#sequenza 2016

[delectablywaywardbeard-blog]

Commissario sisma, misure per semplificare la ricostruzione

“La Cabina di coordinamento sisma 2016, con la collaborazione fondamentale delle Regioni Abruzzo, Marche, Lazio e Umbria, nella riunione di oggi ha introdotto nuove e ulteriori misure di semplificazione dirette a rendere più celere la ricostruzione dei territori danneggiati dalla sequenza sismica sviluppatasi nel Centro Italia tra il 24 agosto 2016 e il 18 gennaio 2017”. Lo annuncia il…

[micro961]

Artika - Il nuovo singolo “Catartika”

Un brano che vuole essere un inno all’arte che agisce come catarsi durante un sogno

Artika torna sul mercato discografico con un nuovo inedito pop-dance dal titolo di cui è compositrice e autrice insieme al marito Luigi Aulito per quanto concerne il testo e le melodie vocali che si incastrano all’eccellente composizione strumentale del noto artista Alessandro Presti dei Follya. Il tutto è stato prodotto nel Manta Rei Studio di Milano.

Catartika è un inno all’arte che in questo caso opera come catarsi durante un sogno. Tutti i versi del brano fanno riferimento ad un’opera d’arte immortale e sono stati composti volutamente con una sequenza atta a creare significati allegorici vissuti nella realtà. Amore, rabbia, felicità, tristezza, paura, sono le emozioni che si esprimono attraverso l’arte e di quest’ultima ne fa parte anche come colonna portante la musica… Il connubio tra pittura, scultura e musica in questo caso è un rito magico di purificazione.

 Artika, nome d’arte di Francesca De Rosa, nasce a Battipaglia, classe 1989. Sin dalla tenera età sviluppa una forte passione per la musica che la porta a studiare canto e danza. Le sue doti vocali, per timbrica, estensione e duttilità, le permettono di sperimentare con vari generi musicali come jazz, soul, rhythm and blues, leggera, pop e rock. Nel corso degli anni, partecipa vincendo numerosi contest musicali nazionali ed ottiene vari riconoscimenti come miglior voce e premi della critica. Lavorando duramente negli ultimi anni, sia a livello introspettivo che tecnico, sposa l’energia e la grinta del rock ed in brevissimo tempo, supportata anche da una fortissima presenza scenica nelle sue esibizioni live, la sua pagina artistica supera i 60.000 fans. Nel marzo 2015 pubblica on line e su tutti i canali web il suo primo singolo e video dal titolo Non ci sarò con cui ottiene vittorie in vari contest radiofonici che le permettono di andare in rotazione su diverse radio italiane. Nel mese di luglio 2015 vince il premio “Top Chart” al contest radiofonico Sonic Factory 2015. Grazie agli ottimi risultati ottenuti nel brevissimo tempo, con la produzione ApM Progetto Musica iniziano a prospettarsi anche esperienze internazionali importanti; infatti, ad agosto 2015 riesce ad entrare tra le dodici nazioni finaliste del prestigioso Pirogovsky Rassvet 2015, festival internazionale tenutosi a Mosca. In un’atmosfera surreale e con una cornice di diecimila spettatori canta in lingua russa ed italiana, la sua interpretazione del brano KUKUSHKA che le permette di aggiudicarsi il premio di più votata dal pubblico. A settembre 2015 pubblica un secondo inedito dal titolo Scappo via. Dopo la partecipazione alle selezioni di Sanremo Rai 2015 ed al 22° Festival di Avezzano 2016, il 5 Maggio 2016 inizia la promozione nazionale ed internazionale di un nuovo Inedito dal titolo Fantastico che porta ad ottenere più di 260.000 visualizzazioni del videoclip su YouTube, cinque settimane di permanenza in Classifica Italiana Indie (MEI), inoltre, dalla prima settimana di Giugno 2016, entra in Classifica Europea Indie ed ottiene la prima posizione che conferma per quattro settimane (a cui si aggiungono anche cinque settimane al secondo posto e 15 settimane in Top Ten), a Dicembre 2016 risulta al sesto posto assoluto nella Classifica Europea Indie di tutti i tempi (EIMC STATS). Il 1° febbraio 2017 viene pubblicato il singolo “Solo un nome” che ha ottenuto buoni riscontri sempre in classifica MEI e migliaia di visualizzazioni su YouTube (circa 260.000). Discograficamente si è dovuta fermare prima per problemi personali gravi e poi causa COVID-19, pur non abbandonando mai di fatto la sua passione. Il 25 novembre 2021 pubblica il nuovo inedito Rosso indelebile che tratta della violenza di genere.

Etichetta: Da Vinci Label / Believe Music

 Facebook: https://www.facebook.com/ArtikaDrs89/

Instagram: https://www.instagram.com/artika.drs/

Youtube: https://www.youtube.com/@artikadrs5922

Spotify:https://open.spotify.com/artist/0nhv8t4yAqnGrqQkeMyVh6?si=bD_6_DPMShWNuzxg2SrSOA

 l’altoparlante - comunicazione musicale

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[overthedoors]

Evento sismico tra le province di Rieti e L’Aquila, Ml 4.2 (Mw 4.0), 4 dicembre 2017

Questa notte, alle ore 00:34 italiane del 4 dicembre 2017, è  stato localizzato un terremoto di magnitudo ML 4.2 (Mw 4.0) tra le province di Rieti e L’Aquila, 3 km a Est di Amatrice, a 8 km di profondità. I comuni più vicini all’epicentro sono: Amatrice (RI),  Campotosto (AQ), Accumoli (RI). Questo terremoto ricade nell’area della sequenza sismica iniziata il 24 agosto 2016 con l’evento di…

[carmenvicinanza]

Michaela DePrince

https://www.unadonnalgiorno.it/michaela-deprince/

Michaela DePrince è una meravigliosa stella della danza.

È la più giovane ballerina nella storia della compagnia Dance Theatre of Harlem.

Dal 2016 è ambasciatrice di buona volontà presso l’organizzazione olandese War Child.

È nata col nome di Mabinty Bangura in Sierra Leone il 6 gennaio 1995. Ha perso entrambi i genitori a causa della guerra civile e, affetta da vitiligine fin dalla nascita, ha dovuto combattere contro il pregiudizio nei suoi confronti.

Le sue macchie, ancora più evidenti sulla pelle nera, erano considerate addirittura la firma del demonio e veniva ricoperta di invettive di ogni genere e tenuta isolata.

Ha vissuto in un orfanotrofio e poi in un campo profughi.

A quattro anni è stata adottata da Elaine e Charles DePrince, una coppia del New Jersey che ha undici figlie e figli, nove dei quali sono adottati. Si è quindi trasferita negli Stati Uniti e preso il nome di Michaela DePrince.

Ha sempre desiderato danzare e lo ha fatto sempre con tenacia e determinazione.

Grazie al suo grande talento, ha ricevuto una borsa di studio per la Jacqueline Kennedy Onassis School of Ballet dell’American Ballet Theatre per la sua performance al Youth America Grand Prix.

La discriminazione è continuata anche negli USA, le insegnanti le dicevano che l’America non è pronta per una ballerina nera e sconsigliavano ai genitori di investire denaro per la sua carriera.

Ma lei ha ostinatamente rincorso il suo più grande sogno riuscendo a intraprendere una brillante carriera professionale.

