#artista plastico

[callmeanxietygirl]

Un día como hoy, del año 1940, nació el maestro Francisco Toledo, el artista prolífico, defensor férreo de la cultura y creador de espacios culturales. Francisco Benjamín Lopez Toledo, dejó a Oaxaca (su adorado terruño), a su país y al mundo, un legado invaluable como artista, como activista social, como defensor del acceso al arte y del medio ambiente, por ello merece el reconocimiento a su paso por esta tierra, para que su legado siga resonando en cada generación y en el mundo mismo.

A lo largo de su trayectoria no sólo realizó múltiples obras, además fundó diversos talleres, instituciones, bibliotecas, museos y centros de arte, estos últimos se encuentran activos y ocupándose de hacer llegar el arte a los oaxaqueños y visitantes, los cuales son: Instituto de Artes Gráficas (IAGO) y BIAGO ~ (1988) • Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo (CFMAB) ~ (1996) • Centro de Artes San Agustín (CASA) ~ (2006). Le dedicamos este espacio para recordarlo y para rendir homenaje al Maestro, que nos espera seguramente en la otra vida con hazañas y espacios idílicos para mostrarnos. ¡Gracias, Maestro Toledo!

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📸 1▪︎ Graciela Iturbide

📸 2▪︎ Diario "El país"

📸 3 y 4 ▪︎ Revista Líderes Mexicanos

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#FranciscoToledo #MaestroToledo #talentooaxaqueño #artistasoaxaqueños #arte #cultura #oaxacacultural

[angeldecuir]

¿De qué viven los artistas? Antonio Mendoza

[duovisuals]

FRANCISCO MUÑOZ TEJEIDA 30 AÑOS DE TRAYECTORIA ARTISTICA | DUO VISUALS.

[recaredo3ro]

Unas manchitas para entretenerme

[ulisesbarreiro]

NOUS AVONS INTERVIEWÉ L'ARTISTE PLASTICIEN ARASH LAHIJI QUI A SES NFTS SUR LE RÉSEAU CARDANO.

Dans le cadre d'un cycle d'entretiens et d'interviews que nous avons prévu au Token Mithrandir, nous avons commencé à interviewer nos générateurs de contenu NFTs, y compris les différents artistes qui font partie de notre Département de NFts, dans ce cas nous présentons Arash Lahiji, un grand art de la culture persane, qui a déjà 50 pièces créées au sein de l'écosystème CARDANO, et qui se sont toutes vendues en quelques heures seulement, depuis qu'elles ont été mises en vente sur le site www.jpg.store.

Selon Dominique Gromez, l'un des responsables de l'espace NFts du Token Mithrandir, « nous allons mettre en ligne d'autres œuvres de l'artiste Arash dans les prochains jours, nous estimons à 50 autres pièces, étant donné que toutes les précédentes ont été vendues, et que nous sommes constamment sollicités par Aras, les investisseurs de notre communauté, pour d'autres œuvres ». On voit donc que cet artiste visuel persan, qui vit dans l'actuel État d'Iran, a un large public en Occident. Mais apprenons à le connaître un peu mieux et regardons cette brève interview que nous avons réalisée avec lui depuis l'équipe de Token mithrandir pledge :

1- Cher Arash Lahiji, quelle est votre date de naissance et dans quelle ville êtes-vous né ?

Je suis né le 14 janvier 1979, dans le nord de l'Iran, dans la ville de Lahijan, une petite ville verte près de la mer et des plantations de thé. Mon père était enseignant et ma mère avait un grand intérêt pour l'art.

2- Aimiez-vous peindre dès l'enfance ou est-ce une compétence que vous avez développée à l'âge adulte ?

Mon père jouait du violon et du tambour, et ma mère avait une grande collection de livres. À l'âge de 10 ans, on m'a offert un appareil photo professionnel, ce qui m'a permis d'obtenir un diplôme en photographie. Depuis l'enfance, la peinture, la musique et la poésie font partie de ma vie. Plus tard, j'ai étudié la réalisation de films, et cela fait 25 ans que je produis des films d'animation et que j'enseigne l'animation. Je peins aussi professionnellement depuis 20 ans.

