#LA REINA DEL HAIKU

[fannyjemwong]

HAIKU 5 : Seifu-Ni (Enomoto Seifujo) (1732-1814)

[from-the-sky-2015]

«Tan sólo somos una pieza de la maquinaria» Ryoji Uehara

Sobre estos campos el cielo llora, llora sobre las montañas, en los caudalosos ríos que corren sobre suelos remotos. Llora por los que cuyas vidas se han perdido en mares de ruidos, de tormentas de fuego, hoy sus rostros existen en mi memoria, sus voces, se pierden en el viento y que, con la lluvia, se van a lugares lejanos.

A pesar de que hoy estoy aquí, abandonado al olvido, hoy bajo esta lluvia, observo las desoladas llanuras donde todos volamos hacia nuestro destino, o al menos a mi destino… No todo en la vida sale como uno esperaba; entre esta tormenta ruidosa y de fuego, la vida de aquellos se despedazaba como el cristal y otros tantos, simplemente se desintegraban al alcanzar su objetivo.

Ahora en mi mente reina el silencio, como si el viento se llevase mis palabras y mis pensamientos, hoy a muchos años de estar aquí, aquí sentado en el crepúsculo del tiempo, los observo a lo lejos, las figuras fantasmales en un gris oscuro. Otras veces, escucho en sueños, el ruido ensordecedor del antiaéreo, como si de un montón de relámpagos se tratase.

Las imágenes cruzan una y otra vez frente a mis ojos, muchos de ellos quedaron atrapados en fotografías desmerecidas, se han quedado en la memoria de todos, en la memoria de los que se despidieron por última vez hace ya muchos años. Los corredores de la vida han de quedarse vacíos… que por estos lugares ellos caminaron, que por estos campos han volado.

Sus rostros van y vienen a través de mis ojos, que aunque trate de cerrarlos, sus figuras siguen ahí… Ahora soy el último de ellos, soy solo un vestigio de un pasado que se ha quedado aquí, y solo sé que los años me han pasado muy por dentro y que mis fuerzas, se han reducido a escombros de una historia escrita con la memoria.

Todos se han ido, debajo de aquellos cerezos, que ahora dejan sus flores caer y que no volverán nunca más, los que se fueron ja hace mucho tiempo, sus figuras han de quedar en estos nichos del sol poniente. Ahora son simples piedras debajo de la lluvia, son simples testigos de las fugaces almas que dormitan bajo las estrellas.

Aquí en mi corazón, está escrito en sus paredes una vieja rapsodia, están escritas, los testimonios de los que alguna vez rindieron sus vidas por lo que más querían. Otros, se han quedado aquí, al borde del crepúsculo, a la espera de la noche, sé que estoy cerca, muy cerca, más mi juventud, se ha marchitado en el ocaso del otoño.

Hoy simplemente, me he convertido en un simple puente entre el pasado y el presente, ahora envejecí como la lluvia, mi tenue voz, se mezcla con el llanto del viento. Sé que muchos de ellos me esperan al final del crepúsculo, sé que están ahí y que en sueños, los puedo escuchar, entre el mar de ruido, entre el océano, allí me esperan.

Aquí dentro de mí, dejo escapar un puñado de grullas que han de volar a tierras lejanas, han de volar a cielos remotos, entre noches estrelladas y cielos de sol. Las luciérnagas de la noches, que cruzan los rumbos alejados de estos bastidores de aquellas habitaciones vacías, las historias de vida, han de quedarse allí.. plasmadas en esas paredes.

 

Renovadora Después de la violenta tormenta Sube la luna radiante

Haiku de Ōnishi para su amigo Rin Masutani.

[vitt-loves-dona]

Cuando me encuentro en dicho lugar me complace escuchar una lluvia suave y regular. Esto me sucede, en particular, en aquellas construcciones características de las provincias orientales donde han colocado a ras del suelo unas aberturas estrechas y largas para echar los desperdicios, de manera que se puede oír, muy cerca, el apaciguante ruido de las gotas que, al caer del alero o de las hojas de los árboles, salpican el pie de las linternas de piedra y empapa el musgo de las losas antes de que las esponje el suelo. En verdad, tales lugares armonizan con el canto de los insectos, el gorjeo de los pájaros y las noches de luna; es el mejor lugar para gozar la punzante melancolía de las cosas en cada una de las cuatro estaciones y los antiguos poetas de haiku han debido de encontrar en ellos innumerables temas. Por lo tanto no parece descabellado pretender que es en la construcción de los retretes donde la arquitectura japonesa ha alcanzado el colmo del refinamiento. Nuestros antepasados, que lo poetizaban todo, consiguieron paradójicamente transmutar en un lugar del más exquisito buen gusto aquel cuyo destino en la casa era el más sórdido y, merced a una estrecha asociación con la naturaleza, consiguieron difuminarlo mediante una red de delicadas asociaciones de imágenes. Comparada con la actitud de los occidentales que, deliberadamente, han decidido que el lugar era sucio y ni siquiera debía mencionarse en público, la nuestra es infinitamente más sabia porque hemos penetrado ahí, en verdad, hasta la médula del refinamiento. Los inconvenientes, si hay que encontrar alguno, serían su alejamiento y la consiguiente incomodidad cuando hay que desplazarse hasta ahí en plena noche, además del peligro, en invierno, de resfriarse; no obstante si, para repetir lo que dijo Saitò Ryoku, “el refinamiento es frío”, el hecho de que en esos lugares reine un frío igual al que reina al aire libre sería un atractivo suplementario. Me desagrada soberanamente que en los cuartos de baño de estilo occidental de los hoteles, lleguen incluso a poner calefacción central.

[ideaimateria]

.públics i contrapúblics

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¿Qué no sé ahora que más tarde sí sabré?

¿Cómo deconstruimos expectativas?

¿Por qué nos fijamos más en lo que nos falta que en lo que ya tenemos?

David Hume said “The beauty of objects resides in the mind of those who observe them”

Mentora : Miralls/Reflexe/Mirada/Ulls/Eyes//Doble/Twin/Mans/Hàptica/Beauty/Haiku/So/Foto/vídeo

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俳句

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Associació Haiku Contemporània

Associació Haiku

Associació humorística de haiku

Associació Mundial de Haiku

Associació internacional d’intercanvi de haiku

The Haiku Society of America

Pioneer's Sound Lab. "Oto-Haiku"

haikucedario

Octavio Paz y el haikú - Centro Virtual Cervantes

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http://knt73.blog.enjoy.jp/blog/farewell-haiku-of-ransetsu.html

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Prefaci

Haiku de Bashō (1) ～ (10)

Haiku de Bashō (11) ～ (20)

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en relació companyes per afinitat:

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...  “ Errare humanum est”

El festival Ars Electronica, un dels esdeveniments d’art i noves tecnologies més importants del món, va titular l’edició del 2018 així: «Error. L’art de la imperfecció» …

lab.cccb.org/ca/l´error-en-l´era-digital/

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es.scribd.com/doc/196913083/La-estetica-del-error-en-la-edad-digital

Lucia Egaña:

Lucia Egaña  (lucy sombra) Malas impresiones

Recorridos erráticos. Prácticas artísticas fallidas y mal hechas

Existeix una dificultat per escriure els errors. Com no hi ha models per fer-ho, acaben formant part d'una història ofuscada. Com explicar/narrar els errors fins a convertir-los en eines susceptibles de ser utilitzades per altres persones o col·lectius? es tracta efectivament d'un problema narratiu o és només que falten més genealogies entorn de com exhibir-los? com narrar-los, com arxivar-los? En les pràctiques artístiques abunden més els errors que els resultats, a pesar que solen no ser exposats. En aquesta conferència analitzaré a partir del meu treball personal i col·lectiu algunes experiències de la fallada com a manera de donar-li visibilitat a aquest espai i com un intent de sistematitzar certes experiències que puguin ser útils per a altres artistes en formació.

