#salvador brotons
Explore tagged Tumblr posts
Text
youtube
Théodore Dubois - Introducción · · Orquestra Simfònica de Balears ¨Ciutat de Palma¨ ·
Capella Davídica de la Catedral de Menorca · Salvador Brotons · Juan Pons · Maria Gallego · Josep Bros
2 notes
·
View notes
Text
La Sinfónica Conjunta crece
[Un momento de la presentación de la temporada de la OSC esta mañana en Ingenieros / U.S.]
En su XIII temporada, la orquesta juvenil de Universidad y Conservatorio presenta para el curso 23-24 un programa con ocho conciertos
En tiempos de contracciones sinfónicas, la Conjunta crece. Ha programado ocho conciertos que se celebrarán entre este mismo viernes 17 de noviembre y el 21 de junio de 2024. Crece pues en número (de los siete del año pasado), pero también porque sale de los límites oficiales de Sevilla para ofrecer uno de sus conciertos en la Ciudad del Conocimiento de Dos Hermanas. “El año pasado tuvimos algunos problemas para programar ensayos –comenta Juan García Rodríguez, director y alma mater del conjunto–. Buscamos por toda Sevilla sitios idóneos y nos costó encontrarlos. Este año hemos hallado ese, y nos parece que está muy bien. De hecho, el concierto que hacemos en el Central también lo ensayamos ahí”. Porque la OSC también va (casi) por primera vez al Teatro Central: “Hicimos en formato camerístico hace años una Historia del soldado en la Sala B. Lo cierto es que el espacio para la orquesta tiene una acústica un poco seca, pero para la banda está fenomenal”. De los ocho conciertos programados, tres lo son en efecto para esta Banda de vientos que de la mano del clarinetista Camilo Irizo lleva años ganando espacio.
De todos modos, el Auditorio de Ingenieros sigue siendo la principal sede del conjunto (tres de los ocho conciertos se celebrarán allí), pero también se visita el Auditorio de Arquitectura, la Sala Manuel García del Maestranza y el Patio del Conservatorio Superior, este último en un concierto programado para las conocidas Noches del Carmen, y que ofrecerá la Banda justo un d��a antes de la clausura.
Como suele ser habitual, el conjunto universitario centra su campo de actuación en la música del siglo XX. De hecho, de las 25 obras programadas, sólo hay dos escritas en el XVIII (dos sinfonías de Haydn, la muy conocida 101 y la 1, una curiosidad), cinco en el actual siglo y las dieciocho restantes pertenecen al XX, diez de ellas a la segunda mitad de la centuria. Frente al incomprensible olvido de la ROSS, la OSC sí participa en el año Ligeti, celebrado por todo el mundo: de hecho será con Atmósferas –la legendaria partitura que el maestro húngaro escribió en 1961 y Kubrick utilizó en su 2001– con la obra con la que abrirá el próximo viernes su temporada. También se programa la música de otro compositor fundamental en el desarrollo de la modernidad, por completo olvidado igualmente por la ROSS, Edgar Varèse, de quien volverán a tocar Ionisation, una de las partituras para percusión más fascinantes y absorbentes del repertorio.
[La Orquesta Sinfónica Conjunta con Juan García Rodríguez en el podio / US]
Entre las obras más populares se cuentan el Concierto para violonchelo nº1 de Shostakóvich y la 2ª sinfonía de Rajmáninov, que cerrará el curso. Dentro del repertorio más o menos convencional, García Rodríguez ha programado además obras no demasiado interpretadas, como el Concierto para oboe de Vaugham Williams, las Danzas sacra y profana para arpa y orquesta de Debussy, el Concierto para piano en fa de Gershwin y se ha atrevido con la 4ª de Sibelius, una de las sinfonías más desafiantes de la primera mitad del siglo XX, muy poco programada por su supuesta dificultad para espectador e intérpretes (en realidad, es una obra llena de bellezas, en espera de ser desveladas). Sin salir del ámbito nórdico, el director de la OSC ofrecerá igualmente un par de piezas de Poul Schierbeck, colaborador de Dreyer, quien utilizó esta música en su inmortal Ordet.
Los conciertos de la banda sinfónica reúnen el plantel de compositores menos conocidos: hay una obra que César Camarero escribió este mismo año para la Banda Municipal de Sevilla, hay piezas de Virgil Thomson, Leo Brouwer, Salvador Brotons y Eugène Bozza, que suelen pasar de vez en cuando por los escenarios cercanos, pero también habrá música de James Curnow, Karel Husa, Louis Franz Aguirre, Daniel Sprinz, Henri Algadafe, James Barnes y José Luis Represas Carrera, nombres de escasa circulación.
De los siete solistas que participan en la temporada (sólo en el concierto del Conservatorio no hay ninguno), dos son profesores del Superior y el resto alumnos o exalumnos escogidos de una bolsa creada a partir de audiciones específicas: “Se nos van acumulando, pero es que no tenemos capacidad para programar más”, comenta García Rodríguez. Eso también sería subsanable. Con más recursos. La apuesta lo merece.
