#animación facial

[sonsofks]

El octágono cobra vida: EA SPORTS UFC 5 deslumbrará con gráficos de última generación.

¡Prepárate para una experiencia emocionante y llena de diversión en el mundo de las artes marciales mixtas! Electronic Arts Inc. y UFC están emocionados de anunciar el lanzamiento de EA SPORTS UFC 5 el 27 de octubre de 2023 para PlayStation®5 y Xbox Series X|S. Este juego, desarrollado con el poderoso Motor Frostbite™, promete llevar la jugabilidad y los gráficos a un nuevo nivel, entregando una…

[uva124]

INTRODUCING THE MOST MANIPULATIVE KING IN HISTORY , MAGNIFICO!!! 🎇🎇🎇🎇(I hate him but he deserves a redesign lol).

For those who see this post for the first time, I introduce myself, Hi :D! I'm Aled and this is a collaboration with @ animación , author of the rewrite of Wish that is on her profile (read it, the story it's soooo good) and I am in charge of drawing the redesigns of her story.

Now, coming back to the main thing, I will show how we got to this result :)

FACIAL FEATURES AND HAIR:

-Honestly, I never thought that getting used to drawing Magnifico would be so difficult lmao, how in most of my procedures to make the designs, I start with sketches and studying the structure of the character's face, this was a little difficult because I'm not that I'm used to drawing people over 20, but with a few practices I was able to figure out how to draw him :D

(I also did digital internships, but I didn't save most of them because I forgot lmao)

COLOR PALETTE:

-Don't think that I chose a palette of yellow and gold colors just because I thought it was pretty (well, that's also another reason), what happened is that when I was searching through conceptual arts, I found some designs by Magnifico where They used a blue and yellow color palette

I did a quick search and found this:

-Tell me this doesn't remind you of Magnifico, then yes, that's why I chose a yellow color palette, also adding a golden tone to give it a royal vibe.

-I also applied this in the design of Queen Amaya, in the publication of her design I explained why I added details of a dark blue color in her costume and Magnifico's costumes

ATTIRE:

-From the beginning I always wanted to modify Magnifico's cape by adding a rose as a brooch, and searching through the conceptual arts I found quite a few interesting models, so it can be said that I combined everything I liked and that's how I got the cape for Magnifico, Also adding other details that occurred to me.

-The author sent me several ideas for Magnifico (thank you by the way :D), one of them was associating Magnifico with the sun, I really liked the idea and that is why there are so many symbols of the sun in his suit, plus these It reminded me how in so many cultures the Sun is worshiped, just as the kingdom of roses worships Magnifico, there are also other reasons why the sun fits with Magnifico but I already mentioned that in the publication of Amaya's redesign.

-The truth is, I only drew the other details improvised, this time I just got carried away, but hey! The outfit didn't look bad at all :)

-Another important part of Magnifico's costume is the "M" on his badge, but in fact it is not an M 😅, it is the sign of Scorpio ♏, this idea was from Anny Mation

-So yeah, I had to add the Scorpio symbol yes or yes, at first I thought about adding it to the back of the cape but I wasn't convinced by the idea, but then I thought: "Wait, why don't I add the sign on the gold plate ? that would look elegant."

FINAL COMMENTS:

-I'm proud of how this turned out, I feel like it does justice to a villain that commemorates 100 years of Disney :)

-Also, I think that those who have already seen the other redesigns know which character is next, right 👀✨? For Aster, I don't know how long it will take me to draw him, since the boy is literally a walking animation studio lmao.

That would be all for now, until next time :D!

[leumberskmain]

Animación de cabello

Giros y expresiones faciales

[anathematranslates]

Entrevista Animedia Marzo 2023

⚠️Si no vas al día con el manga y/o anime, puede contener spoilers para ti⚠️

—Entrevista realizada al staff de Bungo Stray Dogs por el estreno de la cuarta temporada.

Nota: el texto no está exactamente igual al contenido de la revista ya que es demasiado largo. Es un resumen con los detalles más importantes.

Traducción: Anathema Proofreader: Carolina

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La entrevista comienza con una pregunta a Asagiri respecto a su participación en la producción de la cuarta temporada, a lo que él responde que llevan ya un buen tiempo trabajando en equipo con Igarashi Takuya (director) y Yojo Enokido (guionista), por lo que deposita su confianza en el trabajo de ambos. Aun así Asagiri sigue participando en puntos clave de la producción, como diálogos que no se deben omitir o reescribiendo escenas que por tiempo debían modificarse.

Se decidió que la cuarta temporada comenzaría con “La Fundación de la Agencia” porque tendría sentido con el curso de la historia, a lo que Asagiri además comenta que está feliz de que haya sido esa la novela elegida.

Asagiri además menciona que aunque la historia gira en torno a Atsushi, la creación de la Agencia de Detectives es la historia de Ranpo y Fukuzawa y relata una parte de su relación que nunca se había retratado (salvo en la novela, obviamente). A través de ellos dos se lleva a la luz la verdadera identidad de la Agencia.

Además en el episodio 4 se presenta un nuevo personaje: Oguri Mushitarou. Ante la pregunta “¿Cómo se te ocurrió ese personaje encantador?”, Asagiri responde que tuvo una idea leve del diseño y lo dibujó antes de mostrárselo a Harukawa. Es limpio, inteligente, caballeroso y desea la desgracia de los demás. Tiene una mirada obstinada en sus ojos y aunque está bien arreglado tiene una apariencia un tanto siniestra.

Asagiri menciona que todos los personajes nuevos son maravillosos -refiriéndose a Decay of Angels y los Perros Cazadores; ambos son muy buenos equipos pero si tuviera que elegir al personaje más divertido sería Sigma, y el más difícil es Fyodor ya que es 500 veces más inteligente que él como autor de la serie.

