#Misia Sert

[walzerjahrhundert]

Edouard Vuillard

Misia Natanson in Cannes

1901

[sixty-silver-wishes]

yall I can't with the upcoming maurice ravel biopic ("bolero")

so like. I know that biopics embellish stuff a lot but we also have no evidence that ravel had a thing for misia sert?? they were friends and he dedicated "la valse" to her, and included a cryptogram for her name. but that's also not really solid evidence for romantic attraction to her- we don't have any letters, testimonies from himself or from other people, anything that would suggest it. ravel was pretty famously secretive about everything, including his love life (we don't even know if he ever had one) so like. idk it's weird to me

also not the director completely misunderstanding "bolero" as a piece of music:

the thing about "bolero" as a musical work is IT'S NOT SENSUAL. and like. ravel could write sensual music. nahandove is sensual. la valse is sensual. l'heure espagnole is literally just an opera comprised of sexual innuendos and it's awesome. but the reason why ravel said there was "no music" in "bolero" is because "bolero" was intended to be more of a scientific experiment than a work of art. it's a machine. it's a gradual, steady escalation of an ostinato that, yes, can be interpreted as sensual, but ravel suggests multiple times that, if anything, it's a work more or less devoid of emotion. from roger nichol's biography, "ravel":

while nichols speculates that ravel's self-deprecating comments on "bolero" should not be taken at face value, he instead interprets "bolero" as an exercise in the style of one of ravel's favorite works, edgar allan poe's "the philosophy of composition," by creating variations on an unvaried refrain, as poe did with "the raven."

ravel is quoted here on conducting "bolero." Here, again, he suggests a steady, mechanical tempo, rather than interpreting the piece with sentiment or expressiveness:

once again, ravel on the inspiration behind "bolero," in which he compares it to a factory (as well as suggesting an idea for further experimenting with it):

so like.

how did this movie manage to film at le belvedere. as in ravel's actual house. but, according to this article, appear to misinterpret his most famous work, which we have extensive documentation on. I don't get it

[desimonewayland]

José María Sert (1874-1945)

'Vision de Naples'

An eleven-leaf screen, circa 1923

Giltwood and black glaze; decorated with scenes against the Bay of Naples, 390 x 800 cm.

Sotheby’s

Catalogue Note:

José Maria Sert (1874-1945), the "Tiepolo of the Ritz", is part of the closed circle of the great society artists of the 20th century. He married the famous Misia Godebska whom Forain introduced to him, better known as Misia Sert, a central figure in artistic and literary Paris at the end of the 19th century and between the wars. Muse successively of Mallarmé, Vuillard, Renoir, Proust, Diaghilev and Cocteau, Misia was also the confidante of Gabrielle Chanel for whom Sert created this screen.

Undermined by the Parisian avant-garde, he is part of a primarily decorative painting tradition influenced by Goya, Manet and of course Tiepolo. In his studio in the rue Barbet de Jouy, Sert created a grandiose decor in the image of his painting, mixing baroque furniture, gilded bronzes, crystals and Coromandel screens. Gabrielle Chanel retained this lesson in decoration and applied it in all her Parisian residences thereafter, as her apartment on rue Cambon still testifies. Sert held a salon there where he received the entire Café Society of the time, who commissioned him for multiple projects. Specializing in very large wall decorations and screens, he went from polychrome painting to monochrome painting on a gold background, which better suited his exuberant style. He received important commissions at the turn of the century throughout Europe and more particularly in England (between 1914 and 1915 for Lady Ripon at Combe Court and Sir Philip Sassoon at Lympe and between 1918 and 1919 for Sir Saxton Noble at Wretham Hall). He received his first commission in the United States in 1924 for Mr. Joshua Cosden's music room in Palm Beach. An exhibition in New York at the Wildenstein Galleries completed his launch across the Atlantic. He then undertook grandiose projects such as an entire room at the Waldorf Astoria in New York in 1930, and the entrance main building of Rockefeller Center, built in 1933.

"Art loses the last representative of great painting", wrote Paul Claudel in Le Figaro on 14 December 1945, on the death of his friend José María Sert. The monumentality of his work and the power of his personality made Sert an artist unanimously admired in his time.

