allplusall

[allplusall]

the many moves for “being and becoming”, a painting from the current show in solothurn.

das sein und werden, 2021 50 x 100 cm, acryl auf leinwand now hanging on the wall at galerieabbuehl.ch 

[allplusall]

artist talk: dóra maurer im gespräch mit sabine schaschl

dóra maurer, museum haus konstruktiv zürich

minimal movements, shifts, 1970–2020, kuratiert von sabine schaschll 10. juni bis 12. september 2021

weitere informationen

[allplusall]

livestream vom eschertalk - frauen, kunst und ruhm

für frauen war die kunst lange ein hartes pflaster. ist sie es noch? zumindest scheint es, dass auch künstlerinnen, die es einmal geschafft haben, wie warja lavater, nach ihrem tod rasch vergessen gehen. inwiefern unterscheiden sich künstlerinnenkarrieren von denen der künstler? welche rahmenbedingungen braucht es, damit frauen erfolg haben? und warum werden sie schneller vergessen?

darüber diskutieren in unserer reihe eschertalk: dr. kathleen bühler, kuratorin der abteilung gegenwart am kunstmuseum bern dr. corinne sotzek, ernst göhner stiftung, kulturförderung bildende kunst und musik dr. annemarie bucher, zürcher hochschule der künste, lecturer bachelor fine arts

einführung: carol ribi, gastkuratorin der ausstellung  «sing-song-signs & folded stories». moderation: daniele muscionico, kulturjournalistin location partner: museum für gestaltung.

samstag, 05. juni 2021
14:00 uhr museum für gestaltung zürich / livestream beschränkte platzzahl, anmeldung obligatorisch. für diese veranstaltung gilt eine maskenpflicht.

link

[allplusall]

die künstlerin hannah a. hovermann aus köln, zur frage: ist kunst system relevant.

link hannah a. hovermann webseite

[allplusall]

when is a painting overcooked?

artists dana schutz and julian lethbridge discuss how they know when a painting has been taken too far and what they can learn from it. art writer dodie kazanjian moderates. kentpresents is an annual not-for-profit ideas festival that brings together over 80 prominent thought-leaders discussing topics that include art, china, cuba, economics, the election, energy, environment, feminism, food, global affairs, health care, literature, middle east, national affairs, performing arts, racial divide, russia, supreme court, science, sports, technology and more. 

via  https://kentpresents.org

[allplusall]

jose heerkens film

ausstellung galerie christoph abbühl 
josé heerkens, niederlande the quest
 

eröffnung: samstag 4. mai 2019 von 16 bis 18 uhr josé heerkens ist an der vernissage anwesend

. die ausstellung dauert bis 15. juni 2019

galerie christoph abbühl schaalgasse 9 ch-4500 solothurn


josé heerkens webseite

[allplusall]

don’t miss the opportunity to see this beautiful show in solothurn!

2. Juli - 18. August 2017:                      Sommerpause

19. August - 23. September 2017:        WEISS

30 Jahre Kunstforum Solothurn & Galerie Abbühl

Vernissage: 19. August 2017 von 14 - 17 Uhr

Bilder und Skulpturen zum Thema “Weiss”

mit Arnold Annen, Verena Baumann, Michael Cleff, Williy De Sauter, Daphne Corregan, Gundi Dietz, Nikola Dimitrov, Violette Fassbaender, Sonya Friedrich, Annatina Graf, Susan Hodel, Simon Horn, Audrius Janusonis, Dorothee Joachim, Doris Kaiser, Yeunhi Kim, Harald Kröner, Kumiko Kurachi, Rudy Lanjouw, Susanne Lyner, Jean Mauboulès, Jörg Mollet, Johannes Nagel, Sasha Pichushkin, Valda Podkalne, Sarah Pschorn, Takashi Suzuki, Johan Tahon, Akio Takamori, Ursus A. Winiger, Thomas Woodtli

Fotos: Nikola Dimitrov

[allplusall]

Christoph Abbühl und Hanspeter Dähler

führen durch die Ausstellung:

