#ARTE EN LA RED LA COLUMNA

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"Digital Impact", una exposición en la vanguardia europea en Barcelona

“Digital Impact”, an exhibition on the European avant-garde in Barcelona TERESA FERNANDEZ HERRERA Prensa Especializada Hasta el 27 de agosto podrá verse “Digital Impact”, exposición, que ya es una referencia del arte digital  a nivel europeo, en quizá el edificio más vanguardista de Barcelona, el Museo del Diseño, en la remodelada Plaza de las Glorias Catalanas, que junto con el parque del…

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CASA VALERIA CIRELL

Arquitecto: Lina Bo Bardi

Año de Construcción: 1957 - 1958

Superficie de la parcela: 1600 m2

Superficie de la vivienda: 234,5 m2

Ubicación: São Paulo, Estado de São Paulo, Brasil

Biografía del arquitecto

Achilina Bo Bardi nace en Roma el 5 de diciembre de 1914 y muere el 20 de marzo de 1992 en Sao Paulo fue una arquitecta moderna.

Se graduó en el Liceo Artístico Mamiani de Roma en 1933 y en 1939 se licenció en arquitectura por la escuela Superior de Arquitectura de Roma.

Al año siguiente se translada a Milán y se asocia con el arquitecto Cario Pagani con el que trabaja para el estudio de Gio Ponti. En estos años Bo Bardi escribió numerosos artículos firmados por ella. Gracias a ello fue ganando la suficiente fama para montar su propio estudio.  Lina, en ese período, participó en la resistencia a la ocupación alemana como miembro del Partido Comunista Italiano.

En 1946, Bo Bardi abandona Europa de forma permanente y se establece en Brasil con su esposo Pietro María Bardi, donde desarrolló sus obras más significativas y siguió con su premisa de humanizar la arquitectura, esta vez a partir de la mixtura entre el arte y la cultura popular que tomaba como principal inspiración y lo moderno, creando una actitud que definió la cultura brasileña de mitad de siglo y un estilo distintivo que aún hoy inspira a arquitectos latinoamericanos.

Lina Bo Bardi influyó poderosamente en la arquitectura del siglo XX, mezclando la tradición con lo moderno desde un punto de vista humano y asignando un papel preponderante al habitar y la experiencia arquitectónica como elementos esenciales de una obra.  

Descripción de la obra

La casa se encuentra ubicada en un solar de esquina en un barrio residencial de Morumbi, São Paulo, para el profesor de USP Renato Cirell y su mujer Valeria Piacentini Cirell.

La misma, cuenta con unos 122 m2 de casa y 112,5 m2 de galería que es semicubierta y es capaz de mimetizarse con la naturaleza que se encuentra en su entorno.

La vivienda en sí, se compone de dos volúmenes que siguen un esquema ortogonal los cuales están colocados paralelamente y situados en la parte más baja de la parcela para darle así mayor privacidad frente a la calle, pero en cuanto al paisaje en el que se abren dispone de ciertas aberturas para crear una continuidad directa entre el interior y el mismo paisaje. Por un lado, prisma principal es un cuadrado de dimensiones 8x8 m formado por dos niveles en el que en la planta baja se situaban las estancias de día, así como el salón, la cocina, y en la planta alta la zona de noche con un baño y una doble altura que da al salón de la planta baja, mientras que el otro prisma cuenta con una forma rectangular con dimensiones de 3,4x7,3 m y en él se ubica la habitación de servicio con su respectivo baño. Entre ambos si ubica esa galería cubierta de paja y frente al prisma principal encontramos una piscina.

Los materiales escogidos para la construcción de la misma hacen que como bien hemos dicho antes, se mimeticen con el entorno, ya que los muros exteriores están cubiertos con pequeñas piedras y trozos cerámicos y los pilares que sostienen esa cubierta son de troncos de madera. Así, la casa parece estar esculpida en la vegetación ya que todo se camufla en el paisaje.

Contexto Cultural

La Casa para Valeria Cirell fue construida en 1958 por encargo a Lina Bo Bardi del profesor de la USP: Renato Cirell y su esposa Valeria Piacentini Cirell .

Durante la obra de Bo Bardi se crea una existencia de una continuidad, o vin-culación, muy persistente a lo largo y a través de su obra, los edificios se podrían conectar como objetos semejantes entre ellos, que se van repitiendo y transformando; configurando así una densa red. Puede ser tanto la base de una columna, una escalera o una idea manifestada en alguno de sus escritos. La Casa para Valeria Cirell, que es una de las tres viviendas que se proyectaron por Lina, bajo una primera mirada pareciera salirse de ciertas premisas 'modernas que la arquitecta trabajo en los proyectos que la precedieron, pero cuando se estudia con algo más de profundidad, se puede apreciar como esta residencia le permite explorar campos que aún no había desarrollado, y llevarlos a su más extrema expresión estética; sobre todo en cuestiones materiales, pero que en la sumatoria de decisiones que configuran esta casa se alinea con sus principios más profundos sobre cómo debía ser la arquitectura nacional-popular brasileña.

En la Casa Valeria Cirell, Lina Bo Bardi logra que el proyecto forme parte del paisaje, tanto natural como cultural. En esta obra, al valorar la cultura del lugar, lo táctil y lo visual, además de reinterpretar elementos vernáculos, de alguna manera anticipó las discusiones sobre "Regional-ismo" en Brasil.

Estas características de la autora, sumadas a la cooperación entablada con la propietaria que le permitió explorar en sus principios para afrontar el proyecto, hacen que de la Casa Valeria Cirell no solo una crítica al movimiento moderno brasileño, sino también una sintesis arquitectónica sobre una obra que resulto ser atemporal, sencilla, popular y adelantada a los debates que se iniciarían luego en todo el territorio Latinoamericano.

Fuentes

Casa Valéria P. Cirell, São Paulo – Consultado el 26/11/2022

URL: https://arquitecturaviva.com/obras/casa-valeria-p-cirell

Una casa a la vista. Tesis Final del Master, Universidad Politécnica de Cataluña – Consultado el 26/12/2022

URL: https://upcommons.upc.edu/bitstream/handle/2099.1/8353/magdalena_reches_peressotti_Una+casa+a+la+vista_TESINA+MTPPA.pdf?sequence=1

Casa Valéria Cirell – Consultado el 26/12/2022

URL: https://www.urbipedia.org/hoja/Casa_Valeria_Cirell

Lina Bo Bardi, la arquitecta que unió el arte popular latinoamericano con lo moderno - Consultado el 28/12/2022

URL:  https://www.admagazine.com/arquitectura/lina-bo-bardi-biografia-y-obras-20200124-6395-articulos 

Valéria P. Cirell House - Consultado el 01/12/2022

URL: https://hiddenarchitecture.net/valeria-p-cirell-house/ 

[enredandoconlavida]

LA RIQUEZA OCULTA

Texto y fotos por Paulina León

Entre las hojas, las raíces y los tallos, se esconde una de las riquezas más valiosas para los artesanos panameños. Producto de la rica y extensa naturaleza panameña, aportan a nuestras manos la misma belleza que desfilan los colores nacidos de la tierra: los tintes naturales.

Hemos encontrado un amor real por la calidad y el trabajo en una joven artista que ha creado su propia línea de piezas teñidas a mano llamada “Raíces de la Tierra”, y nos llena de emoción decirles que ha encontrado su casa entre las paredes de Karavan.

Su creadora, Paulina León, nos cuenta cómo elementos que desecharíamos se convierten en arte tras pasar por sus dedos expertos en “excavar” entre la naturaleza. Su trabajo se complementa de teñidos realizados en Coclé y en el Darién, donde junto con expertos teñidores, ha logrado recuperar esta técnica que se iba diluyendo en el tiempo.

PAULINA LEÓN nos comparte su experiencia.

"Encerrada en un piso veinticuatro a principios de pandemia, me propuse buscar maneras de mantenerme conectada a la tierra. Fue entonces que la práctica del teñido natural me llamó la atención. Podía utilizar cosas que tenía en casa: sal, cáscaras de cebolla y telas. Estudiando aprendí que el teñido natural en sus formas tradicionales es un proceso intuitivo. Hay culturas en las cuales teñir representa el traspaso de las propiedades terapéuticas de la planta o vegetal a la tela; este proceso conlleva la intención de irradiar bienestar. Cada una aplica esta sabiduría artesanal con diferentes técnicas y a través de diversos materiales.

Mi primer teñido fue con cáscaras de cebolla y aguacate sobre algodón y seda. Descubrí que cada tela o fibra requiere de un trato singular ya que absorben el pigmento de manera diferente, creando así sus propias versiones del mismo color. Este proceso de teñido natural es un método inteligente y respetuoso con el medio ambiente. Existe una amplia cantidad de pigmentos derivados de plantas, flores, tallos, cortezas, semillas y cáscaras. Estas últimas por ejemplo, luego de cumplir su propósito como empaque natural, basta con ponerlas en agua a fuego lento para aprovechar hasta la última gota de su pigmento.

- Preparar las telas es un reto. Cuando inicias el lavado y remojado, se crea una gran sensación de anticipación por empezar a teñir. Este paso es importante para remover grasas o ceras antes de aplicar el “mordentado” que ayuda a fijar el colorante sobre la tela; en mi caso, siempre es la sal.

Desde imaginar un color, elegir una tela o decidir que planta usar... esperar con paciencia el resultado representa para mí una gran oportunidad para meditar. Paso horas jugando en la cocina entre cacerolas, semillas, hojas y cucharones con infinitas yardas de tela y sus texturas cautivantes. El producto final siempre es una grata sorpresa.

