#photography project sonder | Explore Tumblr posts and blogs

leblogdemarinaetjm · 2 years ago

Text

youtube

DIMANCHE 23 JUILLET 2023 (Billet 3/3)

« JANE PAR CHARLOTTE » (sorti en janvier 2022 – 1h 30min)

Nous ne savons plus pour quelle raison mais nous l’avions raté lors de sa sortie mais le décès de Jane Birkin et quelques petits reportages vus à la télévision nous ont donné envie de voir le documentaire que sa fille, Charlotte Gainsbourg, a réalisé sur sa mère.

Il vient de ressortir mais ne se joue plus que dans 2 ou 3 cinémas à Paris, dont un qui se trouve dans le XVe, pas très loin de chez nous.

________________________________

Filmer le bonheur de peur qu’il ne se sauve, photographier ces mains, cette bouche, qui s’ornent désormais de taches et de rides mais qui sont bien là, charnues, vivantes, évoquer à demi-mot les regrets pour mieux les annihiler : le beau « Jane par Charlotte » est tout entier mû par la conscience du temps qui passe, habité par les absents, célébrant ceux qui restent, tout ce qui reste. C’est le film d’une fille (Charlotte Gainsbourg) sur sa mère (Jane Birkin), et en cela plus universel qu’on pourrait croire, sondant les tréfonds de l’amour filial – cet amour qu’on aimerait toujours simple et limpide, et qui reste décidément compliqué et mystérieux – un film qui demande peut-être aussi, à sa manière détournée, des preuves d’amour venant d’en face. Au début du film Jane qui dit à Charlotte « qu'elle n'a jamais eu d'affinité avec elle quand elle était petite... ».

Leur relation n’a rien eu d’évident. L’objet du film, qui commence par suivre Jane Birkin en tournée au Japon, est ainsi décrit par sa fille : sonder une réserve entre elles, « que tu n’as pas il me semble avec Lou [Doillon] ou Kate [Barry] ». Réponse de la mère : « Tu m’as toujours intimidée. » Après cette introduction qui frémit à bas bruit de tension, le film gagne peu à peu en intimité, jusqu’à devenir carrément serre gorge, construit de petits riens pourtant essentiels, loin de ce que ces deux femmes célèbres ont pu donner, jusqu’alors, à voir de leur vie – visite chez un éleveur de bouledogues, concert à New York, choix des graines pour les plantations… Deux grands absents, Serge Gainsbourg puis Kate Barry, font leur apparition, le premier lors d’une visite un peu ahurissante dans sa maison, où rien n’a changé, jusqu’aux aliments dans le frigo, la deuxième grâce à des films la saisissant dans la joie disparue de l’enfance. Habité aussi par la nostalgie, et même, fugacement, la culpabilité, « Jane par Charlotte » vient offrir une réparation, dans sa manière de prendre acte des liens interrompus.

Entrevoir la fin fait sauter toutes les digues, non pas celles de la pudeur – le film reste en cela fidèle à sa cinéaste – mais celles d’un amour immense qui n’osait pas se dire. « Je t’aime depuis toujours, mais je le comprends si bien aujourd’hui », chuchote la voix de Charlotte en off, dans les derniers instants, poignants. « J’aurais besoin que tu m’apprennes à vivre, que tu me réapprennes comme si je n’avais pas compris, comme si ce n’était qu’une répétition. »

(Source : « liberation.fr »)

_____________________________

JM est plutôt d’accord avec cette critique de Libé. Marina, elle, a été gênée, tout au long de la projection par les échanges entre la mère et la fille. « Cela ne nous regarde pas ! » sont les premiers mots qu’elle a prononcés quand les lumières se sont rallumées. Elle comprend que Charlotte ait eu envie de faire ce documentaire mais elle pense qu’il aurait dû rester dans la sphère familiale.

Ce qui n’a pas arrangé les choses, le son du cinéma « Chaplin Saint-Lambert » était nul ! Or, Charlotte a un timbre de voix d’une fillette anémique de 10 ans et Jane a une façon de parler au naturel qui aurait mérité des sous-titres. Toutes les personnes qui étaient autour de nous dans la salle ont dit qu’elles n’ont quasiment rien entendu.

C’est le drame des cinémas dits d’Art et d’Essai : le confort des fauteuils est presque toujours sommaire, la qualité de la projection est très moyenne et le son est le plus souvent médiocre. Certes, les places coûtent moins cher mais les grands distributeurs (Pathé, UGC…) nous ont habitué à une qualité, grâce à un matériel ultra-sophistiqué, dont on a du mal à se passer par la suite.

Marina a attribué au film ❤️❤️,4 et JM, ❤️❤️,8 (les reproches de JM qui l’ont empêché de lui donner plus, ne concernent pas que le son, la réalisatrice en a un peu trop rajouté dans le côté « foutraque » de sa mise en scène, comme pour excuser (« masquer ») son amateurisme dans ce domaine).

NB Mais la visite du 5 bis Rue de Verneuil, même courte, est un grand moment dans le documentaire.

____________________________

Cinéma Chaplin Saint-Lambert

6, Rue Péclet

Paris, 75015

Métro : Commerce

#Youtube

1 note · View note

k00271342 · 2 years ago

Text

After speaking with both Yvonne and Sylvia, I was given several artists that I could research. I decided to choose 1 artist at first to begin so I do not get overwhelmed and confused between lots of artists. I chose Gillian Wearing, an English artist who uses photography and video to capture and display the trauma, reality and the relative 'ugly side' of every day people and their behaviours. Her work sparks moral and physiological dilemmas in the viewers and causes you to think about everyone else's day to day lives.

I like her work as it is real, gritty and does not seem to shy away from anything that needs to be said.

I could try and see if I could replicate or try some of her methods like random interviews or willing portrait pictures with audio descriptions in my own project as it relates to peoples' experiences and that idea of sonder. Capturing the human experience in such a true and real form.

I do however, want to try and include more than just photos and videos under my theme, so I will not be limiting myself to Wearing's processes only.

Malon, D. and Schwabsky, B. (2002). Gillian Wearing Mass Observation. London: Merrell Publishers Limited.

8 notes · View notes

thevampireyou-th · 8 years ago

Photo

Some times I drive....

