#Poesie 1970-2020

[queerographies]

[L'avventura di restare][Elio Pecora]

Tutta l’opera dal 1970 al 2020 di Elio Pecora raccolta in L’avventura di restare.

Poesia. Impavida,sfrontata, negatao arresa ai canoni,attende al varcogli ostensori eillude chi siammanta. Némanca disconoscersi làdove convocata. Elio Pecora vive a Roma. Ha scritto raccolte di poesia, romanzi, saggi critici, testi teatrali. Ha collaborato con note letterarie a quotidiani, settimanali, riviste. Nel 1989 ha curato per la RAI un ciclo di trasmissioni sulla fiaba popolare italiana…

[mybarricades]

[ACTION #4] Masslose Gegenpoetiken

»Ich bin nicht gehetzt, ich ersticke nicht, ich bin nicht vernichtet, ich bin nicht verschüttet, ich bin nicht eingekreist, ich bin nicht vernichtet, ich atme.« Christophe Tarkos 

Mai-Juni 1886. Die Zeitschrift La Vogue veröffentlicht Rimbaud’s Les Illuminations. Das Gedicht Démocratie (verfaßt nach der Niederschlagung der Pariser Kommune) benennt darin den erstickenden Kolonialismus, die Zumutungen kapitalistischer Verhältnisse (die eiskalten Gesetze der Trader) und das Niedermetzeln der logisch folgenden Revolten. 

Juni 1872. Marx und Engels berichten in Das Kommunistische Manifest von der Hetzjagd des Papstes, der französischen Rechten (u.a. der Neoliberalen), sowie der deutschen Polizei auf das ‘Gespenst des Kommunismus’. 

April 1933. An der Sorbonne hält Antonin Artaud den Vortrag Le théâtre et la peste, in dem er seine These erläutert, dass Pesterreger und anhaltende Aufstände die Gesellschaft hin zu einem kathartischen Punkt führen, auf dessen Kulmination, Energien und Gewalt freigesetzt werden, die revolutionäre Veränderungen herbeizuführen vermögen. Die absolute Freiheit in der Revolte. 

Juli 1970. Carla Lonzi gründet gemeinsam mit Carla Accardi das Kollektiv Rivolta femministe. 

29. November 1991. Die Dichterin Miyó Vestrini begeht Selbstmord durch die Einnahme einer Überdosis des Medikaments Rivotril. Es gibt immer einen guten Grund. Die Welt um sich herum zu bescheissen. Brennpunkte einer unsichtbaren Symmetrie. April 1993. Die Erscheinungsweisen von Gespenstern, insbesondere den Klopfzeichen von Marx und Engels (das Gespenst des Kommunismus), das der Neoliberalismus seit Ewigkeiten für tot erklärt, analysiert Jacques Derrida in einem Vortrag an der University of California, Riverside und postuliert ein Hinausgehen über Hamlets existentieller Gegenüberstellung von Sein und Nichtsein, den marxistischen Implikationen. 

2008. M. NourbeSe Philip erzählt/erzählt nicht die Geschichte des Massakers auf dem britischen Sklavenschiff Zong. Aufgrund von Navigationsfehlern benötigte die Zong im Jahr 1781 doppelt so lange für die Rückfahrt von der Westküste Afrikas als vorgesehen, weshalb der Kapitän die daraus resultierende Nahrungs- und Wasserknappheit dadurch auszugleichen suchte, dass er 150 Sklaven über Bord werfen liess, wodurch er später gegenüber der Versicherung einen Rechtsanspruch auf einen Verlust (der Ware!) geltend zu machen hoffte. 

25. Mai 2020. Der 46 jährige George Floyd wird von der Polizei in Minneapolis ermordet. 

1| Alles was zur Unsichtbarkeit gezwungen ist muss sichtbar werden. 

2| Die Glasaugenblicke der Dichtung und ihre Poetiken, die in eigens dafür vorgesehene Räume gesperrt werden. Während die Kunst die Komplicenschaft mit den gegenwärtigen Schweinereien fortsetzt. 

3| Verse auf dem Übertragungsweg eines Pesterregers oder mit dem Zünder einer Granate initiiert (Antonin Artaud’s Théâtre de la cruauté und Miyó Vestrini’s Grenade in Mouth). Weil die Poesie Definitionen und Festlegungen zu entkommen versucht. 

4| Die selbstmörderischen Impulse Miyó Vestrinis. Man braucht Zeit und Geduld zum Sterben. Der Tod als Ressource ihrer Poetik. Die innere Schwerkraft sich kreuzender Kontaminationen, die auf eine unkalkulierbare Wahrheit zusteuern. Die wässerigen Gräber, flüssigen Systeme — schliesslich hält man sich auf die eine oder andere Weise am Leben. Im Keller eine Gruppe erfrorener Vorläufer (César Vallejo aus einer anderen Perspektive betrachtet).

5| Eine Poetik der Verwundbarkeit. Sich selbst in einer inkonsistenten Gestalt überlebt zu haben, die Struktur einer verschwindenden Erscheinung (de l’apparition disparaissante). Psychosen, Depression, Neurosen, Schizophrenie: der Schmerz den eine hässliche Welt hervorruft. Der ranzige Geruch falscher Zuversicht. Die lauernde Ratte am Fuß des Bettes. 

