#esto es sobre el álbum de nocturnal

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Sabe Amaral que sus canciones son sobre Enjoltaire?????

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HAUSER

CLASSIC

Tras ofrecer conciertos en estadios con entradas agotadas en todo el mundo como integrante del famoso dúo 2CELLOS y después de debutar en solitario Sony Classical, HAUSER continúa el impulso que lo acompañó en 2019 y entra en el nuevo año con el lanzamiento de su nuevo álbum, CLASSIC, hoy 7 de febrero a la venta.

Mira el vídeo de “Nessum Dorma” aquí

Consigue el álbum aquí

Classic incluye algunas de las melodías clásicas más queridas jamás escritas, cada una de las favoritas personales de HAUSER a las que él mismo ha añadido nuevos arreglos para el violonchelo. Hoy se estrena una de estas melodías icónicas, el aria increíblemente emotiva de Puccini "Nessun Dorma", que el chelo de HAUSER ha llevado a nuevas alturas y que ya puedes escuchar aquí.

"Es sencillo", dice HAUSER cuando se le pide que describa Classic. "Son las melodías más bellas y románticas jamás escritas en la música clásica por los mejores compositores, interpretadas con el violonchelo, el instrumento más bello y romántico de todos". A HAUSER no se le puede culpar por llamar a cada una de las composiciones del clásico "la melodía más emblemática" o "la más bella" o "la más romántica" de la música clásica. Porque lo son. Junto al arreglista Robin Smith y el productor Nick Patrick, HAUSER ha adaptado estas composiciones inmortales para el violonchelo, que ha interpretado como nunca antes con la ayuda de la Orquesta Sinfónica de Londres.

La atemporalidad resultante de Classic queda ampliamente representada por el single adelanto del álbum, una interpretación de la obra maestra de Tchaikovsky "El Lago de los Cisnes", que HAUSER presentó junto con un impresionante vídeo que muestra su inimitable estilo de interpretación. Mira el vídeo aquí. "Simple elección", dice sobre el fragmento del ballet El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky con el que abre Classic. “No creo que haya una persona que no lo haya escuchado y no lo reconozca. Lo tocas y dices: 'Ah, sí, ballet, Tchaikovsky'. La melodía es icónica. Y me encanta la forma en la que suena el violonchelo con la orquesta, juntos. Lo mismo puede decirse del fragmento de Cascanueces de Tchaikovsky".

Otra deslumbrante melodía rusa, el Nocturne del Cuarteto de Cuerdas de Borodin, también es conocida por el público como la canción "And This Is My Beloved" del musical de Broadway Kismet. "Tiene un auténtico espíritu ruso, y es tan teatral", dice HAUSER, y añade: "De verdad que no hay nada que lo supere". El ensueño de la melodía a la luz de la luna del lento movimiento del Concierto para piano No.2 de Rachmaninoff ya ha dado lugar a una balada pop clásica, "All By Myself" de Eric Carmen, pero el sonido conmovedor del violonchelo añade otra dimensión a su atractivo. "La gente reconocerá esta melodía", dice HAUSER, "incluso si no saben de dónde viene."

El compositor con más presencia en Classic, no es de extrañar, es Mozart. "Escribió tantos segundos movimientos tan hermosos que tuve dificultades para elegir", dice HAUSER, " seleccionamos los movimientos lentos de suConcierto para clarinete y piano 21 - ambos tan sencillos y emotivos. Además, la 'Lacrimosa' del Réquiem de Mozart es una de las melodías más tristes jamás escritas, y una de las últimas que escribió. No necesitas un coro entero para cantarlo. El sonido del violonchelo es tan emocionante aquí".

La ópera está representada en Classic por la más sólida y popular de todas las arias para tenor, "Nessun Dorma" de Puccini, así como la desgarradora "Lascia Ch'io Pianga" de Handel de su ópera Rinaldo y el apasionante "Intermezzo" instrumental de la ópera de Mascagni Cavalleria Rusticana. Si la canción "Caruso" no es técnicamente una melodía clásica, evoca el recuerdo del gran tenor italiano Enrico Caruso, y se ha convertido en un favorito de los tenores de ópera contemporáneos. "Es una de las canciones más conocidas de Italia”, señala HAUSER , “y a los cantantes les encanta interpretarla. Sin embargo, nadie lo había hecho aún en el violonchelo, y es el instrumento perfecto para esta hermosa melodía".

