqueda de su yo; logra difuminar fronteras clasificatorias que lo encierren o enmarquen en tendencias, movimientos y períodos; y se convierte en el eslabón necesario para entender el proceso creativo, como un amplio ciclo, sin límites, principio ni fin.

Yaysis Ojeda Becerra

Investigadora y crítica de Arte

Madrid, 28 de Octubre 2018

  Notas

[1] La investigadora de arquitecturas y espacios bruts, Jo Farb Hernández, dedicó el capítulo 40, de su libro Singular Spaces (Editorial Raw Vision, 2015) al Museo de el Alemán de Camelle.

Los Círculos de Man “Vida es círculo. Vida es circunstancia, circunferencia, circulación” Man Fueron las circunstancias de un viaje sin regreso, lo que propició que en la primavera de 1961 llegara Manfred Gnädinger (1936-2002) a la Costa da Morte, en Galicia, España.

[amazingarchitecturewebsite]

Picasso House by Deleonarquitectos / Antonio de León Báez @antoniodeleonarquitecto. Read more: Link in bio! Conceptual design based on three cubes intercepted by horizontal and vertical planes to form a building with a marked modern style. Developed on three levels, the residence appropriates the rawness of concrete as an expression (béton brut) and is inserted harmoniously into the surrounding landscape Style. #cuba #nature #brutalism #архитектура www.amazingarchitecture.com ✔ A collection of the best contemporary architecture to inspire you. #design #architecture #amazingarchitecture #architect #arquitectura #luxury #realestate #life #cute #architettura #interiordesign #photooftheday #love #travel #construction #furniture #instagood #fashion #beautiful #archilovers #home #house ‎#amazing #picoftheday #architecturephotography ‎#معماری (at Cuba) https://www.instagram.com/p/CTH1nK-L8Y7/?utm_medium=tumblr

[dcamanes]

Salvad a los monstruos de hormigón

Artículo publicado el 27 de Octubre de 2018 en el suplemento cultural Encuentros de Diari de Tarragona

¿Qué sería de nuestras ciudades sin los edificios feos? Están ahí, entre nosotros, en nuestros paseos diarios. Hay algunos que nos dan tirria y otros a los que les tenemos cierto cariño. Son en ocasiones las cicatrices en la cara del urbanismo moderno. Por muchas razones que veremos a continuación, a la arquitectura llamada “brutalista” siempre se la ha etiquetado como ordinaria, tosca y sobre todo fea, al menos hasta hace relativamente poco.

(Pic By Gordon Joly from London, UK - Robin Hood Gardens, CC BY-SA 2.0, https-_.jpg)

Aunque el nombre no ha ayudado a hacerse querer, la arquitectura brutalista ha recuperado el reconocimiento que merece y, gracias a las redes sociales, se ha convertido en un estilo apreciado que causa fascinación. Este revival brutalista ha crecido gracias a numerosas cuentas de Instagram, donde usuarios de todo el mundo cuelgan ejemplos de este estilo arquitectónico situados en diferentes puntos del planeta. Esto encaja con el hecho de que al brutalismo se le conoce también como “estilo internacional, un estilo impermeable a localismos y tradiciones arquitectónicas pasadas basado en el uso exhaustivo del cemento. De ahí su nombre, ya que béton brut en francés significa “cemento”, el material constructivo favorito del arquitecto suizo Le Corbusier, artífice del movimiento internacional.

 El brutalismo data sus inicios de mediados del siglo XX y ganó popularidad rápidamente por el uso extensivo del cemento, un material barato y altamente resistente que facilitó la reconstrucción de una Europa asolada por dos guerras mundiales. El precio y la altísima resistencia del hormigón permitió que esta arquitectura arraigara en cualquier clima o latitud, naciendo así el primer estilo “globalizado” que podemos encontrar de Costa de Marfil a Lituania. Los edificios brutalistas se caracterizan por su escala monumental con grandes vigas, pilares y  fachadas, la ausencia total de ornamento y el hormigón como principal protagonista.

(Ricardo_Bofill_Taller_By Lluis Carbonnell, Gregori Civera, Roland Halbe, Xu Yang - RBTA Marketing Team, CC0,.jpg)

Primero se estableció fuertemente en Inglaterra y de ahí se extendió como una nueva forma de modernismo internacional, inspirado por ideas socialistas y revolucionarias, como la 'Unité d’Habitation” de Marsella de Le Corbusier, ahora patrimonio mundial de la humanidad por la UNESCO, que desarrollaba la idea de “ciudad jardín vertical”, una ciudad contenida dentro de una construcción con espacios privados y también espacios para socializarse y reunirse.

 A  pesar de este espíritu utópico inicial, el movimiento tomó una deriva equivocada. La arquitectura, que debía aproximar a sus habitantes, gracias a sus edificios autónomos y conectados, se convirtieron en una suerte de complejos sobredimensionados creados a base de módulos de hormigón unidos entre ellos por pasillos y escaleras, que en lugar de conectar, creaban comunidades aisladas. De ahí que fuera  la arquitectura estrella de países totalitarios, pero también acabó asociándose al urbanismo de las periferias, zonas degradadas o ghettos. El brutalismo se convirtió en ejemplo de feísmo, desigualdad y distopía.

  Ejemplos como la Biblioteca Central de Birmingham o los Robin Hood Gardens, han suscitado acalorados debates entre ciudadanos y arquitectos. Este último complejo residencial actualmente amenazado, fue tildado por sus diseñadores, Alison y Peter Smithson, como “calles en el cielo”. Dos grandes bloques de hormigón que alberga 213 pisos unido por corredores y rodeado de un jardín. A mediados de los 80 el complejo estaba ya fuertemente degradado y era básicamente un ghetto inhabitable.

