#tutorial de arte 3d | Explore Tumblr posts and blogs

temporary-fixe · 3 days ago

Note

Hi hi, hello! Suas capas são incríveis e vc é uma grande inspiração pra mim colega capista. Eu gostaria de perguntar qual app vc usa para fazer as suas capinhas. Estou fazendo capinhas mais simples a alguns meses usando o PicsArt, mas gostaria de evoluir ainda mais e o fazer usando um app mais popular para capistas como o ibis. Você poderia dar algumas dicas para essa capista iniciante e tão sonhadora?

Olá, muito obrigadaaa! <3 Eu edito pelo photoshop CS6, uma versão mais antiga do photoshop cc. Eu não acho que sou a melhor pessoa pra te dar dicas, porque útilma vez que editei no celular foi lá em 2014 😭 Masss eu tentei juntar umas dicas bem úteis ❤️

Algumas dicas para capistas, em geral

Fontes, fontes, fontes: Uma das primeiras coisas que eu faço é escrever o título e separar um lugarzinho pra ele, porque antes eu sempre fazia a capa e quando eu ia ver, cadê o lugar do texto? Uma fonte bonita é muito importante, viu, e pode até te dar um pouquinho de inspiração a mais.

💕 As que eu mais uso são:

Capa 1: A Gentle Touch Capa 2: Slowly Lovely Sans e Lie to me Capa 3: Rocket Clouds

Capa 1: Linux Libertine Capa 2: Slowly Lovely Sans Capa 3: Carilos Regular e Starmony Extra: Big log

Também dá pra usar elas pelo Ibis Paint, eu acho que a fonte que a gente usa influencia muito o resultado final.

Imagens e materiais com uma boa qualidade: É uma dica velhinha, mas é útil demais. Eu geralmente pego as imagens que eu uso no Pinterest e os materiais no DeviantArt, por lá tem muita coisa útil mesmo: textura, png, efeitos. Eu vivo olhando o Deviant Art da @trancyzp, pois ela posta e curte muita coisa boa navh (só clicar). Contas muito legais por lá: coloursource, kthjkdrama, noirpsds (Esses são os que eu mais tô baixando conteúdo ultimamente).

Uma boa finalização! Eu não posso ajudar muito com essa, porque quando eu editava no celular era lá no Photoshop Touch ☠️, não tinha finalização ainda. Mas muita gente incrível fez tutorial, viu! A finalização é uma das partes mais importantes e uma das mais legais também. Separei dois tutoriais muito bons: Finalização Ibis Paint por @sharkissm Clique aqui Finalização Ibis Paint e outros por @maluyoongi Clique aqui.

Uma dica extra minha: Tem algo que eu uso absolutamente em todas minhas capas, pois eu amo usar demais e na minha cabeça é perfeito. Esse algo é a "textura do png", só que eu uso ela com uma opacidade entre 18% e 26% e mais ou menos assim:

Agora umas dicas teóricas ☝️

Não entre em 1 milhão de projetos/blogs como eu fiz quando comecei, é muito legal, mas em excesso atrapalha muito.

É uma dica meio boba, mas eu meio que desenho num caderno o que eu imagino na capa antes de começar, anoto minhas ideias, tipo: onde isso vai ficar? e aquilo?

Veja tutoriais no YouTube, a maioria dos capistas (incluindo eu) aprendeu tudo o que sabe de lá. Não precisa ser tutorial exclusivamente de capas, de outros tipos de edições também vai te ajudar a evoluir! Esse aqui, por exemplo, é de capa pro Amino, mas achei muito interessante. Esse também ó. Eu via muito tutorial de capa de Amino e me ajudou bastante a aprender vários truques. Esse aqui é pra Layout de Twitter. Eu tentei achar um tutorial muito bom que eu usava, mas acho que foi excluído :(

E tem um pessoal que faz um tipo de iluminação perfeita por lá, mas eu nunca consegui fazer nem nada parecido 😭 > Eu < recomendo você começar fazendo estilos mais leves, texturalizadas, tipo assim. Eu comecei com texturalizadas, olha:

Não desista, não desanime, não se compare Eu acho que todo capista um dia consegue achar o seu estilo próprio de editar! Eu vou até mostrar como eu comecei a editar, só não vale rir ☠️ (vale sim)

E tinha outras perólas, mas eu perdi a senha do meu falecido Facebook 😭 E é isso! Eu não edito pelo celular, mas tentei ajudar de alguma forma e eu espero, de verdade, que pelo menos uma dica dessas seja útil pra você <3 Qualquer coisa, você pode me chamar no chat que eu posso até aplicar um topaz ou um 3d nas suas capinhas pelo computador, pra dar uma qualidade melhor viuu! eu tenho certeza que você é um* capista super talentos* já! Boa sorte na sua jornada ❤️

#capa de fanfic #capa para fanfic #capa para spirit #capistas #dicas

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azure-daybreak · 7 months ago

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So I went to Miku Expo 2024 last night (the Vancouver show) and I wanted to talk about it while it's top of mind.

TL;DR I had a lot of fun, while there were some things I wish were different (mostly the screen), it wasn't a bad first Miku concert IMO (But I do wanna see more shows). More under the cut!

First of all, it was super cool to see all the different people there to see Miku and the other Vocaloids. Like, I've been to conventions before and it's always cool to see a horde of people dressed as various anime characters or animals, but to see everyone dressed specifically as Voicaloids and Project Sekai characters was new for me.

About the merch on sale at the concert, I was surprised that they were doing most of it outside and that the inside merch stand had barely anything- at least when I got in. That could just be bad timing on my end. If you're reading this and you wanna buy merch at one of the upcoming shows (especially a glowstick), make sure to get there early. For Vancouver, they did send out an email the day before saying that they were selling merch outside starting at 2pm, but I wasn't able to get there before then.