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all new HEATHEN DISCO for August 2nd, 2020 -- LISTEN

https://www.mixcloud.com/mosurock/heathen-disco-with-doug-mosurock-show-219-02-august-2020/

Tracklist as follows:

Jake Wark Quartet - Thistle

Naujawanan Baidar - Panj Ruz Pesh

Tuxedomoon - No Tears

Dendö Marionette - Reason and Brood (1980 Version)

mic/Kamaal Williams - Save Me

Amon Düül II - Green Bubble Raincoated Man

Slumber Party - Why Do I Care

Moose - Jack

Skull Kontrol - Long Wave

Suburban Lawns - Janitor

Sweet Exorcist - Testfour

Poesie Noire - Earth (Material Version)

mic/Zombi - Thoughtforms

Crack Cloud - Favour Your Fortune

The Notwist - Ship

Future Sound of London - Are They Fightin Us

Lonnie Liston Smith and the Cosmic Echoes - Shadows

Wednesday Knudsen & Willie Lane - Modern Parlance

mic/Quin Kirchner - Karina

Jonnine - I Chase You Like Light on a Sundial

Bailterspace - MODF

Dif Juz - Heset

Führs and Fröhling - Every Land Tells a Story

mic/Primitive World - Iolanthe Dances

The Stranglers - Hangin' Around

Komare - Untitled (trk 5)

Spectrum - Total Recall (New Beat Mix)

Cygnus - Vectre Datasonix

mic/Stirrup+6 - Rodney's Last Ride

The Velvet Underground - Sister Ray (Live, Philadelphia 1970)

Mulatu Astatke & Black Jesus Experience - Living on Stolen Land

[lovefromnorway]

Biografi av Bjørg Dalan

Vacuum Archives har æren av å vise tegningene til den selvlærte norske kunstneren Bjørg Dalan, verk som hittil kun har vært kjent for de få leserne av hennes Instagram. For meg virker det som om Madame Dalans verk fortjener oppmerksomhet fra et publikum som ikke er likegyldig til såkalt outsiderkunst.

Begrepet "outsider art" ble introdusert av den amerikanske kunsthistorikeren Roger Cardinal på 1970-tallet med den hensikt å tilpasse denne kunstformen for det amerikanske kunstmarkedet.

Jean Dubuffets allerede brede definisjon av "Art Brut" inkluderer de typiske New World-verkene til svarte amerikanere, fanger, alle slags religiøse visjonære og okkulte vitenskapsprester samt kunsten til galninger, barn og eksotiske skapere. "Outsider art" fortsatte dermed ekspansjonen av kunstmarkedet inn i tidligere ubenyttet terreng og dannet en kjerne av profesjonelle "insidere", en sfære av ikke-relaterte akademiske og pedagogiske satellitt-"outsider"-prosjekter med sikte på å tjene penger på sistnevnte, ofte uten å ta hensyn til grunnleggende altruisme.

Bjørg Dalans kunst lever også i en av de små planetene i et større kunstkosmos.

Det meste av hennes voksne liv hun har bodd i utlandet eller i Sør-Norge. I 2017 flyttet hun til foreldrenes røtter på 70 ° grader nord på en øy som heter Vanna. Men i 2020 overtok den samme ulykken som tok hennes fars liv i 1976 : en brann ødela huset hennes, sammen med alle hennes eiendeler, dikt, tegninger og collager. Forsikringsselskapet bygde henne et nytt hus på samme sted. Og igjen har Bjørg satt ut på en reise sammen med de usynlige hattifattenerne på jakt etter å forstå sin skjebne. I dag vandrer hun mellom Berlin og Spania og hennes studio passer i en koffert.

Bjørg Dalans verk - tegninger med fargerike linjer på mørkegrå eller svart A3-papir - samsvarer med størrelsen på en inkubatorboks og er todimensjonale fremskrivninger av de magiske transmutasjonene til innårene til en svart boks på hjul. For å forstå plottet som et stykke av samspillet mellom de angitte kreftene i rammen av en eksepsjonell hendelse, forblir det vanskelig å beskrive den narrative siden av Madam Dalan tegninger. Ofte blir vi konfrontert med avbildningen av en konvensjonell antropomorfisme, og planteformer som demonstrerer vekst, transformasjon og ulike interaksjoner. Dynamisk foregår tegning som en intuitiv prosess. En søken etter å fullføre en sammensetning i form av et symbolsk og dekorativt psykogram i et fravær av en godt gjennomtenkt plan eller konsept. Det er lett å definere Bjørg Dalans arbeid som mediumistisk kunst innenfor Roger Cardinals definisjoner av outsider-kunst.

Hennes billedspråk bygger på tradisjonen om å illustrere alkymisk litteratur, hvor det synlige har en tendens til å skjule det underforståtte, eller uttrykket korrelerer med en innholdsplan på nivået av ukjennelig dogma. Det er også vanskelig å snakke om en seriell karakter av verkene: hver tegning er heraldisk lukket, diskret i emnet, og som en livmor-lignende form på arket.

I transformasjonen av det symbolske på det mørke stadiet av den alkymistiske "nigredo" - mater Bjørg Dalan den kreative prosessen med den nødvendige energien i en situasjon med permanent vandring.

Madam Dalans tegninger er selvsagt ikke direkte illustrasjoner av hennes egen poesi, som også er over mettet i metaforer, arketypiske abstraksjoner og spirituell symbolikk. Men de fungerer i det minste som en slags visuell ordliste som gir ledetråder for å forstå hennes dype reise.

Via tarotkort leser hun ut en forhåndsbestemt, forunderlig fremtid, og med hver tegning leser Bjørg Dalan intuitivt sin egen gjenfødelse fra generasjoners overførte livsmønster iblandet hennes egen skjebne skjult i de ennå uleste tegnene. Som en oppdagelsesreisende av nye territorier, skisserer hun nådeløst eksemplarer av hittil usett flora og fauna, forkorter på vers stemmen til det intuitive sinnet, holder en blyant i fingrene, guidet av en ubønnhørlig vilje til å omfavne ukjent skjønnhet .

[carmenvicinanza]

Dacia Maraini

https://www.unadonnalgiorno.it/dacia-maraini/

Dacia Maraini è una delle scrittrici italiane più importanti e impegnate. È l’autrice italiana vivente più conosciuta e tradotta al mondo, assieme a Elena Ferrante, ha scritto romanzi, racconti, opere teatrali, sceneggiature cinematografiche, poesie e saggi.

Ha ricevuto numerosi riconoscimenti tra cui il Premio Campiello con La lunga vita di Marianna Ucrìa nel 1990 e il Premio Strega con Buio nel 1999.

