#импрессионисты

[black-owl]

Кто из художников прошлого и современности тебе нравится больше всего? Кто из них вдохновляет тебя на творчество? Стремишься ли быть на кого-то из них похожей? Конь d4хc6

Ох, опять я не смогу ответить коротко, хахах)

Я безумно благодарна своим родителям, за то что они с любовью относились к искусству в целом, а в частности за то, что когда-то в моем детстве они нашли прекрасную передачу про импрессионистов! «Импрессионисты: живопись и революция» — вроде так называется. Я в детстве ещё мало понимала всего, что там происходило, естественно я не могла запомнить биографии, каких-то слов даже не знала вовсе (мне было лет 8-9 максимум), но навсегда в моей голове отпечатались маковые поля Моне, балерины Дега, танцующие и веселящиеся люди на картинах Ренуара... Я запомнила где-то пять фамилий изначально, а также основную суть — запечатлеть момент. Впечталение. А ещё — что некоторые полотна писались мелкими мазками или даже точками.

В общем, отсюда началась моя любовь к живописи и искусству, я думаю...

Так что, импрессионисты — первая моя ассоциация с искусством и по сей день. Мне сложно выделить более или менее любимых художников... Поэтому, просто перечислю любимых, без «более» и «менее» :)

Моне, Мане, Ренуар, Тулуз-Лотрек, Гоген, Ван Гог, Айвазовский, Малевич, Кандинский, Вермеер, Питер Брейгель (старший, хотя и другие Брейгели мне тоже нравятся, но я их меньше знаю), Билибин (он буквально мне помог, когда делала иллюстрации для сборника стихов в подарок другу), Босх, (были ещё несколько нидерландцев, но сейчас не могу вспомнить имена); отдельные работы Брюллова, Эгона Шиле, Куинджи, Левитана, Врубеля, Шагала, Пикассо...

Отдельная тема — это сюрреализм и касающиеся его направления, вроде дадаизма, метафизической живописи. Здесь огромное множество личностей, которые уже даже не только художники, но и писатели, например. Но если говорить о художниках — Макс Эрнст, де Кирико, Рене Магритт (ниже произведения этих авторов соответственно)

Эх, одного поста мало, на самом деле)

Я готова ооочень много про искусство говорить, хотя может даже я и не столько знаю истории, фактов, биографий... Но это мне не мешает чувствовать, размышлять, искать...

И не знаю, если честно, стараюсь ли я быть на кого-то похожей... Учитывая, что мне пока научиться бы рисовать базовые академические вещи) но в целом... Я однозначно вдохновляюсь. Очень сильно, это сто процентов. Они значительно влияют на мое мировоззрение, на мою личность и творчество. В отдельных моментах, возможно, я пробую им подражать.

Как-то так :) блин, я этот пост писала где-то полчаса, наверное, вау... Ну, оно того стоило) надеюсь, ты не против такого развёрнутого ответа, хаха. Я сама от себя такого немного не ожидала.

Так... А, точно, шахматы хахах.

b7xc6. Интересная партия получается)

[isskustvoved]

XIX век, Франция

Эдуарда Мане (1832-1883 гг.) «Завтрак на траве».

Когда-то, в 1863 году, она висела на выставке рядом с «Венерой» Александра Кабанеля.

Две обнаженные дамы смотрели на зрителей. Одна уверено, другая томно. Только вот зрители реагировали на 

Вверху: Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Внизу: Александр Кабанель. Пробуждение Венеры. 1863.

На выставку прибыл император Наполеон III. Картину Мане он назвал крайне непристойной. А вот "Венера" Кабанеля ему настолько понравилась, что он тут же ее купил.

Нам, современным зрителям, такая реакция кажется абсурдной. Скромно подставляющая бедро девица Мане более непристойна, чем лежащая во весь разворот красотка Кабанеля?

Дело в том, что у нас с Вами давно есть иммунитет к жизненности. А вот у публики XIX века его не было.

Со времен Ренессанса существовало негласное правило: обнаженной может быть только богиня или нимфа. Им положено быть без одежды, поэтому и смотреть на них не возбраняется. Реальных женщин почти никто не "раздевал".