[rivieiraa]

Cigarette case, Cartier Paris, 1931, Platinum, modified baguette-cut diamond, The back of the lid is engraved with twenty signatures such as “Coco” for Coco Chanel, “Misia” for Misia Sert, “Fellowes” for Daisy Fellowes, “Vera” for Vera de Bosset, “Peggy” for Peggy Guggenheim, “Etienne” for Etienne de Beaumont, inside the case “Cécile” for Cécile Sorel, “Elsie” for Elsie de Wolfe, “Johnnie” for Prince Jean-Louis de Faucigny- Lucinge, and other friends unfortunately impossible to identify today. Sold to the Baron de Meyer, photographer

[thebeautycove]

Bejeweled gaze. Embracing the byzance feeling, the baroque spirit that inspired Chanel in creating unique jewelry… Riempire lo sguardo con la meraviglia dell’arte bizantina, con lo splendore dorato dell’audace abbondanza barocca. Lo Studio Maquillage Chanel riporta al centro dell’attenzione la grande passione di Gabrielle per l’arte con l’ultima collezione makeup in edizione limitata Les 4 Ombres Byzance. Il nuovo quad occhi è declinato in quattro Parure: Baroque, Imperiale, Venitienne e Cristal. Nell’esclusivo astuccio realizzato con finitura oro martellato la palette cromatica riprende le tonalità sature delle pietre preziose presenti nei sontuosi bijoux creati da Mademoiselle. Sfarzosa la combinazione della Parure Imperiale dominata da un profondo porpora granato e resa lucente dal giallo zaffiro e dai riflessi perlescenti dell’oro rosa. Un affascinante opulento gioco di contrasti, tra colori e luce!

Nota a margine: nel 1920 Gabrielle scopre Venezia. È un momento particolare della sua vita. La perdita improvvisa di Boy Capel vela di tristezza infinita le sue giornate. L’amica Misia Sert la conduce a Venezia e come d’incanto Coco subisce il fascino di una città in equilibrio tra le culture d’Oriente e Occidente, si appassiona ai grandi pittori veneziani, ai mosaici policromi, ai tesori d’arte bizantina e barocca, ai riflessi dell’oro e delle pietre preziose che ornano la Basilica di San Marco, fonte di ispirazione per la sua prima collezione di gioielli. Un luogo unico e speciale che segna una mutazione in Gabrielle, le infonde un nuovo vigore espressivo, una creatività matura e consapevole. ©thebeautycove @igbeautycove

[fuminaga]