Acuta e sensibile indagatrice della condizione della donna, ha spesso delineato nei suoi testi figure femminili complesse e determinate, inserite in ampie riflessioni su molteplici temi sociali, affrontati in un prospettiva storica.

Figlia dell’etnologo orientalista Fosco Maraini e della pittrice Topazia Alliata, è nata a Fiesole, Firenze, il 13 novembre 1936. Quando aveva due anni si è trasferita con la famiglia in Giappone per seguire il lavoro del padre e allontanarsi dal fascismo. Dal 1943 al 1946, la sua famiglia fu internata in un campo di concentramento, per essersi rifiutata di firmare l’adesione alla repubblica di Salò, misconoscendo ufficialmente il governo militare giapponese che aveva stretto un patto di alleanza con l’Italia e la Germania.

Questo terribile periodo è stato raccontato nella raccolta di poesie Mangiami pure, del 1978.

Rientrati in Italia, i Maraini si trasferirono in Sicilia, a Bagheria, dai nonni materni, dove le bambine cominciarono gli studi. Qualche anno dopo la famiglia si divise: il padre andò ad abitare a Roma, lasciando a Palermo la moglie e le tre figlie. Per Dacia furono gli anni della prima formazione letteraria e del desiderio di fuga, realizzato a diciotto anni, quando si è trasferita a Roma dal genitore. Qui ha proseguito gli studi e fatto svariati lavori come l’archivista, la segretaria, la giornalista.

A ventuno anni ha co-fondato la rivista letteraria Tempo di letteratura, e cominciato a collaborare, coi suoi racconti, con altre riviste.

Nel 1962 ha esordito con il romanzo La vacanza e contribuito a creare il Teatro del Porcospino, in cui si rappresentavano soltanto novità italiane. Ella stessa ha scritto molti testi teatrali, tra i quali Maria Stuarda, che ebbe un grande rilievo internazionale.

Dal 1967 a oggi, Dacia Maraini ha scritto più di trenta opere teatrali, molte delle quali sono ancora oggi rappresentate in Europa e in America.

Suo compagno di vita è stato il famoso scrittore Alberto Moravia, con cui visse dal 1962 al 1983, accompagnandolo nei suoi viaggi intorno al mondo.

Nel 1970 ha diretto il suo primo film L’amore coniugale tratto dall’omonimo romanzo di Moravia.

Nel 1973 ha fondato il Teatro della Maddalena, gestito da sole donne e dove ha messo in scena il suo testo Dialogo di una prostituta con un suo cliente (tradotto in inglese e francese e rappresentato in dodici diversi paesi del mondo).

Il teatro ha sempre rappresentato per Dacia Maraini un luogo per informare il pubblico riguardo a specifici problemi sociali e politici.

Ha scritto molti libri che le hanno fatto vincere numerosi premi. La sua prima raccolta di poesie è stata Crudeltà all’aria aperta, del 1966.

Nel 1980, ha scritto Storia di Piera il libro-intervista all’attrice Piera Degli Esposti da cui, nel 1983, venne tratto l’omonimo film di Marco Ferreri. Negli anni, hanno scritto un altro libro insieme, Piera e gli assassini, del 2004.

Assidua collaboratrice di giornali e riviste, temi ricorrenti della sua vasta produzione sono la condizione storica e sociale della donna, l’aborto, la violenza, l’infanzia, il riscatto politico delle persone reiette e disadattate, l’alienazione e frustrazione femminili nella società contemporanea. Il suo stile è chiaro e realistico, con un forte interesse per il versante della documentazione.

Grande amica di Pier Paolo Pasolini si è spesso esposta per far riaprire le indagini sul suo omicidio.Per Dacia Maraini la scrittura è un mezzo di evasione dall’alienazione della società moderna e considera fondamentale dare voce alla propria interiorità.

Ancora estremamente prolifica, viaggia attraverso il mondo partecipando a conferenze e alle prime dei suoi spettacoli.

I suoi ultimi libri sono Corpo felice. Storia di donne, rivoluzioni e un figlio che se ne va del 2018 e il romanzo Trio del 2020.

[idigalleri]

Inferno Krabba Stranden Dan Lageryd 20200117-20200202

Konstnären Dan Lageryd skapar en ny berättelse om staden Stockholm, om människorna och deras identiteter, genom en närläsning av pizzeriornas menyer, namn och innehåll. Ett av de centrala verken i utställningen heter Pizza Moon och är en stor svart kvadrat ur vilken en grå måne med mörka partier träder fram. Om du går nära ser du att månen består av namn på pizzor och pizzerior i Stockholm. Det är över 300 000 tecken som Dan skrivit in från över 505 pizzamenyer. Det blir en sorts konkret poesi som handlar om längtan men också platsens ande: den plats där pizzerian finns och verkar. Den yttrar sig i namn på pizzor så som St Eriks Ögonsjukhus eller Högskolan. Där finns också vansinne och längtan i namn som Inferno, Armageddon, Krabba och Stranden. Själva pizzerian däremot kan ha namn efter ett land eller en flod eller en by i mellanöstern eller Asien. Dan Lageryd lägger en envis mosaik av verklighetsfragment och ställer dem bredvid varandra. Det blir en sorts associativa pizzamenyer:

Havets lejon, Dubbel krabba Havets fyra hot Odysseus Arlanda Hawaii Sockenvägen, Solveig Ankara / Evigheten

