#todos los estrenos: 1990

[iagoglez]

La toma buena

Un stringer es, en el argot, una persona que proporciona contenidos a los medios cobrando por pieza y sin figurar.

Un stringer es, en el argot, una figura fantasmagórica, un ente que tiene presencia indefinida.

Un stringer es, en el argot, la representación del paria en los medios.

Un stringer es, en la realidad, alguien que ha contribuido a crear el mundo que tú conoces, pero sin ninguna responsabilidad en el hecho de que sea más falso que cierto.

En 2014, Dan Gilroy debutaba (en la dirección) con Nightcrawler, película que narraba las desventuras de Lou, un desgraciado de la vida que descubre que su sociopatía le permite buscarse ingresos armándose de una cámara para grabar hechos terribles y venderlos al mejor postor.

La peli, muy bien valorada en su momento, fue recibida como una mordaz lectura del funcionamiento de los medios, una crítica poco camuflada a ese constante alimentar al monstruo con el que se estaba generando toda una programación de desgracias con buenas audiencias.

A mí, por lo que recuerdo, me dio un poco igual. Incluso podría decir que me dejó frío, porque en 2014 hablaban de algo que ya tenía unos cuantos años de historia y que a esas alturas no podía ser sorprendente.

En realidad creo que hasta me desagradó, porque me parecía que en 2014 ya era muy tarde para no saber que existían determinadas cosas.

Entre las múltiples revoluciones de los años 60, Mondo Cane debería ocupar un lugar especial. O no.

Bajo la promesa de mostrarnos la verdad de un mundo desconocido, la peli, de 1962, tuvo otros títulos tan elocuentes como el internacional, A Dog's Life, o el español, Este Perro Mundo. Títulos que enunciaban la prioridad en el embargo de la realidad al que obedecía su existencia: demostrar que determinadas vidas eran una putada. Accidentes, asesinatos, violencia contra animales... Que fueran reales o no era lo de menos.

Si hay un subgénero que falta, ese es el de "la vida putada". Es verdad que tenemos los dramas, sí, y que pueden ser absolutos, terribles, lastimeros... Pero para transmitir que algo supera todos los límites de lo soportable se necesita un paso más: "la vida putada".

Mondo Cane no solo fue una película de éxito: se convirtió en un subgénero dedicado en fondo y forma a llevar al relato audiovisual las más terribles situaciones que podían vivir los pobres negros del África. El Cine Mondo encontró continuación gracias a diferentes títulos que no hacían más que calcar la fórmula inicial: supuestos relatos documentales plagados de imágenes impactantes que debían ser mostradas para hacer honor a la dura realidad. Que en muchos casos fueran provocadas, simuladas, o directamente falsas, daba igual.

En el año 1978 el Mondo vive otro de sus grandes momentos con el estreno de Faces of Death, una, otra más, repetición del formato original, que en esta ocasión ampliaba los escenarios hasta llegar a incluir terribles sucesos en suelo norteamericano.

Si lo lógico habría sido pensar que nada de esto se podría sostener demasiado en el tiempo, la triste realidad fue que Faces se convirtió en una saga de enorme éxito, con dos continuaciones hasta el año 85, y que sumó varios recopilatorios y remontajes hasta el 96.

La verdad, podría entender que casi 20 años antes se convirtieran en éxitos falsos documentales sobre salvajadas que sólo se podían ver en cines, pero la sola idea de que estas cosas triunfaran comercialmente ya con el vídeo doméstico más que implantado, y justo antes de la aparición de internet, me genera una cierta intranquilidad.

Además, ya teníamos la tele.

John McNaughton dirigió en 1986 Henry, Retrato de un Asesino, pero no pudo estrenarla hasta 1990 por diferentes problemas con la censura. La peli, que adapta la adulterada historia de Henry Lee Lucas, no destacaría hoy en día por sus imágenes ni por lo que cuenta, pero algo molestó a los comités de la época aunque por aquel entonces ya existieran ejemplos mucho más descarnados.

Es bastante probable que lo que molestara de la visión de McNaughton fuera su mirada inteligente, su capacidad para deslizar una capa de ironía y de descrédito frente a la mitomanía homicida, al tiempo que su puesta en escena, seca y hosca, se pegaba a las pupilas.

Hay, entre todas las escenas, un par que ya en su momento se convirtieron en foco de múltiples interpretaciones: Aquella en la que asesinan a un vendedor del mercado negro incrustándole una tele en la cabeza, y el posterior uso de la cámara que se llevan para grabar sus fechorías y poder revivirlas en el calor del hogar.

McNaughton había convertido a Henry y a Ottis en creadores de contenidos.

A lo poco que se sumen unos años, es fácil acordarse de que en la tele española triunfaron Impacto Tv y sus continuaciones. Era, ni más ni menos, la reformulación de aquello que comenzara en el año 62, pero adaptado a la televisión: vídeos impactantes que iban siendo narrados por un presentador (que en este caso tenía algo más que voz). A diferencia del Mondo, en Impacto Tv no se veían muertes, o al menos no se enunciaban, pero la gramática de la tragedia era exactamente la misma, sumando además el notable papel de los stringers.

Varias décadas antes de que Gilroy escribiera y dirigiera Nightcrawler, los stringers habían comenzado a colarse y a ganar peso en las televisiones norteamericanas. Con la llegada de los formatos de vídeo doméstico, de pronto en las calles de las grandes ciudades aparecieron personajes que patrullaban en sus coches pendientes de las radios policiales hasta que saltaba un aviso de accidente o altercado, momento en que acudían voraces para conseguir las mejores imágenes posibles para vendérselas luego a las cadenas.

Y no solo esto, porque con lo que no se podía emitir por superar todo lo admisible se empezaron a crear recopilatorios para su venta en el mercado negro.

Cuando Impacto Tv se empieza a emitir en España, en 1997, el relato de lo sórdido ya ha pasado de tener un carácter mítico y anecdótico a ser prime time, a ser suficiente por si mismo para rellenar una franja horaria capaz de reunir enormes audiencias que ya no necesitan excusas: ya no se va a tener acceso a lo más secreto del mundo que nos rodea, vamos a disfrutar de la más impactante realidad.

Como fan de lo fantaterrorífico, la estela paranormal solo puede despertarme simpatía, desde siempre, pero a pesar de ello no soy la persona adecuada para hablar de Iker Jiménez por un motivo: jamás lo he soportado.

En alguna caja del trastero conservo cosas como los primeros números de la revista Más Allá, y lo que se habrá quedado por el camino. Tuve la fortuna de vivir momentos del absurdo como la participación de Jimenez del Oso en un programa infantil, y en general el fabuloso encanto de ingestar lamentables películas basadas en hechos reales de los que solo podías desconfiar antes de la llegada de internet.

La información especulativa está bien, y creer en los OVNIs me parece un ejercicio de pleno derecho para combatir un posible ataque de claustrofobia cuando sientes que la Tierra se ha convertido en un armario incómodo.

Todo eso es aceptable, porque es una elección personal: decidir en qué mierda creer, pero sabiendo que es mierda.

El problema es que a 2024 hemos llegado sin que a algunas cosas les pongan el rótulo de MIERDA bien grande.

Iker Jiménez, Vito Quiles, Roro, Ruben Gisbert, Angel Gaitán, el Xocas, TheGregf, Beatriz Talegón, Cesar Vidal, Cristina Martín Jiménez, María Pombo...

¿Algunos no te suenan? Da igual, sí los conocen millones de personas, y para llegar a los que no, se les dan los mejores altavoces: En el siglo XXI ya puede ser un stringer cualquier persona.

[boomgers]

Descubre los sombríos secretos de la TV… “El Lado Oscuro De La Fama Infantil”

La serie documental de cuatro episodios revela los entresijos de los programas juveniles más populares de las décadas de 1990 y 2000. La producción muestra los bastidores del imperio construido por el productor Dan Schneider, creador de series como “Todo Eso”, “El Show De Amanda”, “Drake & Josh”, “iCarly”, “Victorious” y “Sam & Cat”, revelando un ambiente lleno de acusaciones de abuso, sexismo, racismo y comportamientos inapropiados con las estrellas y el personal.

Estreno: 13 de abril de 2024 en Max.

La docuserie original de Investigation Discovery está dirigida por Mary Robertson y Emma Schwartz, y coproducida por Maxine Productions, Sony Pictures Television Nonfiction y Business Insider.

[estadsticasderealzaragozacontraf]

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¿Cuándo se estrenará la temporada 4 de City on a Hill?

Fecha de estreno de la temporada 4 de City on a Hill

La popular serie de televisión "City on a Hill" ha anunciado la fecha de estreno de su muy anticipada cuarta temporada. Los seguidores de este drama criminal estarán encantados de saber que podrán disfrutar de nuevos episodios a partir del próximo mes de septiembre.

Desde su debut, "City on a Hill" ha cautivado a la audiencia con su trama intrigante y personajes memorables. Ambientada en la década de 1990 en Boston, la serie sigue las investigaciones de un fiscal de distrito corrupto y un agente del FBI idealista que trabajan juntos para combatir el crimen en la ciudad.

La tercera temporada dejó a los fanáticos con muchas preguntas y teorías sobre el futuro de los personajes principales. Con la noticia del estreno de la cuarta temporada, los seguidores de la serie esperan ansiosos descubrir qué les depara el destino a los protagonistas.

La fecha de estreno de la temporada 4 de "City on a Hill" marca el regreso de una de las series más emocionantes de la televisión actual. No te pierdas los nuevos episodios llenos de acción, intriga y giros inesperados que sin duda mantendrán a los espectadores al borde de sus asientos. ¡Prepárate para sumergirte en el emocionante mundo de "City on a Hill" a partir de septiembre!

Nuevo episodio de City on a Hill cuarta temporada

¡Los fanáticos de City on a Hill están emocionados con el estreno del nuevo episodio de la cuarta temporada! Esta exitosa serie, que combina drama policial y thriller, ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su trama intrigante y sus personajes convincentes.

En este nuevo episodio, los espectadores pueden esperar más giros emocionantes y momentos de alta tensión. La cuarta temporada promete llevar la historia a nuevos niveles, explorando las complejidades de la vida en la ciudad y las luchas de poder entre la policía, los políticos y los criminales.

El elenco talentoso, encabezado por Kevin Bacon y Aldis Hodge, continúa entregando actuaciones impresionantes que mantienen a los espectadores al borde de sus asientos. Los nuevos personajes y las subtramas intrigantes agregan profundidad a la trama, manteniendo el interés del público en cada episodio.