3- Vous souvenez-vous d'anecdotes sur vos premières années en tant qu'artiste visuel ?

A l'âge de 17 ans, j'ai voulu organiser une exposition de photographies, mais à l'époque je n'avais pas d'appareil photo. J'ai donc dû prendre des photos sans appareil ni négatifs et organiser l'exposition. La même année, un livre a été publié avec les photos de mon exposition. Nous nous sommes rendu compte que cela ne s'était jamais produit jusqu'à ce jour. Photographier sans appareil photo ni négatif à l'ère de l'analogique. Les photos ont été présentées dans plusieurs expositions internationales et vendues. Ce fut le début de ma carrière artistique professionnelle.

4- Avez-vous une estimation du nombre de peintures à l'acrylique et à l'huile que vous avez déjà réalisées ?

Mes peintures à l'huile, réalisées à l'acrylique et à l'or sur toile, sont uniques et de grande taille. Chaque tableau prend un mois à être réalisé. Par conséquent, dans les meilleures conditions, je réalise 10 peintures par an. Toutes mes peintures sont certifiées et leur quantité est spécifiée et limitée. Cependant, il y a beaucoup de tableaux que je peins pour des livres. Je conçois plusieurs livres par an, qui comprennent de nombreuses œuvres.

5- Vous souvenez-vous du moment où vous avez commencé à réaliser des œuvres d'art au format NFT ?

J'ai rencontré la NBA il y a trois ans. Cependant, c'est le 8 juin de l'année dernière que j'ai rejoint la NFT. Je fais partie du NFT depuis presque un an maintenant.

6- Nous savons que vous êtes un artiste international et que l'art numérique moderne va de l'avant. Comment voyez-vous l'avenir des NFT par rapport aux ventes d'œuvres d'art dans le monde ?

Je suis d'une génération qui a appris le cinéma et la photographie analogique. Nous étions au début lorsque la technologie numérique a été inventée et est arrivée sur le marché. Ceux qui ne se sont pas adapt��s à cette technologie ont été éliminés. Cette expérience m'a appris que nous devons accepter les vagues de changement et en tirer des leçons. Avec de la créativité, de l'étude et de la persévérance, tous ces outils peuvent être utilisés au profit de l'art. Pour moi, l'essence de l'art est cruciale. L'art contemporain est très important pour moi. La différence entre le numérique et le physique réside uniquement dans la manière dont les outils sont utilisés. L'art est lié à la sociologie, à la psychologie, à la philosophie et à l'économie. Tout le reste n'est qu'outils.

7- Pourquoi pensez-vous que la culture persane est si bien acceptée dans le monde occidental ? Parce que de plus en plus d'œuvres d'art d'artistes persans sont vendues.

L'Iran est un pays civilisé et très ancien. On peut dire qu'il s'agit de l'un des premiers établissements humains. Les Iraniens ont été les premiers à découvrir le métal et à l'utiliser pour créer des outils agricoles plutôt que des armes de guerre. L'influence de l'Iran sur la civilisation humaine est indéniable. La poésie, l'architecture, les vêtements, les tapis, les textiles, les livres, les traductions et bien d'autres choses encore ont été transmis au monde par le Moyen-Orient. À l'ère moderne, nous avons pris du retard à certains égards. Cependant, les artistes sont les ambassadeurs culturels de n'importe quel pays. Le monde des communications nous a permis de nous redécouvrir. Naturellement, les experts internationaux ont commencé à reconnaître la valeur du travail de nos artistes. En ce moment, nous nous rapprochons d'une expression artistique florissante.

8- La communauté CARDANO adore les NFT, et est actuellement l'écosystème qui vend le plus de NFT d'artistes visuels. Qu'est-ce qui vous plaît le plus dans l'écosystème CARDANO ?