En la sección de la entrevista dirigida a Hiroshi Kamiya (actor de Ranpo), ante la pregunta acerca de lo que sintió al leer el guión por primera vez, comenta que Ranpo ha sido una figura un tanto vaga. No se sabe lo que piensa pero todos los empleados lo reconocen como el mejor detective, lo respetan y admiran. Las razones de por qué era así nunca se habían ahondado hasta ahora y la respuesta se encuentra en los primeros episodios de la cuarta temporada. También comenta que se sorprendió al saber que "La Fundación de la Agencia" sería la novela que abriera la cuarta temporada, ya que esperaba que fuera un OVA o que sólo se quedaría como obra de teatro. Kamiya también habla de la visión que tiene Ranpo sobre los adultos en un mundo donde se es un niño genio rodeado de gente estúpida; es la historia de cómo Ranpo se dio cuenta que era un ser especial.

Respecto al estilo monocromático de los primeros capítulos, Kamiya comenta que las ideas preconcebidas de la gente son algo interesante, ya que el común fue pensar que estaba en blanco y negro por ser eventos del pasado cuando este estilo retrata la forma de ver el mundo que tenía Ranpo; gracias a Fukuzawa el mundo de Ranpo volvió a tener color.

En la sección dirigida a Nobuhiro Arai (diseño y director de animación), le preguntan si había personajes a los cuales prestaba más atención en sus detalles. Arai menciona que ese sería Fyodor, ya que su expresión facial en sí es dulce pero también debe verse aterrador, por lo que había que ser cuidadoso. Lo mismo ocurrió con Fukuzawa, que en muchas escenas debía verse aterrador e Igarashi Takuya al revisar los avances dio instrucción de mejorar algunos detalles. También habla sobre la idea de Igarashi de animar la primera parte de la novela en blanco y negro, y que en un principio pensó que los personajes con habilidades especiales tendrían los ojos a color en contraste con Ranpo quien no las posee. Finalmente se decidió que la totalidad sería monocromática.

Los scans completos de la revista los puedes encontrar aquí

[reverieinter]

ATENCIÓN ERROR EN EL SISTEMA

Código de Error: 502 Descripción: El archivo correspondiente al expediente número #044, Rhiannon Crimson, está siendo enviado erróneamente a todos los correos electrónicos de contacto de la generación 2024. Detalles del Error: El sistema ha generado un fallo en la distribución de archivos, resultando en el envío masivo del expediente. Acción Requerida: Por favor, ignore el archivo recibido. Nuestro equipo de soporte está trabajando para corregir este problema y evitar futuros incidentes. Estado: En proceso de resolución.

DATOS DEL ALUMNO.

Nombre completo: Rhiannon Chaeyeon Crimson. 

Nombre de nacimiento: Ong Chaeyeon.

Fecha de nacimiento: 15 de Septiembre.

Lugar de nacimiento: Nueva York, Estados Unidos.

Género: Femenino.

Estado civil: Soltera.

Ocupación: Detective Policial. 

DESCRIPCIÓN FÍSICA:

EXPEDIENTES ACCESIBLES POR LA ACADEMIA

2.1 EXPEDIENTE MÉDICO

HISTORIAL DE CIRUGÍAS: Cirugía reconstructiva a los cinco años, después de un accidente automovilístico. Áreas realizadas: reconstrucción facial (mandíbula, pómulos, nariz), cirugía craneal e injertos de piel en sus brazos y piernas.

ALERGIAS: ninguna.

ENFERMEDADES CRÓNICAS: Dolor crónico en las áreas de los tobillos. Migraña crónica.

LESIONES GRAVES: Fracturas múltiples que tuvo al momento del accidente.

MEDICACIÓN ACTUAL: Setralina.

2.2 EXPEDIENTE PSICOLÓGICO

DIAGNÓSTICOS PSICOLÓGICOS:  Trastorno de estrés post traumático, relacionada con automóviles y sonidos fuertes. Depresión mayor. Dolor crónico en las áreas de los tobillos. 

INFORME DE SESIONES CON PSICÓLOGO: Se realizaron sesiones de terapia por conducta y pensamientos suicidas por tres años. Con notas de proceso y retroceso de la terapia. 

HISTORIA DE HOSPITALIZACIONES PSIQUIÁTRICAS: Tres intervenciones de seis meses uno a los catorce años, otro a los dieciocho, y el último a los veintiún años por un episodio de depresión mayor.

2.3 EXPEDIENTE POLICIAL

HISTORIAL DE ARRESTOS:  Arrestada a los 17 y 16 por alternación del orden público no se presentaron cargos.

DENUNCIAS RECIBIDAS: Ninguna.

REGISTRO DE INCIDENTES: Ninguna.

MEDIDAS CAUTELARES O RESTRICCIÓN: Ninguna

2.4 EXPEDIENTE ACADÉMICO

HISTORIAL ACADÉMICO: Excelente notas academias durante la secundaria y primaria. Gran habilidad con los idiomas y los números.

PARTICIPACIÓN EN ACTIVIDADES EXTRACURRICULARES: Rhiannon fue miembro del equipo de equitación y también de animación. 

OBSERVACIONES DE ORIENTADORES ACADÉMICOS: Alumna con gran potencial para llegar a las olimpiadas en la área de equitación, lamentablemente por sus problemas personales y mentales no ha podido sobresalir como le gustaría. Se le recomienda a la familia, asistencia con psicologo. 

2.5 EXPEDIENTE FAMILIAR

HISTORIAL CRIMINAL DE FAMILIARES: Nada.

INFORMES DE TRABAJADORES SOCIALES: Nada.

EXPEDIENTE DE ADOPCIÓN: Rhiannon fue adoptada a los siete años, después de pasar dos años en el sistema y en recuperación por el accidente.

EXPEDIENTE DE ADOPCIÓN Y FOSTER HOME

1. EXPEDIENTE DE ADOPCIÓN

FECHA DE INGRESO AL SISTEMA DE ADOPCIÓN: Poco después del accidente automovilístico, a los cinco años.

DURACIÓN EN EL SISTEMA: Pasó aproximadamente dos años en el sistema de adopción antes de ser adoptada a los siete años.