City on a Hill ha sido elogiada por su representación realista de la vida en la ciudad y su exploración de temas sociales importantes. En esta temporada, la serie continúa abordando cuestiones como la corrupción, el racismo y la justicia, ofreciendo una reflexión perspicaz sobre la sociedad contemporánea.

Con una narrativa apasionante y una producción de alta calidad, el nuevo episodio de City on a Hill promete satisfacer las expectativas de los fanáticos y dejarlos ansiosos por descubrir qué sucederá a continuación en esta fascinante historia. No te pierdas este emocionante capítulo que seguramente dejará una impresión duradera en la audiencia.

Lanzamiento temporada 4 de City on a Hill

La exitosa serie "City on a Hill" está de vuelta con su cuarta temporada, y los fanáticos no podrían estar más emocionados. La trama continúa sumergiéndonos en los rincones más oscuros de la vida en Boston durante los años 90, explorando temas de corrupción, crimen y la lucha por el poder.

En esta nueva temporada, nos encontraremos con nuestros personajes favoritos enfrentando desafíos aún más intensos mientras intentan mantener el equilibrio entre la ley y el orden en una ciudad dominada por la violencia y la injusticia. Kevin Bacon regresa en su papel protagónico, brindando una actuación magistral llena de matices y complejidad.

Además de la sólida trama y el talentoso elenco, la temporada 4 de "City on a Hill" promete mantenernos al borde de nuestro asiento con giros inesperados, intriga y acción sin descanso. Los creadores de la serie han sabido mantener el pulso de la narrativa, ofreciendo a los espectadores una experiencia que combina a la perfección emoción, suspense y drama.

En resumen, el lanzamiento de la temporada 4 de "City on a Hill" promete ser un evento imperdible para todos los amantes de las series de crimen y suspenso. Prepárate para sumergirte en un mundo donde la línea entre el bien y el mal se desdibuja y cada decisión puede tener consecuencias devastadoras. ¡No te lo pierdas!

Próximo capítulo serie City on a Hill

En el próximo capítulo de la serie "City on a Hill", los fanáticos pueden esperar más giros emocionantes y momentos intensos. La trama de la serie seguirá explorando las complejidades de la vida en la ciudad, donde la corrupción y la violencia son moneda corriente.

En el episodio próximo, los personajes principales se enfrentarán a nuevos desafíos que pondrán a prueba sus límites. El drama y la intriga estarán a la orden del día, manteniendo a la audiencia en vilo con cada escena.

Además, en el próximo capítulo de "City on a Hill", se revelarán secretos ocultos y se tomarán decisiones que cambiarán el rumbo de la historia. Los espectadores serán testigos de alianzas sorprendentes y traiciones impactantes que mantendrán la trama en constante evolución.

En resumen, el próximo capítulo de "City on a Hill" promete mantener a los espectadores pegados a sus asientos con su narrativa envolvente y sus personajes complejos. No te pierdas este emocionante episodio que seguramente dejará a todos hablando y ansiosos por descubrir qué sucederá a continuación.

Temporada 4 de City on a Hill estreno

La tan esperada Temporada 4 de "City on a Hill" está a punto de llegar a nuestras pantallas, y los fanáticos están ansiosos por sumergirse una vez más en el oscuro y cautivador mundo de la serie. Desde su debut, esta producción ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su intrigante trama, personajes complejos y una ambientación que te sumerge en el Boston de los años 90.

Esta temporada promete llevar la historia a nuevos y emocionantes lugares, con giros inesperados que mantendrán a los espectadores al borde de sus asientos. Los protagonistas, interpretados por talentosos actores como Kevin Bacon y Aldis Hodge, enfrentarán nuevos desafíos y se verán envueltos en conflictos aún más intensos que en temporadas anteriores.

Además de la emocionante trama criminal, la serie continúa explorando temas sociales y políticos relevantes, ofreciendo una mirada penetrante a la corrupción, el poder y la justicia en una sociedad en constante cambio.

El estreno de la Temporada 4 de "City on a Hill" es una cita imperdible para todos los aficionados del género, así como para aquellos que buscan una narrativa inteligente y emocionante que los mantenga enganchados desde el primer momento. Prepárate para sumergirte en un mundo de intriga, acción y drama cuando esta aclamada serie regrese a la pantalla chica. ¡No te lo pierdas!

[sonyclasica]

AARON COPLAND

COPLAND CONDUCTS COPLAND

Las grabaciones completas para Columbia del "Decano de los compositores americanos".

Consíguelo AQUÍ

El "decano de los compositores americanos" era un intérprete formidable de su música. Gramophone calificó a Aaron Copland de "espléndido defensor de sus propias partituras", y poco después de su muerte, en 1990, el New York Times escribió: "Las interpretaciones de los compositores no siempre son definitivas, pero Copland era un director y pianista fino y comunicativo, y Columbia lo grabó con orquestas y solistas de primera categoría. ... En todos los sentidos, estas grabaciones deben considerarse el corazón de la discografía del compositor".

Como pianista dotado, Copland participó en las primeras grabaciones de su música, allá por los años 30, así como en muchas otras que siguieron a lo largo de casi tres décadas. Aunque hasta 1950 no dirigió por primera vez en un estudio, más tarde tomó la batuta con creciente frecuencia. Una vez le dijo a la coreógrafa Agnes de Mille: "No creo que vaya a componer nunca nada más. Me lo estoy pasando muy bien dirigiendo".

Sony Classical ya ha publicado muchas de sus grabaciones de CBS/Columbia en CD, incluido un importante set de 5 discos en 2013, pero esta nueva colección de 20 discos supone la primera recopilación integral de las interpretaciones autorizadas de Aaron Copland, con las seis primeras grabaciones del compositor por primera vez en CD a través de Sony Classical.

Columbia grabó aquí las piezas más antiguas en 1935: Copland interpretando las difíciles Variaciones para piano de 1930, una de sus obras maestras más complejas, y acompañado por el solista y líder de cuarteto de origen ruso Jacques Gordon en dos piezas para violín y piano. "Gordon toca la punzante Americana de la Serenata al Ukelele, la segunda de las piezas... con un brío desenfrenado", escribió MusicWeb International. Y para esta "lectura evocadora y poderosamente declamatoria" (MusicWeb International) de su trío para piano Vitebsk, se unió al violinista Ivor Karman, que tocó en el estreno, y al violonchelista David Freed.

Avancemos hasta la década de 1960. Ahora con el Cuarteto Juilliard, Copland volvió a grabar Vitebsk, junto con su Cuarteto y Sexteto para piano. Fue compañero de Isaac Stern en la Sonata para violín y, con Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York, grabó "una interpretación maravillosa y sin duda históricamente importante" de su Concierto para piano. Así escribió el biógrafo definitivo de Copland, Howard Pollack, que continúa diciendo: "Copland interpreta la parte solista con un ímpetu inigualable, y Bernstein transmite el toque urbano de la música -que puede haber servido de base para sus propios paisajes de ciudad- con un gusto inimitable".

La primera grabación de Copland como director fue la del Concierto para clarinete en 1950, con su dedicatario Benny Goodman y la Orquesta Sinfónica de Columbia. Es la primera vez que se publica en CD. En el nuevo set podrás compararlo con su célebre versión estéreo de 1963. Otra interpretación clásica de principios de los 60 es Old American Songs, con el barítono William Warfield y Copland al piano. También hay versiones mono y estéreo de los 12 Poemas de Emily Dickinson, con Copland acompañando a la mezzo Martha Lipton en 1950 y a la soprano Adele Addison en 1964.

En el caso de la obra más apreciada de Copland, el ballet Appalachian Spring que compuso en 1944 para Martha Graham, hay aún más versiones para disfrutar y comparar. En 1959, dirigió la Orquesta Sinfónica de Boston en lo que muchos siguen considerando la grabación definitiva de la suite de concierto para orquesta completa: "La interpretación tiene una atractiva amplitud y calidez de humanidad, ayudada por la resonancia de la Sala Sinfónica: el clímax con sacudidores es maravillosamente expresivo" (Penguin Guide). RCA Victor la acopló con la suite de The Tender Land, la única ópera de Copland, que más tarde grabó con más detalle (en una versión abreviada de una hora de duración) con la Filarmónica de Nueva York. Ese lanzamiento de 1966, también incluido aquí, le valió un Grammy®.

Luego, en 1973, con la Orquesta de Cámara de Columbia, Copland grabó la partitura original completa del ballet Appalachian Spring para conjunto de cámara. Le sigue aquí un bonus track: el ensayo que también la acompañó en LP. Tres años antes había vuelto a grabar la suite en su partitura de concierto completa con la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que disfrutó de una feliz y productiva alianza tanto en la plataforma de conciertos como en el estudio.

Sus otras grabaciones con la LSO incluyen la evocadora Quiet City, así como obras tan importantes, pero menos conocidas como la neoclásica Short Symphony, una "notable síntesis de lo culto y lo vernáculo". ... Una representación singularmente 'completa' de su inventor" (el crítico Michael Steinberg), así como la Sinfonía de la Danza, las Variaciones Orquestales, las Declaraciones para Orquesta y la Oda Sinfónica. Está claro que a Copland le gustaba dirigir orquestas inglesas. Eligió la Philharmonia para grabar su Tercera Sinfonía y suites de sus célebres partituras cinematográficas.

Aaron Copland no solo creó algunas de las composiciones más originales, influyentes y atractivas de la historia de la música estadounidense. Grabaciones que ilustran exactamente cómo quería que fueran estas piezas: un nuevo e inestimable legado de 20 CD de interpretaciones auténticas, el "corazón de la discografía del compositor".