Je me suis familiarisé avec la communauté Cardano grâce au site kreate.art et j'ai remarqué que les œuvres téléchargées et vendues sur la communauté Cardano sont plus artistiques que sur d'autres plateformes. C'est pour cette raison que je me suis impliqué dans cet écosystème. Je me concentre d'abord sur cette communauté, puis sur d'autres plateformes. La culture des traders et des gestionnaires des sites et des plateformes Cardano semble être supérieure à celle des autres communautés. Ils répondent aux questions, ils sont actifs. L'art a une plus grande portée ici.

9- Êtes-vous passionné par la communauté CARDANO qui se développe sur le Token mithrandir ?

Je m'intéresse aux nouveaux événements. Pour moi, quelqu'un qui s'engage dans un nouveau travail est respectable. J'aimerais participer à de nouvelles expériences. Même en Iran, je suis classé dans le groupe des artistes d'avant-garde. Mithrandir est un projet nouveau et actif qui s'est impliqué dans la communauté Cardano. Je suis également intéressé par ce nouveau projet et par Cardano. J'espère briller ensemble.

10- Comment envisagez-vous l'avenir du Token Mithrandir et de son marché NFT, sachant que plus de 5800 pièces ont déjà été créées ? Et que chaque mois il y a de nouvelles commandes d'artistes qui veulent publier leurs œuvres dans les galeries d'art de Token Mithrandir ?

Je n'ai pas d'expérience dans la gestion de collections, mais j'ai une vision claire. La sélection des artistes se fait en fonction de leurs compétences artistiques et de leur impact réel. Le marketing et l'interaction avec les collectionneurs sont essentiels au succès de la collection. J'ai hâte de voir ce jour arriver.

De cette façon, la communauté CARDANO Token Mithrandir peut apprendre à mieux connaître l'artiste que nous avons dans notre collection, ce qui ajoute de la valeur à l'ensemble de l'écosystème CARDANO NFT.

[ecotoyart]

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[talomacblog]

CARÁTULA PARA LA NOVELA "EL REY PRÓFUGO DE PORTUGAL". TINTA SOBRE PAPEL, OBRA DE MIGUEL PENCIERI. 2023. EDICIONES DE LA PAZ

www.libreriadelapazediciones.com.ar/

[thegianpieromennitipolis]

SENSI DELL'ARTE - di Gianpiero Menniti

L'ILLUSIONE DELL'ONFALO

Lo stile è davvero uno dei segni tangibili dell'arte, di ogni espressione, sia essa un testo pittorico o plastico, un'architettura oppure un'opera di scrittura.

In un luogo, qualcosa accade.

Si staglia, s'imprime nello sguardo e suscita un irrefrenabile moto d'animo.

È il primo passo.

Prima lentamente e poi con impeto, i luoghi si moltiplicano: non per mera imitazione ma per slancio creativo.

Così, quando nel 1874, a Parigi, nello studio del fotografo Nadar sul Boulevard des Capucines si tenne la prima mostra "Impressionista", il fuoco di quello stile già diffondeva i suoi lapilli nell'emisfero sud del globo, in Australia, a Melbourne.

Lì si formò la scuola detta di "Heidelberg" - dal nome di una località a est, nella periferia rurale della città - e sempre a Melbourne si tenne, nel 1889, la prima mostra passata alla storia con questo titolo: "9 by 5 Impression Exhibition".

Tra i 183 dipinti, almeno 40 erano di Arthur Streeton, non meno di 46 di Charles Conder, assieme ai contributi minori di Frederick McCubbin e Charles Douglas Richardson.

Ma la parte più cospicua spettò, con 63 opere, a Tom Roberts (1856 - 1931) artista di origine britannica.

E britannica sembra essere l'influenza "impressionista" - Turner, Whistler - che colse la vena figurativa di quella che venne annoverata come la prima scuola artistica veracemente australiana.