#my photography #my photos #my projects #blonde #drive #late #sleepy #cute #sonder #shadows #thought #contemplation #conversation

4 notes · View notes

maudie-pierre-de-grele · 4 years ago

Text

Tourner le dos – stratégies d’esquive et exposition au réel

Le théoricien américain Michael Fried est connu pour avoir interrogé très finement les dispositifs visuels du point de vue du rapport entre les éléments de l’image – c’est-à-dire les sujets ou les protagonistes de l’image – et le(s) spectateurs. Dans quel agencement très concret sont pris celui qui regarde l’image et ceux que l’on regarde dans l’image ? Est-ce qu’ils se font face ? S’ils se font face, Fried parle d’une théâtralité de l’image : les corps dans l’image se donnent au regard du spectateur, s’adressent à lui, s’exposent sans manières, avec autorité même parfois. Tout est mis en place pour que la confrontation directe puisse opérer. Elle peut intimider, gêner, s’imposer, attirer. On ne peut pas y échapper. Des formes de présence se croisent, les sujets dans l’image sont face à nous qui sommes devant l’image, on cherche à sonder des intentions réciproques. Mais quand on regarde un tableau ou une photographie, son sujet peut aussi nous échapper, littéralement détourner les yeux, baisser le visage, pivoter ses épaules, choisir un angle impossible, se pencher ou nous opposer son dos. Il arrive aussi que les protagonistes de l’image soient sur le départ, choisissent l’esquive, quittent la scène avant même qu’on ait pu les y rejoindre, et nous laissent là. Abandonnés à notre frustration ou à notre désir, on rencontre alors l’impossibilité de la rencontre. Avec leurs corps, ils disent silencieusement : nous ne sommes pas là pour vous. Gardant en mémoire le modèle précurseur d’une lithogravure de Géricault, L’entrée d’Adolphi Wharf (1821), où deux hommes nous tournent le dos et trois carnassiers leurs croupes, s’engageant ensemble dans un tunnel pour une raison qui nous reste inconnue, Michael Fried attire notre regard sur certains travaux photographiques contemporains et leur anti-théâtralité construite : dans les clichés de Jeff Wall par exemple, Fried invite à observer de nombreux sujets qui s’échappent, des êtres sur le départ, pris par des occupations ou des urgences dont on ignore la plupart du temps la nature, qui nous tournent le dos, comme cette femme d’ouvrage qui quitte la chambre d’hôtel quand on y entre, ou cet homme absorbé dans ses travaux de nettoyage. En ce sens, ce sont des représentations – certes très scénarisées mais – qui ne se jouent pas sur le mode frontal d’une théâtralité classique.

Naturellement on pense au caractère dissident du geste qui consiste à tourner le dos. On se souvient de la rage de Virginie Despentes après la cérémonie des Césars 2020, faisant écho au geste d’Adèle Haenel. C’est terminé. On se lève. On se casse. Cette rage-là était spectaculaire ; cette rage partagée par d’autres femmes répondait à un dégout absolu. D’autres communautés ont récemment exprimé leur ras-le-bol en tournant le dos. Elles ont tourné le dos aux politiques d’austérité, tourné le dos au mépris du personnel soignant. Des hommes et des femmes ont montré qu’ils en avaient assez d’endosser pour les autres la responsabilité de leurs actes, qu’ils refusaient désormais d’avoir bon dos, et qu’ils en avaient plein le dos. Sans être toujours aussi spectaculaires, directement politiques, les stratégies d’esquive offrent de multiples ressources. Elles expriment la méfiance, l’animosité ou le mécontentement. Gare à ceux qui se sont mis à dos les êtres blessés. Quand le rapport de force étouffe, oppresse et ne débouche sur rien, quand on sait qu’on ne sera pas entendu malgré notre agitation, quand les échanges prennent systématiquement la forme d’un piège, la seule solution consiste parfois à se détourner radicalement. À ne plus accorder son regard. Parce qu’on en a trop vu. Et à ne plus se laisser voir. Dans ses recherches sur Le monde interpersonnel du nourrisson (1985), le psychologue Daniel Stern montre que la vie préverbale des nouveaux nés repose entre autres sur le contrôle de la direction du regard. La rencontre visuelle – comme le sourire – est à l’évidence une forme puissante de communication sociale, et les conduites visuelles permettent au nourrisson de réguler le niveau et la quantité des échanges avec la mère. Détourner les yeux ou les fermer, regarder fixement ailleurs, prendre un regard vitreux, sont autant de manières de rejeter momentanément la relation ou de s’en défendre – et c’est par le regard que le nourrisson peut aussi reprendre l’initiative de la relation. S’absenter en tournant les yeux, se laisser absorber par autre chose, y compris quand on sent peser sur soi le regard de l’autre, peut parfois offrir la meilleure sortie.

L’esquive serait en ce sens une stratégie de résistance non-guerrière – voir ou se faire voir ailleurs. Une stratégie qui autorise et aide à trancher dans les relations dont on ne veut plus. Mais tourner le dos ne veut pas toujours forcément dire qu’on s’enfuit. Un dos peut d’ailleurs aussi séduire, susciter le trouble, revendiquer, frapper, appeler, être insolent, servir de bouclier. On le sent bien. Un dos peut provoquer le malaise tant il est chargé ou courbé ; un dos peut faire sentir la honte tant il est digne. De son côté, celui qui se détourne sait qu’il n’échappe jamais absolument au regard de l’autre, même quand il le quitte. Voilà ce qu’il y a de troublant dans cette affaire visuelle, et qu’on peut essayer de penser : l’image qui tourne le dos, elle s’échappe en restant là. Cette ambivalence constitue sa force. Car on peut tourner le dos en s’exposant, et même avancer face cachée. Se refuser et s’exposer. Avancer masqué. Les images nous apprennent qu’on peut tenir dans ces impossibilités. Comment le peuvent-elles ? Elles ont une particularité discrète et insistante : elles permettent une forme d’exposition étrange de leurs sujets, une exposition chaque fois risquée. Enquêter sur les images, les fréquenter, aide à éprouver et à décrire de multiples manières de s’exposer.

Définir l’image n’est pas une opération facile. On peut travailler sur les images sans se poser tout le temps et pour autant la question de ce qu’elles sont (on se pose plus souvent la question de ce qu’elles font). De très intéressants spécialistes des images ont tenu secrètes leurs définitions fondamentales. Un historien de l’art comme Aby Warburg par exemple ne formule jamais vraiment de définition philosophique de l’image : il pense l’œuvre d’art comme un « organisme énigmatique », une entité en tension, ce qui est suggestif sans être particulièrement élaboré. Qu’est-ce qu’une image finalement ? Selon ceux ou celles qui affrontent la question, plusieurs définitions possibles circulent – et la plupart de ces définitions décrivent un certain rapport de présence et d’absence. Un rapport plutôt inédit dans le paysage ontologique : l’image – entend-on souvent – est la présence d’une absence. Seuls les fantômes peuvent rivaliser avec ce type d’existence. Voilà qui est susceptible de rencontrer une première fois le problème autour duquel on tourne : l’image s’échappe en restant là. Et on pourrait même s’aventurer à penser que les images qui nous tournent le dos, ou qui nous montrent des dos tournés, assument en quelque sorte doublement leur nature d’image. Elles fonctionnent sur le mode d’une présence incomplète ou refusée. Une présence exilée, tournée vers une scène qui nous échappe. Une présence déjà ailleurs, qui trace des lignes de fuite.