CONTENIDO DEL SET:

DISC 1:

Copland: Concerto for Clarinet, Strings & Harp with Benny Goodman (1950)

Copland: Piano Quartet

Copland: Piano Variations (1930)

Copland: Nocturne (1928)

Copland: Vitebsk, Study on a Jewish Theme for Piano Trio

Copland: Ukulele Serenade

DISC 2:

Copland: Old American Songs with William Warfield (1951/53)

Copland: Twelve Poems of Emily Dickinson with Martha Lipton

DISC 3:

Copland: Appalachian Spring (Ballet for Martha)    

Copland: The Tender Land: Suite    

DISC 4:

Copland: Concerto for Clarinet, Strings & Harp with Benny Goodman (1963)

Copland: Old American Songs with William Warfield (1962)  

DISC 5:

Copland: Piano Concerto    

Copland: Music for the Theatre (Suite in 5 Parts for Small Orchestra)

DISC 6:

Copland: The Tender Land (Opera in Three Acts)    

DISC 7:

Copland: Music for a Great City    

Copland: Statements for Orchestra    

DISC 8:

Copland: Twelve Poems of Emily Dickinson with Adele Addison

Copland: Las Agachadas    

Copland: In the Beginning    

Copland: Lark    

DISC 9:

Copland: Piano Quartet    

Copland: Sextet for Clarinet, Piano and String Quartet    

Copland: Vitebsk, Study on a Jewish Theme for Piano Trio    

DISC 10:

Copland: Short Symphony "Symphony No. 2"    

Copland: Dance Symphony    

DISC 11:

Copland: An Outdoor Overture    

Copland: Our Town Suite    

Copland: 2 Pieces for String Quartet (Instrumental)    

Copland: Quiet City    

DISC 12:

Copland: Billy the Kid Suite    

Copland: 4 Dance Episodes from Rodeo    

DISC 13:

Copland: Fanfare for the Common Man    

Copland: Lincoln Portrait    

Copland: Appalachian Spring    

DISC 14:

Copland: Symphonic Ode    

Copland: Preamble for a Solemn Occasion    

Copland: Orchestral Variations    

DISC 15:

Copland: Appalachian Spring    

Copland: Copland Rehearses Appalachian Spring    

DISC 16:

Copland: Sonata for Violin and Piano (1942/3) with Isaac Stern

Copland: Duo for Flute and Piano with Elaine Shaffer

Copland: Nonet for String Orchestra    

DISC 17:

Copland: Danzón Cubano    

Copland: 3 Latin American Sketches    

Copland: El Salón México    

Copland: Dance Panels    

DISC 18:

Copland: The Red Pony Suite    

Copland: John Henry    

Copland: Music for Movies    

Copland: Letter from Home    

Copland: Down a Country Lane    

DISC 19:

Copland: Symphony No. 3    

DISC 20:

Copland: Inscape    

Copland: Connotations    

[virtualsonic]

Chance Furlong y Jake Clawson J. V.

Versión en Español

Hola amigos ¿cómo están?; espero que bien amigos, bueno amigos, aquí va un nuevo dibujo y que presento a un dúo de personajes pertenecientes a una popular serie animada de los años 90 y que está celebrando los 30 años de su estreno en Norteamérica y que se ha convertido en una de esas series animadas que definieron mucho la animación de la década de 1990, mientras vemos que tienen una aparición tras mucho tiempo de no dibujarles, haciendo que pueda cumplir con una vieja duda que tenía con estos chicos y ver qué tanto ha mejorado mi estilo de dibujo que la última vez que los dibujé y que los chicos están haciendo una de sus actividades favoritas y que les permite descansar de su labor de estar siempre salvando el día de los enemigos que siempre ponen en garras sobre su querida ciudad y que siempre ponen sus ojos a ella, bueno amigos, sin dar más vueltas presento a Chance Furlong y Jake Clawson Jugar Videojuegos en su Taller dentro del Basurero de Megakat City

Aquí vemos al dúo de gatos ponerse a jugar videojuegos en la consola de Katistation 5 y se observa que se esperan un poco para poder comenzar su partida de videojuegos y en que piensan pasar su día jugando videojuegos de todo un poco para poder sacar provecho de lo que está siendo un tranquilo día en dónde no deban estar salvando a los habitantes de Megakat City de las amenazas de sus enemigos, mientras se observa que los chicos se ponen a revisar el catalogo de juegos que han comprado con el dinero que han podido ganar de su trabajo como mecánicos para reparar los diferentes objetos que paran en el basurero de la ciudad y que la gente acostumbra a tirar basura de todo un poco y que en muchos casos llegan a tirar incluso aparatos tecnológicos en buenas condiciones y que con un poco de reparación estos quedan como nuevos, además de que pueden vender las piezas para las compañías que se especializan en el reciclaje de aparatos tecnológicos y desarmarle los componentes que contienen y que se pueden venderse a precios convenientes para los consumidores de menor poder adquisitivo, mientras los chicos se quedan con los objetos que vale la pena conservar y usar para su propio disfrute y vemos a los chicos tener un momento de ocio que les permite disfrutar de ver sus programas de televisión favoritos, además de entretenerse viendo películas en sus servicios favoritos de streaming, escuchar música en sus aparatos musicales y demás actividades que les ayuda a mostrar la clase de vida que tienen cuando no están siendo el dúo de héroes que deben estar salvando constantemente su querida ciudad de los enemigos que siempre ponen sus ojos a ella y buscan su conquista y posterior destrucción si llegan a tener éxito en el proceso 

Bueno amigos, espero que les guste, al ver que llevaba un buen tiempo que no hacía un dibujo relacionado con estos chicos y que quise darle por una ocasión especial que vale la pena resaltar y más viendo el como estos chicos se han sabido mantenerse vigentes a pesar del tiempo, además de que la serie animada que forman parte es una de estas series que marcaron mucho su época y que a pesar del paso del tiempo y las tendencias, se ha sabido mantenerse vigente por tener un seguimiento de culto que se mantiene en vivo hasta el día de hoy y más cuando las posibilidades de darle una nueva vida a estos chicos es posible por la imaginación de los fanes y los fandoms que no existían en su época, pero que han surgido con el pasar del tiempo y que siempre han considerado a estos chicos para ser parte de algún crossover si la situación así lo permita, bueno amigos, disfruten el dibujo y nos vemos

Chance Furlong y Jake Clawson (C) Christian Temblay e Yvon Temblay, Hanna-Barbera Productions, Warner Bros Incorporated y Temblay Bros Productions

English Version

Hello friends how are you?; I hope that well friends, well friends, here is a new drawing and I present a duo of characters belonging to a popular animated series from the 90s and that is celebrating 30 years of its premiere in North America and that has become a of those animated series that greatly defined the animation of the 1990s, while we see that they have an appearance after a long time of not drawing them, allowing me to fulfill an old doubt that I had with these guys and see how much my style of writing has improved. drawing that the last time I drew them and that the boys are doing one of their favorite activities and that allows them to rest from their work of always saving the day from the enemies that always put their grip on their beloved city and that always put their eyes on her, well friends, without further ado, I present Chance Furlong and Jake Clawson Playing Video Games in their Workshop inside the Megakat City Dump

Here we see the cat duo start playing video games on the Katistation 5 console and we see that they wait a little to start their video game game and that they plan to spend their day playing video games of everything a bit to be able to take advantage of what that it is being a quiet day where they should not be saving the inhabitants of Megakat City from the threats of their enemies, while it is observed that the boys begin to review the catalog of games that they have bought with the money they have been able to earn from their work as mechanics to repair the different objects that end up in the city garbage dump and that people tend to throw away a little bit of everything and that in many cases they even throw away technological devices in good condition and that with a little repair These remain as good as new, in addition to the fact that they can sell the parts to companies that specialize in recycling technological devices and disassemble the components they contain and which can be sold at convenient prices for consumers with lower purchasing power, while the kids They are left with the objects that are worth preserving and using for their own enjoyment and we see the children have a moment of leisure that allows them to enjoy watching their favorite television programs, in addition to entertaining themselves by watching movies on their favorite streaming services, listening music on their musical devices and other activities that helps them show the kind of life they have when they are not being the duo of heroes who must constantly be saving their beloved city from the enemies who always set their eyes on it and seek its conquest and subsequent destruction if they succeed in the process

Well friends, I hope you like it, seeing that it has been a long time since I made a drawing related to these guys and I wanted to give it for a special occasion that is worth highlighting and even more so seeing how these guys have known how to stay current Despite the time, in addition to the fact that the animated series that they are part of is one of these series that greatly marked its time and that despite the passage of time and trends, it has managed to remain current by having a cult following that remains in I live to this day and even more so when the possibilities of giving a new life to these boys are possible through the imagination of the fans and fandoms that did not exist in their time, but that have emerged over time and that have always considering these guys to be part of some crossover if the situation allows it, well friends, enjoy the drawing and see you

Chance Furlong and Jake Clawson (C) Christian Temblay and Yvon Temblay, Hanna-Barbera Productions, Warner Bros Incorporated and Temblay Bros Productions

[jedivoodoochile]

El hombre elefante (David Lynch, 1980). La segunda película de David Lynch, sigue considerándose, 43 años después de su estreno, una rara avis dentro de su filmografía. Un biopic de época, una historia basada en hechos reales acerca de una de las figuras más legendarias de la era victoriana que aparentemente poco tiene que ver con los ejercicios surreales que el cineasta de Montana ha ido desarrollando desde Cabeza borradora (1976) hasta Twin Peaks The Return (2017). Un trabajo que el propio Lynch admite haber aceptado tras darse cuenta de que si quería introducirse en la industria, su ópera prima, convertida con el paso de los años y gracias a las midnight sessions en objeto de culto, no servía como carta de presentación.

De lo que si sirvió Cabeza borradora fue para llamar la atención del productor ejecutivo de Mel Brooks, Stuart Cornfeld, que tras ver el primer largometraje de David Lynch en su estreno en el cine Nuart de Los Ángeles dijo de ella que “…era lo mejor que le había pasado en la vida. Una experiencia purificadora”. Acto seguido, Cornfeld se puso en contacto con David Lynch y este le propuso un guion en el que llevaba trabajando un tiempo, Ronnie Rocket. Un proyecto en el que el cineasta había puesto todo su empeño -y del que gran parte acabó luego dentro de su regreso a Twin Peaks- y que no consiguieron que ningún estudio aceptara. Lynch, angustiado por la posibilidad de no volver a poder realizar un largometraje, le pidió a Cornfeld que le buscara scripts para que pudiera dirigir. Cornfeld le propuso tres guiones. El primero de ellos era el libreto de El hombre elefante, obra de los guionistas Christopher De Vore y Eric Bergren. En cuanto Lynch escuchó el título, no quiso saber nada de los otros dos proyectos. Ese era el trabajo que quería convertir en su segundo largometraje.

Pero aunque Cornfeld estaba decidido a que Lynch dirigiera la cinta, Mel Brooks prefería al británico Alan Parker. Pero Cornfeld consiguió convencerle para que tuvieran una reunión, y así, Brooks se dio cuenta de que Lynch era el director indicado, además de redefinirle como “El Jimmy Stewart de Marte”. Una vez que Lynch fue contratado, marchó a Londres con un equipo ajeno a la troupé de su artesanal y familiar ópera prima, en el que por ejemplo su director de fotografía Frederick Elmes fue sustituido por Freddie Francis, con el que volvería a trabajar en su segundo y último acercamiento al mainstream, Dune (1984). La única excepción fue su técnico de sonido, Alan Splet, que introdujo el ambiente sonoro industrial de Cabeza borradora en los callejones del Londres victoriano.