Ma il ceppo originario s'era già formato nella seconda metà degli anni '80, il "Box Hill artists' camp", con il gruppo di artisti "en plein air" che in seguito costituirono l'ossatura della "Heidelberg School".

Certamente, Roberts fu il più intenso nel lasciarsi cogliere dallo slancio di misurarsi con la cattura dell'istante nella naturalezza del primo impatto.

E se è vero che le sue tele echeggiano Whistler pur concedendosi inizialmente all'impronta vaga di Constable, le stesse mostrano un notevole coraggio nell'esplorare i fondamenti della visione sensibile, della costruzione im-mediata dell'immagine pittorica.

Così, le tracce irrequiete dell'arte migrarono lasciando l'Europa, annebbiata dalla "Belle Époque", nella tragica illusione di essere l'omphalòs (ὀμφαλός), l'ombelico del mondo.

- "Going home", 1889, National Gallery of Australia; "Treno serale per Hawthorn", 1889, Art Gallery of New South Wales; "Andante", 1889, Art Gallery of South Australia.

[multiverseofseries]

Beetlejuice (1988)

Tim Burton ci mostra la sua bizzarra visione dell'aldilà in un film folle e geniale

Delirio infernale

Beetlejuice è uno dei primi film della carriera di Tim Burton. Sebbene scegliere tra i suoi lavori sia operazione difficile e complessa, possiamo dire che sia anche uno dei migliori.

A voler essere più precisi, Beetlejuice è uno dei film più completi di Burton, nel senso che contiene già tutti gli elementi che faranno di lui un regista tra i più particolari e unici tra i contemporanei e che sarebbero stati poi sviluppati ampiamente con i lavori successivi.

Che Burton sia un ex disegnatore, è chiaro fin da subito: le sue inquadrature, i colori, i personaggi e ogni aspetto del suo lavoro portano il marchio di un artista del disegno. Inoltre la sua follia visionaria è talmente straripante da riversarsi in ogni sequenza.

Il film si apre con una panoramica del paese in cui la storia è ambientata, che si rivela poi il plastico a cui il protagonista sta lavorando, primo segnale della fusione (o confusione) tra realtà e finzione che troveremo, sia qui che in quasi tutti i film successivi dell'autore.

Beetlejuice è una miscela di atmosfere gotiche e surreali, ma allo stesso tempo ironiche ed eccessive, tanto da suscitare raramente inquietudine e deviare sempre verso la commedia, nonostante la potenzialità horror della storia. Infatti, a pensarci, l'idea dei fantasmi intrappolati nella loro casa, costretti a spaventare e cacciare via i nuovi inquilini, sarebbe potuto diventare un horror in mani diverse e con una sceneggiatura diversa.

Ovviamente Burton la affronta secondo le sue inclinazioni, si procura una sceneggiatura adatta a sfruttare il suo talento visionario (sebbene non accreditato, il soggetto dovrebbe essere anche suo) e a sua volta ne sfrutta tutte le potenzialità nel trasformarla in film.

L'ironia la fa da padrone e pervade tutte le scene di Beetlejuice, dalla splendida e delirante visione dell'aldilà in Burton Style, con il Manuale del novello deceduto e i pittoreschi deceduti in sala d'attesa, al bellissimo contrasto tra la piccola dark Lydia e la sua famiglia mondana. Il tutto culminante nella meravigliosa sequenza della cena al ritmo di Day-O di Harry Bellafonte, che da sola varrebbe il film e un oscar.

L'aldilà di Burton è un luogo infarcito di personaggi bizzarri, macabri quanto buffi, governato da una burocrazia paragonabile a quella dei nostri uffici comunali, con tanto di sala d'attesa, pratiche da affrontare e trafile da seguire.

A concretizzare la visione ironica, nonché onirica, di Burton, troviamo uno splendido e folle Michael Keaton irriconoscibile sotto un trucco che ha valso un oscar al film, assolutamente esplosivo e incontenibile, perfetto nel suo delirio e nella sua interpretazione dell'esorcista di umani, denso di una cattiveria da fumetto che solo Burton poteva portare sullo schermo con tanta efficacia, senza scadere nel volgare nonostante gli eccessi del personaggio.