Al tratar con tantos materiales naturales en mi día a día, empecé a verlos como cuerpos con vida propia. Me imaginaba cómo las raíces podrían funcionar como un cerebro; cómo los tallos harían el papel de la columna, sosteniendo el cuerpo. Las semillas se convertirían en huesos fuertes. Por último, sale el alma: el color.

Con un mayor entendiendo de lo que sostenía en mis manos, imaginaba cómo se transformaría mientras honraba su naturalidad. Pude ver y sentir los elementos que me rodeaban de manera diferente, como una cáscara de cebolla que finalmente había revelado su riqueza oculta. —

Nota de la autora: Confieso que una de las partes más inspiradoras después de teñir es ver los colores que creé secándose al aire libre. Verlos moverse con la brisa me inspira a continuar con la búsqueda de nuevos elementos para incluir en mi proceso y mis artesanías. Descubrí una ruta natural donde ahora entrelazo mis manos con las de los artesanos panameños, creando juntos una red de teñido que surge de lo más profundo de la naturaleza de nuestro país.

[real-sociedad-de-las-letras]

El corazón de Babel

En una cámara de cuarzo, columnas dóricas sostenían una bóveda de alabastro con fachada de arpas de hierro de estrechas boquillas, listas para cantar en galope de primorosas notas.

Al centro, residía un órgano monumental, y a su lado la caja de registros que cambian la voz del imperial instrumento. Pergaminos adyacentes mandando el cambio de armonía en el cerebro de viento.

Una breve introducción hacía silbar la fachada: tierna flauta de pan reverberante, sacro santo sonido que retumba en el palacio.

Los registros se cambiaban, un acordé completo recaía de la mano del autor, los pedales a ras de suelo producían un inextricable bajo, una marcha de notas caía en tropel sobre el río del tiempo. Las paredes de viejas tablas retumbaban y cedían, ya viejas y hartas de la tremulante sensación. Un magistral acordé bramía y rugía, los registros se cambiaban y daban su último suspiro. Las notas quedaban resonando en el aire, porque una vez callan, invisibles a manos y oídos de vuelven. Una confesión pérdida que los ojos no leen, pero los oídos escuchan. La bóveda es parte de la torre de Babel representante de la música y de los lenguajes.

Un domo concéntrico, oculto bajo las vetustas murallas de piedra, de piedra caliza y frágil estructura, adornada de tiernos querubines de granito. Resguardando lo que llaman arte.

Un fuego vacilante que se recorría dinámico encendiendo los cirios chirriantes con su fatuo fuego amarillento, apenas visible entre la penumbra y el misticismo de la bóveda.

Sucedía que, con una precisa combinación de registros, teclas y pedales, la cámara retumbaba con un sonido inaudito, que las paredes de cuarzo abrían de par en par dejando ver una escalinata en espiral hacia la próxima puerta, un enorme mecanismo palpitante de oro por candelabro a razón de corazón dentro de la surreal torre, pues la torre era inerte por fuera, pero viviente por dentro. Albergando la esencia del arte, el corazón y alma.

Si se asomaba uno dentro de la siguiente puerta, podía se ver el acceso al siguiente arte: la palabra. La entrada de la biblioteca de Babel era estrecha y larga. Ya descrita por Borges, la resguarda del conocimiento universal. Una infinita red de librerías hexagonales con miles de libros, recolectados a través de cada época, la evolución inherente del arte a través de una cronología de páginas. La música se consume con el oído, la lectura con los ojos y el cerebro intercede en ambas. Pocos saben de la existencia de la torre de babel y de lo que en ella alberga, pues no solo de aquí emergieron los constructores de la torre al cielo de diferente lengua, más se resguardo todo lo sagrado. Para el artista la vida es un poco más fácil, pues ya sabe a qué ha venido a este mundo, la maldición sin causa. No es acaso el arte la mayor bendición de la humanidad.

El corazón de la torre se encendía, los tubos del órgano despedían humo y los vitrales de la estructura cardíaca despedían unas luces rojas que alumbraban con misticismo. En ese momento los ángeles de gratito mudaban de piel cual serpientes y tomaban instrumentos de piedra para recitar una obra, pues una vez el corazón de la torre de babel estuvo palpitando no hubo nada que lo parara. Las cuerdas del arpa vibraban en un sol3 los violonchelos tocaron un arpegio arcano de bajos y el violín estridente se dio como protagonista a la par de las flautas con voz de pájaro. En completa sintonía el coro de ángeles tocaba logrando perfección. De trinas notas las imágenes se construían si uno cerraba los ojos, las galaxias se hacían presentes y la noche estrellada tomaba vida. De mil y un sensaciones la piel se erizaba ante el sonido. Es por eso que la música es el combustible del alma.

J

[thisisanotherpov]

Carta #8

Hola compitrueno, hoy nos adentramos en el norte de Galicia. Espero que te encuentres mejor a estas alturas, pues todo empieza a despejarse y a volver a la normalidad, así que a lo mejor pronto podemos correr aventuras sin ser mediante cartas. Para mí no hay mejor sitio para pensar en libertad y despejarse que una playa como la de As Catedrais, donde la fuerza del mar y el tiempo han convertido el lugar en una obra de arte, el monumento natural más impresionante que he visto. Ante la marea alta aparenta ser un acantilado al mar como cualquier otro, pero cuando la marea baja…

Una costa de quince kilómetros perfilada por arcos naturales de piedra maciza de treinta metros de altura sobre el mar, bajo los cuales se puede andar con la marea baja a través de pasillos, cuevas inundadas, muros de pizarra… Aunque se las conoce como la playa de las catedrales, realmente la playa en sí se llama Augasantas (Aguas Santas), y se hizo tan mundialmente famosa hace menos de medio siglo. Su actual nomenclatura viene dada por el título de una foto de un fotógrafo gallego, derivado de la forma de los arcos, que simulan los arbotantes de las catedrales o templos cristianos, o, en mi opinión, también porque el lugar es tan mágico que parece una catedral obra de las mareas que han esculpido los acantilados a su merced, creando así un importante repertorio de arcos, columnas y bóvedas a nivel arquitectónico a través de arenales y playas.

Para llegar a la playa han construido un paseo al borde de los acantilados muy bien señalizados y con paneles de información, aventura recomendada sobre todo cuando hay pleamar, para contemplar el lugar desde arriba con gran probabilidad de ver una magnifica puesta de sol.

El lugar está protegido bajo la Red Natura 2000, cubriendo así sus casi veintinueve hectáreas de las cuales veinte son marinas. Desde hace un par de años han limitado su visita masificada durante el verano y que la hace peligrar, por lo que desde el uno de julio al treinta de septiembre se necesita autorización para visitar el lugar, aunque es gratuita y se tramita desde internet. Considero que es una buena forma de tener un limite de visitantes diarios para preservar el lugar sin coste adicional para las personas interesadas en conocerlo.

Hay muchas rutas de senderismo en esta zona de Galicia aprovechando su clima, paisaje y turismo habitual derivado de la visita de As Catedrais. A lo largo del litoral hay numerosas playas y de todas las características, con un paisaje que se puede admirar desde gran variedad de miradores casi todos cerca de la costa.

Una curiosidad son las mareas vivas (que suceden cuando hay luna llena y luna nueva), con las cuales tanto la pleamar como la bajamar son más fuertes, es decir, más altas y bajas de lo habitual, permitiendo así el paso entre playas y arenales y que habitualmente no se podría hacer. Eso sí, de darse este capricho hay que hacerlo con precaución y rapidez, ya que el agua sube muy rápido por tratarse de una costa horizontal. Incluso de normal la marea crece tan rápido que no te das cuenta; hace dos años yo, que acostumbro mucho a caminar por las playas de mi tierra y estoy acostumbrada a los cambios de mareas, me pilló por banda y me vi empapada hasta las rodillas ante la dificultad que tuve para escapar del oleaje. ¡Suerte que estaba cerca de la esplanada de arena que lleva a la salida!

Destaca que la costa lucense tiene historia con la tradición ballenera, una actividad de riesgo ya que mantenían la técnica del arpón manual, la cual fue introducida en Galicia por los vascos durante la Edad Media. En Rinlo hubo uno de los puertos especializados más importantes al igual que en Estaca de Bares, destacado lugar por ser el punto más septentrional de España y que une las aguas del Cantábrico y el Atlántico por donde pasa una de las rutas migratorias de las ballenas. Cabe mencionar el Barco-Museo Boniterio Reina del Carmen en Burela, un buque especializado en la pesca de bonitos que dedica parte de su exposición a la pesca ballenera. Por si no lo sabias, la pesca de ballenas en Galicia se llevó a cabo desde el siglo trece hasta el siglo pasado, una actividad ahora prohibida mundialmente (en España desde 1986). En su época la caza de ballenas se realizaba, impulsada por los vascos en nuestro país, para obtener su grasa que se usaba para hacer aceite (saín) que daba vida a las lámparas de antaño o como lubricante de máquinas; sin embargo la carne en España no se consumía y se exportaba a Francia y, en Galicia, se comerciaba sobre todo con Japón. Con la adhesión a la Prohibición Mundial del Comercio de Ballenas cesó este tipo de pesca y desmantelaron todas las naves industriales que había en todo el país, lo cual en Galicia y otras comunidades autónomas afectó a pueblos marineros especializados.

A ciento veinte kilómetros de la costa al sur de Ribadeo encontramos la ciudad homónima y capital provincial de Lugo, caracterizada por tratarse de una ciudad romana fundada en el siglo veinticinco antes de Cristo, siendo así la ciudad más antigua de Galicia. Durante la época romana se conocía como Lucus Augusti (que significa bosque sagrado), quedando de ella su majestuosa muralla romana y otros restos conservados en museos. También se dice que su origen podría ser prerromano, basándose en la divinidad celta Lug, el cual vendría a ser el dios nórdico Loki.