Pour avancer plus franchement, on trouvera une définition de l’image efficace, implacable sur certains de ses aspects, simple sans être réductrice, dans le très beau livre d’Emanuele Coccia, La vie sensible (2010). Avec les outils de la théologie médiévale entre autres, Coccia rappelle que les images sont toujours indirectes, qu’elles ne sont pas directement le réel. Les images sont plutôt la projection d’une portion de réel à l’extérieur d’elle-même, à l’extérieur de cette portion de réel, dans un lieu qui peut l’accueillir, une surface, un support, un médium (toile, morceau de papier, écran, plan d’eau, miroir, sable, etc. – on peut presque imaginer une infinité de médias). L’image est donc selon Coccia une projection d’une partie de réel à l’extérieur d’elle-même, et la plupart du temps en son absence. On voit bien par exemple qu’on regarde surtout des photographies de ce qui n’est pas là (quelqu’un qu’on a longtemps ou même brièvement aimé, une enfance révolue, un pays dont on s’est éloigné, etc.). L’image permet de regarder les choses en leur absence. À suivre Coccia, les images sont des phénomènes sensibles (puisqu’on les perçoit avec nos sens), qui ne sont pas les choses elles-mêmes (une peinture de pipe, ce n’est pas une pipe), qui sont comme au-delà des choses, à l’extérieur des choses, plus loin que les choses. Quand ils deviennent des images, les fragments de réel sont accueillis dans un lieu particulier, un lieu « intermédiaire », qui se trouve en dehors d’eux, et qu’on appelle effectivement le médium.

Or il y a une situation à la fois commune et très étrange que nous connaissons tous, qui réclame la confrontation directe du réel et de sa projection hors de lui-même : l’image dans le miroir. Voilà un cas particulier, où un corps et son image se font face et sont pareillement requis pour que l’expérience ait lieu. L’image dans le miroir peut constituer en raison de son exceptionnalité un bon exemple du pouvoir des images, de leur efficacité, ou de leur « agence », comme on dit aujourd’hui en référence à un concept inventé par Alfred Gell. Elle constitue aussi un contre-modèle frappant de l’image de dos. Impossible de se tourner complètement le dos face au miroir. Pour voir son dos dans un miroir, sans utiliser l’artifice d’un autre médium (écran ou miroir de poche), et avec tous les détours et contorsions possibles ou imaginables, il faut au minimum rester accroché par les yeux – et donc ne pas se tourner tout-à-fait.

Que se passe-t-il quand on se fait face par l’entremise d’une glace ? À quel type d’exposition renvoie cette expérience ? À l’évidence notre image dans le miroir a une puissance de mise en trouble bouleversante. Si on repense à la définition de l’image à peine évoquée, on comprend avec Coccia que l’expérience qui consiste à se regarder dans le miroir est étonnement singulière. Quand on plonge dans ses propres yeux, quand on échange un regard avec ses propres yeux, on fait inévitablement l’épreuve d’une confrontation avec soi-même séparé de son corps, exilé de son corps, et pourtant face à lui. Car on ne devient une image que lorsque l’on parvient à exister hors de son lieu propre, dans un autre lieu que le sien, dans un autre lieu que le corps, hors du corps (pour cette raison sans doute certaines personnes ne supportent pas de se voir en image et y reconnaissent une affaire impossible). On se sent dans ce miroir inerte où l’on sait ne pas vivre. Tout à coup, en se regardant, on est étranger à soi-même, on devient une extériorité absolue. Je me vois, je me perçois, mais dans un lieu où je ne suis pas, où je ne respire pas, où je ne pense pas, qui n’est pas le lieu de mon intériorité, de mes habitudes, et qui est à l’extérieur de moi. Autrement dit, quand ceux qui s’accrochent à leurs reflets donnent l’impression d’y chercher la confirmation rassurante d’eux-mêmes, ils relancent en réalité aussi infiniment le jeu d’une pénible expérience d’écart à soi, et même d’arrachement à soi – une expérience à la fois osée et risquée. On imagine qu’il est possible de s’y perdre, de s’y noyer. Qu’on peut s’épuiser à chercher une confirmation rassurante de soi dans ce qui fait si radicalement écart.

De la même manière, certaines photographies autoproduites (selfies), quand elles ne sont pas de ridicules promotions sans ironie de soi, non seulement révèlent par leur construction des défauts du sujet (elles prennent leur sujet « en défauts »), non seulement assument en tant qu’opération quelques fragilités (par leur caractère bricolé, brouillon, etc.), mais elles mettent en scène la difficulté même de l’image de soi, son impossibilité, son malaise. Elles sont donc en quelque sorte des contre-portraits. Elles sont la mise en scène de l’étrangeté – voire de la panique parfois – qu’il y a à se regarder. Elles sont des gestes de « contre-narcissisme », si on se contente de la définition non savante du narcissisme. Le selfie nous dit alors : voyez comme se regarder est troublant, voyez le ridicule de la situation, voyez comme je transforme ma honte d’être en face de moi en parade artificielle (par un surinvestissement de la mise en scène), voyez comme je me ressaisis, ou voyez comme je me perds, voyez comme mon regard se perd, voyez comme mon « moi » est tissé d’altérités, qui surgissent dans l’image, voyez comme il est compliqué de construire une image stable, voyez comme nous sommes multiples.

L’image, qui est toujours projection hors de soi, implique – comme l’indique l’expérience du miroir – une forme d’exposition risquée. Construire une image autrement dit, quelle qu’elle soit, revient à s’exposer. On ne peut pas maitriser absolument son image ; il faut lâcher, lui donner un bon de sortie (de soi). Ce n’est pas évident ; les images sont en même temps ce qu’on a le plus besoin de contrôler. Chacun peut assumer s’agissant de soi une relative prise de risque, et un degré d’étrangeté limité, qu’il tentera de réguler. L’image traduit un rapport complexe à l’extérieur, à l’étranger – et les images qui se présentent de dos n’échappent pas à cette nécessité. Elles sont des manières de s’articuler au réel, de composer avec lui. Choisir de s’avancer masqué revient à négocier une forme vivable d’exposition. Ne laissons pas penser trop vite que se faire voir de dos serait plus facile, plus confortable ou plus lâche. C’est juste autre chose. En ne montrant pas son visage, en réservant son regard, en se tournant vers ailleurs, on se rend autrement vulnérable. On s’expose à tout ce qu’on pourra dire dans notre dos. Aux rumeurs et aux insultes. Tant pis. On assume la possibilité d’un coup dans le dos. Tant pis aussi. On sait qu’on sera peut-être suivi, puis dépassé par quelqu’un qui profitera de l’aspiration. Tant pis encore.

Enfin, tourner le dos au spectateur contrevient aux attendus du portrait. Dans un portrait classique, le sujet s’adresse physiquement à celui qui l’observe. Les protagonistes de l’image apparaissent à l’avant-plan, ou occupent la partie centrale de la représentation, tournant éventuellement eux-mêmes le dos à une scène se déroulant en arrière-plan. On retrouve la même théâtralité dans la photographie autoproduite : ces clichés qui peuvent être pris sur le vif d’une rencontre fortuite ou d’un accident, attestant de l’inscription du photographe dans une scène hors du commun, mettent le sujet, qui est ici de surcroit l’opérateur de l’image, face à nous mais dos à la scène. Par contre, dans les œuvres retenues pour l’exposition, il y a bien renversement complet du dispositif scénique habituel. Il ne s’agit plus de se montrer et de tirer valeur de la scène en arrière-plan. Mais de déchirer le fond (éventuellement en y lançant des pierres), de se retourner vers lui pour s’y engager, et d’entraîner par là le spectateur dans l’image. Comme les lancés de pavés photographiés par Gilles Caron : ces manifestants ouvrent devant nous un champ de bataille politique, tournent le dos au jeu de la représentation et font face au réel qui les requiert.