Biografia: Lucía Egaña Rojas (1979) té formació en arts, estètica i documental i és doctora en Comunicació Audiovisual per la UAB. Escriu i investiga sobre temes relacionats amb els feminismes i el transfeminisme, la representació, la postpornografía, la tecnologia, el programari lliure i l'error. Desenvolupa processos pedagògics en àmbits institucionals i informals i el seu treball artístic s'ha presentat a Mèxic, Uruguai, Xile, Alemanya, Espanya, França, Noruega, Equador, Colòmbia, entre altres. És organitzadora del festival nómade Mostra Marrana, ha publicat el llibre Enciclopèdia de l'amor en els temps del porno (Cuarto propio, 2014) i col·labora amb diversos col·lectius i artistes principalment de l'àmbit de la performance. Participa en el grup de recerca FIC (Fractalidades i Recerca Crítica, UAB) http://psicologiasocial.uab.es/fic/en i forma part de la direcció acadèmica del Programa d'Estudis Independents (PEI) del MACBA.http://www.macba.cat/ca/pei-2017-18

Més informació del seu treball:

Enciclopedia del amor en los tiempos del porno http://www.cuartopropio.com

http://www.lapanterarossa.net/autorxs/egana-lucia

https://www.instagram.com/p/BstvVf6BhGK/

https://drive.google.com/drive/folders/0ByL5dpZh6KbjNW5FWkRJWFd5cU0 twitter @luciaegana

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Todos conocen la utilidad de lo útil, más ignoran la utilidad de lo inútil.

La nada es lo útil (Tao Te King 16)

CAPITULOS  TAO TE KING   11 – 20

XI

Treinta radios convergen en el centro

de una rueda, pero es su vacío lo que hace útil al carro.

Se moldea la arcilla para hacer la vasija, pero de su vacío

depende el uso de la vasija.

Se abren puertas y ventanas en los muros de una casa,y es el vacío

lo que permite habitarla.

En el ser centramos nuestro interés,pero del no-ser depende la utilidad.

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EN EL PAÍS DEL "DO" ASCENDENTE

Por Alexander Dugin

Traducción de Juan Gabriel Caro Rivera

Parte 1. El viento divino

En el lenguaje de este pueblo hay una palabra especial para definir la ciencia como geopolítica: Chiseygaku. Literalmente "enseñando en la tierra bien ordenada". Tales personas no pueden ser algo ordinario.

En el lenguaje de este pueblo hay una palabra Oshym (o-shima). Significa "gran isla". Dichas personas tienen acceso a capas profundas de sueños.

En el lenguaje de este pueblo "soberano", "emperador" se llama Tenno, "el celestial". Esa gente misma sabe a pescado celestial.

Una carpa dorada se había levantado a lo largo de la cascada, pero debido a su distracción no se dio cuenta de que el agua había pasado y se estaba moviendo hacia el cielo. Más alto, más alto ... La carpa roja está creciendo, las alas salen de ella, sus escamas se están volviendo más gruesas ... y ya es el gran dragón rojo que nada en el cielo.

El profesor Tamotsu Murata contó esa historia en el antiguo y pequeño restaurante en la zona residencial de Asakusa, explicando el lienzo que colgaba allí en una pared. El viejo y delgado profesor de una familia Samurai estaba escribiendo poesía de haiku en una hoja de papel, cuyo lado opuesto estaba salpicado de fórmulas matemáticas. Estaba terminando un libro sobre el problema de la continuidad.

"Creo que deberíamos buscar la fuente del continuo en el misterio de un momento", había dicho no mucho antes. "Un día, hace muchos años, cuando era totalmente joven, no como soy ahora (el rostro impenetrable, en el que la sonrisa se expresa por el movimiento imperceptible del cabello), estaba de pie en un pequeño patio, mirando el cielo, y de repente entendí que soy. Que soy yo y solo yo. Y no como algo ocurrido, duradero, sino como algo momentáneo. La continuidad nace de un momento de revelación".

Los japoneses leen la filosofía occidental, pero la entienden a su manera.

El profesor Murata me pidió que comentara sus puntos de vista después de su conferencia sobre Kant. La esencia de su informe era reducible a lo siguiente. "Kant no debería haber separado la esfera trascendente de la razón y el mundo empírico de la sensualidad. Hay una conexión entre ellos: el lenguaje es la conexión".

Respondí: "Es una idea excelente, pero luego llegamos a la conclusión de que el lenguaje es un instrumento mágico, un medio hermético mágico, con la ayuda de lo cual uno puede convertir lo enrarecido en lo denso y lo denso en lo enrarecido".

"De hecho, cómo me entendiste exactamente", coincidió el viejo profesor Tamotsu Murata. "¿Y podría someter este enfoque a la crítica?

"Sí, podría", respondí. "has estado leyendo a Kant, que pertenecía al contexto de la modernidad, siendo japonés perteneces al contexto de la no modernidad".

Todos los japoneses pertenecen al presente eterno. Y el hecho de que los profesores japoneses, refinados y educados de una manera totalmente europea, puedan tratar a los clásicos del racionalismo de esa manera, presagia que Japón todavía brillará en el mundo, como el ojo sangriento de la diosa no cuantitativa y momentáneamente continua Amaterasu.

¡Que Japon vive et revive cent mille fois! Cuando hablé con Parvulesco después de mi regreso de Japón, me dijo que lamentaba no haberle avisado de mi viaje de antemano. "Mon Alexander, habría organizado su reunión con mi hija, que enseña francés en la Universidad de Tokio, y ella se habría tomado la molestia de organizarle una audiencia con Tenno".

"¡Sin duda volveré a ir, Jean!"

Una máscara del teatro sagrado "no" colgado en el lienzo con la carpa. El profesor Tamotsu Murata saltó repentinamente del tatami (parecía que lo arrojaban desde abajo) y comenzó a agitar ligeramente el lienzo y la máscara. La máscara revivió, reflejando toda la gama de emociones: siniestras, alegres, irónicas, crueles.

"Y si uno mira desde diferentes perspectivas, en él aparecerá toda la vida. Uno y el mismo, visto de diferentes maneras, ya no es el mismo ..."

Y en otra pared del pequeño restaurante secreto de Asakusa había un personaje desvaído con cuernos pequeños: el demonio Anita, la guardiana del infierno. Hay tantos peces en el infierno...

Luego nos sirvieron una cabeza de pez. Era tan grande como la rueda de un carro. No sabía que podría haber peces tan grandes. El piso del restaurante era negro y de tierra. Su aspereza fue una clave de cifrado.

