#Kunstakademie Münster

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Rundgang Sommer 2023

Der Rundgang 2023, die große Jahresausstellung der Kunstakademie Münster, findet als Sommerrundgang vom 15. bis 18. Juni statt. Eröffnung: Donnerstag, 15.06.2023, 19:00 Uhr. Weitere Öffnungszeiten: Freitag bis Sonntag jeweils von 10:00 bis 20:00 Uhr.

Kunstakademie Münster Leonardo-Campus 2 48149 Münster

Rundgangsplakat: Justeen Chapman

[komagome-soko]

motivated bodies

この度、綾野文麿、髙橋凜、チョン・チェリン、ナタリー・ツゥー、早川佳歩、米村優人によるグループ・ショー「motivated bodies」を駒込倉庫にて開催致します。 会期：2024 年 3月30 日( 土) ー4 月21 日( 日) 時間：12:00-18:00　*月・火・水 休廊 オープニング・レセプション：3月30日 16:00 -

Komagome SOKO is pleased to announce a group show, “motivated bodies” by Fumimaro Ayano, Kaho Hayakawa, Chaelin Joen, Rin Takahashi, Natalie Tsyu, and Yuto Yonemura,

Dates: Sat. March 30 - Sun. April 21, 2024 Hours: 12:00 - 18:00　＊Closed on Mon., Tue., and Wed. Opening reception:  March 30 16:00 -

“Motivated”(モチベーションを持つ）という言葉は、正確には、科学的にも学術的にも定義づけされていない。主に心理学として使われる言葉だが、その定義は諸説にとどまる。いわば、空のシニフィアンである。

しかし、現代社会においては、モチベーションをもつことは、高い意識をもち、よりよいライフスタイルを目指す言葉として使われ、誰もが目指すべきもののように掲げられる。この要因として現代ではより裕福であることが善とされ、人々は良い家、良い服、良い車、良い食べ物を追い求めようとしており、それは資本主義的な飽くなき成長を目指す精神性と言えるだろう。さらにそのような考え方の中では、より健康で、より長生きするための実践も行われる。その先にあるのは、非科学的な手法や根拠のない俗説である。またモチベーションを持つことは、我々の日頃の生活の中でも、大いに要請される。社会的にはより生産的な人間であることが、あたかも絶対的な価値として蔓延し、非生産性はつまり “amotivated” （モチベーションがないこと）であることは社会的な悪とされている。このような二項対立のなかで、“motivated”であることは一種��脅迫的な思考とも言える。そして普遍的な価値としてもなりすまそうとしている。

しかし、そもそも、モチベーションをもつことは、なんら怪しいことではない。美術に話を寄せれば、インスピレーションをきっかけに作品制作は始まるかもしれないが、それを動かし続けるのは、モチベーションである。ある種の持続的なやる気というのは、内発的なモチベーションによって維持され続け、何かをやり遂げる原動力となる。

　本展覧会題名に出てくる、”bodies”は単に身体を指す物ではなく、ある組織全体や概念的な物体をさす言葉として使われる。その意味合いを用いた場合 “motivated bodies”は “動機を持ったものたち”というような訳になるだろう。また、ものとは作品自体を指す言葉にもなりうる。作品の持つモチベーションとは何か、受動的とも捉えられている作品自体がどのような役割を果たすのだろうか。

そして、このモチベーションのもとは何かを今回6人の作家を通して考える。

　The word "motivated" does not have a precise scientific or academic definition. While primarily used in psychology, its definition remains subject to various interpretations, essentially serving as an empty signifier.

　However, in contemporary society, being motivated is portrayed as having heightened awareness and aspiring to a better lifestyle. It is presented as a goal that everyone should strive for. In the present era, affluence is regarded as a virtue, and people relentlessly pursue good homes, clothing, cars, and food—an attitude reflective of the ceaseless growth ethos of capitalism. Within such a mindset, practices for better health and longevity are also pursued. Beyond this lies a realm of non-scientific methods and baseless popular beliefs. Additionally, being motivated is highly demanded in our daily lives. Socially, being a productive individual is pervasive as an absolute value, and a lack of productivity, in other words, being "amotivated," is considered a social detriment. In the dichotomy of these notions, being "motivated" can be seen as a somewhat coercive thought, and it attempts to masquerade as a universal value.

　Yet, fundamentally, there is nothing suspicious about being motivated. In the realm of art, while the creation of artwork may start with inspiration, it is motivation that keeps it going. A certain sustained enthusiasm is maintained by intrinsic motivation, serving as the driving force to accomplish something.

