#objektkunst ideen | Explore Tumblr posts and blogs

craft2eu · 6 years ago

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Das überwältigende Angebot HOMO FABERs zwingt mich eine Auswahl zu treffen. Doch ich empfehle auf jeden Fall die Homepage HOMO FABER und – bei Interesse – die Suche nach eventuell kontroversen Einschätzungen im World Wide Web. Gerne können natürlich auch andere HOMO FABER Besucher ihre Erfahrungen und Eindrücke in den Kommentaren dieses Blogs veröffentlichen.

Fondation Bettencourt-Schueller

Artworks by the laureates of the Prix Liliane Bettencourt “pour l’intelligence de la main” displayed within walls in raw earth made by Amàco, scenography by Ramy Fischler, RF Studio. Photo : Alessandra Chemollon© Michelangelo Foundation

Als Beispielhaft empfinde ich, wie schon oft beschrieben, das Engagement der französischen Alteliers d’Art de France wenn es um die Wertschätzung von Handwerkskunst und den zeitgenössischen Entwicklungen auf diesem Gebiet geht. Die mächtige und rührige Fondation Bettencourt-Schueller ist eine ebensolche segensreiche Einrichtung. Sie verleiht in Frankreich alljährlich die kostbare Auszeichnung „Liliane Bettencourt pour l’intelligence de la Main“ und beeindruckt in Venedig mit einer sensiblen Präsentation ihrer Preisträger aus den vergangenen Jahren, denen hier aller Respekt als ausserordentliche Gestalter UND Handwerker gezollt wird.

„Singular Talents“

Filmstill aus dem Film über Automata-bauer Francois Junod

In einem technisch interessant gestalteten Kino-Raum stellen zwölf Dokumentarfilme ausgewählte Handwerker als „Singular Talents“ vor. Ihre Besonderheit, ihre Berufung und ihr regionaler wie traditioneller Kontext wird sehr einfühlsam anschaulich gemacht. Es fällt auf, dass alle vorgestellten Protagonisten in einem Handwerks- oder sonst kreativen Umfeld aufwuchsen. Die Filme sind alle OmU und der Klang der Sprachen sorgt, neben der differenzierten Bildsprache, für große Authentizität, gleich ob z.B. der Automata-Bauer Francois Junod inmitten seiner kreisenden und schnurrende Maschinenwesen Details erklärt, Ingunn Undrum und Sarah Sjogren uns staunend beim Seile “reepen” zuschauen lassen oder der Grieche Konstantinos Vogiatzakis stolz auf einem prächtigen, selbstgefertigten Sattel auf seinem Esel in den Sonnenuntergang reitet. Schon der erste Film macht süchtig und man könnte für den Rest des Tages in den Fauteuils versinken, um alle Filme und noch viel mehr davon zu sehen und zu spüren, was für ein geerdetes, kreatives und sinnvolles Leben diese Menschen führen. wie sagt man? GROSSES KINO!

„Century of Shapes“

HOMO FABER “Centuries of Shape” Bibliothek Fondazione Giorgio Cini | Foto: Michelangelo Foundation, Schnuppe von Gwinner

Die Vase als Objekt, gleichermaßen dekorativ wie nützlich, in allen Epochen und in jeder Kultur omnipräsent, ist eine wunderschöne und eloquente Geschichtenerzählerin. Das Team des mailänder Triennal Design Museums hat Protagonisten aus hundert Jahren Vasenherstellung versammelt: eine Dokumentation von Techniken, Dekorationen, Materialien, die der Leere eine Form geben und damit die Evolution von Ideen und Möglichkeiten offenbaren. „Century of Shapes“ benannte man das chronologische Defilee der Gefässe in der ehrwürdigen Bibliotheca del Longhena der Fondazione. Doch das grandiose historische Setting, das schon im Vorfeld so sehr als DER Ort für diese Präsentation gepriesen wurde, muss in Wahrheit hinter einer banalen weißen Metallkonstruktion zurücktreten, auf der die „ikonischen Vasen“ sich, in gleissendes Licht getaucht, eher gelangweilt aufreihen. Und das nebenbei so geschickt, dass die undokumentierten 30ger bis 60ger Jahre wohl nur von wenigen Besuchern vermisst werden, zumal der rote Faden in der Auswahl der Exponate auch nicht wirklich nachvollziehbar ist.