Möjligen en serie pizzor som skulle fallit en poet som Gunnar Ekelöf i smaken. En bild av Stockholm på 2010- och 2020-talet befriad från syner av Stadshuset i motljus, vaktparaden, rika och fattiga som tittar in i kameran och all den vackra naturen träder fram. På det sättet påminner Dan Lageryds arbete om fotografen Joachim Schmid som omdefinierade gatufotografi genom att gata upp och gata ner leta efter och hitta fotografier som människor tappat, kastat bort eller rivit sönder. Metoden bakom Dan Lageryds arbete är densamma som Joachim Schmid och de klassiska gatufotograferna. Den bygger på att promenera långa sträckor och låta synerna komma till en lite i taget. På så sätt framkallas en psykisk geografi som i sin tur kan omsättas till bild. Fotografen blir för ett kort ögonblick staden. Det magiska ögonblicket finns kvar men omformulerat till att konstnären för en liten stund är en stor pizza. Det är fotografi utan kamera och objektiv, utan film eller annat ljuskänsligt material. Men ändå fotografi eftersom det är ett avtryck av en verklighet omförhandlat till bild silad genom en fotografisk medvetenhet. De långa promenaderna stannar heller inte på stadens gator utan fortsätter ut i elektroniska media. Fast det är ändå vandringar som påminner om gatufotografens till synes planlösa irrande. Dan Lageryds studie av pizzans fenomenologi tillhör den dokumentära fotografins sfär. Här kan betraktaren för en stund kliva omkring inne i stadens mage och bli del av en sorts kollektivt mättande, lägga sig ner och sova och vakna upp fångad i en Calzone av längtan med vetskapen om att ingen hör dig skrika inne i pizzakartongen.

I Järfälla ligger Francos pizzeria. Där bakas pizzan Gramsci med fläskfilé, champinjoner, gorgonzola och bearnaisesås. En pizza som skvallrar om att pizzabagaren kanske är högt utbildad filosof och en beundrare av den italienska marxisten Antonio Gramsci som skapade begreppet om hegemoni. Möjligen skulle pizzeriornas utbredning och pizzans popularitet kunna illustrera Gramscis tankar

om att skapa hegemoni i samhället genom att så att säga anslå tonen i allt nordiskt ätande. Gramsci tillbringade stora delar av sitt liv i fängelse som politisk fånge och ägnade sin tid åt att filosofera om hur en socialistisk revolution skulle bli möjlig i ett land som Italien. Gramsci förstod att det inte skulle fungera med en kupp som i Ryssland. Gramscis idé var att en liten grupp människor skulle kunna sätta ribban för alla diskussioner och värderingar i politiken och på det sättet få med sig en majoritet. Också genom praktisk politisk handling. Det var idéer som inspirerade den yttersta marxistiska vänstern på 1970- och 80-talet. Det stockholmska monumentet av Antonio Gramsci är en pizza i Järfälla.

Dan Lageryds arbete kring den stockholmska pizzans väsen får anslå tonen i ett nytt decennium. Insmugglad i pizzorna finns en berättelse om vem som är välkommen in i värmen. Pizzabagare och ägare till små pizzerior är en kategori hårt arbetande människor som är hotade från alla håll. De granskas av skattemyndigheter, får hyran höjd av snåla bostadsrättföreningar, blir skammade av veganer, granskade av hälsovårdsinspektörer, får rutorna sönderslagna av lokala smågangsters men fortsätter oförtröttligt att knåda sina degar och leverera stockholmarnas älskade pizzor.

Nils Claesson den 8 januari 2020

[pangeanews]

“Tutte le mamme di Milano ieri hanno pianto”. Luglio 1947: 44 bambini muoiono in mare, ad Albenga. Gianni Rodari scrive il suo primo, straziante articolo per “l’Unità”. Eccolo

Tutte le mamme di Milano hanno pianto. È una tragedia feroce quella che abbraccia in una morsa il giovane Gianni Rodari, all’epoca ventisettenne, agli esordi della sua carriera giornalistica. La tragica morte di oltre quaranta bambini fu infatti la prima collaborazione di Gianni Rodari con l’edizione milanese dell’Unità; in quelle stesse concitate ore anche Dino Buzzati inaugurava la sua collaborazione con il Corriere della Sera (il 17 luglio 1947 usciva il suo pezzo: Tutto il dolore del mondo in quarantaquattro cuori di mamme).  Doveva seguire il fatto terribile di cronaca nera: erano annegati quarantaquattro bambini milanesi della colonia marina di Loano. La motonave su cui viaggiavano colata a picco, dopo l’urto contro un palo, ad appena cento metri dalla spiaggia di Albenga, il maledetto 16 luglio. È quasi impressionante che lo scrittore più amato dai bambini, premio Andersen nel 1970, abbia scritto, per «L’Unità» quel 18 luglio 1947, a due giorni dalla disgrazia, un articolo così profondamente tragico e di una tale bellezza angosciosa. La delicatezza e la profondità della descrizione dell’animo umano con cui Rodari riporta alla luce il dolore disumano della madre orfana del piccolo Enzo e del papà che ricordava di aver riempito d’acqua una bottiglietta sono straordinarie. La vitalità dei bambini riflessa nel ricordo delle bucce d’arance disseminate sul marciapiede, le cartacce delle caramelle, la carta stagnola di qualche cioccolatino. Il chiacchiericcio dei bambini paragonato a uccellini svegliati dal sole fra i rami, le madri che vestono i bimbi, che sistemano i capelli con il pettine bagnato, allacciano i sandali. Solo uno scrittore di razza come Rodari può far piangere disperatamente con queste poche, familiari, nitide descrizioni. Leggendo questo pezzo sembra di comprendere, in un lampo, la sua vocazione di narratore di storie per bambini. Quei morticini bianchi, il dolore senza pace di genitori impotenti di fronte al destino crudele, quelle piccole mani che non saranno più sporche di vita e di fango pesano come una pietra sul cuore del sensibile Rodari, che ne rimane impressionato. Sgomento. Ferito di fronte alla vergogna di sapersi vivo. Infatti si piange per la “vergogna di sé, per l’oscuro agitarsi di antiche memorie, per aver amato troppo poco la propria madre”, ma soprattutto “per essere lì vivo e goffo mentre la morte si era posata sui visi dolci, sui visi troppo belli che ormai non avevano più nome”. E i nomi che Rodari inventerà nelle sue storie saranno moltissimi, lieti e leggeri: Alice Cascherina, Giovannino Perdigiorno, il signor Fallaninna… Penso, con mestizia, al bambino bianco di questo articolo contrapposto al suo famoso “bambino di gesso”. Ma soltanto nella sciagura più profonda nasce la letteratura più grande. La vocazione autentica è una cura contro il dolore, è il bel vestito che copre la ferita, la sua cicatrice. Era l’estate 1947, la guerra iniziava ad essere un ricordo, pochi mesi prima, Rodari aveva lasciato (l’8 marzo 1947) “L’Ordine Nuovo” ed era approdato all’edizione milanese dell’“Unità”. Il caporedattore di cronaca era allora Fidia Gambetti che ne tracciava il ritratto. «“Ultimamente sono arrivati in redazione colleghi giovani e meno giovani. Dalle province della Lombardia, dell’Emilia, del Veneto; da altri giornali; dall’attività politica”. Con Crosti, Panozzo, Montesi, Pancaldi, Signori, “un altro ‘personaggio’, fra i nuovi è Gianni Rodari. Lavora in cronaca, allegro, pronto alla battuta, con quel suo viso da ragazzo, un ciuffo di capelli renitenti al pettine, sempre sugli occhi pungenti e arguti. Quando lui è presente, in cronaca è spettacolo: fa discorsi o recita in vari dialetti, imita o fa il verso a questo o a quello; improvvisa originali e divertenti filastrocche che talvolta si ritrovano scritte qua e là sui tavoli e sui muri”». Quel pettine bagnato dalla mamma, forse lui cercava di sfuggire.  Ma il giovane Gianni Rodari per dipingere così umanamente il dolore altrui, conosceva bene il proprio, vissuto precocemente, anzitempo.