Но Мане сделал невиданное. Мало того, что он "раздел" даму. Он ещё посадил ее рядом с одетыми мужчинами. Именно так парижские денди развлекались с куртизанками.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей Орсе, Париж.

Это была голая правда о жизни буржуа, и зрителям это не понравилось.

Только несколько молодых людей пришли в неописуемый восторг от смелости Мане. Это были будущие импрессионисты: Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега.

Жизненность стала обязательным атрибутом их живописи. Теперь никаких исторических сюжетов и мифов. А только настоящая жизнь их современников или природа, которую они видели каждый день.

Получается, что реальная куртизанка одержала верх над эфемерной богиней :)

Но импрессионисты пошли ещё дальше.

Кто-то из них начал охотиться за мимолетными природными эффектами, как Клод Моне. Для этого ему понадобились размашистые мазки и цветные тени.

Клод Моне. Стог сена на закате близ Живерни. 1891. Музей изящных искусств, Бостон.

Кому-то было интересно уловить необычную позу или жест человека. В этом направлении экспериментировал Эдгар Дега.

Так появились картины, похожие на фотоснимки: часть фигур «срезаны» рамой, а другие и вовсе кажутся случайными.

Эдгар Дега. Балет из оперной ложи. 1884. Художественный музей Филадельфии.

А Ренуар получал удовольствие от того, что ему не надо зацикливаться на сюжетах и можно просто писать девушек.

Он любил растворять их в пространстве, погружая в густой воздух из цвета и света

Пьер-Огюст Ренуар. Купальщица в шляпе, лежащая на траве. 1892. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Импрессионисты во главе с Эдуардом Мане открыли ящик Пандоры.

Оказалось, что необязательно следовать традициям сотни лет подряд. Можно экспериментировать и искать свой путь.

[afsolka]

«Просушка парусов»

Андре Дерен, 1905

Музей им. Пушкина, Москва

Художники прошлых веков любили северный свет: он более равномерный, меньше меняется с утра до вечера. Позже импрессионисты на пленэре оценили прелести рассветного и закатного освещения, красоту мимолётного мгновенья.

Но француз Андре Дерен пошёл дальше. Он взял самый нелюбимый художниками свет — полуденный, который выжигает все цвета. И написал полдень в приморском Коллиуре, где моряки вытащили лодки на берег и сушат паруса.

Яркий белый свет передан отсутствием цвета. Паруса, их отражения в воде и стены средиземноморских домиков на этой картине — части загрунтованного холста. Зато тени играют цветными переливами: красные полосы между синими, зелёные пятна среди оранжевых...

На Салоне 1905-го «Просушка парусов» выставлялась вместе с работами Матисса и других художников со схожими взглядами на цвет. ��ервобытное буйство красок подарило имя этому новому течению живописи: фовизм — от les fauves, «дикие» (фр.).

[msskuka]

«Художник впечатлений должен выработать собственную манеру импровизаторской работы: удалить детали, упростить технику. Только в том случае,если он удовлетворится приблизительным воспроизведением, непринужденностью эскиза, его впечатление обретет красноречие»

Импрессионисты перел публикой и критикой. Манц

[3planet-ru]