I did get the VIP package merch but it's kinda.... well it's not bad or anything, and I'm glad to have it but some of it feels a little cheap. For example, the hand fan is cute but feels flimsy, and the tote bag has a really nice design but the heat pressing makes me not wanna use it because I'm worried about cracking the art. On the other hand, I really like the lanyard that came with the package; The art was done by Socky and I liked it so much that I bought the backpack that also has that art.

Onto the show. You may have already heard this but yes, It wasn't the usual hologram, where they have a sheet of glass with the visual projected onto it, it was just a normal screen where they played the visual. It did feel like I was watching one of those hologram-ready videos on my phone but on a giant TV, but it was still cool to see.

Here's also a side-by-side of how the hologram looks vs the display using on the rocks from Magical Mirai 2021 and last night's show. While it's not fair to use a pro-shot vs what looks like a musical theater bootleg sime tutorial to show this, I hope it gets the point across. (Miku Expo 2024 on the left and Magical Mirai 2021 on the right)

I liked the setlist also, it can be found at this link here, but some standouts to me were, Miku by Anamanaguchi, The Vampire, Unknown Mother Goose, Childish War, On the Rocks, Sore ga Anata no Shiawase to Shite mo, Gimmie x Gimmie (Love this song so much), World is Mine (everyone screamed at the first "Sekai de" (including me)), the band introduction, Tell Your World (It's not my favorite or anything, but they shot out confetti at one point and that was cool.), and Intergalactic Bond.

I want to expand a bit on the band introduction and them as a whole, I loved that the band got attention and their names were shown. I watched some Magical Mirai videos and I see that this practice might be from that, so I'm glad that was carried over. They all were stellar and watching them was really exciting, the drummer- Dylan was always so cool to look at, Tobias the keyboardist was dancing near the beginning of Gimmie x Gimmie and that was a vibe, the bassist and guitarist- Leanne and Vixen's Diary respectively were fun to watch when they would get into the song and headbang and bounce around.

Lastly, I was surprised that Luka only got 2 songs (one of them was a duet with Miku). I (very sadly) expect MEIKO and KAITO to get shafted when it comes to songs, but not Luka!

Quick shout-outs to some specific concert goers; Shieonn, who made stickers and was handing them out before the show (Here's her Twitter!),

The person near me who shouted either "I LOVE YOU JERMA!" or "I LOVE YOU DRUMMER!" at the end of one of the songs (I think it was World is Mine), the girl near me who was trying to get pictures and video of the show using her 3DS, and this one person I saw outside the venue entrance as the show was letting out who was dressed up as Sonic Miku, I wanted to say that I loved the fit, but I didn't wanna just walk up to you randomly at almost 10PM and possibly freak you out.

Overall, I'd go again but please for the love of god, don't just have a screen for the Vocaloids!

#Miku Expo #Miku Expo 2024

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brambletakato · 1 year ago

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Hiya!! My name is Bramble! (I don't mind any nicknames!! Brambs is a common one)

No status update! Everything is all good!

My Tumblr DOES contain untagged spoilers for the Professor Layton franchise (specifically the prequels). Be careful!

DNI if you ship or support incest, underage or similar.

Basics

He/They (Demiboy) | Unfortunately an Adult | AroAce

Artist | Writer | Extractor...? (Or just fueled by brainrot)

Primarily in the Professor Layton fandom | Microwaved Des for 4 years

Tags

Art Tag: BrambleDrewAgain

Extractions Tag: Bramblextracts

Favorites Tag: Bramfavs

I talk about random stuff Tag: Bram.txt.exe

Notes

Art reposts (not reblogs, those are fine!!) are NOT allowed without permission. You can use my art for icons, but credit is preferred!

I made a tutorial on how to extract Level 5's 3DS game files! It's still a work in progress, but feel free to ask any questions or even make requests on what to cover!

errm i cant think of anything else lawl thanks for reading

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muchomago · 2 years ago

Note

me encantaría saber cómo haces los gráficos, sobretodo para que queden tan old school y tan "limpios", no tienes algún tutorial o guía? o quizá consejo

Saludos anon, gracias por el mensaje. Quizás en un futuro haga una guía en español e inglés, me parece una gran idea (Gracias por la sugerencia) Cuanta más gente sepa cómo crear gráficos de estilo antiguo a su gusto, más habrá, ¿verdad?

Bueno pues, al menos daré algunos consejos rápidos —

Independientemente de que si dibujo algo, animo un modelo 3D, o hago un collage con imágenes de dominio público, para lograr ese tipo de look estilo web antigua o video juego antiguo, siempre tiene que ver con el “dithering”. Permítanme compartir esta definición de Proyecto IDIS:

“Es una técnica usada en computación gráfica para crear la ilusión de profundidad de color en imágenes con una paleta de colores limitada. En una imagen tramada, los colores no disponibles en la paleta se aproximan por una difusión de píxeles de color dentro de la gama de colores disponibles. El ojo humano percibe la difusión como una mezcla de los colores dentro de ésta.”

Es lo mismo que sucede en los viejos cómics, pero en lugar de puntitos en una hoja, son píxeles en una pantalla. El dithering se usó en gráficos web antiguos, así como en los primeros videojuegos en 3D, porque el hardware en ese entonces era diferente. La limitación de colores se hizo a cambio de ahorrar memoria y reducir el retraso. (Probablemente me estoy perdiendo algunos detalles, pero es la forma más simple en que puedo decirlo) Así es como se creó ese tipo de look como old school.

Diferentes programas de ilustración/edición de imágenes tienen diferentes opciones de difuminado, por lo general se encuentran en "Modo de color", o en su panel de renderizado, o quizás en "Bitmap" … Es diferente para cada programa, por supuesto, y tampoco estoy seguro de que si cada programa tiene opciones de dithering. Yo uso Aseprite, es un programa diseñado principalmente para pixel art, tiene varias opciones y para mí es ideal para lo que hago. En Aseprite, está en "Modo de color"/"Color Mode" y luego "Más opciones"/"More Options" ...