　The term "bodies" in the title of this exhibition does not merely refer to physical bodies but is used to signify an entire organization or conceptual entity. In this context, "motivated bodies" would translate to something like "entities with motivation." Moreover, the term "things" can also refer to the artwork itself. What is the motivation behind the artwork, and what role does the artwork, often perceived passively, play?

　Through the perspectives of six artists in this exhibition, we will contemplate the origin of this motivation.

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Fumimaro Ayano  綾野文麿 1992年生まれ。埼玉大学教養学部芸術論専攻卒業後に、2023年東京藝術大学美術研究科グローバルアートプラクティス専攻修了。2021年にミュンスター芸術大学（ドイツ）へ留学。言語と記憶を通して日常における「形骸化された行為」をテーマにインスタレーションやパフォーマンス、テキストなどの多様なメディアを用いて作品を制作している。現在は東京都在住。令和4年度東京藝術大学卒業・修了作品買上。Art Award Tokyo Marunouchi 2023 後藤繁雄賞。

主な展覧会に、レジデンス・グループ展「月出アートキャンプ2022」月出工舎（千葉、2022)、二人展「Half & Half」Kunstakademie Münster (ミュンスター、2021)、「室内写真ーCamera Simulacra」文華連邦・あをば荘（東京、2020）、「ex\on」dragged out studio（東京、2020）

b.1992. After graduating from the Faculty of Liberal Arts, Art Theory Department at Saitama University, completed studies in the Department of Global Art Practice at Tokyo University of the Arts in 2023. Studied abroad at the Münster University of Fine Arts (Germany) in 2021. Produces works using various media such as installations, performances, and texts, focusing on "ritualized actions" in daily life through language and memory. Currently resides in Tokyo. Artwork purchased for the Tokyo University of the Arts graduation (2023). Received the Goto Shigeo Award at the Art Award Tokyo Marunouchi 2023.

Notable exhibitions include participation in the residency group exhibition "Tsukide Art Camp 2022" at Ars Tsukide (Chiba, 2022), a duo exhibition titled "Half & Half" at Kunstakademie Münster (Münster, 2021), "Camera Simulacra" at Bunka union Aobasou with Midori Mitamura (Tokyo, 2020), and "ex\on" at dragged out studio (Tokyo, 2020).

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Kaho Hayakawa　早川佳歩 1996年愛知県生まれ、東京都在住。2019年武蔵野美術大学造形学部油絵学科版画専攻卒業。2021年武蔵野美術大学大学院造形研究科修士課程美術専攻版画コース修了。

主な展覧会に「Wit and Zen」GRAFO gallery(リトアニア/2019)、「山と谷のあるところ」多摩信用金庫2階ギャラリー地域貢献スペース(東京/2022)、「個展 ３本足のスキップ」Cafe B13(2023/東京)など。

絵画空間の出現条件をテーマに、近年は作為と不作為のレイヤーが入れ子構造となることを条件と仮定し制作している。版画技法を用いて版を介することで他者性を介入させるだけでなく、ときに展示空間に立ち入る鑑賞者も不作為な要素として作品のなかに組み込まれる。

Born in Aichi Prefecture in 1996, currently residing in Tokyo. Graduated from the Oil Painting Department, Printmaking Major, of Musashino Art University's Faculty of Fine Arts in 2019. Completed the Master's Program in Art Major, Printmaking Course, at Musashino Art University's Graduate School of Art and Design in 2021.

Notable exhibitions include "Wit and Zen" at GRAFO gallery (Lithuania/2019), "Yama to Tani no Arutokoro" at Tama Shinkin Bank 2nd-floor Gallery Regional Contribution Space (Tokyo/2022), and solo exhibition "3 bon ashi no sukippu" at Cafe B13 (2023/Tokyo).

Exploring the theme of the conditions for the emergence of pictorial space, recent works assume the nested structure of layers of intention and unintentionality. By employing printmaking techniques and introducing otherness through the use of plates, the artist not only allows external elements to intervene but also incorporates viewers, at times, as elements of randomness within the artwork by entering the exhibition space.