Подбираем и смешиваем краски

Смешивание красок — настоящее искусство, которым необходимо владеть каждому художнику, чтобы с легкостью интерпретировать на холсте или бумаге передаваемый образ или предмет. Для художника очень важно научиться подбирать и смешивать краски. Помните, если оставить белые предметы незакрашенными, они не будут выглядеть естественно и не передадут натуральный белый цвет, поэтому даже для самых светлых участков изображения подбирается близкий к оригинальному тон. Не менее сложно бывает подобрать нужный оттенок и для обозначения темного тона. Порядок работы Если вы пишете маслом, всегда нужно начинать с самых темных тонов и постепенно переходить к более светлым. Запомните: самый светлый предмет на картине не может быть ярче, чем чистый белый цвет, чем блик. Если бы пишете акварелью, самые светлые участки изображения можете оставлять незакрашенными. Работая акварелью, лучше всего нанести самые темные цвета в конце творческого процесса. Выбор художника Старайтесь смешивать краски так, чтобы, создавая натюрморт, пейзаж или портрет, получать именно тот цвет, который вы видите перед собой. Поэтому сначала нужно внимательно изучить изображаемый предмет и научиться вносить тонкие изменения в оттенки цвета. При желании вы можете сделать колорит композиции более светлым или темным, более теплым или холодным, более насыщенным или тусклым. Задумывая цветовую гамму будущей картины, вы должны выбрать и прозрачные или непрозрачные краски. Зеленые тона Попробуем получить несколько оттенков зеленого цвета, которыми можно написать траву. Смешайте ультрамарин и желтый кадмий для передачи основного тона. Участки травы, оказавшиеся в тени, можно написать, добавив к этой смеси немного синей краски, — она сделает тон холоднее. Если же вам потребуется более теплый оттенок зеленого, добавьте сырую или жженую умбру. Трава на солнышке выглядит ярче, поэтому попробуйте добавить к основному тону немного лимонно-желтой краски или даже белил (правда, в этом случае вы обнаружите, что цвет перестал быть зеленым). Но лучше всего теперь взять за основу голубовато-зеленую краску, добавить к ней желтый кадмий или лимонно-желтую краску. С помощью желтого кадмия, лимонно-желтой краски, ультрамарина, синего кобальта и голубовато-зеленой краски можно создать бесчисленное множество оттенков зеленого цвета. Но и в этом случае не всегда можно получить зеленый цвет именно такой, который вам нужен. Некоторые оттенки повторить очень сложно, поэтому старайтесь подобрать похожий цвет. Пуантилизм Различные цвета можно создавать, не только смешивая основные и дополнительные цвета. Смешивание цветов может происходить и в восприятии человека. Например, если расположить множество мелких точек всевозможных оттенков рядом друг с другом, а потом немного отойти от картины, то станет видно, что точечки слились воедино, образовав новый цвет или цвета. Такая техника письма называется пуантилизмом. Ее придумал Жорж Сера, французский живописец второй половины XIX века. Он и его последователи, изучая свойства цветов, обнаружили, что расположенные близко разноцветные точки дают бесчисленное количество оттенков. Художники писали только чистыми цветами спектра и белой краской. Лессировка Слой краски делают прозрачным настолько, чтобы сквозь него могли просвечивать нижние слои. Такой способ письма называют лессировкой. Чаще всего поверх слоя высохшей светлой краски наносят тонкий слой более темной краски (например, синюю краску можно наложить поверх желтой, чтобы получить зеленый цвет). Результат, то есть полученный цвет, в данном случае контролировать сложнее, чем при смешивании красок на палитре. Эта техника требует большого опыта. Пуантилизм Жоржа Сера (1859—1891) отчетливо виден на его картине «Пудрящаяся женщина». Крошечные точечки сливаются на полотне в разнообразные оттенки цветов.

На картине «После ванны» Эдгара Дега (1834—1917) разноцветные штрихи пастели сливаются, создавая тонкую гамму телесных тонов.

Как и многие импрессионисты, Камиль Писсарро (1830-1903) пытался оживить колорит своих картин за счет близко расположенных мелких мазков разного цвета. Отличным примером такого письма может служить его картина «Наводнение в Эраньи».

ЭКСПЕРИМЕНТИРУЕМ С РАЗЛИЧНЫМИ ЦВЕТАМИ Вам потребуется: - Лист бумаги формата A3 - Кусочки цветной бумаги и белая бумага двух разных оттенков - Клей - 11 акриловых красок, соответствующих цветовому спектру Это упражнение научит вас смешивать краски, как можно точнее повторяя цвет, который вы видите перед глазами. Подберите несколько кусочков разноцветной бумаги, желательно без узора или рисунка. Обязательно добавьте к ним два кусочка белой бумаги разных оттенков. Можно воспользоваться оберточной бумагой, почтовыми карточками или страницами из старых журналов. Подготовьте палитру с акриловыми красками. 1.Делаем коллаж Разорвите отобранную бумагу на кусочки разных размеров и форм и наклейте хаотично на левую сторону листа формата A3. У вас получится небольшой абстрактный коллаж. 2.Подбираем цвета Теперь попробуйте нарисовать тот же коллаж на правой стороне листа акриловыми красками, стараясь в точности повторить форму и цвет каждого фрагмента коллажа. Вы убедитесь, что воспроизводить пастельные цвета намного легче, чем чистые, яркие. Обратите также внимание на то, как влияют друг на друга расположенные рядом цвета. Read the full article

[summer-rain95]

Тут человек из области искусства сказал , что те,кто на вопрос «Ваш любимый стиль и художник ? Отвечает -«импрессионисты «

То значит эти люди совсем в искусстве не разбираются. Это само по себе красиво и эстетично без обсуждения .