Linda Terziroli

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Tutte le mamme di Milano hanno pianto

Fin dal mattino grigio la notizia ha pesato sul cuore di Milano, quasi incredibile, quasi assurda. Le voci degli strilloni erano quelle di tutti i giorni: gridavano alle fermate dei tram le cifre spaventose della tragedia con accento stanco, professionale. Dal balcone del Municipio penzolava inerte la bandiera listata a lutto. A quell’ora i milanesi si recavano al loro lavoro. La prima inesprimibile sensazione di sgomento, ognuno se la teneva in petto, la sentiva ingigantire d’ora in ora, mentre la cifra non si fermava e ognuno ripeteva meccanicamente i gesti di ogni giorno.

Ma in tutte le case di Milano, ieri, si è pianto. Le madri hanno vestito i loro bimbi, come ogni mattina hanno ravviato i cari capelli col pettine bagnato, hanno ascoltato il loro chiacchiericcio di uccellini che il sole sveglia tra i rami, hanno piegato il ginocchio ad allacciare le fibbiette ai sandali: i bimbi sono scesi nei cortili, le madri li hanno uditi giocare, si sono affacciate alle improvvise risse subito dimenticate, si sono sentite stringere indicibilmente il cuore.

Tutte le mamme di Milano ieri hanno pianto. Come non è vero che si può piangere solo per egoismo, per la gioia distorta di saper salvi i propri cari da una sciagura che è piombata invece terribile su altri! Le mamme di Milano hanno pianto per i quarantaquattro morticini di Albenga: ogni mamma si è sentita ieri madre di quarantaquattro piccoli annegati, ha sentito le invocazioni strozzate dalle onde, ha pianto le sue lacrime sui teneri petti dove il cuore ha taciuto per sempre.

E le altre mamme, quelle che nel cuore della notte furono destate dal colpo battuto alla porta da un vigile, o piuttosto da un crudo destino, le mamme che sono accorse al Castello coi visi stravolti, anche queste mamme non hanno pianto solo per il proprio piccolo, per quello che le ha chiamate morendo, senza che lo potessero udire. Nell’atrio della Torre del Filarete, senza conoscersi, si gettavano una nelle braccia dell’altra, mescolando le grida disperate e le lacrime, fatte sorelle dalla sventura, trasformate l’una nell’altra nello stordimento della sofferenza.

«Il mio Enzo» chiamava una donna con voce disumana. Nessuno conosceva il suo Enzo. Ognuna di quelle madri aveva un «suo» Enzo, o Pierluigi, o Carlo, che aveva portato nel grembo, sorridendogli ancora prima che egli ne uscisse per vivere. Un suo bimbo, di cui aveva sognato il nome molti mesi prima di poterglielo sussurrare.

Un brivido correva freddo nel sangue dei presenti. E forse invece ognuno ha pianto per vergogna: per vergogna di sé, per l’oscuro agitarsi di antiche memorie, per aver amato troppo poco la propria madre, per essere lì vivo e goffo mentre la morte si era posata sui visi dolci, sui visi troppo belli che ormai non avevano più nome. Dal finestrino d’uno degli autobus pronti a partire per Loano un uomo tese le braccia piangendo a qualcuno che giungeva sorretto dai parenti. «Signora», gridò: «eravamo alla stazione, assieme, si ricorda? Sono andato a prendere l’acqua per tutt’e due, si ricorda? Erano insieme, il suo bambino e il mio!».

Era andato a riempire d’acqua una bottiglietta, l’aveva porta ai ragazzi dal finestrino. Ed essi l’avevano posata sul sedile, erano tornati subito ad affacciarsi. I ragazzi sono imprevidenti. Dopo dieci minuti d’attesa in treno, ecco che essi avevano esaurito la piccola scorta di arance: vedevi le bucce disseminate lungo il marciapiede, e le carte delle caramelle, e la stagnola d’un cioccolatino. Poterle ridire adesso quelle affettuose parole di rimprovero e di raccomandazione: «Tieni da conto per il viaggio, e non stare in piedi sul sedile, non sporgere le mani!».