Hay más que hacer que nomas eso, por supuesto. Antes de seleccionar un dithering pattern para tu imagen o animación, primero debes optimizar tu imagen y elegir una paleta. Como se mencionó anteriormente, el dithering usa una paleta limitada para engañar al ojo para que perciba diferentes colores que, en realidad, no están allí; lo que significa es que se pueden perder muchos de los matices de los colores originales de la imagen. Por lo tanto, lo que va a definir las formas en su imagen será mas bien el contraste: la luz y la oscuridad. Siempre reajusto el brillo y el contraste o incluso vuelvo a dibujar ciertas sombras o contornos en una imagen para asegurarme de que todavía se vea lo suficientemente "limpio" incluso cuando ya se ha completado el dithering o está de tamaño reducida. Sin estos ajustes, corres el riesgo de que tu imagen se pierda en píxeles embarrados, y será difícil ver qué es.

Te daré una demostración muy básica, con esta foto que tomé de unos hongos. Quiero que los hongos estén claramente definidos. Notarás que los hongos y las hojas son muy similares en iluminación y color. Al aplicarle un dither pattern con esta paleta de cuatro colores, los hongos se pierden completamente.

Aquí, cambié la luminosidad, la saturación y dibujé un mejor contorno para los hongos. Con el mismo dither pattern y la misma paleta, puedes ver claramente los hongos encima de las hojas.

En cuanto a las paletas, si realmente quieres el look web antigua 100% auténtica, consultemos a nuestro viejo amigo:

Ja ja ja. En realidad hago muchas de mis propias paletas. A veces es un equilibrio entre qué colores se pierden con el dithering y cuáles toman su lugar, y se necesitan algunos pruebas para ver qué funciona y qué no. Aquí esta una página con una lista de paletas de consolas de videojuegos antiguas, como referencia. También está Lospec, donde comparten paletas para pixel art que puedes usar, ¡o puedes tomar lo que ves como inspiración!

Hijole. Siento que lo que dije fue muy extenso, aunque dije que quería ser breve. Espero que mis consejos hayan sido útiles de alguna manera.

#asks #I may write a translation of this later

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webdesignn01 · 1 month ago

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Video & Animation

Video und Animation: Kreative Ausdrucksformen in der digitalen Welt

In der heutigen digitalen Ära sind Video und Animation zu unverzichtbaren Werkzeugen für Unternehmen und Kreative geworden. Sie bieten eine einzigartige Möglichkeit, Geschichten zu erzählen, Produkte zu präsentieren und Marken zu kommunizieren. Durch die Kombination von bewegten Bildern, Ton und oft auch Text entstehen eindrucksvolle Inhalte, die das Publikum emotional ansprechen und informieren.

Die Kraft des Videos

Video hat sich als eines der effektivsten Kommunikationsmittel etabliert. Ob auf sozialen Medien, Webseiten oder in Werbekampagnen – bewegte Bilder ziehen die Aufmerksamkeit der Zuschauer auf sich und vermitteln Botschaften in einer Weise, die statische Inhalte oft nicht erreichen können. Studien zeigen, dass Videos die Verweildauer auf Webseiten erhöhen und die Conversion-Raten steigern können. Unternehmen nutzen diese Möglichkeit, um ihre Produkte vorzustellen, Tutorials anzubieten oder Kundenbewertungen zu präsentieren.

Ein weiterer Vorteil von Video ist die Möglichkeit, komplexe Informationen anschaulich zu erklären. In Form von Erklärvideos oder Tutorials können Unternehmen komplizierte Prozesse einfach und verständlich darstellen. Diese Art von Inhalten ist nicht nur lehrreich, sondern auch ansprechend, was zu einer besseren Kundenbindung führt.

Animation: Kreativität ohne Grenzen

Animation bietet eine zusätzliche Dimension der Kreativität. Sie ermöglicht es, Ideen und Konzepte visuell darzustellen, die in der realen Welt möglicherweise schwer zu vermitteln sind. Animierte Videos können in verschiedenen Stilen produziert werden – von minimalistischen Designs bis hin zu aufwendigen 3D-Animationen. Diese Flexibilität erlaubt es Kreativen, ihre Visionen auf einzigartige Weise zum Leben zu erwecken.

Ein besonders effektiver Einsatz von Animation findet sich in der Werbung. Marken nutzen animierte Charaktere und Geschichten, um Emotionen zu wecken und eine Verbindung zu ihrem Publikum herzustellen. Diese Form der Werbung kann besonders einprägsam sein und bleibt oft länger im Gedächtnis der Zuschauer haften.

Der Produktionsprozess

Der Prozess der Videoproduktion und Animation umfasst mehrere Schritte. Zunächst ist eine gründliche Planung erforderlich, die die Zielgruppe, die Kernbotschaft und die gewünschte Ästhetik berücksichtigt. Anschließend folgt das Storyboarding, bei dem die einzelnen Szenen skizziert werden, um einen klaren Überblick über den Ablauf des Videos zu erhalten.

Nach der Planung kommt die eigentliche Produktion. Bei Videos bedeutet dies in der Regel Dreharbeiten, während für Animationen die Erstellung der bewegten Bilder im Mittelpunkt steht. In beiden Fällen spielt die Nachbearbeitung eine entscheidende Rolle. Hier werden Effekte hinzugefügt, der Ton bearbeitet und das finale Produkt poliert.

Die Zukunft von Video und Animation

Mit der kontinuierlichen Weiterentwicklung von Technologien, wie Virtual Reality (VR) und Augmented Reality (AR), wird die Zukunft von Video und Animation noch spannender. Diese Technologien eröffnen neue Möglichkeiten für immersive Erlebnisse, die das Publikum auf ganz neue Weise ansprechen können. Unternehmen, die sich in diese Richtung entwickeln, haben die Chance, ihre Marketingstrategien zu revolutionieren und ihre Zielgruppen auf innovative Weise zu erreichen.