Elgar: Salut d'amour, Op.12 - 詩人であり、エルガーのキャリアを献身的に支えたアリス・ロバーツ（エルガーの妻）に捧げる。 サン＝サーンス 白鳥」 - アンナ・パヴロワの有名なバレエ・ソロ「瀕死の白鳥」は、この曲の不朽の名作���なった。 ビゼー カルメン～花の歌～ビゼーのオペラに登場する大胆で自由奔放なヒロイン、カルメン（架空の人物）にインスパイアされている。 マスネ：タイス～メディテーション～マスネのオペラで宮廷女官から聖女に転身したタイスの変身を反映している。 ラヴェル Pavane pour une infante défunte - 想像上のスペインの王女へのノスタルジックなオマージュ。 ショパン: 別れのワルツ – 元婚約者のマリア・ヴォジンスカへの別れのワルツ。 ベートーヴェン: エリーゼのために – ベートーヴェンの教え子で叶わなかった恋の相手、テレーゼ・マルファッティに捧げられたものと思われる。 ベートーヴェン: 月光ソナタ – ベートーヴェンの若き貴族のミューズ、ジュリエッタ・グイチャルディ伯爵夫人に捧げられたもの。 プッチーニ: ドンナ・ノン・ヴィディ・マイ – 愛と贅沢の間で引き裂かれる悲劇の架空のヒロイン、マノン・レスコーにインスピレーションを受けたもの。 ドビュッシー: ベルガマスク組曲 – プレリュード – ドビュッシーのミューズで恋人のマリー・ヴァスニエに影響を受けたもの。 ドビュッシー：メヌエット – マリー・ヴァスニエに捧げられた優雅な曲で、優雅さと郷愁が反映されています。 ドビュッシー：月の光 – ドビュッシーの人生における重要な女性 2 人、リリー・テクシエとギャビー・デュポンにインスピレーションを受け��曲です。 ドビュッシー：パスピエ – マリー・ヴァスニエと彼女の芸術的影響に対するもう一つの生き生きとしたトリビュートです。 Satie: Nocturne No. 1 - 影響力のある画家でありデザイナーであったヴァランティーヌ・グロスに捧げる。 Satie: Nocturne No.3 - サティの情熱的で芸術的なミューズ、シュザンヌ・ヴァラドンにインスパイアされた作品。 Satie: Nocturne No.4 - サティの音楽を支持したジェーン・バトリへのオマージュ。 Satie: Nocturne No. 5 - ピアニストであり芸術のパトロンであるMisia Sertに捧げる。 ブラームス 間奏曲、作品118第2番 - ピアニスト、作曲家、ブラームスの最側近であったクララ・シューマンのために書かれた。 ブラームス ワルツ第1番 - クララ・シューマンの優雅さとブラームスとの深い友情を反映したワルツ。 ブラームス ブラームス：ワルツ第3番 - クララ・シューマンへのメランコリックなオマージュ。 ブラームス ブラームス：ワルツ第6番 - クララ・シューマンに捧げる生き生きとした曲。 ブラームス ワルツ第7番 - クララ・シューマンとブラームスとの感情的な結びつきを、ゆっくりと内省的に振り返る。 ブラームス ブラームス：ワルツ第11番 - ブラームスのクララへの深い愛情を暗示するような、憧れに満ちた曲。 ブラームス ワルツ第15番 - クララ・シューマンの音楽的遺産への喜びに満ちた賛辞。

女性を讃え��作曲されたクラシック音楽 - YouTube

[mamusiq]

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Boléro (2024) by Fontaine Anne * Trailer Bande-annonce En 1928, alors que Paris vit au rythme des années folles, la danseuse Ida Rubinstein commande à Maurice Ravel la musique de son prochain ballet. Tétanisé et en panne d’inspiration, le compositeur feuillette les pages de sa vie - les échecs de ses débuts, la fracture de la Grande Guerre, l’amour impossible qu’il éprouve pour sa muse Misia Sert… Ravel va alors plonger au plus profond de lui-même pour créer son œuvre universelle, le Bolero. 👇 📺 👇

Boléro (2024) 📺 Anne Fontaine 📺

Paris in the roaring twenties. We follow Maurice Ravel, who at that time was considered the most important (still living) composer in the country. He is working on a composition for Ida Rubinstein, an extravagant Russian choreographer. It has to be something exciting, erotic and daring. But while the city is bustling, Ravel remains silent. He loses himself in self-criticism and in memories of previous failures. He hears inspiration all around him, but he can't get anything on paper. The closer the deadline approaches, the bigger his writer's block becomes. Until suddenly there is a rhythm and a stirring, sensual melody that form the basis for what has become his world-famous masterpiece: the Boléro. Boléro is an elegant biopic of the man behind the famous music, with a charismatic interpretation by Raphaël Personnaz.

Regie: Anne Fontaine Cast: Raphaël Personnaz, Doria Tillier, Jeanne Balibar

Boléro (2024) 📺 Anne Fontaine

[oldtimesnew]

Linda Evangelista in “the dress that changed my life.” She loved the silk tulle + feather John Galliano SS95 dress so much, it slept at the end of her bed. She wore it for Harper’s January 1995 photographed by Patrick Demarchelier and later donated it to the Costume Institute at the Met.

Models🚶‍♀️🚶‍♀️🚶‍♀️

Linda Evangelista on the dress:

When I saw this dress on the rack being wheeled in [at Spring 1995 show] I started hyperventilating. Early on I learned not to have any expectations, as you don’t always get the best dress or the best look in the show. And you don’t always get to open or close the show, so closing was an honor. I couldn’t have imagined a more beautiful dress. I’m not even a yellow person, but wearing this was one of the most sensational things that has ever happened to me. I loved everything about it. It was sophisticated, it was flirty, it was fun. It was retro, it was modern. I do love a full-on gown where you get to see the ankle. It had every element for me.