FAMILIA ADOPTIVA: Fue adoptada por los Crimson por una pareja que ya tenía tres hijos mayores. Que estaban en el testamento de los Ong al momento que estos tuvieran cualquiera accidente. Fue un proceso largo y complicado, debido a los problemas legales que hubieron en el momento. Fueron también aceptados debido a la clase social de estos y tener todo los medios posibles para seguir ayudante a la infante en ese momento con sus problemas y su nuevo historial clínico.

TRANSICIÓN: La transición fue gradual, a pesar de que ambas familias se conocían. Las visitas al hospital fueron graduales y para luego ir por la adopción definitiva.

2.OBSERVACIONES DEL TRABAJADOR SOCIAL:

DESCRIPCIÓN: El trabajador social que supervisó el caso notó que, aunque la niña tenía dificultades para establecer vínculos al principio, con el tiempo desarrolló una conexión sólida con su nueva familia adoptiva.

PROBLEMAS INICIALES: Miedos nocturnos, retraimiento social, resistencia a las figuras de autoridad debido a la pérdida de sus padres biológicos.

PROGRESO: Con el apoyo adecuado, el niño comenzó a mostrar mejoras en su comportamiento y adaptación social, aunque seguía necesitando apoyo psicológico continuo.

3. EXPEDIENTE DE FOSTER HOME (HOGAR DE ACOGIDA)

INGRESO AL FOSTER HOME.

FECHA DE INGRESO: Ingresó en el sistema de hogares de acogida inmediatamente después del accidente, por temas legales que se presentaron al momento.

HOGAR DE ACOGIDA: Fue colocado en un hogar temporal que era conocido por su capacidad para manejar casos de niños con traumas. 

EXPEDIENTE DEL ACCIDENTE AUTOMOVILÍSTICO

1. DESCRIPCIÓN DEL ACCIDENTE

FECHA DEL ACCIDENTE: Ocurrió cuando el personaje tenía cinco años.

UBICACIÓN: Carretera principal de Busan, una interacción conocida por su alta taza de accidentes.

CONDICIONES CLIMÁTICAS Y DEL CAMINO: El accidente ocurrió en una noche lluviosa, lo que contribuyó a la visibilidad reducida y condiciones de manejo peligrosas.

2. VÍCTIMAS

NOMBRE DEL PADRE:Ong Changwook.

NOMBRE DE LA MADRE: Kim Chaeyoung.

ESTADO: Ambos fallecieron instantáneamente en el accidente debido a lesiones graves, incluyendo múltiples fracturas y traumas internos. Sus muertes fueron declaradas en la escena por los servicios de emergencia.

3. VICTIMARIO.

NOMBRE: Oh Jiyong.

EDAD: 21.

ESTADO: Sobrevivió al accidente con lesiones leves.

CONDICIONES DEL CONDUCTOR: En el momento del accidente, se descubrió que el conductor estaba bajo la influencia del alcohol y otras sustancias ilicitas, lo que contribuyó significativamente al accidente. El conductor había excedido los límites de velocidad.

RELACIONES: Padres conocidos en la politica, se destaca que su padre fue ministro de la cultura de ese tiempo.

CARGOS Y PROCESAMIENTO LEGAL.

CARGOS PRESENTADOS: El conductor fue arrestado y acusado de homicidio involuntario por conducir bajo la influencia (DUI) y negligencia.

RESULTADO DEL JUICIO: El juicio resultó en una leve condena: el conductor fue sentenciado a varios meses de prisión. La sentencia también incluyó una prohibición de conducir y la obligación de participar en programas de rehabilitación. Se presentó una fianza de más de 100 mil dólares para reducir la sentencia y las restricciones, la cual fue pagada por su padre en ese momento. Además, todo el expediente del accidente y los detalles de las víctimas fueron eliminados del sistema.

4. INVESTIGACIÓN DEL ACCIDENTE

INFORME POLICIAL:

DESCRIPCIÓN DEL IMPACTO: El informe policial detalló que el vehículo del conductor cruzó la intersección sin detenerse en la señal de alto, impactando de lleno el automóvil en el que viajaban las víctimas.

CAUSA DETERMINADA: Se determinó que el accidente fue causado por la imprudencia del conductor. La influencia del alcohol y otras sustancia fue un factor crítico.

TESTIGOS:

DECLARACIONES: Varios testigos en la escena confirmaron que el conductor del otro vehículo estaba conduciendo de manera errática antes del accidente. 

5. CONSECUENCIAS LEGALES Y FINANCIERAS

DEMANDAS CIVILES: Los nuevos tutores legales de Rhiannon presentaron una demanda civil al conductor, en resultado la demanda quedó en nada y solamente un compesación economica de más de ocho digitos.

FONDO DE FIDEICOMISO: Parte de la compensación se colocó en un fideicomiso para cubrir futuros gastos médicos, educativos y otros para Rhiannon..

6. IMPACTO EMOCIONAL Y PSICOLÓGICO

TERAPIA REQUERIDA: El accidente tuvo un impacto devastador en el bienestar emocional Rhiannon Crimson, lo que llevó a un diagnóstico de Trastorno de Estrés Postraumático (TEPT) y depresión mayor, requeridos de terapia y apoyo continuo a lo largo de su vida.

[detrasdecamara321]

Coraline y la puerta secreta

Como ya saben Coraline y la puerta secreta será reestrenada en los cines por su aniversario 15! te gustaría saber algunos datos curiosos de esta película tan fascinante???  

 Trata de una niña que, al mudarse a su nuevo hogar, descubre una pequeña puerta escondida en su casa. Aburrida de intentar llamar la atención de sus padres constantemente, encuentra detrás de esta puerta una realidad alternativa bastante parecida a la que ya es su vida. 

Fue lanzada en 2009, dirigida por Henry Selick, es considerada la primera producción en 3D estereoscópico realizada en animación stop-motion.

La película está inspirada en el libro homónimo escrito por Neil Gaiman publicado en 2002.