Il grande pubblico ha conosciuto la sua storia perché, nel 2011 è stata tra i protagonisti del documentario First Position, che ha seguito sei giovani ballerini e ballerine in lizza per un posto in una compagnia o scuola di danza d’élite. Si è poi esibita nello show televisivo Dancing with the Stars.

Nel 2012, si è diplomata ed è entrata nel Dance Theatre di Harlem.

L’anno successivo è entrata a far parte della junior company dell’Het Nationale Ballet di  Amsterdam, la più importante compagnia dei Paesi Bassi.

Nel 2014 è entrata a far parte, da allieva al Dutch National Ballet, l’unica di origine africana, dopo due anni era ballerina solista.

Nel 2016 si è esibita nella sequenza Hope del concept album Lemonade della pop star Beyoncé.

Ha scritto, insieme a sua madre, un libro autobiografico dal titolo Taking Flight: From War Orphan to Star Ballerina che diventerà un film diretto da Madonna.

La sua è la storia di una bambina che ha patito l’orrore della guerra, la fame, la discriminazione perché considerata diversa, in Sierra Leone come negli Stati Uniti. Ha seguito con tenacia il suo sogno che l’ha portata a calcare i palcoscenici di mezzo mondo e a essere considerata una delle più importanti danzatrici del momento.

[charlievigorous]

ITALIANO

il progetto carlo clockwork nasce da una ricerca introspettiva, sfociata poi in lavori grafici su carta, realizzati a mano. Tra il 2011 e il 2013 è stato portato avanti il progetto musicale charlie vigorous, con la realizzazione di un album e vari singoli, oltre a collaborazioni fotografiche e video con diversi studi di registrazione ed eventi. Tra il 2017 e il 2018 è stato realizzato il progetto carlo clochard, con la pubblicazione di una serie di racconti, in una sequenza cronologica degli anni trascorsi per strada girovagando senza meta per l'Italia. Ogni opera si può trovare pubblicata sui principali social network in vigore, tranne facebook, questo per una scelta sociologica che verrà meglio spiegata in futuro.

ENGLISH

the carlo clockwork project was born from an introspective research, leading then to graphic works on paper, made by hand. Between 2011 and 2013 the charlie vigorous musical project was carried out, with the creation of an album and various singles, plus photographic and video collaborations with different recording studios and events. Between 2017 and 2018 the carlo clochard project was carried out, with the publication of a series of stories in a chronological series of the years spent on the street wandering aimlessly around Italy. Every work can be found published in the major social networks in force, except facebook, this for a sociological choice that will be better explained in the future.

[geidaicomposition]

[Live streaming !!] Composition Workshop — Ensemble intercontemporain

This event has ended.

* Live Streaming.   further details coming soon (on the day of the live stremimg.) → Youtube link coming soon (Aug. 26)

Date  Thur. August 26, 2021   13:00 - 15:00 Public Rehearsal   15:00 - 16:30 Intermission   16:30 - 17:10 Lecture Concert - 1st part -（Works of Messiaen, Boulez）   17:10 - 17:20 Short Break   17:20 - 18:00 Lecture Concert - 2nd part -（Works of Grisey, Berio）   18:00 - 18:10 Short Break   18:10 - 18:50 Workshop (New Works of 2 graduate students)   18:50 - 19:00 Questions and Answers

Venue  5-109 Lecture Room, Faculty of Music       * Live Streaming.   further details coming soon (on the day of the live stremimg.)

Target  Department of Composition, Instrumental Music, Musicology

Interpretor  Kazuko Okamoto

Schedule

◆13:00 - 15:00 Public Rehearsal

◆15:00 - 16:30 Intermission

◆16:30 - 17:10 Lecture Concert - 1st part -  Olivier Messiaen (1908-1992) Des canyons aux étoiles… for Piano Solo, Horn, Xylorimba, Glockenspiel and  Orchestra - VI. Appel Interstellaire (1974)   Jean-Christophe Vervoitte (Horn)         Duraition: approx. 7 min.  Pierre Boulez (1925-2016) 12 Notations for Piano (1945)   Dimitri Vassilakis (Piano)         Duraition: approx. 10 min.

◆17:10 - 17:20 Short Break

◆17:20 - 18:00 Lecture Concert - 2nd part -  Gérard Grisey (1946-1998) Anubis-Nout 2 pieces for Contrabass Clarinet in B flat (1983)   Alain Billard (Contrabass Clarinet)         Duraition: approx. 12 min.  Luciano Berio (1925-2003) Sequenza X for Trumpet and Resonance Piano (1984)   Clément Saunier (Trumpet)   Dimitri Vassilakis (Piano)         Duraition: approx. 14 min.

◆18:00 - 18:10 Short Break

◆18:10 - 18:50 Workshop (New Works of 2 graduate students)  Takuto Muromoto (2nd year GS.) Hokusai Sketch for Clarinet in B flat, Horn, Trumpet in C, and Piano (2021, premiere)         Duraition: approx. 5 min.  Toy Fujii (1st year GS.) Lie-la-Life for Clarinet in B flat, Horn, Trumpet in C, and Piano (2021, premiere)         Duraition: approx. 5 min.

◆18:50 - 19:00 Questions and Answers

◆19:00 end of the workshop

　 　　

　　

　　

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Natasha Romanoff dovrà affrontare il suo passato faccia a faccia. La Vedova Nera dovrà ricordare cosa c'era nella sua vita molto prima di unirsi alla squadra dei Vendicatori e conoscere una pericolosa cospirazione, in cui sono coinvolti i suoi vecchi conoscenti: Elena, Alexey (noto come il Guardiano Rosso) e Melina.

Scarlett Johansson ha interpretato Black Widow in sette film risalenti a "Iron Man 2" del 2010 - otto se si conta il suo cameo nei titoli di coda di "Captain Marvel" - quindi è giunto il momento che abbia la possibilità di brillare da sola.

Finalmente ottiene questa opportunità in "Black Widow", uno sforzo autonomo e incisivo nel Marvel Cinematic Universe che sembra una pausa dal perpetuo slancio della serie. Non ci sono interruzioni da altri Vendicatori, non c'è bisogno di collegarsi con i suoi amici per salvare il mondo. Certo, ci sono cattivi da combattere e scene d'azione da coreografare - l'MCU non sta facendo studi diretti sui personaggi, almeno non ancora - ma "Black Widow" è un'occasione per fermarsi e annusare le rose, o il più vicino possibile. entrerò in questo enorme franchise. Black Widow è Natasha Romanoff, una superspia addestrata che non ha superpoteri come i suoi compagni Vendicatori, è solo molto brava a combattere e per molto tempo è stata eccellente nell'evitare la morte. (Ma non abbastanza, a quanto pare; ha incontrato la sua scomparsa in "Avengers: Endgame" del 2019.)

Era sempre presente nei film di "Avengers", ma spesso cedeva i riflettori a Thor, Hulk, Iron Man o all'altra scena che monopolizzava i fratelli che erano più grandi, più audaci e avevano più peso da lanciare. Non era sciatta, ma si è sempre tenuta per sé.

"Black Widow" le offre una succosa storia di origine in cui affondare i denti. Apriamo in Ohio nel 1995, dove un'adolescente Natasha sfoggia i capelli blu e vive una vita suburbana media insieme a sua sorella, Yelena.