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Chaelin Jeon　チョン・チェリン ソウル、大韓民国で生まれ育ち、現在もそこで活動している。彼女は彫刻、絵画、ビデオなど、さまざまなメディアを使用して歴史から隠された声を掘り起こし、取り入れている。彼女は2021年にフランス、セルジーのエコール・ナシオナル・スペリウール・ダール・ド・パリ・セルジー（ENSAPC）でMFAを取得、2018年には韓国、ソウルの弘益大学でBFAを取得。

近年の主な展覧会には、「A Wall of sugar」（フランス、2023年のTour Orion）、オンライン展「In Transit」（スイス、2022年）、そして「Fesitval SI CINEMA」（フランス、2022年）。

Chaelin Jeon was born and raised in Seoul, South Korea, and currently resides there. She works with various mediums such as sculpture, painting, and video to unearth and integrate hidden voices from history. Graduated in 2021 MFA Ecole nationale supérieure d’arts de Paris Cergy (ENSAPC), Cergy, France. Graduated in 2018 BFA Hongik university, Seoul, Korea.

 Notable exhibitions include “A Wall of sugar” Tour Orion (France, 2023), “In Transit” exposition en ligne (Switzerland, 2022), “Fesitval SI CINEMA” (France, 2022).

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Rin Takahashi　髙橋凜

東京都生まれ。2022年にフランスに交換留学後、2023年東京藝術大学大学院美術研究科グローバルアートプラクティス専攻修了。既存のイメージやオブジェクト、個人の小さな出来事を起点にした作品を手掛け、ドローイング、彫刻、映像、インスタレーション、パフォーマンス、まで多彩なメディアで制作を行う。主な展覧会に「Blind dog」（アートラボあいち、2023年)、「Adventure Something」(École nationale supérieure de paysage、2022年)、「DELTA」(KAYOKOYUKI、駒込倉庫、2021年)がある。

Born in Tokyo. After completing an exchange program in France in 2022, Takahashi Rin received an M.A in Global Art Practice from Tokyo University of the Arts in 2023. They work with found images, objects and personal moments as starting points, employing a variety of media including drawing, sculpture, video, installation and performance. Major exhibitions include “Blind dog” (Art Lab Aichi, 2023), “Adventure Something” (École nationale supérieure de paysage, 2022) and “Delta” (Kayokoyuki, Komagome SOKO, 2021).

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Natalie Tsyu　ナタリー・ツゥー

オスロと東京を拠点に幅広い分野で活躍するアーティスト、研究者。風景の記憶の探求をテーマに、フィールドワーク、サウンド、パフォーマンス、アートブック、グラフィックなど様々な形態のプロジェクトを行う。歴史的な風景を記憶する方法を発見するために、音を道具として扱う。彼女の活動では、音は視覚的な形をとり、視覚芸術とサウンド・アートの境界線で、見えないものを聞き、聞こえないものを見ることへと導く。

2019年にオスロ国立アカデミーを卒業。ノルウェー北部における”存在”の再構築に関連する芸術的研究プロジェクトDUNKE-DUNKのmメンバー。この研究は2020年にThe Norwegian Barents Secretariatからスポンサーを受け、2023年にVIS - Nordic Journal for Artistic Researchに掲載された。日本政府奨���金(Un)mute performance (2022年)日本におけるサウンドアートの歴史（1980-2000）に基づく存在論的楽器の芸術的方法論の開発において平山郁夫文化芸術賞受賞 （2023年）

最近の作品は、ノルウェー、ベルゲンのKunsthall3,14で展示されました。Spriten Kunsthall Skien、ノルウェー。 ルーツ&アーツ白老、日本; ONAプロジェクトルーム、東京、日本。 JCCAC香港; アバブ・ザ・クラウズ・ギャラリー・ロンドン; イギリス

Interdisciplinary artist and researcher based in Oslo-Tokyo. With the theme of exploring the memory of landscapes, her projects include fieldwork, sound, performance, art books,

graphics, and a variety of other forms. In her artistic practice, Natalie deals with sound as a material tool for awareness and exploration of the way of remembering historical landscapes. The sound in her practice takes on a visual form and helps to find the very borderline between visual and sound art, the border where the one who can't see - can hear, and the one who can't hear - can see. 

She graduated from The Oslo National Academy in 2019 and is part of the artistic research project DUNKE-DUNK related to the reconstruction of being in the north of Norway. The research received sponsorship from The Norwegian Barents Secretariat in 2020 and was published in VIS - Nordic Journal for Artistic Research in 2023. In 2022, Natalie received a Japanese government scholarship for: (Un)mute performance: Developing an artistic methodology for ontological instruments based on the history of sound art in Japan (1980-2000) and Hirayama Ikuo Culture and Arts Award 平山郁夫文化芸術賞 in 2023. 

