#ONGAESHI in Germany

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ONGAESHI #3 – The Exhibition Tour

Exhibition 7.9.2017 – 10.9.2017

At the Guest Studios of Künstlerhaus Bremen

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On September 7, 2017 we presented the catalogue to our ONGAESHI project. After two and a half years, it was a delightful occasion that gave an opportunity to take a look at current artwork of the participating artists.

Masami Fujii exhibited her photographic work Tanzen #1 ” (2017, transl.: Dance #1), a new element within a series with Double Window (exhibited on ONGAESHI #1 in Tsukuru). The various accidental imperfections and “mistakes” enhance the photographic images and make them perfect. In the same room, Irika Amono’s sculpture Follow a Memory 03 (2017) immediately caught the viewers eye inside the same room. Looking closely, one could see not only the artist’s typical depiction of plants but also her continued use of foil, which she already used in the second ONGAESHI in Kukoon in her work I Have a Something (2015).

Vincent Haynes arranged three works that reference each other. The focus was on the painting Goodluck Jonathan (2016). It represents one of many works from a series, in which the artist explores rulers from the African continent. The painting is accompanied by a site-specific Wall drawing. Its title good luck (Aufwand) (2017) ) is rather ironic with the german translation literally meaning expense. On the other hand “Auf Wand” translates to “on the wall”. The group of works is completed with two painterly objects were already shown in the Kukoon. In this former exhibition he also has critically depicted images of power in the artwork titled Kim Jong Money (2015). Jin Murata's third part of The Language with You (since 2014) also addresses political events. In his video piece, Murata captures the moment he and his family wanted to travel from Japan to Germany. On this day, 29 August 2017, there was no train service due to a missile launch by North Korea and its flight path over Japan. A second scene includes the creation of a trilingual poem on different aspects of despotism and terrorism.

A japanese maple tree stood out in second room of the exhibition. The ornamental tree was enhanced with the grafting technique and forms a symbiotic relationship with the tree's original wildness that gradually came back. It is a project prototype titled ACER|Version/Variante (Trees in Residence) by Felix Dreesen and Paule Potulski. The artists launched their project in 2015 and have given neglected trees like this one a new purpose. Collecting plants already played a significant role in Dreesen's performance installation To Show Room (2014).

Two objects by Keiko Tozaki titled いま、ここ、わたし (Jetzt, hier, ich) (2017, transl.: now, here, I) were placed opposite of the tree. Here, colorful threads twisted around pins make up structures, forms and geometric patterns. These motifs spark associations that are connected to floral geometry or mandalas. Her artworks in Tsukuru also focused on the spiritual character of gardens. Kimiko Torisus small-scale painting was already shown in the Kukoon. How varying lighting conditions can influence the perception of the painting was once again made clear in this exhibition. Schallplattenhalter (2017, transl.: record holder) by Ryosuke Aratani is directly linked to his works from previous exhibitions. A special linear structure forms the basis for the dynamic of his abstract painting that seems to be containing every colour. The oscillating movement within the painting is intensified by the parabolic shapes around the edges.

Anna Bart presented a new piece from her series of transferred spaces, which also includes her work in Tsukuru and Murata Haus (2015, transl.: Murata house). It depicts a living space with various musical instruments. The installation in the guest studio caused the four wall elements of the painted room to dissolves into a corridor-like space. The concurrence of inside and outside presented many room variations so that the painting could be taken in from a variety of angles.

For the time being, this overview of current work by all participating artists and the corresponding catalogue marks the end of the project ONGAESHI.

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Am 7. September präsentierten wir das Buch zu unserem Projekt ONGAESHI. Es war für uns ein großartiger Anlass, um nach gut zweieinhalb Jahren einen Blick auf die aktuellen Kunstwerke der teilnehmenden KünstlerInnen zu werfen.

Masami Fujii präsentierte mit ihrem Werk Tanzen #1 (2017) eine Fotografie, die in eine Serie mit Double Window (ausgestellt bei ONGAESHI #1 in Tsukuru) gehört. In dieser versammelt Fujii bereits seit längerem Fotografien, die gerade durch ihre dem Zufall verschuldeten besonderen „Fehler“ vollkommen sind. Auch Irika Amanos Skulptur Follow a Memory 03 (2017) fiel in diesem Raum sofort ins Auge. Trat man näher an das Objekt heran, sah man, dass nicht nur die für Amano typischen Pflanzen sichtbar wurden, sondern dass sie nach der zweiten ONGAESHI Ausstellung im Kukoon weiter mit der Folie arbeitet, die sie beim Werk I Have a Something (2015) verwendete.

Vincent Haynes installierte drei Werke, die direkt aufeinander Bezug nahmen. Im Mittelpunkt stand das Gemälde Goodluck Jonathan (2016). Es gehört zu einer Reihe von Arbeiten in der sich Haynes insbesondere mit Machthabern des afrikanischen Kontinents auseinandersetzt. Dies ergänzte er mit einer ortsbezogenen Wandzeichnung mit dem durchaus ironischen Titel good luck (Aufwand) (2017) sowie zwei Malerei-Objekten der Ausstellung im Kukoon, wo er bereits die Darstellung von Macht im Werk Kim Jong Money (2015) kritisch befragte. Eine weitere Arbeit, die sich mit politischen Ereignissen beschäftigt, stellte in der Ausstellung der dritte Teil von Jin Muratas The Language with You (seit 2014) dar. Murata hatten den Moment in Japan auf Video aufgenommen, als er mit seiner Familie von Japan nach Deutschland reisen wollte. Am 29. August 2017 standen sie am Bahnhof. Kein Zug fuhr, da Nordkorea eine Rakete über Japan hatte hinwegfliegen lassen. In einer zweiten Szene der Videoinstallation entsteht ein dreisprachiges Gedicht, in dem Despotie und Terrorismus thematisiert werden.

Im zweiten Raum fiel eine Pflanze auf, ein japanischer Fächerahorn. Dieses Ziergehölz wurde zusätzlich durch pfropfen veredelt. Doch in einem Prozess der Verwilderung kam der ursprüngliche Wuchs zurück, sodass nun beide Arten an einem Stamm wachsen. Es ist ein Prototyp des Projekts ACER|Version/Variante (Trees in Residence) von Felix Dressen und Paule Potulski, an dem sie seit 2015 arbeiten und ungepflegten Bäumen dieser Art eine Residenz bieten. Das Einsammeln von Pflanzen spielte zudem bereits in der performativen Installation To Show Room (2014) von Dreesen eine besondere Rolle.