Una notte, suo padre (David Harbour) torna a casa e informa la mamma (Rachel Weisz) e i bambini che hanno un'ora per far saltare in aria la città. Presto S.H.I.E.L.D. gli agenti sono alle calcagna e la famiglia è a bordo di un piccolo aereo per Cuba. (Papà è sull'ala, in qualche modo.) Quando atterrano sani e salvi, i bambini vengono drogati, l'innocenza della loro infanzia svanita con il tuffo di un ago.

Si scopre che la vita familiare idilliaca era un'elaborata esca. Il padre di Natasha è Alexei Shostakov, o Red Guardian, la controparte russa di Capitan America, e la mamma è Melina Vostokoff, una spia russa. I ragazzi facevano parte della loro copertura. E ora Natasha e Yelena vengono mandate dal generale Dreykov (Ray Winstone), che le addestra per diventare spie nel suo esercito di vedove nere. Alla faccia della vita tranquilla nei sobborghi.

Prendendo spunto dal presente della storia, Natasha è da sola e si nasconde; "Black Widow" è inserito nella timeline del MCU tra gli eventi di "Captain America: Civil War" del 2016 e "Avengers: Infinity War" del 2018. Quando rintraccia sua sorella, ora interpretata da Florence Pugh, non è una reunion felice; hanno un litigio all'ultimo sangue nell'appartamento di Yelena a Budapest, e solo dopo che si sono quasi uccisi a vicenda si siedono a chiacchierare.

Yelena è ben consapevole della carriera di sua sorella come Vendicatrice, ma è tutt'altro che colpita da una stella, e la prende in giro per la sua sdolcinata posizione a tre punti da supereroe e il modo in cui scuote drammaticamente i suoi capelli. Johansson e Pugh hanno una naturale alchimia, ed è la loro dinamica e il senso di famiglia che spingono "Black Widow". La sceneggiatura prepara le sorelle per una riunione con mamma e papà che dà al film il suo scopo, al di là delle scene di combattimento e dei vertiginosi salti di location.

Comunque doveva succedere, "Black Widow" porta Natasha e Yelena su un elicottero sopra la prigione russa dove papà è detenuto per organizzare un'audace evasione. Dimentica la logica della sequenza; una volta che sono insieme - Yelena saluta papà con un pugno - l'elemento familiare prende davvero piede e "Black Widow" dà ai suoi personaggi un senso di realtà radicata e radicata che lo distingue dalle altre voci nel mondo Marvel.

Harbour, in particolare, è un cut-up e ruba scene come un supereroe sparuto, anziano e geloso messo al pascolo. È anche un padre terribile che recupera il tempo perduto e i torti del passato, e c'è un elemento di "Black Widow" che riguarda l'accettazione della propria unità familiare per quello che è, difetti e tutto il resto. Tutto si basa su una resa dei conti con il Dreykov di Winstone nella sua struttura di addestramento nella Red Room; Winstone è sempre una presenza, ma Dreykov è un cattivo di terzo livello senza molto con cui giocare. (Il suo uso di feromoni armati ricorda Poison Ivy di "Batman & Robin", e non in senso positivo.)

La regista australiana Cate Shortland si occupa sicuramente del business dei supereroi – la Marvel deve tenere le luci accese, lo sai – ma “Black Widow” trova il suo centro nei suoi momenti (relativamente) tranquilli del personaggio. Il franchise più grande del mondo dovrebbe fare questo tipo di viaggi secondari più spesso.

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[lasquadrasuicida]

James Gunn ha scritto la sua scena d'azione più grande di sempre per Harley Quinn in Suicide Squad 2

James Gunn ha scritto la più grande scena d'azione della sua carriera per Harley Quinn di Margot Robbie in The Suicide Squad. Il prossimo film nel DCEU in continua evoluzione arriverà su un'ondata di impaziente attesa, mentre il regista preferito dai fan Gunn rivitalizza la Suicide Squad per il grande schermo. La precedente avventura cinematografica del team, Suicide Squad del 2016, è inciampata nella sua esecuzione e non è riuscita a conquistare i fan. Di conseguenza, Gunn sta quasi ricominciando da zero con The Suicide Squad, mantenendo solo una manciata di personaggi del film precedente per raccontare la storia di una pericolosa missione sull'isola di Corto Maltese.

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Uno di questi personaggi è Harley Quinn, che rimane uno straordinario all'interno del DCEU. Robbie ha interpretato per la prima volta Harley per Suicide Squad e in seguito ha ripreso il ruolo in Birds of Prey. In The Suicide Squad, Harley unirà le forze con una nuova Task Force X, e le prime impressioni su di lei tramite trailer e immagini hanno stuzzicato uno stile molto diverso da quelli che ha incarnato nei film precedenti. Gunn ha parlato spesso del suo amore per il personaggio di Harley Quinn, e ha condiviso la sua eccitazione nel far vedere al pubblico cosa ha in serbo per lei The Suicide Squad.

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Evidentemente, ciò includerà un'enorme scena d'azione. Come parte dell'anteprima del film estivo di AP, in cui registi selezionati condividono i punti salienti del loro progetto, Gunn ha parlato in modo specifico dei molti talenti di Robbie (che apparentemente non includono il canto). Lo scrittore-regista ha elogiato l'atletismo di Robbie, che ha detto lo ha portato a scrivere "la più grande scena d'azione che abbia mai fatto" appositamente per Robbie e Harley. Gunn ha detto:

Gunn non ha specificato come si svolge la suddetta scena d'azione in The Suicide Squad, ma sembra probabile che sia la scena Harley che Robbie ha precedentemente preso in giro al DC FanDome, che ha detto che l'ha picchiata. I trailer di Suicide Squad hanno anticipato una battaglia vorticosa e colorata per Harley, e quella potrebbe essere quella in questione. Birds of Prey, in particolare, presentava alcune scene di combattimento straordinarie per Harley, quindi sarà interessante vedere come si accumula The Suicide Squad. La dice lunga che Gunn lo definisce il più grande che abbia scritto, visto che ha scritto entrambi i film di Guardiani della Galassia.

Anche a parte la scena di Harley Quinn, The Suicide Squad promette di avere alcuni ritmi d'azione selvaggi. Il trailer ha confermato che la squadra affronterà la stella marina gigante Starro, e il suo punteggio R per "forte violenza" indica certamente che questo non sarà un film a fumetti annacquato. Visto che Harley è uno dei personaggi più noti presenti in The Suicide Squad, ha senso che abbia una sequenza d'azione straordinaria. Resta da vedere se sopravviverà ad esso - e al resto del film, del resto -. Dopotutto, Gunn ha chiarito perfettamente che tutti sono sacrificabili. Non attaccarti troppo.