It was so nice when Bazaar asked me to do the cover, as I did feel like this was my dress. I would’ve been sad to see someone else wearing it. I see girls now, if they go to Disneyland or at Halloween, they want to be a princess or dress as the fairy-tale movie heroine of the moment; for me, this was like, “Oh, my God, this is a fairy-tale dress, and I get to wear it on the cover of and take it to the next level.”

Before this dress I had never owned any couture. Karl [Lagerfeld] had given me some Chanel things, but I never had a couture gown. John gave it to me. I don’t remember exactly how it went down, but it was shipped to me. The thing took up a lot of square footage. It was tremendous, and I never knew where to put it, so it ended up in my bedroom on a mannequin. But it made me so happy because every morning when I woke up, the first thing I saw was this joyful, sunshiny-yellow dress. I had it for years, and then it started to look like maybe it was too fragile to be exposed. I thought, “Okay, I’m going to box it up,” and then I thought, “What am I going to do with it?” So I gave it to the Metropolitan Museum of Art. It’ll find its show one day.

John Galliano on Linda in the yellow dress:

The iconic Linda Evangelista is the muse for all seasons. She closed the show in this dress, one of my favorite moments ever. She owned it, she slayed it, and I have since been told it was a “fashion moment”—my first! This collection was inspired by the exotic exploits of Misia Sert [the Russian-born pianist and close friend of Coco Chanel who held lavish parties at her Paris salon at the height of the Roaring ’20s], and as Linda carved her way through the crowds, no one else existed. Jaws dropped. The audience looked on in awe, but they could only dream. Linda commanded her space like no other. The creative process spontaneously kicked in as it always does with Evangelista. She was in character, melting onto a rusty soldier’s unmade bed surrounded by salty sailors from an imaginary port, and there you have it, the image, captured forever for all to see. The feathers on the bustier were hand-dyed to match the early-morning dew on buttercups, a golden glow only she can work, and she did. Her freshly peroxided hair was a platinum memory of a bygone glamour. Linda, a dear and caring friend, owns this dress. She slept with it at the end of her bed, and I cannot begin to tell you what this means to me.

Linda Evangelista - Vogue Italia, January 1995

[gatabella]

Misia Sert by Horst P. Horst, 1947

"Our last day in Venice...What things, what things we've seen! Venice is so much more beautiful, not only than I had imagined, but than anything I believed possible. First, our arrival. I flung myself into a gondola, and just the idea that it was real, that I was really in it, was so overwhelming that it was painful...We spent a week in ecstasy. At times, I closed my eyes, unable to bear so much splendor. And at the slightest thing, for no reason at all, I would weep for joy."

-- Misia Sert on her first trip to Venice

[mariascrapbook]

Codie Young as Misia Sert | Vogue (2013)

[fawnvelveteen]

Edouard Vuillard, Thadée and Misia Natanson in their apartment, Rue Saint-Florentin, Paris, 1897/ 1899

[circe-poetica]

Misia Sert dressed by Coco Chanel in 1936, André Durst

https://www.francetoday.com/learn/history/misia-sert-pianist-and-patron-of-the-arts/

[the-barnes-art-collection]

Portrait of Misia Sert (Jeune femme au griffon) by Pierre-Auguste Renoir, The Barnes Foundation

Barnes Foundation (Philadelphia), Collection Gallery, Room 18, West Wall Medium: Oil on canvas

https://collection.barnesfoundation.org/objects/6281/

[focusmonumentum]

Musée Rodin de Paris

L'Hôtel de Biron et ses jardins servent d'écrin à la plupart des œuvres d'Auguste Rodin, sculpteur de génie, précurseur de l'art moderne, au renom non terni par les ans ni par l'évolution artistique contemporaine, preuve en est de ses 700000 visiteurs annuels (en moyenne, moins les années covidées), le plaçant a la septième position des musées les plus visités de France.