Classic también presenta composiciones crossover: el eterno clásico instrumental de James Last "The Lonely Shepherd" (escuchado en la banda sonora de Kill Bill: Volumen 1 de Quentin Tarantino) y un favorito más reciente, "River Flows in You" del pianista/compositor surcoreano Yiruma. El segundo adelanto de Classic, "River Flows in You" se estrenó acompañado de otra impresionante producción visual, que muestra a HAUSER a la deriva en el mar Adriático. Míralo aquí.

La historia de HAUSER comienza cuando era un niño muy pequeño en la ciudad de Pula, Croacia, donde el sonido de un violonchelo lo paralizó, de tal forma que sintió la necesidad de reunir todo aquello que pudiera a su alrededor para intentar hacer el instrumento él mismo, con la esperanza de conseguir aprender su mecanismo y recrear ese mismo y mágico sonido. Su impaciencia por dominar el violonchelo sobrevivió a su intento infantil de construir uno, ya que el joven y enérgico violonchelista ha conseguido alcanzar la fama como integrante del sensacional dúo 2CELLOS. Con el lanzamiento de Classic, su primer álbum en solitario para Sony Classical, HAUSER ha hecho realidad el que quizás sea el mayor de los sueños musicales posibles que deslumbró a ese pequeño niño croata.

"Esto es lo que el mundo necesita ahora: estas melodías, esta música, con alma y corazón, interpretada con el violonchelo", concluye HAUSER sobre el Classic. “Siento que estoy en una misión, porque este mundo se ha vuelto loco de muchas maneras. Espero poder llegar y emocionar a tantas personas como sea posible. Con la pasión que le pusimos y la presentación, creo que Classic puede conseguirlo”.

HAUSER – CLASSIC

LISTADO DE PISTAS

El lago de los cisnes

Rachmaninov Segundo Concierto para piano

Caruso

Air on a G String

La Suite Cascanueces

Concierto para clarinete

Nocturno en do sostenido

Intermezzo (Cavalleria Rusticana)

River Flows in You

Lascia Ch'io Pianga

The Lonely Shepherd

Concierto para piano No. 21

Nocturno

Nessun Dorma

Lacrimosa

Adagio para cuerdas

ACERCA DE HAUSER

HAUSER, el enérgico joven violonchelista que saltó a la fama como miembro del innovador dúo musical 2CELLOS, lanza su primer álbum en solitario Classic el 7 de febrero a través de Sony Classical.

HAUSER comenzó a tocar el violonchelo a la edad de 8 años, tras interesarse por el instrumento al escucharlo en la radio de su Croacia natal. Su notable potencial se reconoció poco después, cuando comenzó a estudiar de manera intensiva la música, el violonchelo y el repertorio clásico que finalmente lo llevaron a Londres, Manchester y Boston para estudiar en conservatorios. Tras graduarse en 2011, HAUSER se unió a su compañero violonchelista Luka Šulić para convertirse en 2CELLOS, y juntos crearon una versión para violonchelo de "Smooth Criminal" de Michael Jackson, que fue viral y catapultó al dúo al éxito internacional.

En el mundo de la música clásica, HAUSER recolectó sus 21 primeros premios en prestigiosos concursos nacionales e internacionales de violonchelo, llegando a actuar dos veces en Londres para el Príncipe Carlos en los Palacios de Buckingham y St. James. James’s Palaces. También fue el último alumno en tocar y actuar con el icónico violonchelista/director de orquesta/humanista Mstislav Rostropovich. Como solista, HAUSER ha actuado en varios de los recintos emblemáticos de la música clásica en Europa, incluido el Wigmore Hall de Londres y el Concertgebouw de Ámsterdam.

El ascenso meteórico de 2CELLOS llevó a HAUSER y Šulić a unirse a Sir Elton John en una gira mundial, firmar con Sony Music Masterworks y lanzar cinco álbumes de éxito, además de agotar las entradas de sus conciertos en todo el mundo. Como integrante de 2CELLOS, ha actuado en recintos emblemáticos como el Coliseo de Roma, el Radio City Music Hall de Nueva York, el Royal Albert Hall de Londres, el Arena di Verona de Italia, el Olympia de París, el Budokan de Tokio y la Ópera de Sydney.