[airmanisr]

Harley Quinn !!!! by Seve Via Flickr: Loka Quinn Cosplay interpreta "Harley Quinn" al Romics - XXV Festival Internazionale Del Fumetto / Animazione / Cinema e Games (Fiera di Roma dal 4 al 7 Aprile 2019). Harley Quinn, il cui vero nome è Harleen Frances Quinzel, è un personaggio immaginario creato da Paul Dini e Bruce Timm per la serie televisiva animata Batman, in cui compare per la prima volta l'11 settembre 1992 nell'episodio Un piccolo favore della prima stagione. Nel febbraio 1994 compare per la prima volta anche nei fumetti, in Batman: Amore folle (The Batman Adventures: Mad Love) della serie Le avventure di Batman. Dall'ottobre 1999 è stata integrata anche nella continuity dei fumetti DC Comics comparendo per la prima volta in Batman: Harley Quinn, ambientata durante la saga Batman: Terra di nessuno. Paul Dini ideò il personaggio dopo aver visto l'attrice Arleen Sorkin vestita da pagliaccio in una sequenza, ambientata in un sogno, della soap opera Il tempo della nostra vita; fu poi proprio la Sorkin a doppiare per la prima volta Harley. Concepita come spalla e fidanzata del Joker nella serie, nel fumetto Amore folle si scopre che lo ha incontrato mentre lavorava come psichiatra al manicomio Arkham Asylum, in cui il Joker era un paziente. Innamoratasi di lui, decide di liberarlo per poterlo seguire nelle sue attività criminali. Il personaggio è stato originariamente doppiato da Arleen Sorkin nel DC Animated Universe (in Batman, Batman - Cavaliere della notte, I migliori del mondo, Gotham Girls e Justice League) e in altri media (Batman of the Future: Il ritorno del Joker e Batman: Arkham Asylum). Da allora, è stato anche doppiato da Hynden Walch, Tara Strong e Melissa Rauch nei DC Universe Animated Original Movies e nei vari videogiochi. Nella serie televisiva Birds of Prey è stata interpretata dall'attrice Mia Sara. Nel 2016 Harley Quinn ha esordito al cinema nel film Suicide Squad, in cui è interpretata da Margot Robbie. Negli anni il personaggio ha acquistato una grande popolarità, tanto che il fumettista Jim Lee l'ha definita il quarto pilastro della DC Comics, dopo Batman, Superman e Wonder Woman. IGN l'ha classificata al 45º posto nella lista dei migliori cattivi dei fumetti.[4] In inglese il suo nome suona come harlequin, ovvero Arlecchino, e nelle sue prime uscite italiane in Le avventure di Batman (edizioni Play Press) veniva chiamata Arlecchina.

[delectablywaywardbeard-blog]

Ingv, dal terremoto di Amatrice spinta alla sorveglianza sismica

I terremoti non possono essere fermati, ma possiamo studiarli per difenderci al meglio ed evitarne le conseguenze: è il messaggio del presidente dell’Istituto Nazionale di Geofisica e Vulcanologia, Carlo Doglioni, a sette anni dal terremoto che colpì il Centro Italia causando 303 vittime e gravi danni.   “Il 24 agosto 2016  iniziò la tragica sequenza sismica di Amatrice-Visso-Norcia: una ferita…

[sonosemprewood]

Film visti durante questa quarantena:

- Trilogia del Signore degli Anelli;

- Saga di Harry Potter;

- Tutti i film di Leonardo Pieraccioni;

- Tutti i film di Carlo Verdone;

- Varie opere cinematografiche con la presenza di Renato Pozzetto, Fantozzi e Lino Banfi;

- "Juno", Jason Reitman, 2007;

- ho visto per la prima volta "Tre metri sopra il cielo" e me ne sono pentita amaramente. Si parla di monnezza, altro che cinema;

- Saga tratta da "Twilight" che ho rivalutato ulteriormente a causa dell'accozaglia di robe assurde che succedono in sequenza;

- La rivincita delle bionde, Robert Luketic, 2001;

- La coniglietta di casa, Fred Wolf, 2008;

- 13 Going on 30//30 anni in un secondo, Gary Winick, 2004;

- Good Will Hunting//Will Hunting, Genio ribelle, Gus Van Sant, 1997;

- Tutti i film d'animazione di Winnie The Pooh;

- Tarzan, Chris Buck - Kevin Lima, 1999;

- Salvate il soldato Ryan, Steven Spielberg, 1998;

- Tutti i film della "saga" di Cattivissimo Me & Minions;

- Nessuno mi può giudicare, Massimiliano Bruno, 2011;

- Beastly che non ho capito e non voglio capire;

- Monster University, Dan Scanlon, 2013;

- Corti della Disney;

- Pets - Vita da Animali, Chris Renaud, 2016;

- Sing, Hammer & Tongs, 2016;

- The Lion King//Il Re Leone, Rob Minkoff - Roger Allers, 1994;

Il resto dei film che ho visto non li ricordo poichè nel mente magari mentre li vedevo, ero occupata a fare altro. Mettevo ad un canale qualsiasi oppure, semplicemente, mettevo un titolo qualsiasi e lo ascoltavo soltanto. Per il resto la lista è in aggiornamento dato che il periodo sta andando ancora avanti e penso che arriverò a quota cento film in novanta giorni o più.

Credo di aver guardato anche roba da Oscar ma non lo ricordo.

[ao3feed-brotzly]

Il Paradosso del Delfino // The Dolphin Paradox (by nekosmuse)

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by Akeela_of_the_Demon

Dopo aver perso il suo lavoro all’hotel Perriman Grand, Todd lavora vendendo vinili vintage a hipster sottovalutanti, mentre cerca di rimettere in sesto la sua vita. Dirk Gently è una sorta di cliente abituale. Almeno finché Dirk non riuscirà a riparare la sequenza temporale e a restituire a Todd la sua memoria. L’AU ambientata in un negozio musicale che non è un’AU ambientata in un negozio musicale.

Words: 3762, Chapters: 1/20, Language: Italiano

Fandoms: Dirk Gently's Holistic Detective Agency (TV 2016)

Rating: Mature

Warnings: No Archive Warnings Apply

Categories: M/M

Characters: Dirk Gently, Todd Brotzman, Farah Black, Amanda Brotzman

Relationships: Todd Brotzman/Dirk Gently, Farah Black/Amanda Brotzman

Additional Tags: avrei voluto tradurre i tags dell'originale, ma sono espressioni per me troppo difficili da rendere in italiano senza ingarbugliarle, mi dispiace

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[levysoft]

Google sta lavorando a un sistema di traduzione speech-to-speech chiamato Translatotron che non possiede intermediazioni tra la lingua da tradurre e la lingua tradotta e che mantiene anche il tono della voce dell’oratore.

Sin dagli inizi, le tecnologie informatiche dei sistemi di traduzione vocale si sono sviluppate con l’uso di tre moduli evolutisi in modo separato, ma messi insieme per far in modo che la traduzione vocale fosse una realtà.

Questi tre componenti sono: il riconoscimento vocale per trasformare il parlato in testo scritto; la traduzione del testo in un altro testo scritto nella lingua di destinazione e, infine, la sintesi vocale del testo tradotto.

È un sistema chiamato “a cascata” che funziona e che è usato anche da Google Translate, ma i passaggi intermedi, in modo particolare quello della trascrizione del parlato in lingua scritta, rallentano il processo e soprattutto cancellano completamente l’intonazione della voce dell’oratore.

Con Translatotron, Google sta provando a sviluppare un sistema speech-to-speech, cioè “da parlato a parlato”, senza un’intermediazione testuale e senza la divisione del processo in sottosistemi.

Per farlo, dal 2016 Google si sta servendo delle reti neurali, e Translatotron è basato su una rete sequence-to-sequence (da sequenza a sequenza) che usa come input lo spettrogramma della voce da tradurre e per output lo spettrogramma della voce tradotta.