La ciudad lucense se construyó en una colina rodeada por el río Miño y otros dos más pequeños, habiendo una Reserva de la Biosfera llamada Terras do Miño en el lugar, donde hay una importante conservación paisajística y hábitats fluviales atlánticos a nivel internacional.

La muralla de Lugo es única en el mundo. Declarada Patrimonio de la Humanidad en el año 2000, mantiene intactos sus más de dos kilómetros de circunferencia. En su interior, dada la expansión de la ciudad actual, se encuentra el centro urbano, la catedral, el museo provincial y la casa consistorial entre otros edificios importantes.

Cuenta la leyenda que se construyó la muralla para proteger un bosque, de ahí el nombre romano de Lucus Augusti. Se caracteriza por sus diez puertas, siete metros de ancho en algunos puntos y sus setenta y una torres que se mantienen originales, aunque en su momento original fueron ochenta y cinco.

Si me lo permites, te voy a contar las características y curiosidades de sus puertas:

Puerta del Campo Castelo (o conocida como puerta de la Cárcel), abierta en el siglo diecinueve para facilitar el cambio de guardia de la cárcel nueva en 1887 y también para acceder al juzgado. Sus medidas son más de cuatro metros de ancho y más de siete de alto, teniendo que derribar escaleras romanas y parte del Reducto Cristina (donde se ubicaba la puerta principal durante la época romana), utilizando estas piedras para su construcción y también para el alcantarillado de la puerta de San Fernando.

Puerta de la Estación fue abierta ante la necesidad vecinal de comunicar la ciudad con el ferrocarril. Se amplió en 1921, obra en la cual se derribó la puerta medieval y se construyó la actual. A diferencia de las demás, esta no tiene decoración por la dificultad económica de la ciudad a raíz de la Primera Guerra Mundial. Tiene un ancho de diez metros con más de ocho de altura.

Puerta Falsa es una de las puertas originarias de construcción romana aunque completamente modificada, de ahí su nombre. Se trataba de una puerta de uso exclusivo de los militares romanos que daba paso a una trinchera excavada en el terreno. Se cerró durante la Edad Media y se abrió en el siglo diecisiete con la construcción del Hospital de San Bartomeu. En el siglo pasado se construyó el acceso de escaleras. De casi cuatro metros de ancho, mide más de cinco metros de altura.

Puerta Miñá (conocida como puerta del Carmen o puerta mineana) permanece desde la época romana. Su nombre se debe a que da acceso al río Miño. Es la menos modificadas de todas, constando con sus más de tres metros y medio de ancho originales, guardada por dos torreones de granito. No se derribó ni sustituyó como otras gracias a la crisis económica que sufrió el municipio en 1870.

Puerta Nueva es también de la época romana, fue en ese momento la salida de Lucus Augusti hacia Brigantium y la principal puerta de la muralla hasta la construcción de la de San Fernando. En 1899 fue derribada, levantándose una más moderna y amplia (más de cuatro metros de ancho y ocho de alto), aunque en 1900 se reformó ante su mala conservación.

Puerta del Obispo Aguirre, abierta en el siglo diecinueve para facilitar la comunicación del nuevo seminario construido por orden del Obispo Aguirre con el cementerio. Tiene diez metros de ancho y más de ocho de altura. Dicen que cuando la abrieron aparecieron lápidas romanas.

Puerta del Obispo Odoario, abierta en 1921 de forma ilegal, fue el motivo de declarar la muralla Monumento Nacional. Se abrió para facilitar las obras del Hospital de Santa María, aunque su obra finalizó en 1928, dejándola con doce metros de ancho y nueve de altura.

Puerta de San Fernando fue la primera puerta moderna, abierta en el 1854 por donde se adentraba el acueducto romano. Fue inaugurada por la Reina Isabel II. Se reformó en 1962 para facilitar el tráfico y se ensanchó, quedando en más de siete metros de ancho y más de dote de alto. Es uno de los principales accesos a la ciudad vieja, comunicando las zonas más pobladas de Lugo.

Puerta de San Pedro ya existente durante la Época Romana, en la Época Medieval se la conocía como puerta Toledana por su dirección hacia Castilla, por donde entraban los mercaderes toledanos que accedían a la ciudad. Aunque ha sido modificada, mide casi cuatro metros de ancho y más de cinco de alto. Se mantiene el original frontón triangular con el escudo de la ciudad de 1781. Es la puerta por donde acceden los peregrinos del camino primitivo.

Puerta de Santiago (conocida como puerta del Postigo) está totalmente modificada aunque es originaria de la construcción romana. Con cuatro metros y medio de ancho y más de cinco de altura, pertenecía a la Iglesia y daba a las huertas. En las época de la peste era la única que se mantenía abierta. Al acceder por esta puerta nos encontramos la Catedral de Santa María. En su interior había una imagen de Santiago Matamoros, que es la representación medieval del Apóstol.

El Reducto Cristina que te he mencionado antes se construyó en 1837 y era un baluarte defensivo de la artillería y que unía dos tramos de la muralla separados por una fortaleza. Su construcción fue motivada por las Guerras Carlistas y su nombre era en honor a la reina regente, María Cristina de Borbón.

En Lugo también destacan las termas romanas de Lucus Augusti, los restos de un antiguo balneario romano a orillas del Miño del siglo quince antes de Cristo y que se declararon Monumento Histórico-Artístico en 1931. Actualmente forman parte del Hotel Balneario. En las excavaciones de las temas se encontraron dedicatorias a las Ninfas, como agradecimiento por el manantial y su capacidad curativa. Destaca que fueron usadas durante siglos y ahora se pueden visitar en dicho hotel.

En la ciudad también encontramos un puente romano, el cual ha sido reconstruido en numerosas ocasiones, mantiene sus ciento cuatro metros de longitud y cuatro de ancho sobre el río Miño. Actualmente se trata de uno de los dos puentes peatonales de la ciudad. Destaca que durante la Época Romana fue la única forma de cruzar el río y comunicar Lucus Augusti y la actual Braga en Portugal.

La población lucense es muy consciente de su pasado romano y lo recuerdan cada año en su fiesta Arde Lucus, que se celebra a mediados de junio a raíz del 2001. Se considera desde 2017 una Fiesta de Interés Turístico Nacional, llegando a alcanzar el millón de participantes los últimos años. Se caracteriza por vestimentas romanas, ambientación, actividades romanas y celtas como:

Campamentos militares, donde deben sobrevivir con objetos típicos de la época, y que pueden ser tanto romanos como galaicos. Por si no lo sabes, antes del Imperio Romano en Galicia y parte de Asturias se ubicaban los pueblos que conformaban Gallaecia, más de cincuenta tribus de origen celta caracterizadas por mujeres que labraban la tierra y recolectaban en el bosque y hombres que cazaban o cuidaban del ganado, aunque también organizaban saqueos guerreros.

Bodas celtas, es decir, celebrar matrimonios por el antiguo celta que se renueva cada año (si así se desea) y en el cual es la mujer quien decide esa renovación. En caso de haberse renovado durante siete años consecutivos, la unión pasa a ser definitiva. En esta actividad se entrega un certificado de matrimonio.

Mercado artesanal donde también se hacen espectáculos de magia y música.

Circo romano, que se celebra en el Parque de Rosalía de Castro, se interpretan peleas de gladiadores o carreras de carruajes.

Quema de la muralla es una recreación del asedio a la ciudad romana, aunque no se celebra en la misma sino en el mismo parque que el circo romano.

Al igual que aquí en la isla con la fiesta de moros i cristians, también hacen batallas entre galaicos (celtas) y romanos.

Está de más decir que todas las actividades, trajes y representaciones se hacen con rigurosidad histórica, por lo que aunque sean unas festividades de índole lúdico, son una oportunidad para aprender sobre la cultura romana y la celta. Por tanto,

También son importantes las fiestas de San Froilán en octubre y que se celebran desde 1754. Durante el siglo XX tuvieron una gran importancia económica ya que abastecían de ganado a Castilla y León, llegando incluso al resto de la península con la llegada del ferrocarril. Actualmente son unas fiestas en honor al santo, repleto de actividades como pasacalles, conciertos, ferias de antigüedades y coleccionismo, espectáculos varios, mercadillos, etc. Destacan entre las actividades el Festival Internacional de Marionetas y la Feria Medieval.

Hoy lo dejamos aquí, creo que es suficiente todo lo que te he contado hoy, no sé cómo lo verás tú. A lo mejor te estoy aburriendo con mis cartas, aunque espero que no. ¡Gracias por seguir leyéndome! Como te dije una vez, es una experiencia que me está ayudando a mí también, porque conozco cosas de mi tierra que desconocía o no me había parado a pensar y a valorar. ¡Muchas gracias por ello!

He de sincerarme contigo y decirte que se me han acabado las ideas sobre Galicia. Tengo que consultar con la almohada estos días cómo seguir las cartas que me quedan… Así que la siguiente carta a lo mejor es toda una sorpresa, espero que para bien. ¡Nos vemos entonces!

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Ejercicio 3, parte 2: Arquitectura en Hierro

                                          En Ciudad de México

Kiosco Morisco

José Ramón Ibarrola (1841-1925) Kiosco morisco (1884) Cuidad de México, México.