Ihm gegenüber hingen zwei Objekte いま、ここ、わたし (Jetzt, hier, ich) (2017) von Keiko Tozaki. Bunte Fäden, um Stecknadeln gewickelt, bilden Strukturen, Formen und geometrische Muster und ließen Assoziation zur Geometrie der Pflanzenwelt sowie Mandalas zu. Schon in ihren Werken in Tsukuru waren Gärten als spirituelle Orte ein zentraler Aspekt. Kimiko Torisus kleinformatige Malerei wurde bereits im Kukoon gezeigt. Auch in dieser Ausstellung wurde deutlich, wie die wechselnden Lichtverhältnisse die Wahrnehmung des Werkes beeinflussten. Die Arbeit Schallplattenhalter (2017) von Ryosuke Aratani steht in einem direkten Zusammenhang zu seinen Werken der vorangehenden Ausstellungen. Auch hier baut sich die Dynamik seiner abstrakten Malerei über die besondere lineare Technik auf, die nahezu sämtliche Farben integriert. Ein weiteres Element, sind die parabolischen Formen an den Rändern, die dem Werk innewohnende oszillierende Bewegung zusätzlich intensivieren.

Anna Bart zeigte eine bisher ungesehene Arbeit. Das jüngste Werk aus ihrer Reihe transferierter Räume, zu der auch ihr Werk in Tsukuru und Muratas Haus (2015) zählen, zeigt einen Wohnraum mit verschiedensten Musikinstrumenten. In der Installation im Gastatelier löste sich der aus vier Wandelementen bestehende Raum in einer Gangsituation auf. In der Gleichzeitigkeit von Innen und Außen der Malerei erschuf dies eine Form, die mehrere Raumvarianten zum Betrachten anbot.

Mit diesem Blick auf die aktuellen Werke der TeilnehmerInnen von ONGAESHI und der retrospektive des Katalogs geht dieses Projekt vorerst zu Ende.

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9月7日に「ONGAESHI」を記録する本をブレーメンの「Künstlerhaus」のガストアトリエで発表いたしました。それはプロジェクト参加作家の2年半の間に作られた新作をプレゼンする良いきっかけになりました。

藤井 昌美の出展していた「Tanzen 03」（2017）は「つくる。」の工場にあった「二つの窓」と同じシリーズの新作で、藤井が長年に制作し続けている現像の失敗を受け入れて完成になる写真作品シリーズに属しています。次いで、展示空間の中心にあった天野 入華の「Follow a Memory 03」（2017）というガラス彫刻を近くから観ると、天野の作品ならではの植物モチーフだけではなく、「Kukoon」で制作した「I Have a Something」（2015）の素材になった、光を屈折させるフィルムが再び目の前に現れます。

ヴィンセント ヘインスはテーマで繋がっている3つの作品を壁に設置しました。その中心になった「Goodluck Jonathan」（2016）はヘインスが描くアフリカ大陸の権力者の似顔絵シリーズの新作です。それに「good luck (Aufwand)」（2017）という皮肉なタイトルのウォールドローイング（ドイツ語：Aufwand 手間、auf Wand 壁に）と「Kukoon」での展示にも出していた2つの小さな絵画オブジェを添えました。あの展示の祭にはすでに「Kim Jong Money」（2015）という映像作品を通じて権力の描写を批評的に問いました。 政治的な話題をテーマにする他の作品は村田 仁の「The Language with You」（2014から）の最新作です。村田家が2017年8月29日にドイツに渡航しようとするとき、ちょうど北朝鮮からのミサイル発射についてアナウンスが入り、駅で電車が止まった様子の記録撮影が使用されています。このビデオインスタレーションの2つ目のシーンでは、3つの国語で専制とテロについての詩が書かれ、朗読されています。

2つ目の展示空間に入ると、まずは実物の植物が目に入ります。日本の紅葉というこの観賞植物は過去に接ぎ木されましたが、野生化のプロセスによって1つの根っこから２つの種類の木が生えています。この木はフェリックス ドレーゼンとパウレ ポトルスキに2015年から企画されている「ACER|Version/Variante (Trees in Residence)」という拾った植物に居場所を与えるプロジェクトの試作品であり、その上はドレーゼンが日本で作っていたインスタレーション作品「To Show Room」（2014）に含まれていた川辺の植物を思い出させました。

その向かい側の壁にはトザキ ケイコの「いま、ここ、わたし」（2017）の2つの作品がありました。ピンに巻きつけられている多彩の糸は構成、形と幾何学的な柄を通じて植物界の幾何やマンダラが思い浮かべます。トザキは「つくる。」での作品でも「庭」を精神的な場所として取り上げていました。 鳥巣 貴美子の小品のキャンバスは「Kukoon」ですでに展示されていましたが、今度の展示の異なる自然光によって、この油絵のまた少し違う見方ができました。 新谷 亮介の油絵「Schallplattenhalter」（2017）も前の展示で出していた作品と直接繋がっています。彼の抽象的な絵画の動勢は多彩の絵の具が付いた筆の直線で成立すると言えますが、他の要素としては、端っこに描かれている放物線のような形が特にこの作品の中に含まれている振動の動きを増強させています。

アンナ バートは「村田ハウス」と「つくる。」での襖絵が含まれている部屋再現シリーズの未発表の新作を出しました。この最新作には色々な楽器が描かれています。ガストアトリエでのインスタレーション風景は廊下のような様子で、部屋の「中と外」の同時性が多数の部屋の見方を可能しました。

今回の「ONGAESHI」の新作展示とカタログの発表を終えて、このプロジェクトを完了と致します。

by Sabrina Meißner

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Literary References in 'When the Weather is Fine' <날씨가 좋으면 찾아가겠어요> Part III: Tales

01. Tsuru no Ongaeshi (鶴の恩返し) / Crane's Return of a Favor

Japanese folklore about a crane who returns a favor to a man who saves her. Several variations of the story have been told throughout history.

There was an elderly couple living in the mountains. One day, the husband rescued an injured crane. Then a few days later, a young woman came by and asked them to adopt her. She weaves a fine piece of hemp fabric every night and tells the elderly couple to never peek inside the room. At first, the couple sold the fabric at the market, and the three of them were happy together. But eventually, their curiosity got the best of them, so they peeked inside the room. Inside the room, the couple saw the crane that they rescued in the past plucking its feathers using its beak and weaving the fabric using them. When the couple found out about the cranes secret, the crane became utterly disappointed in humans in general so it just flew away into the sky. 