Hauser actuará en España el sábado 18 de julio, en Sant Feliu De Guixols

(Festival de la Porta Ferrada)

INFORMACIÓN DE ENTRADAS AQUÍ

HAUSER

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Visitamos Rotor Discos y hablamos con su fundador: Andrés Noarbe

Guiomar Fernández

En el número 40 de la bulliciosa Gran Vía madrileña, en el sexto piso, se encuentra Rotor Discos, un oasis de música industrial, electrónica y experimental, donde los más sibaritas de estos géneros seguro que encuentran lo que buscan. Y si no lo encuentran en la tienda, Andrés Noarbe, el fundador de Rotor, lo encargará y se lo enviará. 

Andrés, al frente de la tienda desde hace más de tres décadas, nos recibe amablemente. Mientras exploramos entre sus estantes las joyas que venden, comentamos con él la historia de Rotor.

Alterna2: Cuéntanos cómo surgen Rotor Discos y Geometrik Records, y explícanos tu experiencia con Esplendor Geométrico y el contexto maravilloso en el que todo surgió. 

Andrés Noarbe: Rotor nace de Esplendor Geométrico en realidad: desde 1981 me ocupé de distribuir las autoediciones de sus primeros trabajos (single, casete y primer LP). Despues, en 1986 fundé el sello Discos Esplendor Geométrico junto a Gabriel Riaza (miembro de E.G.). En esos años la distribución era totalmente alternativa en circuitos internacionales especializados en electrónica industrial, experimental, minimal synth… y todo funcionaba por correo (apenas se había desarrollado internet). La información se difundía por catálogos, fanzines, y emisoras de radio alternativas. Esto me permitió conocer a muchos sellos de todo el mundo e intercambiar las ediciones de E.G. y las posteriores que saqué de otros artistas (Macromassa, Comando Bruno, Avant-Dernières Pensées, Conrad Schnitzler, Asmus Tietchens, etc). Esplendor Geométrico tuvieron una fantástica aceptación fuera de España y poco a poco la cosa fue creciendo. Empecé a importar de distribuidoras extranjeras el material de muchos más sellos, lo que permitió elaborar un catálogo de venta por correo que no solo incluía Discos E.G. Decidí distinguir entonces la actividad de edición de la del catálogo de importación, y así en 1987 nace Rotor. 

Geometrik surge más adelante, en 1990, con la aparición del CD, y es la continuación de Discos E.G., pues dejé de editar vinilos a finales de 1989. Es curioso que desde hace unos años ha regresado el vinilo, algo impensable por esas fechas, y he vuelto a publicar en este formato.

Sobre Esplendor Geométrico, soy su manager y editor desde 1980, por lo que fui testigo de su formación. Conocí a Arturo Lanz en 1979, pues fuimos miembros fundadores de El Aviador Dro junto al resto de Obreros Especializados, entre los que también estaban Gabriel Riaza y Juan Carlos Sastre (ambos miembros originales de E.G.) a los que conocía desde el colegio. Me reconocen como una especie de miembro más de E.G. en la sombra, supongo que porque me encargo de seleccionar los temas para las ediciones, títulos y diseño de portadas, publicidad, etc. (sobre todo durante los ochenta,  desde entonces delego en otros diseñadores que siguen en parte mis indicaciones).

A2: ¿Podrías nombrar a los principales protagonistas con los que os relacionasteis en aquella época? 

A.N.: Las relaciones que establecimos durante esa primera década de Esplendor y Rotor son muchas. Además con el subsello de casetes de Discos E.G. (EGK) estuve muy involucrado en la red internacional undeground de sellos de casetes, de las que ahora no paran de reeditar en vinilo sellos de todo el mundo (¡casi 40 años más tarde!). Fue una época muy especial. Por poner algunos ejemplos de artistas y sellos con los que  intercambiábamos cartas, casetes y discos: Merzbow, Maurizio Bianchi, SPK (Grame Revell), Nocturnal Emissions (Sterile Records), Nurse With Wound (United Dairies), Come Organisation (Whitehouse), Ramleh (Broken Flag), ADN (sello italiano vinculado a Recommended Records), los holandeses de Staalplaat, O Yuki Conjugate (Final Image), etc. Y por supuesto fue un honor para mí poder editar álbumes exclusivos de maestros alemanes pioneros de la electrónica como Conrad Schnitzler y Asmus Tietchens. En cuanto a España, conocí primero, en 1981, a Francisco López cuando comenzaba (buen amigo y artista excepcional), a Francisco Felipe (La Otra Cara de un Jardin), en Barcelona, la gente del sello Ortega y Casete (Melodinamika Sensor, Camino al Desvan, 32 Guajars Faragüit…), Macromassa, Victor Nubla y su sello LMD, Avant-Dernières Pensées,…  Poco después fue la explosión también en España de artistas y sellos de casetes de música electrónica experimental y conocí a muchos:  Comando Bruno, Diseño Corbusier, Mataparda, Orfeón Gagarin, Uvegraf, Luis Mesa, Línea Táctica, etc. La lista sería interminable.