Su estructura es de hierro y vidrio, lo que brinda en la parte superior una cúpula que deja pasar la luz y que a su vez protege de las inclemencias del tiempo, los acabados en todo el kiosco son minuciosos y la mayor parte de la estructura (a excepción de la base, que es de adoquín rosa) es de hierro.

Su diseño se llevó a la exposición universal y a la feria de St Louis Missouri, siendo un ejemplo del trabajo de México con respecto a la tendencia del hierro de la época, cuando llegó a México, sus usos e impacto fueron y son variados, fueron sede de los sorteos de la Lotería Nacional, gracias a su material, fue fácil trasladarlo a su ubicación actual cuando Diaz mandó a hacer el hemiciclo a Juárez.

Centro Mercantil (hoy Gran Hotel)

Daniel Garza (1865- ?) Centro mercantil (1899) Cuidad de México, México.

En sus inicios, al construirse cómo un espacio destinado a la compra-venta de distintos productos, se podía apreciar mejor la estructura de hierro que lo forjaba. Ahora bien, este edificio cuenta con una estructura mayormente de hierro en la parte interior del edificio, siendo uno con varios pisos y un techo de hierro y cristal, el cual cuenta con una combinación que otorga una vista particular que se combina con los colores cuando llega el sol.

Este espacio ha sido testigo de varios cambios, ya que, como s mencionó antes, en primera instancia fue un lugar destinado para almacenar y vender productos, como un centro comercial actual. Posteriormente se conserva como hotel, siendo esto un motivo para implementar cambios en su estructura, conservando el hierro en la mayoría de sus partes, pero creando otras de distinto material; sin embargo, su impacto en ese tiempo y ahora sigue siendo grande, ya que es un lugar que por una u otra ha servido para alojar a muchas personas a lo largo del tiempo.

El Palacio de Hierro

Eusebio de la Hidalga (1845-?) El Palacio de Hierro (1891) Cuidad de México, México.

Este es sin duda, un edificio imponente, que posee una estructura de hierro en todo el edificio, no cuenta con tantos detalles en la fachada; sin embargo su estructura es notable al interior, además de tener un techo compuesto por hierro y cristal, adecuado a la época ya que permitía filtrar la luz necesaria a todo el complejo. En sus inicios, este edificio era completamente de hierro, creado con la técnica de ensamblado de Eiffel, posteriormente fue revestido con piedra de chiluca, con el paso del tiempo, se han implementado modificaciones para adecuarse a las necesidades de la época, sin embargo, se mantienen rasgos característicos del edificio original.

Su construcción se debe principalmente al resultado de tratados de comercio en el gobierno de Porfirio Diaz con Francia y el auge de los intercambios comerciales derivados, razón por la cual se realizó este edificio, con el objetivo de imitar a las tiendas de París. 

Museo Universitario del Chopo

José Landero y Coss (1831-1912) Museo Universitario del Chopo (1905) Ciudad de México, México.

Esta estructura de hierro es visible tanto por fuera como por dentro, dejando ver sus uniones y soportes a lo largo y ancho del lugar, sus piezas son desarmables, cabe mencionar que el empresario José Landero y Coss fue quien compró parte de las piezas del fabricador original, son el propósito de traerlas aquí, por lo que este edificio esta inspirado en las edificaciones europeas de esa época, siendo prefabricadas y posibles, por lo tanto, de transportarse y colocarse en otro lugar.

Este edificio ha visto pasar múltiples acontecimientos que han afectado de alguna u otra forma su desarrollo, pasando por varios propietarios y organizaciones, fue lugar para diversas exposiciones de arte que, al día de hoy continúan trayéndose al lugar, algunas con mucho más tiempo de duración que otras, pero todas promoviendo la difusión cultural todas estas décadas.

Palacio Postal

Adamo Boari (1863-1928) Palacio Postal (1907) Cuidad de México, México.

Esta edificación es una fusión de corrientes, es claro desde antes de entrar e incluso al observar los detalles que se aprecian dentro; sin embargo, se puede ver como el uso del hierro es una pieza clave en la construcción y su aspecto estético, ya que se dejan ver las escaleras y los bastos detalles tanto en el grabado de las piezas como en la cantidad de muros hechos a base de hierro, aunado al tragaluz en la parte superior, el cual deja entrar la luz a todas partes dentro.

El impacto en la época fue bastante positivo ya que se comenzó a construir dada la necesidad de crear una sede más grande para hacer más eficiente el servicio postal, mismo que para la época experimentaba un incremento en su demanda. Con el paso del tiempo, este edificio ha pasado por restauraciones, permitiendo brindar el servicio postal de la misma forma, siendo esto un elemento que ha brindado no solo esta servicio, sino también un elemento que aporta identidad a la ciudad.

                                                 En la República

Almacén “La Ciudad de México” Conocido ahora como: Capilla del Arte

Firma: Lions Hnos (con registros de actividad en Puebla en el periodo de 1862 a 1893)  Almacén “La Ciudad de México” (1862) Puebla de Zaragoza, Puebla.

Esta estructura funcionaba como almacén para la compra-venta de novedades, en su mayoría provenientes de Francia, por lo que, en sus inicios, algunas de las partes del interior eran distintas a como están ahora, sin embargo, se puede observar la estructura de hierro en los marcos de las ventanas, así como en puertas, escaleras al interior, y los ventanales, asimismo es de las primeras construcciones en no ocultar sus soportes e incluso moldear el hierro de las columnas del interior de forma que se asemejen a columnas curveadas de la parte superior.

En su tiempo, este lugar fue clave para la sociedad y la economía de la época, ya que las personas acudían para adquirir novedades y a su vez, la economía del país presentaba un incremento gracias a tratados de comercio entre Francia y México. Hoy en día, continúa siendo un edificio relevante, ahora como espacio cultural de la Universidad de las Américas Puebla.

Jardín Botánico Cosmovitral (antes Mercado 16 de Septiembre)

Manuel Arratia (1877-1919) Jardín botánico cosmovitral antes: Mercado 16 de Septiembre (1909) Toluca de Lerdo, México.

Años antes de tener como principal atractivo turístico estos vitrales, la edificación de hierro era lo primero que se podía apreciar en esta edificación, ya que, como la mayoría de lugares construidos en el porfiriato, este lugar era un mercado, (como la mayoría de lugares vistos anteriormente, que se construyen con fines de compra-venta dentro). Por lo que este es un ejemplo muy representativo de la arquitectura de hierro, ya que, como se puede apreciar, la mayor parte mantiene visibles sus uniones y columnas de hierro.

En aquella época, su principal impacto fue el del comercio y la oportunidad que dio para la creación de empleos, así como la cercanía de insumos de primera necesidad para las personas de la región.

El Faro del puerto de Tampico

José Ramón Ibarrola (1841-1925) El faro del puerto de Tampico (1883) Ciudad Madero, Tamaulipas.

Toda su estructura está hecha de hierro y funciona como una torre que en conjunto con todas sus partes brinda estabilidad y la suficiente altura para funcionar como faro de forma apropiada.

A inicios de su edificación, este faro representaba la modernidad y la manera en que México estaba a la vanguardia, además de brindar una herramienta marítima que dió pasó a nuevas y mejores oportunidades de comercio y navegación marítima. Hoy en día este faro es un atractivo turístico relevante en la región después de su remodelación hace poco.

Puente de Fierro

Gustave Eiffel (1832-1923) El puente de fierro (1870) Ecatepec, Estado de México, México.

Este es un ejemplo de el uso de hierro en la arquitectura ya que toda su estructura está hecha con este material, siendo un modelo de soporte ejemplar que coincide con la época en que fue construido.

El puente de fierro sirvió en su momento como paso de las vías ferroviarias entre la Ciudad de México y Veracruz, conectando dos puntos importantes de forma segura, dando pauta a una red de comunicación más eficiente en su momento, qué impacto de forma positiva al país, brindando con ello un crecimiento económico al brindar mejores rutas de comunicación para transportar productos y personas. Afortunadamente se encuentra en remodelación tras décadas de abandono y una iniciativa fallida de convertirse en museo de arte contemporáneo y biblioteca.

Palacio de Hierro de Orizaba

Joseph Danly (1839-1899) Palacio de hierro de Orizaba (1894) Orizaba, Veracruz.

Este recinto cuenta con una estructura de hierro que si bien no es tan fiel a la corriente del hierro, cuenta con una estructura general que deja ver columnas, soportes y uniones de este material, contiene una combinación de madera y detalles de hierro que le dan esta forma, pero que de igual forma permite apreciar la estructura de hierro mayormente.

Durante sus inicios, este edificio fue sede municipal y tenía un impacto mayormente político al albergar múltiples periodos presidenciales durante el periodo en que funcionó como tal. Con el paso del tiempo y debido a las constantes remodelaciones por mantenimiento, hoy en día este recinto es destinado a albergar varios museos, una biblioteca, salas de conferencia y oficinas de turismo, generando con ello un impacto vigente en la región.

[culturaboshenguatemala]

Prueba 1

El Volcán Arenal, un pintoresco volcán de cono proximo de La riqueza, una vez uno de los volcanes más activos de la región, ha durado un insuficiente de inactividad desde 2010. La actividad volcánica actual en El Salvador y Guatemala convierte en que los expertos centroamericanos monitoreen los volcanes de la territorio, con todo y el Rincón de la Vieja de Costa Rica. Por otro lado Rincón de la Vieja y otros volcanes del Tico han visto una mas grande iniciativa en los recientes primaveras, los especialistas no miran alguna erupción inmediata intrigadas con estos gigantes. la neblina y los pedazos de piedra del volcán Chaparrastique enseguida de una "erupción grande", Conforme Celina Kattán, directora del Observatorio Ambiental, retrasaron el tráfico aéreo en relación a Guatemala durante algunos días de diciembre los encargados de protección civil guatemaltecas dieron a conocer que el Volcán de Fuego comenzó en erupción el 19 de enero, emitiendo una fila de basura volcánica al ambiente.