Ce riche hôtel particulier, l'un des premiers à être édifié au sein du faubourg Saint-Germain (zone alors déserte et marécageuse, ne serait-ce la présence de l'Hôtel des Invalides tout proche), fut conçu en 1728 par l'architecte Jean Aubert, d'après des plans dûs à Jacques V Gabriel, pour le compte du "nouveau riche" Abraham Peyrenc de Moras. La décoration intérieure fut confiée au peintre François Lemoyne, (dont des "dessus-de-portes" furent restitués au cours du XXème siècle, après dilapidation le siècle précédent...) Suite à la mort du marquis propriétaire, survenue ici-même en 1731, l'hôtel échoit à sa veuve, qui le loue dès 1736 à la Duchesse du Maine, Louise-Bénédicte de Bourbon. Celle-ci y décède à son tour en 1753. Le futur acquéreur, Louis-Antoine de Gontau, duc de Biron, laissera son nom à l'hôtel. Il fit aménager les jardins dans le style anglo-chinois en 1781, via les cisailles du paysagiste Dominique-Madeleine Moisy. Après le décès du maréchal Biron en 1788, l'hôtel revient à son neveu, le duc de Charost, décédant lui-même en 1800. Sa veuve, après avoir loué l'hôtel au nonce du pape Pie VII puis à l'ambassade de Russie, le lègue finalement en 1820 à une congrégation religieuse, la Société du Sacré-Coeur de Jésus, vouée à l'éducation des jeunes filles issues de la haute bourgeoisie et de l'aristocratie. Un pensionnat (l'actuel Lycée Victor Duruy) est alors construit au sud des jardins, réaménagés à la française, ainsi qu'une chapelle (nous y reviendrons). Eugénie de Montijo, future impératrice par son union avec Napoléon III, y fera son éducation dans les années 1830, précédant Misia Sert, future modèle et muse de nombreux artistes de l'École de Paris, qui y sera également élève cinquante ans plus tard. Cela préfigure, par un curieux coup du hasard, de la vocation à venir de l'Hôtel Biron. En effet, la fameuse loi de séparation des Églises et de l'État, promulguée en 1905, chasse les religionnaires, rendant l'hôtel vacant. Devenu de fait propriété de l'État, il est divisé en plusieurs appartements, puis loué à des artistes, parmi lesquels Jean Cocteau, Henri Matisse, la chorégraphe et danseuse Isadora Duncan, le comédien Édouard de Max, l'écrivain-poète Rainer Maria Rilke... Alors secrétaire d'Auguste Rodin, celui-ci lui présente l'Hôtel Biron, dont quatre pièces demeurent disponibles en rez-de-jardin. Immédiatement conquis, le sculpteur, jouissant déjà d'une solide notoriété, y installe une partie de son atelier (son lieu de travail principal demeurant en sa Villa des Brillants, à Meudon). Il décide par la suite de faire de ses appartements un lieu d'exposition de sa collection personnelle d'antiquités et d'oeuvres d'art contemporaines, qu'il présente mêlées à ses propres productions; sculptures, certes, mais également peintures, dessins et photographies, à l'attention des journalistes, marchands d'art et collectionneurs, régulièrement invités par sa collaboratrice (et dernière maîtresse), la duchesse de Choiseul. À la fin de sa vie, Rodin, soutenu par de nombreuses personnalités telles que Raymond Poincaré, Georges Clémenceau et son ami impressionniste Claude Monet, souhaite léguer l'ensemble de ses œuvres à l'État, à la condition que celui-ci fasse de l'Hôtel Biron un musée. Après son décès, survenu en 1917, sa succession revient donc à l'état français, qui transforme bel et bien l'Hôtel Biron et son jardin en musée dédié à sa mémoire, ouvert dès 1919, au sortir de la Première Guerre Mondiale.

Le Musée Rodin a un statut particulier. Il est en effet le seul musée public à devoir s'autofinancer (via dotations et mécénat), afin de poursuivre sa mission de diffusion de l'oeuvre d'Auguste Rodin.

Après une longue campagne de travaux (de 2012 à 2015), partiellement financée par de généreux donateurs (dont le riche couple de mécènes américains Iris et B. Gérald Cantor), le Musée Rodin rouvre au public, entièrement rénové et mis aux normes de l'accueil des publics PMR et handicapés visuels, à la muséographie complètement repensée par l'architecte des monuments historiques Richard Duplat, aux murs des salles d'exposition repeints en une teinte spécialement créée pour mettre en valeur les marbres, le "Biron Gray"...