Lo mismo ocurrió con el casting de la obra, impuesto por la productora de Mel Brooks y repleta de actores ingleses, entre los que destacaban Anthony Hopkins como el médico Frederick Treves, John Hurt como John Merrick (el hombre elefante), John Gielgud como Carr Gomm o Freddie Jones como Bytes. Este último sería el único actor del reparto que repetiría con el cineasta, en Dune (1984) y Corazón salvaje (1990). Del resto del reparto principal, son conocidas las continuas peleas entre Lynch y Hopkins, ya que este último no confiaba en el director debido a su inexperiencia. Más cordial fue la relación entre Hurt y Lynch, desde el proceso de casting -para el que también se presentó Dustin Hoffman- como en el proceso de rodaje, a pesar de algunos momentos de tensión cuando Lynch pretendió convertir la producción en lo más artesanal posible, realizando él mismo el maquillaje para caracterizar a Hurt en John Merrick. El fracaso en la aplicación del maquillaje por parte del propio cineasta en el rostro y cuerpo de Hurt fue solventado con la entrada del especialista Chris Tucker.

En lo que sí pudo introducir Lynch su sello en las primeras etapas de la producción fue en la reescritura del guion. El libreto original de De Vore y Bergren carecía del drama necesario en el tercer acto del filme, ya que en el mundo real, la vida de John Merrick tras su llegada al hospital donde fue cuidado hasta su fallecimiento, fue un remanso de paz. En cambio, en el guion reescrito por Lynch, este introduce las torturas físicas y psicológicas nocturnas y su regreso al circo de freaks donde fue recogido por el médico Frederick Treves. Pero además de los cambios en el relato, Lynch introduce a una película aparentemente academicista y clásica en su concepción, elementos de su trabajo previo y apuntes de lo que será su filmografía posterior.

En su superficie, El hombre elefante aparenta ser una clásica y conservadora producción de prestigio para la temporada de premios estadounidenses. Un reparto de flema británico, un relato narrado linealmente, un fastuoso diseño de producción que introduce al espectador en la atmósfera de la Inglaterra de finales del XIX y un score de John Morris con reminiscencias -sobre todo en sus primeros acordes- de la suite de El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), compuesta por Nino Rota. No es de extrañar que la cinta fuera una de las candidatas principales en la temporada de premios y fuera nominada a ocho Oscars de la Academia -entre ellos el de mejor película y mejor director- aunque finalmente se fuera de vacío. Pero bajo esa superficie clásica y académica -quizá el trabajo que más ha creado concordia entre público generalista y amantes del cine de Lynch- el segundo largometraje del director esconde apuntes y toques de su particular manera de entender el arte audiovisual.

Solo hay que fijarse en su prólogo y epílogo, nacimiento y muerte de John Merrick. Al principio, a partir de un rostro flotante y superpuesto sobre un cielo estrellado -recurso visual que enlazará a este trabajo con el inicio de Dune– el espectador es testigo de una extraña ensoñación donde el cineasta representa la gestación de Merrick, a partir del relato (entre lo legendario y lo onírico) transmitido por su madre ausente. Una secuencia onírica, que a partir de la concatenación y superposición de los planos trae al recuerdo no solo el inicio de Cabeza borradora -la superficie de un planeta alienígena que no es más que el exterior de la mente de Henry Spencer, el protagonista de la misma- sino una perversa sugerencia, entre la concepción y la violación por parte de los elefantes a la madre de Merrick. Esto también recuerda a la recreación de la violación y muerte de Laura Palmer en la secuencia que da cierre al primer episodio de la segunda temporada de Twin Peaks, donde la recreación de la última noche de Laura Palmer -a partir de los recuerdos de Ronette Pulaski- es representado a partir de una puesta en escena que comparte estética y tono con el arranque de El hombre elefante. De idéntica manera, a lo largo de todo el metraje del filme, el rostro de la madre de Merrick acompaña tanto al protagonista de la cinta como al espectador, a partir de un retrato que atesora Merrick y que es registrado por la mirada del cineasta, con la misma liturgia que el retrato de reina del baile de Laura Palmer en Twin Peaks. Dos presencias, ambas de personajes fallecidos, que inundan y ahogan tanto la narración como los márgenes del celuloide.

De idéntica manera, la conclusión de la cinta, con el rostro de la madre de Merrick adscrita a un orbe flotante bajo el cielo nocturno del espacio, esperando a su hijo en la inmensidad de la eternidad, sirve como antecedente directo de dos momentos cruciales de Twin Peaks. En primer lugar, la muerte de Merrick, tan plácida como buscada por el propio Merrick para acabar con su sufrimiento, sirve de precedente al clímax de Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992), donde Laura se deja matar por su propio padre para conseguir algo de paz. Tanto Merrick como Laura son testigos, en sus últimos estertores, de una epifanía entre lo cósmico y lo religioso. Para rizar el rizo entre dos obras tan aparentemente opuestas, Merrick y el espectador ven el rostro de su madre observándole con ternura y delicadeza desde el interior de un orbe cósmico. Un orbe que en Twin Peaks The Return se convierte en elemento narrativo y conceptual de la obra, al introducir Lynch en el interior del mismo el retrato de Laura Palmer visto en las iteraciones precedentes del serial.

Otro elemento que Lynch introduce por primera vez en su obra es el del conflicto entre dos mundos. Una escisión que tan bien define el conjunto de la obra de Lynch la famosa frase de Paul Eluard: “Hay otros mundos, pero están en este”. Si en su ópera prima lo real se transformaba en una pesadilla de tintes surreales y kafkianos, monotonal en su desarrollo y ambientación, en El hombre elefante se divide entre los sórdidos ambientes de clase baja surgidos de la segunda revolución industrial y el mundo elevado de las clases aristocráticas de la Inglaterra victoriana. Ambos mundos surgidos de un ecosistema de humo, metal y fábricas que conformaron -como la bomba atómica que da origen al universo Twin Peaks- dos dimensiones que conviven sin rozarse en el Londres victoriano: las clases marginales de Whitechapel y la periferia londinense -lugar de ese circo subterráneo freak, heredero de la representación de Tod Browning en La parada de los monstruos (1932) del que surge John Merrick- y el mundo aristocrático al que pertenece Frederick Treves, donde la conversación, el arte y los rituales sociales son el centro de la existencia. No es casual que el incidente incitador de la trama sea ese choque entre dos mundos: el descubrimiento de Frederick Treves de El hombre elefante, en una secuencia que trae al recuerdo la primera aparición de Boris Karloff en el Frankenstein (1931) de James Whale.

Una secuencia cuya puesta en escena -Frederick Treves introduciéndose en el inframundo de las clases populares- se erige como precursora de la odisea del agente Cooper en el capítulo final del Twin Peaks original. Un laberinto de límites y geografía espacio-temporal imprecisa, que luego será desarrollada en mayor profundidad tanto en las siguientes evoluciones y revoluciones de Twin Peaks, como en otros trabajos emblemáticos del cineasta. A destacar: el descubrimiento del tenebroso y seductor otro lado del aparentemente luminoso Lumberton por parte de Jeffrey Beaumont desde la intimidad del armario del apartamento de Dorothy Valence en Terciopelo azul (1986) o la pérdida de conciencia temporal y espacial de Fred Madison en esa vivienda de cortinas rojas infinitas que sirven de trasunto de su mente escindida y fracturada, fortaleza de sus más sucios secretos, en Carretera perdida (1996).

Pero también El hombre elefante con la que un cineasta alternativo como Lynch se introdujo en el circuito del cine de estudios, sirve al artista multidisciplinar para aprender y desarrollar su peculiar talento a partir de las formas y códigos del cine clásico. Porque El hombre elefante hunde sus raíces no solo en el cine melodramático clásico -Douglas Sirk mediante- con el que Lynch comienza su estudio milimétrico del dolor del alma a partir de los rostros en primer plano de John Merrick y aquellos que observan su monstruosidad física y belleza interna -una mirada agónica que llevará a su paroxismo en el episodio piloto de Twin Peaks o en el epílogo de Mulholland Drive (2001) – sino sobre todo en las maneras del cine mudo. Fundidos a negro entre secuencia y secuencia -e incluso entre plano y plano- que aportan una cualidad etérea y onírica a la realidad de lo narrado. Elementos todos ellos que servirán para profundizar e indagar en los límites entre independencia y sistema de estudios -de nuevo dos mundos en conflicto- que se encuentran sobre todo entre Terciopelo azul y Mulholland Drive hasta su vuelta a sus raíces más experimentales con Inland Empire (2006) y Twin Peaks The Return.

Unas raíces experimentales salidas de sus primeros cortometrajes y Cabeza borradora, cuya impronta permanece subrepticiamente en el interior de El hombre elefante. En primer lugar, a partir de la atmósfera sonora creada por Alan Splet, que inunda -sutilmente y por encima del sonido ambiente y los diálogos de la cinta y el score de John Morris- la aparentemente sin subterfugios puesta en escena directa y teatral del conjunto de la obra. A su vez, el terror industrial surgido en el cineasta tras pasar de vivir en la “idílica” Misoula -su Lumberton o Twin Peaks particular- a la tenebrosa e industrial Philadelphia en su juventud, un terror que hizo acto de presencia para quedarse en su ópera prima -casi un personaje más de la obra- continúa en El hombre elefante, como si esta cinta fuera un apéndice de la pesadilla de Henry Spencer, o una nueva reinterpretación de su delirio, momentos antes de morir. Todo ello potenciado por un uso del blanco y negro -al igual que en la película protagonizada por Jack Nance- con una intencionalidad alejada de lo retro y profundamente estilística y atmosférica, precursora de su trabajo como fotógrafo. Una obra que siempre se ha considerado como una curiosidad, una obra extraña dentro del conjunto de la obra de Lynch, pero que analizada y observada con perspectiva demuestra que junto a Cabeza borradora sirvió de campo de pruebas, punta de lanza y díptico, para construir al David Lynch que vino después.

Por Felipe Rodríguez Torres para Revista Mutaciones ➡️ n9.cl/5xglw 🎥🎞️❤️

[marxtrevino]

It’s been so loooong!

Como es conocido siempre regreso a mi cuenta de tumblr cuando tengo algun tipo de crisis.. Este no es el caso..

En mi camino me he encontrado con la vida de adulta, trabajadora responsable, madre de 2 perrhijos (Indiana y Todd Chavez), una relacion comprometida, me mude de ciudad y he tenido un estilo de vida “normal” (entre comillas normal porque estoy produciendo mi propia musica!! pero ese no es el tema hoy!)

Estoy aqui porque como muchos de ustedes he caido en el vortex de Barbie y ayer fui a ver el estreno, comi palomitas de caramelo rosa y me vesti de rosa (mi color favorito desde hace eones) y fue algo muy lindo, so me vine a tumblr porque se que aqui mis amistades no me van a tundir por hablar de la pelicula que a lo mejor en este momento no han visto.