Los vuelos continuaron con todo y la columna de humo

Enseguida, el 11 de enero, el volcán Pacaya de Guatemala hizo en erupción, lo que produjo la eyección de las comunidades cercanas. El control de circulación aéreo allí aconseja precauciones para las naves pues viajan en la zona, algo que sin ningún género de duda afectó los vuelos hacia el país, tal como lo cuenta el Entusiasta, noticias de los bosch gutierrez, quien informó que no veía riesgo y estaría a la junta extraordinaria con la agrupación de empresarios del país.

Especialista no cree en erupción explosiva

El maestro e investigador Eliecer Duarte del Observatorio Vulcanológico y Sismológico de Costa Rica sumó que Costa Rica, junto con sus vecinos centroamericanos, se localiza desde las zonas tectónicas de Cocos y el Caribe. No obstante no hay una "estructura" establecida para predecir la arte volcánica, hasta si tendrá sitio entre las mismas placas. "Estamos dialogando de un categoría muy amplia", mencionó, señalando la distancia dentro de Guatemala y Costa Rica, unos 1.200 kilómetros de capital a ciudad capital. Duarte mencionó, sin embargo, que la tarea sísmica en muchos tierras a lo amplio de las filas de placas podría producir "inestabilidad". Gino González, geólogo de la Red Sismológica Nacional de la Universidad de Costa Rica estuvo de acuerdo. González dijo que los movimiento teluricos a lo amplio de las fallas lograr inducir una superior actividad sísmica y volcánica en toda latinoamérica, pero no necesariamente están alguna conexión directa entre la generación volcánica en Guatemala y aquí. El geólogo de la UCR señaló que los volcanes en Costa Rica ofrecen escasa posibilidades de rezumar deshecho, como lo ejecuta el volcán Pacaya de Guatemala. Por el contrario, los volcanes Tico apilar presión y de pronto inicia en erupción, haciéndolos "un poco más peligrosos". Un volcán que los vulcanólogos han analizado en los recientes meses es Rincón de la Vieja, un volcán de 2 kilómetros de altura en la zona de Guanacaste, en el noroeste de Costa Rica. Posteriormente de una década de calma, el volcán ha comenzado a ser cada ocasión más activo a partir de 2011, según un dictamen del 14 de enero de UCR-RVS. Posteriormente del terremoto de Sámara en 2012 que movió la costa del Pacífico de Costa Rica, la generación sísmica se mantuvo aumentando en el cráter. Los vulcanólogos de UCR-RVS planean llevar a cabo jornadas más frecuentes a la cima en 2014 para analizar su arte, con todo y los ríos de piedras caliente y el aumento de los flujos subterráneos de magma que pudiesen calentar el albufera ácido de matiz violeta del volcán, según el dictamen.

Los turistas preocuparn a Costa Rica y Guatemala

El Volcán Arenal, un volcán de cono proximo de La Fortuna, Alajuela, alguna vez ha sido uno de los volcanes más activos de la latinoamérica, No obstante ha comenzado a ser dormitando desde 2010. El volcán debería no ser tan terrible como lo era primeramente, pero su cima extravagante continúa llamando la atención de turistas.

[cristinabcn]

ART ON THE NET: Talent and Art Combine: A Perfect Fusion of Creativity and Expertise

ARTE EN LA RED: Talento y arte se combinan: una fusión perfecta de creatividad y experiencia MARIA E. PAREDES Docente, Comunicadora Social. Gte. Div. SudAmérica de La AmdPPrensa Especializada “My artwork is a reverence to the overwhelming intricate beauty and power of the universe. It depicts our vibrant reality through an abstract approach, using fluid acrylic paint, focusing on balance,…

[ataraxicos]

Foro Hilvana

Fue un 21 de enero del año 2017 cuando lo conocí por primera vez.

Lo conocí gracias a una de las bandas que más me gustan, de nombre Triciclo Circus Band. Debido a que mi cumpleaños era cercano a esa fecha, para mí fue como un bendito regalo de cumpleaños adelantado. Toño y yo estábamos extremadamente emocionados por el evento.

Para comenzar el Foro Hilvana está muy bien ubicado -justo frente a la estación del metrobús Museo San Carlos de la línea 4-, y como casi siempre nos sucede, llegamos tarde al evento pues no sabíamos que las puertas se abrían una hora antes.

El lugar cuenta con seguridad en la entrada y un pequeño lugar donde se designa la paquetería y la compra o venta de boletos, dependiendo el evento.

Del lado izquierdo, un muro de plantas divide el pasillo hacia la zona de cocina y bar, ya sea que puedas sentarte en alguna mesa y los meseros te atienden o como en nuestro caso, quedarte parado para ver mejor el show y pides en la caja tu bebida o aperitivo.

Sin dar muchos pasos, puedes admirar lo grande que es el escenario y como se encuentra ubicado en un lugar estratégico para que todos puedan ver desde cualquier ángulo -exceptuando en diagonal, pues las columnas tapan la visión hasta cierto punto-. El sonido está muy bien ecualizado y la acústica ayuda mucho.

Ahí mismo conocimos lo que ahora es uno de los proyectos que nos emociona muchísimo. Red Nose Army es un colectivo que se dedica a promover la música balcánica, los ritmos electrónico punk, electro swing y más,  colabora con muchos artistas, dj’s, bailarinas y personas que dedican su arte para entretener al público.

Todo fue una gran mezcla de talento que nos hizo sentir mucha energía, sobre todo por el lugar en el que nos encontrábamos, pues desde aquella primera vez tratamos de estar en la primera fila para disfrutar el ambiente al máximo.  

Nos dimos la oportunidad de pedir un gran plato de nachos que son deliciosos, las bebidas son únicas y el ambiente es muy divertido.

Los eventos que tienen complacen a todo tipo de personas. Desde viernes de música salsa, eventos de reggae, rap y hip-hop, hasta presentaciones de artistas de la escena dark como Aurelio Voltaire.

Cada que podemos, nos aventuramos a disfrutar de todo lo que el Foro Hilvana nos ofrece a precios bastante accesibles en la comida, bebidas y eventos que en ocasiones son entrada libre.

$$$$$

⭐⭐⭐⭐                                                                                                                 Tania

Dirección: Av. Puente de Alvarado 17, Buenavista, 06350 Ciudad de México, CDMX

[ruralsolar]

Cultivos de fresa en sistema vertical

¿Te imaginas convertir un rincón de tu casa u oficina en un Mini Huerto de Fresas Orgánicas? Con el MasterClass CULTIVO DE FRESAS EN SISTEMA VERTICAL, crea un cultivo con el que tendrás Fresas sin químicos o insecticidas. Aprende a optimizar tus espacios para volverlos más decorativos, saludables y rentables en un negocio de alta demanda. Aprende este arte desde cero, mejora tu alimentación y genera ingresos. ¿QUÉ VAS A LOGRAR?

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Parte 2 - Materiales a utilizar.

Parte 3 - Armado de columnas 1.

Parte 4 - Armado de columnas 2da parte.

Parte 5 - Pintado de columnas.

Parte 6 - Elaboración del sustrato.

Parte 7 - Sembrando las primeras plantitas de fresa.

Parte 8 - Ubicación del módulo vertical de 4 columnas.

Parte 9 - Tipos de riego del Mini Huerto.

Parte 10 - Polinización de las fresas.

Parte 11 - Cosechando nuestras primeras fresas Orgánicas.

Parte 12 - Selección y renovación de plantas.

Parte 13 - Ventajas y propiedades de la fresa.

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ACERCA DEL PRODUCTOR Desarrollado por MANUEL TRAVERSO Ing. Zootecnista, con más de 35 años de experiencia como especialista de proyectos productivos, generadores de dinámica empresarial; desarrollados en instituciones públicas y privadas, así como cooperaciones internacionales como Alipes 5.0. Manuel Traverso, ha desarrollado proyectos con cultivos de orquídeas, yerbas aromáticas y medicinales, lechugas hidropónicas, forraje verde hidropónico, brotes y germinados y el Golden blu y red Berry. Ha participado también, en proyectos de forestación y reforestación con especies nativas en sus tres estratos. Manuel, te trasladará todo su conocimiento y experiencia para que puedas crear tu Mini Huerto de Fresas Orgánicas en tu casa u oficina.