„Best of Europe“

HOMO FABER “Best of Europe” Blicke in die Ausstellung Foto: ©SchnuppevGwinner

Im Katalog wird die Ausstellung „Best of Europe“ als das Herzstück von HOMO FABER bezeichnet. Tradition wird dort als lebendiges, atmendes, sich bewegendes Ding beschrieben. Ebenso wie das Handwerk. Materialien und Techniken strahlen auf geheimnisvolle Weise die DNA und die Wurzeln ihres Ursprungs aus und die Handwerkskünstler bewegen dieses Wunder durch die Zeit. Der Kurator Jean Blanchaert sei mit einer unkonventionellen Vision durch Europa gereist um die aufregendsten Beispiele zeitgenössischen Kunsthandwerks für „Best of Europe“ zu entdecken. Sein Prinzip der Auswahl bleibt jedoch absolut undurchschaubar und scheint eher dem Zufall oder dem Hörensagen evtl. und auch der Präferenz für’s Laute, Pompöse, Wuchernde viel zu verdanken.

HOMO FABER “Best of Europe” Blicke in die Ausstellung Foto: ©SchnuppevGwinner

Heraus gekommen ist eine geradezu monströse Ansammlung von Objekten aus den Werkstätten und Studios von 150 verschiedenen europäischen angewandten Künstlern. Jedes Stück ein Meisterwerk mit konzeptionellem Anspruch in Gestaltung und Form, sowie in technisch brillanter Umsetzung. Autorendesign – Unikate an der sensiblen Schnittstelle zwischen Kunst und Handwerk. Meistens begegnen einem diese Objekte in Gallerien, auf Fachmessen wie der Collect/ London, Révélations/Paris oder SOFA/Chicago/New York, in privaten und öffentlichen Sammlungen und in musealem Zusammenhang. Die Aura der Exponate, die Sinnhaftigkeit ihres Ausdrucks, ihr konzeptioneller Kontext und ihre narrative Kraft darf sich dort – meistens zumindest – entfalten und wird für den Betrachter lesbar.

HOMO FABER “Best of Europe” Blicke in die Ausstellung Foto: ©SchnuppevGwinner

In der “sala degli arazzi“, dem 500 m² weiten und 12 Meter hohen Gobelinsaal der Cini-Stiftung, setzte der Architekt Stefano Boeri mit seinem Team Blanchaerts Fundstücke in einer ausgreifenden Installation in Szene, holte sie mit viel Licht aus dem geheimnisvollen Dunkel und multiplizierte das chaotische Durcheinander mit einen wandbreiten Spiegel am Ende des Raumes. Wohlwollend könnte man darin das Prinzip der „Wunderkammern“ erkennen? Die beteiligten Künstler, die zur Ausstellungs-eröffnung angereist waren, sollen sich überwiegend entsetzt geäussert haben, weil sie ihre Arbeiten wie auf einem Flohmarkt in einem munter assoziativen Drunter und Drüber präsentiert sahen. Stefano Boeri möchte seine Regalkonstruktion jedoch als Metapher eines mäandernden Flusses verstanden wissen, der die Objekte auf 7 Ebenen durch den Raum trägt: hunderte von Unikaten, das Kleinste 2 cm hoch, das Höchste eine 3 Meter hohe Blumeninstallation. Jean Blanchaert interpretiert diese Installation als wunderbare Seele Europas, herausragende Werke von Künstlern unterschiedlicher Nationalitäten, Ethnien und Glaubenswelten friedlich nebeneinander arrangiert, wie bei den Olympischen Spielen.