[Diario de Sevilla. 14-11-2023]
El Programa
1) Viernes 17 de noviembre de 2023. Auditorio Ingenieros. 19:00.
Hugo Domínguez Moreno, piano. Juan García Rodríguez, director
György Ligeti (1923-2006): Atmosphères (1961)
George Gershwin (1898-1937): Concerto en Fa para piano y orquesta (1925)
Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonía nº101 Hob.I/101 "El Reloj" (1793-94)
2) Miércoles 20 de diciembre de 2023. Ciudad del Conocimiento (Dos Hermanas). 19:00.*
Diego Lagares Lepe, bombardino. Camilo Irizo, director
Virgil Thomson (1896-1989): A Solemn Music (1949)
James Curnow (1943): Symphonic Variants para bombardino y banda (1984/1998)
Salvador Brotons (1959): Sinfonía nº 7 "Ausiàs March" (2018)
3) Viernes 26 de enero de 2024. Auditorio Arquitectura. 19:00.
Rubén Alonso, oboe; Juan García Rodríguez, director
Poul Schierbeck (1888-1949): Largo Op. 33 (1954)
Ralph Vaughan Williams (1872-1958): Concierto para oboe y orquesta (1943-44)
Poul Schierbeck: Andante doloroso Op. 57 (1942)
Joseph Haydn (1732-1809): Sinfonía nº1 Hob.I/1 (1759)
4) Miércoles 5 de marzo de 2024. Teatro Central. 20:00.*
José Gómez Macías, saxofón. Camilo Irizo, director
Leo Brouwer (1939): Canción de gesta (1975-79)
César Camarero (1962): Órbitas, aristas y desintegraciones, para saxo y banda (2023)
Karel Husa (1921-2016): Music for Prague 1968 (1968)
5) Martes 30 de abril de 2024. Sala Manuel García del Teatro de la Maestranza. 20:00.
Antonio Moreno, vibráfono; Juan García Rodríguez, director
Edgar Varèse (1883-1965): Ionisation (1929-1931)
Louis Franz Aguirre (1968): Bembé (2008)
Daniel Sprinz (1961): Sombra de una Iconografía, para vibráfono y ensemble (2013)
Henri Algadafe (1966): Les cahiers de V. Nijinski (1997; estreno en España)
6) Viernes 10 de mayo de 2024. Auditorio Ingenieros. 20:00.
Mario Camargo, violonchelo. Juan García Rodríguez, director
Dmitri Shostakóvich (1906-1975): Concierto nº1 para violonchelo y orquesta Op.107 (1959)
Jean Sibelius (1865-1957): Sinfonía nº4 en la menor Op.63 (1910-11)
7) Viernes 20 de junio de 2024. CSM Manuel Castillo. Noches del Carmen. 21:00.*
James Barnes (1949): Symphonic Overture (1991)
José Luis Represas Carrera (1970): A pedra da serpe (2010)
Eugène Bozza (1905-1991): Children's overture (1964)
James Barnes: Fantasy Variations (1988)
8) Viernes 21 de junio de 2024. Auditorio Ingenieros. 20:30 [Concierto de clausura de la US]
Ike Christine Zwaan, arpa; Juan García Rodríguez, director
Claude Debussy (1862-1918): Danse sacrée et danse profane, para arpa y orquesta (1904)
Serguéi Rajmáninov (1873-1943): Sinfonía nº2 en mi menor Op.27 (1906-07)
[* Conciertos de la Banda Sinfónica]
0 notes
Text
IGNASI CAMBRA
SPACES
El pianista Ignasi Cambra debuta en Sony Classical, con toda una declaración de principios al elegir a los compositores Frédéric Chopin y Franz Schubert para su proyecto SPACES. Disponible el 17 de febrero.
Consíguelo AQUÍ
Estrecho colaborador de Maria Joao Pires con quien ha actuado en numerosas ocasiones en recitales a dos pianos o a piano a cuatro manos, Cambra nos ha dejado momentos memorables junto a orquestas como la orquesta del Teatro Mariinski, (Orquesta de Barcelona I Nacional de Catalunya (OBC) Orquesta de Vancouver o Miami bajo batutas de primer orden como las de Valerie Gergiev, Tsung Yeh, Eduardo Marturet, Josep Pons o Salvador Brotons, entre otros.
Según se lee en las notas del libreto del CD, Ignasi Cambra, se nos presentaba en este primer trabajo para Sony Classical, una versión que quedará como un referente en el que seguro, generaciones futuras se mirarán, porque recoge el testigo de toda una tradición pianística en la que la libertad y el profundo conocimiento, han forjado ese corpus sonoro que hasta ahora vemos como indispensable para entender el universo. Cambra, en su lucha diaria de superación, supo encontrar en el sonido y en el piano como elemento transformador toda una existencia sonora al margen de lo que para tantos de nosotros existe. Quizá, por eso encontramos en la música tantas cosas que se encuentran al margen de todo cuanto nos acontece en el día a día y que podemos redescubrir en este recital.