A2: Háblanos de la evolución de la tienda y el sello, así como el presente de los mismos. 

A.N.: Básicamente hasta finales de los noventa fue “solo” un catálogo-boletín informativo de venta por correo especializada, que acudíamos a ferias de discos y festivales electrónicos como el Sónar, donde por ejemplo, participamos con un stand las primeras 17 ediciones. También asesoré a algunos de estos festivales. Desde hace unos 20 años ampliamos la actividad a una tienda física (en un piso en plena Gran Vía madrileña). Todo ha cambiado mucho desde que empecé hasta ahora, algunas cosas para bien y otras para mal: ¡daría para hablar horas de esto! 

Por otro lado, desde hace casi quince años soy programador de actuaciones de electrónica en La Casa Encendida de Madrid, en diferentes formatos como ciclos, dentro de festivales de arte, vinculadas a exposiciones…, y en los últimos 5 años, los conciertos de La Terraza Magnética de L.C.E. durante todos los domingos del verano. Son ya en total casi 150 actuaciones. Por poner ejemplos destacables, las primeras actuaciones en España de Alva Noto, Byetone, Frank Bretschneider, Zoviet France, Asmus Tietchens, Moebius, Atom TM,…

Sobre Geometrik, mi sello, continúo publicando ahora tanto vinilos como CDs, entre ellos todos los de Esplendor Geométrico. Por supuesto, hay que citar la revolución que supuso para la música (y para muchas más cosas) el desarrollo de internet. Sobre Esplendor Geométrico, decir que les he acompañado a la mayor parte de sus numerosas actuaciones internacionales como manager (entre ellas, 4 veces en sus giras por Japón) desde que comenzaron. Ahora viven un momento muy bueno, pues nuevas generaciones de oyentes han descubierto su música y los consideran pioneros adelantados a su tiempo. Hasta el punto que ahora actúan y venden más discos que antes. Sus primeros LPs son continuamente reeditados tanto en vinilo como en CD (en Japón, por ejemplo, en packs de lujo).

A2: Sabemos que es difícil pero, ¿podrías recomendarnos tres discos, de diferentes artistas que consideres imprescindibles, y que se puedan encontrar en Rotor Discos?

A.N.: Elegir tres discos imprescindibles que se vendan en Rotor es difícil porque hay bastantes más: por supuesto uno de Esplendor Geométrico que podría ser “Fluida Mekaniko”. El nuevo álbum de Orfeón Gagarin: “Voces a 45″. El último álbum de Suso Saiz: “Nothing is Objective”.

A2: Finalmente, indícanos el nombre del artista detrás del dibujo de Rotor que tenéis colgado en la tienda, (con el slogan “The finest in electronix since 1986″).

A.N.: El ilustrador y autor de cómics que realiza desde hace años dibujos para Rotor es muy reconocido y premiado: el leonés Miguel Angel Martín. Como anécdota decir que es buen amigo y compartimos piso durante años en los ochenta, en el barrio de Malasaña de Madrid, cuando él empezaba a buscarse la vida. Él me conoció por los boletines de Rotor y porque era gran fan de Esplendor Geométrico y la música electrónica industrial y ruidista.

[elmartillosinmetre]

“La esencia de la música contemporánea hay que buscarla”

[La violista valenciana Ana María Alonso. La foto es de David Rodríguez]

La violista valenciana Ana María Alonso publica en IBS Classical su primer monográfico para viola sola en el que toca diez obras de otros tantos compositores españoles vivos

Confiesa que se ríe mucho con los chistes de violistas, y que ella misma los cuenta, pero Ana María Alonso (Valencia, 1980) no es una violista cualquiera. Más de veinte años de estrecha dedicación a la creación actual le han dado para este álbum en el que recoge obras de diez compositores españoles de nuestros días, por edad: Miguel Bustamante (1948), José Luis Turina y Santiago Lanchares (1952), Sebastián Mariné (1957), David del Puerto (1964), Jesús Torres (1965), José María Sánchez Verdú (1968), Gabriel Erkoreka (1969), Carlos Perón (1976) y Mario Carro (1979).