Zusammenfassend lässt sich sagen, dass Video und Animation kraftvolle Mittel sind, um Geschichten zu erzählen und Botschaften zu vermitteln. Sie bieten Unternehmen und Kreativen eine Plattform, um ihre Ideen in bewegten Bildern zum Leben zu erwecken und eine tiefere Verbindung zu ihrem Publikum aufzubauen. In einer Welt, die zunehmend visuell orientiert ist, sind sie nicht nur ein Trend, sondern eine Notwendigkeit für erfolgreiche Kommunikation.

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aadils-mom-creativity · 10 months ago

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Woven Wheel Stitch Embroidery Tutorial - Rose Embroidery

woven rose embroidery, woven wheel stitch, woven rose stitch, woven wheel rose embroidery, woven wheel stitch embroidery designs, woven wheel stitch hand embroidery, woven wheel stitch embrooidery tutorial, woven spider wheel stitch embroidery 👋 Hello and Assalamualikum to all my wonderful viewers! 🌟 Welcome to a comprehensive guide on woven wheel stitch embroidery, particularly focusing on the enchanting art of rose embroidery. In this tutorial, I'll walk you through the intricacies of the woven wheel stitch, sometimes also known as the woven spider wheel stitch embroidery. This video is designed to help both beginners and experienced embroidery enthusiasts explore the nuances of the woven rose embroidery technique. As we delve deeper, you'll learn about the woven rose stitch, which is an integral part of this artistic journey. From understanding the basics of the woven stitch to mastering the woven wheel stitch embroidery designs, we'll cover it all. Whether you're intrigued by the woven wheel rose embroidery or simply looking to enhance your woven wheel embroidery stitch repertoire, this tutorial has something for everyone. I've put immense love and effort into creating this tutorial, and I genuinely hope you find it as delightful to watch as I did making it. 💖 If you find value in this content, please don't hesitate to hit that like button 👍, subscribe for more engaging tutorials, and join me as we embark on this beautiful journey of woven wheel stitch hand embroidery. Let's create stunning pieces together! 🌸 Thank you so much for your support and encouragement! 💕 ► Connect with us on social media for more fun and creativity! 🌟 Explore new designs, trends, and crafts on our channel. 🎨 Join the community: ► Facebook: https://www.facebook.com/profile.php?... ► Youtube: / @aadilmomcreativi. . You can watch these flower's embroidery tutorials as well: ► • Beautiful Flower Leaf Embroidery Desi... ► • 3D Embroidery Flowers Designs Tutoria... ► • Wish you a Happy New Year 2024 with B... ► • Beautiful Cotton FLOWER EMBROIDERY De... ► • Create Stunning Hand Embroidery Flowe... ----------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------------- #embroidery #handembroidery #needlework #diyembroidery #basicembroidery #embroiderytutorial #embroiderystitches #embroideryflowers #embroiderydesign #ModernEmbroidery #embroiderydesign #embroiderystitches #embroiderypatterns #embroideryhoopart #crossstitchtutorial #rosestitch #roseembroidery #Aadilsmomcreativity

#youtube

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fernando-arciniega · 1 year ago

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Illustrator CS6 - Fresa con chocolate estilo 3D

En este tutorial, aprenderás a usar Adobe Illustrator CS6, un programa de diseño y dibujo vectorial que te permite crear ilustraciones y arte de alta calidad. En esta práctica, vamos a utilizar los siguientes elementos: - Herramienta Elipse: Esta herramienta te permite dibujar círculos y óvalos de diferentes tamaños y colores. - Herramienta Lápiz: Esta herramienta te permite dibujar a mano alzada curvas y líneas de forma libre. - El panel de Buscatrazos: Este panel te permite combinar, dividir, recortar y fusionar objetos vectoriales de diferentes formas. - El panel Degradado: Este panel te permite aplicar degradados de color a los objetos vectoriales. - Pinceles personalizados: Estos son pinceles que puedes crear y guardar para usarlos en tus diseños.

Espacio de trabajo

Como primer paso, creamos nuestro espacio de trabajo con las siguientes configuraciones:

El cuerpo de la fresa

Dibujamos un ovalo con las siguientes especificaciones, lo centramos con relación a la mesa de trabajo, eligiendo: centrar y centrar verticalmente.

Usa la herramienta Selección directa (A) para seleccionar el punto de anclaje que está en la parte inferior de la elipse. Luego, presiona la tecla Shift (para limitar los movimientos) y mueve el punto de anclaje hacia abajo hasta que la elipse en el punto dY quede en 70px aproximadamente.

Selecciona la herramienta Selección directa (A) y haz clic en el punto de anclaje que está en la parte superior de la elipse. Después, mantén oprimida la tecla Shift y jala el punto de anclaje hacia abajo hasta que dY sea aproximadamente de 100px.

Aplica un degradado radial a la forma que acabas de crear desde el panel Degradado. Ajusta el color del Regulador de degradado, la primera parada de color del degradado a rojo y el de la segunda parada a un tono de rojo más oscuro.

Para crear un efecto de iluminación en la forma, puedes usar la herramienta Degradado, oprime la tecla (G) y mueve el ancla central un poco hacia la parte superior de la figura:

Las semillas

Crea una pequeña forma de gota o de ovalo en la parte superior central del cuerpo de la fresa.

Elimina el trazo y rellena la forma con un degradado radial con el color de la primera parada en amarillo y la segunda parada con un color naranja.

Con la pequeña elipse seleccionada, ve a Objeto > Trazado > Desplazamiento. Cuando se abra el cuadro de diálogo, ajusta el valor de desplazamiento a 4 píxeles. Este valor puede variar según las dimensiones de tu documento.