18h30 Uhr, Freitag 1. September 2017

18h30 Uhr, Mittwoch 20. September 2017

2. Juli - 18. August 2017:                      Sommerpause

19. August - 23. September 2017:        WEISS

30 Jahre Kunstforum Solothurn & Galerie Abbühl

Vernissage: 19. August 2017 von 14 - 17 Uhr

Bilder und Skulpturen zum Thema “Weiss”

mit Arnold Annen, Verena Baumann, Michael Cleff, Williy De Sauter, Daphne Corregan, Gundi Dietz, Nikola Dimitrov, Violette Fassbaender, Sonya Friedrich, Annatina Graf, Susan Hodel, Simon Horn, Audrius Janusonis, Dorothee Joachim, Doris Kaiser, Yeunhi Kim, Harald Kröner, Kumiko Kurachi, Rudy Lanjouw, Susanne Lyner, Jean Mauboulès, Jörg Mollet, Johannes Nagel, Sasha Pichushkin, Valda Podkalne, Sarah Pschorn, Takashi Suzuki, Johan Tahon, Akio Takamori, Ursus A. Winiger, Thomas Woodtli

[allplusall]

Edgar Degas: A Strange New Beauty

History of the Monotype by William Jung

Monotypes are primarily a painter's medium. Although it originated in the printshop it was born through the painter's imagination and restlessness. It also became a perfect tool for exploring improvisation. Historically the first monotype by Castiglione was in the dark field also known as reduction or subtractive monotype. The basic technique entailed the rolling up of a non-porous surface and in the case of Castiglione most likely a copperplate normally used for etching at the time, with printing ink. Most likely it was first printed in the same manner as the etched plate due to its historic relationship to the etching with damp paper and an etching press. Similarly the plate was most likely prepared in much the same manner as an intaglio plate before "wiping". In the dark field or reductive method the image is wiped with rags, finger or sticks which may very well have been the back of paintbrushes that can be used later to brush back into the image, to correct an edge or build tone. The removed or wiped areas would appear white in the finished print.

The second method that was probably realized from trial and error was that you can also approach the monotype from the additive or "light field" manner. Here a clean plate is used as an empty field or canvas and printing ink is applied much like oil paints. While the ink was quite thick and viscous in the dark field monotype, in the light field it is thinned with solvent making the ink resemble something like watercolor. Where more tone was desired more ink was added, when softer tones were desired, more solvent was used.

Intrinsic to monotype is the bit of ink left over after the 1st print is taken. Second and even third pulls result in fainter images known as "cognates", or "ghosts". While all printing processes can yield lighter impressions their ghosts in monotype play a special role because they create a new set of tonal values, which can be, reworked or merely used references for the next image or series.

The technique of monotype is quite varied and its beginnings has not been taught as much as rediscovered and reinvented by each artist who uses it. The artist in turn emdows the technique with his or her own style, technique and artistic concerns.

The question arises as to why a monotype and not a painting or watercolor? Why a "print"? The answer may be that a great deal of surprise is built into the printmaking process where the image is: reversed, the image varies depending on how it's inked, how much pressure is applied, is it printed by an etching press or by hand using a baren? There are a lot of unpredictables involved and the spontaneity of the process demands energy, improvisation, gesture, expressiveness and directness. The artist must also appreciate the lushness and sensuality of working with ink.

text link

[allplusall]

i would like to take this opportunity to let you know about my upcoming presentation at “raum 5″ featuring works by myself, a collection of older paintings at galerie christoph abbühl, solothurn, switzerland. 

opening reception on saturday may 20th, at 5 pm - 7 pm. 

may 24th through july 1th, 2017

i look forward to hopefully seeing you at the opening!

with kind regards, verena

galerie christoph abbühl | verena baumann | präsentation im raum 5 | vernissage samstag 20. mai 2017 von 17 uhr - 19 uhr | 24. mai - 1. juli 2017 | schaalgasse 9, 4500 solothurn | galerieabbuehl.ch