02. Yeon-i and the Willow Boy

This is a story about Yeon and Young Master Willow. On a cold winter day like this, Yeon’s stepmom kicked her out of the house, telling her to got find wild herbs. She combed through the fields but couldn’t find any herbs as it was in the middle of winter. Then she meets Young Master Willow. He goes to a cave and finds some herbs for her. Yeon’s stepmother becomes jealous and kills Young Master Willow in his cave. In the end, Yeon finds a flower and she makes medicine with it. Young Master Willow comes back to life and they live happily every after.

03. The Wolf's Silver Eyelash 

Once upon a time, there lived a boy. People would hurt him all the time. Because he was innocent, people always deceived or betrayed him. One day, he met a wolf on a mountain. Giving one of his eyelashes to the boy, the wolf said, “Try looking at people through this silver eyelash of mine. It’ll make you see who they really are.” Sly monkeys, cunning foxes, mean pigs, and evil raccoons. They boy saw no real people in the world. In the end, he decided to look for a place where real people live. Did he find such a place? No. He could not find any place where real people lived. So the boy eventually lived alone in loneliness and died. I feel so sorry for him. For who? The boy with the wolf’s silver eyelash. He must have been so lonely. Terribly, and awfully lonely. How cold must the boy have been? What can we do for that boy? We should give him a hug. Hug him as hard as we can. With all our might, so he could feel warm. We should hug him tight.

Another version of the “Wolf’s Silver’s Eyelash” was written by C.P. Estes and included in her collection of stories, “Rowing Songs for the Night Sea Journey, Contemporary Chants.”

"The Wolf's Eyelash" is Clarissa Pincola Estes' telling of the legend "La Loba" (Wolf Woman). It is about a girl who helps a trapped wolf in the wood one day and the wolf gives the girl one of its eyelashes and tells her that if she sees people through the eyelash, she would see their true selves.

Contrary to the girl character in Estes' story, the character in "Wolf's Silver Eyes" (Eun-seob's favorite legend) is a young boy, referring to Eun-seob himself.

04. (Elderly British Man's Special Journey)

An 80-year-old man who lives in the UK decided to travel according to a travel guide, which he'd had all his life. So he flew to Germany to go to a place in Bavaria. He was told that it's a bustling city, where a music festival takes place every year. But something seemed off. He followed the route mapped out in the travel guide, but the city was nowhere to be found, and he got lost in a dense forest.

After wandering the forest for two days, he finally managed to find his way out. Then he returned home and showed the map to people, saying something's wrong with it. But someone, who saw the travel guide, said this. "Look. This travel guide was published right after the First World War. A century has passed since the First World War ended."

He did go to the place where he had wanted to go all his life, but it looked completely different from what he had seen on the map he had studied countless times.

05. Can Somebody Live Without Love?

“Monsieur Hamil, can somebody live without love?” He didn’t answer. I took a sip of mint tea, which is good for the health. … “Monsieur Hamil, why don’t you say something?” “You’re very young, and when somebody’s very young there are things he’d better not know.” “Monsieur Hamil, can somebody live without love?” “Yes,” he said, and bowed his head in shame. I burst into tears.

The short story of Momo and Monsieur Hamil is an excerpt of ‘The Life Before Us’, a novel written by French author Romain Gary who wrote it under the pseudonym of "Emile Ajar". It tells about Momo, a 10-year-old Arab boy who is in custody of Rosa, a 68-year-old Jewish lady. Rosa used to be a prostitute herself when she was young, and now she's taking care of other prostitutes' children for money. Momo was one of those children.

To Momo, to lose dear Madame Rosa means to lose the whole world to him. If he lose her, he will have no one to turn to. If Madame Rosa - the only person who loves him - dies, what would happen to him? Could he live without someone to love?

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The catalogs arrived!

Die Kataloge sind da!  

カタログが完成しました！

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We invite you to celebrate our documentary catalog with us on Thursday 7th September at 6:30 pm. It is an occasion to rediscover and to share the idea of ONGAESHI. Kenji Furukawa (owner of Tsukuru) describes:

“It was as if two different forms of art would become a whirlwind and rise high into the air.”

The publication traces the diverse subjects and methods that were reflected in the artworks. Those were partly temporary and/or location-dependent and did not exist outside of the project stages. For this retrospective view on our project we do not only let you see inside the book but rather we will make a small exhibition intervention to give you an impression of the artworks, the project itself and the many social aspects of this kind of exchange.

Welcoming speech: Nicole Nowak, administrator of the Künstlerhaus Bremen

Introduction: Sabrina Meißner, curator and editor

Attendant in person are the artists Ryōsuke Aratani, Anna Bart, Felix Dreesen, Masami Fujii, Vincent Haynes, Jin Murata and others.

The publication is published in German and Japanese and can be purchased at the exhibition site or ordered via e-mail.

Opening hours: FR 8/9/2017 – SUN 10/9/2017, 11 am – 6 pm

Address:

Künstlerhaus Bremen / Dachatelier

Am Deich 68/68, 28199 Bremen

Admission is free.

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Wir laden euch herzlich ein mit uns am Donnerstag 7.9.2017 um 18:30 Uhr unseren dokumentarischen Katalog zu feiern und ONGAESHI wiederzuentdecken sowie weiterzutragen, von dem Kenji Furukawa (Leiter von Tsukuru) berichtet:

„Es war so, als würden zwei verschiedene Formen der Kunst zu einem Wirbelwind werden und hoch in die Lüfte steigen.“

Die Publikation zeichnet verschiedene thematische und methodische Stränge des Projekts nach, die sich in den Kunstwerken zeigten. Diese waren teils temporär und/oder ortsbezogen, sodass sie außerhalb der Projektphasen keine Form besitzen. Im Rahmen dieses retrospektiven Blicks präsentiert ONGAESHI nicht nur die Publikation, sondern ermöglicht, in einer kleinen Ausstellungsintervention, einen Eindruck der entstandenen Kunstwerke, der Projektsituation und der vielen sozialen Aspekte eines solchen Austauschs.

Begrüßung: Nicole Nowak (Leiterin des Künstlerhaus Bremen) Einführung: Sabrina Meißner (Kuratorin der Ausstellungen und Mit-Herausgeberin der Publikation)

Anwesend sind die Künstlerinnen und Künstler (u. a.) Ryōsuke Aratani, Anna Bart, Felix Dreesen, Masami Fujii, Vincent Haynes und Jin Murata.

Die Publikation erscheint in Deutsch und Japanisch und kann vor Ort erworben oder beim Projekt ONGAESHI via E-Mail angefragt werden.