Rellena la elipse desplazada con un degradado lineal del mismo tono de rojo que la forma principal de la fresa. Ajusta el degradado con opacidad al 50%. Oprime la letra G y justa el degradado, de modo que la zona más oscura se encuentre en la parte superior de la forma.

Agrupa lo que será la semilla junto con su "sombra" para poder crear copias en todo el cuerpo de la fresa.

Copia y pega en todo el cuerpo de la fresa, las semillas, gira un poco a la izquierda o a la derecha para posicionar las semillas de manera aleatoria:

Brillo y chocolate

Para este nuevo paso, utilizaremos la herramienta Lápiz (N) ya que es una forma rápida de crear trazados. Antes de comenzar a dibujar con la herramienta Lápiz (N), es recomendable ajustar algunas preferencias para obtener trazados suaves. En primer lugar, haz doble clic en la herramienta Lápiz (N) en el panel de herramientas para abrir las opciones. La configuración clave que debemos ajustar es la "fidelidad". Ajusta la fidelidad a 5 píxeles para asegurarte de obtener líneas suaves. Si en el próximo paso no estás satisfecho con la calidad del trazado, puedes experimentar con estos valores.

Ahora que tenemos la herramienta Lápiz (N) activada, comienza a dibujar una forma que sea aproximadamente cuatro o cinco veces más pequeña que la forma principal, como se muestra en la figura de abajo. Asegúrate de mantener presionada la tecla "Alt" cuando estés a punto de conectar el punto de inicio y el punto final del trazado. Dibujha un tipo "hueso" del lado superior izquierdo de la fresa.

Una vez que hayas creado la nueva forma, selecciónala y ve a "Objeto > Organizar > Enviar detrás" (o usa el atajo "Ctrl + 9") hasta que la forma esté ubicada detrás de todas las semillas en el diseño.

Selecciona todas las pequeñas elipses que estén llenas con un gradiente y que se encuentren dentro de los límites de la forma creada con el lápiz. Desagrupa las formas. Luego, teniendo seleccionada unicamente la elipse exterior (la sombra de la semilla) ve a "Objeto > Trazado > Desplazamiento" y cambia el valor de desplazamiento a 10 píxeles.

Cambia la opacidad al 90%

Ajusta la transparencia de la forma al 25%

La cobertura de chocolate

Utilizando la herramienta Lápiz (N), dibuja una forma orgánica que cubra la mitad inferior de la fresa, representando la cobertura de chocolate. Asegúrate de que esta forma tenga una apariencia orgánica y que se ajuste a la parte inferior de la fresa.

Llena la nueva forma con un degradado lineal. Para crear este gradiente, necesitarás agregar una parada de color adicional en el panel Degradado. Para hacerlo, sigue estos pasos: - Haz clic la herramienta Degradado, elige la opción lineal.

- Cambia el color de la primera parada del regulado de degradado a un marrón claro, agrega una parada en el centro con un color marrón más obscuro, y finalmente en la parada del lado derecho con un tono marrón claro.

A continuación, selecciona la parada del medio y cambia su ubicación a 70%, esto creará una transición suave entre los colores en el degradado, lo que simulará la textura de la cobertura de chocolate en la forma orgánica que dibujaste en la mitad inferior de la fresa.

Elige la forma que representa la cobertura de chocolate y realiza una copia, repitiendo este proceso hasta obtener un total de tres formas. Mueve la primera copia hacia abajo y ligeramente hacia la izquierda.

Luego, selecciona la copia movida y la forma de abajo y utiliza la opción "Menos frente" en el panel Buscatrazos. Finalmente, cambia el color de la nueva forma a un tono marrón oscuro.

Utiliza la herramienta Lápiz (N) para crear una nueva forma que representará el resplandor en la parte inferior de la forma principal del chocolate.

Rellena esta nueva forma con un color blanco con transparencia al 30%

Añade un par adicional de reflejos en la parte superior del chocolate. Rellena cada una de las nuevas formas con el mismo color blanco que utilizaste en el paso anterior.

Crear un par de gotas de chocolate con la herramienta Lápiz (N) y aplicar los gradientes mismo que en el par de pasos previos.

Ajusta el degradado oprimiendo G

Hoja y tallo de la fresa

Ahora, podemos avanzar al dibujo de la hoja y el tallo de la fresa. Para simplificar su creación, vamos a utilizar un pincel de arte. Comienza creando una elipse con la herramienta Elipse (L). Rellena tu forma de color verde

Utilizando la herramienta de Selección Directa (A), selecciona el ancla derecha de la elipse y arrástrala para que tenga aproximadamente el doble de ancho que el original.

Con el punto de ancla seleccionado, haz clic en el botón "Convertir puntos de ancla seleccionados en vértice" en la barra de propiedades de la herramienta.

Copia (Ctrl + C ) y Pega al Frerente (Ctrl + F ) la forma elíptica dos veces. Selecciona la primera copia y desplázala hacia abajo y ligeramente hacia la izquierda. Luego, selecciona las dos copias superiores y pulsa el botón "Menos frente" en el panel Buscatrazos. Rellena la forma resultante con un color verde claro

Selecciona la forma principal verde (Ctrl + C ) y pégala al frente dos veces (Ctrl + F ). Luego, con la herramienta de Selección (V), mueve la copia superior hasta que alcance la mitad de la forma original y gírala de manera que los puntos de las formas se toquen. Aproximadamente gira 15 grados.

Posteriormente, selecciona todos los elementos creados para las hojas, pulsa en buscatrazos la opcion "dividir" y luego desagrupa las formas, elimina todos los elementos que queden fuera de la hoja, cambiando el tono al verde que quedó en la parte central:

Selecciona todas las formas verdes y arrástralas al panel de Pinceles. Cuando se abra la ventana de "Nuevo Pincel", elige la opción "Nuevo Pincel de Arte". En las "Opciones de Pincel", deja todos los ajustes en sus valores predeterminados.