The recent artworks have been exhibited in Kunsthall 3,14 Bergen, Norway; Spriten Kunsthall Skien, Norway; Roots&Arts Shiraoi, Japan; ONA Project Room Tokyo, Japan; JCCAC Hong Kong; Above the Clouds Gallery London; UK https://natalietsyu.com/

Yuto Yonemura　米村優人

美術家。1996年大阪府生まれ。京都市在住。2019年、京都造形芸術大学（現 京都芸術大学）美術工芸学科総合造形コース卒業。近年の展覧会等に、屋外彫刻《AGARUMANS (Best Friend)》「ART SCRAMBLE」(グランフロント大阪、2021年)、個展「BAROM（あるいは幾つかの長い話）」（京都市京セラ美術館、京都、 2023年)、個展「BARORORM SQUAD 1人でも立ってられるって！」（NEUTRAL、京都、2022年）、個展「我(WE)」（COHJU contemporary art、京都、2022年）、小笠原周、熊谷卓哉との3人展「問題のシンボライズ　−彫刻・身体・男性性−」（ホテル・アンテルーム京都、2022-2023年）、倉知朋之介との２人展「NSFS/止め処ないローレライ」（EUKARYOTE、東京、2023年）など。

Born in 1996 in Osaka Prefecture, Yonemura Yuto is a Kyoto-based artist. He graduated with a degree in mixed media from the Department of Fine and Applied Arts, Kyoto University of Art and Design (current Kyoto University of the Arts). Major exhibitions include the outdoor sculpture “AGARUMANS (Best Friend)” ART SCRAMBLE (Grand Front Osaka, 2021), solo exhibiions “BAROM（あるいは幾つかの長い話）” (Kyoto City Kyocera Museum of Art, Kyoto, 2023) and solo exhibiions “BARORORM SQUAD 1人でも立ってられるって！” (NEUTRAL, Kyoto, 2022), “我(WE)” (COHJU contemporary art, Kyoto, 2022), the three-person show “問題のシンボライズ　−彫刻・身体・男性性−” (Hotel Anteroom Kyoto, 2022–23) with Shu Ogasawara and Takuya Kumagai, and two-person show “NSFS/止め処ないローレライ” (EUKARYOTE, Tokyo, 2023) with Tomonosuke Kurachi.

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[manessha545]

Doedicurus (South America)

Animal

Doedicurus is an extinct genus of glyptodont from South America containing one species, D. clavicaudatus. Glyptodonts are a member of the family Chlamyphoridae, which also includes some modern armadillo species, and they are classified in the superorder Xenarthra alongside sloths and anteaters. Being a glyptodont, it was a rotund animal with heavy armor and a carapace. Averaging at an approximate 1,400 kg (3,100 lb), it was one of the largest glyptodonts to have ever lived. Though glyptodonts were quadrupeds, large ones like Doedicurus may have been able to stand on two legs like other xenarthrans. It notably sported a spiked tail club, which may have weighed 40 or 65 kg (88 or 143 lb) in life, and it may have swung this in defense against predators or in fights with other Doedicurus at speeds of perhaps 11 m/s (40 km/h; 25 mph).

Doedicurus - Wikipedia

Paleostream

Book by Joschua Knüppe

Hyrotrioskjan - Professional, General Artist | DeviantArt

Joshua Cudgel

Graphic artis

Joschua Knüppe (born 6 June 1992 in Mettingen) is a German paleo artist and conceptual artist.

Knüppe drew his first dinosaurs at the age of three in kindergarten. After graduating from high school in design in 2010, he studied fine arts at the Kunstakademie Münster until 2022. From 2011 to 2013 he attended Lili Fischer's class, from 2013 he was a student and from 2014 to 2015 a master student in the performative art class of the American video and performance artist Shana Moulton. In 2015 he was a student of Paul Schwer and from 2015 to 2018 he attended the class of the Dutch artist Nicoline van Harskamp. Since 2014 he has been working as a freelance artist working for scientists and museums. His work spans paleoart and paleontography, fictional ecosystems, sometimes on other planets, and mythical creatures, especially dragons, which he realistically depicts. All of his works are interconnected, forming large four-dimensional networks that become denser and denser over time. He sees himself as a classical modernist and conceptual artist, which means that the idea is always more important or interesting to him than the form.  His projects include mythological creatures, dragons of the world, planet Silvanus, Wegener 2, Serentopia, Atzlan, future birds and their world, organic technology, and paleoart about the Jurassic period in Germany. Knüppe is responsible for several exhibitions and panel discussions organized by the European Association of Vertebrate Palaeontologists. He created more than 20 illustrations for the National Museum of Natural History in Luxembourg. Knüppe founded the Paleostream community of international digital artists who produce sophisticated new art on an almost daily basis. He also runs a YouTube channel where the community's findings are presented in online conferences. Kmüppe collaborated with the weaving studios 252mya and Pteros and created reconstructions of Cretaceous basins in Europe.