Me di cuenta de lo que entiendo mucho más de lo que me doy cuenta.

Todo incluso trata de acercarse a la muerte.

Los japoneses son los guardianes de la vida. El cual es profundo, con el que te puedes quedar sin aliento, que está bajo el agua, aéreo, hecho de un pedazo de tela sucia roja, del lado del perro, de una muñeca cruel de porcelana, de una casa tan grande como una maleta, de campanas de cobre tintineando, eso notifica a los espíritus de la llegada de la gente al santuario-djindja y de su disposición a tirar una moneda: los djindjas están en todas partes, me dejé caer en todo lo que encontré, por decir poco, ¡vi mucho dentro de ellos!

Quien quiera saber qué es una sustancia pura de la vida, debe visitar Japón. En el idioma japonés no hay palabras "no" y "yo".

El rugiente "hai" ("sí"), dicho sin inflexión de voz, con brillantes ojos negros japoneses, con increíble energía salvaje significa todo en conjunto. Sí, es el gran entusiasmo de la holografía sagrada, cuando el Universo se centra en el pequeño pedazo de tierra.

De la geografía sagrada a la holografía sagrada.

En la recepción en el Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón, el profesor Masaru Sato, lucia como un luchador de sumo. Él habla sobre el eurasianismo japonés, sobre la necesidad de que Japón regrese a la antigua grandeza de manera un tanto fractal, agresiva, sobrecargada por la energía de las montañas.

"Teníamos un pensador nacional: Okawa. Era un defensor constante del bloque continental: Tokio-Moscú-Berlín. Previó las consecuencias perniciosas de la actitud antirrusa, se convenció de que Japón podría mantener su influencia en el Región del Pacífico solo a través de una asociación estratégica con Rusia ".

"Los japoneses", continuó Sato-san, "en cierto sentido somos comunistas, pero solo con el Emperador. Somos para el colectivo, pero jerárquico, sagrado ..."

El comunismo mágico.

Importante: todo lo modernista en Japón es extremadamente superficial. ¡Lo lograron! Sí, lo lograron. Lo moderno está desactivado allí, privado de su metafísica.

De la misma manera que el profesor Murata de una manera completamente natural agrega a Kant un mero truco, el lenguaje como un instrumento de magia operativa, y un profesor católico (!) Yoichiro Murakami opera con conceptos de budismo para describir las principales tendencias de la historia de la ciencia, traduce Jung y Pauli (¡esto se llama Occidente!), por lo que los japoneses comunes y corrientes convierten a McDonalds en djindja. Una linterna con jeroglíficos y esvásticas, que trae suerte, y varios camaradas de dos millones de "deidades" de shinto convierten momentáneamente el templo de hamburguesas del "Nuevo Orden Mundial" en el tradicional snack bar japonés. Y el profesor Toshio Yokoyama de Kyoto interpreta la "civilidad" como la actitud tradicional de los japoneses hacia los dioses, flores, bestias y personas. La sociedad civil en tal interpretación es la sociedad de un rito sagrado.

En tal caso, soy partidario de la sociedad civil.

Un ciudadano es uno que sigue el "do". Quien no sigue el "do", no es nadie. "Do" en japonés es la piedad inmanente, incluido el aspecto transcendente como su extensión natural.

El espíritu de Japón ("do") es inquebrantable.

En Japón tienen una buena actitud hacia los estadounidenses. ¿El motivo? Los estadounidenses pudieron derrotar a los japoneses divinos, por lo tanto, también son divinos. No hay concepto del mal.

Existe el concepto de camino, "do".

En Japón tienen una mala actitud hacia Estados Unidos. ¿El motivo? ¿Cómo se puede tener una buena actitud?

En Japón, uno podría dejar una billetera con dinero en una calle y regresar por ella en una semana. Estaría justo allí.

Hay una parábola suficiente sobre cómo un jeque más sabio, que lo sabía todo y era el principal consejero del sultán, dejó su bolso en el bazar. Lo recordó en una semana y fue a recuperarlo. Sus murids estaban desconcertados: "o el jeque se ha vuelto loco o no entendemos algo". En Asia, las carteras desaparecen en el bazar incluso si están firmemente agarradas de la mano. Japón no es Asia, está más allá de Asia. Es el país, donde las normas éticas del jeque contemplativo se hacen realidad.

Japón es irreal.

Me parece que no puede haber un país así.

La tecnología aquí es un elemento del "do". El ensamblaje de dispositivos electrónicos es un equivalente de las artes de hacer ekibanas rituales o de la ceremonia del té.

Es una versión electrónica de Yemoto, "guardianes".

No hay japoneses sin "hacer".

"¿Aquí hay artistas de vanguardia? ¿Adictos a las drogas? ¿Travestis? ¿Los que habitan el Occidente moderno?"

"Estuvieron aquí al mismo tiempo, pero desaparecieron en algún lugar con el tiempo".

Hay drogadictos entre los recién llegados. Los chinos, los taiwaneses, los filipinos. Los japoneses no pueden verse afectados por nada. Su vida cotidiana habitual es una alucinación continua y lujosa. Bajo el puente de Kioto, las personas que viven en contenedores ven la televisión. Incluso en los rincones de basura reina una extraña estética en vivo.

Cuidado: ¡estudiantes!

Caminan en las calles, en el metro, en parques históricos y museos de montaña por plazas bien formadas. Todo en uniforme. Uno no debería encontrarse con ellos. El viento divino una vez destruyó la flota mongol. Kamikaze. Las personas y el viento son parientes. Los estudiantes japoneses son parientes del viento divino dirigido.

Kami-kaze, "Viento Divino". Con esto se puede dar una idea de la fascinante figura de Rembo «Le vent de Dieux jettait des glacons aux marres ...»

Los antiguos creyentes de la persuasión Beguny ("corredores" o "escapistas") en una época anterior tenían una enseñanza sobre un secreto "Opon czardom". Entendí lo que significaba.

Era Shinkoku, la doctrina del "Japón sagrado".

Los sacerdotes sintoístas enseñan: los antiguos buenos espíritus Izanagi-no-mikotu e Izanami-no-mikotu una vez se casaron entre sí y tuvieron las islas Honshu y Kushu. Esas tierras continentales solo resultaron de su matrimonio legal. Antes de eso aparecieron arañas y fantasmas, y también pequeñas islas. Luego tuvieron muchos buenos espíritus y el primer emperador Tenno. Las islas hermanas extrajeron montañas, ríos, peces gigantes rojos y blancos (que nadan en Japón en cada piscina, ofreciéndose a hábiles cocineros; yo y Polyakov nos hicimos amigos de uno de esos peces), este era un pez profesor de la Universidad de Tokio), bosques, té, perros sagrados de hocico estrecho, que protegen santuarios, espíritus y coníferas, rayos de sol y payasos suaves, que solo pueden estar sobre las localidades cercanas a Moscú. El emperador dio a luz a los japoneses. Los japoneses y japonesas constituyen una alianza afín. El cielo y la tierra, un brote de arroz, arcilla, un arroyo, una piedra, una aspiradora, un campesino y un policía son un organismo afín. En los japoneses, el viento, dulce viento de payaso, fluye por sus venas en lugar de sangre, alimentando los ojos con la carne del sueño. Y siempre así. Así ha sido siempre y siempre lo será.