Utiliza la herramienta Pincel (B) con el nuevo pincel de arte y dibuja una hoja en la parte superior de la fresa. Puede que necesites ajustar el tamaño del trazo si la forma es demasiado grande o no se ve como deseas. Al crear estas pinceladas, asegúrate de que la parte más oscura del pincel vaya hacia abajo y la parte puntiaguda quede fuera de la forma de la fresa. Si esto no se alinea correctamente después de crear el trazado, puedes hacer clic en el botón "Opciones del objeto seleccionado" en la parte inferior del panel de Pinceles. Cuando se abra el cuadro de diálogo de opciones de trazos, selecciona "Voltear a lo largo" o "Voltear a través" hasta que obtengas la disposición deseada.

Crea cinco o seis trazos con la herramienta Pincel (B) utilizando tu punta de pincel personalizada.

Selecciona todos los trazos de pincel, cópialos (Comando + C) y pégalos en el fondo (Comando + B). A continuación, con las copias todavía seleccionadas, ve a "Objeto > Expandir Apariencia". Una vez que hayas expandido la apariencia de los pinceles, selecciona los trazos expandidos y pulsa el botón "Unificar" en el panel Buscatrazos. Luego, mueve la nueva forma ligeramente hacia abajo y hacia la izquierda.

Con las teclas Ctrl + 9 envia esa forma detras de las hojas creadas con el pincel.

Cambia el relleno de la nueva forma a un color gris y ajusta el Modo de Fusión a "Multiplicar" en el panel de Transparencia:

El tallo de la fresa

Usa la herramienta Pluma (P) para crear una forma que represente el tallo de la fresa. Rellena esta forma con un degradado lineal, donde la primera parada de color sea verde y la segunda sea un verde más oscuro. Con el tallo seleccionado, ve a "Objeto > Organizar > Enviar detrás" (o usa el atajo "Ctrl + ]") hasta que la parte inferior del tallo quede oculta detrás de las hojas.

Aplica un fondo para terminar y exporta tu imagen a JPG

En Adobe Illustrator CS6, puedes exportar solo las imágenes que se encuentran dentro del área de trabajo de la siguiente manera: - Asegúrate de que tu diseño y las imágenes que deseas exportar estén dentro del área de trabajo del documento. - Haz clic en "Archivo" en la barra de menús. - Selecciona "Guardar para Web y dispositivos..." en el menú desplegable. - Aparecerá una ventana de configuración de exportación. - En la parte superior de la ventana de configuración, asegúrate de que el formato de archivo esté establecido en "JPEG." - En la sección "Área de selección", elige "Área de trabajo" en el menú desplegable. Esto garantizará que solo se exporte lo que está dentro del área de trabajo. - Ajusta las opciones de calidad y otros ajustes según tus preferencias. - Finalmente, haz clic en el botón "Guardar" y elige una ubicación y un nombre de archivo para guardar tu imagen en formato JPEG. Estos pasos te permitirán exportar solo lo que se encuentra dentro del área de trabajo de tu documento en formato JPEG en Adobe Illustrator CS6. Read the full article

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gertlushgaming · 1 year ago

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Planet of Lana Review (Xbox Series S)

For our Planet of Lana Review, we play a game where a young girl and her loyal friend embark on a rescue mission through a colorful world full of cold machines and unfamiliar creatures. Planet of Lana is a cinematic puzzle adventure framed by an epic sci-fi saga that stretches across centuries and galaxies.

Planet of Lana Review Pros:

- Beautiful graphics. - Download size. - 1000 Gamerscore. - Accessibility options - quick time events on/off. - 3 save slots. - In-game cutscenes and interactions. - Action-platformer gameplay. - The backgrounds and foregrounds are fully animated and 3D. - It has such a unique feel in that it looks like it Combines pixel art and cartoon-like graphics. - Tutorial pop-ups as you play. - Enchanting soundtrack. - Feels like a living world. - Day and night cycle. - The lighting is really well done. - Stealth mechanics at play. - Puzzle elements throughout. - A real visual treat with nonintrusive cutscene transitions. - Decent loading times. - Plays a lot like Limbo amd Inside. - Hidden collectible Artifacts. - You get an unlikely sidekick who helps you navigate the world. - With your side kick you can get them to stay still or follow you along with being able to aim where they go. - The game is all about the fascinating world and how you interpret it. - Traveling the world is really well done. Planet of Lana Review Cons: - Cannot rebind controls. - Slow starter. - You don't get any camera control. - At times the foreground can distract you. - Stealth can be hard to judge at times. - Never sure when the checkpoints kick in. - Sometimes it goes into a cutscene amd you are not aware. - At times the background and foreground can make you think an obstacle is there when it's not or vice versa. - Uses the same actions over and over like stopping on pressure points for platforms and ripping off wooden boards. - Not as great to play with a keyboard. Related Post: DE-EXIT Eternal Matters Review (PlayStation 5) Planet of Lana: Official website. Developer: Wishfully Studios Publisher: Thunderful Games Store Links - Xbox Read the full article

#Indie #XboxSeriesS

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jackelynfallas · 2 years ago

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Semana 6. Retícula isométrica 30 y 30 grados, diseño de 2D a 3D.

Boceto del dibujo 2D a 3D retícula isométrica.

Boceto de elevaciones retícula isométrica.

Referencias:

-Video tutorial del profesor: https://photos.google.com/share/AF1QipN60JQmmVCmG27Me-kQwEnTh8AMz9t_0i2usrQg46sXTuv9GpDKuRyqz43ftx6FgA?key=aFV4QzdZUHlFTU1TbUNOYTVFZElzRVJqYjF6Y1Nn

-Ejemplo del ejercicio:

-Ejercicio realizado por: https://arodriguez53.tumblr.com/

- Ejercicio realizado por: https://lferraro22.tumblr.com/

Reflexión:

Relevancia- ¿Cómo nos ayuda el ejercicio de dibujo en mi carrera?