Нам чаще всего рассказывают и показывают про импрессионистов , фильмы снимают про импрессионистов , коммерция с работами импрессионистов .

Я соглашусь с мнением Яны , так как всё таки мир искусства гораздо многограннее.

[netochtoby]

2 дня, 25 км прогулок, уютные каналы, согревающий в -10 коньяк из походных рюмок, импрессионисты, льдины на Неве... было хорошо! ~ Нужно устраивать себе такие мини вылазки чаще💛 (at Saint Petersburg, Russia) https://www.instagram.com/p/ClgmGecD6Yt/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[madridrus]

[cripta-today]

NFT: Аукционный дом Christie's запускает NFT-платформу «Department X»

New Post has been published on https://cripta.today/nft/novosti-nft/nft-aukcionnyj-dom-christie-s-zapuskaet-nft-platformu-department-x/

NFT: Аукционный дом Christie's запускает NFT-платформу «Department X»

Дебют Christie’s Department X будет посвящен первой продаже цифрового искусства, созданного такими художниками, как Дайана Синклер. Аукционная компания открыла собственную платформу NFT, чтобы воспользоваться быстро развивающимся рынком цифровых предметов коллекционирования уличной одежды, спортивной истории и кроссовок.

Ранее на этой неделе Christie’s заявил, что в его пространстве NFT Department X есть категории, эксклюзивные для скейтбордов Air Jordan и Supreme. Люди также найдут категории для импрессионистов и современного искусства и старых мастеров.

Импрессионисты и современное искусство представят произведения искусства конца 19-го и начала 20-го веков. На продажу будут выставлены различные формы искусства, такие как сюрреализм, кубизм и импрессионизм, а также шедевры всемирно известных художников, включая Пикассо, Моне, Матисса, Модильяни, Сезанна и других.

«Держа руку на пульсе популярной культуры и эволюции того, что сегодня определяется как роскошь, Christie’s с гордостью представляет «Department X» — Sneakers, Streetwear & Collectibles.

Нелегко классифицировать, Департамент X предлагает редкие предметы коллекционирования в различных жанрах — музыка, мода и история спорта», — говорится в сообщении в блоге Christie’s, представляющем свои новые предметы коллекционирования.

Аукционная фирма добавила: «От эксклюзивных, поношенных и подписанных Jordan для игроков до редких прототипов Yeezy, культовой уличной одежды и предметов коллекционирования от таких брендов, как Supreme, наша команда стремится найти выдающиеся предметы».

В последние годы произошел взрыв популярности кроссовок и спортивных цифровых предметов коллекционирования, поэтому их стоимость также увеличилась. Фактически, Christie’s продал предметы Майкла Джордана на своем аукционе «Шесть колец — наследие козла», и объем продаж на этом мероприятии достиг почти 1,5 миллиона долларов.

В любом случае, своим подразделением Department X аукционный дом надеется привлечь молодых коллекционеров, поскольку он принимает участие в переосмыслении мира предметов коллекционирования с помощью NFT. CNBC сообщила, что платформа Christie’s NFT будет продавать редкие коллекционные предметы из музыки, спорта, моды, искусства и истории, но уличная одежда и кроссовки будут ее самыми большими категориями.

Веб-сайт: https://nft.christies.com/view-all

[oh-noooooooo]

Как же хочется бросать камушки в четыре утра в окна Жоржа Серы, будить разговорами об искусстве его мамашу, слушать ее ироничные замечания, а потом пить все вместе чай до рассвета. Будить Сезанна, спящего прям на лавке в садике у подножия Монмарта, подложив башмаки под голову. Кутить в Мулен Руж �� Тулуз-Лотреком и танцовщицами ночь на пролет или болтать с Руссо, о том, что когда-то вас обязательно выставят в Лувре или Люксембургском музее, и о том, что вы определенно безумны.