Ma non sono da meno neanche gli altri caratteristi del film, da Catherine O'Hara e Jeffrey Jones, che dipingono alla perfezione i Deitz, la coppia che prende possesso della casa dei Mailands alla loro morte, a Wynona Ryder, anche lei del tutto a suo agio ed equilibrata nell'ironico ruolo della ragazzina dark e depressa, che l'ha fatta conoscere al grande pubblico, oltre a renderla attrice cult per tutta una generazione di spettatori.

Efficaci anche i due sposini-fantasmi protagonisti del film: Alec Baldwin e Geena Davis, in equilibrio tra romanticismo da coppietta e lo smarrimento della loro condizione di fantasmi inesperti.

Buoni anche gli effetti, considerando i costi contenuti dell'intero film, soprattutto il bellissimo trucco ad opera di Steve LaPorte e Ve Neill, vincitore di un premio oscar, come già accennato.

La musica è di Danny Elfman, come per quasi tutti i lavori di Burton successivi, evocativa e tinta di spettrale euforia, del tutto adatta alla regia ed alla storia.

Il lieto fine del film arriva dopo un susseguirsi di trovate di grande vivacità, lasciando il ricordo di un film frizzante, piacevole e del tutto godibile, condito da una freschezza narrativa che il Burton successivo perderà in parte a favore di temi e tempi più ragionati e maturi.

Volendo a tutti i costi trovare difetti in Beetlejuice, possiamo dire che forse Burton ha messo troppo in un unico film, spinto dalla voglia del quasi esordiente. Questo non ha reso meno bello il film, ma gli ha impedito di dare il giusto risalto alle scene migliori e di rendere il lavoro finale del tutto bilanciato.

[fashionbooksmilano]

Gaetano Pesce Il tempo della diversità

a cura di Domitilla Dardi e Gianni Mercurio

Electa, Milano 2014, 296 pagine, 24x28cm, brossura con alette,ISBN 9788837099879

euro 40,00

email if you want to buy booksinprogressmilano@yahoo.it

Il catalogo della mostra al  MAXXI Roma (26 giugno-5 ottobre 2014) dedicata a Gaetano Pesce, designer, architetto, artista italiano di fama internazionale. In scena idee, progetti, realizzazioni dagli anni Sessanta ad oggi.

Attraverso le sue creazioni artistiche, architettoniche e di design, Pesce ha alimentato il dibattito su temi di grande importanza, tra i quali il sostegno della diversità degli individui, la stimolazione sensoriale per mezzo di esperienze intorno o dentro agli oggetti, il problema del ‘mal fatto’. Ha inoltre promosso esperienze di autoproduzione sia con il marchio Fortebraccio sia con i più recenti Fish design e Open sky. Tra i progetti sperimentali di architettura sviluppati da Pesce si citano: il Loft verticale (1982), un edificio con le pareti in mattoni di poliuretano rigido; la torre residenziale per l’habitat individualizzato a San Paolo del Brasile (1989); l’Organic Building di Osaka, con pareti esterne in materiale plastico (1990); la propria casa di vacanze a Baía in Brasile (con pareti in caucciù) del 2001; il Pink Pavillon a Milano (2008) il Pescetrullo (2008), abitazione realizzata nella campagna pugliese utilizzando casseforme di legno e poliuretano espanso. Ha sviluppato molteplici prodotti per molte aziende importanti e famose come le poltrone e sedute S erie U p (1969), la poltrona Yeti (1968-69), per C&B; insieme di tavoli (Arca) e le sedie Golgotha (1972-73); la poltrona Sit Down (1975), i divani Cannaregio (1987), il tavolo Sansone, il divano Tramonto a New York (1980) e le poltrone i Feltri (1987) per Cassina; le sedia Green street chair (1984) per Vitra; la bottiglia per l’acqua minerale Vittel (1986-87); la caffettiera Vesuvio (1992) per Zani & Zani; le collezione di mobili Nobody’s perfect (dal 2002) per Zerodisegno. Tra le opere in mostra anche una versione gigante della poltrona UP5 e lavori site specific pensati per il MAXXI.