Ignasi Cambra, nos invita con este trabajo a compartir con él un sinfín de nuevas existencias que son las que se encuentran al escuchar los sonidos que fluyen en su magistral interpretación de los Impromptus de Schubert y Chopin. Cambra, ciego desde su nacimiento, convirtió el sonido en canon de todo cuanto existe, pero sobre todo en esa existencia al margen de lo que para muchos de nosotros es “lo que existe”.
TRACKLISTING
IGNASI CAMBRA
SPACES
F. Schubert. 4 Impromptus D.899
Impromptu Nº 1 in C Minor 10:34
Impromptu Nº 2 in E Flat Major 04:47
Impromptu Nº 3 in G Flat Major 05:22
Impromptu Nº 4 in C Minor 08:18
F. Chopin.
Nocturne in C Minor Op. 48 06:30
F. Chopin. 4 Impromptus
Impromptu Nº 1 in A Flat Major Op. 29 04:22
Impromptu Nº 2 in F Sharp Major Op. 36 06:16
Impromptu Nº 3 in G Flat Major Op.51 06:23
Fantasie - Impromptu in C Sharp Minor Op. 66 05:51
TOTAL: 58:28
BIOGRAFIA IGNASI CAMBRA:
Ignasi Cambra, es sin duda uno de los intérpretes actuales que representan la gran tradición pianística europea, ha actuado entre otras salas de prestigio internacional en el Carnegie Hall de Nueva York, el Kennedy Center (NY), festival de Ravinia, Palau de la música catalana, Gran Teatre del Liceu, l’Auditori de Barcelona, el Auditorio Nacional de Música, Auditorio de Zaragoza y ha sido artista residente de festivales o ciclos de conciertos como en la Pedrera Castell de Peralada y celebrados sus recitales en la Schubertiada de Vilabertran o la Quincena Musical de San Sebastián.
Estrecho colaborador de Maria Joao Pires con quien ha actuado en numerosas ocasiones en recitales a dos pianos o a piano a cuatro manos, Cambra nos ha dejado momentos memorables junto a orquestas como la orquesta del Teatro Mariinski, (Orquesta de Barcelona I Nacional de Catalunya (OBC) Orquesta de Vancouver o Miami bajo batutas de primer orden como las de Valerie Gergiev, Tsung Yeh, Eduardo Marturet, Josep Pons o Salvador Brotons, entre otros.
Ha estudiado entre otros maestros de referencia Jerome Lowenthal y Matti Raekallio en la Juilliard School de Nueva York, obteniendo diplomas en la Universidad de Indiana y la Royal Academy of Music de Londres, y teniendo entre sus mentores a pianistas y docentes de la talla de Edward Auer, Menahem Presser, Alexander Toradze o Rustem Hayroudinoff.
Cambra, aclamado por Valery Gergiev como “alguien que me habla a través del piano”, posee un impecable virtuosismo que queda en un segundo plano ante un discurso musical en el que el arte del sonido nos transporta a las grandes escuelas concertísticas. Escuchar en recital o con orquesta a Ignasi Cambra nos transporta a lo que Alfred Cortot, definía como “… la existencia al margen de lo existente, con la que nos sentimos en estado de completa intimidad espiritual.”
ONLINE
IGNASI CAMBRA:
WWW.IGNASICAMBRA.COM
-
Facebook
-
Instagram
0 notes
Text
Vancouver Symphony Orchestra USA Announces Inaugural Vancouver USA Music and Arts Festival
Vancouver Symphony Orchestra USA Announces Inaugural Vancouver USA Music and Arts Festival
The Vancouver Symphony Orchestra USA (VSO) announces its inaugural Vancouver USA Music and Arts Festival celebrating music and art inspired by America, spanning three days from Friday, August 4 through Sunday, August 6. The multidisciplinary art festival features performances from the VSO conducted by VSO Music Director, internationally renowned composer and conductor Maestro Salvador Brotons and…
View On WordPress
0 notes
Text
What a thrill to be part of such a concert, trying to color with music the dark times we are living, and trying to bring a little hope to those suffering. 🇺🇦🕊
And what a thrill to do it surrounded by these group of amazing artists. Joyce DiDonato Salvador Brotons Katerina Tretyakova Marina Pinchuk Mattia Olivieri
Thanks Fundación Victoria de los Ángeles for the invitation.