Öffnungszeiten der Ausstellung: FR 8.9.2017 – SO 10.9.2017, jeweils 11:00 Uhr – 18 Uhr

Ort: Künstlerhaus Bremen / Dachatelier Am Deich 68/68, 28199 Bremen

Der Eintritt ist frei.

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カタログの発表会と展示のお知らせ： 2014年の秋に愛知県一宮市の「つくる。」、また2015年の春にドイツ、ブレーメンの「Kukoon」で行われた「ONGAESHI artist exchange bremen nagoya」プロジェクトの二つの展示を記録するカタログを発表いたします。このプロジェクトについて「つくる。」の古川乾提はこう言っています： 「まるで違うアートのカタチが渦を巻き高く高く上がっていきました。「ONGAESHI」という名のアートのカタチ。」 ドイツと日本の作家たちがお互いの国に行き来し、３週間の滞在の中で共同制作をしました。トークやオープンスタジオをきっかけに観客もこのプロジェクトに参加していただきました。作られた作品は制作期間の直後に展示され、その場でしか体験できないインスタレーションやパフォーマンス作品が多かったので、このカタログで記録しようと思いました。 発表会と同時に参加作家の新作も、今週末のみの展覧会で見られます。

挨拶：ニコル ノワック（Künstlerhaus Bremen) 案内：ザブリナ マイスナー（ONGAESHIのキュレーター、カタログの発行者） オープニングに出る作家：新谷 亮介、アンナ バート、フェリックス ドレーゼン、藤井 昌美、ヴィンセント ヘインス、村田 仁。 このカタログの原文はドイツ語ですが、日本語訳も付いています。展示会場にて販売の上、メールでの注文も受け付けております。

開館時間： 2017年9月8日〜10日（金曜〜日曜）11時〜18時 オープニング： 2017年9月7日（木曜）18:30時 会場： Künstlerhaus Bremen / Dachatelier Am Deich 68/68, 28199 Bremen

入場無料です。

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Impressions of the Catalog-Release and exhibition opening reception.

Thanks to everyone who came to see us!

Opening hours: FR 8/9/2017 – SUN 10/9/2017, 11 am – 6 pm

Address: Künstlerhaus Bremen / Dachatelier Am Deich 68/68, 28199 Bremen

Admission is free.

For more information: see this blog entry (EN/DE/JP)

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Murata House |  村田ハウス

by Anna Bart

2015, Painting, Oil on Tracing Paper, Three Parts à 220 × 312 cm

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The light and semi-transparent paper web was hanging from the ceiling just above the heads of the Kukoon-guests. It was a matter of three interiors, three parts of a Japanese private space filled with a lot of everyday objects. On the gallery the visitors were standing at eye level and look straight in the room.

With this artwork Murata House Anna Bart has transferred parts of a foreign private living room at another place and context just as well as already at her artwork in Tsukuru. It was possible to look at the painting from above and below, from front and back, but it was not possible to step inside. In this way the movable and diaphanous installation kept the distance.

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Leichte und semitransparente Papierbahnen hingen knapp über den Köpfen der Gäste von der Decke des Kukoons. Es handelte sich um drei Interieure, drei Seiten eines privaten Raumes aus Japan, angefüllt mit alltäglichen Gegenständen. Auf der Empore befand man sich auf Augenhöhe und sah direkt in den Raum hinein.

Anna Bart hatte mit diesem Werk Murata Haus Teile eines fremden privaten Wohnraumes, wie bereits bei ihrer Arbeit in Tsukuru, an einen neuen Ort und in einen anderen Kontext transferiert. Die Malerei war von oben und unten, von vorn und hinten zu betrachten, doch ein Betreten der Installation war unmöglich. Auf diese Weise wahrte die bewegliche und durchscheinende Installation die Distanz.

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半透明な薄いトレーシングペーパーの紙がKukoonの観客の頭上にぶら下がっていました。モチーフである日本の民家の3つの壁には日常品がたくさん詰まっています。2階に上がると、ちょうど目線の高さでこの部屋の中を眺めることができました。 アンナ バートの「村田ハウス」というタイトルの作品では、「つくる。」で描いた作品と同じように、プライベートの部屋を異なる背景で再現しました。絵は下の階からも上の階からも、半透明の紙の両面を通して表も裏も観ることができましたが、インスタレーションの中に入ることは不可能でした。この様に、可動し光を透過するインスタレーション作品は隔たりのある美の空間体験となりました。

by Sabrina Meißner

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ONGAESHI - Sushi Bar - HfK Hochschultage 2017

Moin! ONGAESHI ist an diesem Wochenende mit einem Stand bei den Hochschultagen der HfK Bremen vertreten. Es gibt u. a. Sushi und wir bieten unsere Tenugui sowie die ONGAESHI Edition an.

Gestern haben schon viele unser Sushi probiert. Wir freuen uns darauf, Euch auch heute als Gäste zu begrüßen und eine Pause eures Programms kulinarisch und mit unseren Artist Goods zu bereichern. Unsere kleine Fotostrecke ist ein Vorgeschmack darauf.

Mit jedem Kauf unterstützt Ihr zu 100% unser Buchprojekt zur Dokumentation von ONGAESHI. Ihr findet uns von 12 bis 19 Uhr in der Ebene 2.15! Kommt vorbei! :)

Das Programm und weitere Informationen zu den HfK Hochschultagen 2017 findet Ihr hier: http://www.hfk-bremen.de/t/ausstellungen/n/hfk-hochschultage-2017

English & Japanese

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ONGAESHI is represented this weekend with a booth at “Hochschultage 2017” of the HfK Bremen. We offer also sushi and our Tenugui as well as the ONGAESHI Edition.

Yesterday many visitors had tasted our sushi. And now: We look forward to welcoming you today as guests and enriching your program culinary and with our artist goods. Our small series of photos is a foretaste for it.

With each purchase, you fully support our book project for the documentation of ONGAESHI. You will find us in the level 2.15 from 12am to 7pm! Come over! :)

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今週末はブレーメン芸術大学の芸祭でお寿司やオリジナル手ぬぐい&エディションを売ります！！昨日は新聞に記事を載せていただきました。ありがとうございます。

Sushi Barのすべての売り上げは、今年のオンガエシのカタログ制作に使いますので、お寿司を食べに来てくれたことだけでプロジェクトの支援になります。

近くにいる方はぜひ寄ってくださいね〜。（＾＾）土日12〜19時まで居ます。

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Kultur ist Okay

by Malte Stiehl

2015, installation, TV, furniture, Elard, variable size

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The installative and performative work „Kultur ist Okay“ (culture is O.K.) took place in the glass smoker's lounge of the Kukoon. The lounge was turned into a kind of living room in which an old TV was running continuously. Every day for a couple hours a performer was sitting in the installation, watching TV and smoking cigarettes.