(juin 2020)

Texte rédigé pour l’exposition «Vu·e de dos», publié dans le catalogue de l’exposition (Delta, Namur, jusqu’au 3 janvier 2021)

Artistes : Carlos Aires, Jane Evelyn Atwood, Charlotte Beaudry, Michael Borremans, Dirk Braeckman, Gilles Caron, John Coplans, Daniel Dezeuze, Sylvie Eyberg, Esther Hovers, Yves Lecomte, Adam Mc Ewen, Bruce Nauman, Shirin Neshat, Simone Niquille, Ria Pacquée, Michelangelo Pistoletto, Simon Schubert, Trine Søndergaard, François Struzik, Freddy Tsimba.

#image #exposition #art

1 note · View note

junowyear3 · 3 years ago

Text

Presentation Strategies

Re-installation of my Term Three Photography project.

The original project took place before lockdown, my intentions were to install it using a lightbox but I never got that chance due to a lack of resources at home, for this Week 1 project I found this the perfect opportunity to complete what I originally wanted.

Darkroom installation, the main focus of this project was the installation of the lightbox into the studio space, so with help from Oleg we constructed a frame to install the lightbox flush against the wall, following gallery exhibition traditions (1.5m, flush to wall, standard rectangle)

To then incorporate the photographs into this new project compared to the originals last year, I've reprinted them onto A3 sheets of tracing paper to fit the A3 lightbox better. Yet the images themselves remain the same scale to keep some of those crisp details in the photographs. The lightbox really assists in the overall clarity of each layer merging together, I feel it has really improved the viewing of this project.

Project notes:

- Wanted to capture the experience of a journey/ trip through Auckland city, the people and scenes you might experience, all of this into a very fast-paced experience of taking it all in

- "Sonder": the realization that each random passerby is living a life as vivid and complex as your own

- Chaotic composition, busy, overlapping, moments of interrupting and harmonizing images

- Oversaturation of content in one image

- Some moments of clarity, really crisp minuscule details that stand out, and some moments that are dense and layered to the point of the images becoming ambiguous and dirty (I like to imagine this is a reflection of the grungier side of Auckland)

- Rather than being an immersive installation (I could approach this from the viewpoint of wanting the viewer to feel as if they could emerge themselves into this chaos), I want it to be a snapshot/ a snippet/ a glimpse/ an impression into this world.

Materials and processes:

- Layered sheets of tracing paper, multiple images printed on single sheets- not digitally layered, rather repeatedly putting a single sheet of paper through the printer multiple times, this way the process becomes more spontaneous.

- Act of layering images onto one another, this is my attempt of creating movement despite using still images, the overlapping images is a replication of the visual experience of riding on the bus up Queen street, most is a blur, but a few people or buildings or signage stands out to me.

Other methods of the presentation I considered/ experimented with were the use of scale and presenting the work in another studio location, such as using a window as a natural lightbox, incorporating the outside world into the work itself. Testing out using the window as my natural lightbox:

Perhaps if I were more invested in this project then I could’ve present a better series of photographs for this window work, potentially this could’ve been quite successful and exciting, however the printer was being a little bit difficult and made the process frustrating and slow. This made me cut the experimentation short because I didn’t want to stress over something that wouldn’t be impacting my actual practice and term assignments.

28.02.22

Senior Seminar, summing up our team’s work in one sentence using the research matrix, thank you Delaney for writing mine!:

“Juno employs optical and illusionary strategies to explore the repetition of urban architecture and how it shapes the composition of our daily lives.”

1 note · View note

shitexpressions · 7 years ago

Photo

C L Photography

“Sonder”

4th Project

7/7

#Art #photography #project #school #student #city #aarhus #dark #alone #grunge #colors #mist #buildings

10 notes · View notes

architectnews · 4 years ago

Text

King Abdullah Petroleum Studies & Research Centre

KAPSARC, Riyadh Building Development, Saudi Arabian Architecture, Middle East

King Abdullah Petroleum Studies & Research Centre in Riyadh

5 Dec 2020

KAPSARC, Saudi Arabia

Design: ZHA

Location: Riyadh, Saudi Arabia

KAPSARC (King Abdullah Petroleum Studies and Research Centre) is a non-profit institution for independent research into policies that contribute to the most effective use of energy to provide social wellbeing across the globe.

KAPSARC develops policies and economic frameworks that reduce the environmental impact and overall costs of energy supply and enable practical technology-based solutions to use energy more efficiently.Collaborating with international research centres, public policy organisations, worldwide government institutions and global industry, KAPSARC brings together leading experts from around the world to tackle energy challenges; freely sharing its knowledge, insights and analytical frameworks.

The 70,000 sqm KAPSARC campus incorporates five buildings: the Energy Knowledge Centre; the Energy Computer Centre; a Conference Centre with exhibition hall and 300-seat auditorium; a Research Library with archives for 100,000 volumes; and the Musalla, an inspirational place for prayer within the campus.

KAPSARC’s design has solid technical and environmental considerations at its heart, drawing the five elements of the campus into a unified whole.

ZHA’s first project to be awarded LEED Platinum certification by the US Green Building Council, the centre is designed in response to the environmental conditions of the Riyadh Plateau to minimise energy and resource consumption.

The primary organising strategy of the design is a cellular, partially modular system that integrates different departmental buildings as a single ensemble with interconnecting public spaces.

Hexagonal prismatic honeycomb structures use the least material to create a lattice of cells within a given volume. This structural and organisational principle determined KAPSARC’s composition as an amalgamation of crystalline forms that emerges from the desert landscape, evolving to best respond to the environmental conditions and internal programme requirements. The honeycomb grid is compressed towards its central axis as an extension of the natural wadi that runs to the west.

The modular design generates consistent organisational, spatial and structural strategies that drive all elements of the plan. The six sides of the hexagonal cells also offer greater opportunities for increased connectivity when compared to rectangular cells with only four sides.

KAPSARC’s five buildings differ in size and organisation to best suit their use. Each building is divided into its component functions and can be adapted to respond to changes in requirements or working methods. Additional cells can readily be introduced by extending KAPSARC’s honeycomb grid for future expansion of the research campus.

The buildings of the campus surround a large public courtyard shaded by canopies supported from a forest of crafted steel columns. Presenting a solid, protecting shell to the harsh sunlight from the south, the KAPSARC campus opens to north and west; encouraging prevailing winds from the north to cool the courtyard during temperate months and facilitating connections with any future expansion of the campus to the north, as well as creating connections with the researcher’s residential community to the west.

Privileging the pedestrian, each of the buildings within the campus is entered through this central public courtyard that also serves as a meeting space and link between buildings during temperate seasons. An underground link also connects the main buildings on the campus for use at the hottest times of the year.