Se demoraron 4 años en terminar la filmación de la película teniendo en cuenta 150 sets de 52 escenarios. Para la película completa se hicieron 24 modelos distintos de marionetas con múltiples variaciones de cada una. Solo para Coraline, se hicieron 28 marionetas y en un momento específico de la película llega a utilizar 16 diferentes expresiones en un lapso de tan solo 35 segundos.  Solamente el personaje de Coraline tuvo un total de 207, 336 posibles combinaciones faciales.

Wybie Lovat no aparece en ninguno de los libros, fue creado para las películas para que Coraline no se sintiera tan sola y tuviera un amigo de su edad, de hecho el autor no estaba de acuerdo con que el la rescatara porque sentía que por la esencia y personalidad de coraline, debía salvarse ella sola.

¡Esperamos que te hayan gustado estos datos curiosos de esta película de terror infantil que llamó la atención de los adultos también! No dudes en escribirnos si quieres saber más de ella!!

[karaokulta]

¡La fusión perfecta de tecnología y creatividad se ha manifestado! ✨ Pole to Win nos sorprende al abrir un nuevo estudio de captura de movimiento en SIDE London, en colaboración con Imaginarium Studios. ¿Están listos para esta revolución en la captura de performance? Aquí las razones de mi entusiasmo: - 🧍🔊 Grabar diálogo y movimiento en un solo lugar es como tener nuestra pizza favorita con extra queso: simplemente irresistible. La sinergia entre voz y acción nunca ha sido tan alcanzable. - 🎭 Desde ahora, dos personajes podrán mostrar su historia al mismo tiempo, en el mismo escenario. ¡Doble drama, doble emoción! - 🔄 Imaginarium Studios nos asegura un servicio llave en mano al permitir sesiones de ADR simultáneas con captura de movimiento facial y corporal. Eso suena como música para los oídos de los desarrolladores en busca de eficiencia y alta calidad. Preparémonos para los juegos de siguiente generación, donde presumiblemente: - 🎮 Los personajes serán más expresivos que nunca. - 💡 La inmersión narrativa alcanzará nuevas alturas. - 🕹 Los equipos de desarrollo tendrán herramientas para llevarnos a expediciones emocionales más profundas. ¿Están listos para los avances que traerá este estudio? ¿Cómo creen que cambiará el panorama de los juegos y la animación? Únanse a la conversación y etiqueten a esos amigos artistas y techies que se emocionarán tanto como nosotros con esta noticia. 🎨💻👾 #CapturaDeMovimiento #Tecnología #Innovación #DesarrolloDeVideojuegos #Animación #Creatividad #PoleToWin #ImaginariumStudios #GamingCommunity

[laflechanet]

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¿Qué Papel Juega Una Buena Computadora Portátil En Una Empresa?

Una computadora portátil tiene un diseño liviano y compacto que facilita su transporte y movimiento. Ofrece una amplia gama de funciones, que incluyen procesamiento de textos, edición de imágenes, entretenimiento y comunicación en línea. Con la tecnología Wi-Fi y Bluetooth, las computadoras portátiles pueden conectarse a Internet y a otros dispositivos. Así que las buenas computadoras portátiles juegan un papel importante en los negocios y aquí hay algunos detalles sobre su papel en un entorno empresarial.

Papel de la computadora portátil en los negocios

Aumentar la productividad

Un buen laptop puede incrementar la productividad de tus empleados. Con procesadores rápidos, gran memoria y pantallas de alta resolución, los empleados pueden realizar múltiples tareas, editar documentos, crear presentaciones y más. El rendimiento estable y eficiente reduce los tiempos de espera y aumenta la productividad.

Soporte para trabajo móvil

A medida que aumenta la necesidad de acuerdos de trabajo flexibles en las organizaciones modernas, una buena computadora portátil brinda a los empleados la comodidad de una oficina móvil. Los empleados pueden trabajar fácilmente en la oficina, en casa, en las instalaciones de un cliente o mientras viajan. Esta flexibilidad permite a los empleados gestionar mejor su tiempo y satisfacer las demandas de diferentes escenarios laborales.

  Facilitar la colaboración y la comunicación

Las buenas computadoras portátiles están equipadas con una variedad de herramientas de colaboración y comunicación, como correo electrónico, software de mensajería instantánea y plataformas de colaboración en línea. Los empleados pueden comunicarse y compartir información fácilmente con colegas, clientes y socios, facilitando el trabajo en equipo y la gestión de proyectos.

Seguridad y copia de seguridad de datos

Las computadoras portátiles que funcionan bien en las organizaciones suelen estar equipadas con sólidas funciones de seguridad, como reconocimiento de huellas dactilares, desbloqueo facial y cifrado de datos. Estas medidas de seguridad ayudan a proteger la información confidencial y reducir el riesgo de fuga de datos. Además, las funciones de copia de seguridad de datos automatizadas garantizan la seguridad y la recuperabilidad de los datos críticos.

Acceso remoto y gestión remota

Las buenas computadoras portátiles admiten funciones de acceso remoto y administración remota. Los administradores empresariales pueden administrar de forma remota las computadoras portátiles de los empleados a través de tecnologías como el Protocolo de escritorio remoto o redes privadas virtuales, brindar soporte técnico y actualizaciones de software, así como garantizar la seguridad y estabilidad del sistema.

Herramientas para reuniones y presentaciones

Las buenas computadoras portátiles brindan las herramientas necesarias para reuniones y presentaciones corporativas. Las pantallas de alta resolución y los sistemas de audio de calidad permiten a los empleados realizar videoconferencias y presentaciones en línea de alta calidad. Estas características ayudan en la colaboración y las relaciones con los clientes en todas las geografías.

Creatividad y diseño

Las buenas computadoras portátiles son especialmente importantes para las empresas que se dedican a trabajos creativos y de diseño. Pueden respaldar tareas creativas como diseño gráfico, animación y edición de video con un rendimiento potente y herramientas de software especializadas. Esto ayuda a las empresas a obtener una ventaja competitiva en comunicación de marca, publicidad y marketing y diseño de productos.