Creu Roja Catalunya 💪🏻
2 notes
·
View notes
Text
Traces: música de cámara de compositores catalanes para violín/piano y violonchelo/piano
Janna GANDELMAN, violín Dmitry YABLONSKY, violonchelo Laia MARTíN, piano
Traces [ ] tiene un doble sentido que quiere simbolizar: la riqueza de la obra de compositores catalanes escrita para estas formaciones cambrísticas desde finales del s. XIX hasta la actualidad, y la personalidad del lenguaje compositivo de cada uno de ellos. Esto nos ha permitido explorar diferentes maneras de interactuar entre nosotros y encontrar una amplia variedad de sonoridades. Este proyecto nace de la amistad iniciada hace más de 15 años entre el violonchelista y director de orquesta Dmitry Yablonsky y la pianista Laia Martín. Yablonsky, enamorado de España y especialmente de la Cerdaña desde que en los años 80 formó parte de la Orquesta Sinfónica de Cataluña, ha mantenido una estrecha relación con el país. En 1998 inició el Puigcerdá Music Festival, lugar en el que se conocen Yablonsky y Martín, y en el que comienza el proyecto Traces, juntamente a la violinista Janna Gandelman. Puigcerdá, es también un lugar en el que Enrique Granados dejó sus traces (trazos), así que, nada mejor que iniciar el proyecto con este compositor. También se incluyen obras de Gaspar Cassadó, Frederic Mompou, Xavier Montsalvatge, Salvador Brotons, Víctor Estapé y Benet Casablancas. En agosto de 2021 se llevará a cabo la grabación de Traces para el sello discográfico Naxos.
1 note
·
View note
Audio
12 Danzas Españolas, Op.37 - II. Oriental ( Arranged For Orchestra )
Composition Year : 1890
By Composer Enrique Granados Campiña (Orchestrated By Rafael Ferrer)
Performed By Conductor Salvador Brotons And The Barcelona Symphony and Catalonia National Orchestra
#spanish dances#oriental#enrique granados#spanish composers#modern period#classical music#audio#audio post
83 notes
·
View notes
Video
youtube
0 notes
Text
Batiste Martí, de 81 años, es el primer valenciano vacunado contra la COVID-19 y Salvador Brotons, de 65 años, el primer alicantino en vacunarse
Batiste Martí, de 81 años, es el primer valenciano vacunado contra la COVID-19 y Salvador Brotons, de 65 años, el primer alicantino en vacunarse
La Comunitat Valenciana ha iniciado ya el proceso de vacunación contra la COVID-19. El primer valenciano ha sido Batiste Martí, de 81 años y residente en la residencia de personas mayores dependientes Virgen del Milagro de Rafelbunyol. La vacunación contra la COVID-19 ha comenzado en siete residencias de mayores de las provincias de Alicante, Castellón y Valencia. La primera vacuna se ha…
View On WordPress
0 notes
Text
49 edició del Festival de Bandes de Sant Antoni 2020
49 edició del Festival de Bandes de Sant Antoni 2020
La Banda Simfònica SM de La Llosa, dirigida per Rafael Grau Vilar, ha interpretat el pasdoble de passacarrer “Larga Cordobesa”, el pasdoble de concert “Carmesina” i l’obra concert “Sinfonía n°6 Concisa” de Salvador Brotons
La Unió Musical Santa Cecília, dirigida per Josep Ros García, ha interpretat el pasdoble de passacarrer “Regina Nostra”, el pasdoble de concert “El Camino” i, en la categoria…
View On WordPress
0 notes
Link
0 notes
Text
Blind pianist learns difficult pieces by ear
Find out how to get the best plumber in Vancouver Washington
Spanish virtuoso Ignasi Cambra has never forgotten the first time he heard Beethoven’s Piano Concerto No. 3.
“I was very young when I heard Beethoven’s Third Concerto at a piano camp in Indiana,” said Cambra. “The melody of first movement is easy to remember. It has all of the Beethoven elements. It’s great music.”
Fascinated by the concerto, Cambra went on to learn it in college. He will make his debut with the Vancouver Symphony Orchestra, playing the piece with the orchestra in this weekend’s concerts.
Learning a complex piece of piano music by one of the greatest composers of all time is considered a major achievement by any pianist, but Cambra has gone an extra mile to do so, because he is blind from birth.
“I learn by ear,” remarked Cambra, speaking over the phone from his home in London. “I can use Braille music. But it is slow to read. It is hard to sit down with the Braille score to learn new pieces. I learn by ear with little chunks of music, for one hand and then for the other. Most of the time you are playing melody in one hand and accompaniment in the other.”
Cambra lived in the United States for eight years. He earned a bachelor’s degree in music and an artist diploma from Indiana University and studied at Juilliard. He has burnished his reputation by winning several piano competitions, and his orchestral appearances included a concert with Valery Gergiev and the Mariinsky Theatre Orchestra.
“The first and third movements of Beethoven’s Third are straightforward, but technically not easy,” said Cambra. “There is a feeling of being insistent in the first movement. The figuration keeps repeating itself. It stays in your head. The process of the main theme is so simple. It is how Beethoven plays with it, and it keeps reappearing throughout the movement that is so interesting.”
According to Cambra, the second movement is the most challenging.
“For me, the second movement is one of the hardest movements of all his concertos,” said Cambra. “The way it is written is exceptionally weird. It is written in a 3/2 time signature. So, some of the music looks like it should be faster but it is actually slower. For example, the 1/32nd notes end up feeling like 1/16th notes. Anyone who reads music knows that it is sort of strange. But it works. The relationship between the piano and orchestra is very delicate and exposed and the result is beautiful music.”