Shinkoku. Donde no hay nada que excluir e incluir.

Japón es el esoterismo euroasiático. Es la pista para nosotros. Opon czardom. El altar de Eurasia.

En el jardín del palacio del emperador, sobre los restos de la torre, construida por un Shogun, que en el mundo no era superior, pero que estuvo en pie durante solo varios años, hablamos con Polyakov sobre la ventaja de las reflexiones ontológicas para la heurística de las soluciones en física moderna. Sobre la ecuación de Navier y Stokes. Acerca de las perspectivas de desarrollo de la teoría unida de la sustancia sobre la base del análisis de cambio de fase en trabajos del físico, llamado Sinaí. Masuda dormitaba en un banco iluminado por el sol. De repente apareció un cuervo ante nosotros. Sin comprenderlo, entendimos que era el guerrero del Shogun. Guardián el jardín del emperador, vigilando atentamente quién, dónde, qué hace y qué dice. El cuervo era del tamaño de unos dos metros. A los ojos de dos turistas de barriga grande, que ascendieron sudorosamente los restos de la torre, las pupilas fueron rodadas sin ver, parecía que no veían al cuervo con un pico negro como el carbón. Desapareció sin ruido.

Todas las particiones en Japón se están abriendo, están hechas de papel. Las membranas entre las dimensiones tienen una estructura especial, muy bien ordenada, cuidadosamente fijada. La aproximación de las metamorfosis se conceptualiza aquí, impregnada de matemáticas.

Los autos japoneses tienen el hocico de los espíritus sintoístas.

Tetsuya Masuda señaló una piedra imperceptible no distinguida, que se encontraba en la entrada de un pequeño restaurante en la estrecha calle de Kioto. "Esto es un jardín". Para los japoneses una piedra, una brizna de hierba, un tallo, una pequeña piscina es de todos modos un jardín. Toman un fragmento de lo que es y lo penetran con su sagrada atención japonesa. Y nace un jardín. La gente que trae el jardín.

En Kyoto nos sirvieron un pescado. Sus lados fueron cortados y la carne cruda yacía al lado. Al pez se le dejó el hocico, el esqueleto y la aleta caudal. Hizo movimientos de jadeo por la boca, sopló una pequeña burbuja. En la habitación medio oscura conté nueve niveles: el piso, el "bar", la mesa, los bancos y demás, que estaban a una distancia diferente de una línea imaginaria. Como si todos los aviones hubieran estado cambiando como en un elevador de espejos múltiples. Masuda contó la historia de su amigo francés, que estaba tan horrorizado al revelar el hecho de que respiraba un pez que comenzó a gritarle para que trajera urgentemente un cuchillo y para "salvar a un pobre animal de la miseria".

Masuda obedientemente fue por un cuchillo. Pero durante mucho tiempo no pudo obtenerlo del maestro, quien sinceramente no entendió lo que estaba pasando. Cuando aún regresaba con un cuchillo, el francés con un gran esfuerzo en angustia histérica ya había aplastado el cráneo de pescado por el platillo de madera y había estado mirando perplejo. "Hizo sufrir al pez en lugar de observar atentamente su transferencia de la muerte y participar en él solo: boca, lengua, estómago ..."

Miramos al pez, a la pequeña burbuja negra cerca de su boca ... Polyakov tocó su nariz húmeda con el palillo ...

La vista de la ciudad es psicodélica. No es una sola línea directa, toda el área consta de una gran cantidad de cuadrados. El área está saturada en el sentido y en el símbolo. Como un cementerio ruso. Todo está saciado con el Ser. Japón tiene arquitectura ontológica.

Nosotros con Polyakov fundamos una nueva enseñanza: la enseñanza ontológica Kyoto-Helsinki. La segunda raíz de Eurasia.

Eurasia se centra en Japón en nuestra geometría. Entonces enseña Chiseygaku.

La última noche nos trajo a las localidades cercanas a Moscú de Tokio. Al llegar a Japón, noté casi de inmediato que tenía cielo ruso. Pero solo el último día antes de mi regreso, quedó claro que cerca de Tokio había pastos y sabores de las localidades cercanas a Moscú.

Profunda, abundante, negra, sangrienta savia de la tierra. Una pequeña isla de hierba y de Rusia más luces de computadora de Shinkansen, rascacielos luminosos, carreteras centelleantes, jeroglíficos de neón parpadean. Me parece que cuando un ruso muere, primero se encuentra aquí y bebe la cerveza japonesa Kirin, hasta que comprende qué es qué.

Nikolay-do. Matins antes de Whitsunday son servidos por el propio Metropolita de Todo Japón. Los íconos son todos rusos. A la derecha del altar hay una imagen. Campo ruso, bosque, una belleza rusa se alza en una corona, con nimbo y con una cruz en la mano. La santa Olga. En el icono hay un fragmento de Shinkoku ruso. El icono del campo ruso, bosque ruso. Dos realidades holográficas. En algún lugar del mediastino del sueño están atados, arraigados entre sí. Raíces de Opon czardom, construcción del túnel Vladivostok-Hokkaido, Shinkansen de Tokio a Berlín.

Las palabras se entrelazan en toda la secuencia no dividida. En kanji no solo se puede leer y escribir, sino también pensar. Piensa en todo un mundo, que es indivisible, completo, pulsatorio por el exceso de ser interno.

Un pensamiento sobre Japón es el pensamiento sobre la integridad.

El corazón rojo en alza.

La luz de Oriente.

Deberían gobernar una y otra vez.

Para que toda la esfera del Pacífico tenga éxito.

Parte 2. Los geonáutas

Me ha honrado la visita del profesor japonés Shukei Yamaguchi. Uno más de ellos. Ahora me visitan todos los días. Eso es correcto. Si comenzó a hacer visitas, continúe. A los japoneses les gusta mucho la densidad. Como hacemos los rusos. Pero de otra manera.

Me pidió que explicara qué significa "ser ruso".

Respondí...

Estudió la herencia de Jung. Y un director de una universidad junguiana en Suiza pareció darle su bendición para escribir una investigación sobre la clasificación de los temperamentos básicos (introvertidos y extravertidos) por diferentes países y naciones. Una muy buena idea.

Yamaguchi llegó a la conclusión de que los pueblos occidentales son de tipo extravertido, los orientales son de tipo introvertido. Y en Europa los alemanes son relativamente introvertidos ("el pensamiento, el reflejo de las personas introvertidas"). En su clasificación, los rusos son "las personas introvertidas intuitivas". Los hindúes (como los alemanes) son "las personas introvertidas que reflejan". Los japoneses son "personas introvertidas sensuales".

Está claro que la esfera de la "introvertida" es el continente mental Eurasia.

La introversión gravita hacia la experiencia interior, hacia la "semejanza", hacia la "unidad", hacia la "interfusión".