Satisfacción y atracción de los empleados

Proporcionar portátiles que funcionen bien aumenta la satisfacción de los empleados y mejora el atractivo de su empresa. Los empleados se sentirán valorados y cuidados, además de poder hacer mejor su trabajo. Esto es importante para la contratación y la retención de empleados y ayuda a construir una cultura corporativa positiva.

  Resumen

En conclusión, los buenos portátiles juegan un papel importante en las organizaciones. Pueden aumentar la productividad, respaldar el trabajo móvil, facilitar la colaboración y la comunicación, proteger los datos, proporcionar acceso remoto y administración remota, ofrecer herramientas de conferencias y presentaciones, respaldar la creatividad y el diseño, y aumentar la satisfacción y la atracción de los empleados al tiempo que reducen los costos y mejoran la sostenibilidad. Por lo tanto, las organizaciones deben centrarse en elegir portátiles que funcionen bien y proporcionar a los empleados los dispositivos que mejor se adapten a sus necesidades laborales.

[isabelry]

EL ANIME FRENTE A LA ANIMACIÓN: PRINCIPALES DIFERENCIAS

A pesar de compartir una etimología común, existen ciertas diferencias entre el anime y la animación en la forma en que los dos estilos representan el movimiento, los personajes y el entorno.

Rango de movimiento

Utilizamos el término “animado” para referirnos a una persona que no puede parar quieta. Gran parte de la técnica de la animación se basa en el movimiento de los personajes del punto A al punto B, mediante el uso de fotogramas clave y animación directa para enfatizar, en ocasiones, la naturaleza caótica del movimiento del personaje.

Sin embargo, el anime no se centra tanto en la animación del movimiento del personaje. Aunque se tienden a exagerar las expresiones faciales y los actos reflejos, especialmente en los programas infantiles, como las series de Pokémon, las animaciones suelen ser mucho menos frenéticas, con unas interacciones más definidas y organizadas entre personajes, y un movimiento más lento y calculado.

Escenas y entornos

Uno de los aspectos visuales más atractivos del anime es su enfoque del escenario y el entorno. El anime destaca la puesta en escena por encima de los personajes, llenando el preámbulo de fondos detallados, y confiando más en los efectos visuales y sonoros para crear la atmósfera adecuada que requiera la escena.

Por otro lado, la animación se centra mucho en el primer plano, incluso a costa del fondo. A veces, los trabajos de animación antiguos repetían el contenido del fondo, por ejemplo, los personajes de Scooby-Doo escapaban del monstruo cada semana a través de pasillos estirados de forma nada natural y de fragmentos de bosque idénticos.

[vinny-0904]

Death Parade es el anime que se creó en base a una idea utilizada en la película corta “Death Billiards”, ambas obras fueron creadas por Yuzuru Tachikawa y animadas por el estudio MadHouse. La película corta vio la luz en el año 2013 y el anime 2015 concluyendo ese mismo año con un total de 12 capítulos.

Aspectos Técnicos

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Abordo primero esto porque los dotes de análisis y objetividad como que me vinieron fallados de fábrica. Primeramente, en cuanto a apartado visual el anime es hermoso. Los diseños de personaje son bastante variados y todos cuentan con características únicas. A veces da la sensación de que no importa el momento en el que pauses el anime, el frame que quede va a rebosar de cuidado.

Todos sabemos que MadHouse no es un extraño con formas de motivación laboral que carecen de ética; pero realmente creo que hay cariño detrás de la animación de Death Parade. Los escenarios son muy atrapantes y transmiten esa sensación de lugar no mundano desde el primer momento. Los habitantes del edificio transmiten esa aura de ser todo menos humanos, siendo Decim el principal exponente de esto.

Y si hay algo que se roba el protagonismo en el anime son las caras de puro sufrimiento y agonía que vemos en los juegos. Quizá sea que estoy perturbado, pero realmente disfruté mucho de esas deformaciones faciales, de alguna forma no me daban risa como la gran mayoría de veces que veo este recurso, sino que me hacía conectar más con esa sensación de completa desesperación. Creo que si hay algo que es un puntazo muy a favor del anime, es que visualmente es toda una experiencia y una muestra más de que la gente de MadHouse sabe lo que hace (fuera de sus prácticas antes mencionadas).

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Igualmente, hay algo que a mi parecer es superior a lo visual, y eso es lo auditivo. La banda sonora de este anime es gloriosa. Tenemos desde canciones como “Game B” que es un estallido de Jazz tan animado y divertido que hace que te den ganas de ponerte una fedora, hacerte el típico mostacho fino, empezar a chasquear con una mano y con la otra tener un vaso old fashioned con whiskey “on the rocks”; pasando por algo con un estilo más atrapante y frenético como lo tienen “VS” y “Happy People”; hasta canciones con aires etéreos y de ultratumba que están llenos de emoción, siendo ejemplos “Regret of the Death” y la homónima “Death Parade”.

Y punto aparte son tanto opening como ending. Cerramos cada episodio con “Last Theater” de NoisyCell, una canción que corta bastante con todo el ritmo del anime. Bien apegada al estilo rock visualero de los primeros años del 2000, esta canción nos habla de alguien que está perdido en sí mismo, que no sabe ya cómo tendría que vivir y que aunque sabe que lo que hace está en principio mal, no es más que una carcasa vacía que simplemente hace lo que le es demandado. Si les suena familiar, es obvio el porqué; pero si no les suena, vayan a verlo y traten de recordar quién es el que colecciona muñecas como si fuera una parafilia.

Y como si fuera una contraposición a todo lo que es el anime, está el opening. Pocas veces vi tanta gente hermanada en un sentimiento de traición como con “Flyers” de Bradio. Animadísima, divertida y que literalmente te llena de ganas de levantar el culo y simplemente volar junto con la canción; realmente en primera instancia da la sensación de no cuadrar con todo lo que pasa, pero yo lo encuentro muy interesante. En un anime que literalmente es un desfile de la muerte, el opening nos recuerda que estamos vivos, que mientras no sea nuestro turno podemos ser lo que queramos, siempre y cuando abandonemos los pensamientos intrusivos y abracemos lo que nos hace únicos.