E quelle manine, adesso, doverle pensare bianche, rigide, dure. Che cosa non hanno toccato quelle mani, ottantasei mani di bimbi: la palla di gomma, le palline, i quaderni, e pezzetti di vetro, e chiodi, e giocattoli. Poterle baciare, adesso, sporche d’inchiostro, di fango, sporche di vita, d’allegria, di salute. Uno dopo l’altro gli autobus si sono allontanati col loro tragico carico umano. Mamme e papà non hanno visto sfilare al loro fianco le strade di Milano, le case, le piazze della loro città: essi non vedevano più ormai che un piccolo morto bianco, immobile e chiuso nel suo breve spazio, due labbra pallide su cui pesa il bacio silenzioso della morte.

Gianni Rodari

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Era nato a Omegna, sul lago d’Orta, il 23 ottobre 1920 (nel 2020 ricorrerà il centenario) e vissuto a Gavirate, nella provincia di Varese, all’età di 9 anni, era, infatti, rimasto orfano di padre. Parla di sé, in una preziosa “Autobiografia”, all’interno del volume biografico Storia del giovane Rodari a cura di Pietro Macchione, scritto in collaborazione con Chiara Zangarini e Ambrogio Vaghi (edito da Macchione). “A 11 anni entrai in Seminario e ne uscii a 13: non saprei ricostruire per quale processo vi sia entrato, ne sono uscito perché trovavo umiliante la disciplina”. Leggere era già la sua passione, una passione ben alimentata: “Dall’età di quattordici anni leggevo di tutto, soprattutto filosofia, letteratura, storia dell’arte e delle religioni”. La poesia fu il primo – e forse il suo più congeniale – strumento, della precoce vocazione letteraria: “Facevo la terza elementare a Omegna, quando scrissi su una carta assorbente i miei primi versi. Quell’anno scrissi moltissime poesie su un quadernetto da disegno, e un mio compagno di scuola le illustrava. La maestra le mostrò al direttore. Ne venne pubblicata una sul giornale dei commercianti”. Ad una fervida fantasia si aggiungeva la passione per la musica, ascoltata e riascoltata, come l’inno di Garibaldi e la Marsigliese, che il giovane poeta ascoltava dalla sveglia di zia Marietta, che contribuì alla sua “educazione musicale e civile”. Un estro che si declinava in giocose invenzioni, non solo in versi: “il primo strumento musicale, me lo feci di mia mano, a nove o dieci anni, servendomi di vecchie scatolette odorose del lucido da scarpe”. Oltre alla musica, la curiosa esperienza di burattinaio che si intravede nei simpatici personaggi delle sue filastrocche: “tre volte in vita mia sono stato burattinaio: da bambino, agendo in un sottoscala che aveva una finestrella fatta apposta per assumere il ruolo di boccascena; da maestro di scuola, per i miei scolari di un paesetto in riva al lago Maggiore, da uomo fatto per qualche settimana, con un pubblico di contadini che mi regalavano uova e salsicce. Burattinaio, il più bel mestiere del mondo”. La scrittura per ragazzi, favole, fiabe e filastrocche è senz’altro parte più rilevante e più famosa della sua produzione, di cui le Favole al telefono, un best seller ancora oggi e Filastrocche in cielo e in terra (Einaudi) sono due titoli estremamente conosciuti tra il pubblico più tenero. “Debbo aver già raccontato o confessato da qualche parte, non ricordo dove, che spesso, per esercizio, vado in cerca di personaggi, situazioni, storie da raccontare, negli orari ferroviari, nell’elenco telefonico, introducendo nelle aride colonne di nomi di persona, di città la semplice provocazione di una rima. Ottengo in pochi istanti la notizia, assolutamente inedita, che “una mucca di Vipiteno/aveva mangiato l’arcobaleno”. Lo scrittore di Omegna (e di Gavirate) ha affrancato il genere della letteratura per l’infanzia, grazie alla profonda ironia, a volte stravolgente e un po’ dissacrante, ma non troppo, con un gioco mai banale e sempre volto all’uscita dagli schemi e dal conformismo della realtà, da quei luoghi comuni che ci imprigionano, ieri come oggi. Per volgere lo sguardo alla libertà, con un sorriso giocoso e una lieta malinconia, per giocare con il nostro quotidiano, ripensando alle tradizioni che un po’ ci assomigliano. Quanto quei morticini della tragedia di Albenga sono all’origine dei suoi scritti più riusciti? I bambini che hanno letto le sue filastrocche sono ormai diventati grandi adulti, in corpi e anime ormai segnati dal tempo. I piccoli bambini di Loano saranno bambini per sempre. “Si può parlare degli uomini anche parlando di gatti e si può parlare di cose serie e importanti anche raccontando fiabe allegre” dichiarò quando ricevette il premio “Hans Christian Andersen per la fiaba inedita”, nell’ormai lontano 1970, quasi cinquant’anni fa. (L.T.)

L'articolo “Tutte le mamme di Milano ieri hanno pianto”. Luglio 1947: 44 bambini muoiono in mare, ad Albenga. Gianni Rodari scrive il suo primo, straziante articolo per “l’Unità”. Eccolo proviene da Pangea.

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Sergio Endrigo, il cantautore senza compromessi. Dialogo con Piergiorgio Viti, autore di un tributo dedicato al grande artista