05/05/24

[callmeanxietygirl]

#RadioUNAMRecuerda que un día como hoy, en 1940, nació Francisco Toledo. 🖌🎨🪁

Además de ser considerado uno de los artistas plásticos más destacados del país, es reconocido por su labor en defensa del patrimonio cultural, el medio ambiente y la sociedad de Oaxaca.

17 julio 1940

5 Sep 2019

[julio-viernes]

Historia curiosa, rara, extrañísima donde las haya. A finales de los 60s y principios de los 70s hubo cientos de artistas solistas. Era una moda y la competencia era brutal. Me gusta lo que hizo Sixto Rodriguez, pero no me parece para tanto. Las extraordinarias circunstancias de su carrera sí. DEP.

[chez-mimich]

ARABOFUTURS (parte II)

(segue) Sempre incentrate su forme naturali, le opere di Hala Schoukair: una scultura organica e vivente che compone mondi apparentemente naturali, che reali non sono, ma puramente immaginari e viene da chiedersi se per caso non siano mondi reali “altri”. Sempre nell’ambito del paradigma natura/futuro parlano le architetture del paesaggio di Zahrah Al Ghamdi. Il grande plastico all’ingresso della mostra realizzato con materiali naturali evidenzia una tensione tra i grandi spazi naturali del mondo arabo e il devastante ambiente urbano e mette bene in mostra l’anima della sua produzione; si tratta di “Birth of Place”, completamente in argilla, materia estratta da sito di Al-Turaif nei pressi di Ryadh, luogo che è patrimonio UNESCO. L’installazione è una sorte di skyline di grattacieli naturali modellati appunto in argilla. “Mycellium Running” oscilla anch’esso tra organico ed inorganico: mille piccole ed irregolari sfere in cuoio che ricoprono una parete della sala espositiva e che ricordano un organismo, non si sa bene se animale o vegetale. Tante e che vanno in diverse direzione, le suggestioni della mostra: una fantascienza più vicina all’immaginario anni Ottanta, è certamente quella di Ayham Jabr, con immagini veicolate sul web, più simili a quelle immaginate dal mondo del fumetto che non a quello di progettualità effettive. Nell’ambito della fotografia vorrei ricordare il lavoro, assolutamente originale, di Skyseeef, pseudonimo di Youssef Oubahou, marocchino, classe 1999 che con la serie fotografica “Culture is Waves of the future” (2022-2024), presenta una serie di veicoli (auto e camion), privi di ruote che fluttuano a pochi centimetri dalla terra riarsa del deserto. I veicoli sembrano fluttuare su un cuscino d’aria molto futuristico, ma conservano, sulle carrozzerie, i segni del tempo, un tempo che è il nostro. Certo è, che la cultura visiva di questo giovane artista sembra inglobare in sé le auto volanti di Blade Runner, come i veicoli del futuro anteriore immaginato da Enki Bilal. Molto interessante la sezione video, che fa giustizia (parziale) dell’assenza pressoché totale della science fiction negli studi sul cinema arabo del XX secolo. Ci aveva pensato nel 2013 una studiosa italiana, Ada Barbaro a cercare di porre rimedio alla lacuna con il suo libro “La fantascienza nella letteratura araba”, in cui si faceva cenno a quella cinematografia di quei paesi, ma certo è che “Arabofuturs” porta finalmente il cinema di fantascienza arabo, nel cuore culturale dell’Europa. A questo proposito sono da considerarsi assolutamente sorprendenti alcune creazioni come “Le voyage verso la lune” del 1959 girato da Rehla Ila al Qamar. Per concludere questo parziale excursus sugli artisti e sulle artiste presenti in questa mostra dell’IMA,( la cui chiusura, visto il grande successo è stata più volte posticipata), mi piace ricordare il lavoro di Fatima Al Qadiri, artista multidisciplinare originaria di Dakar in Senegal e Sophia Al-Maria scrittrice e cineasta originaria del Qatar. Proprio a loro, come già ricordato, si deve la nascita del termine “Gulf Futurism”. Nella loro bella serie fotografica ironizzano sul concetto di pop-culture gettando uno sguardo disincantato e distaccato su quello sfrenato consumismo, a cui molta parte del mondo arabo guarda ormai come ad un punto di riferimento e che affascina l’universo femminile di quei paesi, che ha sposato tutte le più deteriori ambizioni del mondo iperconsumista. Per concludere, la mostra dell’IMA comprende una nutrita sezione dedicata al design, alla fotografia e alla pittura. Jack Lang, presidente dell’Istituto, scrive nella sua introduzione al catalogo: “Plus qui jamais, l’IMA fast cap Sur l’avenir. Notre bâtiment emblématique inventé par le visionnaire Jean Nouvel, se fait vasseau amiral d’anticipation” e non credo occorra traduzione…