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Personalmente, creo que lo mejor que tiene Death Parade es su música. Soy una persona melómana y podría estar acá dos horas, pero prefiero dejarlos con las ganas de escuchar y sacar sus propias conclusiones, así que pasemos a lo que nos cuenta el anime.

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Sinopsis

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Una vez que los humanos mueren son llevados a una suerte de punto medio, un limbo, el cual es un edificio misterioso de varias plantas. En este lugar tenemos varios bares y lugares, siendo el principal de la historia el Quindecim, un bar de estilo europeo moderno. Al llegar, las personas se olvidan del momento de su muerte y son sometidas a un juicio de valor, donde el juez y verdugo es nada más ni nada menos que el bartender, que en caso del Quindecim, es Decim. Este juicio se da en el contexto de juegos con vueltas interesantes; por ejemplo, un juego de dardos donde cada parte de la diana tiene asignada una parte del cuerpo y al acertar tu contrincante siente un dolor potente en el lugar correspondiente. Así, los jugadores se enfrentan, mostrando su verdadera naturaleza y tratando de demostrar cual alma es merecedora de reencarnar y cual de ser enviada al vacío. Básicamente es algo así como “Hola ¿querés un trago? ¿si? Bueno, mientras te lo tomas vamos a jugar con tus emociones en juegos que te matarían de ser que ya no estás muerto y encima te estás jugando el reencarnar o una existencia eterna en la nada misma… el trago ¿Con o sin hielo?”, super simple y bonito todo.

La historia en sí se centra en los casos de cada humano envuelto en estos juegos, tendiendo a desarrollar poco la historia y personajes, de los cuales suelen parecer poco menos que unos extras o secundarios sin tanto peso, ya que se enfatiza más en los juicios llevados a cabo y cómo estos impactan a los jueces que en una historia.

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No les voy a mentir, yo suelo criticar mucho el que no se exploten los personajes y por eso saco a relucir el hecho de que no va a haber una gran exploración de varios de estos. Decim, la mujer del pelo negro (si, así le dicen casi todo el anime) y Ginti son los que sacaron la mejor tajada en la repartición de historia y profundización.

Igualmente, el tema no se queda acá.

La historia misma, aunque plantea dudas que no responde, nos dice que no son importantes... o al menos no tanto como los planteos morales de los juicios. El objetivo de la obra no es mostrarte una historia en sí, sino que la historia es una vía para dejarte en la mente el planteamiento clásico de "bien y mal”. Esta discusión moral es lo que mueve la serie, tendiendo a desligarse bastante de las ideas religiosas y formales que establece la sociedad. En más de un caso vimos como los camareros/árbitros manipularon los juegos para poder sacar a relucir la verdadera naturaleza de los participantes, de forma que se sepa quién merece más la oportunidad de renacer.

A medida que los juegos avanzan vamos conociendo más acerca del pasado de los clientes del bar, sus aspiraciones, motivaciones, que fue lo que los asesinó, y es esta idea principal lo que vuelve a esta serie una joya.

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Conclusión

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Death Parade está lejos de ser un anime perfecto, hay personajes que carecen de profundización y falla en la exploración y explotación de su universo. Pero realmente siento que todo eso se vuelve una nimiedad ante los juicios, que son el recurso atractivo y distintivo del anime. Son estos planteamientos morales, estas incógnitas sociales como “¿Qué está bien y que está mal?” “¿Qué estarías dispuesto a sacrificar por otra oportunidad de vivir?" "¿Condenarias a alguien más a una existencia en el vacío por esa oportunidad o lo darías todo con tal de que la otra persona viva una vez más?” lo que importa y destaca más. Desde el capítulo uno nos lo presentan como un anime bastante diferente a los convencionales en donde tenemos claro quién es el malo y quién el bueno. En Death Parade no hay ni mal ni bien, sólo casos. Hay humanos, humanos con errores, imperfectos, con dudas, con pecados mortales y virtudes innegables. Y también tenemos personas, por ponerles nombre, que son mediadores que ni siquiera entienden con totalidad quienes o que son, pero cumplen su trabajo mientras se admiran o intentan entender la complejidad del ser humano. Y nosotros como espectadores somos todo en uno, humanos imperfectos que, al conocer los casos de quienes caen en este limbo, nos hacemos las mismas preguntas que todos los personajes, en busca de crear una opinión propia, desafiando todo lo que se nos presenta y hasta quizás enfrentándonos a nuestras ideas preestablecidas.

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Este purgatorio con cierto estilo budista es un thriller psicológico que cumple con lo que quiere transmitir. El anime pone la barra moral en el centro de la habitación solo para hacerla girar como si de la flecha de un twister se tratara, animándote a preguntar y repreguntar lo que sabes y lo que crees saber. Death Parade no es una historia, Death Parade es un desafío moral para el espectador, que deja más dudas que respuestas pero de una forma atrapante y novedosa, con un apartado musical tremendo y una animación muy buena. No será una obra maestra, pero los invito a darle una probadita al trago dulce que les puedan ofrecer estos bartenders.

Me voy despidiendo, por lo que espero que hayan disfrutado de la reseña. Esto es todo por hoy, pero nos leemos en una próxima ocasión.

[jose92gt]

Hubo cambio en la expresion facial de Scara, ahora este en la animación que tiene de burla saca la lengua

[co-ra-wolf-blogs]

Acabo de recordar que vi esta película y en ese momento tenía muchas buenas espectativas de esta película, por la trama, la idea en general, el arte promocional y porque el estudio creador es casi nuevo por así decirlo.

Pero esto se sintió más como un intento por parte de John Lasseter, el ya ex director de Pixar con denuncias de acoso sexual que se retiró hace cuatro años para probar nuevos retos creativos, para demostrarle a Disney y Pixar de que puede hacer películas de calidad por cuenta propia y prosperar, aunque está no es el caso.