With its strong, protective shell on the exterior that shields from the extremes in weather, KAPSARC’s architecture is porous within. Specific hexagonal cells strategically located within each building are left open to create a series of sheltered courtyards that bring softly-controlled daylight into the interior.

Orientated for the sun and wind conditions, the crystalline forms of the prismatic architectural cells gain in height towards the south, west, and east to shield internal spaces from direct sunlight, while the courtyards within are oriented to the north and northwest to bring indirect sunlight into the spaces below.

‘Wind-catchers’ integrated within the roof profiles on the southern sides of each courtyard catch the prevailing winds from the north, cooling each courtyard.

KAPSARC’s architecture promotes transparency and encourages an active exchange between researchers and visitors. By strategically off-setting floorplates, spatial layering effects are created throughout the centre to provide views to the floors above and below; offering transparency between floors in public areas designed as collective zones for researchers to meet informally and exchange ideas. Secure areas and rooms requiring privacy are located within areas of each building where floorplates overlap.

KAPSARC was awarded LEED Platinum certification from the United States Green Building Council (USGBC) through its application of passive and active solutions including:

A 45% reduction in energy performance (compared to the ASHRAE baseline standards) achieved via KAPSARC’s building massing and orientation, façade optimisation, system selection and the solar PV array located on the roof of the south-facing Conference Centre with a capacity of 5,000MWh/year.

All KAPSARC’s potable water is recycled and reused on site and 100% of irrigation water is from non-potable sources.

40% of KAPSARC’s construction materials have been sourced from within 500 miles, and 30% of materials made with recycled content.

98% of all wood certified by the Forest Stewardship Council (FSC).

4,000 tonnes of waste separated and diverted from landfill.KAPSARC has also been named Saudi Arabia’s ‘smartest’ building in the Honeywell Smart Building Awards programme. Based on criteria that include environmental sustainability, safety and productivity, KAPSARC received outstanding scores across all three categories.

King Fahad National Library Riyadh – Building Information

Location: Riyadh, Saudi Arabia Date: 2009/2017 Client: Saudi Aramco Status: Completed Size: 70,000 sqm

Architect: Zaha Hadid Architects (ZHA) Architectural Design: Zaha Hadid and Patrik Schumacher Project Director: Lars Teichmann and Charles Walker Design Director: DaeWha Kang Project Site Team: John Simpson (Site Associate), Alejandro Diaz, Anas Younes, Annarita PapeschiAritz Moriones, Ayca Vural Cutts, Carlos Parraga-Botero, Javier Rueda, Malgorzata Kowalczyk, Michal Wojtkiewicz, Monika Bilska, Sara Criscenti, Stella Dourtme

Project Leaders: Fabian Hecker (Research Center), Michael Powers (Conference Center), Brian Dale / Henning Hansen (Library), Fulvio Wirz (Musalla / IT Center), Elizabeth Bishop (Facades/2d Documentation), Saleem A. Jalil / Maria Rodero (Master Plan), Lisamarie Ambia/Judith Wahle (Interiors), Bozana Komljenovic (2d Documentation), John Randle (Specifications), John Szlachta (3d Documentation Coordinator)

Project Team: Adrian Krezlik, Alexander Palacio, Amdad Chowdhury, Amit Gupta, Andres Arias Madrid, Britta Knobel, Camiel Weijenberg, Carine Posner, Claire Cahill, Claudia Glas-Dorner, DaChun Lin, Daniel Fiser, Daniel Toumine, David Doody, David Seeland, Deniz Manisali, Ebru Simsek-Lenk, Elizabeth Keenan, Evan Erlebacher, Fernanda Mugnaini, Garin O’Aivazian, Giorgio Radojkovic, Inês Fontoura, Jaimie-Lee Haggerty, Jeremy Tymms, Julian Jones, Jwalant Mahadevwala, Lauren Barclay, Lauren Mishkind, Mariagrazia Lanza, Melike Altinisik, Michael Grau, Michael McNamara, Mimi Halova, MohammadAli Mirzaei, Mohammed Reshdan, Muriel Boselli, MyungHo Lee, Nahed Jawad, Natacha Viveiros, Navvab Taylor, Neil Vyas, Nicola McConnell, Pedro Sanchez, Prashanth Sridharan, Roxana Rakhshani, Saahil Parikh, Sara Saleh, Seda Zirek, Shaju Nanukuttan, Shaun Farrell, Sophie Davison, Sophie Le Bienvenu, Stefan Brabetz, Steve Rea, Suryansh Chandra, Talenia Phua Gajardo, Theodor Wender, Yu Du

Competition Design Team: Lisamarie Ambia, Monika Bilska, Martin Krcha, Maren Klasing, Kelly Lee, Johannes Schafelner, Judith Schafelner, Ebru Simsek, Judith Wahle, Hee Seung Lee, Clara Martins, Anat Stern, Daniel Fiser, Thomas Sonder, Kristina Simkeviciute, Talenia Phua Gajardo, Erhan Patat, Dawna Houchin, Jwalant Mahadevwala

Engineering: ArupInterior Design: Woods Bagot Landscape Design: GROSS.MAX Lighting Design: OVI Catering and Kitchen Design: Eastern Quay and GWP Exhibition Design: Event Artwork: International Art Consultants Branding and Signage: Elmwood and Bright 3d Library Consulting: TribalCost Consulting and Design Project Management: Davis Langdon

ALL Photography: Hufton+Crow

King Fahad National Library Riyadh, Saudi Arabia images / information received 051220 from Gerber Architekten

Location: Riyadh, Saudi Arabia, the Middle East

Architecture in Saudi Arabia

KSA Architectural Projects

Saudi Arabia Architecture Designs – chronological list

Saudi Arabia Architecture News

Triple Bay and The Coastal Development, Prince Mohammed bin Salman Nature Reserve Master Planners: HKS Architects Triple Bay at AMAALA Triple Bay & Coastal Development

Urban Heritage Administration Centre, Diriyah, Addirriyah, north-western outskirts of the Saudi capital Design: Zaha Hadid Architects render : Methanoia Urban Heritage Administration Centre in Diriyah

Saudi Arabia Buildings – Selection

Saudi Arabian Architecture Competition, Madinah Design: Rafael de La-Hoz, Spain image courtesy of architects office The Noble Quran Oasis in Madinah, Landmark in KSA

King Fahd International Stadium, Riyadh, KSA Design: Schiattarella Associati, Architects image courtesy of architects King Fahd International Stadium in Riyadh

Addiriyah Contemporary Art Center Design: Schiattarella Associati, Architects image courtesy of architects Addiriyah Contemporary Art Center KSA

Saudi Arabia Buildings

Comments / photos for the King Fahad National Library Riyadh, Saudi Arabia page welcome

Website: Saudi Arabia

The post King Abdullah Petroleum Studies & Research Centre appeared first on e-architect.

#e-architect

0 notes

billiepockets-blog · 6 years ago

Photo

RESEARCH

ROBERT BERGMAN - PHOTOGRAPHER

I am seeing this project as a portrait rather than a narrative.