In 2016, Knüppe illustrated the article Cenomanian–Turonian marine amniote remains from the Saxonian Cretaceous Basin of Germany by Sven Sachs, which appeared in Geological Magazine. In 2020, he published the visual novel Europasaurus: Life on Jurassic Islands with Oliver Wings. In 2023, he appeared in the Terra-X episode Dino Hunters

Another #paleostream sketch

Doedicurus, standing bipedally. There are actual publications that indicate that even these enormous armadillos were able to walk on their hind limbs. Also their osteoderms show openings for hair follicles, so their armor was partially furry.

[mairimregreb]

UNBOXING

detail of the installation "n.t. (un-ward, we roam alone)" which will be presented at the exhibition "UNBOXING" (case no. 09)

"UNBOXING – eine Ausstellungsdekonstruktion der Ateliergemeinschaft Schulstraße"

opening:

24. August 2023, 19 Uhr Alter Steinweg 6-7, 48143 Münster im Haus der Niederlanden / Krameramtshaus

25 positions from the studio community with guests from the former Schulstraßen-fellows of the Kunstakademie Münster will be on display.

[diefylmklasse]

???

dFZ

Ton-Installation

Tonband, Tonbandgerät, Äste, Seile.

|2019|

©Raoul Morales-Márquez

[frubba1-blog]

Münster Lecture - Echo Ho

Liebe Freunde und Kunstinteressierte, wir laden Sie herzlich zur Münster Lecture mit der Künstlerin Echo Ho, Köln, ein.

Echo Ho ist Grenzgängerin zwischen Film und Klang. In ihren Performances verbindet sie Musik und Video, charakteristisch ist ihr Einsatz der eigenen Stimme und der von ihr selbst entwickelten „Slow Qin“ , einer elektrifizierten Version der traditionellen chinesischen Zitter Guzheng. Im Fokus ihrer künstlerischen Arbeit setzt sich Echo Ho mit unterschiedlichen Konzepten und Geschichten von Kunst und ihrem Verhältnis zu Raum, Zeit und Körper auseinander. Sie verwebt historische Erzählungen mit der Gegenwart und fokussiert sie auf einen Punkt erfahrbarer Poetik. Für die Filmkonzertplattform Schwarz-Weiß ist die bessere Farbe hat Echo Ho die Performance Xiaoqing erarbeitet, eine audiovisuelle Mischung von Livemusik und Videoprosa. Die Präsentation bei den Münster Lectures wird die Uraufführung einer Reihe von Xiaoqing Performances sein. Xiaoqing, was übersetzt „kleines Grün“ bedeutet und der Spitzname Echo Hos aus ihrer Kindheit ist, handelt von zwei unsterblichen Schlangengeistern. Die Geschichte, die sie erzählt, ist zugleich autobiografisch und kollektiv: die Wahrnehmung von Glauben, Identitäten, Technologien sowie Metamorphosen von Köper und Lebensräumen inmitten der globalen Umwelt. Echo Ho, geboren in Peking, lebt und arbeitet in Köln. Sie studierte audio-visuelle Medien an der Kunsthochschule für Medien Köln sowie technische Künste (Film und Fernsehen) an der Hong Kong Academy for Performing Arts. Es folgten mehrere Artist Residencies, unter anderem am Vancouver International Centre for Contemporary Asian Art. Von 2011-2013 hatte sie ein Fellowship am Berlin Centre for Advanced Studies in Arts and Sciences, der Graduiertenschule der UDK Berlin und sie war bis 2013 Dozentin im Bereich Sound und elektronische Medien an der Kunsthochschule für Medien Köln.