"El mundo interior es el mundo de la vida", dijo Yamaguchi. Hablando con él, me di cuenta de que adora la Vida Absoluta. Es el sentido del culto euroasiático. La vida absoluta. Por lo tanto, siguen definiciones muy importantes:

"Por lo tanto, una persona introvertida, ya que está más preocupado por su vida interior que por el mundo material exterior, es probable que vea la realidad en alguna forma de unidad o interfusión que lo incluya todo. Le gusta sentirse unido a la Naturaleza. No se afirmaría a sí mismo, porque significa que debería ser independiente o estar separado del mundo u otras personas. Intentaría formar un grupo con amigos y tiende a sumergirse en él. No le gusta ser diferente de otras personas. Cuando tiene que juzgar, tiende a ver la realidad desde el punto de vista de la similitud, no desde la diferencia. Por lo tanto, se inclina a decir primero "sí" pero luego a menudo dice "no" en detrimento de su credibilidad ". (Yamaguchi)

Es la descripción de nosotros, yo, el pueblo ruso, el pueblo japonés, todas las personas buenas e interesantes en la tierra.

Además, Yamaguchi describe la psicología japonesa. Por ejemplo, el rito O-tsuki-mi. Es cuando los japoneses en silencio, durante horas miran la luna. Su Inconsciente se baña luego a la luz de la luna, se cura y limpia, como el país mismo se lava en las aguas del océano, eliminando la escoria. Los japoneses se preocupan por su inconsciente, lo limpian y lo cuidan.

Cada japonés ve la Luna en su propio ángulo y cambia de color. Esta es una práctica de tamamushi-iro. Las cosas cambian de color dependiendo de cómo se las mire. El color es la voz de la psique. Surgen verdaderas distinciones donde a través de diferentes personas se irradia el misterioso haz de luz común de la Vida Absoluta, que se casó en la nación.

Los japoneses odian someter al mundo circundante, porque no se diferencian de él. Y nuevamente el profesor Yamaguchi da una frase sorprendentemente precisa:

"Al japonés no le gusta la distinción clara, pero tiende a dejar las cosas en la ambigüedad". Como si estuviéramos durante las conferencias de "la Nueva Universidad" ...

En la lectura "La madre secreta" di una definición de humano, que se basó en la nueva antropología euroasiática: "un hombre es un movimiento inexacto de lo posible".

Me refería a un ruso por "un humano". Como ha quedado claro, los japoneses cumplen idealmente esa definición.

Le conté la historia a Yamaguchi con el profesor Murata y Kant. Me escuchó con gran interés. Cuando llegué al lenguaje, que cierra el abismo entre el mundo empírico y la razón, de repente me interrumpió, cortando el aire: "están conectados a través de la vida absoluta, que irradia a través de personas y cosas ... Kant es incomprensible sin Bergson y Jung!

Todo está claro contigo, me di por vencido. Y ese japonés, que ha estado viviendo en Occidente durante más de 20 años, no ha entendido nada en el mundo, donde se ha encontrado. Y nunca lo entenderá. ¡Y gracias a Dios! Gracias ... Esto me imparte una gran fuerza para mi trabajo. Para él, evidentemente, también.

Entonces el profesor me pidió que le contara sobre Rusia.

Respondí: "lo más importante en Rusia es la geonáutica," la tierra flotante ", la teoría de la tierra líquida. Concebimos lo denso como té de res, no como piedra. Los vapores de la tierra se elevan y forman el océano terrestre. Estos son múltiples mundos tridimensionales, aliento del Ser. La tierra, la tierra rusa tiene su propia ecuación de Navier-Stokes. Los rusos caminan sobre la tierra con todo su cuerpo, no con los talones.

Por lo tanto, los rusos son personas realmente introvertidas. Para ellos, la tierra no es algo firme, sino algo húmedo y visible. Los rusos flotan en tierra, por eso no entienden nada. Excepto por los japoneses. Por el contrario, entienden a los japoneses ".

Los ojos de Yamaguchi brillaban, brillaban dos veces, ardían.

"¿Y cómo juzgan los rusos? ¿Lógicamente? ¿Intuitivamente? ¿Emocionalmente? ¿Egoístamente?"

"No, nada está bien. Los rusos hacen juicios de acuerdo con el principio de máxima tontería. Eligen exactamente lo que es menos razonable y les traería muchos inconvenientes. Eluden la elección, la sabotean. Eligiendo absurdamente y no al punto, no es qué y cuándo se necesita, dan a entender: su propuesta, sus condiciones de elección son idiotas por sí mismas. Y es apropiado responder idiotismo por idiotismo. Es el abstencionismo activo. Simplemente no queremos vivir a lo largo del mundo con regulaciones impuestas. Nadamos. El sentido de Rusia es la seriedad irónica. La tontería irónica. Nos mostramos como tontos, nos reímos de aquellos que no se consideran como tales. Cuando un ruso lee a Dostoyevskiy, se muere de risa, Dostoyevskiy es autor increíblemente risible ".

"¡No lo dices! Sus obras son un drama angustioso para nosotros ... ¿Y qué hay del mesianismo ruso?"

"Es muy importante. Ese mesianismo apunta a Occidente. Es el mesianismo de los introvertidos. Nosotros, al igual que otros pueblos de Oriente, somos personas introvertidas, aunque no pasivas, no naturales, sino agresivas, sobrenaturales. Marchamos bajo la introvertición como bajo un estándar, extiéndelo por todo el mundo, pesa mucho sobre las membranas de Occidente, lo que no nos gusta, pero, por cierto, entendemos. Puede ser solo por eso que no nos gusta tanto ".

"Pero los rusos son muy talentosos en la esfera del arte, la belleza ..."

"Sí, pero no por estética. Justo cuando hace trescientos años se nos impuso la cultura occidental, que fue extravertida en su sentido, elegimos lo menos racional, lo menos razonable: la esfera del arte, donde hay más espacio para el Irracional. Pero eso fue un mero sustituto de la verdadera flotación terrestre. Muy pobre. Pero lo logramos, eso es cierto ".

Y entonces el profesor no pudo soportar más. Interrumpiéndome, dijo: "Me gustaría expresar mis emociones cantando".

En su perfil había una frase "silbador profesional". Al haberlo visto por primera vez, pensé "probablemente lo llaman flautistas".

No, él era un "silbador profesional" natural y literal.

El profesor Shukei Yamaguchi comenzó a silbar. Era el silbido otoñal, dedicado a las finas líneas de araña de la tarde, que vuelan silenciosamente desde las ramas de sakura. El silbido de otoño. Silbó el clásico silbido académico, ayudándose con su mano. El silbido nacional japonés.

Se para en mis oídos. Ese silbato extraño ...

[vuelosdelargadistancia]

FM Corazón

prima la melodía

en cada nuevo hit de FM Corazón

copa las esquinas y hasta el último salón

¿adónde vas, mi amor?

¿adonde te espero yo?

¿adonde reina la canción?

¿adónde vas, mi bien?

¿adónde así, tensa por estar bien?

murmurando en el idioma de la sed

haikus del rocío y la alborada

ignorando que el rocío y la alborada

llevan siempre algo de tu ser

tu ser

y la mirada infame que guardaste:

una instantánea

de minutos antes del desastre

la mirada que te hizo quedarte

gracias por quedarte

[praza-catalunya]

Antonio López ou os xeitos de retratar a vida

Esta primavera as obras realistas do artista Antonio López desembarcan en Barcelona, máis concretamente no Palau de la Música Catalana, esa institución convulsionada polos escándalos. E tamén hai unha escultura (Fátima) na galería Marlborough. As súas pinturas, as súas esculturas falan das teimas que o seu autor ten pola Humanidade, polo Tempo. Por que a infancia é ese estado tan enigmático? Por que López reitera sempre os mesmos temas? Temas que, en moitos casos, proveñen directamente do barroco.