Импрессионисты знали как развлекаться.

А ещё знайте Тео Ван Гог лучший и самый светлый мальчик.

[claudemmonet]

Константин Коровин. Мысли о Париже.

«Так вот они, французы. Светлые краски, вот это так... Много и такого, что и у нас, но что-то есть еще и совсем другое. Пювис-де-Шаванн - как это красиво! И импрессионисты - у них нашел я все то самое, за что так ругали меня дома, в Москве». – таково было мнение молодого художника ,впервые посетившего Париж ,город ,который всегда так привлекал его своим огнём негаснущей жизни.

Особую роль в жизни творчества К.А.Коровина заняла красота парижских улиц и, пребывание в этом оживленном городе сформировало в нем импрессиониста .Серия "Парижсие работы " проникнута тайной романтичностью и бесконечным восхищением. Каждый может проникнуться великими чувствами ,озирая эти картины . Художник показал движение красоты и ее пременичивость, сделал её доступным достоянием искусства.

***

«Моя единственная мечта - вернуться на Родину, хочу умереть в России»

Сколько бы художник не восхищался бы чужой страной , свою Родину он любил любовью ,исходящей от души и сердца , любовью ,что способна прожить вечность.

С Францией слиться в единое он не смог ,чувства и мысли принадлежали лишь одной стране . Художник скончался в Париже 11 сентября 1939 года...

[tynatunis]

Gustave Loiseau (French, 1865-1935) Farmhouse in Vaudreuil, c. 1900-03 #Repost @artfortheagesj #gustaveloiseau #frenchartist #frenchpainting #frenchimpressionism #impressionismlandscape #impressionism #impressionistpainter #impressionistpainting #impressionnisme #pleinairpainting #pleinairpainter #pleinair #пленэр #импрессионисты #импрессионист #густавлуазо #oillandscape #oillandscapepainting #oilpaintinglandscape https://www.instagram.com/p/Chw-RvcDBoy/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[isskustvoved]

Художники-импрессионисты. 7 великих французских мастеров

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832—1883).

Андрей Аллахвердов. Эдуард Мане. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Эдуард Мане. Завтрак на траве. 1863. Музей д’Орсе, Париж.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

Тома Кутюр. Римляне времён упадка. 1847. Музей д’Орсе, Париж. artchive.ru.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Мане пробовал считаться со вкусами публики. Писал портреты на заказ. Но из этого ничего не вышло.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Эдуард Мане. Ангелина. 1860. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Эдуард Мане. Аржантей. 1874. Музей изящных искусств, Турне, Бельгия. Wikimedia Commons.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне  (1840—1926).

Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

3. Огюст Ренуар (1841—1919).

Андрей Аллахвердов. Пьер-Огюст Ренуар. 2018. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Импрессионизм — это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Пьер-Огюст Ренуар. Завтрак гребцов. 1880-1881. Собрание Филлипса, Вашингтон, США. Wikimedia Commons.

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Пьер-Огюст Ренуар. Женщина с зонтиком в саду. 1875. Музей Тиссена-Бормениса, Мадрид. arteuam.com.

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Пьер-Огюст Ренуар. Обнаженная в солнечном свете. 1876. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

4. Эдгар Дега (1834—1917).

Андрей Аллахвердов. Эдгар Дега. 2020. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

Эдгар Дега. Оркестр оперы. 1870. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879. Музей Шелбур��, Вермут, США

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Эдгар Дега. Звезда балета. 1876-1878. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

5. Берта Моризо (1841—1895).

Андрей Аллахвердов. Берта Моризо. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Берта Моризо. Лето. 1880. Музей Фабре, Монпелье, Франция.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

ерта Моризо. Эжен Мане с дочерью в Буживале. 1881. Мармоттан-Моне музей, Париж.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины — это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Берта Моризо. Женщина с ребёнком в саду в Буживале. 1881. Национальный музей Уэльса, Кардифф.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903).