27.11.2018 18:00, Hörsaal der Kunstakademie Münster, Leonardo-Campus 2, 48149 Münster

[offiziellejjlfanseite]

Bei der ARD ist man fleißig. Fehlt nur noch der XL-Trailer... Foto: Foto: © WDR/Klaus Görgen

[martalosada]

KATHARINA GROSSE, ALEMANIA, 1961

Rockaway!, 2016

Untitled, 2013

Acrylic on canvas

175 × 146 cm

Ingres Wood, 2018

Acrylic on tree and fabric

255.3 × 555 × 2360.3 cm

Untitled, 2017

Acrylic on aluminium

73 × 91 × 141.9 cm

[urienclasedepintura]

KATHARINA GROSSE

1961-presente

Rockaway!, 2016

Untitled, 2013

Acrylic on canvas

175 × 146 cm

Ingres Wood, 2018

Acrylic on tree and fabric

255.3 × 555 × 2360.3 cm

Untitled, 2017

Acrylic on aluminium

73 × 91 × 141.9 cm

[mirzart]

Grosse, Katharina

Artist Webpage/References: https://www.katharinagrosse.com/

[fabiansteinhauer]

Zeitmessung

1.

Paul Dietrich Brandi, gen. Diez Brandi entwirft und baut das Rathaus in Aschaffenburg. Dieser Architekt ist also einer der Brandis, genauer gesagt Sohn von Karl Brandi, dem Historiker mit so einem mimetisch-heilig-römischem Talent, dass er sein Hauptwerk über Karl V. geschrieben hat, schon weil er sich selbst für einen Deutschrömer hielt. Am Vorabend des Abschlusses der Lateranverträge macht Aby Warburg eine Skizze seines Hotelzimmers. Das ist eine Skizze, wie man die aus den Akten der Protokollämter kennt. Dort wird eingezeichnet, was und wer in welcher Reihenfolge wo steht und wo lang geht. Unter diese Skizze schreibt Warbug den Namen Karl Brandi (er hatte ihn schon in die KBW eingeladen, der hatte dort einen Vortrag zu Volkstribun Cola di Rienzo gehalten. Waburg erinnert sich an Brandi, vermutlich wegen dessen Wissen über alles Deutschrömische, vor allem über Protokoll, Diplomatie und Diplomatik.

Die Familie Brandi sind italienische Einwanderer, um 1800 tauchen sie in Deutschland auf, um 1900 haben sie den seltsamen Eindruck, es geschafft zu haben, spätestens ab da halten sie sich für so wichtig, dass sie biographiepflichtig werden. Und diese Biographien färben mimetisch ab. Und so baut Sohn Diez noch ein verdammt deutschrömisches Rathaus in den Fünfziger Jahren.

2.

Diez Brandi entwirft den Bau als Inbegriff der deutschrömischen Vorstellungen der 50' Jahre. Er kommt aus dem Göttinger Professorenmilieu, aus dem Milieu von Karl Brandi und Percy Ernst Schramm. Diez hatte in Stuttgart bei Paul Bongartz studiert; so zählt man diesen Bau in Aschaffenburg zu einem Bau der sogenannten Stuttgarter Schule (deren berühmtester Bau der Bahnhof von Bongartz in Stuttgart ist).

Die Schule ist faszinierend, denn in den 50 Jahren entstehen auch durch diese Schule Bauten, die das decorum des modernen demokratischen Managements noch mit dem großen Kanzleistil des autoritären (amerikanisch-oligarchischem, französisch-patriarchalischem, deutschrömisch faschistischem und sowjetisch-stalinistischem) Neoklassizismus verschmelzen. Die juristische Fakultät in Münster, das Glanzstoffhochhaus in Wuppertal, die Gerling-Zentrale in Köln oder eben das Rathaus in Aschaffenburg: das sind Wendebauten, wendige Bauten in kaltem Chic. Viele Erstbezieher hatten sich bewährt in der Verwaltung, nicht erst seit 15-20 Jahren, länger schon. Am Anfang hallten eingeübte Offizierstöne durch diese Uffizien.

Ihre Polarität merkt man diesen Bauten an, besonders dann, wenn man einen kleinen Wetter- oder Klimawechsel in den Räumen durchhält, also wenn man zum Beispiel hoffnungsvoll einen Antrag stellt und der dann abgelehnt wird.

2.

Hermann Caspar, Professor an der Kunstakademie in München, der zuvor die Reichskanzlei in Berlin ausgemalt hatte, gestaltete die Wandmalerei und die Uhr, die auch die 12 Tierkreiszeichen des Zodiaks anzeigt. Mit der astronomischen und der astrologischen Gestaltung ist diese Uhr eine Doppeluhr, sie ist rational und mythologisch. Als Doppeluhr ist sie die perfekte Uhr für Leute mit doppeltem Körper, für Amtsträger.