Sam Greenfield es la persona con menos suerte del mundo. Te presentan una protagonista huérfana que debe dejar el orfanato tras ser mayor de edad y abandonar a su amiga. Todos sus fallidos intentos de adopción sumados a los obstáculos diarios de su vida adulta buscando casa y trabajo la la llevaron a ser una persona con mala suerte con cada vez menos esperanzas.

Creo que este es un tema delicado que puede explorarse más a fondo. Nunca se demuestra que realmente se sienta afectada emocionalmente pese a todos los flashbacks, ya que su razón principal para ir a la tierra de la suerte en busca de una moneda es para ayudar a su amiga del orfanato.

Tengo un gran problema con la animación porque se ve realmente detallada cuando nos presentan el funcionamiento de la fábrica y el mundo de la buena y mala suerte y la persecución de cuando conoció al gato negro luego de confesarle que la moneda que encontró era suya fue lo más entretenido y este paralelismo de los mundos mágicos que reparten suerte es algo que podría haberse aprovechado más, incluir más crituras mágicas como las vistas en el arte original o incluso que sirviera para enseñar los distintos conceptos y amuletos de la suerte en distintos países.

Pero sentí a los personajes muy MUY poco expresivos facial y físicamente (quiero pensar fue esto es un problema de presupuesto de Skydance Animation) ni hablar de los diálogos simplones que me hieron creer que veía un capítulo de Dora la Exploradora, siendo que las palabras que más se repetían fueron "familia permanente" y "hazel". Si alguien vio el doblaje original me gustaría que me diera su opinión, porque también pudo ser un problema de doblaje latino.

El giro de trama al final sobre el gato negro se siente más como una burla qusbwis aún así me gustó la relación romántica entre la dragona y el unicornio, se me hizo adorable, y los demás duendes conocidos de Ben son entretenidos de ver y los habitantes de mala suerte también. Extrañamente los personajes secundarios se sienten más carismáticos que los principales.

Debo decir que al final de la historia, Sam si se muestra realmente triste porque su suerte perjudica y provoca desgracias en los demás, pero lo sentí, no se, anti natural, si me hizo sentir triste pero no me convenció del todo-

EN FIN - Tiene muchísimas cosas a mejorar que podrían haber ayudado y ser mejor aprovechadas para dejar un verdadero mensaje sobre la buena y mala suerte en la vida, y que los personajes se sintieran vivos y no como pedazo de cartón. Aún así, visualmente los escenarios son lindos de ver

[cajadepandxra]

ya terminando la joya de Bungo Stray Dogs, confirmo que las animaciones son muy god! amo las expresiones faciales y la definición de la animación 🤩✨

concluyo que Bungo Stray GOD 🤩❤️✨

[legiongamerrd]

#Gamefemerides Hace 16 años fue lanzado Conker: Live & Reloaded. Un juego de plataformas desarrollado por @rareltd y publicado por @microsoft para @xbox . El modo campaña es un remake del juego de 2001, Conker’s Bad Fur Day para el @nintendo 64. Sin embargo, incluye un modo multijugador inédito diferente al de Nintendo 64, usando Xbox Live. El desarrollo inició en el momento que el estudio fue comprado por Microsoft en 2002. En 2018, fue título fue hecho retrocompatible con Xbox One. También fue añadido a la Microsoft Store como copia digital. El multijugador usa la misma perspectiva en 3ra persona como en la campaña. Consiste de diferentes modos de juego como Capturar la Bandera o el Deathmatch estándar. El jugador puede participar como un miembro del SHC o como los Tediz. Así como una elección de soldado, tiene una selección de clases que afectan significativamente el estilo de juego. Conker: Live & Reloaded fue bien recibido por los críticos por su presentación y gráficos. Fue nombrado como lo mejor del E3 2005, en la categoría de mejores gráficos para Xbox por IGN. Sin embargo fue criticado por los cambios a la campaña comparado al original, como la eliminación de ciertos retos, o la falta de refinamiento en áreas como la animación facial que fue perfeccionada en N64. IGN no encontró el multijugador tan divertido como el original. #LegionGamerRD #ElGamingnosune #Videojuegos #Gaming #RetroGaming #RetroGamer #CulturaGaming #CulturaGamer #GamingHistory #HistoriaGaming #GamerDominicano #GamingPodcast #Podcast #Rare #Microsoft #Conker #ConkerLiveandReloaded #ConkersBadFurday #Xbox #Xbox360 #XboxOne #Accion #Plataformas https://www.instagram.com/p/CQYd1WmrFuj/?utm_medium=tumblr

[riaanddani]

Anime Español: Una Nueva Forma de Animación

A partir del siglo XXI, la animación española hizo grandes mejoras y tomó algunos riesgos. En 2005, el primer largometraje de anime español, Gisaku, fue lanzado al público. Dirigida por Baltasar Pedrosa Clavero y producida por Filmax Inc.,  fue lanzado en Japón el 4 de marzo de 2005 y el 17 de marzo de 2005 en España. Gisaku tiene tres idiomas oficiales, español, japonés e inglés. A diferencia de otras formas de animación, el anime es muy distinto en su forma y dibujos. Anime es un término para un estilo de cómic japonés y animación de dibujos animados en vídeo en que los personajes principales tienen grandes ojos como los de las ciervas. Específicamente, mientras que los caracteres del anime pueden poseer cuerpos con partes relativamente proporcionales del cuerpo, sus cabezas, pelo, y expresiones faciales son generalmente exageradas, levemente más puntiagudas, y coloreado brillante.

En Gisaku, el argumento general quiere demostrar la unión de las culturas española y japonesa siguiendo el viaje de un samurai, Yohei, a través de España para proteger la llave de Izanagi del mal. Esta llave, compuesta de múltiples piezas, cierra la puerta que conduce a la entrada del mundo del demonio. Yohei visitó originalmente la España del siglo 17th, pero luego se encuentra en la España del siglo 21st, permaneciendo vivo durante todos esos años debido a la magia. En este nuevo mundo, uno que no conoce, Yohei se convierte en un superhéroe.