Entonces sin afan de hacer spoilers voy a hablar de lo que para mi represento la pelicula.

En este tiempo que no he tocado tumblr he tratado de educarme con respecto al feminismo, no solo leyendo, sino tambien ejerciendolo en mi persona de una manera politica y educada. En pocas palabras respetandome y respetando a los demas.

La manera que Barbie The Movie derroca el estereotipo de la mujer before the 1990′s es muy rosa si, pero tambien sutil e inteligente, me causo tanto impacto el mensaje de esta pelicula que honestamente hubiera deseado haber visto algo tan revolucionario en mi infancia. Barbie paso de ser la blonde bimbo a ser una mujer real, claro es fantasia pero creo que es inspiradora ademas de sarcastica e ironica y hace golpes directos a lo que es el patriarcado y la monopolizacion muy a su manera (a pesar de que el boom de la pelicula viene de un monopolio)

Pero! Dejando eso de lado, soy una mujer de 36 años, tengo mi trabajo, mi carrera y mi propio dinero, puedo darme el gusto de comprarme si yo quiero toda la merch oficial de Barbie (y creanme! Me encanto todo! Quiero que mi casa sea Barbieland) pero viendo este fenomeno desde una perspectiva madura (oila!) Lleno un vacio de mi niña interior, cabe aclarar que en mi infancia estuve rodeada de mujeres fuertes, pero esta vez la mujer fuerte soy yo y las de mi generacion y la verdad no es nada parecido a lo que vivi de niña.

Asi que ayer antes de dormir, abrace a mi niña interior y le dije “Nos toco aprender de esa manera, que afortunadas las niñas que tienen padres conscientes y les enseñan a darse a respetar desde pequeñas, todavia existen niñas que su mundo no es color de rosa, pero hay que aportar socialmente para que el futuro de esas niñas que tienen un presente oscuro puedan realizarse y sobreponerse como mujeres fuertes y vencedoras, Ana Banana estoy aqui para ti, jamas te abandonare y prometo seguir educandote y alimendote con mucho amor”.

Y ya. (Lo que hace una pelicula)

P:D: Vayan a ver Barbie y eduquense!

[laumanecer]

El Asesino Mediático ocupa las listas de éxitos de Netflix

Las obras audiovisuales de Asia han asegurado gradualmente su posición en los mercados globales. Después de que las películas y series coreanas expandieran su base de espectadores, el contenido taiwanés atrajo recientemente la atención internacional, incluida la serie de suspenso Light the Night y la película de terror "Maleficio"

 Desde su estreno en una plataforma de streaming la semana pasada, El Asesino Mediático ha establecido un nuevo récord en la historia de las series taiwanesas. Ha llegado al top 10 de las listas en 25 regiones/mercados en todo el mundo, con horas de visualización en aumento.

Adaptado de la novela homónima galardonada del escritor japonés Miyuki Miyabe, El Asesino Mediático sigue un caso de un asesino en serie en la década de 1990 que subraya la manipulación de los medios y la humanidad. Esta serie original en mandarín producida por GrX (Greener Grass Culture Co., Ltd.) se lanzó exclusivamente en Netflix el 31 de marzo. Desde entonces, ha conquistado posiciones de liderazgo semanales en Taiwán, Hong Kong, Singapur, Tailandia y Vietnam. Además, ha llegado a múltiples mercados de Oriente Medio (EAU, Kuwait y Catar), Europa (Grecia y Rumania) y América Latina (México, Brasil, Bahamas y Uruguay). El Asesino Mediático, que aparece en el top 10 de las principales listas de 25 mercados, es la primera serie taiwanesa que viaja más y más lejos en todo el mundo.

Este logro se basa en experiencias de coproducción internacional de GrX a lo largo de los años, incluidas Corea, Nueva Zelanda y Vietnam. Basado en decisiones racionales y observaciones del mercado internacional, dice el productor Phil Tang, "esta es la primera serie en mandarín que llega ampliamente a la audiencia global en Netflix. Nos desafiamos a nosotros mismos con El Asesino Mediático en ofrecer narrativas y calidad innovadoras. También se basa en décadas de experiencias de producción audiovisual en Taiwán".

El productor Hank Tseng, por otro lado, se enfoca en el desarrollo de guiones, argumentos, contexto, lenguajes cinematográficos y análisis estructural de series de género. También tiene como objetivo ofrecer niveles internacionales en composición y estética. Con comentarios y respuestas abrumadoras en todo el mundo, Tseng agradece que "el doblaje en varios idiomas haya superado las diferencias culturales y resonado emocionalmente con los espectadores en diferentes países y mercados".

[proaudiovisualcmc]

Shira Ukrainitz (1990)

 Es una directora de cine de animación e ilustradora de Tel-Aviv.

Nacionalidad: Tel-Aviv.

LOS ESPACIOS CONFINADOS (2019) ha pasado por más de 20 festivales en todo el mundo.

LA PRIMA COSA (2021), su último cortometraje documental de animación, ha tenido su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de animación de Annecy 2021.

LA PRIMA COSA (2021), su último cortometraje documental de animación, ha tenido su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de animación de Annecy 2021.

[miguelmarias]

La Femme de Rose Hill (Alain Tanner, 1989)

Aunque en última instancia algo insatisfactoria, la última meditación de Tanner sobre el desarraigo y el aislamiento, sobre la condición de extraño o extranjero, consigue trasmitir casi físicamente al espectador la sensación de desconcierto, de incomodidad, de estar "de más" en todas partes que padece su protagonista, una africana de ciudad que —por razones que jamás se nos insinúan— ha viajado hasta un cantón de montaña en Suiza para casarse con un granjero maduro al que nunca había visto.

Hay en Tanner un afán de sobriedad, que a veces le lleva a reprimir la libre expresión de los sentimientos, y hasta a caer en la tacañería informativa, y que quita fuerza y espontaneidad a la parte central de la trama, es decir, las relaciones frustrantes de la joven negra (Marie Gaydu) con su marido y su antipática suegra, y después con un joven rico de la zona (Jean-Philippe Ecoffey), que tampoco terminan nada bien. La película respira con mayor holgura, y se crece consiguientemente, cuando cobra protagonismo el grandioso personaje de la estrafalaria tía del joven, una vieja coja, aislada, rebelde, descarada, con sentido del humor, que ha hecho siempre lo que ha querido, por lo que la toman por loca (Denise Peron, físicamente una versión femenina de Michel Simon, con algo de Henri Langlois y un poco de Patricia Highsmith), que acoge en su casa y protege a la joven pareja, para tomar después partido por Rose, cuando esta rompe con su amante al negarse a abortar.

Se diría que las limitaciones de la película —que tiene estilo, y un punto de vista personal, y un uso del CinemaScope infrecuente en estos tiempos de estrechez televisual— son el resultado de complejos o teorías del autor, que se pone a sí mismo una mordaza, cuando no la zancadilla. Dan ganas de que un día se libre de esas reservas y timideces, y se despreocupe un poco de lo que se debe o no hacer. Entonces conseguirá, dejándose llevar con serenidad, ponerse de nuevo a su mejor nivel —el de Dans la ville blanche— e incluso, por madurez, superarlo.

Miguel Marías

Libro “Todos los estrenos. 1990”, Ediciones JC

[enestoestuve]

Qué estuve viendo #10

Lo que viene a continuación básicamente es un resumen de lo último que estuve viendo en series. 

Pretendía escribir más largo (de hecho, tengo el borrador extendido de una de las series que vi), pero por distintas razones, se me fue pasando, y en lugar de extenderme mucho, lo voy a hacer más corto.

Inevitablemente tengo que hablar de cosas que vi en ambas series, así que aviso que puede haber spoilers de ambas.

Hilda (temporada 2)

Veintidós meses de espera tuvo para mi la “returning series” más anticipada del 2020. La aventurera de pelo azul regresó a mediados de diciembre con 13 nuevos capítulos a la N roja. Y tanto fue el interés que tuve, que alcancé a repetirme la primera temporada de Hilda justo a tiempo para llegar al estreno de la segunda. Vaya que la gocé. Y se pasó a vuelo de Woff tan rápido como la primera, a pesar de que el último episodio es de doble duración.

La segunda temporada profundiza lo que ya conocemos de este mundo que se introdujo en la primera. De las criaturas que se ven a lo largo de la temporada, de algunas vemos variantes (los elfos, los trolls, los woffs), algunas son nuevas (el gusano del tiempo, los Draugen, el Kraken), y otras se extrañaron su ausencia (¿por qué no aparecieron las marras, o el cuervo?). Esta serie ya estableció su tono, de modo que ya se puede dar el gusto de explorar otros géneros, sin perder de vista que el componente central va a ser la aventura. ¿Una plan elaborado “a lo Hilda”? Lo tienes. ¿Una historia de romance mezclada con ciencia ficción? Puedes apostarlo. ¿Una alocada misión de limpieza de roedores en el mundo corporativo? Oh si, y vaya que es divertido. 

Esta temporada tiene dos tópicos centrales. El primero es la introducción del jefe de la Patrulla de Seguridad de Trolberg, Erik Ahlberg, y su compañera Gerta, y las intenciones que tienen ellos de combatir a los trolls que rodean Trolberg. La segunda es la relación de Hilda con su mamá Johanna. A medida que pasan los capítulos esa relación se va nublando, al punto de que Hilda le empieza a mentir o a omitir información con tal de estar afuera.

La personaje que se llevó el foco de atención del público esta temporada es la bibliotecaria, Kaisa, y del porqué sabe tantas cosas desde la biblioteca en la que trabaja, y estoy seguro que de solo verla a ella, van a querer verla más en acción. Pero si yo tengo que escoger una personaje preferida, y que creo que necesita más aprecio, eso recae en Frida. En el mismo episodio donde conocemos más a fondo a Kaisa, le dan la oportunidad de aprender a ser bruja, y de a poquito la vamos a ir recuperando esa seguridad que perdió en la temporada pasada. Necesitaba una mano, y vaya la mano que recibió.

Quizás lo único que se me escapa, es que el soundtrack de la segunda temporada (está el playlist en Spotify) no es tan memorable como el soundtrack de la primera. Pero, de todos modos, fue una buena temporada. Posiblemente la gente que sigue las novelas gráficas tenga observaciones distintas, y en eso me incluyo, pero eso ya es otro tema, y no es para abordarlo acá. Dos episodios merecen hablarlos más en profundidad, y los voy a tener que abordar aparte más adelante: “The Deerfox” y “The Stone Forest”. 