[rubenlorenzoaraujo]

"Descanso en la huida a Egipto"

Exposición Online "Un PAseo Botánico por el Prado"

Web del Museo del Prado

Óleo sobre Tabla 121x177 cms

1518-1520 Joaquim Patinir (1483 Dinant -- 1524 Amberes Bélgica). Pintor flamenco de paisajes y temas religiosos.

Sala 055A del Museo del Prado de Madrid

(UNA OBRA SUPERIOR y EXCELSA según opinión de Rubén Lorenzo Araujo, sobrino de Paulino y Francisco Lorenzo Tardón e hijo de Rafael Lorenzo Tardón; una triada de artistas plasticos de Segovia).

[recaredo3ro]

¡-- Ricardo A. Cuartas --- Artista plastico cumple 10 años hoy!

[thegianpieromennitipolis]

Da: SGUARDI SULL'ARTE LIBRO QUARTO - di Gianpiero Menniti

EPIFANIA, APPARIZIONE ED ECLISSI DI UN MONDO

Inutile perdersi in eccessi di parole: lo stile Gotico, il Gotico Internazionale in modo più evidente, evoca una rilettura del mondo.

Non il mondo del “sacro” in particolare, ma una realtà narrata, interpretata, anelata.

Coincide con il “sacro” che si rivela: “ἐπιϕαίνομαι” (epifainomai) è l’apparire, la manifestazione di chi sta al di sopra, il divino.

Dunque, un segno dell’incarnazione, un segno di verità tangibile, il reale visibile.

Eppure, il dipinto su tavola di Gentile da Fabriano (1370 -1427), “L’adorazione dei Magi”, 1423, conservato alla Galleria degli Uffizi di Firenze, riflette una visione ansiosa di saldare la tradizione dell’evento religioso con la dimensione eterea, leggera, preziosa del commento pittorico prevalente in quell’epoca.

Nonostante questo, nei riquadri della predella, le figure, pur mantenendo i tipici tratti eleganti, adagiati e non formati nella luce e nella vividezza dei colori, echeggiano gli impercettibili segni del cambiamento: di lì a poco, tra il 1424 e il 1428, Masolino e Masaccio faranno strame dell’arte trecentesca impegnandosi in un “duello” di stili negli affreschi della Cappella Brancacci.

Lo stile “plastico” di Masaccio prevale.

Non subito.

La rottura dell’illusione è cocente, gridata, quasi feroce nel suo apparire, epifania anch’essa di una cristianità rivelata nell’atto del vivere autentico e non più nell’idillio.

Gentile, il più raffinato tra gli artisti del suo tempo, da "artista" avverte, sente quel suono lontano che si avvicina.

Lo descrive sulla punta del pennello.

Non può abbandonare l’incanto.

Estremo, ultimo appello alla fiaba.

Prima di un umanesimo che nasce già tragico.