Lito Caramés

La Cena.Flores, rosas

Aunque la virgen sea blanca

Píntame angelitos negros

Que también se van al cielo

Todos los negritos buenos

Pintor, si pintas con amor

Por qué desprecias tu color

Si sabes que en el cielo

También los quiere dios

(Píntame angelitos negros, poema de Andrés Eloy Blanco. 1959)

Na mostra Antonio López al Palau de la Música Catalanaé doado contemplar catro pinturas. Tres delas pódense definir como estudos preparatorios, ou pezas sen rematar, pero que aínda así teñen esa mestría que posúe o artista de Tomelloso. A pintura que é ben coñecida é La Cena, peza que comezou en 1971 e rematou por 1980. Antonio López, na presentación das obras dixo que tamén este óleo sobre táboa é un bodegón. Segundo López o bodegón é un tema moi antigo; xa os romanos o deixaron reflectido nas paredes e nos chans das súas casas, onde igual reproducían un fato de peixes, que de vexetais ou mestura dos dous reinos. Nesta páxinaobsérvase a riqueza e variedade de bodegóns que ornaban os muros das grandes residencias romanas de hai 2000 anos, pintados ao fresco.

O artista figurativo aproveitou para falar da admiración que sente polos bodegóns españois, como os que pintou Zurbarán, ou Sánchez Cotán. Trátase evidentemente de naturezas mortas nas que prima a frugalidade monacal, a austeridade relixiosa que ata en vexetais semella impor a igrexa católica naquel século XVII. A destacar a colección de bodegóns con cenorias e cardosque pintou Sánchez Cotán, con eses fondos negros que anulan perspectivas, e centran a mirada nos humildes alimentos. Se os ollares se centran na mesa iluminada que preside La Cenasi é un bodegón coas súas froitas, carnes, pezas de vaixela, etc. Hai anos dixo Guillermo Solana, director artístico do Museo Thyssen-Bornemissa, que esta pintura tiene un aire casi eucarístico, sacramental. Están comiendo cosas muy normales, muy corrientes, con una vajilla muy corriente. Una cena muy sencilla, a la luz de una bombilla. La cena de una familia de los años 60, de una España en desarrollo pero, que tiene la solemnidad de un sacramento. Efectivamente. López, desde finais do século XX retoma a esencia dos bodegóns barrocos; a súa espiritualidade. O propio artista na presentación de Antonio Lópezal Palau de la Música Catalanadefendeu que foi a pintura española barroca a que inventou ese bodegón frugal, mínimo, case oriental como un haiku, que a el lle parecen tan sacros como unha imaxe relixiosa de popular devoción. Aparte do bodegón propiamente dito, na pintura aparecen a muller do artista, María Moreno, tamén pintora, e mais a súa filla María. Ten contado a filla que o cadro foise facendo en longas horas de posado, ata o punto que o pai púñalles música e faláballes para que non durmisen. A calidade artística do mestre realista rezuma por toda a tea. Unha frugal luz ilumina a mesa, deixando o resto na penumbra, seguindo ditados de Caravaggio ou Rembrandt. O realismo dos alimentos, o virtuosismo dos vidros (pratos de Duralex, incluídos), as cores apagadas do fondo en contraste coa claridade amarela do mantel, falan de perfeccionismo artístico. No ano 2014, nunha exposición na Pinacoteca de Brera (Milano) puidose ver esta peza, La Cena,nun interesante diálogo, tal e como titulaba Artribune:Brera. Dove Caravaggio incontra Antonio López García. A pintura de López, de 1971-1980 en conversa directa coa ben coñecida peza caravaggiana: Cena in Emmaus,de 1606, na que Xesús e acompañantes gravitan arredor dunha mesa cun bodegón. Dúas ceas en diálogo artístico, separadas por case 400 anos, pero xuntas nas propostas e nas técnicas figurativas. Serán, tamén –como dixo Solana-- dúas ceas sacramentais? Ao falar desta circunstancia especial, que unha das súas obras comparta espazo e parede cun Caravaggio, López comentou lacónico: un regalo de la vida.

A carón de La Cena, na sala Lluís Millet –dedicada ao músico de El Masnou e fundador doOrfeó Catalá-- atópase exposto un debuxo. En realidade varios debuxos preparatorios da montaxe de La Cena. É moi interesante pois trátase dun collage no que o pintor –feito un deseño da face da súa muller ou de elementos da mesa-- pégaos sobre cartón para ir definindo volumes e composición. Os obxectos que na obra final están sobre a mesa, xa están neste debuxo. Non así os fondos que para nada aparecen. Quizais con estes xeitos de traballar o artista pode pensar e repensar a estrutura definitiva para a obra que homenaxea á súa familia.

Os bodegóns seguen o seu camiño. Os vieiros que os e as artistas escollen para crear as súas visións das realidades son moi diversas. Por sorte. Os irmáns Santilariactualizan os seus bodegóns con plásticos transparentes e bandexas de aluminio. Agora, no mundo das tecnoloxías audiovisuais non podía por menos que a natureza morta se retratase nesas tecnoloxías. Tal é o caso do artista Ori Gersht, que mesmo semella que quixese transportar a Sánchez Cotán á actualidade.

Carmen dormida. Noche / Hombre y Mujer

Regrets, I've had a few

But then again, too few to mention

I did what I had to do

And saw it through without exemption

I planned each charted course

Each careful step along the byway

And more, much more than this

I did it my way

(My way, adaptación dunha canción popular francesa ao inglés de Paul Anka ern 1969)

A exposición Antonio López al Palau de la Música Catalanatamén ofrece ao público que –con calendario reducido-- poida disfrutar das obras do pintor figurativo, a súa fasquía como escultor. Fóra do propio recinto do Palau de la Música, no espazo que se di Praça del Palauinstalouse a escultura Carmen dormida. Noche(2007), unha peza de algo máis de 3 metros de altura, en bronce, e que o artista fixo cando a súa neta Carmen tiña xusto un ano. El mesmo confesou que lle deu tempo a facer só a cabeza, xa non o corpo. É proverbial as lentitude de execución de Antonio López; segundo el nunca acaba de ver unha obra rematada de todo. Hai outra cabeza de Carmen, tomada xcos ollos abertos, co mesmo título pero co engadido Dia. Esta obra vén de Lleida, da FundacióSorigué, onde está exposta nos xardíns de tal institución. A Fundació Sorigué naceu co propósito de devolver á sociedade parte da riqueza empresarial xerada, e culturalmente decidiu crear unha colección de arte contemporáneo que hoxe conta con recoñecemento xeneralizado.

A cabeza de bebé queda moi ben onde está. Fai compañía a Carmela, a creación de Plensa en ferro fundido que, despois dunha exposición deste artista no Palau, unha solicitude popular logrou que Plensa concedese o goce da peza por oito anos. Carmelatamén é a cabeza dunha nena. Figurativa, tamén, aínda que con outra técnicas e materiais. Dúas nenas, esculturas exteriores, coa súa total inocencia vixiando o Palau de la Música Catalana, escenario de tantos concertos, pero tamén de tanta corrupción.