Y a juzgar por ese último episodio, ese final no se va a quedar así, y todo apunta a que, de esta aventurera, vamos a ver mucho más. Como Johanna le dijo a Hilda al llegar a Trolberg por primera vez, mantengan la mente abierta. Y estén atentos a lo que viene. 

Hilda está disponible en Netflix.

Twin Peaks (temporada 1)  

En 1990, David Lynch, ganador de la Palma de Oro en el Festival de Cannes por Corazón salvaje (Wild at Heart), sorprendió al mundo al saltar al mundo de la televisión, un área que, en ese entonces, el ámbito del cine lo miraba en menos. Hoy ya no es novedad que directores de cine salten al mundo de la TV, pero lo que ya han hecho David Fincher, Scott Frank, Steven Soderbergh, y Paolo Sorrentino (por decir algunos nombres) en los últimos años, David Lynch se anticipó hace mucho, mucho tiempo atrás.

Terminada la segunda temporada de Hilda, ya había decidido agarrar mis maletas, e irme de Trolberg a Twin Peaks, en un viaje sin escalas por cortesía de la edición británica en Blu-Ray con las dos primeras temporadas de la serie más la película Fire Walk With Me. Así es como llegué a un pueblito chico repleto de grandes bosques, personajes muy peculiares, los mejores pasteles en kilómetros a la redonda, y misterios. Muchos misterios.

Laura Palmer, habitante de este pueblo, ha sido encontrada muerta. Para la investigación en torno a su muerte, ha sido enviado el agente especial del FBI, Dale Cooper (Kyle MacLachlan). A partir de ese entonces somos testigos de los dramas y encuentros de los habitantes de este pueblo. Y no son pocos: Los Horne, reconocidos empresarios y dueños del hotel donde se hospeda Cooper, y especialmente Audrey. Los dueños del aserradero (si, ese que se ve en la intro de la serie) y Josie. La turbulenta relación entre Leo y Shelly, en la que más adelante se mete Bobby. Benjamin y su señora. Leland, papá de Laura, que aún está sufriendo por la muerte de su hija. El Doctor Jacoby, al cual Laura constantemente le dejaba mensajes. Hank, que recién salió en libertad condicional después de cumplir pena en prisión. Y finalmente, mis dos personajes femeninas favoritas: Lucy, la secretaria del departamento de policía del pueblo; y la señora del tronco.

¿Qué es lo más atractivo de los siete episodios que vi? Yo diría que es la atmósfera que rodea al pueblo. Transmite una sensación de que hay cosas ocultas en cada casa, en cada oficina, y en cada árbol. Es mucho más de lo que se ve en pantalla. Quizá con excepción de Cooper en su condición de outsider del pueblo, cada personaje esconde algo, sea por miedo o por dolor, y por una u otra razón, no lo pueden resolver así no más. El soundtrack del compositor frecuente de Lynch, Angelo Badalamenti, contribuye mucho a ello.

Conforme van avanzando los episodios, especialmente los últimos dos, las ganas por saber qué es lo que viene se multiplican exponencialmente. La caja de Pandora de Laura Palmer se va abriendo lentamente hasta que llega el punto en el que empiezan a caer personajes que podrían colaborar a saber qué pasó esa fatídica noche. Y ese final deja abrochado el gancho para volver.

Ya veré como me las arreglo para ver los 22 episodios de la segunda temporada. Pero por mientras, esta serie queda en digestión. 

Twin Peaks está disponible en formato físico (Blu-Ray y DVD).

Imágenes 1 y 3: Propias.

Imagen 2: thes-hitoverlord

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[HD!!]» Un amigo extraordinario — Pelicula COMPLETA Español 2020

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Mira Aqui : ver ahora Un amigo extraordinario (2019) Un amigo extraordinario (2019) - Drama Películas 115 minutos. Ти си ми приятел, Um Lindo Dia na Vizinhança, Bonjour, voisin, Un amigo extraordinario, L'Extraordinaire Mr. Rogers, Un amico straordinario, Beautiful Day in the Neighborhood, A, I'm Proud of You, You Are My Friend. Una historia en la cual la bondad triunfa sobre el cinismo, y está basada en la historia de una amistad de la vida real entre Fred Rogers y el periodista Tom Junod. Tom es un escritor de revista hastiado (Matthew Rhys, ganador del Emmy) que tiene el encargo de entrevistar a Fred Rogers, quien lo ayudará a superar su escepticismo, y le enseñará sobre la bondad, el amor y el perdón. Después de todo, Fred Rogers es el vecino más querido de Estados Unidos. journalist, male friendship, tv star, biography, friendship, estranged father, 1990s, based on magazine, newspaper or article, mister rogers, children's tv show

Lanzamiento: Sep 07, 2019 Duración: 115 minutos Género: Drama Estrellas: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Maryann Plunkett, Enrico Colantoni

Crew: Avy Kaufman (Casting), Peter Saraf (Producer), Marc Turtletaub (Producer), Anne McCabe (Editor), Arjun Bhasin (Costume Design), Gary Kosko (Art Direction) Un amigo extraordinario Ver online en español. Ver Un amigo extraordinario online en español y latino subtitulado Un amigo extraordinario Pelicula Complete Free. PELICULA COMPLETA | 4K UHD | 1090P FULL HD | 720P HD | MP4 | DVD | Sinopsis: Drama biográfico inspirado en la amistad fraguada en la vida real entre Fred Rogers (Tom Hanks), educador y presentador de un conocido programa de televisión para niños en los años 60, y el periodista Lloyd Vogel (Matthew Rhys). El cínico periodista descubrirá una nueva perspectiva de la vida gracias a la tranquila simplicidad y ternura de Rogers, el vecino más querido de Estados Unidos. ✦✧ Un amigo extraordinario ✧�� — ► [ Openplay ] ● Ver Un amigo extraordinario pelicula completa en Chille — REPELIS ● Ver Un amigo extraordinario pelicula completa en español latino en línea ● Ver Un amigo extraordinario La pelicula completa Sub español ● Ver Un amigo extraordinario pelicula completa en español latino pelisplus ● Ver Un amigo extraordinario pelicula online en castellano ● Ver Un amigo extraordinario película completa en español Dublado ● Ver Un amigo extraordinario pelicula completa en Chillena ● Ver Un amigo extraordinario pelicula completa en español latino repelis ● La película Un amigo extraordinario Estreno en Chile ● Ver La película del Un amigo extraordinario en línea en Chile [REPELIS] ● Ver Un amigo extraordinario pelicula completa con audio latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Latino Un amigo extraordinario peliculas completas HD Latino Subtitulado Un amigo extraordinario peliculas completas en Mexicano Latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Columbia Latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Peru Latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Brazil Latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Chilena Latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Argentina Latino Un amigo extraordinario peliculas completas en Ecuador Latino ● Un amigo extraordinario Online VERPELIS ● Un amigo extraordinario Online UTORRENT ● Un amigo extraordinario Online REPELIS TAG : Un amigo extraordinario Online en español (Castellano), Un amigo extraordinario Pelicula completes hd Online, Un amigo extraordinario Descargar torrent 720p, 1080p, DvdRip, Hight Quality,

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Machuca 2020 De La Pelicula Completa En Español Machuca es una película chilena escrita y dirigida por Andrés Wood y protagonizada por Matías Quer (Gonzalo Infante), Manuela Martelli (Silvana), Ariel Mateluna (Pedro Machuca), y Ernesto Malbrán (Father McEnroe). Estrenada en 2004, fue la primera película chilena grabada en formato de alta definición.[cita requerida] Esta película está basada en la novela Historia de un verdadero machuca, escrita por el poeta y novelista chileno Eledín Parraguez.1​

La historia transcurre en Santiago en 1973 en días previos al golpe militar, y tiene como base un experimento real hecho en la época del gobierno socialista de Salvador Allende en el Saint George’s College (Saint Patrick’s College en la película). Las escenas del colegio fueron rodadas en el Campus Oriente de la Pontificia Universidad Católica de Chile y en el Internado Nacional Barros Arana.

La película fue seleccionada para representar a Latinoamérica en el 57.º Festival de Cannes, donde recibió una mención especial

Machuca Pelicula Reparto Ariel Mateluna como Pedro “Peter” Machuca. Manuela Martelli como Silvana. Matías Quer como Gonzalo Infante. Ernesto Malbrán como Padre McEnroe. Aline Küppenheim como María Luisa de Infante. Francisco Reyes como Patricio Infante. Federico Luppi como Roberto Ochagavía, amante de María Luisa de Infante. Luis Dubó como Ismael Machuca, mendigo padre de Pedro. Tamara Acosta como Juana María, madre de Pedro. Alejandro Trejo como Guillermo “Willy”, un comerciante ambulante, padre de Silvana. Andrea García-Huidobro como Isabel Infante, hermana de Gonzalo. Tiago Correa como Pablo, el novio de Isabel. Gabriela Medina como Lucy. María Olga Matte como Miss Gilda. Pablo Krögh como Coronel Sotomayor. Aldo Parodi como Vendedor de ropa. Alejandro Goic Jerez como Apoderado #2. Francisca Imboden como María Ignacia, mujer de la protesta.

La pelicula De Machuca Historia Resumen El presente trabajo se propone abordar algunos problemas que desarrollaron las corrientes críticas de la educación: la reproducción del capital cultural y su relación con los aparatos ideológicos del Estado, la teoría eficientista y la pedagogía de la liberación.  En la primera parte, se analizará el impacto del sistema capitalista en la sociedad y la pedagogía en relación con dos escenas de la película chilena Machuca (2004), dirigida por Andrés Wood. En la segunda parte, se reflexionará en torno a los focos de resistencia que se presentan en el filme, pero que también permiten pensar la convivencia de cosmovisiones del mundo tanto en la esfera educativa como en la económica, social y política.

El análisis se compondrá de una articulación entre las temáticas que trabajan las corrientes críticas con la película chilena que relata la historia de Gonzalo Infante y Pedro Machuca en el marco de un proyecto educativo que desafía los modos de relación social planteando instancias de respeto e igualdad. Se prestará atención al contexto sociohistórico en el que se expresan las distintas posiciones de los sectores sociales presentes en el filme que dan cuenta de la reproducción social y de la resistencia ligada a la transformación.

Palabras clave: corrientes críticas, Machuca, reproducción, transformación, educación.

De la película  Machuca Sinopsis Santiago de Chile, 1973. Gonzalo Infante y Pedro Machuca, dos niños de once años, viven en dos mundos diametralmente opuestos: el primero en un barrio residencial, y el segundo en un poblado ilegal a pocas manzanas de distancia. El director de un colegio religioso privado, el padre McEnroe, es un idealista que, con el apoyo de algunos padres, intenta integrar en el elitista colegio a chicos procedentes del poblado. Es así como Pedro Machuca y Gonzalo Infante llegan a ser compañeros de clase y amigos en un momento de gravísíma división y enfrentamiento dentro de la sociedad chilena.