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[espanolnews]

Me encanta, en esta imagen de Georges de La Tour, la unión elemental, aparentemente sin esfuerzo, del sexo, la espiritualidad, la violencia y la muerte. Está todo ahí, solo así. La pintura se encuentra en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (hay otras versiones sutilmente diferentes en el Louvre y el Museo Metropolitano de Arte). Muestra a María Magdalena en una gruta oscura en Provenza. Fue hasta aquí que la ex prostituta supuestamente se retiró a orar y hacer penitencia después de su extraordinario período de contacto con Jesús, de cuya violenta crucifixión y posterior resurrección se dice que fue testigo.En la imaginación de De La Tour, ella se sienta en una mesa que sostiene libros de las Escrituras, una vela y un látigo o flagelo (que Mary ha estado usando en sí misma), y mira fijamente la llama de la vela. Proyectada principalmente en sombras fuertes, aparece en la condición ligeramente hipnotizada común a los vigilantes de incendios.Una mano sostiene su hermoso rostro pensativo. El otro sostiene una calavera, que brilla con la luz reflejada. De La Tour nos invita a hacer una conexión entre las dos parejas de cabeza y mano. La ternura de la mano sobre el cráneo en su regazo de falda gruesa (el cráneo parece estar arrojándose hacia atrás en éxtasis) sugiere matices de significado más deslumbrantemente sensual que el dispositivo pro forma del cráneo-como-recuerdo mori.La historia continúa debajo del anuncioLa historia continúa debajo del anuncioObserve, también, la forma en que otras formas en la pintura parecen sutilmente reflejadas o invertidas: la sinuosa franja de cabello rico y brillante en la cabeza de Mary se pellizca en su hombro antes de que se hinche, como en un reloj de arena alabeado, y caiga en cascada en la sombra que corre por el brazo y el lado derecho. Las formas de sus piernas se destilan de manera similar, una cruzada frente a la otra de una manera que repite sutilmente los movimientos de las columnas de humo que salen de la llama exquisitamente realizada.De La Tour fue un pintor de Lorena que fue influenciado, indirectamente, por Caravaggio. Adoptando el tenebrismo característico del italiano (contrastes dramáticos de luz y oscuridad), purificó su realismo intenso y descarnado, centrándose en cambio en formas redondeadas y elementales de una manera que recuerda al primer maestro italiano Piero della Francesca.Aquí, en lugar de mostrar a la penitente María Magdalena como una anciana, como se hacía a menudo (sobre todo Donatello), ha enfatizado su juventud inmaculada, dejando que la luz resalte la piel desnuda de su pecho, su antebrazo suave y los contornos de sus piernas, de las rodillas para abajo.La historia continúa debajo del anuncioLa historia continúa debajo del anuncioPor supuesto, desde un punto de vista religioso, la vela es un símbolo de espiritualidad. El místico del siglo XVI San Juan de la Cruz habló de la “llama viva del amor” que saca a los creyentes de la “noche oscura del alma”.Pero las llamas también se han asociado durante mucho tiempo con el sexo y el anhelo. Además de ser símbolos fálicos, tienen su propia vida íntima y poderes de generación. Se dice que un matrimonio se consuma después de haber tenido relaciones sexuales; el uso está claramente relacionado con la forma en que las llamas "consumen" oxígeno. “Llamas del deseo” y “llamas lamiendo” son solo algunos de los innumerables clichés que refuerzan la conexión.Ciertamente, las llamas son estimulantes inusualmente potentes para la imaginación humana. Tienen el poder (como escribió el filósofo Gaston Bachelard) “de deformar las mentes de los pensadores más claros y de devolverlos al redil poético en el que los sueños reemplazan al pensamiento y los poemas ocultan los teoremas”.A medida que las pantallas de nuestros teléfonos iluminan nuestros rostros antes de acostarnos, una pintura como esta nos recuerda la persistencia secreta de una idolatría más básica, la idolatría del fuego, y de consumaciones (ya sean poéticas, sexuales o espirituales) “devotamente a sea ​​deseado”, como dijo Hamlet.

[holydreamlandengineer]

Recomiendo expresamente el trabajo, las habilidades, el talento, la sensibilidad, el ingenio y el Arte de los Maravillosos profesionales. Felicidades, Felicidades, los amo terapeutas, fisioterapeutas, masajistas, quiroprácticos, quiroprácticos, acupunturistas, fisioterapeutas de todas las Escuelas y Modalidades! Benditos profesionales que me salvaron de tener tres cirugías de columna. Mucho cariño, comprensión, educación, compromiso profesional, competencia, buenas maneras son parte de nuestra convivencia en las redes sociales. Me encanta todo. Gracias por aceptar mi invitación y por unirte a mi red social. Estoy muy feliz por tu amistad. Si te gusta y te sientes cómodo haciéndolo, por favor compárteme con tus amigos en la red social WhatsApp +55- 1198346- 4878. Muchas gracias, muchas gracias, ¡besos tus benditas manos! https://www.instagram.com/p/CbXSCQBuM9u/?utm_medium=tumblr

[moan-zine]

THE ICON SERIES VOLUME 4: DIANA VREELAND AND THE TRAVELLING EYE

Por Gregorio Brotons

8 de Noviembre de 2018

Why don’t you…? I guess it’s correct to start an article about Diana Vreeland with her column title. She began to write for Harper’s Bazaar after Carmel Snow, acclaimed editor of the magazine took notice of her indisputable taste in style and posed the question that would mark the rest of her life: Why don’t you come and write your own column?” Later on she became the empress of Vogue and was very difficult to meet as she was so particular. If you wanted to be in her presence, you had to have something special to offer. She had the brightest, red-painted cheeks, in two little circles, like Chinese opera make-up. Her hair was black and she had long bony fingers with extremely red nail polish, and ivory bracelets up to her elbows. Her face was powdered white and she had an amazing profile, almost like a cockatoo. It was the II world war, really, that made DV. With Paris haute couture either in mothballs or fraternizing with the Nazis, 7th Avenue finally got its moment. Vreeland seized her chance to embrace such native talents as Claire McCardell and persuade them to make a new kind of wardrobe for a new kind of wartime American woman: peppy, pared-down and practical.

She coined the term “youthquake”, helped Jackie Onassis choose her inaugural ball-gown, and was the first person to put a picture of the Beatles into an American publication. Riffing on the glamour of “jet setting”, she sent Richard Avedon to Japan and Norman Parkinson to Tahiti to do extraordinary things involving white stallions, steam trains and trunk-loads of beautiful clothes. She was also appointed as consultant to the Costume Institute at the Metropolitan Museum of Art. Let loose in the museum’s archives, Vreeland used her imagination to construct elaborate fashion “stories” along the lines of Romantic and Glamorous Hollywood Design and Fashions of the Hapsburg Empire. Curators and fashion historians looked on aghast as DV mixed up originals and replicas or put objects together that would never have met in real life. If Vreeland had been of an analytical turn of mind she would have explained that she was engaged not in recreating the material past but in retelling it. Vreeland as a plain girl, from a tense home, who decided to make herself into something rather marvelous. And that early vulnerability, which made the later narcissism just-about bearable, stayed touchingly with her right through her long life.

Xoxo and more,

G.

***

¿Por qué no …? Me parece que es correcto comenzar un artículo sobre Diana Vreeland con el título de su columna. Comenzó a escribir para Harper’s Bazaar después de que Carmel Snow, la aclamada editora de la revista, se diera cuenta de su indiscutible estilo y le planteó la pregunta que marcaría el resto de su vida: ¿por qué no vienes a escribir tu propia columna?

Más tarde, se convirtió en la emperatriz de Vogue donde era muy difícil de encontrar porque era muy particular. Si querías estar en su presencia, tenías que tener algo especial que ofrecer. Tenía las mejillas más brillantes, pintadas de rojo, en dos pequeños círculos, como inspirado en algún maquillaje de ópera china. Su cabello era negro y tenía dedos largos y huesudos con esmalte de uñas extremadamente rojo y brazaletes de marfil hasta los codos. Su cara era blanca como la tiza y tenía un perfil increíble, casi como una cacatúa.

Fue la II guerra mundial, realmente, la que hizo a DV. Con la alta costura de París paralizada o confraternizando con los nazis, la 7ª Avenida finalmente tuvo su momento. Vreeland aprovechó la oportunidad para abrazar talentos nativos como Claire McCardell y los persuadió para que crearan un nuevo tipo de vestuario para un nuevo tipo de mujer estadounidense en tiempos de guerra: animada, modesta y práctica.

Ella acuñó el término “terremoto juvenil”, ayudó a Jackie Onassis a elegir su vestido de gala inaugural y fue la primera persona en poner una foto de los Beatles en una publicación estadounidense. Improvisando en el glamour de “jet set”, envió a Richard Avedon a Japón y Norman Parkinson a Tahití para hacer producciones fotográficas que involucraban a sementales blancos, trenes de vapor y baúles de hermosas ropas.

Más tarde fue nombrada consultora del Instituto de vestuario del Museo Metropolitano de Arte. Dejándose llevar por los archivos del museo, Vreeland utilizó su imaginación para construir “historias” de moda elaboradas a lo largo de las líneas de diseño del Hollywood romántico y glamoroso y las modas del Imperio de los Habsburgo. Los curadores y los historiadores de la moda vieron horrorizados como DV mezclaba originales y réplicas o unía objetos que nunca se habrían encontrado en la vida real. Si Vreeland hubiera tenido una mentalidad analítica, habría explicado que estaba comprometida no en recrear el pasado material, sino en volver a contarlo.

Vreeland era una chica normal, proveniente de un hogar tenso, que decidió convertirse en una criatura maravillosa. Y esa vulnerabilidad temprana, que hizo que el narcisismo posterior fuera soportable, se mantuvo de manera conmovedora con ella durante toda su larga vida.

Xoxo y más,

G.

[joseandrestabarnia]

Inventario: 00100

Autor/a: Naccherino, Michelangelo (Lugar de nacimiento: Florencia, 1550 - Lugar de defunción: Nápoles, 1622)

Escuela/Taller: Italiana

Título: Cristo atado a la columna

Materia/Soporte: Mármol

Técnica: Tallado

Dimensiones: Altura = 199 cm

Descripción: Cristo atado a la columna, estatua en mármol de tamaño algo mayor que el natural.