Quando penso a Sergio Endrigo, il cantautore della saudade all’italiana, mi viene in mente una frase di Emil Cioran che parla del dispiacere di “essere vissuto da sempre con la nostalgia di coincidere con qualcosa, senza, a dire il vero, sapere che cosa”. La nostalgia delle canzoni di Endrigo non è ricordo, è come un desiderio di qualcosa che non abbiamo vissuto e non vivremo mai. Direbbe ancora Cioran: “È nostalgia del paradiso, senza avere conosciuto un solo attacco di vera fede”. Endrigo è stato perseguitato da una falsa immagine di sé: il pubblico lo considerava un cantante triste, e questo marchio doloroso gli ha negato il successo di massa, solo sfiorato per una manciata d’anni, quelli sanremesi. Ma il rapporto con la Rai, che organizzava il Festival ed era l’unico canale percorribile se si voleva avere successo, fu pieno di inciampi. Nel 1963, la commissione giudicatrice s’indignò per l’espressione “Vacche magre”, contenuta nel brano Viva Maddalena. Due anni dopo, la stessa commissione, presieduta dal maestro Razzi, bocciò la canzone Teresa, perché includeva il termine “mica”, ritenuto non idoneo alla lingua italiana (forse perché richiamava una certa rima?). Endrigo fu costretto a farne una versione RAI in cui il verso incriminato: “Teresa, non sono mica nato ieri” diventava “Teresa, la vita è solo un’avventura”. Nel 1970, durante il festival di Sanremo, la sua canzone L’Arca di Noè fu duramente attaccata dai cattolici, Padre Ugolino in testa, che sentenziò: “Non lascia nessuno spiraglio alla speranza”. Una curiosità: lo scorso dicembre sono stato a Milano e ho scoperto che il numero 34 di via Broletto non esiste. Il luogo dove il protagonista della celebre canzone di Endrigo spara alla sua amante (un forellino rosso sotto il cuore, rosso come un fiore…) è un luogo immaginario). Anche di quello potremmo avere nostalgia.

Per discutere di Endrigo ho contattato Piergiorgio Viti, autore dello spettacolo La voce dell’uomo – Un tributo a Sergio Endrigo, messo in scena con la regia di Vanni Semplici. Viti insegna italiano, storia e geografia in una scuola media di Porto Recanati. Scherzando, mi ha detto che si tratta di un hobby, perché il suo vero mestiere, quello che ha in testa tutto il giorno, è il poeta. Chiacchierando, il discorso è scivolato via su un altro tema: poesia e cantautori.

Nel 2015 hai pubblicato una raccolta poetica il cui titolo, Se le cose stanno così, è un omaggio a Sergio Endrigo, un cantautore che ha musicato testi di poeti, tra i quali vanno citati Rafael Alberti, José Martí, Lawrence Ferlinghetti, Vinicius De Moraes, Giuseppe Ungaretti. Nel 2020 hai scritto lo spettacolo La voce dell’uomo – Un tributo a Sergio Endrigo, messo in scena con la regia di Vanni Semplici. Cosa ti lega al cantautore di Pola? Gusti, tematiche, vicende umane?

Endrigo è di una versatilità eccelsa: saprebbe rendere canzone anche una ricetta sul pollo al curry. Passa con disinvoltura da un genere all’altro, da un tema all’altro con nonchalance, rimanendo Endrigo. È uno dei motivi per cui lo ammiro, il fatto di rimanere sé stesso sempre, come probabilmente fu in vita come uomo; un tipo, insomma, da zero compromessi e sicuramente anche per questo accantonato, relegato alla damnatio memoriae. Penso mi leghino a Endrigo due aspetti fondamentali: il voler lavorare, artigianalmente direi, sulla parola (in questo percorso, per fortuna, non sono da solo, penso a molti bravi poeti che, spesso lontano dal mainstream, dall’‘industria poetica’, lavorano anch’essi in modo artigianale, quasi da orefici, sul testo); poi, mi lega a Sergio una dose q.b. di nostalgia (dolore per il ritorno, secondo l’etimologia). Provo spesso nostalgia e mi sono chiesto tante volte di che. Probabilmente, sono nostalgico di qualcosa che ho perduto o non ho mai avuto. Non chiedermi che cosa, non lo so: penso abbia a che fare con l’archè, con l’età dell’oro, con i miei antenati, qualcosa di irrecuperabile eppure radice.

Quanti episodi di collaborazione tra poeti e cantanti conosci? Io, pochissimi. Pier Paolo Pasolini scrisse per Modugno i versi di Che cosa sono le nuvole. Endrigo e Luis Bacalov musicarono venti testi di Gianni Rodari, molti dei quali fanno parte di un album di successo intitolato Ci vuole un fiore. Dal sodalizio tra il poeta Roberto Roversi e Lucio Dalla nacquero tre dischi: Il giorno aveva cinque teste (1973), Anidride solforosa (1975) e Automobili (1976). Per il resto, poeti e scrittori non hanno mostrato alcun interesse ad accostarsi al mondo cantautorale. Per colpa di invidie mal celate, ritrosie, elitarismi, o cosa?

Jim Morrison partì proprio dalle sue poesie per comporre quelli che sarebbero diventati i successi dei Doors. Ungaretti tradusse alcune poesie di Vinícius de Moraes in italiano. Un cantautore italiano che ha sempre lavorato, un po’ un unicum, a stretto contatto con la poesia è Marco Parente, che infatti, ho letto da qualche parte, perché ne avevo perso le tracce, uscirà a breve con una performance dedicata a Dino Campana. Mi vengono in mente questi esempi di collaborazione, probabilmente ce ne saranno altri, non tantissimi a dire il vero; questo nonostante anticamente la poesia, prima di essere messa in forma scritta, venisse cantata (dagli aedi). Perché ora siamo arrivati a questo punto? Più che invidie, ritrosie, elitarismi, semplicemente penso che oggi tutto sia sottoposto alle dure regole del mercato discografico: potresti scrivere, tu poeta, il testo della canzone più bella del mondo, ma se poi ha un’intro troppo lunga o non rispetta i canoni rigidi del pop, le radio non te la passano, quindi? Ha senso una collaborazione se il poeta deve fare ciò che un paroliere o un cantautore è in grado benissimo di fare da solo?

Fabrizio De André è presente nelle antologie scolastiche, eppure ha scritto quasi sempre in collaborazione con altri (Bubola, De Gregori, Fossati) e molte canzoni sono traduzioni di brani di Georges Brassens e cantautori francesi. Persino il suo verso più famoso, Dai diamanti non nasce niente, dal letame nascono i fior, riecheggia un antico detto buddista. Intendiamoci: a me piace, ma dopo la sua morte ha subito un processo di mitologizzazione che rende difficoltoso, se non impossibile, uno studio filologico dei testi.