Lo spettrogramma è una rappresentazione visuale delle frequenza di un segnale, in questo caso audio, e che, nel caso specifico, con uno sforzo di fantasia si può immaginare così: mentre ora Google Translate deve ascoltare la frase, scriverla tradotta su un pezzo di carta e poi rileggerla; Translatotron osserva lo spettrogramma della fase da tradurre e ne produce un altro che rappresenta la frase tradotta.

Fa uso di un vocoder neurale che converte lo spettrogramma tradotto in forme d’onda audio e con l’opzione di un encoder del parlato che mantiene intatto il carattere della voce sorgente.

Attraverso questa pagina del blog di Google dedicato all’intelligenza artificiale è possibile ascoltare i progressi del team di sviluppatori di Translatotron. Vi invitiamo ad ascoltare le ultime quattro clip audio spiegandovi prima come approcciarle.

La prima identifica la frase input in spagnolo; la seconda è la traduzione in inglese recitata da un umano; poi si ha la traduzione “a cascata” utilizzata da Google Translate e da tutti i traduttori vocali. Infine, si può ascoltare la traduzione di Translatotron con la voce canonica e senza coloriture; e come ultima la traduzione neurale che tiene conto anche dell’intonazione dell’oratore spagnolo.

[salfadog]

LUPI VEGANI

Ho bisogno che mi rispieghi di nuovo perché il Canis lupus familiaris, cioè il cane domestico, tecnicamente non sia più considerabile un carnivoro puro ma che, anzi (vado a memoria), nella sua sequenza genomica siano scomparsi alcuni tratti legati alla ‘carnivoracità’ e ne siano comparsi alcuni associati alla ‘omnivoracità’. Taggo anche @firewalker per capire, secondo lui, cos'abbia il carnivoro in più rispetto all'onnivoro da poter demolire in maniera funzionale le proteine per l'energia e @thec8h10n4o2​ per dirimere la questione se i lupi abbiano sviluppato sequenze ‘onnivore’ per selezione genetica (sopravvivevano solo i lupi addomesticati ai quali non veniva la dissenteria e il diabete per la zuppa di fagioli) oppure per trasmissione epigenetica.

Non ho idea del perché i lupi abbiano deciso che diventare cani sarebbe stata una scelta evolutivamente saggia. 

I lupi ortodossi oggi sono relegati in aree isolate mentre i cani spadroneggiano in ogni parco del mondo.  Contro ogni aspettativa, avevano ragione.

Detto questo ho solo una vaga idea di quanto mi stai chiedendo. Credo che i canidi vengano degfiniti carnivori opportunisti, dato che sono in grado di approfittare di fonti di alimentazione alternative per via della loro parziale funzione di scavengers. Non sono però ferrato nell’argomento. 

Molti cani con cui ho lavorato amano la frutta, quasi tutti le mele, al contrario dei felini che sono carnivori obbligati e apprezzano solo cibro fresco. in realtà voglio azzardare che i gatti si siano evoluti parallelamente ai cani, in quanto a capacità di metabilizzare gli zuccheri. Molti dei gatti di casa sono ghiotti di pastasciutta, se abbinata, ad esempio, al ragù. Non ho mai provato con quello di seitan.

Per quanto riguarda la differenze genetiche lupo-cane è stato riscontrato un effettivo aumento da 2 (lupo) a 7-8 geni (cane tranne Husky S. e dingo A.) per l’amilasi pancreatitica già 5000 anni fa. La situazione sembra essersi evoluta con la comparsa dell’agricolutra che ha drasticamente cambiato le nostre abitudini alimentari e quelle dei nostri cani. Vi rimando a questo articolo che ho preso come fonte:

http://www.lescienze.it/news/2016/11/14/news/cane_copie_gene_amilasi_evoluzione_agricoltura-3309246/

Mi sta appassionando questa nuova branca di ricerca che desume dalle micro incisioni sui denti degli scheletri il tipo di alimentazione prevalente. Sono curioso di vedere nuovi studi di un dilemma che mi affligge da sempre. Quanto siamo elastici in realtà nell’alimentazione pur di sopravvivere?

http://www.lescienze.it/archivio/articoli/2019/01/02/news/la_vera_paleodieta-4244024/

[dustedmagazine]

Voting with our ears: Dusted spends the rent on Bandcamp.com’s Voter Registration day

On September 25, Bandcamp.com held a fundraiser for the Voting Rights Project, seeking to raise both money and awareness around voter registration. For the day, all profits on everything you bought on Bandcamp.com went to this worthy cause. Dusted writers saw the opportunity to a) buy stuff and b) promote democracy and said, “Hell yes, we’re in.” Participating writers included Ian Mathers (who is Canadian!!), Justin Cober-Lake, Jennifer Kelly, Bill Meyer, Isaac Olson (who definitely wins) and Ethan Covey. Check out what we bought and then, for the love of god, vote. We’re depending on you.

Ian Mathers

IDLES

For various reasons I wasn’t able to shop quite as avidly as I did last time we got together for one of these, but I managed to make one impulse purchase of a record I hadn’t heard yet (but had transfixed me with its singles) and combine that with two long-awaited additions of old favorites to my Bandcamp collection (and my hard drive, after having lost track of the files in one move or another). 

IDLES — Joy As an Act of Resistance 

Joy as an Act of Resistance. by IDLES

As you might guess from the fact that it just came out at the end of this August, Bristol’s IDLES is the impulse buy of the three, one that so far has worked out just wonderfully. Having been recommended the mockingly anti-Brexit(/xenophobia) “Great” on YouTube and being drawn from the immediately bracing, invigorating likes of that to this album’s more openhearted ode to the greatness of not hating people you don’t already know, “Danny Nedelko,” and the more Protomartyr-ish opening track “Colossus” (the latter of which also probably has my favorite music video of 2018), I couldn’t imagine any band capable of those three songs would somehow whiff the rest of a reasonably-lengthed LP, and the often political, always heartfelt Joy As an Act of Resistance. proved me right. There are certainly places where it gets darker (particularly “June,” where singer Joe Talbot relates in heart-wrenching fashion his wife losing a child to a miscarriage), but the overall feel of the album can be summed up by Talbot barking repeatedly at the listener to “love yourself” over a careening, punkish anthem. The album title isn’t a piss take, which is a relief in itself.  

 The Silent League — But You've Always Been the Caretaker...

But You've Always Been The Caretaker... by The Silent League

Back in 2004 I first heard of the Silent League, as I think most people did, because frontman Justin Russo had been in Mercury Rev (for 2001’s All Is Dream, the last Rev record I can say I fully loved), and their debut, The Orchestra, Sadly, Has Refused was interesting, lysergic chamber pop with some proggy and/or post-rock elements. I lost track of them for a bit after that album and was surprised that when I heard about them again it was because of an entirely different musician I was a fan of. Shannon Fields, then of Stars Like Fleas and since of Family Dynamics and Leverage Models (the last of which made my favorite record of 2013 and which is, incidentally, about to return), maker of a ton of records I both love and think have been overlooked, let me know that he’d also been a contributor to the Silent League for quite a while and that with their then-current album, 2010’s But You’ve Always Been the Caretaker… he thought they’d made something that represented a bit of a leap forward for the band. Not only do I agree, but the Silent League’s swan song (to date) now represents one of the most frustratingly overlooked records I know of, 15 sprawling songs in any number of registers, styles and tones tightly packed into less than 49 minutes that, fitting the circular and slightly foreboding title, packs a bunch of richly interwoven thematic and sonic depth into what feels like a whole universe of popular music. There’s proggy/ELO overture “When Stars Attack!!!,” the sound of a glam rock band practicing a particular soulful jam down the hall and four walls away on “Sleeper,” at least one just perfect string-led “perfect pop” song in “Resignation Studies,” and literally a dozen other things here. And yet But You’ve Always… never feels scattered or showoff-y. It’s a whole world, dense and rich and worthy of being studied in detail for its brilliance. I was thrilled to see it on Bandcamp, not least because this is exactly the kind of record that could easily slip through the cracks. 