La película  Machuca Reviews Las corrientes críticas surgen frente a una necesidad de reinventar el curso de la educación al hacer foco en una visión reflexiva de la realidad que cuestiona la reproducción cultural y discute el rol de la institución escolar como formadora de seres “aptos” para el sistema social dominante. Desde estas corrientes se cuestiona el impacto del capitalismo en las prácticas de enseñanza y aprendizaje, así como también los modos de socialización expresados en la división de clases. Esta primera aproximación demuestra que las corrientes críticas son las encargadas de desarrollar en su tesis central el carácter indisociable de la educación con el resto de las esferas socioeconómicas y político-culturales, que alude a un “deber ser” con fuerte impronta de los sectores dominantes.

Henry Giroux (1990) desarrolló un análisis sobre la Escuela de Frankfurt en el que explica la importancia de la mirada crítica —opuesta al positivismo racionalista— como primer paso de la lucha, la emancipación y la transformación social. Existe un fuerte cuestionamiento al positivismo que justifica desde el atributo de la razón humana a todo acto acrítico que solo valora lo fáctico por sobre las dimensiones de la reflexión y la acción.

Título original Machuca Año 2004 Duración 120 min. País Chile Chile Dirección Andrés Wood Guion Andrés Wood, Roberto Brodsky, Mamoun Hassan, Eliseo Altunaga Música Miguel Miranda, José Miguel Tobar Fotografía Miguel I. Littin-Menz

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TOP 15: MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA

1- EL PADRINO (1972) Basada en la novela homónima de Mario Puzo, El Padrino llego al cine en 1972 de la mano de Francis Ford Coppola y constituye una pieza maestra. La historia de una familia ítalo-americana involucrada en la mafia de New York, situada a mediados del siglo XX, se ve maravillosamente interpretada por un elenco estelar:  Marlon Brando en su papel más recordado, la aparición de un desconocido Al Pacino  y la presencia de James Caan, Robert Duvall y Diane Keaton, entre otros. ¿Cuántas películas alcanzaron el impacto cultural de El Padrino? Ninguna ha sido tan parodiada; ninguna ostenta frases tan memorables; ninguna ha influenciado a tantos actores y directores; ninguna es tan famosa. Una verdadera oda al cine. La mejor película de jamás hecha. 2- EL PADRINO II (1974) A dos años del estreno de El Padrino, salió a la luz la mejor secuela de la historia. La película narra, paralelamente, la consolidación de Michael Corleone (Al Pacino) en el mundo de la mafia y la forma en la que su padre llega desde Italia siendo un niño y asciende al poder para luego formar La Familia Corleone. Robert De Niro, en lo que significó el primer papel importante de su carrera y por el cual ganó Oscar a mejor actor de reparto, interpretó al joven Vito. El Padrino II, al igual que su precuela, fue ganadora del Oscar a mejor película y le permitió a Coppola ganar el premio a mejor director. 3- SUEÑOS DE LIBERTAD (1994) En su debut como director cinematográfico, Frank Darabont hizo una película que fue un fracaso en taquilla, pero que con el tiempo se convirtió en un film de culto. Un exitoso banquero (Tim Robbins) es condenado a cadena perpetua por un crimen que no cometió y debe lidiar con su nueva y tortuosa vida en la cárcel, donde forja una gran relación con numerosos convictos, principalmente con un viejo y experimentado prisionero interpretado por Morgan Freeman. La película, al igual que tantas otras, está basada en una novela de Stephen King: ‘’Rita Hayworth and The Shawshank Redemption’.. 4- GOODFELLAS (1990) De no haber existido la saga de El Padrino, estaríamos en presencia de la mejor película de gangsters de la historia. Después de los éxitos de Taxi Driver (1976) y Raging Bull (1980), la sociedad Scorsesse-De Niro realizó su mejor trabajo, superando también a otros posteriores, como Cabo de Miedo (1991), Casino (1995) o El Irlandés (2019). La película está basada en hechos reales descriptos en la novela Wiseguys de Nicholas Pileggi y cuenta con la narración de su protagonista, Henry Hill (Ray Liotta), quien nos introduce de lleno en la vida de los soldados de la mafia. Escenas explicitas, drogas, violencia (Joe Pesci, un valuarte), una trama atrapante y un soundtrack fantástico, con los Rolling Stones a la cabeza. 5- PULP FICTION (1994) Quentin Tarantino en su máxima expresión: historias entrelazadas y sin orden cronológico, escenas de larga duración, planos inusuales, diálogos ingeniosos, lenguaje inapropiado,  la irónica combinación de humor con violencia y sangre y una novedosa banda sonora. Pulp Fiction se ha convertido en una verdadera película de culto y la más influyente los años 90, siendo referenciada hasta el día de hoy. El baile de Uma Thurman y John Travolta constituye una de las escenas más icónicas de la historia del cine. 6- LA LISTA DE SCHLINDER (1993) De todas las películas existentes acerca del Holocausto, la Lista de Schlinder probablemente sea la mejor. Filmada en blanco y negro, este film de Steven Spielberg cuenta, durante 195 minutos, la verídica historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que le salva la vida a más de mil judíos durante la Segunda Guerra Mundial. El mismo es brillantemente interpretado por Liam Neeson. La película también cuenta con una gran actuación de Ben Kingsley y fue ganadora de 7 premios Oscar, entre ellos Mejor Película y Mejor Director, además de otras tantas distinciones.

7- THE STING (1973)

Difícilmente una película protagonizada por Robert Redford y Paul Newman sea un fracaso. Estos dos actores, que venían de realizar en conjunto un gran éxito a fines de la década anterior como Butch Cassidy and the Sundance Kid, (muy recomendable) de George Roy Hill, brillaron en este thriller cómico del mismo director y ganador del Oscar a mejor película. La misma tiene lugar durante la Gran Depresión estadounidense y trata sobre dos estafadores que se unen con el objetivo de llevar a cabo una tima legendaria.

8- 12 ANGRY MEN (1957)

Sin duda alguna, 12 Angry Men se ubica entre las mejores películas judiciales de la historia. Trata sobre un jurado de 12 hombres que deben juzgar a un joven acusado de homicidio. Todos se encuentran de acuerdo acerca de su culpabilidad, a excepción del personaje de Henry Fonda quien, con sus argumentos, hace dudar al resto de sus compañeros.

La película cuenta con la particularidad de que transcurre, casi en su totalidad, en una sala y muestra únicamente a 12 personas debatiendo durante poco más de una hora y media.

9- ONE FLEW OVER THE COCKOO’S NEST (1975)

La novela homónima de Ken Kesey fue adaptada de manera brillante al cine por Milos Forman, creando una comedia dramática que resultó ser una obra maestra y que arrasó en los Oscar, llevándose el premio en las 5 ternas principales: mejor película, mejor actor, mejor actriz, mejor director y mejor guion. Solamente The Silence of the Lambs, película de 1991 que me entristece no incluir en este listado, logró igualar esta hazaña.

Jack Nicholson interpreta a Randall Mc Murphy, un rebelde delincuente que, a pesar de no tener una enfermedad mental, es enviado a un hospital psiquiátrico, en el cual conoce al resto de los pacientes, revoluciona el establecimiento y encarna una rivalidad con una enfermera que se convierte en la antagonista de la historia.

One Flew Over the Cockoo’s Nest cuenta además con grandes actores de reparto como Louis Fletcher, Danny De Vito y Christopher Lloyd y con un joven Michael Douglas en la producción.

10- EL BUENO, EL MALO Y EL FEO (1966)

El combo cowboys, Sergio Leone y Clint Eastwood es sinónimo de éxito. Leone, el director italiano rey del spaghetti western se fusionó, una vez más, con Eastwood, uno de los  referentes de este genero e hicieron una de las grandes películas de todos los tiempos.

El bueno, el malo y el feo es la última película de la llamada ‘Trilogía del dólar’’. Está ambientada en el Viejo Oeste y su trama gira en torno a un cazarrecompensas, un asesino a sueldo y un ladrón que luchan por encontrar un tesoro durante la Guerra de Secesión estadounidense.

La banda sonora esta a cargo de Ennio Morricone, probablemente el más prestigioso compositor que tiene el cine.

11- LA NARANJA MECANICA (1971)

La exitosa novela de Anthony Burgess llegó al cine de la mano de Stanley Kubrick y generó muchísima controversia por su extrema violencia.

La Naranja Mecánica es una película de ciencia ficción que esta contextualizada en un futuro no muy lejano y relata las aventuras de Alex De Large, un joven interpretado por Malcom Mc Dowell, cuyas aficiones son la violencia, el sexo y la música clásica y que sale a la calle con su pandilla, los denominados drugos, a realizar actos de vandalismo, robando, golpeando gente y violando mujeres. El lenguaje utilizado es el nadsat, una jerga adolescente ficticia que combina varios idiomas y que constituye uno de los tantos factores que generan que podamos calificar a esta película como bizarra.

El film fue censurado en muchos países por sus escenas explicitas, su apología a la violencia y su mala influencia para la juventud de aquellos días.

Sin embargo, se ha convertido en una película de culto y ha sido referenciada en múltiples ocasiones en series, películas y programas televisivos. Incluso llegó al deporte: la selección de futbol de Holanda de Rinus Michel, considerada uno de los mejores equipos de la historia, fue apodada y es conocida con el nombre de La Naranja Mecánica, por el color de la camiseta y la forma de jugar.

12- SCARFACE (1983)

Scarface, dirigida por Brian De Palma y ambientada en los años 80, narra el ascenso y caída de Tony Montana, un cubano que escapa del régimen de Fidel Castro y se refugia en Miami, convirtiéndose en el amo y señor del mundo del narcotráfico.

Montana, un drogadicto de fuerte carácter que intenta llevarse el mundo por delante y crea un imperio de cocaína, es uno de los mejores papeles de Al Pacino, convirtiéndose en uno de los mejores y más famosos personajes de la historia del cine.

Como actores de reparto encontramos a Steven Bauer como ‘’socio’’ de Tony Montana y a una muy joven Michelle Pfeiffer, que interpretó a la mujer de Tony ya se perfilaba como una de las mujeres más lindas de la historia.

12 + 1- SEVEN (1995)

Un viejo detective que está a punto de retirarse y es interpretado por Morgan Freeman es el encargado, junto con un joven colega representado por Brad Pitt, de encontrar a un asesino suelto en las calles de New York. Kevin Spacey personifica al homicida, que comete sus crímenes basándose en los siete pecados capitales.