Nos ayuda a manejar mucho mejor el espacio tridimensional, y la combinación o el uso de tanto el 2D como el 3D, para poder apreciar mucho mejor sus diferencias y en que contexto usar cada una.

Lógica- ¿Tiene sentido este contenido de dibujo en la profesión?

Si porque se necesita tanto saber desarrollar el 2D, como el 3D con mucha más forma y proporción, y nos va a ayudar cuando necesitemos emplear esto en la presentación de un diseño con vistas laterales y demás.

@veritas @uveritas @asoarq @veritas_pidm

#design #art #diseño #retícula #isométrica #3D #2D #cubos #formas #dibujo #elevaciones

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ushsblog · 5 days ago

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Alright, you're right. In fact, that's very true. You don’t magically get better; rather, you start noticing things that help you improve. I hope this doesn’t sound obvious or silly, but here are some things that have helped me a lot:

1. Line Quality.

This is something I changed thanks to a teacher in school, and I'm infinitely grateful for it. "Line quality" (in Spanish, "calidad de línea" – I’m not sure if there’s a different term in English) refers to making the line thicker or thinner depending on:

a) Light and Shadow: Areas where light reflects on the character should have thinner lines, while shadows are marked with thicker lines.

(I personally use a thicker outline around the character to separate them from the background, especially when there's a lot of line detail in the background.)

b) To Create Depth and Separate Planes: To some extent, this feels basic, and I might be stating the obvious, but using a lighter line for distant elements helps to avoid drawing attention away from the main character or object.

I draw the closest objects with a thicker line and the distant ones with a thinner line or sometimes broken ones.

Line work should be intentional; it’s not about randomly varying line thickness. Proper line quality truly enhances a drawing, especially in line art, adding an extra dimension.

2. Volume Lines, Hatching, and Planes.

Volume lines, which follow the form of objects, are something I started incorporating this past year. It may be subtle, but it’s there. Following the shape with lines, like drawing a tube with curved lines, gives volume even without color or shading. The same applies to bodies. I also use this approach to emphasize planes in solid structures by marking the directions that follow the form. It may sound simple, but it genuinely makes a difference.

I also use hatching to darken elements in the foreground to bring them forward. Separating planes is crucial in scenes with many elements; objects in the foreground appear darker, while those in the background are lighter. Of course, there are exceptions, but generally, this is what I do. Varying the direction of lines also helps to avoid a monotonous look, and variety always brings more life to a drawing.

3. Positioning the Character and Marking Ground Perspective.

Positioning the character in the environment always adds more context to a scene than leaving the background blank. It can be subtle, just a couple of lines, but it really enhances the drawing.

I often indicate the ground's perspective or surfaces like roofs, walls, or tables. I can’t explain it perfectly—sometimes, I don’t even set up a vanishing point but imagine how floor tiles would look. A teacher would probably say this is wrong, but it works for me.

(although you probably need to learn perspective anyway, I'm on it too)

For this maybe is better watching tutorials on YouTube, particularly about storyboarding, since I can't explain it very well.

4. Use References.

PLEASE USE REFERENCES. Don’t believe the myth that it’s “cheating.” References are invaluable! Download apps with 3D models, take photos of yourself, or ask a friend to pose. I have countless photos of myself posing for scenes in my mini-comics, and most artist-friends I know do the same. There’s nothing wrong with using references.

Of course, it’s also useful to study some simplification techniques by artists like Lewis, but understanding real body dynamics helps avoid over-simplification.

About Comics (from my self-taught experience):

1. Thumbnails and Page Layout Design.

This helped me a lot because, at first, I used to draw each panel in detail individually, which led to me getting a) exhausted and unsure of how to proceed, and b) having repetitive and boring panels.

Creating thumbnail sketches helps visualize the overall look of the pages and clarifies how you want events to unfold. It also enhances "page design", ensuring that each page layout has enough variety to keep the reader's eye engaged. This helped me let go of rigid planning and arrange sequences better. While things often change during cleanup, thumbnails reveal what works and what doesn’t without getting bogged down in details.

2. Varying Types of Shots and Camera Angles.

Variety is crucial in comics. Using different panel types and shot compositions (like close-ups, medium shots, or full-body views) along with camera angles (high, low, frontal, etc.) strengthens the narrative. It would be a long explanation, and a YouTube video or a good read (like Dave Gibson’s work) might help more, but essentially, shifting perspectives refreshes the visual flow.

(I didn't find an image in English that was what I wanted to say, sorry)

Dave Gibson even advised that at least one panel per page should show the character's feet. This ensures that your panels aren’t just head-and-shoulder shots.

While this rule isn’t strict, it encourages variety. Specific angles also support the story; for example, drawing a character from below can make them look intimidating, while drawing from above can make them seem vulnerable. Personally, I like to focus on the eyes during dramatic moments. These sound a bit basic too but there are good videos explaining it.

Personal Tips and maybe bad habits I learned.

1. Don't Wear Yourself Out with Detailed Backgrounds (for mini-comics).

Sometimes, you only need to suggest elements. For background characters, silhouettes often suffice. At least that's what I do and it allows me to move forward faster.

2. Not Everything Has to Be Perfect (for mini-comics).

It was hard for me to accept, but not every panel in a comic will come out perfect, and that’s okay. Letting go of that expectation speeds up the process. Think of the comic as a whole, not individual “perfect” panels.

I looked through some of the comics I like and I realized this, that even in those comics there are scans that don't look perfect, but you know what? It doesn't matter.