Purtroppo, e lo dico da insegnante, nelle antologie scolastiche spesso si fanno scelte discutibili. Ad esempio, a parte rare e luminose eccezioni, viene del tutto ignorata la poesia dialettale, che invece è centrale nella nostra letteratura. Potrebbe esistere, oggi, un buon manuale senza un Baldini, un Loi, un Franzin, che hanno scritto pagine meravigliose utilizzando il dialetto? Non solo: nelle antologie scolastiche viene ignorata per esempio la poesia femminile (penso alla Rosselli, alla Oppezzo, ma non solo), e del tutto eclissati i poeti più significativi che hanno operato fuori dall’Italia, come se fuori dalla penisola non si scrivesse. Quindi, cosa dovrebbe fare un buon insegnante? Andare oltre le antologie. Su De André, che dirti, mi è sempre piaciuto, ma gli preferisco l’originale (scherzo), cioè Brassens. E poi, mi sta bene la sua mitologizzazione (anche se, come te, fatico a comprenderla), però a questo punto mitizziamo anche Lauzi, Bindi, Tenco, Graziani, Ciampi, Endrigo. E per par condicio, infiliamoci pure loro nelle antologie scolastiche, magari in un percorso ‘interdisciplinare’, tuttavia sempre di difficile attuazione nella scuola italiana, dove ancora esistono, parola orrenda, le ‘materie’.

Mario Luzi non ha avuto il Nobel, Bob Dylan sì. Mi ricordo che Baricco disse: “È un grandissimo cantautore ma, per quanto mi sforzi, non capisco che cosa c’entri con la letteratura”. Non riesco a dargli torto e penso che bisognerebbe istituire delle nuove categorie di premi, ad esempio per i testi delle canzoni o per quelli teatrali (analoga polemica si scatenò con l’assegnazione del Nobel a Dario Fo). Perché se il Nobel per la letteratura diventa un calderone della parola scritta, allora anche un pubblicitario potrebbe conquistarlo.

Non ho mai considerato il Nobel come cartina di tornasole di quello che succede in letteratura. Raymond Carver, uno dei miei scrittori preferiti, non l’ha mai vinto, per esempio. Così come non lo hanno mai vinto Borges, Calvino, Tolstoj, Joyce, la Yourcenar, ecc. Cosa voglio dire? Che il Premio Nobel è un premio come un altro, assegnato da persone che amano la letteratura come me e te. La letteratura non è matematica: il gusto personale è, appunto, qualcosa di confutabile, a differenza dei risultati di una divisione o di una sottrazione. Nicola Crocetti, famoso editore e traduttore, raccontò, ospite a Recanati, molti aneddoti sul Nobel, e per l’Italia, mi ricordo, disse che il referente dell’Accademia svedese era, fino a pochi anni fa, un semplice professore di italiano che insegnava all’estero.

Per Vecchioni, “I poeti hanno visto la guerra / con gli occhi degli altri / che tanto per vivere han perso la pelle. / Così scrivon piangendo cipolle / su barbe profetiche intinte nel vino / che pure gli serve” (I poeti, 1975). Per Bertoli, “Il poeta è un uomo stanco che si sveglia a mezzogiorno / che si affaccia dal balcone e si guarda appena intorno / insicuro e sempre incerto si trascina alla sua tana / caffelatte con le uova che la mamma gli prepara” (I poeti, 1981). Infine, per De Gregori, “Alcuni sono ipocriti e gelosi come gatti / scrivono versi apocrifi, faticosi e sciatti. / Sognano di vittorie e premi letterari / pugnalano alle spalle gli amici più cari” (Poeti per l’estate, 1985). Quanti stereotipi, e quanto disprezzo per una cultura alta con cui non si mangia!

Molti degli stereotipi sul poeta risalgono al Romanticismo: chiuso solo nella stanza, è lì che compone versi, isolato da tutto e da tutti. Penso siano idee fuorvianti, da rigettare o quantomeno da aggiornare! Il poeta, in quanto testimone della società in cui vive, deve, appunto, vivere, non isolarsi in una torre d’avorio, a meno che non stia scrivendo. Quindi, il poeta moderno, nella mia visione, dovrebbe essere esperto, o quantomeno curioso, di tanti argomenti (non si può scrivere nulla su ciò che non si conosce!) perché, soprattutto, non può permettersi il lusso di essere monocorde (e parlare solo di natura, per esempio); dovrebbe viaggiare molto, perché stimolato dal confronto con luoghi, persone, abitudini diverse; dovrebbe informarsi su quanto accade nel mondo, affinché  la complessità del mondo diventi la complessità del suo pensiero e del suo linguaggio; soprattutto dovrebbe leggere, leggere parecchio, non solo poesia, ovviamente.

Francesco Consiglio

*Piergiorgio Viti vive in Italia, a Porto Recanati, dove è professore di lettere. Nel 2011 ha pubblicato la prima raccolta poetica, Accorgimenti, mentre nel 2015, per Italic, esce Se le cose stanno così. Ha scritto per il teatro: La fiabola di Virginio e Virgilio con Tosca protagonista, e I sogni di Ray con Carlo Di Maio. È andato in scena come autore e voce recitante ne La voce dell’uomo, un tributo al cantautore Sergio Endrigo. Ha tradotto I Preludi di Alphonse de Lamartine, letti da Ugo Pagliai e Paola Gassmann per il festival ‘Armonie della Sera’. Nel 2020 ha partecipato, unico italiano, al progetto internazionale ‘Infusions poétiques’ dell’artista Cécile A. Holdban, con altri 170 poeti di tutto il mondo. Il progetto prevedeva che ogni poeta, durante il lockdown causato dalla pandemia COVID-19, scegliesse un proprio verso pieno di fiducia e di speranza per il futuro; il verso è stato illustrato dall’artista su dei sacchetti da tè assemblati in un unico, grande tappeto, dalle gigantesche dimensioni. Il progetto è stato presentato nello spazio Andrée Chedid, a Issy-les-Moulineaux.

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