Ulrich Studer

Facetten der Landschaft      20. Mai. - 1. Juli. 2017

Vernissage: Samstag 20. Mai 2017 von 17 bis 19 Uhr

«Ulrich Studer ist ein forschender Landschaftszeichner im doppelten Sinne: Für seine grossen Lichtprojekte wird ihm die Landschaft wie erwähnt zur Leinwand. In der Landschaft findet er aber auch Pigmente, die er in seinem Atelier auf Leinwänden und Papieren verarbeitet. In Le goût du terroir (2015) etwa experimentiert er mit Pigmenten der Weindrusen, die sich auf der Papieroberfläche zu abstrakten Formen sammelt und im Prozess des Trocknens das Papier reliefartig zusammenziehen, sodass der Blick auf die Materialität, auf den körperlichen Charakter der Arbeit gelenkt wird. Er beobachtet den materiellen Niederschlag der Pigmente und lenkt sie nur bedingt, eine Strategie, die alchemistischen Prozessen nicht unähnlich ist. Die Weindrusen-Bilder erinnern an Leonardo Da Vincis Wandflecken, die zu immer neuen individuellen Bildfindungen, zu «Einbildungen» führen. Auch in der Serie Aroma des Weinbergs (2015) oder Aroma der Felsenheide (2014/2015) hat Ulrich Studer der Landschaft Pigmente entnommen und bietet damit nicht nur ein «Aroma der Landschaft» an, sondern verdichtet die Landschaft zur Essenz. In der Überwindung tradierter Vorstellungen von Materialien konzentriert sich Ulrich Studer auf die schlichte Kraft des (Landschaft-)Materials. Die Landschaft findet nicht nur über Pigmente in seine Bildwelt, sie hinterlässt auch in Form von Abdrücken oder Rückständen ihre Spuren.» 
 Patricia Bieder Ulrich Studer is a research-driven landscape illustrator in a double sense: for his large-scale light projects the landscape becomes a screen, as mentioned above. However, in the landscape he also finds pigments that he works onto canvases and paper in his studio. In Le goût du terroir (2015), for example, he experiments with pigments from vine lees which come together into abstract forms on the surface of the paper and in the drying process contract the paper like a relief so that our view is directed towards the materiality and the physical character of the work. He observes the material condensation of the pigments and only partly controls them, a strategy that is not unlike alchemical processes. The vine lees pictures are reminiscent of Leonardo da Vinci’s wall surfaces which repeatedly lead us to see new, individual aspects - “figments”. Ulrich Studer also took pigments from the landscape in the series Aroma des Weinbergs (2015) and Aroma der Felsenheide (2014/2015) and does not only provide an “aroma of the landscape” but condenses the landscape into its essence. In overcoming conventional ideas of materials Ulrich Studer concentrates on the unadorned power of (landscape) materials. The landscape does not only find its way into his pictorial world by means of pigments, it also leaves its traces in the form of imprints and residues. Translation: Steve Gander

Biografie Ulrich Studer

Link für PDF download:  Biografie Ulrich Studer

1955 in Solothurn geboren; arbeitet als freischaffender visueller Künstler in den Ateliers in Rüttenen-Solothurn und am Bielersee in Twann.

Kantonsschule Solothurn, Studien an der Musikakademie Basel, Université Neuchâtel

Künstlerische Ausbildung als Volontär in verschiedenen Ateliers

Seine Arbeitsgebiete umfassen Landschaftskunst, Bau-/Umweltgestaltung, Malerei, Zeichnung, Copy und Grafik. Initiiert und realisiert Projekte in der Landschaft als zeitlich limitierte Werke.

Weitere Informationen: studermelar.ch ; sokultur.ch

20. Mai. - 1. Juli. 2017:                         Raum 5: Bilder von Verena Baumann

verenabaumann.ch

[allplusall]

music | ink on paper | 2012 | verena baumann

[allplusall]

(via https://www.youtube.com/watch?v=tH0UCZ4gqOE) "Making Space" shines a spotlight on the stunning achievements of women artists between the end of World War II (1945) and the start of the Feminist movement (around 1968). Join us for a conversation with MoMA director Glenn Lowry and curators Starr Figura and Sarah Hermanson Meister for a discussion on the opening of the exhibition. 

[allplusall]

Jonathan Lasker in his studio in New York

[allplusall]

Günter Walter

to bring in line      4. März bis 8. April 2017

Vernissage: 4. März 2017 von 17 - 19 Uhr

Link Günter Walter

Helmut Albert

Günter Walter und die gegenstandslose Welt

Günter Walter wurde 1943 in Fürth, Bayern geboren. Er studierte Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg, bei dem gestisch-abstrakten Maler Gerhard Wendland. Schon während des Studiums ging Günter Walter eigene künstlerische Wege und beschäftigte sich mit farbigen Schraffuren und Strukturen, die ihn schon damals als „Konkreten“ auswiesen. Die Linie ist seither das bestimmende Gestaltungselement in seinen Werken und der Farbstift sein hauptsächliches Zeichenwerkzeug. Später nahm er das Lineal und selbstgefertigte Schablonen hinzu, mit denen er seither die Papierfläche orthogonal einteilt. In erster Linie ist Walter deshalb Zeichner, wenngleich einige Werke zwischen Zeichnung und Malerei changieren.