Robert bergman is a documentary photographer shooting primarily on the street, candid but not stolen photographs. He has a really incredible eye for faces.

his lighting is always soft and because he is clearly respectful and connects to his subjects there is a lot of clarity and emotion in the expression. its a very sympathetic and kind lens.

Photography of this sort is a fixed memorial of a life that walks past you. in a book or a gallery space, because of his beautiful capture, you look over and over the faces and you bond, imagine lives and names and remember that your world is shared and not centred on your own consciousness.

“sonder” n. the realization that each random passerby is living a life as vivid and complex as your own Everyone wants to make a mark, to be remembered, to matter. With these photos, as the viewer, we are placed below the subject, we arent the voyeur, we are a consumer, lucky witness. The lives are honored. We ignore hundreds of people a week. I sat on the bus this morning with a womans body pressed against my own, and i was surprised when i put my phone down and realised she was there.

0 notes

juliandmouton30 · 7 years ago

Text

Zaha Hadid Architects reveals honeycomb-like oil research centre in Riyadh

Hexagonal pods interlock like honeycomb to form the King Abdullah Petroleum Studies and Research Centre, built by Zaha Hadid Architects in the Saudi Arabian capital Riyadh.

The huge building was designed by London-based Zaha Hadid Architects to provide facilities for researchers investigating the transition towards more sustainable power sources in one of the most oil-rich countries in the world.

With a mission to research the most effective use of energy, the King Abdullah Petroleum Studies and Research Centre (KAPSARC) has been designed to achieve a LEED Platinum sustainability certification.

The modular honeycomb formation of the building allows for future adaption and expansion of the research campus. The faceted form of the cells is highlighted by angular cut outs in their flanks and latticed skylights.

This layout is one of several passive and active systems that aim to minimise energy consumption in the hot desert climate of Riyadh.

"Hexagonal prismatic honeycomb structures use the least material to create a lattice of cells within a given volume," explained the studio.

"This structural and organisational principle determined KAPSARC's composition as an amalgamation of crystalline forms that emerges from the desert landscape, evolving to best respond to the environmental conditions and internal programme requirements."

Similarly, rooftop solar panels have a capacity to store up to a huge 5,000 megawatts per year, and potable water is recycled and reused across the site.

The 70,000-square-metre facility comprises five interconnected buildings: the Energy Knowledge Centre, the Energy Computer Centre, the Conference Centre, the Research Library and the Musalla prayer space.

The pods are oriented to lessen the impact of the harsh light and heat of the Riyadh Plateau, and a public courtyard at the centre of the campus is shaded by canopies on branching columns.

The building lifts from the ground to the north and west of the site to allow any breeze to permeate to the courtyard.

During the hottest parts of the year, researchers can travel between the different buildings via an underground passage.

A series of smaller courtyards are also provided by the gaps left where the pods angle away from each other, and are cooled by "wind-catchers" built into the roof profiles.

Zaha Hadid Architects is also currently working on an archeology centre for a UNESCO-protected site in Saudi Arabia, which will be dedicated to protect the archaeological sites of Wadi Hanifah, a 120-kilometre-long valley that cuts through the city of Diriyah.

Photography is by Hufton + Crow.

Project credits:

Architect: Zaha Hadid Architects Architectural design: Zaha Hadid, Patrik Schumacher ZHA project director: Lars Teichmann, Charles Walker ZHA design director: DaeWha Kang ZHA project site team: John Simpson (site associate), Alejandro Diaz, Anas Younes, Annarita Papeschi, Aritz Moriones, Ayca Vural Cutts, Carlos Parraga-Botero, Javier Rueda, Malgorzata Kowalczyk, Michal Wojtkiewicz, Monika Bilska, Sara Criscenti, Stella Dourtme ZHA project leaders: Fabian Hecker (research center), Michael Powers (conference center), Brian Dale/Henning Hansen (library), Fulvio Wirz (musalla/IT center), Elizabeth Bishop (facades/2d documentation), Saleem A Jalil/Maria Rodero (master plan), Lisamarie Ambia/Judith Wahle (interiors), Bozana Komljenovic (2d documentation), John Randle (specifications), John Szlachta (3d documentation coordinator) ZHA project team: Adrian Krezlik, Alexander Palacio, Amdad Chowdhury, Amit Gupta, Andres Arias Madrid, Britta Knobel, Camiel Weijenberg, Carine Posner, Claire Cahill, Claudia Glas-Dorner, DaChun Lin, Daniel Fiser, Daniel Toumine, David Doody, David Seeland, Deniz Manisali, Elizabeth Keenan, Evan Erlebacher, Fernanda Mugnaini, Garin O’Aivazian, Giorgio Radojkovic, Inês Fontoura, Jaimie-Lee Haggerty, Jeremy Tymms, Julian Jones, Jwalant Mahadevwala, Lauren Barclay, Lauren Mishkind, Mariagrazia Lanza, Melike Altinisik, Michael Grau, Michael McNamara, Mimi Halova, MohammadAli Mirzaei, Mohammed Reshdan, Muriel Boselli, MyungHo Lee, Nahed Jawad, Natacha Viveiros, Navvab Taylor, Neil Vyas, Nicola McConnell, Pedro Sanchez, Prashanth Sridharan, Roxana Rakhshani, Saahil Parikh, Sara Saleh, Seda Zirek, Shaju Nanukuttan, Shaun Farrell, Sophie Davison, Sophie Le Bienvenu, Stefan Brabetz, Steve Rea, Suryansh Chandra, Talenia Phua Gajardo, Theodor Wender, Yu Du ZHA competition design team: Lisamarie Ambia, Monika Bilska, Martin Krcha, Maren Klasing, Kelly Lee, Johannes Schafelner, Judith Schafelner, Ebru Simsek, Judith Wahle, Hee Seung Lee, Clara Martins, Anat Stern Daniel Fiser; Thomas Sonder, Kristina Simkeviciute, Talenia Phua Gajardo, Erhan Patat, Dawna Houchin, Jwalant Mahadevwala Engineering: Arup Interior design: Woods Bagot Landscape design: GROSS.MAX Lighting design: OVI Catering and kitchen design: Eastern Quay and GWP Exhibition design: Event Artwork:International Art Consultants Branding and signage: Elmwood and Bright 3d Library consulting: Tribal Cost consulting and design project management: Davis Langdon

The post Zaha Hadid Architects reveals honeycomb-like oil research centre in Riyadh appeared first on Dezeen.

from ifttt-furniture https://www.dezeen.com/2017/10/26/zaha-hadid-architects-king-abdullah-petroleum-studies-research-centre-riyadh-saudi-arabia/

0 notes

izzysoperfad-blog · 8 years ago

Photo

Dragons’ Den Project Presentation Feedback (Transcribed Below)

[- Erwin Wurm; Interactions in an environment - Doug Fishbone; Presentations as art (viral video) - Fluxus art movement - Sam Taylor Wood; David Beckham "sleeping" - Marlene Haring; "Licking Windows" (Lickingglass) - Maired O'Heocha; Lead Shoe Video - Angela Bartram; Licking Dogs - Janine Antoni; Raw - Helen Chadwick - Funki Porcini Films - Heather Phillipson Films + Installations - Gregor Schneider; Die Familie Schneider - JON RAFMAN (bae) - Marina Abramović; Chocolate Lips - Durational Performance; couple licked a giant gobstopper every day for months until it was gone (email Tess Russell Pierce) - Yves Klein; the specialisation of sensibility in the raw material state into stabilised pictorial sensibility - Ordinary + Odd - "Random" - Comfortable vs. Uncomfortable - Interactions between people - Analysis of curatorial connections between artworks; analyse on blog - Hands - Oral Fixation - Videos/Recordings of chewing - "Sonder" - Hankies in sleeve]

The feedback for my Dragons’ Den presentation was wholly positive - I received lots of ideas that expanded on my original artist research, and this allows me to continue furthering my FMP.