A glass wall separated the room of the installation clearly from the guest room. So you were either watching someone watching TV from the outside or, standing in the installation, watching the scenery in the guestroom which attracts a mostly culture loving audience due to the orientation of the Kukoon. This enables a distanced view on the own ideas about the definition of culture. Questions like: Which prejudices do we hold against the different ways of life? What do we consider as culture or cultureless? What is regarded as culturally valuable?

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Die installative und performative Arbeit „Kultur ist Okay“ fand im abgetrennten gläsernen Raucherraum des Kukoons statt. Der Raum war in eine Art Wohnzimmer umgestaltet in dem kontinuierlich ein Röhrenfernseher lief. Jeden Tag saß für mehrere Stunden ein Performer in der Installation. Er schaute TV und rauchte.

Die Glaswand trennte den Raum der Installation deutlich vom Gastraum ab. So schaute man entweder von außen jemanden beim Fernsehen zu oder, wenn man in der Installation stand, schaute man als Außenstehender der Szenerie im Gastraum zu, welche durch die Ausrichtung des Kukoons vor allem ein kulturinteressiertes Publikum anzieht. Dies ermöglichte einen distanzierten Blick auf die eigenen Vorstellungen für die Bestimmung von Kultur. Es entstanden Fragen wie: Welche Vorurteile bringen wir den jeweiligen Lebensentwürfen entgegen? Was ist Kultur oder kulturlos? Was betrachtet man als kulturell wertvoll?

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インスタレーションとパフォーマンス作品「Kultur ist Okay」（文化はいいね！）はKukoonのガラス壁で区切られている喫煙室で行われていました。空間はリビング風に改廃され、永続的にテレビがついていました。毎日何時間もかけて、そこにパフォーマーがインスタレーションの中に座り、テレビ見ながらタバコを吸っていました。

この部屋はガラス窓ではっきり他の空間と離れていました。従って、外側から誰かがテレビを見ているところ、またはインスタレーションに入ると中から主に文化に興味を持つ観客の風景を観察できました。それによって「文化」の定義についての自分の想像に対しての冷ややかな視点が発生しました。色々な疑問が起こされました。「私たちはそれぞれのライフスタイルに対してどんな先入観を持つのか？文化や文化の無い状態とは何なのか？文化的に価値があるものとするのは何なのか？」と。

by Sabrina Meißner

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The Language with You | 君との言語

by Jin Murata | 村田 仁

2015, HD Video Installation, 1 Canal, Loop, Notebook & Performance (with Gerhard Geising)

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In Bremen, Jin Murata expanded the work "The Language with You", which he already started in the first exhibition of ONGAESHI. Here, too, he discusses the function of language. He uses the languages German, English and Japanese used in the project to develop fragmented literary texts in his installation and performance. The video installation documents the process of writing. Words are written, merged and deleted - a page in the notebook is changed and the activity is resumed. The video was projected onto an open notebook and gave the impression of being a witness to the writing of the text. This draws attention to a particular point of view in the work: since the fragmented language is first constructed (re) in the minds of the recipients, the moment of contemplation is at the same time the date of the creation of the work.

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In Bremen erweiterte Jin Murata das Werk „The Language with You“, das er bereits in der ersten Ausstellung von ONGAESHI begann. Auch hier thematisiert er die Funktion von Sprache. Er nutzt die im Projekt verwendeten Sprachen Deutsch, Englisch und Japanisch für die Entwicklung fragmentierter literarischer Texte in seiner Installation sowie Performance. Die Videoinstallation dokumentiert den Prozess des Schreibens. Worte werden geschrieben, zusammengefügt und gestrichen – eine Seite im Notizbuch wird umgeschlagen und die Tätigkeit erneut aufgenommen. Das Video wurde auf ein aufgeschlagenes Notizbuch projiziert und vermittelte den Eindruck gegenwärtig Zeuge des Verfassens vom Text zu sein. Dies lenkt die Aufmerksamkeit auf einen besonderen Gesichtspunkt im Werk: Da die zersplitterte Sprache erst in den Gedanken der Rezipientinnen und Rezipienten (re)konstruiert wird, ist der Moment der Betrachtung zugleich der Zeitpunkt der Entstehung des Werkes.

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ブレーメンで村田 仁はONGAESHI#1展ですでに始まっていた「君との言語」という作品を拡充しました。今回も言語の作用をテーマにしています。プロジェクト期間中に使われていた言語、つまりドイツ語、英語と日本語を用いて、このインスタレーションとパフォーマンス昨品で小片の詩を進展させました。ビデオインスタレーションの方では詩を書くプロセスの記録を扱っています。言葉が書かれ、組み合わされ、棒引きにされた後、ノートの新しいページがめくられ、また繰り返されます。この映像はプロジェクターで開かれた手帳に写され、執筆を現在に目撃しているかのような印象でした。これは昨品の中の特別な視点に注目を与えます　ー　小片になった言語は観客の想いの中で仕組まれ、再現されるのならば、観察の瞬間は同時に昨品の成立の瞬間でもあります。

by Sabrina Meißner

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Briefmarke | 切手

by Ryosuke Aratani | 新谷 亮介

2015, Painting, Acrylic on Wall, 270 x 210 cm

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At the head side of the main room two simple frames made of polystyrene were remaining from the former use. This inspired Ryosuke Aratani to his first space located wall painting Briefmarke. He integrated this partly damaged frame into his work. The gestural moments of his polychrome and large format painting become apparent in diagonal strokes of the brush, with that he applied in parallel all colours of the light spectrum onto the wall. They touch the frame and are partly interrupted, so that colourless fields arise, while other spots of selective colour drops flowed over the painting. Thus a tension rises from the control of a coincidental moment of the painting process which also has effects on the centre and the frame of the artwork.

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An der Kopfseite des Hauptraums waren zwei Rahmen aus einfachen Polystyrol-Zierleisten von der früheren Nutzung übriggeblieben. Diese inspirierten Ryosuke Aratani zu seiner ersten ortsbezogenen Arbeit dem Wandgemälde Briefmarke. Er integrierte diesen teils beschädigten Rahmen in sein Werk. Der gestische Moment seiner polychromen großformatigen Malerei wird deutlich in den diagonal angesetzten Pinselstrichen, mit der er sämtliche Farben des Lichtspektrums parallel auf die Wand auftrug. Sie tangieren den Rahmen und sind teils unterbrochen, sodass farblose Flächen entstehen, während an anderen Stellen gezielt Farbtropfen über die Malerei flossen. So entwickelt sich eine Spannung im Werk, die der Kontrolle eines zufälligen Moments im malerischen Prozess entspringt und zugleich auf das Zentrum und den Rahmen wirkt.