-¿Cuándo se aficionó a la música contemporánea? -Con 15 años me presenté a unas pruebas para un grupo. Era el Proyecto Gerhard que dirigía Xavier Güell y, para mi sorpresa, me cogieron. Empecé a trabajar con solistas de todas las orquestas de Madrid y conocí a grandísimos compositores, con los que hice amistad: César Camarero, el primero de todos, luego Santiago Lanchares y José Manuel López López, que fueron casi mis padres. De ahí surgió mi amor por la música contemporánea. Había una obra escrita para trío de cuerda con dos clarinetes que parecía imposible, Delta Cephei de Francisco Guerrero, y tuve la suerte de tocarla cuatro veces. Cada vez que la tocaba iba descubriendo cosas nuevas. Me decían que Guerrero era muy difícil, intocable, pero me iba dando cuenta de los detalles, empezaba a conectar unas cosas con otras y a encontrar la esencia de la música contemporánea, que es algo que hay buscar. Desde entonces no he dejado de hacer contemporánea.

-En los tiempos que corren, un CD para un instrumento solo como la viola dedicado a música española de los últimos veinte años es de una audacia notable, ¿cómo se metió en esto? -Fue Laurent López, mi lutier, quien me lo sugirió. Yo le dije que si lo hacía tenía que ser con música española actual. Él me animó y me dijo que participaba patrocinando el disco. Había dos obras de Santiago Lanchares, que me gustaban mucho, Sombra de luna y Espera, luz, espera, y aquello fue el inicio. Lamentablemente, la primera de ellas no ha cabido en el CD, aunque está grabada. Y a partir de ahí fui buscando el resto de las obras. Tenía clarísimo que iban a ser obras de compositores vivos, para poder trabajar con ellos, pero quería que fueran de diferentes estilos y generaciones, que fueran muy distintas todas. A José Luis Turina le conté el proyecto del disco y me escribió Viola joke. La obra se iba a llamar en principio Capricho para viola, porque está escrita a partir del Capricho 24 de Paganini. Tuvimos un intercambio de correos divertidísimo mientras la componía y al final le cambió el título. Mario Carro también me hizo la obra (Luna de abajo) específicamente para el disco. Mi única espinita es que no haya ninguna obra ni de Camarero ni de López López. César ya me hizo una, pero la tenía grabada dos veces. Le pedí otra, pero se disculpó por falta de tiempo. José Manuel me mandó una pieza de violín, como hizo también David del Puerto (Bluescape). La de David la toco casi tal cual, no he cambiado ni quintas ni nada, sólo alguna octava por cuestiones técnicas, y bajo su supervisión, por supuesto. Pero la de López López era imposible. Había que transformar demasiado la obra.

-¿Se nota el carácter generacional de la música? -Para nada. No tiene nada que ver ninguna obra con otra. No les encuentro ningún parecido. No hay ningún elemento que me pueda decir, esto me lleva a esto otro. Y las quería así. Quizás la de Mario Carro pueda tener algo en común con el segundo movimiento de las Piezas místicas de Jesús Torres. Pero el blues de David del Puerto es personalísimo. Quasid de Sánchez Verdú es única en su especie. Fue una pena que de las tres Fábulas de Mariné sólo cupiera una al final, El avestruz, pero esa tampoco tiene nada que ver, es la imitación de un animal y participa en ella mi hija Alejandra como narradora. La Sonata de Perón parece que está mirando a Hindemith, sobre todo el último movimiento. Para mí, son diez pedazos de obras pero muy distintas entre sí.

-¿Esto viene a abundar en la riqueza de la composición española de hoy? -Sin duda. Yo toco de todo, desde hace unos años en el Plural Ensemble, y puedo afirmar que los españoles no tienen nada que envidiar a ningún compositor del mundo.

-¿Por qué el título del CD? ¿Qué tiene la viola de mística? -Tenía la intención de que el disco se titulara Sombra de luna, como la obra de Santiago Lanchares. Carro partió de un poema de Ángel González y me escribió Luna de abajo. Tenía la de Gabriel Erkoreka, Ilargi, que es luna en vasco. Pero entre que al final no entró Sombra de luna y que Paco Moya quería un título más internacional, nos decidimos por este. Las Piezas místicas de Torres se basan en San Juan de la Cruz. Pero yo veo todo el disco muy místico, aunque sólo sea por el carácter algo marginal que suele tener el instrumento y por su timbre un tanto nocturnal, aunque, como le he dicho es todo muy variado, tiene muchos matices y colores.