Barcelona connection
Salvador Brotons, the orchestra’s music director, has been aware of Cambra’s talent, because both are Barcelona natives.
“I have known Ignasi for about 12 years,” said Brotons. “He played my Piano Trio in Santa Barbara, Calif. I was speechless. He is blind, and my piece has lots of sudden skips. He did not miss a note. Later I listened to him under Gergiev conducting in Barcelona as well as several solo recitals. He is very talented.”
The orchestra will also play Beethoven’s Fourth Symphony. Generations of music lovers have described—and sometimes dismissed—Beethoven’s even-numbered symphonic works as lyrical and relaxed compared to the spunky, odd-numbered symphonies.
However, when asked about the Fourth, Brotons offered another explanation.
“Beethoven’s Fourth Symphony is not performed as often as the Third or Fifth because it is smaller in concept,” said Brotons. “However, it is a very fine and complete symphony. Shorter than the Eroica, but it is a very coherent symphony and, in all, a very enjoyable piece to listen to. The first movement and the Scherzo are my favorite ones.”
The concert will open with the Overture to Mozart’s “The Magic Flute.” The Overture is considered one of the most outstanding orchestral works of the 18th century. Rich in sonority and melodic invention, concise in construction, and masterful in the use of harmony, it balances the seemingly polar opposites of the opera — profundity and comedy — with surpassing ease and conviction.
If You Go
What:Ignasi Cambra plays Beethoven’s Third Piano Concerto with the Vancouver Symphony Orchestra. When: 3 p.m. Feb. 23 and 7 p.m. Feb. 24. Where: Skyview High School Concert Hall, 1300 N.W. 139th St., Vancouver. Cost: $50 for reserved seats, $38 for general admission, $34 for seniors and $10 for students. [Read More …]
Find out how to get the best Vancouver Washington plumber
0 notes
Text
"La música para guitarra seguirá evolucionando"
[El guitarrista estadounidense Adam Levin. / BOGDAN URMA]
El guitarrista estadounidense Adam Levin publica su cuarto volumen dedicado a música para guitarra de compositores españoles actuales
Natural de Chicago, el guitarrista Adam Levin pasó tres años en España ("Viví en Madrid desde 2008 hasta 2011 como un becario Fulbright, Program for Cultural Cooperation, y Kate Neal Kinley Fellowship"), tiempo suficiente para encargar música para su instrumento a muchos compositores. Acaba de publicarse el cuarto volumen con el producto de aquellos encargos.
–¿Qué es lo que le atrajo de los compositores españoles para un proyecto como este que le ha llevado ya ocho años y la grabación de cuatro álbumes, este último doble?
–Toco música española con la guitarra desde los siete años. Mi padre me introdujo en la música de todos los grandes maestros españoles, entre ellos obras seminales de Isaac Albéniz, Enrique Granados, Joaquín Turina y Manuel de Falla. Esta temprana introducción a la música española junto con figuras icónicas como Andrés Segovia me dio un aprecio y amor por esta cultura y música para toda mi vida. Cuando llegué a España me di cuenta de que había un nuevo renacimiento en la composición de la música española. Fueron necesarios tres años de vivir, respirar e investigar la nueva música española para formular un proyecto cuyo objetivo era crear la segunda escuela de composición española. Fueron necesarios 13 años para encargar casi 40 obras de música de cámara y solistas, así como catalogar la mayoría de ellas en grabaciones comerciales con los sellos discográficos Naxos y Frameworks.
–¿Qué piensa que aporta su trabajo al conocimiento de la música para guitarra clásica del actual siglo?
–La exploración de nueva música en cualquier cultura o tradición es fundamental para la evolución de la música y el instrumento para el que se escribió la nueva obra. Este nuevo proyecto de música española sirve de puente entre el viejo y el nuevo mundo de la música española. A diferencia del viejo mundo, que se centró en la identificación de una identidad nacionalista y sonora del país, el enfoque del nuevo mundo es variado y se basa en estilos compositivos y lenguajes de todas las épocas. También creo que este proyecto atraerá a más guitarristas a dar pequeños pasos en el mundo de la música contemporánea, ya sea encargando nuevas obras o tocando obras ya existentes. Dado que los lenguajes de composición de este proyecto son diversos, los guitarristas pueden tener la libertad de acercarse a compositores que se adapten a sus gustos personales. Lo más importante es que espero que este proyecto libere a los guitarristas para que sean más curiosos y exploren la música fuera de su zona de confort.
–Son músicos de generaciones diferentes, entre los que se cuentan algunos de los grandes de la música española reciente (como García Abril, Halffter o De Pablo, que han muerto este mismo año), supongo que buscando variedad de estilos. ¿Hasta qué punto logró eso? ¿Cuáles son las tendencias compositivas principales que se reflejan en estos discos?