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メインの空間の奥にあるポリスチロールの飾り額は、もともとあった古い内装インテリアの一部ですが、新谷 亮介はこの壊れかけた額をきっかけにして、初めての空間に関する作品「切手」を描きました。彼の多彩な絵におけるペインターリーなところは、まるで全色が入ったかのような斜めの筆跡に現れています。それは、額に触れていたり、余白が残されたり、または絵具が流れていたり　−　そこから成り立つ緊張感は偶然をコントロールしているような制作プロセスから発展して、絵の中心に残された余白と、また額自体と対話しています。

by Sabrina Meißner

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The Uniqueness of the Perception Moment

Kimiko Torisu | 鳥巣 貴美子

Untitled, 2015, Painting, Oil, Pastell, Pencil on Canvas, 38 × 39 cm, Courtesy of taïmatz

Untitled, 2015, Painting, Oil, Pastell, Pencil on Canvas, 212 × 167 cm, Courtesy of taïmatz

Untitled, 2015, Painting, Oil, Pastell, Pencil on Canvas, 213 × 160 cm, Courtesy of taïmatz

E

Kimiko Torisu showed three painterly artworks in the only separate room at the upper floor of Kukoon. There the diffuse mix of daylight and artificial light changed depending on weather and daytime. The game of light is particularly important, because it repeatedly focused on different details of her paintings. The uniqueness of every day or even minute and place is as unique as each visible element at the moment of perception.

The deliberately integrated coincidence shows furthermore in two paintings, which developed on unstretched canvas. Without the tension of the cloth the canvas changed during the process of painting and drying. The folds and the frayed edges of the cloth are elements of the works.

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D

Im einzigen separierten Raum im Obergeschoss des Kukoons zeigte Kimiko Torisu drei malerische Werke. Abhängig vom Wetter und von der Tageszeit wandelte sich dort ständig die diffuse Mischung aus Tages- und Kunstlicht. Gerade in diesem Spiel des Lichts rückten immer wieder unterschiedliche Details ihrer Malerei in den Fokus. So einmalig jeder Tag oder gar Minute und Ort ist, so einmalig ist auch das, was im Moment der Rezeption sichtbar ist.

Der bewusst integrierte Zufall tritt zudem in den zwei Gemälden hervor, die direkt auf ungespannter Leinwand entstanden. Da die Spannung des Stoffs fehlte, veränderte sich die Leinwand während des Malvorgangs sowie der Trocknung. Die Falten und auch die ausgefransten Ränder des Stoffs sind Bestandteile des Werks.

J

上の階には1室だけ小部屋があります。そこで鳥巣貴美子は3枚の絵画を展示しました。展示室では人工光が点灯しながら窓からは自然光が注ぎ込みます。二つの光は天候や時間帯とともに室内に多様な散光を生み、絵画のディテールが様々な視点から見えました。それぞれの日にちや時間や場所が特別であるのと同様に、その鑑賞もその時にしかできない特別なものです。

鳥巣は支持体である2枚の大きな麻布を木枠に張らず、意識的に布地の色を残して描きました。枠に引っ張れないことで制作と乾燥により麻布は縒れましたが、鳥巣はこの偶然を受け入れ、布地の皺や解れも作品の一要素として取り入れました。

by Sabrina Meißner

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Abstract paintings & Kim Jong Money

by Vincent Haynes

Untitled, 2015, Paintings, Gouache and Varnish on Wood Boards, Wood Blocks and Window, Variable Size

Kim Jong Money, 2015, Video Installation, 4:3, Loop, Tube TV, Variable Size

E

Vincent Haynes exhibited two very different works at the Kukoon. One is a series of abstract paintings. On flat wood boards and small wood blocks, he layered white, yellow, red, blue, and black gouache on top of one another, and applied varnish to the painting process. The result was brilliant blue-black color surfaces. When approaching the works, a complex depth opens up in which all the colors are contained. As in Japan, Haynes also experimented with the situation in this exhibition and expanded his series. He produced an installative and temporary local reference in which he included windows in the interior as an image carrier. The second work of Vincent Haynes is a short video shown on a TV. It examines the representation of power, a theme that he has already illuminated in different works. For this purpose he uses media images of power. In the videoloop Kim Jong Money, the stability of the image construction, around the North Korean ruler, is broken by the incalculable movement of the ship.

↓ D,J

D

Vincent Haynes stellte im Kukoon zwei sehr unterschiedliche Arbeiten aus. Eines ist eine Serie abstrakter Malereien. Auf flache Holztafeln und kleine Holzkörper schichtet er weiße, gelbe, rote, blaue und schwarze Gouache übereinander und band Firnis in den Malprozess ein. Es entstanden glänzende blau-schwarze Farbflächen. Tritt man nah an die Werke heran, eröffnet sich eine komplexe Tiefe, in der alle Farben enthalten sind. Wie in Japan experimentierte Haynes auch in dieser Ausstellung mit den Gegebenheiten und erweiterte seine Serie. Er stellte einen installativen und temporären Ortsbezug her, in dem er Fenster im Innenraum als Bildträger einbezog. Die zweite Arbeit von Vincent Haynes ist ein kurzes Video, das auf einem Fernseher gezeigt wurde. Es untersucht die Darstellung von Macht, ein Thema, das er bereits in unterschiedlichen Werken beleuchtete. Hierfür nutzt er Medienbilder von Machthabern. Im Videoloop Kim Jong Money wird die Stabilität des Bildaufbaus, rund um den nordkoreanischen Machthaber, durch die unkalkulierbare Bewegung des Schiffes gebrochen.

J

ヴィンセント ヘインスは Kukoonで2つのとても違う作品を展示しました。1つ目は抽象的な絵画のシリーズで、薄い板や小さな木片の上に白、黄色、赤、青、黒いグワッシュ絵の具のレイヤーをワニスで塗り、青黒い輝く絵の具の表面を作りました。近くから観察するとそれぞれの色彩が見える複雑な深さに発展していきました。現地条件と向き合う実験として、このシリーズを一時的に部屋の窓にも採用しました。 2つ目の作品はテレビで流れていた短い映像でした。国と国など社会的な勢力の表象はヴィンセント ヘインスにとって興味深いテーマで、以前から彼の作品の中で権力者のメディア画像をモチーフとして用いています。「Kim Jong Money」というループ映像では北朝鮮の権力者の周りの厳しく固定化された構図は予想できない船の揺れに破壊されます。

by Sabrina Meißner

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Preparing our exhibition at the Künstlerhaus Bremen.