 Tamas Wells — A Plea en Vendredi

(PB024) Tamas Wells: A Plea En Vendredi by Popboomerang

It’s been over a decade, but when I was in university I am pretty sure I first heard Australian singer-songwriter Tamas Wells because I saw the song “I’m Sorry That the Kitchen Is on Fire” somewhere and thought the title was hilarious. To my surprise the song itself was gorgeous, a gently folky little waltz with Wells’ high, gentle voice, carefully picked acoustic guitar, a lightly hypnotic piano refrain, and sparing hand claps. I fell hard enough for it that even back when the internet wasn’t at all what it is now I tracked down Wells’ 2006 album A Plea en Vendredi and found a shimmering little suite of song, some as gnomic and vaguely unsettling in their implications as “I’m Sorry That the Kitchen is on Fire” (like “Valder Fields,” which is apparently a place where our narrator and others mysteriously regain consciousness, or whatever you can make of “Lichen & Bees”), some much more plainspoken (including the slight political bent running through “The Opportunity Fair,” “The Telemarketer Resignation,” and the gorgeous little instrumental “Yes, Virginia, There Is a Ruling Class”), all just as twee-ly beautiful and enrapturing as my initial exposure had been. At the time Wells was working in Burma on a community development project, and from what I’ve been able to find his moving around and focus on non-music work has occasionally kept his album on the back burner, although he’s found an audience at home and in Japan and China (and of course, sometimes as far as Canada where I ran into his work). He’s kept releasing records since, most recently 2017’s The Plantation on a small Japanese label, but even if A Plea en Vendredi was all I’d ever been able to find it’d still find a regular place in my rotation; even when things get a bit darker, on “Valour” and the closing “Open the Blinds” there’s something so soothing about Wells’ music and this particular set of gem-like miniatures has been a go-to album for me during difficult times ever since.

Justin Cober-Lake 

David Ramirez

Ashley Walters — Sweet Anxiety (Populist)

Ashley Walters // Sweet Anxiety by Ashley Walters

I’d been wanting to hear this one for a while. I first noticed cellist Ashley Walters on Wadada Leo Smith's America's National Parks, a remarkable album that I spent considerable time with while writing a couple features on it and Smith (including interviewing Walters). I was even more impressed after understanding what went into the work and seeing that ensemble perform it live. Walters writes of this album, “I seek to challenge your perception of what the cello, a stereotypically gentle instrument, is capable of,” and it's fair to say she succeeds. It's a demanding listen, more aggressive than expected, but Walters and her composers blend technical challenges with theoretical ones. At times, Walters cuts loose, and at times she works with tonality, often using nonstandard tuning to odd effect. Smith composed one of the brightest numbers here, making a nice shift in sound without lowering the difficulty level. Luciano Berio's “Sequenza XIV” provides the most interesting piece, not only for the actual performance but for the reconstruction work on the score that Walters highlights in the liner notes. This one's well worth a focused listen, and I'll need to give it quite a few more to properly process it.  

 The Beths — Warm Blood (Carpark)

Warm Blood by The Beths

In August, the Beths released one of my favorite albums of the year, Future Me Hates Me, a blast of pop-rock easily good enough to warrant going back, more or less, to the beginning, with 2016's Warm Blood EP. Both lyrically and musically, the group hasn't quite found its footing, but that says more about the focused energy of the full-length than it does about these five songs (including “Whatever,” which reappears on the album). The hooks are there now; the guitar on “Idea/Intent” represents the band as well as anything. The vitriol of that track fits in less well with the attitude the band generally puts forward, one that's self-reflective and confident without claiming to know all the answers. Some of the joy of the music is in Elizabeth Stokes' searching, but that's turned around on a track like “Rush Hour 3,” a comedic bit of come-on (and the rare track not written by Stokes). Warm Blood works as a nice look back at a band, but it's not just a history lesson — it's an enjoyable set that adds to the playlist of a group with only one album out. 

 David Ramirez — The Rooster (Sweetworld)

The Rooster EP by David Ramirez

I've been working my way backwards with David Ramirez, too, starting with last year's We're Not Going Anywhere (which didn't adhere to his previous folk-ish sound but did make me wonder why I hadn't found my way to the songwriter earlier). After spending time with the fantastic Fables, there was the live show that utterly sold me on him, in part because he has a bigger voice than you might notice at first, even in his sparser productions. The Rooster EP, a fitting complement to that album, feels like an ascent. His vocals are assured, even as he searches for clarity, or at least anchor points amid turbulence. Tracks like “The Bad Days” and “Glory” offer unrequested hope, and “The Forgiven” provides a meditation on performance, art, and faith that's central to his work. The five cuts on this EP have the gravitas of something bigger and strengthen my sense that Ramirez should be a songwriter that everyone listens to.

 Grand Banks – Live 8-25-2018

Grand Banks live 8-25-2018 by Grand Banks

Any sort of bonus shopping day provides a good excuse to support local music. This time I went with the latest release (such as it is) from Grand Banks, their live recording from August 25. The duo don't shy away from volume, but their focus on minimalist ideas and sonic experimentation makes for unusual experiences. Over this single 30-minute track, the pair builds with patience, even when developing a haunted-house sort of melody on the keys. The second half of the piece increases the challenge, with guitarist Davis Salisbury pulling an odd series of sounds out of his instrument (for the curious, you can try it at home with an electric guitar, a tuning fork, and a fuzz pedal, and probably some sort of sonic laboratory). The effects build on Tyler Magill's creepy keyboard work – maybe this one's an unintended seasonal release. The study in space and harmonics gives way to a chirpy conversation and surprisingly (in this context) guitar-like guitar moment before placidly drifting away, an apt conclusion for the performance.

Jennifer Kelly

The Scientists 

I bought five different records this time, mostly, but not all, falling somewhere in the punk/garage continuum. I liked them all in different ways, but the one that absolutely killed me was…

IDLES—Joy as an Act of Resistance (Partisan)

Joy as an Act of Resistance. by IDLES

This is Ian’s fault, really. He talked me into it. Plus, it turned up on the Bandcamp recommendation engine. Which, by the way, is just so much better than Amazon’s recommendation engine. (I see you like the Pixies. Wanna buy every Pixies album ever?) But turns out, they’re both dead on. Idles is vitriolic and literate like the Sleaford Mods but backed by a ripped-to-the-teeth full band a la Protomartyr. Yes, two of my favorite current bands in one, plus a whole other thing of jagged, jitter-drunk percussion and wind tunnel howl. There is a song called “Never Fight a Man with a Perm.” So glad I got to hear this. Score one for voter registration.

 The Sueves—R.I.P. Clearance Event (Hozac)

R.I.P. Clearance Event by The Sueves

Butt-simple garage rock from Chicago, punctuated by weird little intervals of found sounds. Beautifully unhinged and uncomplicated, it reminds me the most of Demon’s Claw and after that maybe the Hunches and then the Monks. I bought it partly because I wanted to get those “we have a new record” notices from Hozac, but they know what I like.