Estaría ben que outra mobilización popular pedise que a escultura de López se quedase nos exteriores do Palau.

Hai dez anos (daquela aínda non se sabía que uns ladróns traballaban desde dentro, coma termitas, para arruinar o prestixio da institución), tras dos vidros da fachada do Palau, a escasos pasos de onde agora dorme Carmen.O artista cambadés Francisco Leirocolgou un mangado das súas obras: Retaule. Pezas escultóricas de madeira –colgadas pola parede de vidros-- con choscadelas ao románico, pois eran austeras, elementais nas liñas, mitolóxicas e cotiás, hieráticas nos contidos. Leiro buscaba na monumentalidade a versión irónica, na estraña ubicación a racionalidade, na concepción plástica dos personaxes o humor do Salnés. Unha reflexión sobre a condición humana e unha ledicia para os sentidos.

Dentro, no primeiro piso, na sala Lluís Millet –a dedicada ao fundador doOrfeó Català-- Antonio López instalou outras dúas esculturas. Tamén emblemáticas da súa traxectoria artística: Mujer(2017) e Hombre(2001). Son dúas esculturas réplicas das que se exhiben no Centro de Arte Reina Sofía. A diferencia entre as orixinais, dos anos 90, e as que agora enchen espazos no Palaué que as do Reina Sofía son de madeira de bidueiro, ás que o artista logo pintou cunha cor “carne” que lles atribúe máis realismo. Sobre a escultura Hombree o sistema de traballo de López, el mesmo contou parte da historia desta peza. Xa traballara moito nela, pero aínda así había algo que non lle agradaba. A cabeza si. A cabeza fíxoa mormente a partir das formas dun amigo, pero no corpo había algo que non lle agradaba. Con todo a escultura viaxou a unha exposición en Alemania, e alí comprouna, ano 1973, unha coleccionista alemá. Despois de vendela, e de que se pagase –afirmou o artista-- pediulle á coleccionista que lle deixase levar a Madrid a peza para darlle uns retoques. Só retoques. A coleccionista accedeu, e López estivo retocando e cambiando case por completo o corpo ata o ano 1990. No ano 1990 Antonio López sabe que a coleccionista vendeu Hombre–que seguía no seu estudo a Repsol. E Repsol acabou doándoa ao Centro de Arte Reina Sofía.

Da outra peza, Mujer, en troques, López asegurou que foi posterior, pero que xa desde o comezo a atopou acertada, e que non lle deu tanto traballo. Da parella sorprenden as diferentes posicións e actitudes das figuras. Hombremóstrase tenso, cos ademáns de camiñar, o corpo máis cangado na perna dereita; mentres queMujeré máis estática, pés xuntos, frontal, serena. Aínda que sexa de lonxe hai aquí un certo paralelismo con moitas das esculturas de Giacometti. O artista suízo case sempre presenta aoshomesen actitude de andar, inclinados cara diante e cunha perna máis adiantada ca outra. Por contra as mulleresconcíbeas como estáticas, frontais, como chegadas da arte exipcia ou da etapa Arcaica grega. Comentou o artista na presentación deAntonio López al Palau de la Música Catalana–falando das dificultades que tivera para crear e entender Hombre-- que na escultura moderna desapareceu o canon. Non se pode falar do canon de sete cabezas (Policleto), ou do de oito cabezas (Praxíteles). En concreto, mencionou a dous artistas que remataron por crear os seus propios modelos humanos: Giacometti e Bacon. De seguro que esta citación ten que ver coas súas preferencias estéticas.

Falando das súas esculturas, e dos seus constantes traballos para retocalas ata sentir que expresan, que teñen ánima, Antonio López afirmou que lle daba importancia a todo na escultura, mesmo á pátina coa que recubre a estatua. López considera que a estatua, sexa do material que sexa, debe ter pel, ha de mostrar as rugosidades ou tersuras que lle corresponden. Por iso el imprima o metal ou a madeira cunha capa de pintura ou verniz, logo con outra, e outra ata atopar o tacto que considera que lle corresponde. Un mestre ata nos máis pequenos detalles.

Antonio López al Palau de la Música Catalana. Barcelona. Música

How many years can some people exist

Before they're allowed to be free

How many times can a man turn his head

And pretend that he just doesn't see

The answer, my friend, is blowing in the wind

The answer is blowing in the wind

(Bob Dylan. The answer is blowing in the wind, 1963)

Antonio López, o pintor figurativo máis coñecido e de longa traxectoria en España, está presente estes meses en Barcelona, na mostra Antonio López al Palau de la Música Catalana.Trátase dunha exposición peculiar, tanto pola ubicación como polos contidos, e tamén polas posibles visitas á mesma. As visitas poderán facerse só os mércores, ou os días de actuacións no Palau, ou tamén durante as visitas concertadas que se poidan programar por parte do Palau. O Palau de la Música Catalanaé un edificio magnífico deseñado e construído polo arquitecto Lluís Domènech i Montaner. Hogano é un dos mellores exemplos de Modernismo que se poden atopar na vila de Barcelona; a carón de La Pedrera, a casa Batlló, ou a Casa Amatller. Erixiuse este edificio, para que fose a sede do Orfeó Català, entre 1905 e 1908. Hoxe é patrimonio da Humanidade, declarado pola UNESCO. O arquitectoDomènech i Montaner,autor de verdadeiras iconas do modernismo en Barcelona e outras cidades, tamén foi historiador e político catalanista. Por outra parte, o Palaucomo institución cultural catalá está a saír dunha situación difícil, despois do escándalo que se descubriu polas manobras ilegais que facía o anterior director, Félix Millet e acompañantes.

Os temas que trata Antonio López son sempre os mesmos. Prioritariamente a figura humana, xa en debuxo, en pintura ou en escultura. E logo outros aspectos que rodean a vida humana: a produción de alimentos, as vivendas, as cidades. O artista expuxo no Palau de la Músicaque ten poucos temas, pero volve sobre eles continuamente. E para unha mesma obra igual. Estuda, proxecta, retoca e retoca. Esta liberdade para poder traballar ao ritmo e coas técnicas que lle peta, débese –afirmou-- a que non traballa por encargo. O encargo elimina a liberdade; os artista nestes casos ten que confeccionar o que lle piden, e do xeito que lle piden. Ao longo da historia os artistas traballaron principalmente por encargo. Os primeiros que de verdade racharon con esa dinámica e fixeron o que lles petou, aínda que non vendesen, foron os impresionistas. Monet, Renoir, Morisot, Pisarró, Casat, Sisley e outros pintaron cando e como quixeron, por iso foron rexeitados. Un exemplo é a serie que Monet fixo da fachada da catedral de Rouen. Pintouna e volveuna pintar, pondo o cabalete no mesmo sitio, e sempre lle saían cores e tonalidades diferentes. Hoxe esa serie marabilla. Como di Antón Patiño, o grande artista galego, no seu libro de poemas Océano e Silencio: Monet desviou / a canle dun regato / para facer pontes / ao país da pintura.