 Otros ejemplos de arquitectura brutalista mastodóntica la podemos encontrar en Montreal con su Habitat 67, el Banco de Londres y Sudamérica en Buenos Aires, el Centro Internacional de Conferencias en Kyoto o las Torres Blancas en Madrid, cuyo uso curiosamente estaba destinado a ser viviendas de lujo.

 A finales de los noventa empezaron a surgir tímidamente movimientos que animaban a la recuperación de construcciones brutalistas amenazadas, pero no fue hasta finales del 2000, con la aparición y multiplicación de las redes sociales, que el brutalismo tomó impulso. De alguna manera sus formas rotundas y sólidas funcionan en plataformas como Instagram, donde proliferan el hashtag #brutalism o #SOSbrutalism, que animaba a colgar y reivindicar la belleza de construcciones brutalistas. De hecho #SOSbrutalism empezó como hashtag para transformarse en un amplio proyecto colaborativo de investigación que ha publicado su propio libro y ha llevado a cabo una exposición en el Deutsches Architekturmuseum de Frankfurt bajo el nombre “Save the concrete monsters” (Salvemos los monstruos de hormigón).

(Walden By Till F. Teenck - Own work, CC BY-SA 2.5, .jpg)

Construcciones como el  Barbican, la Hayward Gallery o National Theatre en Londres se encuentran entre las más queridas joyas brutalistas y aquí, los bloggeros han encontrado su filón estético en los edificios del arquitecto Ricardo Bofill como el edificio Walden en Sant Just Desvern, La Fábrica, una monumental fábrica de cemento convertida en estudio y hogar del arquitecto o la Muralla Roja en Calpe, visitada por instagramers debido a sus laberínticos y rojizos pasillos frente al mar.

Más allá de las redes sociales el MoMA en Nueva York abre sus puertas a una gran exposición sobre brutalismo en la antigua Yugoslavia y el gigante editorial Phaidon ha publicado el “Atlas de la Arquitectura Brutalista”

[lamagiadelarteee]

¡Hola lectores! ¿Qué tal? En nuestro antiguo foro hablamos sobre el arte antiguo y sus orígenes, en esta ocasión hablaremos del arte medieval y el arte moderno o arte en la actualidad. Espero que lo disfruten…💕

El arte medieval:

El arte medieval es una etapa de la historia del arte que cubre un prolongado período para una enorme extensión espacial.​ La Edad Media —del siglo V al siglo XV— supone más de mil años de arte en Europa, el Oriente Medio y África del Norte. El arte medieval es esencialmente religioso. Este tiene su origen en la herencia romana, bárbara y cristiana primitiva para luego adoptar un carácter propio. Los términos de estilo “románico” y “gótico” fueron dados a posteriori y no fueron utilizados durante esta época.

El arte medieval incluye muchos medios de expresión a través de disciplinas artísticas, técnicas y géneros diferentes: arquitectura, escultura, orfebrería, manuscritos ilustrados (la miniatura y la caligrafía), frescos, pintura en tabla, mosaicos, y un largo etcétera, en el que se incluyen artes y oficios no incluidos.

El arte medieval tenía que cumplir tres características fundamentales para ser ese tipo de arte. Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros agentes sociales.

¿Cuál es la función del arte medieval?

Su función pedagógica era explicar los dogmas de la Iglesia. Era una afirmación del poder de la Iglesia, y a la vez de aquellos que podían encargar obras de arte.

EI arte medieval pretendía instruir al pueblo, que era analfabeto, sobre las verdades del cristianismo. El arte se convirtió en el principal medio de propaganda de la Iglesia.

Se caracteriza por frescos de vivos colores y líneas marcadas, con gran expresividad y esquematismo, que cubren las paredes del interior de las iglesias, sobre todo en los ábsides.

La arquitectura fue una pieza fundamental durante este período, donde la escultura y la pintura estaban subordinadas al espacio arquitectónico, muchas ciudades europeas así lo advierten. Las obras estaban ligadas al concepto de comunidad y teocentrismo, en la que se encuentran castillos, catedrales, monasterios, iglesias y murallas. Una de sus características es que casi todos sus edificios, religiosos o no, se edificaban en forma de cruz.

El siglo XV significará el final de la Edad Media y la irrupción del nuevo arte de la Edad Moderna.

Arte moderno:

Comenzaremos diciendo que, en el contexto de la Historia del Arte, el término Arte Moderno se refiere a la teoría y a la práctica del arte, predominantemente en Europa occidental y en América del Norte, desde la década de 1860 hasta finales de 1960, período asociado también al Modernismo.

¿Qué es el arte moderno?

Se denomina modernismo a una amplia corriente artística y literaria que buscaba la renovación creativa a finales del siglo XIX y principios del XX. ... Se caracteriza por su rechazo al historicismo académico de finales del siglo XIX, así como por su voluntad de llevar el arte a todas las facetas de la vida.

Aun cuando el arte moderno se opone a las tradiciones occidentales del arte académico, manifiesta interés por otras culturas, tomándolas como fuente de inspiración. El arte moderno se caracteriza por presentar innovación constante, experimentando con nuevos temas, materiales, técnicas y procesos.

Las características que en general permiten reconocer al modernismo son: Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central.

El arte moderno se compone de varios movimientos artísticos (cubismo, futurismo, surrealismo, impresionismo, expresionismo, art brut, etc.), pero su característica común es que estos movimientos están en ruptura con las reglas y cánones del arte clásico, especialmente en lo que se refiere a la figuración. En efecto, durante este periodo, los pintores, escultores o dibujantes ya no intentan representar la realidad de forma fiel, como sucedía en los siglos anteriores, sino mostrarla de forma diferente o liberarse de cualquier deseo de realismo.

[tynatunis]

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