Présentant un parcours chronologique et thématique sur deux étages, il dédie une salle complète a l'œuvre de la géniale Camille Claudel, élève et muse (et maîtresse) de Rodin; une passion tumultueuse devenue légendaire, moulée dans les bronzes de L'Âge Mûr, La Vague et surtout La Valse... Outre Le Baiser, La Cathédrale et la Tempête, aux exécutions diversement opérées, de plâtre, de marbre ou de pierre, sont présentées dans le musée nombre de réductions et d'agrandissements, de fusions et imbrications, comme autant d'études et d'étapes ayant prefiguré les oeuvres finalisées du maître en sculpture, considérant l'inachevé comme achèvement.

Et pourtant, s'il est une œuvre de Rodin considérée comme aboutie, il s'agit bien de La Porte de l'Enfer, monumentale sculpture (au moulage original en plâtre exposé au Musée d'Orsay), fondue en bronze en 1937. Initialement commande publique en 1882, pour la porte d'entrée du Musée des Arts Décoratifs, abandonnée en 1889 faute de financements, inlassablement retravaillée jusqu'à la mort de l'artiste en 1917, elle inclue de nombreux éléments interdépendants de l'oeuvre du sculpteur, du Baiser à Ugolin dévorant ses enfants, de La Chute à la Danaïde... Couronnée par Les Trois Ombres, présentant la fameuse phrase ouvrant La Divine Comédie de Dante ("Toi qui entre ici, abandonne tout espoir"), s'en détache une figure méditative, au faîte du linteau, représentant le poète Dante Alighieri, méditant sur son œuvre. En sera issu Le Penseur, universellement reconnu comme la pièce maîtresse de Rodin, à l'agrandissement, également fondu en bronze, présenté dessous (ainsi qu'en la roseraie proche de l'entrée du musée), offert par souscription publique à la ville de Paris en 1906, d'abord installé place du Panthéon, avant d'être déplacé ici en 1922. En 2011, il fut commenté par Carla Bruni, travestie en guide-conférencière dans le film de Woody Allen, Midnight in Paris.

Le jardin du musée, d'une superficie de 3 hectares (équivalente à celle du jardin de l'Hôtel Matignon, réputé pour être le plus grand jardin privé de Paris) présente d'autres sculptures d'exception fondues en bronze, comme le Monument à Victor Hugo (finalement refusé par l'état), la statue à Balzac, ainsi que Les Bourgeois de Calais (commémorant un célèbre épisode d'amende honorable du début de la Guerre de Cent Ans), présentés près du mur d'enceinte du musée sur rue, ajourée par des panneaux de verre, permettant ainsi aux passants de la rue de Varenne de contempler ce groupe sculpté, ayant l'Hôtel Biron pour toile de fond.

Vestige restructuré de la résidence de la Société du Sacré-Coeur de Jésus en ce lieu, la chapelle néo-gothique, exécutée en 1876 par l'architecte Juste Lisch, à l'angle du Boulevard des Invalides et de la rue de Varenne, totalement réaménagée en 2005, accueille non seulement l'administration du musée, mais aussi la billetterie et la boutique, un auditorium en sous-sol, ainsi qu'une vaste salle consacrée aux expositions temporaires, comme celle de l'année passée, venant de s'achever, maintes fois reportée pour cause de financement puis de covid (...), croisant l'oeuvre de Rodin avec celle de Picasso, en collaboration avec le Musée Picasso de Paris (que nous visiterons un jour à venir...) 

Crédits : ALM’s

[books0977]

The White Review (La Revue blanche), 1894. Pierre Bonnard (French, 1867-1947). Lithographed poster. MoMA.

Bonnard used as his model Misia Godebska Natanson Sert. La Revue blanche was a Parisian periodical that published work by avant-garde writers and included prints by contemporary artists. This and Bonnard's other posters bear many of the same design hallmarks: unmodulated color, a playful depiction of flattened space, and a decorative handling of silhouettes and textures.

[artist-bonnard]

The House of Misia Sert, 1906, Pierre Bonnard

Medium: canvas,tempera