3. Don’t Take Drawing Too Seriously.

Recently, my drawing class introduced the idea of “un-drawing” and allowing imperfections. Some things can be left implied; it’s a relief from the perfectionism that can hold us back. Of course, it depends on your goal, and there’s nothing wrong with a polished result, but loosening up has reduced my self-imposed pressure.

To conclude, yes, practice and keep drawing. But be mindful of why you do what you do. Analyzing your style can reveal interests that guide improvement. Also, remember not to stress too much. A teacher shared a quote from Eduardo Galeano with us that I think about from time to time:

“Utopia is on the horizon. I walk two steps; it moves two steps further away. I walk ten steps, and the horizon runs ten steps further. What, then, is the point of utopia? It is to keep walking.”

Our teacher explained that drawing is often a negotiation between our vision and our abilities. You may not achieve the exact result in your mind, but that ideal pushes you forward. The utopia is there to keep you going, even if you never fully reach it.

While it may sound overly sentimental, I genuinely encourage you to let go of the fear that something won’t turn out well. I used to avoid making comics, thinking, “I’ll never get it right” and although I have not yet reached what I would like them to be, I wouldn’t have progressed without trying.

It’s always challenging, and there are moments of doubt. But remember, stumbling is not the end, and others progressing faster doesn’t mean you aren’t making strides. Take a breath and keep practicing.

Anyway, I hope something here is helpful! I feel like those videos titled “I went to art school so you don’t have to” talking about things they learned there, haha.

Although I'm not that good at explaining things lol.

'ohh i practiced so hard i got better' - WRONG. YOU PRACTICED SO HARD THAT:

YOU NOTICED THAT YOU CAN ADD THE THIRD COLOR WHILE MIXING AND MAKE IT BRIGHTER TO AVOID MAKING THE TRANSITION DULL;

YOU NOTICED THAT TO COLOR SHADOWS YOU NEED TO MOVE THE BASE COLOR ON THE COLOR WHEEL AND TO COLOR LIGHTS YOU MOVE IT IN THE OPPOSITE DIRECTION;

YOU NOTICED THAT IF YOU PUT GRADIENT MAP OVER YOUR GREYSCALE DRAWING YOU CAN PUT IT ON HUE BLENDING MODE NOT TO LOSE THE TONES;

YOU NOTICED THAT ADDING RED ON TERMINATOR WHEN YOU COLOR SKIN LOOKS JUICY AH;

YOU NOTICED THAT CYAN AND YELLOW LOOK VERY BRIGHT ONLY WHEN THEYRE LIGHT ENOUGH, OPPOSITE FOR BLUE AND PURPLE;

YOU NOTICED THAT COLOR THEORY IS A SCAM BC YOU CAN COMBINE EVERY COLOR IF YOU REALLY WANT.

#I don't know if they are art secrets but things that I do and that are useful to me #Now this is what I have understood with my silly brain

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otakween · 2 years ago

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Digimon World 2 - First Impressions

And so it begins...another long ass Digimon PSX game playthrough. I'm feeling cautiously optimistic about this one. On the one hand, the gameplay seems more straightforward than the other one and the dialogue actually makes sense. On the other, they still aren't fully explaining things to me and the controls kinda suck. We'll see where this goes...I'm about an hour in with 1 mission under my belt (not counting the tutorial mission).

Notes:

-I had a lot of fun watching the early 2000s CGI intro, especially the beginning where Veemon bangs on my TV screen. Gotta love those fourth wall breaks!

Honestly, the CGI holds up very well in my opinion. I feel like I've seen crappier stuff come out more recently. It helps that these are digital, make believe creatures so there's no need for realistic textures.

-Right off the bat we get hit with the name "Zudokorn"...Okaaaay. That's a choice. I left the MC's name as "Akira" because why not? I like knowing the canon names for things.

-This game is pretty anti-exploration just like the first game was in the beginning. You can only move a limited amount of spaces in the dungeon before you run out of "EP" (engine power?) and the overworld is a boring map. When games switch from letting you walk from place to place to just clicking boxes on a map, they cut out a lot of important ambience/character that makes games memorable!

-I really like the little anime portraits you get when talking to characters. We only really saw that in the first game with Analogman. 2D art was a way better call in this era for this kinda thing

-Excited to have a turn-based, RPG style fighting system. The fact that we can see all of the digimon's moves 3D animated gives me Pokémon Colosseum vibes. I just hope sitting through those (kinda slow) animations doesn't become tedious.

-So this is a whole new, unfamiliar territory for Digimon. Instead of there being a select few chosen children, the world is populated by a bunch of "tamers," children and adults. I'm not sure if they permanently live in the digital world or just visit sometimes. They seemingly have jobs within the digital world, so it's like a whole functioning society. Not sure if these boss battles are like everyday nuisances or what. I'm assuming the main conflict hasn't been introduced yet.

-It's weird to me how Patamon is the data mascot and Agumon is the vaccine mascot. I would think Patamon would make a better vaccine mascot since he evolves into Angemon, but whatever.

-I debated a lot between joining the Gold Hawks or the Black Swords, but eventually decided the Black Swords seemed best. I think Sheena's really cute and I didn't like how the other groups seemed to look down on virus digimon. Goth route it is! (Named my DemiDevimon Loki hehe)

-Very curious to see how digivolving will work in this game. Will the evolution lines be more straightfoward than the first game? Will the digimon de-evolve? I just hope they don't waste away like they did in the previous entry because that was a huge bummer.

-Not a huge fan of the dungeon crawler genre because I find it kinda repetitive and bland from a design/experience perspective. That being said, I also haven't played very many dungeon crawler games so maybe I don't know what I'm talking about lol.

#digimon world 2 #PSX #digimon #video games

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k00270007 · 3 years ago

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Peer Tutorial

Today in my peer group tutorial Des helped me come up with this idea for my 3D based on the previous op art drawings I posted. I can’t wait to get started on such a large scale project.