Uhren sind Polobjekte, die operationalisieren ja die Polarität der Erde und den Umstand, dass die Zeit dort nach dem Sonnenkalender vergeht und es darum auch mal hell und Tag und dann wieder dunkel und Nacht wird. Die Uhr pendelt ohnehin, aber so auch im Warburgschen Sinn. Sie ist also nicht nur Doppeluhr für doppelte Körper, sie ist auch gleich doppeltes Polobjekt. Die auch astrologisch, auch astronomisch gestaltete Uhr ist im Lichthof neben der Freitreppe und der Kuppel das zentrale Motiv, sie steht überhaupt dazwischen, vermittelt zwischen dem einfallenden Licht und den Leuten, die diese Treppe hoch zum Amt und danach wieder runter und raus müssen.

Die Leute überlegen mehr oder weniger kafkaesk, ob sie rechtzeitig gekommen und (hoffentlich!) ob sie rechtzeitig gegangen sind. Dabei helfen Uhren, und die Sichtung durch Konstellationen (das sind Sternenbilder) wohl auch. Caspar lässt in dem Raum mit dem Uhrwerk eine Inschrift anbringen, die auf die Bedeutung der Zeitrechnung für die Ordnung des bürgerlichen Lebens hinweist. Zeitmessung ist ein hoheitliche Aufgabe, das ist eine staatliche Aufgabe, auch wenn Staat hier zuerst und zuletzt nur den Status eines groß abgestimmten Wissens, etwa einer Vereinheitlichung meint.

Komprimiert und destilliert greift das Rathaus noch einmal auf, was Aby Warburg im Palazzo Schifanoia (noch viel komplexer) beobachtet hat, was man aber auch in Padua und anderen italienischen Verwaltungsarchitekturen beobachten kann: eben diesen einen doppelten, nämlich astronomischen und astrologischen Einsatz der Zeitmessung, der auch in der Doppelung durch Synopse (Übersicht) und Eingriff (Zeitvorgabe) den Mythos mit der Rationalität verhäkelt, um vielleicht noch einmal in größerem Schwung Ähnlichkeiten und Unähnlichkeiten anzapfen zu können.

3.

Die Menschen werden so nicht nur mit den Menschen ähnlich gemacht, sondern mit vielem aus dem Reservoir der Konstellationen und der Meteorologie,: mit Wesen aus allen vier Jahreszeiten und allen zwölf Monaten. Vielleicht wird der Bürger doch ab und zu zum Bock, zum Stier, vielleicht ist er an manchen Tagen jungfräulich und dann der Schütze. Manchmal krebst er, manchmal hat er einen Doppelgänger. Manchmal ist er doppelköpfig, manchmal melancholisch, dann venerisch.

Die verschiedenen astrologischen Ordnungen sind Schichten, die zuerst geographisch angelegt sein mögen, aber sie sind nicht nur geographisch angelegt. Die Rede von einer inneren Mongolei ist schließlich ebenfalls nicht nur metaphorisch. Solche Doppeluhren tragen innere Mongoleien, innere Zwischenstromländer, inneren Osten und innerern Westen räumlich und zeitlich in die Herzen und Seelen ihrer Nutzer. Die Zeitschichten, mit denen Kalender Ähnlichkeiten anzapfen, führen Geochronographien mit sich, weiter östliche und weiter westliche Kalender: entferntere Ähnlichkeiten und entferntere Unähnlichkeiten in den Denkräumen, die mit ihrer Hilfe gemessen werden.

Aby Warburg spricht von in Bezug auf seinen vierfachen Pendelsinn von der Janusköpfigkeit eines historischen Empfindens und einer erstaunlichen Selbstverständlichkeit tragischer Polarität in der Entwicklung des modernen Homo non-sapiens.

In Deutschland ist so eine astrologisch/astronomische Doppeluhr im Innenraum eines Rathauses angeblich einmalig, aber Brandi und Kaspar greifen auf, was in den 50'er Jahren auch woanders kursierte, wenn dort Moderne und Mythos im Chic einer SuperConstellation verknüpft wurden.