–La amplitud del lenguaje compositivo es impresionante, desde piezas dodecafónicas hasta estilos de vanguardia, minimalismo, neoclásicos, neobarrocos..., desde música con diversos grados de atonalidad a la música folclórica recreada con técnicas de composición modernas, y mucho más. Tuve la suerte de encargar obras y trabajar con cuatro de los compositores más importantes de la década de 1930, Leonardo Balada, Cristóbal Halffter, Luis de Pablo y Antón García Abril. Tengo recuerdos muy vívidos de comunicarme por correo electrónico, en persona y en sesiones de ensayo cuando trabajamos juntos en sus piezas. Cada compositor tiene una voz muy distinta, y con ellos vemos el inicio de un nuevo renacimiento en la composición española.
–¿Se ha llevado la guitarra clásica al límite de sus posibilidades técnicas y expresivas o es posible seguir experimentando y extrayendo sonoridades del instrumento?
–Nunca habrá un límite a lo que se puede hacer con la guitarra. Al igual que los seres humanos, la música para guitarra seguirá evolucionando y a través de este proceso continuo e interminable descubriremos nuevas fronteras y posibilidades en el instrumento. Soy el tipo de músico, de ser humano, que ve posibilidades ilimitadas para la humanidad y la música. Cuando nos ponemos límites superficiales (un techo de cristal) es cuando la música, la guitarra y la humanidad sufren más. Nosotros (compositor, intérprete) debemos innovar en todos y cada uno de los momentos.
–De momento ha grabados 27 obras de 20 compositores distintos. ¿Son todos encargos suyos?
–De hecho, hay más de 40 piezas que he encargado a compositores españoles. Se suponía que el cuarto volumen tendría tres piezas solistas adicionales, pero la increíble oportunidad de grabar y publicar un concierto de guitarra me limitó a cuatro las obras solistas para este cuarto volumen de 21st Century Spanish Guitar. En principio este iba a ser el último, pero no puedo evitar pensar que habrá al menos un volumen más. Una vez que me puse en marcha ¡no pude parar!
–Ese concierto de guitarra al que se refiere es el Concierto de La Herradura de Eduardo Morales-Caso. ¿Cómo surgió la idea de esa obra?
–Me mudé a España como Fulbright Scholar para investigar e interpretar la música española de los siglos XX y XXI que ya estaba escrita para guitarra. Cuando llegué a Madrid en el otoño de 2008 escuché mucha música nueva para descubrir qué existía en la escena musical española. Una de las piezas que encontré fue la Introducción y Toccata para flauta y guitarra de Eduardo Morales-Caso. Inmediatamente me atrajo el lenguaje compositivo personal y único de la pieza. Era virtuoso y parecía bastante guitarristíco. Le escribí de inmediato al autor y le dije lo fascinado que estaba con su trabajo, y entonces supe que ya tenía un catálogo bastante extenso para guitarra. Fue en ese momento que me di cuenta de que debía cambiar mi proyecto de estudiar obras existentes por el de encargar nuevas obras. Comencé pidiéndole a Eduardo un nuevo trabajo. Este fue el comienzo de una amistad muy fructífera. Me escribió esa increíble obra titulada La Fragua de Vulcano (homenaje a Velázquez), luego una pieza para violín y guitarra llamada Volaverunt, seguida de una Sonata mayor para guitarra solista, y luego un hermoso y personal regalo para mi boda, The Lake's Glistening Moon. Grabé un álbum monográfico de una parte de las obras de Eduardo para guitarra en 2011 con el título de Fuego de la luna: Adam Levin Plays Morales-Caso. Adoro la música de Eduardo. Su música es virtuosa, expresiva, guitarrística y captura la esencia del sonido español. Nunca había escuchado una música como la suya. Una de las cosas más notables es que su música encaja muy bien en la guitarra. Cuando recibo sus obras, casi nunca tengo que cambiar nada. ¡Y no es un guitarrista!
–El Concierto de La Herradura es una obra clásica en tres movimientos. ¿Qué aporta al repertorio concertístico de la guitarra?
–La oportunidad de grabar este segundo concierto suyo para guitarra con la Orquesta de Extremadura fue muy especial. Grabamos la pieza en un día después de solo dos ensayos. Fue realmente una experiencia extraordinaria. El concierto tiene un estilo español, capaz de capturar la belleza y la sutileza del país, la cultura y la gente. Admiro la habilidad de Eduardo para crear tanta fantasía en sus obras. Te transporta a un mundo vibrante de diferentes colores y timbres. Es multidimensional en su núcleo. Es una obra impresionante. Trasciende la comparación con otros conciertos de guitarra, en mi opinión, y podría decirse que se encuentra entre los grandes conciertos de nuestro tiempo. Joaquín Rodrigo fue un pionero de la guitarra clásica y escribió quizás el concierto más importante del siglo XX, y sigue impresionando al público de todo el mundo. Castelnuovo-Tedesco, Villa-Lobos, Ponce y Brouwer también escribieron obras serias y convincentes para el instrumento y llevaron la guitarra a los principales escenarios de conciertos de todo el mundo. Al mirar hacia el siglo XXI, no hay duda de que hay muchos conciertos notables, sin embargo, el Concierto de La Herradura es una obra más que notable, quizás incluso única en su capacidad de elevar a la guitarra como protagonista y al mismo tiempo crear una interacción hermosa e intrincada entre los artistas, la guitarra y la orquesta, lo que la convierte en una atractiva obra de música de cámara. Creo que es uno de los conciertos más importantes, si no el mejor, escritos hasta ahora en el siglo XXI.