Opening hours: FR 8/9/2017 – SUN 10/9/2017, 11 am – 6 pm

Address: Künstlerhaus Bremen / Dachatelier Am Deich 68/68, 28199 Bremen

Admission is free.

For more information: see this blog entry (EN/DE/JP)

Japanese radio show ‘詩からStream’ live recording by Jin Murata: http://www.ustream.tv/recorded/107706227 

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Vernissage 

by Gerhard Geising

2015, sound installation

E

Suddenly it gets louder in the room. People are talking, even children's voices are distinguishable, footsteps approach and fade away. Someone is talking - it feels as if he is sitting at the next table - but there is no one sitting there. Confusion spread among the guests of the Kukoon, when the sound installation "Vernissage" began. Only after a few minutes a voice started to hold the opening speech for the exhibition and who accidentally was listening at this moment realized that a sound installation work celebrated the opening evening in daily repetition. The many visitors of the vernissage filled the entire room with their talks about the exhibition every evening. The noise level, the acoustics, stood in great discrepancy to the visual perception. In this way the work investigated, among other things, the influence which the project ONGAESHI had on the room and listened to the reception process of the audience.

↓ D, J

D

Auf einmal wird es lauter im Raum. Man hört Personen sprechen, auch Kinderstimmen, es nähern und entfernen sich Schritte. Jemand spricht – es fühlt sich an, als sitzt der- oder diejenige am Nachbartisch – doch dort ist niemand. Irritation breitete sich bei den Gästen des Kukoons aus, wenn die Soundinstallation „Vernissage“ begann. Erst nach ein paar Minuten hielt eine Stimme die Eröffnungsrede zur Ausstellung und wer zufällig in diesem Moment hinhörte begriff, dass die Soundinstallation den Eröffnungsabend in täglicher Wiederholung zelebrierte. Die vielen Besucherinnen und Besucher der Vernissage füllten jeden Abend den gesamten Raum mit ihren Gesprächen über die Ausstellung aus. Der Geräuschpegel, die Akustik, stand in großer Diskrepanz zur visuellen Wahrnehmung. Auf diese Weise untersuchte das Werk unter anderem die Veränderung, die das Projekt ONGAESHI auf den Raum hatte und horchte auf den Rezeptionsprozess des Publikums.

J

突然、部屋の中の騒ぎの音が大きくなる。人の会話の音、子供の声、近づいたり離れたりする足音まで。誰かが話している　−　隣のテーブルの席に座っているかのようなのに、誰も居ません。「Vernissage」というサウンドインスタレーションが始まる度にKukoonの来客の中で違和感が広がっていきました。数分後には誰かの声がオープニングスピーチをし始め、耳をすましていたら、この録音は展示オープニングを祝うサウンドインスタレーションだと解りました。展示期間中は毎晩、全空間が観客の展示についての会話で溢れていました。音の大きさと音響は、目に見えた状況とは大きく違っていました。このように、この作品は会場におけるオンガエシプロジェクトの影響とその受容プロセスを聴取していました。

by Sabrina Meißner

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Vitrum obscurum mit Stillleben

by Masami Fujii | 藤井昌美

Vitrum obscurum mit Stillleben | グラスオブスクラ　-スチルライフ-, 2015, installation with camera obscura, vase, flowers, fruits, vegetables, cloth

Stillleben #6 Tulpe und Obst | スチルライフ, 2015, inkjet print, 100 x 66,6 cm

Stillleben #7 Möhren (I, II) | スチルライフ, 2015, inkjet print, 100 x 66,6 cm each

Stillleben #8 Gemüse | スチルライフ, 2015, inkjet print, 100 x 66,6 cm

E

The still life is the prevailing motive in the artworks created by Masami Fujii in Bremen. She staged things from everyday life. In opposite to ONGAESHI #1 in Japan they are colour photographs. They show things that look different or are not possible to buy in Japan and can decay, like fruits, vegetables and flowers.

In the work “Vitrum obscurum mit Stillleben” she installed two camerae obscurae. They were focused on a windowsill with a constructed still life on it. It decayed during the exhibition and took up in a special way the classic European motive of vanitas. This process is not altered in a permanent picture, but rather it was ephemeral in the temporary situation as well as the objects on the windowsill.

↓ D, J

D

Das Stillleben ist das vorherrschende Motiv der Arbeiten, die Masami Fujii in Bremen schuf. Sie inszeniert alltägliche Dinge. Anders als in ONGAESHI #1 in Japan sind es Farbfotografien. Sie zeigen Dinge, die in Japan anders aussehen oder nicht zu kaufen sind und die verderben wie Obst, Gemüse und Blumen.

In der Arbeit „Vitrum Obscurum mit Stillleben“ installierte sie zwei Camerae obscurae. Sie waren ausgerichtet auf eine Fensterbank auf der ein Stillleben aufgebaut war. Es verdarb während der Ausstellung und griff so das klassische Motiv des Vanitas der europäischen Kunst auf. Dieser Prozess wurde nicht in ein dauerhaftes Bild gewandelt, sondern war in der temporären Situation der Camera obsura ebenso vergänglich wie die Objekte auf der Fensterbank.

J 翻訳

スチルライフは、藤井昌美がブレーメンで制作した作品の主なモチーフです。彼女は日常の物を演台に上げるように用います。日本展と違って今回はカラー写真を使い、日本とは異なる形状の物品や、購入することができない物品、腐敗する果物、野菜、生花などを選んで撮影しています。「グラスオブスクラ　-スチルライフ-」では、２つのカメラオブスクラ（暗箱）を設置しました。それらを部屋の向かい側の窓辺に置いてあるスチルライフに向けて並べていました。展示期間中にモチーフが腐っていくことで、「バニタス」（浮世の儚さ）というヨーロッパのクラッシックなモチーフを取り上げていました。このプロセスは永続的な画像に変えられず、カメラオブスクラという一時的な状況の中では窓辺の上の静物と同じく無常のものでした。

by Sabrina Meißner

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As a transparent vessl, enfolding this world

qte. from „Koto-no-ha“ by Keiko Tozaki

Keiko Tozaki | トザキケイコ

schmücken - shitsurai | シュミュッケン - しつらい, 2015, Installation, Mixed media, Variable size

Things That Shine and Hover | ひかりたたずむもの, 2015, Installation, Mixed media, Variable size

Under the Tree of HOUBOU | ホウボウの木の下で, 2015, Installation/Object, Mixed media, Variable size

Koto-no-ha, 2015, Installation, Words on Pages, Variable size

E

The whole life exists in every object. Keiko Tozaki follows this idea in four different artworks and confronts her own artistic work with founding objects and the artworks of other artists.