La película no parece ser muy popular o muy bien clasificada. Mirando las críticas, mucha gente pensó que la película pasó solo 30 minutos en el argumento, y pasó el resto del tiempo admirando y anunciando España como un país maravilloso y pintoresco. Fue clasificado 21% en Rotten Tomatoes y 5.7/10 por IMDb. Mientras que la película en sí no es altamente calificada, el concepto de conectar múltiples culturas y países aumentó definitivamente su audiencia. Tres idiomas oficiales aumentaron su alcance a nivel mundial, posiblemente contribuyendo a su ligero éxito.

Encontré toda la película en YouTube y decidí verla para tener mi propia perspectiva sobre el anime español. En mi opinión, pensé que la película estaba muy bien. En realidad no estaba de acuerdo con la opinión de los críticos sobre la película, pero entiendo su perspectiva. La película definitivamente pasa tiempo destacando las atracciones turísticas en muchas ciudades españolas. Sin embargo, pensé que la animación era muy impresionante. En comparación con las películas que Dani y yo hemos visto en el pasado, la calidad, el sonido y las imágenes eran muy hermosas. El estilo de esta película es muy diferente de los anteriores que hemos visto. Los personajes de anime definitivamente tienen una estructura facial diferente que otros tipos de personajes de animación, y sus características y expresiones faciales son muy exageradas. Además, me gustó mucho la combinación de la cultura japonesa y española. Había muchas imágenes culturales japonesas, como dragones, samurais y escritura japonesa. Creo que se mezcló muy bien y creó un argumento cohesivo. En general, recomiendo ver esta película. La calidad de la animación era increíble, y en mi opinión, hay mucho que aprender del argumento. La película tiene un buen mensaje y cuenta la historia de una manera divertida y creativa.

Citas:

Wikimedia Foundation. (2020, March 27). Gisaku. Wikipedia. https://en.wikipedia.org/wiki/Gisaku.

Gisaku (2005). ‎Gisaku (2005) directed by Baltasar Pedrosa • Reviews, film + cast • Letterboxd. (n.d.). https://letterboxd.com/film/gisaku/.

YouTube. (2020, August 6). Gisaku | Película en Español. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=ldc4-M_a4HE.

[pasalachido-cdmx]

ACTORES DE METAL Y GOMA: HABLEMOS DE STOP MOTION

Por Alan ATP

La animación ha sido un recurso constante en la industria cinematográfica desde sus inicios, y aunque con el paso del tiempo se ha renovado, hay una técnica que mantiene su esencia: el Stop Motion.

Este método ha dado la posibilidad de expandir los recursos visuales en el cine, y pese a que es conocido popularmente en largometrajes infantiles, su proceso y elaboración en diferentes áreas lo ponen a la altura de grandes producciones.

Más de uno recuerda que algunas de sus películas favoritas de la infancia fueron protagonizadas por muñecos de plastilina, y aunque pareciera sencillo, hay demasiado trabajo detrás para lograr este resultado.

Para comprender como se elabora un producto de este tipo, primero hay que tener claro qué es el vídeo. En términos generales, es una secuencia de imágenes que coordinadas entre sí, representan escenas en movimiento.

Bajo este principio se plantea crear imágenes únicas abarcando escenarios, personajes y objetos para que funcionen en conjunto, lo cual requiere una gran planeación  llevada a cabo por distintos departamentos de producción. Por ejemplo, en El Extraño Mundo de Jack se tomaron 24 fotografías para tener un segundo de video, haciendo que los animadores tardaran hasta una semana para acumular un minuto de la cinta.

El planear, dibujar, construir y maniobrar a personajes inanimados toma un gran tiempo, normalmente son 3 años como mínimo para crear una película de este estilo. Sin embargo, este método brinda una infinidad de posibilidades creativas y narrativas.

Para elaborar a sus "actores" estos pasan por diferentes departamentos de arte, comenzando por el diseño de personajes. Una vez que se tienen las características dibujadas, el siguiente paso es la elaboración de su anatomía,  construida por piezas mecánicas diseñadas especialmente para cada personaje haciéndolo totalmente articulado, ya que durante la grabación son maniobrados cuidadosamente y cada movimiento debe ser lo más natural posible.

Posteriormente otro equipo se encarga de esculpir para crear moldes de los cuerpos y rostros de cada muñeco rellenándolos de silicona, un material que al secar es muy manejable, aspecto vital para las caras ya que deben de contar con una gran variedad de expresiones faciales para distintas escenas.

Tras la construcción física del personaje, lo siguiente es aplicar pintura dependiendo la zona de interés, resaltando luces y sombras en tonalidades, además de generar texturas.

Finalmente resta vestir a cada personaje con su atuendo característico. Para ello hay mucho trabajo detrás con diseñadores de moda y costureros, que son quienes producen la ropa en miniatura incorporando hasta el mínimo detalle, como botones, cierres o broches.

A la par que se elaboran los muñecos, también se crean distintas locaciones para cada escena, dirigidas por arquitectos, diseñadores de exteriores e interiores y manos extra que colaboran para la elaboración de los sets a escala.

El tamaño depende de la escena,  pero cuando se trata de grabar en interiores se construyen grandes maquetas para dar espacio a los animadores de mover con facilidad a los personajes.

Los materiales pueden variar acorde a los elementos o el tiempo que duren en pantalla, pero lo más común es elaborar escenarios en cartón pintados minuciosamente para dar un efecto de lejanía o profundidad acompañado por más elementos de utilería como lámparas, vegetación u objetos urbanos.

Con el paso del tiempo el Stop Motion ha incorporado el uso de la tecnología a modo de practicidad o corrección, sin demeritar toda la planeación y ejecución, ya que eso mantiene la esencia de esta técnica audiovisual.

La animación cuadro por cuadro está más presente que nunca, con una gran variedad de cortometrajes y películas que nos permiten apreciar este trabajo artístico y humano.

Dinos, ¿Ya conocías estos datos del Stop Motion?