HOMO FABER “Best of Europe” | Fotos: Stefano Boeri Architetti

Mein Eindruck ist jedoch, dass Kurator und Architekt die zweifellos herausfordernde Aufgabe einer Inszenierung der „Best of Europe“ ihrer eigenen kreativen Selbstdarstellung untergeordnet haben, sodass dieses Riesentheater daraus wurde. Panache, Kostbarkeit, Exklusivität, Luxus – diese Losung hängt in der Luft von HOMO FABER wie der Duft von Aquaflor Firenze. Das Prinzip “viel hilft viel” verursacht aber eine einzige Überforderung. Der Besucher wird von dem Gesamteindruck geradezu erschlagen wenn er den Saale betritt . Er tastet sich dann vorsichtig voran, erst Stück für Stück, dann hier mal da, wie ein taumelnder Schmetterling von Blüte zu Blüte, und in der Tiefe des Saals kommen nur noch die Wenigsten an – zumal auf der Hälfte des Raumes eine Tür aus dem Dunkel ins Freie, in die einladend sonnigen Grünanlagen der Fondazione führt.

HOMO FABER “Best of Europe” Blicke in die Ausstellung Foto: ©SchnuppevGwinner

Viele gute Bekannte sind in dieser Schau der 150 angeblich Besten zu sehen: Italien herausragend, mit für mich vielen Neuigkeiten, Frankreich, Großbritannien, Niederlande, Belgien und Norwegen renommiert und eindrucksvoll vertreten. Deutsches Kunsthandwerk wurde durch die Objekte der Leipziger Porzellangestalterin Claudia Biehne, dem Drechsler und LOEWE Preisträger 2017 Ernst Gamperl, der renommierten Glaskünstler Gabriele Küstner und Michael Behrens, und der für ihre fragilen Polypropylen-Objekte bekannten Künstlerin und Kostümbildnerin Marlies von Soden repräsentiert. Dänemark, Schweden, Finnland? Spanien, Griechenland? Der osteuropäische Raum? Fehlanzeige! Aber vielleicht können diese sich auch glücklich schätzen in diesem Durcheinander unberücksichtigt geblieben zu sein. Eine vertane Chance die stilistische Vielfalt europäischer Handwerks- und Objektkunst darzustellen? Ihrer Aktualität und Innovationskraft nachzuspüren? Echtes Interesse für die viel bemühte “story behind” zu wecken, ohne die heute kein Designer mehr auf den Platz geht? In den Köpfen des teilweise hochkarätigen Publikums den Funken des Begehrens zu entzünden?

HOMO FABER “Best of Europe” Blicke in die Ausstellung Foto: ©SchnuppevGwinner

Ich befürchte, dass dies, trotz aller Beteuerungen „Best of Europe“ sei das Herz von HOMO FABER , überhaupt nicht im Interesse der Veranstalter lag. Da wo das Handwerk als versierte, hingebungsvolle Handwerkskunst dienenden Charakter hat leuchten die Augen der Luxusindustrie. Individuelles Kunsthandwerk, mit dem Anspruch Gestaltung und Ausführung im Sinne einer umfassenden Autorenschaft zu realisieren, könnte bestenfalls ihrer Inspiration dienen – und tut das bestimmt auch. Doch dem Publikum durch eine didaktisch und ästhetisch differenzierte Präsentation spektakulärer Unikate schmackhaft zu machen?

„Discovery and Rediscovery“

Van Cleef & Arpels. The Mystery Set. Gemstone cutting. To set gemstones in a way in which no fixings are visible – the so-called ‘Mystery Set™’– the master artisan creates tiny gold rails 0.2mm thick and cuts grooves into the gemstones by which they can be inserted on to the rails. Space designed by Jean Baptiste Auvray. Photo: Tomas Bertelsen © Michelangelo Foundation

Antico Setificio Fiorentino, Italy, silk weaving. The only surviving silk mill in Florence, which has been operating continually since 1786, uses hand-operated antique wooden looms to make made-to-measure silk fabrics in Florentine tradition. Space designed by Jean Baptiste Auvray. Photo: Tomas Bertelsen Photo : Tomas Bertelsen © Michelangelo Foundation