 The Scientists—Blood Red River 1982-1984 (Numero)

Blood Red River 1982 - 1984 by Scientists

Guess who got to see the Scientists last week? They were awesome. They played “Frantic Romantic” in the encore (which is not on this disc, by the way). I knew some of the early stuff from the Do the Pop compilation of Australian punk, but immersing myself in these clanking, droning, post-punk juggernauts was the best and most enjoyable concert prep ever. “Solid Gold Hell” and “Swampland” were my two faves, and they played them both.

 Mike Pace and the Child Actors—Smooth Sailing (Self Starter Foundation)

Smooth Sailing by Mike Pace and the Child Actors

This one, from the former Oxford Collapse frontman, was a little more Raspberry-ish power pop than I was expecting, but it’s growing on me. “Escape the Noize” is my go-to track, a lush jangle of melancholy, a tetchy bristle of palm-muting, then a sweeping swooning chorus. It’s about leaving the music behind, which Pace clearly hasn’t, and good thing.  

Onoto—Dead Ghost (Taiyo)

DEAD GHOST by ONOTO

Let me the first to admit that I haven’t gotten to the bottom of this one, a swirling, enveloping miasma of guitar tone, wrapped around confoundingly weird vocal samples. “Shake Well for the Eye,” is droned-out chaos that parts like fog for bits of mid-20th century menstrual advice (avoid vigorous exercise, horse-riding, skating, cold showers, hah!). Other cuts eschew narrative for slow moving landscapes of instrumental tone. The title track lets guitar notes hang for unmovable eons, with only sharp shards of harmonics to break up the endless vistas. As a straight through listen, the disc makes more sense as you go along, meaning, you have to adapt to its oddity and it changes you.

Bill Meyer

 Canary records

Kemany Minas and Garabet Merjanian — When I See You: From the November 1917 Recordings, NYC (Canary) 

When I See You: From the November 1917 Recordings, NYC by Kemany Minas & Garabet Merjanian

Various Artists — And Two Partridges II: From the Earliest Turkish-, Arabic- Armenian-& Kurdish-Language Recordings in America, Feb-Aug, 1916 (Canary)

And Two Partridges II: From the Earliest Turkish-, Arabic- Armenian-& Kurdish-Language Recordings in America, Feb-Aug, 1916 by Canary Records

Various Artists — Oh My Soul: Armenian-American Independent Releases, vol. 1: ca. 1920-25 (Canary)  

Oh My Soul: Armenian-American Independent Releases, vol. 1: ca. 1920-25 by Canary Records

Various Artists — Why I Came to America: More Folk Music of the Ottoman-American Diaspora, ca. 1917-47 (Canary)

Why I Came to America: More Folk Music of the Ottoman-American Diaspora, ca. 1917-47 by Canary Records

I buy stuff via Bandcamp fairly often, and my purchases are nearly always hard copies. Downloads may be convenient, but a record you can’t hold in your hands seems to me to be one of those bad 21st century ideas like a Trump presidency or an unrepentant frat-creep on the supreme court. But when Bandcamp puts its income behind a cause, I relent, and when I do, I buy downloads from Canary Records. These albums are all compiled from recordings made by Anatolian exiles who fled genocide, war and poverty to take their chances in the USA. Many of these recordings predate the first blues records, and collectively they make a case that our notions of what constitutes American music are needlessly exclusive. After all, why should the music of people who came here from the Ottoman Empire be any less American than people who came here from the British Empire?  

 Billy Gomberg — Live Sets 2016-18

live sets 2016-18 by Billy Gomberg

Well, there go the rules. This DL-only compilation of concert performances by one of my favorite ambient recording artists of recent years shows that the carefully wrought, ultra-deep atmosphere of his recent cassettes is no fluke.

 Various Artists — Two Niles To Sing A Melody: The Violins & Synths Of Sudan (Ostinato)  

Two Niles to Sing a Melody: The Violins & Synths of Sudan by Various Artists

Back on solid ground at last! This hardcover book + 2 CDs (there are also vinyl and DL versions) shows how sounds blur from one culture to the next when people live along the same rivers and coasts. These recordings from the Sudan blend the nimble rhythms and ardent longing of Arabic pop with just a hint of the sinuous melodic quality of Ethiopian popular music. 

 Tashi Wada with Yoshi Wada and Friends — FRKWYS Vol. 14—Nue (RVNG)

FRKWYS Vol. 14 - Nue by Tashi Wada with Yoshi Wada and Friends

If you’ve caught Tashi and Yoshi Wada in concert, you know that there’s no louder or more mind-melting drone that a drone that incorporates multiple bagpipes and alarm bells. This record puts Wada fils in the composer / arranger’s seat, and while it uses the same materials as those live performances, the music is much gentler. Sometimes you want to boil your blood, sometimes you just want to kick back and zone out. A portion of the proceeds from this record will go to the National Immigration Law Center.

Isaac Olson

Ustad Abdul Karim Khan

Toshiya Tsunoda/Taku Unami — Wovenland (Erstwhile)

Wovenland by Toshiya Tsunoda/Taku Unami

I bought this collection of chopped and screwed  field recordings on the strength of Marc Medwin’s review and the fact that Erstwhile dedicated their profits for the day to the Voting Rights Project. Pieces like “Park cleaning / Crickets chirping,” “In The Park”,  “From the rooftop, railway terminal station” are both ear-tickling and intellectually stimulating. The rest are more stimulating intellectually than auditorially.

 The Weather Station—S/T (Paradise of Bachelors)

The Weather Station by The Weather Station

I slept on The Weather Station in 2017 because the music didn’t grab me enough I wasn’t interested enough in the music to tune into the lyrics.  I’m not sure what compelled me to give it another try, but I’m glad I did. Songwriter Tamara Lindeman has crafted a compelling take on early adulthood in an anxious age, one that, once I started paying attention, resonated with me in a highly personal manner I haven’t felt or sought in years. The b-side is almost too subtle, but Lindeman is a sharp enough writer to bring it off.

 Red River Dialect—Broken Stay Open Sky (Paradise of Bachelors)  

Broken Stay Open Sky by Red River Dialect

This is another record where the words carry the music, which means, like The Weather Station, I initially passed it over only to connect with it in unexpectedly personal ways after honing in on the lyrics. While I loved the fiddling from the jump, it took time for the rest of Broken Stay Open Sky to grow on me, but grow it did. (Check out Eric McDowell’s review here).

 Ustad Abdul Karim Khan—Ustad Abdul Karim Khan (Canary Records)

Ustad Abdul Karim Khan: 1934-1935 by Abdul Karim Khan

Classical Indian vocal music is a complex, highly systematized artform that I can’t pretend to understand, so rather than take my recommendation that you should listen to these recordings, take LaMonte Young’s: “When I first heard the recordings of Abdul Karim Khan I thought that perhaps it would be best if I gave up singing, got a cabin up in the mountains, stocked it with a record player and recordings of Abdul Karim Khan, and just listened for the rest of my life”.

 VA—100 Moons: Hindustani Vocal Art, 1930​-​55 (Canary Records)

100 Moons: Hindustani Vocal Art, 1930-55 by Canary Records

A traditional performance of a raga can last hours. A 78 can hold about three minutes of music.