-La viola no tiene el repertorio del violín, pero ¿al menos ha mejorado en el último medio siglo? -No estoy segura. Cuando empecé a buscar, la mayoría de los compositores no tenían nada para viola. Espera, luz, espera de Santiago Lanchares era original para violonchelo. Pero a mí Santi me emociona. Se lo pedí y me hizo una versión para viola. Turina tampoco tenía nada. Ni Del Puerto ni López López...

-¿Hay en España espacio para una solista de viola? ¿Si no das clases o tocas en una orquesta se puede vivir de esto? -En España no conozco a nadie que lo haga. Si no tocas en una orquesta o no das clase, es imposible sobrevivir. Y luego en las orquestas te llevas a veces unas decepciones... Con el trabajo tan bonito que tenemos, lo afortunados que somos, y ves a tanta gente con desgana... Qué lástima, casi les daría igual estar en una oficina. A mí casi me gusta más tocar con banda. Gonzalo Garrido Lecca me hizo un Concierto para viola y banda sinfónica a partir de una Sonata para viola y piano de Rebecca Clarke. La estrené con la Banda Municipal de Madrid en el Teatro Monumental, y fue una pasada. Eso es un obrón. Pero bueno, yo soy valenciana, y me tiran mucho las bandas.

-¿Ha apreciado cierto bajón en los ciclos de conciertos de música contemporánea? -Sí, pero es que hay que trabajarlo mucho. Plural Ensemble tiene su ciclo de conciertos. Panisello se mueve muchísimo. Hacemos giras. Hemos estado en Viena, en Rusia... Para que un grupo de contemporánea funcione tiene que haber alguien muy implicado y con un gran compromiso, que además atraiga a músicos que lo vivan de verdad. Haces contemporánea porque realmente te gusta, si no, es imposible. Si vas de bolo, mal. Eso no transmite al público. Lo que transmite es la implicación de todos los músicos del grupo.

-¿Sigue siendo la relación con el público la asignatura pendiente de la contemporánea? -Con el disco he descubierto que quizás a la gente le interesa más de lo que se dice. Ya le dije que mi hija Alejandra, que tiene 9 años, participó en el disco. Cuando nos llegó, se lo llevó al colegio y le dio un ejemplar a su profesora. Y la profesora les ponía a los niños todos los días un tema. Cuando iba a dejar a mi hija al colegio me venían los compañeros emocionados para contarme lo que les había gustado la canción de ayer, y luego salían otros que decían que no, que la del día anterior era más bonita y otros se acordaban de otras. Ver a los niños tan metidos era emocionante. He hecho un par de veces un programa titulado Viola viola con otra violista, Wenting Kang. Toqué las Fábulas de Mariné, que narra Alejandra, y muchos compañeros vinieron al concierto, cómo disfrutaron, es que ni se movieron. Así que cuando me hablan de los problemas con el público, yo tengo también estas experiencias que contar.

-¿Quién le gustaría que le escribiera una obra? -De los míos, los españoles, me gustan todos. Pero que me haga una López López, por favor... Me faltó también para el disco el flamenquillo de Mauricio Sotelo. Estaba escribiéndome una pieza, me envió cuatro hojas, pero al final no la terminó a tiempo.

-En los últimos años ha colaborado varias veces con Zahir Ensemble. ¿Cómo es su relación?

-Estupenda. Hace un par de años hice con ellos la Secuencia de Berio. El año pasado me propusieron Anthèmes de Boulez, que es original para violín con cinta pregrabada, pero hay también una versión para viola. Lamentablemente hubo un problema, no hubo manera de encontrar la cinta en la versión de viola y tuvimos que suspenderlo. Hace un par de meses, hice para ellos la Sonata de Ligeti.

-¿Cómo piensa enfocar su próximo disco? -Me gustaría seguir explotando la viola sola. Sacándole todo el jugo que sea posible. Y seguir invitando a compositores para que escriban para la viola. Es que luego no hay obras. Como profesora, te tiras la vida proponiendo las mismas cosas, sota, caballo y rey. Yo estoy siempre buscando. Hay que renovarse.

[Diario de Sevilla, 21-01-2019]

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