Nach seinem Studium war Günter Walter in den 70er und 80er Jahren als Kunstlehrer in Nürnberg tätig. Zu seinem künstlerischen Selbstverständnis gehört es,  das Geschaffene zu reflektieren und weiterzuentwickeln. Das Ergebnis sind ganze Reihen von Arbeiten, in denen er verschiedene Farbmodule variiert. Dennoch ist jedes einzelne Werk das Ergebnis intensiver und individueller Bemühung. 

Günter Walter ging einen konsequenten Weg, ohne sich Kunstströmungen anzupassen und die Zugehörigkeit seiner Werke zur Konkreten Kunst ist ein Resultat seines unabhängigen Schaffens. Wenn man nach Vergleichen zum Werk Günter Walters sucht, so denkt man unter anderem an Arbeiten von Ad Dekkers, Agnes Martin, Bridget Riley und Hans Jörg Glattfelder. Konkrete Künstlerinnen und Künstler, die ebenfalls systematisch mit farbigen Linien arbeiteten. Doch es gibt auffällige Unterschiede, insbesondere in Walters Verwendung des fast spröden Farbstiftes, nicht nur in der Vorarbeit oder Skizze, sondern im künstlerischen Endprodukt. Walter räumt dem Farbstift als primärem Gestaltungsmittel einen Rang ein, der so in keinem anderen Werk Konkreter Kunst zu finden ist. Er erweitert das Spektrum der Konkreten Kunst nicht nur durch Hinzunahme spektakulärer Materialien etc., sondern durch Beschränkung des künstlerischen Mediums auf ein äusserst unspektakuläres Zeichenmaterial. Die Besonderheit des Walter’schen Oeuvres liegt in der Gegenüberstellung eines streng orthogonalen Rasters und einer erkennbar von Hand gezogenen Linie. Er bringt Aspekte der klassischen Zeichnung, eine emotionale Linie mit ab- und zunehmender Breite zusammen mit Rastern und Systemen aus dem Bereich der Konkreten Kunst. Damit stellt er der Perfektion ein menschliches Moment entgegen.

Walters Arbeiten brauchen Zeit, um zu wirken. Nach und nach entfaltet sich das einzelne Werk vor unseren Augen, Linien bilden Flächen, Flächen bilden Muster. Auch erscheinen Muster mit diagonalen Farbflächen, obwohl er die diagonale Linie selbst ausschliesst – ähnlich den Interferenzen, wie man sie von Licht-, Schall- und Materiewellen aus der Physik kennt.

Erst mit einigem Abstand zum Bild nimmt man diese wahr. Sie resultieren aus der Verschiebung jeweils eines Farblinienmoduls zur jeweils nächsten Reihe. Durchaus erinnert man sich an Aufnahmen aus dem Mikrobereich der Natur, obwohl Walter mit dergleichen nichts im Sinne hat.

Vielleicht spiegeln Walters Arbeiten eine Ahnung vom harmonischen Bau und System einer Natur, die unserem Auge verborgen ist. Paul Cézanne formulierte es so, das der Künstler nicht nach der Natur, sondern analog zur Natur arbeiten solle.

Biografie

1943 geboren in Fürth, Bayern

Studium an der Akademie der Bildenden Künste, Nürnberg,

bei Professor Gerhard Wendland

Dozent für Kunstpädagogik an der Evangelischen Fachakademie

und Stiftungsfachschule für Sozialpädagogik in Nürnberg

[allplusall]

»Zum Glück ist das Erfinden die schönste Materie überhaupt. Erfinden ist Materie schaffen. Es muss erfunden werden. Und eine Erfindung ist etwas ganz Seltenes. Erfinden zu dürfen, zu können, zu sollen – das ist nicht normal. Irgend­wann hab' ich beschlossen, dass alles fremd ist und alles neu ist und alles ist unent­deckt. Das bringt mich auf die Sprünge. Es ist noch nix erzählt.«

Peter Handke | “Bin im Wald. Kann sein, dass ich mich verspäte”, 89 min, Regie Corinna Belz

[allplusall]

louvre and musee d'orsay evacuate artworks from basement storage

video from june 3rd:  louvre and musé d’orsay are moving artworks to protect them from possible flooding to upper floors etc.

excuses for publicity included in video!

via MYTF1News