Este thriller de David Fincher sea quizás la primera y mejor de todas las obras basadas en un ‘’criminal intelectual’’, que mata siguiendo un patrón y dejando pistas intencionalmente, generando así una especie de juego con aquellos que intentan atraparlo.

14- FORREST GUMP (1994)

Después de su aclamada saga de Volver al Futuro, Robert Zemeckis realiza su mejor obra, la cual le permitió ganar el Oscar a mejor director.

Basada en la novela homónima de Winston Groom, Forrest Gump, dueña del Oscar a Mejor Película del año 1994, narra la vida de un discapacitado mental interpretado Tom Hanks durante varias décadas en las cuales es testigo de muchos eventos trascendentes de la historia estadounidense del siglo XX.

Esta película le permitió a Hanks ganar su segundo Oscar consecutivo a mejor actor, luego obtenerlo en 1993 por su labor en Philadelphia.

15- LOS INFILTRADOS (2006)

Muchos no coincidirán con que este es el segundo mejor trabajo de Martin Scorsesse, pero quien escribe tiene una particular debilidad por esta obra.

Los Infiltrados es una remake de una película china llamada ‘’Infernal Affairs’’ y tiene la esencia de las películas mafiosas de este director pero adaptadas al siglo XXI.

Narra la historia de un policía de Boston que se infiltra en una de las organizaciones mafiosas más importantes de Estados Unidos, la cual al mismo tiempo tiene un infiltrado en la policía de Massachusetts.

Dueña de un atrapante final, el film ganó, entre otros, el Oscar a mejor película y mejor director y ostenta un elenco estelar: Leonardo Di Caprio, Jack Nicholson, Matt Damon, Martin Sheen y Mark Whalberg, entre otros.

[callmeanxietygirl]

Su mirada escupe su alma. Su visión es como para provocar disturbios en cualquier espectáculo del mundo. Es demasiado duro, demasiado fuerte, demasiado “orgásmico”, es una bomba de automóvil …. El Gladiator Gaylord … Es tan motivador que “casi” me hará querer unirme a un gimnasio y levantar pesas hasta que mis músculos se desintegran …

El proyecto Gaylord fue iniciado por los hermanos James y Edward Gaylord cuyo padre era inmensamente rico después de la invención del " Bobby pines " ... una horquilla de metal simple que era utilizada para mantener el cabello en su lugar. ¿Qué hacer con tanto dinero? Observaron los proyectos locos y extravagantes de Virgil Exner en el espíritu de Düsenberg y Stutz de antes de la guerra, luego contactaron a varias personalidades de la industria automotriz como Andy Granatelli, el mejor preparador de motores Packard, Alex Trémulis, el diseñador e ingeniero del famoso Tucker, y su amigo Ed Cole, el famoso diseñador de General Motor ... para ofrecerles la realización de “su proyecto”.

Después de varios rechazos, decidieron recurrir a Brooks Stevens, diseñador de renombre que ya había trabajado para Kaiser Frazer y Willys, quienes crearon el Excalibur "J", un pequeño automóvil deportivo que evolucionará hasta el famoso Excalibur SS. Las breves especificaciones sugerían una libertad total de diseño, incluso más allá de los estándares de la época ..., pero debe ser un convertible con techo desmontable en el maletero, dos lugares, basado en un chasis tubular diseñado por James Gaylord en persona.

Resultó en una máquina sorprendente, utilizando el mundo de los temas neoclásicos: faros de gran tamaño, parrilla vertical, capó largo y alas con muescas. El primer modelo fue impulsado por un V8 Chrysler Firepower, ensamblado en la compañía alemán Spohn de Ravensburg ... y fue París quién tuvo los honores del estreno mundial de este Gaylord Gladiator en el show de automóvil en 1955.

La emoción fue inmediata para todos los visitantes. Nadie había recibido tantas bofetadas durante años. todo el diseño estaba loco, pero el gatillo, la cosechadora de la columna vertebral, era la cara frontal y sus gigantescos faros, enmarcando una enorme rejilla que cayó sin previo aviso para atormentar el espíritu del público de manera espectral … una cabalgata emocional. El Gaylord Gladiator era hermoso para llorar, felicidad absoluta, con ángeles que se tambalean para golpear a cualquiera que se atreva a criticarlo.

El auto hizo querer bailar, llorar, correr desnudo en París a las 5 de la mañana ... un diamante ... pero las tarifas anunciadas eran muy altas para la época. En aquel entonces, tenía un precio de 17,500 dólares estadounidenses, que era una cantidad asombrosa en ese momento. Por el mismo precio se podía comprar cuatro Chevrolet Corvettes. Sin embargo, el precio correspondía a un nivel de equipo consecuente: dirección asistida, rueda de repuesto en una placa que se maniobró eléctricamente, varios dispositivos como ventanas eléctricas, aire acondicionado y asientos eléctricos. Uno de los atributos más emocionantes de un automóvil era un techo plegable. Su mecánica central funcionaba de manera similar a los sistemas convertibles modernos. Muchos fabricantes se inspiraron en el Gaylord Gladiator. Corrían rumores de que Ford inspeccionó el prototipo de Gladiador Gaylord en el salón del automóvil en 1955 y luego adoptó la misma solución de techo plegable en el modelo Ford Skyliner de 1957. El mundo es así: copy and paste …

Además del modelo exhibido en la feria de París, solo se construyeron otros dos autos completos, equipados con un Cadillac V8 que reemplaza el motor Chrysler del primer modelo. Descontentos con el trabajo de la Karosseriefabrik Hermann Spohn, los hermanos Gaylord se habían dirigido a Luftschiffbau Zeppelin GmbH de Friedrichshafen para continuar la producción. Además de una gran cantidad de ideas técnicas innovadoras, la compañía tenía el don de poder persuadir a las personas para que apoyaran lo que entonces eran proyectos aventureros, incluso después de encontrar contratiempos. Destacadas personalidades de la época como Claude Dornier y Karl Maybach vinieron a Friedrichshafen a trabajar con Zeppelin. La ciudad de Friedrichshafen en el lago de Constanza era (y sigue siendo) un importante foco tecnológico. Este segundo modelo tenía un diseño ligeramente cambiado con doble faro (Fotos a color), muy parecido al futuro Rolls Royce Silver Cloud III de 1962.

Los autores del proyecto deseaban que sus inversiones valieran la pena. Tuvieron que encontrar al menos 25 compradores que estarían dispuestos a pagar el depósito, y luego la suma total. Todo quedó en la nada porque finalmente fue arrastrada por demandas civiles del mismo orden que la compañía de automóviles Tucker de Chicago. Los hermanos Gaylord decidieron detener la producción y Jim Gaylord pasó varias semanas en un hospital psiquiátrico, sufriendo “agotamiento mental”.

Los autos desaparecieron. Según James Gaylord, el primer modelo había sido enviado a Silver Springs en Orlando, Florida. El segundo, después de haber sido robado, había desaparecido durante 35 años. En 1990, James Gaylord pidió a un miembro activo de la Society of Automotive Historians (dueño de la compañía Auto Search International) que localizara sus autos. Se buscó activamente en todo Europa. Por supuesto, durante su investigación llamó la atención y la de varios medios ... y finalmente, se pudo rastrear el automóvil que (supuestamente) había pasado en las manos de una coleccionista que vivía en Lyon, Francia, llamado Lucienne Loriel.

El entrevistador la conoció personalmente en su oficina de Lyon, donde le dio una cálida bienvenida porque la entrevista con ella había sido organizada de antemano por un conocido mutuo que había sido el curador del "Grand Prix Museum de Cannes”. La entrevista comenzó intercambiando opiniones sobre los autos de colección estadounidenses en Europa, y luego Lucienne Loriel contó sobre algunos de los autos estadounidenses que había comprado a lo largo de los años. Cuando se habló sobre Gaylord Gladiator, ella habló cariñosamente sobre el automóvil, recordando los detalles íntimos de su construcción y sus opciones únicas pero negó de tenerlo en su garaje.

El tercer auto había desaparecido y un chasis estaba destinado a ser utilizado en Friedrichshafen para hacer un auto de 4 puertas. Nunca se hizo.

Desafortunadamente, Jim Gaylord murió y ya no se pudo llevar a cabo ninguna investigación. Lo que resta es la extrañeza de todo el asunto. Durante medio siglo ; ¿quién podría creer que los hermanos Gaylord no se preocuparon por el destino de sus autos? ¡Es increíble! ¿Por qué pagaron para investigar tantos años después. Hasta hoy no se sabe del paradero de los tres autos ni del chasis …

12.09.2019 Museo del Tiempo Tlalpan, A.C.

Markus Frehner

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24 OCTUBRE @ NETT NETT TIJUANA Improvisación libre a trío. Wilfrido Terrazas · Flauta Axel Tamayo Rivera · Contrabajo Gaspar Peralta · Piano preparado Wilfrido Terrazas. Flautista, improvisador y compositor mexicano activo desde inicios de la década de 1990. Su trabajo se enfoca sobre todo en buscar puntos de convergencia entre música escrita e improvisada, y en llevar a cabo distintas prácticas de colaboración y creación colectiva. Miembro de Generación Espontánea, Liminar, Filera, Wilfrido Terrazas Sea Quintet. Más de 350 estrenos mundiales, más de 50 composiciones, más de 30 álbumes. Ha presentado su trabajo en 19 países de Europa y América. Profesor del Departamento de Música de la UCSD. soundcloud.com/wilfridoterrazas Axel Tamayo Rivera. Músico, compositor, bajista/contrabajista mexicano, estudió Composición en el Conservatorio de la Orquesta de Baja California; Música Teórica y Pedagogía Musical en el Centro de Investigación y Estudios de la Música Instrumentación y Orquestación con Eugenio Toussaint; Música Clásica de la India con Shubhendra Rao y Hollbein Argaez; Contrabajo con Agustín Bernal y Álvaro Porras; así como Jazz y Bajo Eléctrico en "Los Angeles Music Academy". Gaspar Peralta. Pianista, compositor y artista sonoro trabajando desde la frontera noroeste de México, la región Tijuana-San Diego. Desarrolla su trabajo a través de diversas prácticas de creación sonora; improvisación libre, música experimental,  electroacústica, composición e instalación sonora. Ha presentado su trabajo como compositor e intérprete en Estados Unidos, México, Reino Unido, Suiza y Taiwan en festivales y foros relacionados con prácticas sonoras experimentales y música contemporánea. Es Lic. en música especialidad en piano por la UABC donde estudió con Ella Korobchenko y Ella Melik Husyan. soundcloud.com/gasparperalta https://www.facebook.com/events/530788560804054/