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Ausstellung Wewerka Pavillon

24.01.2023 – 28.03.2023

YOUN HEE PARK /// BEHIND WHITE: IMAGE OF BLINDING WHITENESS

Eröffnung: Dienstag, 24. Januar 2023, 19 Uhr

Die Ausstellung „Behind White“ von Youn Hee Park im Wewerka Pavillon stellt die Macht von Sprache im Kontext von Rassismus und Imperialismus dar. Für ihre Installation hat die Künstlerin Ausdrücke der „Whiteness” in europäischer und anglo-amerikanischer Literatur des 19. und 20. Jahrhunderts gesammelt. Raumgreifend repräsentiert der Wewerka Pavillon, wie „Whiteness“ Rassen klassifiziert und „none-White”-Personen als Fremde, als Stereotypen, als Undokumentierte, als Nicht-Bürger*innen und als abwesend in der Gesellschaft darstellt. Die Grundlage für Youn Hee Parks Installation bilden Zitate, welche kolonialistisches, herrschaftliches Gedankengut verkörpern und so einen tiefgreifenden Einfluss darauf haben, wie wir die Welt im 21. Jahrhundert sehen. Diese Zitate werden in räumlicher Form visuell von Youn Hee Park aufgearbeitet und an den Scheiben des Pavillons inszeniert. Besonders zur Geltung kommt die Installation in der Dämmerung, denn wie ein stellvertretenes Mahnmal interagiert, der Pavillon mit der betrachtenden Person und leuchtet bei Annäherung auf.

Wewerka Pavillon – Ausstellungsraum der Kunstakademie Münster

Kardinal-von-Galen-Ring / Annette Allee / Aasee-Uferweg

Münster

[mayumi-arai-news]

[Teaching/Workshop]  Avatar mapping Münster - Tokyo

Jul. 2021 - Nov. 2021 Willimann/Arai (新井麻弓 & ニナ・ウィリマン)が東京藝術大学とドイツのミュンスター芸術アカデミーによる共同プログラム型ワークショップ《Avatar mapping Münster - Tokyo》を担当しました。 Avatar mapping Münster - Tokyo, Joint program between Kunstakademie Münster and Tokyo University of the Arts (GEIDAI) , Münster & Tokyo/DE & JP

参加者23名による本ワークショップの成果展が、東京藝術大学とミュンスター芸術アカデミーの両大学内で開かれます。

「モッキュンチューザートースター: 使用不可能性の地図」 2021年11月15日 - 18日　　ミュンスター芸術アカデミー、東京藝術大学

[milenaolesinska]

Exposition Art Blog  Kuno Gonschior

“Kuno Gonschior (10 September 1933 in Wanne-Eickel – 16 March 2010 in Bochum) was a German painter.From 1957 to 1961, Gonschior studied painting at the Kunstakademie Düsseldorf. In 1959, he was one of the first students of Karl Otto Götz, his classmates being Gotthard Graubner and HA Schult.From 1961 to 1963 he studied at the University of Cologne. In 1972, he became lecturer at the Pädagogische Hochschule Münster. From 1982 to 2000, he was a professor of painting at the Hochschule für Bildende Künste Berlin.Gonschior's early work with its intuitive, almost monochrome strokes of the brush was influenced by Götz's abstract style. Later, during the 1960s, he created paintings out of characteristic dots placed next to each other, combining fluorescent, complementary colors such as red and green. As a result, extreme vibrations are triggered in the human eye. He also painted large, abstract landscapes merging and melting thick paint in rich colors. Furthermore, he was inspired by the color theories of Josef Albers. From 1968, he created colored multi-room installations.In 1977, the artist participated in the documenta 6 in Kassel. After that date, he primarily exhibited in the USA and in Japan. In 1999, he received the Deutscher Kritikerpreis .”

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[diefylmklasse]

Tendresa

Mix Media Installation - Video, Super 8mm, Holz, Tuch, Fernseher, VHS, Fotografie.

Bei der Ausstellung “the unknown moment”, mit Giovanni Basile.

|2018|

©Raoul Morales-Márquez

[artatberlin]

Neuer Post auf ART@Berlin https://www.artatberlin.com/ausstellung-nora-schattauer-galerie-dittmar-contemporary-art-kunst-in-berlin-art-at-berlin/

Nora Schattauer | Galerie Dittmar | 17.01.-01.03.2018

bis 01.03. | #1814ARTatBerlin | Galerie Dittmar zeigt seit 17. Januar 2018 die Ausstellung “Sichtbares und Unsichtbares – Strukturen und Farbklänge” der Künstlerin Nora Schattauer. Nora Schattauer studierte an der Universität Köln und an der Kunstakademie Münster. Ausstellungen und Au...