Iconografía: Cristo atado a la columna

Datación: 1613[ca]-1616[ca]

Contexto Cultural/Estilo: Renacimiento

Lugar de Producción/Ceca: Nápoles (Italia, Europa)

Uso/función: Devocional

Historia del Objeto: Fue esculpida para el retablo de la iglesia de la Trinidad de Nápoles. Formaba pareja con la imagen de la Virgen que hoy se encuentra en la Fundación Selgas de Cudillero, Asturias (Camón. Guía. p. 41)

Clasificación Razonada: Esta escultura es una de las dos versiones que sobre ese asunto realizó el escultor florentino Naccherino. Fue regalada por el conde de Lemos, Pedro Fernández de Castro, al rey Felipe III.

La obra fue del gusto del monarca quien, al parecer, la donó al convento de Trinitarios Descalzos de Madrid. Los monjes colocaron la estatua en un altar de la sacristía donde fue vista por Ponz quien, sin reparar en la firma, la atribuyó a Gaspar Becerra, opinión seguida por Ceán Bermudez. Cuando se produjo la desamortización y la Trinidad se convirtió en la sede de las pinturas desamortizadas, la obra se encontraba aún en el mismo lugar. Tras el derribo del convento la obra pasó varios días en la acera de la calle Atocha; por aquellas fechas debió ser cuando se mutiló la firma de Naccherino del pedestal dejando solo la primera parte de ésta, pues fue entonces cuando Tormo denuncia la salida de España de una obra de Miguel Angel Buonarroti. La pieza estuvo en el mercado del arte en París donde la vio el conde de las Almenas, siendo adquirida más tarde por Lázaro. Existe otra pieza del mismo tema, también del mismo escultor, en Montelupo, Florencia, que ha de ser la obra que Naccherino esculpió para Cosimo II de Medicis.

Forma de Ingreso: Donación al Estado

Información del Museo Lázaro Galdiano, en la web Colecciones en Red, imágenes mías.

[vocesdelaula]

“Padecemos de intoxicación intelectual”

ENTREVISTA

Por Nicolás Pichersky

“¡Atención, Cassany!”. Ese llamado de atención, ese grito de guerra en plena aula. Daniel Cassany no quiere tener nada que ver con ese grito. Lo vivió de chico, como esos adolescentes en películas como If…, The Wall o Los 400 golpes . Una educación sentimental que no deja ninguna gracia aunque hayan pasado muchos años. Pero ese pasado y el pensar en el aprendizaje del presente, el de la postpandemia, llevó a uno de los mayores pedagogos , justicieros de la lengua e investigadores de la lectura y la escritura , a escribir su más reciente ensayo, El arte de dar clase. O cómo recorrer el camino que va de la educación sentimental a la educación postpresencial.

Licenciado en Filología Catalana y doctor en Enseñanza de Lenguas y Literatura, Daniel Cassany escribió más de una veintena de libros sobre la enseñanza, y sobre todo el placer (y el trabajo) de la escritura. Ha estado varias veces en la Argentina, en Congresos de Lengua y en la Feria del libro.

El más famoso de sus libros es probablemente La cocina de la escritura . El que sigue alimentando con su glosario e idea principal cuánto taller literario se autopromocione "invitando" a escribir ya "degustar" la redacción "con un menú" de herramientas y "platos especiales" para los escritos más "hambrientos y omnívoros". Hace 30 años que este ensayo y taller al mismo tiempo es una de las mejores maneras de –como propone uno de sus capítulos– “Accionar las máquinas”. O sea, animarse a escribir. Revelador en consejos de gramática, sintaxis y ritmo de la escritura y entretenido con sus cuadros y columnas, acaso junto al El camino del artista de Julia Cameron, es uno de los libros más leídos y subrayado por el joven escritor o periodista.

Un manual para todos

El arte de dar clases entonces, su nuevo libro, se propone como un manual para docentes, para maestros principiantes o no. Pero con el acento puesto en el alumno. Como advierte Cassany en el prólogo: “¡Atención al cambio de palabra! De enseñar a dar clase. Porque hoy el aprendiz es el centro del aula e importa más crear situaciones de aprendizaje que dar lecciones ”.

Con capítulos como “La clase digital ”, el autor no desdeña, sino que aconseja, la enseñanza con ya través de nuevas tecnologías (como prueban sus títulos anteriores, Leer y escribir en la red o Tras las líneas ). Pero sin falsa retórica de hagiografía y fanatismo ciego por la red digital: recomienda herramientas, normas de uso, recursos. Todo lo que sirva, además, para aliviar el pánico del docente / arquero ante el tiro digital del alumnado.

En este nuevo libro también se explora la conducta no verbal . Divertido, ameno, rico en ejemplos, el ensayo incluye epígrafes de pedagogos, filósofos, ¡coreógrafos! (el cuerpo del docente es importante) o clásicos de Goethe y Flannery O 'Connor. Parafraseando un célebre cuento de esta escritora, podríamos decir que “Un buen chef de letras es difícil de encontrar”. Ñ se comunicó con él, en Madrid y vía zoom, para entrevistarlo. O, como diría Cassany en este mismo libro, para “hacerse entender”.

–Tu primer libro lo escribiste a los 26 años. Hoy tenés 60 ¿Qué ha cambiado?

–La diferencia es que ya no necesito apoyarme tanto en la bibliografía previa y puedo volcar mis opiniones y mi experiencia de todo este tiempo. En este sentido es un libro más personal y más general, para cualquier tipo de docente

–¿La pandemia motivó el libro?

-No. Yo quise explicar que la enseñanza tiene sentido si hay aprendizaje. Del mismo modo que en la medicina lo esencial es que el paciente mejore. Es un giro conceptual muy antiguo, ya presente en la psicología, en la filosofía, en las humanidades en general. El sujeto de aprender es lo importante, el alumno. No se trata tanto de que el que sabe cuente lo que conoce para que puedas acceder a su saber, sino de que tu hagas actividades que te permitan aprender. Quizás un cambio es que con internet las posibilidades de aprendizaje se han multiplicado. No estás limitado a la gente que te rodea y en pocos clics tienes millas de libros accesibles.

–Pero existe también la paradoja de que tanta información aniquila la curiosidad, ¿no?

–Antes todos vivíamos en la pobreza cultural extrema de películas o libros. Incluso con dinero no era fácil conseguirlos. Y uno era feliz, por ejemplo, si conseguía la fotocopia de tal o cual libro. Y ahora la situación es todo lo contrario: estamos sobresaturados de información , de documentos, de discos. Todo con un poco de habilidad es accesible. El problema ya no es de hambre, sino de intoxicación intelectual . Consumos que te hacen daño o que son engañosos. Actualmente el docente, en vez de dar cátedra, debe recomendar discursos, recursos, textos y “mediar”: o sea enseña a obtener los mismos resultados que consiguió el maestro.

–No estás en contra de la tecnología. Incluso mencionás hasta Tik Tok. Pero me imagino que cualquier docente argentino o español, que le da clase a 35 alumnos, podría preguntarte cómo lidiar con semejantes “armas de distracción masiva”, como llamás a las redes en el libro.

–No es una pregunta distinta a la de la época de la televisión, que se la veía como enemiga. Es más estratégico y amigable incorporar las tecnologías en la medida que sea atractivo para los alumnos. Genera una entidad más global y menos paranoica: para el alumno deja de ser “lo que hago en clase VS lo que hago en casa”. No soy un “tecnólogo” pero me gusta conectar con lo que hacen mis alumnos. Una escuela que esconde esto no prepara para el futuro. Otra cosa, claro, son los problemas de orden, de gestión de tiempos. Porque los chicos han pasado mucha “hambre tecnológica”. Pero incluso los tres estudios muestran que luego de la novedad de “tener una computadora para mi solo”, a los meses no quieren tener nada que ver con la computadora del colegio y quieren dejarla el viernes en el aula hasta el lunes siguiente.

–Es un tema difícil. En Latinoamérica desde fines de los 80 ganó una tendencia apologética y engañosa de las tecnologías, “de los medios a las mediaciones”, en las que el ciudadano equivale a consumidor y donde el consumo cultural pasivo reemplaza a la producción activa.

–Si, y hoy es una batalla entre un usuario y empresas de internet inmensas y perversas. Las familias no pueden ayudar a los chicos con esto, pero la escuela debe hacerlo. El cambio tecnológicoes muy costoso, y paradójicamente lo que menos cuesta es proveer de computadoras a cada chico. Porque es mucho más costoso educar a los docentes y cambiar su manera de educar, de prepararlos. Lo otro es cambiar papel y lápiz por el ordenador. Un multiple choice en la PC… muy bonito sí, pero eso no transforma nada. De lo que se trata es de que los chicos tengan recursos. Para que publiquen lo que escribieron, para que sea leído en otras partes del país y les respondan, para que aprendan a explorar la red concienzudamente. Fijate que si se descubre una vacuna nueva para el covid tardaría meses en llegar a todo el mundo, acaso un año. ¿Y si se descubriese una metodología nueva para atender una cuestión lingüística, cuánto tiempo se necesitaría para que llegue a todos los niños? Décadas. Porque la educación se basa en las costumbres.

–¿Y esto es malo o bueno?

–Ni lo uno ni lo otro, son los tiempos de la ciencia. Los niños son conservadores también eh, a su modo. Son muy hábiles para el lyp sinc de Tik Tok, y no lo digo en tono de burla eh, pero aún necesitan el papel para subrayar o estudiar.

–En el libro también defendés cierto comportamiento histriónico de los docentes ...

–Interactuar con lo noverbal es fundamental y en el aula es imprescindible. No solo la voz, que debe llegar a todos los rincones: mover las manos y moverse en el aula, mirar a los ojos a los alumnos y no concentrar la mirada en uno solo cuando se hace una pregunta. Ocupar el espacio principal, la “tribuna”, para lograr atención. Sobre todo ahora que se está reflexionando sobre los límites del cuerpo, cómo nos acercamos a los alumnos, sus derechos infantiles.