Myfanwy suggested that I do all 3 of a photography series, a film and an installation, so I will be working hard on trying to produce all three.

#fmp #presentation #dragons' den #progress #reflection #development

0 notes

s-o-n-de-r · 6 years ago

Photo

Lights | Young the Giant headlining tour | Coca-Cola Roxy at Atlanta | 10/27/18 | Photos by Alex Marie

Electro-pop musician Lights has been a staple on sonder, and in her most recent effort, she’s gone on the road with Young the Giant in pursuit of bringing her Skin & Earth saga to a new group of people. Her opening set in Atlanta at the Coca-Cola Roxy was much shorter than the typical Lights experience, with her set consisting primarily of songs from Skin & Earth. This is contrast to her last tour, a headliner in which she explored a large portion of her catalog. Of course, this is to expect on a tour as an opener, but just because her set was shorter didn’t mean fans couldn’t get the Lights experience. In a number of stops on the tour, she has hosted meet and greets at comic shops before the show, so fans have had a chance to talk to her and get pictures. In Atlanta, the crowd of fans stretched almost entirely around Dr. No’s Comics, and despite the long line, she spent a good amount of time taking photos, having conversations, and signing items. These meet and greets help make the show more of whole experience for the fans who are only there to see Lights.

As the year winds down, it will be interesting to see where Lights goes next, especially since she’s been teasing a special project that looks like it will be a Skin & Earth acoustic.

---

Words by sonder editor Andrew Friedgen. Photos by sonder photographer Alex Marie. Like this? Sonder is an independent music, travel and photography publication at sonderlife.com. Give us a follow here or at our Twitter, Instagram or Facebook for more content like this!

Also check out:

The Maine’s red era: hitting their stride in independence

All of our previous Lights content

American Football: The emo anomaly

Reflections on the last Vans Warped Tour

Taking Back Sunday - Tampa, FL - photo gallery

#lights #young the giant #lights poxleitner #lights bokan #skin & earth #bands #band blog #by alex #Features

4 notes · View notes

n9948856-blog · 8 years ago

Text

Blog #6: Minor Charrette Reflection

With week 7 being the week of the minor charrette, all had been very, very uncertain.

Initially, I had been quite worried over the fact that we had to spontaneously form groups out of a crowd that consisted of the entirety of DXB101 students- only to cram and generate the solution to a design brief within a span of 2 hours. From ideating to developing a promotional video, preparing our slides and finally presenting our concept in the lecture where it all came together; the process was extremely grueling and rushed.

The brief that we were tasked with was to design “…an innovative concept [based within the Botanic Gardens] to meaningfully engage people into sharing stories…” (Choi, 2017). The context behind the project was inspired by Brisbane’s metaphorical status as a ‘melting pot’ of cultures; from the beginning to the end, everyone is shaped by a collection of tales that essentially defines their existence and being as a person (Choi, 2017). Our design needed to serve as an accessible platform to convey some form of storytelling- be it a person’s life story or a simple, everyday experience.

When I had met up with my party, we made our way into the Botanic Gardens to enrich ourselves in the atmosphere of the area where the project would actually take place. Finding a bench, we sat ourselves down, commencing our preparation for the oncoming storm.

(Diagram of the Designing Process, Lee, 2012)

Following the general designing process above, we had automatically assigned ourselves several questions that we could centre our project around and effectively narrow our focuses on. Evolving from the most basic of queries, we were able to identify two significant factors that were vital to the project.

· How would one define storytelling?

· What were the different forms of storytelling that we could concentrate on?

These key points played a core role in shaping the foundations of our outcome. To us, we defined storytelling as both a combination of personal history as well as a creative outlet manifested from fantasy- both of which we used as the basis of our design. What we needed to research however, concerned the cultural background of the gardens themselves- something that had embedded itself into the area over the years.

(Botanic Gardens,Brisbane Marketing, 2017)

Unfortunately, I do believe that the amount of time dedicated to research was lacking- this meant that some of the decisions that we had implemented into our final design were unrealistic or even uninformed. The research conducted was more quantitative and practically obtained in contrast to the boring old look-up-and-record method that I was used to, but that didn’t make the data gathered any less valuable. Again, we generated several questions that we wanted answered.

· What will be the project’s targeted demographic?

· Who are the primary visitors of the botanic gardens?

· How might we make this an interactive and accessible experience for those involved?

· What other projects have been held in the botanic gardens?

Observing our surroundings, it was apparent that the majority of garden-goers were either families, joggers or cyclists- perhaps this was a hint to our potential demographic? No. Unfortunately, not. Although these groups were identified, I believe that the audience that we had set for our concept had been far too broad. The consumers came under an expansion of ‘all those who would visit the gardens’- which of course, was our first mistake. It essentially meant that our targeted demographic was ‘everyone’ and it is impossible to specifically design something that could cater to this limitless crowd.

We did however, try to place emphasis on making the project easily accessible. Judging from the previous events that were held in the Botanic Gardens, most of them were usually to do with strolling the area. We thought that perhaps we could combine both physical elements such as the garden landscape- with digital trends that could make the project appealing to younger audiences who were ‘in the times’.

From there, we began to brainstorm some concepts that played with gimmicks such as augmented reality (AR), virtual reality (VR), QR codes, geocaching, social media and app development. All of which were functions that were heavily inspired from existing media like Pokémon Go, Bitmoji, Instagram, mapping apps and Snapchat.

Using a number of bases, we generated several design proposals. The first involving no digital implementation, was a fun run that would take place through a circuit in the gardens- several question booths asking about a particular memory would be set out along the way. As participants reach each booth, they can choose to record their past experiences according to the question prompt, the memories are then given to staff to be pasted into a collaborative collage wall. Through gathering these memories and interweaving them with others, a large collection of tales can be amassed and shared to the public.

The issues that we had identified in this method however, was the sustainability of the project- would the usage of paper notes be damaging to the environment? Would people be willing to continue the event? How would we cater to those cannot or don’t want to run?

The concept needed to be altered, this is where the digital component came in- but we had to compromise the accessibility of the project as not everyone would possess the necessary equipment to participate.