As such, the performances on this collection lack the the breadth and depth of a traditional raga performance, but they more than make up for it in intensity.

 Ross Hammond and Jon Balfus— Masonic Lawn (Self Released)

Masonic Lawn by Ross Hammond and Jon Bafus

Sacramento guitarist and improviser Ross Hammond (whose record with Hindustani vocalist Jay Nair  is also worth your time) teams up with percussionist Jon Balfus for a set of blues and folk inspired  improvisations that manage to feel spacious despite the dense polyrhythmic approach. Masonic Lawn’s improvisations are optimistic, wide-eyed meditations on Americana.

 Melvin Wine—Cold Frosty Morning (Roane Records)

Cold Frosty Morning by Melvin Wine

Old-time music, like most folk traditions that arose in relative isolation and pre-date the record industry, isn’t particularly well suited for album-length listening. That said, if you’re in the mood for scratchy, crooked, dance and trance tunes, West Virginia fiddler Melvin Wine is a great introduction to the distinctly non-bluegrassy mysteries of this music.  

Note: This recording features a minstrel tune titled “Jump Jim Crow”.  How we’re to deal with this in the modern, right-wing nightmare age we inhabit is a complicated question, so if you’re digging this music but that title bothers you (and it should), check out these articles by Rhiannon Giddens and Michael Mechanic. 

 V/A—Usiende Ukalale: Omutibo From Rural Kenya (Olvido Records)

Usiende Ukalale: Omutibo From Rural Kenya by Various Artists

Like the Melvin Wine recording above, Usiende Ukalale exhibits a local folk style that evolved in relative isolation and is, for the non-local and non-expert, enchanting in small doses and merely pleasant over the course of a full album.

 VA—I’m Not Here to Hunt Rabbits: Guitar and Folk Styles from Botswana (Piranha Records) 

I'm Not Here To Hunt Rabbits by Various Artists

I reviewed this one back in May and I’ve listened to it so many times since that it was high time to buy it. Highest recommendation.

 Jess Sah Bi & Peter One—Our Garden Needs Its Flowers (Awesome Tapes from Africa)

Our Garden Needs Its Flowers by Jess Sah Bi & Peter One

This unusual gem combines the loping rhythms, slide guitar and harmonica of American country music with traditional Ivory Coast village songs. Its breezy Bakersfield meets Yamoussoukro vibe belies its anti-apartheid lyrics. Mp3s of this one have been floating around the internet for a few years, so it’s great to see it get an official re-release.

 Ola Belle Reed—FRC 203 - Ola Belle Reed: Recordings from the collection of Ray Alden and the Brandywine Friends of Old Time Music

FRC 203 - Ola Belle Reed: Recordings from the collection of Ray Alden and the Brandywine Friends of Old Time Music by Ola Belle Reed

From the indispensable Field Recorders Collective, this release documents a 1973 performance by Ola Belle Reed. Reed’s music exists at the nexus of old-time, bluegrass, early country, and gospel, but it feels wrong to box in the wisdom, humor, and generosity of spirit that shines through this release with anachronistic genre tags. Best of all is the Reed original, “Tear Down the Fences”: “Then we could tear down the fences that fence us all in/Fences created by such evil men/Oh we could tear down the fences that fence us all in /Then we could walk together again.”  Amen.

 Ragana— You Take Nothing 

YOU TAKE NOTHING by RAGANA

I don’t listen to as much metal as I used to, but while this fundraiser was happening, Brett Kavanaugh — case study in patriarchal resentment and mediocrity — got one step closer to a lifetime appointment on the Supreme Court. Ragana’s raw, sludgy, anarcha-feminist take on black metal really hit the spot that day.

Ethan Covey

Weak Signal

Omit — Enclosures 2011-2016 (Pica Disk/End of the Alphabet)

Enclosures 2011-2016 by Omit

Clinton Williams, the New Zealander known as Omit, has been quietly releasing nocturnal electronic compositions of uncompromising quality for the past couple of decades. Enclosures 2011-2016, released jointly by Lasse Marhaug’s Pica Disk and Noel Meek’s End of the Alphabet labels, provides an overview of five years of Williams’ output in a 30-track, six-hour package, available digitally and as a limited 5-CD set. Omit has previously been anthologized on two compilations courtesy of the Helen Scarsdale label, Tracer and Interceptor. And past releases have popped up via Corpus Hermeticum and PseudoArcana, as well as — most prominently — Williams’ own Deepskin Conceptual Mindmusic imprint. Great listening, all, if you can find ‘em. For those curious to dive in without too much digging, Enclosures is ideal. Much of Williams’ genius lies in composing tracks that are edgy, yet beautiful, creepy and experimental, yet profoundly listenable. It’s forward-thinking electronic composition that checks a lot of avant-garde boxes without feeling like a task. There’s a subtle, krautrock propulsion to the best tracks — the opening “Turner,” the “Echo Dot” pieces — where the listener gets locked into the rhythm and time slows to an elegant crawl — like a soundtrack for night driving on an Autobahn upended.

 Weak Signal — LP1 (self-released)

LP1 by WEAK SIGNAL

Weak Signal are NYC’s Sasha Vine, Tran Huynh and Mike Bones. Bones has previously released a pair of strong albums of indie songwriting courtesy of The Social Registry. As a guitarist, he’s done time with Endless Boogie, Matt Sweeney’s Soldiers of Fortune and Prison. This album was a tip from Danny Arakaki of Garcia Peoples, and it’s a swell one, 30-minutes of slack fuzz pop bashed out with energy and swagger. The majority of the tracks strut by on solid riffs, backed by boy/girl vox that slide into chant-along choruses. Like new wave bled dry, leaving a beautiful bummer. The eight-minute “Miami/Miami Part 2” stretches out into a haze of increasingly rapturous guitar soloing, string screeches and a spoken word coda. Lotta promise here, for sure. Here’s hoping they stick around for an LP2.

 Raising Holy Sparks — Search For The Vanished Heaven (Eiderdown Records)

Search For The Vanished Heaven by Raising Holy Sparks

Seattle’s Eiderdown Records has been releasing some of the best contemporary psychedelia around, and the latest by Raising Holy Sparks is no exception. The project is the work of uber-prolific Irishman David Colohan, and is offered in double and triple cassette, as well as digital, versions. The “short” cut of the album is an hour and a half long, and the triple cassette and download versions stretch that to well over two hours. Per the credits, the album was recorded in somewhere around 40 different locations over four years. Colohan is credited with over 30 instruments and is joined by baker’s dozen of likeminded collaborators. What they deliver is, like most of Colohan’s music, long, slow and often eerily beautiful. “I Am In The Mountains While You Are In My Dreams” passes in its 23-minutes through Popol Vuh-style ambience, spoken word incantations that sound like Coil if they’d truly embraced the countryside and a whole lot of birdsong. It’s a good overview of the general proceedings — accented occasionally by louder blasts of synths, random percussion that sounds like drum machine presets and banjo-plucking krautrock. On paper, that sounds like a head-scratching combo, but it works. One gets the impression Colohan’s dedication and attention to detail is such that the grab bag of sounds weaves together into a surprisingly fascinating whole. Listen with attention and you’ll want to follow along as each stretch and segue unfolds. Oh, and as is typical with Eiderdown, bonus points for exceptional artwork, this time courtesy of Aubrey Nehring.