Allanando la escritura En cada nuevo libro, Cassany “da lección” y maestría de lo que se conoce como escritura llana, tanto en el contenido como en su estilo de su prosa. Pero, ¿qué se puede entender por escritura llana en tiempos de reducción de caracteres, redes sociales y mensajitos fugaces?

“Es algo que comenzó en Norteamérica –explica el cocinero de la redacción–; por la simple razón de ser un país enorme, con gente que venía de todas partes y con lenguas distintas. Necesitaban entonces una narrativa comprensible para todos. Y esto está también está en la raíz del cine americano, su lenguaje y montaje invisible. Hoy en día Escandinavia son quienes más desarrollaron la idea de que un lenguaje simple y llano fortalece la convivencia, la democracia, la idea de que si tu entiendes las cosas participas más en lo social y te involucras. Contra esa parte de la población, como decimos nosotros en España, 'pasota': reaccionaria, y negacionistaque no quiere involucrarse. Un ejemplo son los antivacunas o los terraplanistas. Los países nórdicos vienen trabajando con mucho esfuerzo y hace varios años para que leyes, normas y contratos públicos sean comprensibles. Sobre todo con el concepto de 'lectura fácil' que consiste en que los documentos públicos pueden entenderse entre gente que no hable sueco o en personas de coeficiente intelectual más limitado. Todos deben ser incluidos. Porque en definitiva no se trata de falta de información, que siempre está, sino de otorgarle viabilidad a esas fuentes.

–¿Y el resto de los países que podremos hacer?

–Bueno –se ríe– ustedes han tenido un economista, profesor, escritor e historiador, Raúl Scalabrini Ortiz , que lo ha resumido perfectamente: “Cuando usted lea un documento público y no lo entienda, vuelva a leerlo. Cuando lo lea por segunda o tercera vez y todavía no lo comprenda, piense que probablemente estén intentando engañarlo ”. A eso apunta el lenguaje llano.

Daniel Cassany

Vic, Barcelona, ​​1961. Profesor y lingüista

Licenciado en Filología Catalana, se doctoró en Enseñanza de Lenguas y Literatura en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad de Barcelona. Desde 1993 ejerce como profesor de Análisis del Discurso en Lengua Catalana de la Universidad Pompeu Fabra. Su actividad docente e investigadora se ha centrado en el estudio de los géneros escritos, con una perspectiva lingüística y didáctica. Es autor de verdaderos clásicos como Describir el escribir (1988, 14 ediciones en castellano), Reparar la escritura (1993, 11 ediciones), La cocina de la escritura (1993; 15 ediciones), y Construir la escritura (1999), entre otros .

El arte de dar clase, de Daniel Cassany.

Anagrama

192 págs.

Tomado de El Clarín

Nov 22 del 2021

[650katie]

くまの鼓動 (Kuma no Kodou) - Análisis

Hola, nakamas que están leyendo mi blog :3

En primer lugar, me siento algo rara escribiendo un análisis de una canción ya que es la primera vez que hago uno. En especial por todas las cosas que tengo que explicar aquí...

Segundo, al principio me sentí algo insegura de hacer la traducción de esta “canción” (pongo comillas porque Kuma sólo habla :v) por algunos choques culturales que hay... Pero tras investigar y relacionar todo un poco con la personalidad de Kuma, de todas maneras hay datos que tengo que aclarar para entender todo esto.

Bueno, sin más vayamos al blog ヾ(＾∇＾)

 “くまの鼓動” 

Todo inicia con el título ya que se podría tomar como un juego de palabras entre los romajis: “Kuma no kodou” y “Kumano Kodo”

-...Pero Katie... ¿cuál el la diferencia entre esas dos palabras? .-.

Bien, la primera oración es traducida como “Los latidos de Kuma”.  

鼓動 .- Latidos

Mientras que “Kuma” es simplemente su nombre en hiragana.

Luego, “Kumano Kodo” es una red de rutas muy conocida en la prefectura de Mie que en 2004 fue registrado como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Lo más interesante de estas rutas es que  Kumano ha sido considerado un lugar sagrado asociado con la adoración de la naturaleza desde tiempos prehistóricos.  Al mezclarse el sintoísmo y el budismo, la creencia de Kumano, como una tierra budista pura llegó a ser frecuente.

*Recordemos que Kuma se ve que es un personaje religioso por llevar consigo la Biblia; y aunque eso no sea parte de cualquier religión japonesa, esta canción le va muy bien por tener muchas referencias religiosas*

Siguiendo con el tema de Kumano durante el siglo XI se creía que era el comienzo de una era llamada Mappo, cuando los poderes del Buda se reducirían y las adversidades atormentarían a la sociedad. Así que distintos emperadores comenzaron con las peregrinaciones en estas rutas para alejar el mal augurio, tanto fue así que la familia imperial peregrinó casi más de 100 veces.

Con las repeticiones de estas peregrinaciones a gran escala los santuarios y las instalaciones de alojamiento se construyeron y mejoraron una tras otra.

Aquella costumbre fue tan famosa entre las familias reales que pasó a ser reconocida en todo Japón. Y así hasta la actualidad.

Ise-jingu

El Ise-jingu o Santuario de Ise es el santuario sintoísta más importante de Japón. Tiene en su entrada un Torii que es la columna que verán en la siguiente imagen:

Aquí voy a explicar del significado de los Torii y también de las costumbres que se hacen dentro de los santuarios al mismo tiempo...

El Ise-jingu cuenta con 125 Toriis y dos principales en toda su extensión. El Torii que está más al interior del santuario es el que “encierra” a la Diosa del Sol Amaterasu O-Mikami, y el que está fuera “encierra” a Toyouke-O-no-Mikami; Dios del Alimento y la Industria. 

Amaterasu

Toyouke-o-no-Mikami

Hay una frase en la traducción de esta canción que dice: “ Y purifica tus manos en el Temizuya “

En el santuario hay como una concentración de agua la cual se llama “Temizuya” o “ 手水舎”

La tradición dice que debes lavar tus manos y a ti mismo, y luego secarte en el Temizuya cerca de la entrada antes de orar. Cuando ores en el Ise-jingu primero tienes que hacer una reverencia en el portón antes de entrar. Luego, tienes que hacer dos reverencias ante el Torii, aplaudir dos veces, juntar tus manos y orar, y hacer una última reverencia antes de finalizar. 

De ahí es donde en la traducción también sale lo siguiente: 

“Al ir al templo, reverénciate y aplaude dos veces”

“Honra a la diaria protección divina“ .- Aquí se refiere a la protección de los Diosos de ambos Toriis principales.

“Después de ver el Torii voltéate para dar la reverencia” .- la última reverencia frente al Torii.

Iga (伊賀市)

Es una área larga que abarca varias ciudades pequeñas, la cual una de ellas que es la más grande es Ueno.

El lugar más destacado para ver en Iga, y que también es mencionado en la canción de Kuma, es el Museo Ninja o Residencia Ninja.

Está ubicado en el Parque de Ueno y es un lugar que imita a la perfección las residencias Ninja durante el periodo Sengoku. Al entrar allí hay mujeres vestidas con trajes ninja de un color rosa brillante.

El museo también tiene un sótano con casi 200 armas de los Ninja reales. Luego, también hay como un tipo de tienda de recuerdos donde puedes conseguir Sake y también otras armas de menos calidad como espadas, shurikens, etc. Después está una arena de combate que durante fiestas o fines de semana unos artistas especializados en artes marciales se presentan enseñando cómo peleaban los Ninja.

Siguiendo con el tema, durante los fines de semana de Abril puedes ir a ese museo y pagar unos 1000 yenes y podrás vestirte como un verdadero Ninja y caminar como si nada todo el día xd. También puedes probar tus “habilidades” usando Shurikens, usar unos tipos de artillería, etc. (Si eres fan de Naruto ese lugar sería un paraíso :D)

Y este evento es mencionado en la canción:

“Si te mandara a volar hasta Iga

Puedes cambiar tus ropas por unas de ninja

Y visitar La Residencia Ninja

Shurikens, vapor de agua, maquinaria

El entrenamiento te deja hambriento”

Toba ( 鳥羽市)

Y como último dato tenemos la mención de un isla ubicada en esta ciudad llamada “La Isla de Perlas Mikimoto”. La cual, como su nombre lo dice, es famosa haber hecho por primera vez en el mundo el cultivo de perlas de mar; y estas perlas son recogidas por buceadoras que van hasta el fondo del mar para cultivar y también recoger las perlas.

“En Toba las buceadoras son hermosas 

Y las perlas que las acompañan

Resplandecen en tus ojos hasta arder 

 Una galante figura blanca”

Para concluir, esta canción es muy honorífica y fue demasiado interesante poder haberla traducido; aprendí nuevas cosas y me siento honrada por saber más sobre la cultura japonesa :3. También, debes ser japonés o japonesa para poder sentir un bonito significado patriota.

Bueno, nakamas; si han llegado hasta este punto del post se los agradezco muchísimo. Me ha gustado esta experiencia y espero poder hacer uno similar cuando haga otras traducciones con este tipo de referencias :’3

¡Nos vemos! <3

*Si vas a compartir este post en alguna otra página recuerda poner los créditos*

Fuentes: https://japan-magazine.jnto.go.jp/en/1604_iseshima.html

http://www.mieguidebook.org/wiki/Iga

http://www.tb-kumano.jp/es/kumano-kodo/

https://es.wikipedia.org/wiki/Torii

http://www.tb-kumano.jp/es/kumano-kodo/history/