Instead of using the fun run mechanic, we chose to install semi-permanent geocache points in the form of QR codes. Though developing a compatible mobile app to use as a platform, users could engage in a pleasant stroll-like, scavenger hunt whilst enjoying the scenery; to find and scan the scattered codes which would be pasted onto random fixtures such as the billboards found in the gardens. After scanning, an augmented interface would appear on the phone’s camera; prompting the users to record a memory.

In terms of the previous idea, the QR codes would serve the same purpose as the question booths from before. Differing prompts would be hidden in different spots but if the user preferred not to record anything, they could also view the stories that had been recorded by others beforehand. The saved stories would ‘project’ from the fixture that the QR code is pasted onto, as a collage from through augmented reality. It was also proposed that each user could be assigned an avatar similar to Bitmoji, to encourage an interpersonal bond with the project and promote the visual execution of the concept’s design. Every so often the memories would be archived and moderated to avoid clutter and the sharing of inappropriate content.

The name that we chose to give to our project was ‘Sonder’. Sonder defines the very realization that each passerby possesses a life so vibrant, so complex that may either contrast or even blend with your own- whether it be dreams, fears, bonds and emotions, everyone has their own story. This was it. A name suiting of our project. This was the chosen design.

All was well until the presentation itself, while we had planned and completed all of the assigned content, we underestimated how little time we would have to present the material that we had amassed. I did suggest that a script should be written beforehand but most of the group agreed that there wouldn’t be enough time to do so- thus relying on their abilities to spontaneously dictate and elaborate on the information posted onto each slide. This, unfortunately, was one of my worst fields- being the shaky, nervous wreck that I am, I regret not pressing the matter with my team mates.

What made things worse was that we were not allocated any particular slide to speak from, and more- there had hardly been any time to review our content. As it was time to present, I found that there appeared to be additional slides and repeated content that was added without the knowledge of the group- making it quite difficult for me to speak without preparation. A lot of time was wasted in the presentation- so much so that there had been none left to present the promotional video. Although this was the case, we were able to convey our solution of the brief to the lecture.

The feedback received required us to narrow our demographic and justify our reasoning behind the digitalization of the project. We needed to consider the accessibility factor of our project more in the fact that some phones may not even possess the technological assets needed to participate in our design idea. A more obvious flaw in our work was definitely our time management- if only we could prepare our material more efficiently then we would have been able to fully convey ‘Sonder’.

Nevertheless, I do believe that this was a very valuable experience that allowed me to get a taste of the frantic hustle and bustle of developing a design response under a limited time frame. I hope that it’ll serve as a warning to the oncoming major charrette.

References

Brisbane Marketing. (2017). City Botanic Gardens - Brisbane Tourist Guide - Brisbane Australia. Brisbane-australia.com. Retrieved 22 April 2017, from http://www.brisbane-australia.com/city-botanic-gardens.html

Choi, J. (2017). “UrBNE Stories” – Sharing Stories in the City (1st ed.). Retrieved from https://blackboard.qut.edu.au/bbcswebdav/pid-6777445-dt-content-rid-8245953_1/courses/DXB101_17se1/DXB101_Mini-charrette_Brief%281%29.pdf

Lee, M. (2012). DESIGNING A LOGO FROM START TO FINISH. Michelle Lee Photography. Retrieved 23 April 2017, from http://michellerlee.com/2012/10/05/designing-a-logo-from-start-to-finish/

0 notes

galerietheartist-blog · 8 years ago

Text

Bestiary 33 by François Brumas

Digital manipulated Photography (pigment ink on Baryta Paper) 2015 From the artist's "Bestiary" series Edition of 10 / Tirage Limité à 10 exemplaires *Please note that this artwork is unframed and will be shipped rolled

Bestiary

This anthropomorphic series is partly based, on the appropriation of some photographic heritage for its diversion and recycling. It is, in fact, an exercise in «sampling-photo-graphics» originating in fragments of old photos (anonymous or in the public domain) most of them dating from the early twentieth century.

The main character comes out of its original environment to try to make a sleek emblematic figure. It is, then beheaded to mutate into a hybrid creature, half-man, half-beast. Finally, a few other elements both from older times or contemporary contribute to serve the purpose.

This form of transgression is committed to project into the irrational, the absurd and, by imitation, to probe human psychology. In fact, it seems that it is acknowledged that the animal bears its own individuality to which man can identify himself. It becomes the mirror of our deep impulses. It poses the question of the figure of the other, of civilization and savagery. Finally, the aim of the animal figure is to give birth to an archetype, a primitive model.

Print on Hahnemühle Fine Art Baryta 325g, 100% coton. Printed with 5 or 10cm white border.

Size and borders can be customized upon request. Please message us at: [email protected]

IMPORTANT:

Customers are solely responsible for all duties, import taxes and brokerage fees. These are not included in the cost of shipping or handling of your order. Customs, duties, and taxes vary widely from country to country. Please check with your local customs agency for details on estimated costs. Customs, duty, and taxes are non-refundable. So if you refuse a shipment because of unexpected import fees, the cost of the original shipping, any brokerage/customs/duty/taxes, and any return shipping charges will not be refunded.

---

Bestiaire

Cette série anthropomorphique s’appuie, en partie, sur l’appropriation d’un certain patrimoine photographique en vue de son détournement et recyclage. C’est, en effet, un exercice de «sampling-photo-graphique» qui prend sa source dans des fragments de clichés anciens (anonymes ou tombés dans le domaine public) datés, pour l’essentiel, du début du vingtième siècle.

Le personnage principal est sorti de son environnement d’origine pour tenter d’en faire une figure emblématique épurée. Il est, ensuite, décapité pour muter en une créature hybride, mi-homme, mi-bête. Enfin, quelques autres éléments d’époques ou contemporains viennent s’y greffer, pour servir le propos.

Cette forme de transgression engage à se projeter dans l’irrationnel, l’absurde et, par mimétisme, à sonder la psychologie humaine. Il semble, en effet, admis que l’animal soit porteur d’une individualité dans laquelle l’homme se reconnaît. Il devient le miroir de nos pulsions profondes. Il pose la question de la figure de l’autre, de la civilisation et de la sauvagerie. Enfin, par le truchement de la figure animale, il s’agit de donner naissance à un archétype, un modèle primitif.

PAPIER: Tiré sur Papier Qualité Porfessionnelle Hahnemühle Photo Rag Bright White 310g. Bordure de 5 ou 10 cm. Possibilité d'impression (dimensions/bordures sur demande). N'hésitez pas à nous écrire à: [email protected]

IMPORTANT :

Les acquéreurs sont les seuls responsables de tous les droits, taxes d'importation et frais de courtage. Ceux-ci ne sont pas inclus dans le coût d'expédition ou de manipulation de votre commande. Les douanes, les droits et les taxes varient considérablement d'un pays à l'autre. Merci de bien vouloir vous renseigner auprès de votre agence des douanes locale pour connaître les coûts estimatifs. Les droits de douane, les taxes et les taxes ne sont pas remboursables. Ainsi, si vous refusez un envoi à cause de frais d'importation imprévus, le coût de l'expédition d'origine, les frais de courtage / douanes / droits / taxes et les frais de retour ne seront pas remboursés

0 notes