–¿Cómo fue el trabajo con la Orquesta de Extremadura y el maestro Albiach?
–Fueron muy profesionales en todo momento. Ensayamos durante cinco horas un día y grabamos al siguiente. Fue impresionante cómo la orquesta y el director se sumergieron rápidamente en la música de Eduardo. Nunca había visto a una orquesta maniobrar alrededor de una pieza tan sutil e intrincada de manera tan eficiente. ¡Un gran bravo para ellos!
–Leonardo Balada es el único compositor que repite en los cuatro álbumes con sus Caprichos. En este último a partir del Concierto de Aranjuez. ¿Puede comentarme algo de la obra?
–Leonardo Balada supuso para mí la introducción al repertorio español contemporáneo. Fue Eliot Fisk, mi maestro de guitarra, quien me lo mostró. El maestro Balada había escrito para Eliot una pieza para guitarra y cuarteto de cuerda titulada Caprichos n°1, en homenaje a Federico García Lorca. Para mí esa pieza es el puente entre el tiempo de la música española del viejo mundo y la música española del nuevo mundo. Es una de las mejores obras que para esa combinación hay en el repertorio, y, probablemente, una de las más difíciles que he estudiado e interpretado. Cuando fui a España en 2008 para estudiar música española contemporánea y conocer a compositores como Balada, supe que, de hecho, él vive en Pittsburgh, Pensilvania. En mi primer viaje a casa, lo cité y le encargué la primera de las cuatro piezas que he grabado. En cada una de ellas rinde homenaje a un gran maestro español, en la primera a Albéniz, la segunda a Granados, la tercera a Falla, y finalmente a Rodrigo. Caprichos n°14 Abstracciones del Concierto de Aranjuez, toma fragmentos del concierto y los reinventa a través de la voz compositiva de Balada. A veces las referencias son aparentes y otras no muchas. Lo que aprecio de Balada es su dedicación a la música folclórica y los maestros del pasado que allanaron el camino para su estilo personal. Siempre me recordó que la música folclórica se ha perdido en las sociedades modernas. Aprecio todas y cada una de sus obras.
–¿Puede comentarme brevemente las otras tres obras de este último álbum? ¿Se relacionan entre sí todas de algún modo?
–El trabajo de Salvador Brotons es muy querido. Su voz es romántica y expresiva. Su música realmente toca el corazón del público. Escribió para mi maestro en España, Gabriel Estarellas, y luego me vi obligado a encargarle también música. La primera pieza que le encargué apareció en el primer volumen de esta colección. Me fascinó el primer trabajo de Brotons para guitarra, Two Suggestions, escrito en 1979. Se lo dije y rápidamente respondió: "Te escribiré Two New Suggestions". Unos años más tarde, quise encargarle de nuevo, esta vez para que escribiera una pieza basada en antiguas melodías sefardíes. Soy judío y siempre me ha fascinado la cultura judía en España, cómo se unía con las culturas de árabes y cristianos en el sur del país. El maestro Brotons me escribió una obra profunda y virtuosa basada en melodías sefardíes. El segundo movimiento en particular es simplemente mágico.
Portraits from the Heartland de Jorge Muñiz es especial para mí porque muestra la evolución de las voces compositivas de maestro a alumno. Leonardo Balada fue el maestro de Jorge Muñiz, y definitivamente se pueden ver paralelismos entre los dos compositores. Disfruto particularmente este trabajo en tres movimientos porque se conecta con la música americana a través del género del bluegrass. Jorge captura a la perfección el alma folclórica del medio oeste de una manera personal y atractiva. El primer movimiento ha sido uno de los favoritos del público y se ha escuchado casi 150.000 veces en los últimos tres meses por Spotify. Para mí, Jorge es capaz de atraer a la gente a la vanguardia de la música contemporánea a través de la lente del bluegrass. Es muy inteligente. El nieto de Joaquín Turina, José Luis Turina, me escribió una obra que es un tour de force. Tiene tantos sabores, colores y timbres diferentes... Utiliza la guitarra al máximo. Me tomó todo lo que tenía para examinarlo, estudiarlo, interpretarlo y grabarlo. Es un hermoso soliloquio que entremezcla diferentes motivos y temas. Descubrir su verdadero significado fue un desafío, pero extraordinariamente gratificante. Espero explorar más esta pieza en el escenario del concierto.
–¿Por qué este cuarto volumen no ha sido publicado por Naxos como los tres primeros?