Durante as preguntas que lle fixeron a Antonio López diversas persoas presentes na presentación de Antonio López al Palau de la Música Catalana, o artista respondeu que está mirando de facer unha vista de Barcelona, igual cas que xa fixo de Madrid. O artista confesou que, non vivindo nunha cidade é dificultoso atopar o lugar desde onde tomar esa vedutedunha cidade. Aos seus 82 anos está totalmente activo –traballa unhas 6 horas diarias-- e, entre outras cousas xa ten comezadas dúasvedutade Bilbao e de Sevilla, onde a ría e o río –respectivamente-- son os eixos das pinturas. Nesas dúas vilas xa atopou o lugar onde instalar o cabalete, pois a el non lle agrada traballar a partir de fotografías; prefire o directo. Agora seica viu na prensa unha foto de Barcelona, tomada desde as alturas e na que se ve o caserío, máis arriba o azul do mar, e máis enriba o azul do ceo. E que esa vista gústalle moito, e procurará atopala para mirar de comezar a traballar nela.

Xa que estaba no corazón do Palau da Música Catalana, tamén lle preguntaron pola importancia da música na súa vida. Declarou que sempre lle encantou a música, que sempre traballou con ela. De rapaz, en Tomelloso, nunha das poucas radios que había escoitaba cancións e a música parecíalle maxia. Logo en Madrid foi descubrindo Beethoven, Purcel e Bach. Pero de sempre lle agradou moito a música popular (de feito, nunha das escenas de El Sol del Membrillo, sae cantando unhas coplas populares). Dixo que a música é unha arte que posúe unha condición que non ten a pintura, que é moi popular: calquera pode cantar e escoitala; e tamén é doado compor cantigas. Aludindo á música popular citou varios nomes: Bob Dylan, Frank Sinastra, e xa de España a Antonio Machin e a La Niña de los Peines,de quen dixo que tiña moitos discos. Desta última artista –unha das voces máis poderosas da arte do flamenco-- deixou escrito Federico García Lorca (admirador seu): Jugaba con su voz de sombra, con su voz de estaño fundido, con su voz cubierta de musgo.

Flores, verduras. Deseños

Yo vi a mi mare morir

y no me quiero acordar

fue tanto lo que sufrí

que, en vez de echarme a llorar

mi llanto rompió en reír

(Taranta popularizada por La Niña de los Peines)

Para seguir a visita de Antonio López al Palau de la Música Catalanacómpre rematar cos deseños de froitas e verduras que, en número de tres, tamén se poderán contemplar na Sala Lluís Millet. Son debuxos feitos con lapis sobre cartolina, traballos minuciosos e exquisitos que o artista de Tomelloso executou como ensaios resolutivos para máis bodegóns. O que nos tres deseños se pode ver son grandas, verduras, marmelos, froitas, e unha cabeza de coello. Os riscos do lapis desfila preciso e complexo como un gravado de Rembrandt ou de Durero. Polos lados López deixa espazos en branco, por onde os trazos respiran e ocupan a totalidade da cartolina. Sen medo aohorror vacui, como se dun traballo xaponés se tratase. Os tres debuxos son dos anos 1987 e 1988.

No ano 1992 Victor Erice argallou e filmou a película El Sol del Membrillo. O filme é simplemente (e dificultosamente) asistir ao intento de Antonio López de pintar un marmelo que, en pleno verán, está cheo de follas verde, e de froitos. O pintor figurativo insiste nos deseños preparativos para a posterior pintura. O problema foi que os días pasan, as cousas mudan, e a árbore cángase con máis peso, perde follas. A loita dos humanos contra o Tempo. Impresionante testemuña do traballo dun artista serio e realista. Antonio López sempre á procura da transcendencia da vida humana. Como deixou escrito Rainer María Rilke no seu poema Maxia:Tales formas xorden / dunha transformación indiscriminable: sinte e cre! / É frecuente sufrirmos polas chamas que se volven cinzas. / Mais na arte é o po o que se fai chama.

O cineasta David Trueba–quizais emulando a Erice-- propuxo a Josep Santilari, pintor de Montgat, filmalo mentres pintaba un cadro de amplas dimensións. O resultado é o filme El Cuadro. Neste filme dunha hora de duración asístese ao máxico proceso de creación artística; como en El Sol del Membrillo, pero aquí coa diferencia de que o artista chega a rematar a obra.

Pois os deseños de Antonio López que agora están no Palauteñen moito que ver co que se filma na película de Erice. Se alí López pasa a meirande parte do tempo argallando a situación do cabalete, a posición do artista (chega ao extremo de que, para acadar cada día a mesma posición, espetar unha cravos na terra onde ían ir as punteiras das súas botas), facer marcas nas follas para axudarse a cuadricular a tela, etc., é moi posible que, para facer estes deseños de froitas e verduras, López seguise rumbos similares. Ademais son dos mesmos tempos.

A escultura Fátima na Galería Marlborough. Os Santilari en Artur Ramon

Por estes mesmos días –a coincidencia foi buscada-- na Galería Marlboroughde Barcelona tamén se pode admirar unha creación de Antonio López, a escultura de medio corpo titulada Fátima. Fátima é a última escultura que polo de agora fixo López. Representa o medio corpo dunha muller en mármore branco, concibida como frontal e ríxida, como se dunha estatua sacra románica se tratase. Pero a dureza da escultura vese mediatizada por ese ollar que se ergue por riba dos seus horizontes (e dos da persoa que a contempla), e logra que toda a composición transcenda a anécdota e se proxecte cara o infinito; refuxio das grandes preguntas sobre a condición da vida humana.

Acompañando e compartindo espazos con Fátima, a galería Marlborough de Barcelona expón obras do artista Juan Genovés, baixo o título de Irreversible. O artista comprometido social e politicamente, autor de obras tan emblemáticas como El Abrazo(2003), creada en bronce a partir da pintura homónimado ano 1976, que conmemoraba a amnistía política dese mesmo ano. Na Marlborough está agora obra gráfica recente.

Non lonxe do Palau de la Música está a nova localización da galería Artur Ramon, un clásico na arte en Barcelona. E as súas dependencias albergan tamén estes meses a mostra 7 Pecats Capitalsamb Pere Santilari i Josep Santilari.Os irmáns Santilari crearon vanitaspara sintetizar cada un dos pecados capitais. Vanitasque moito teñen que ver e deber ás vanitasbarrocas. Saberá Antonio López que preto de onde respiran as súas obras, hai outras que de seguro o emocionarán?

Lito Caramés

EXPOSICIÓN:

Palau de la Música Catalana

ata o 24 de xuño de 2018

[jollycycleduck-blog]

Haikus lunados

Llega la luna a punto de dar luz, con su gran timba.

Dama de blanco, en la noche lunada la luna reina.

Ojos de ciego la distraída luna el horror temen.

Canto a la luna con cara de tambor del altiplano.

Cuña afilada llena de luz solar luna creciente.

[jollycycleduck-blog]

Haikus a secas

jaulas, macetas el corredor de casa; cae la lluvia.

el propio rostro las máscaras ocultan; la lucha libre.

del otro lado salta un conejo blanco; alegre sueño.

frente a nosotros el árbol prohibido; un gran silencio.

eres la reina de este instante ya eterno; las nubes pasan.