It looks like just like an experimental setup: some parts of plants are under slides, seeds are caught under a glass and a miniature village is growing up in a petri dish. Parts of the elements from the work “schmücken - shitsurai | シュミュッケン - しつらい ” are itself autonomous artwork, while others, like the uncooked rice in a Japanese bowl and a candle snuffer on a chopstick holder, were added. All of them are only in temporary and hybrid connection with each other. The German word “schmücken” is not a translation of the Japanese “shitsurai”, but important for both is the signification to enhance something by adding or removing some elements. Furthermore, for example the empty spaces in the type case or the circles with the point in the middle in the work „Koto-no-ha“ are indications on the inspiration from the tradition of the zen-Buddhism.

↓ D, J

D

Die Gesamtheit des Lebens steckt in jedem Objekt. Keiko Tozaki folgt diesem Ansatz in vier unterschiedlichen Werken und konfrontiert ihre eigenen künstlerischen Arbeiten mit Fundstücken und Werken anderer Künstlerinnen und Künstler.

Wie in einer Versuchsanordnung befanden sich im Werk „ schmücken - shitsurai | シュミュッケン - しつらい “ Pflanzenteile unter Objektträgern, wurden Samen scheinbar unter einem Glas eingefangen oder wuchs ein Miniaturdorf in einer Petrischale. Ein Teil der Objekte sind selbst autonome Kunstwerke, während anderes, wie der ungekochte Reis in einer japanischen Schale oder ein Kerzenlöscher auf einem Stäbchenhalter, hinzukam. Alle Elemente gehen nur eine temporäre und hybride Verbindung miteinander ein. Das japanische Wort „shitsurai“ ist keine wirkliche Übersetzung von „schmücken“. Jedoch geht es in beiden Fällen darum etwas aufzuwerten, indem man es verziert durch zufügen oder entfernen von Elementen. Ein weiterer Aspekt sind die Leerstellen beispielsweise im Setzkasten oder die Kreise mit dem Punkt in dessen Mitte im Werk „Koto-no-ha“, diese deuten auf eine Inspiration durch die Zen-buddhistischen Traditionen.

J 翻訳

トザキケイコの主題は、各々の物に全ての命が宿っているという考えです。4つの作品を、様々な方法でその考えに寄り添いながら、拾った物や他のアーティストの作品と関係を持ち、展開しています。

実験室のように、植物の葉っぱや種がガラスのプレパラートに保存されていたり、ミニチュアの村がシャーレの中に存在したりしています。「schmücken - shitsurai | シュミュッケン - しつらい 」の一部の物は独立した作品でありながら、少しだけお米が乗っている漆塗りの小皿や、箸置きの上に置いてあるロウソク消しは追加された部分になり、別々だった物が一時的に合体されています。タイトルであるドイツ語と日本語の文の組み合わせは直訳ではなく、ふたつの文化における「飾る」の異なる捉え方を意味し、間を埋める、間を空ける、というニュアンスの違いを表現しています。木の飾り棚にある空間や、作品「Koto-no-ha」にて、円の中に書いてある点などは、「禅」からインスピレーションを得たものであることを示しています。

by Sabrina Meißner

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Neue abgedrehte Arbeiten

eng. new turned off [and in] works

by Felix Dreesen

2015, utilitarian pottery, various handy sizes

E

In the Kukoon circulated almost without attention the artwork “Neue abgedrehte Arbeiten” (New turned off [and in] works). They were utilitarian pottery, that were appropriated as regular dishes. Every pot, cup or bowl is uniquely in their materiality, glaze and shape. Some have a porous surface, the glazes are very different and have characteristics of calculated coincidences in the working process. Maybe, who received the coffee or lunch in one of this pottery was irritated by the look and haptic of the dishes. At once the irregular and even asymmetric character is not always recognized. Exactly this is an important aspect of the Japanese aesthetic concept of Wabi-sabi. It comes from the Zen-Buddhism and especially in the culture of pottery it is important in context of the ceremony of tea. Valuable is the identification of the beauty in the individuality and simplicity, in the non-perfectness and in ephemeral things.

↓ D, J

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Im Kukoon zirkulierte beinahe unbemerkt das Werk „Neue abgedrehte Arbeiten“. Es handelt sich um von Hand gedrehte Gebrauchskeramiken, die dort als reguläres Geschirr verwendet wurden. Jeder Becher, jede Tasse, Schüssel oder Schale ist einmalig in ihrer Materialität, Glasur und Form. Einige haben eine porösere Oberfläche, die Glasuren sind sehr unterschiedlich und weisen Merkmale von kalkulierten Zufällen im Arbeitsprozess auf. Wer den Kaffee oder das Mittagessen in einer dieser Keramiken entgegennahm, war möglicherweise irritiert von der Optik und Haptik. Das Unregelmäßige, gar Unsymmetrische wird in seiner individuellen Perfektion nicht immer sofort erkannt. Genau darum dreht sich das japanische ästhetische Konzept des Wabi-sabi. Es stammt aus dem Zen-Buddhismus und spielt gerade in der Keramik für die Teezeremonie eine wesentliche Rolle. Wertvoll ist das Erkennen der Schönheit im Individuellen und Einfachen, in der Un-Perfektion und dem Vergänglichem.

J 翻訳

Kukoonでは、ほとんど気付かれず��「Neue abgedrehte Arbeiten」（直訳：ろくろで作った、慣用句：クレイジーな新作）という作品が営業中に活用されていました。その手作りの陶器は、普通の食器として使われていました。どのコップ、マグ、お茶わん、お皿なども、特別な物質、釉薬、形からできています。表面がザラザラしていたり、色々な釉薬が制作プロセスにおける計算された偶然性の特徴を示したりしています。コーヒーや昼食を取っているお客さんは、見た目や触り心地に困惑したかもしれません。歪んだ形、つまり非対称性という個性的な完璧さは一目では見抜かれない場合もあります。まさにこれが、日本の美のコンセプトである「侘び寂び」に繋がっています。「禅」から派生し、特に「茶道」で使われている陶器に影響を与えました。個性とシンプルさ、不完全性と儚さにおける美しさの認識に価値があります。

by Sabrina Meißner