–Tengo una relación profesional maravillosa y duradera con la discográfica Naxos. Continuaré lanzando futuros cedés con ellos. De hecho, dos meses antes del lanzamiento del cuarto volumen, lancé un nuevo CD en el sello Naxos llamado Music from the Promised Land, una grabación con música israelí para mandolina y guitarra. Quería experimentar con un nuevo sello discográfico, así que lo probé. Trabajar con Frameworks Record Label fue una experiencia fantástica y me ha servido de mucho. Espero lanzar álbumes en ambos sellos discográficos. Debo señalar que ambos álbumes alcanzaron el número 1 en la lista de álbumes clásicos tradicionales de Billboard. No todos los días un álbum de guitarra clásica alcanza este nivel de reconocimiento. Me siento muy honrado.
–¿Cuáles son sus proyectos más inmediatos?
–No hay un momento en el que no esté involucrado en un proyecto o encabezando uno nuevo. Después de un largo descanso en las giras debido a la pandemia de Covid 19, estoy de vuelta en la carretera. Estuve de gira con el mandolinista Jacob Reuven como Duo Mantar durante un mes en los Estados Unidos. Estábamos de gira con el repertorio de nuestra última grabación, ese Music from the Promised Land del que le hablé. También tocamos música de Gabriele Leone y Astor Piazzolla. De hecho, uno de nuestros próximos proyectos es interpretar las Estaciones de Vivaldi y Piazzolla para mandolina y guitarra. Nunca se ha hecho antes. También vamos a hacer equipo con mi otro grupo de música de cámara y trío de guitarras, The Great Necks, y haremos un nuevo arreglo del Concierto para violín de Beethoven para mandolina y tres guitarras. Hablando de mi trío de guitarras, lanzaremos una nueva grabación de arreglos inéditos de obras de Turina, Albéniz, Falla, Granados y una obra francesa de Ravel. Estas obras de piano y de voz y piano nunca antes se habían escuchado en una guitarra. Suenan muy impresionantes. Además estoy trabajando en un CD monográfico de obras del compositor israelí-estadounidense Avner Dorman. Incluirá tres conciertos, incluido su concierto de mandolina, su concierto de guitarra y nuestro concierto doble, que recientemente encargamos y estrenaremos en 2022 en Israel. También hicimos encargos a Ittai Rosenbaum y a Ziv Cojocaru para que nos compusieran conciertos dobles. Mi dúo de violín y guitarra, Duo Sonidos, está trabajando en un nuevo proyecto musical brasileño, encargando a los compositores brasileños más importantes de la actualidad, como Clarice Assad, João Luiz, Egberto Gismonti, entre otros. Y, finalmente, estaré de gira como solista con obras de mi colección de música española del siglo XXI junto con algunas de mis obras españolas favoritas del pasado. También soy cofundador de una ONG llamada Kithara Project y estamos completando la construcción de una nueva escuela de música en la Ciudad de México. Hemos estado trabajando en la recaudación de fondos para este edificio durante más de cuatro años. También llevamos a cabo programas educativos de guitarra gratuitos durante todo el año en Boston y Albuquerque, Nuevo México.
[Diario de Sevilla. 21-12-2021]
EL ÁLBUM EN SPOTIFY
#adam levin#frameworks#eduardo morales-caso#leonardo balada#jorge muñiz#josé luis turina#salvador brotons#orquesta de extremadura#álvaro albiach#antón garcía abril#luis de pablo#cristóbal halffter#eliot fisk#gabriel estarellas#música#music#joaquín turina#isaac albéniz#enrique granados#manuel de falla#Spotify
0 notes
Text
Música clásica, novedad intimista y didáctica
Música clásica, novedad intimista y didáctica
Música: Conciertos – El dúo barcelonés formado por la flautista Almudena Vega y la pianista Cristina Naranjo mostrará en el MIMMA su aproximación a las composiciones de Bohuslav Martinu, César Franck y Salvador Brotons, con un formato novedoso de concierto de música clásica más didáctico y cercano al público. … El dúo barcelonés formado por la flautista Almudena Vega y la pianista Cristina…
View On WordPress
#A new perspective#Almudena Vega#Barcelona#Bohuslav Martinu#César Franck#compositores#concierto de música clásica#Conciertos#Conservatorio Superior de Música#Cristina Naranjo#dúo barcelonés#flautista#La Galería#La inégalité#Las Palmas de Gran Canarias#MIMMA#Museo Europeo de Arte Moderno#Museo Picasso#música clásica#Música en Otoño#Palacete Rodríguez Quelmes#pianista#recital diferente#Salvador Brotons#sonatas
0 notes
Text
Salvador Brotons estrena la ‘Cantata de Randa’ dedicada a Ramon Llull
http://eldianoticiario.tk/?p=127222&utm_source=dlvr.it&utm_medium=tumblr
0 notes
Photo
L'OBRA PIANÍSTICA DE SALVADOR BROTONS PER ALEX ALGUACIL
Salvador Brotonsés un d’aquells compositors actuals (no gaires) que em mereix tot l’interès per la…
View Post
0 notes