Камиль Писсарро. Автопортрет. 1873. Музей д’Орсе, Париж. Wikimedia Commons.

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Камиль Писсарро. Дилижанс в Лувесьенне. 1869. Музей д’Орсе, Париж.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Камиль Писсарро. Иней. 1873. Музей д’Орсе, Париж.

Самые известные его работы — виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

Камиль Писсарро. Бульвар Монмартр ночью. 1897. Национальная галерея, Лондон.

Ночной воздух на картине “Бульвар Монмартр ночью” плавится от горящих фонарей и витрин.

Пространство изображено планетарно. Улица не прямая, а как бы выгибающаяся дугой. Это делает вид обычного бульвара величественным.

[imrimpressionist-blog]

Истина трех: Генри, кофе и Клод

первая часть

Я не могу поверить, что его больше нет. Полтора года назад я сидела напротив него... Он был слишком живым, чтобы запасаться прощальными платками и откладывать деньги на такую нелепицу как смерть. Для него, скорее, она и была нелепицей, но только высшего масштаба. Что-то недосягаемое и легкое, и, одновременно, тяжелое, как мигрень или боли в желудке. Почему-то меня до сих пор поддергивает... Клод Моне ушел из света, дарившему ему цвета и тени, в свет духовный и чистый...

Генри отправил за мной машину. Мы собирались в кафе “У дороги”, чтобы “обпиться” кофе. Генри хлещет его без сахара и сливок, как паровозная печка, поглощающая угли! У него не кишечник, а какая-то кофемолка! Кстати о Генри. Это мой всепонимающий друг. Он печатается в элитарной прессе: пишет статьи о мире искусства. Да-да! Кроме кофе у Генри есть чем заняться... 

Клод Моне “Бульвар Капуцинок в Париже”, 1873 год ( Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва)

Мы сидели в кафе. Мой друг выдул Только две чашки. Сегодня его больше удивили венские вафли с медом.

- Ты грустная, потому что вновь думала о Клоде? - Генри резко отрезал и вопросительно указал на меня вилкой, с которой соскальзывал бисквит. - Потери случаются даже вселенского масштаба. Вопрос только в том, какой у тебя болевой порок. Понимаешь?

- Генри, кофе делает из людей философов. - я попыталась сбить с мысли своего участливого кавалера. - Перестань же! Не порть себе мозги! 

Мой друг ухмыльнулся и проглотил кусок пирожного.

- Не-а. Ты думаешь зачем тогда его я пью... О чем это я? Ах, да. Вот. Все говорят: “Потерять булавку с неприметным камушком или кольцо с бриллиантом - ни одно и тоже”. А я буду кричать с пеной у рта: “Одноо!”. Почему? Смысл не в материальной ценности украшения, а в степени духовно-человеческой важности этой вещи.Может, кому-то  булавку подарил самый  дорогой  человек на планете? А кольцо? Какой-нибудь пень, чтобы подольститься. Вряд ли на его лбу написано: “Мистер Искренность”. Отсюда следует, мой милый Ватсон, что каждый сам выбирает для себя над чем ему трястись, а к чему и вовсе “не притрагиваться” душой. А этот шаг зависит уже от “котелка”, который мы зовем головой. Хотя такая часть тела есть не у всех...Но не суть! Вернемся. Поэтому тебе, воспитанной образованной,смерть Клод Моне трудно вообразить. 

- Благодарю, Генри. Но я пришла не на сеанс к психологу, а к.. - Генри! - он развеселился.

Я похвалила его: отдала свою порцию вафель.

- Из меня поддержка никудышная. Эх! Однако я не закончил... Моне жив в своих картинах! Яркий, бодрый,энергичный, странный и исключительный. Так не каждый может. Поэтому натягивай натуральную улыбку и будь счастлива, что ты видела таких людей. Они - атланты. Так жить! Не каждый может. Это талант!

Клод Моне, “После ланча”, 1873-1876 (Музей д'Орсе, Париж)

[ksushadream]

Artist: Ksenia Lazarenko

[bardonessa-blog]

"Я все больше прихожу к убеждению, что о Боге нельзя судить по созданному Им миру: это лишь неудачный этюд"

— Винсент Ван Гог