Das Herz von HOMO FABER schlägt eindeutig, kräftig pulsierend, in den allgegenwärtigen Schauwerkstätten und vor allem im Areal „Discovery and Rediscovery“. Dort hin hatten 20 Luxus-Brands ihre Meister persönlich nach Venedig geschickt um den Besuchern von HOMO FABER zu erklären und zu zeigen, mit welchem Aufwand ein Sattel von Hermès entsteht, oder die goldenen Schreibfedern von Montblanc, oder das Mystery Set von Van Cleef & Arpels, oder die Uhren von Jaeger-LeCoultre usw. usw. – Hier gab es nette und informative Gespräche, freundliches aufeinander Zugehen, grosses Interesse und große Bereitschaft Wissen zu teilen. Eine herrliche Atmosphäre!

Ist HOMO FABER eine schöne Illusion, das Ergebnis einer besonders feinsinnigen Marketingstrategie? Die zeitgenössische Relevanz des Handwerks hat in Wahrheit vor allem eine ökonomische Dimension. Die natürliche Limitierung ihrer Ressourcen – Knowhow und Talent, Geschicklichkeit und Experimentierfreude haben nur wenige. Die unbedingte Nähe zu Kultur, Tradition, Stil und Ästhetik liefern einzigartige Werte, die zu kommunizieren und verteidigen sich lohnt. Nicht umsonst besinnen sich heute gerade große Marken auf ihre Anfänge als Manufaktur und schöpfen diese Historie mit allen werblichen Mitteln aus.

Der Zeitgenosse Kunsthandwerker (natürlich sind damit auch die Kunsthandwerkerinnen gemeint!), der wohlmöglich als herausragender Experte seit Jahrzehnten unbeirrt seiner Berufung folgt, fragt sich warum es ihm dennoch nur schwer gelingen will erfolgreich auf dieser aktuellem „craft Welle“ mit zu surfen. Warum die letzten Galerien schliessen, seine Sammler nach und nach in Rente gehen, die Jüngeren nur immer wissen möchten wie’s geht ohne das Ergebnis – sein Werk – erwerben zu wollen und auch die Medien nur das schöne Bild der pitturesken Werkstatt und ein sorgfältig inszeniertes Stilleben zeigen. Man möchte meinen, nichts sei authentischer als das von der Hand eines namhaften Kunsthandwerkers geschaffene Unikat? Das zu erkennen braucht Kennerschaft und Expertise – aber wer hat die heute noch?

Wahrer Luxus spiegelt sich für jeden erkennbar in den Premiummarken, LOEWE, Hermès, Richemont, Cartier,… und wie sie alle heissen. Sie erheben Projekte wie HOMO FABER zum Manifest einer neuen Kultur des europäischen Know-hows, und schaffen damit wirtschaftliche und soziale Werte. Auch zur Blütezeit Venedigs herrschte ganz gewiss eben dieser Geist. Die prächtigen Paläste wurden nicht gebaut und ausgestattet um den Handwerkern altruistisch zu Lohn und Brot zu verhelfen und sich allein an ihrer Kunst zu erfreuen sondern als Demonstration von Macht und Reichtum – mit sehr willkommenen ökonomischen, sozialen und kulturellen Effekten.

HOMO FABER lenkt die Blicke heute mit allem Nachdruck auf die europäische Handwerkskultur, auf ihre Traditionen und auf ihre innovative Kraft eine menschlichere Zukunft zu gestalten. Davon können ALLE, gleich ob es der Kristallglasgraveur bei J&L Lobmeyr, der Keramikkünstler Matthew Chambers oder jeder andere Kunst und Handwerker, dessen Talent, Können und Werk dieses Mal keine direkte Berücksichtigung von HOMO FABER erfuhr, nur profitieren: dass die Begeisterung und Wertschätzung der Menschen für das Handwerk generell wieder inspiriert und belebt wird.

https://www.homofaberevent.com

HOMO FABER – crafting a more human future: Fondazione Giorgio Cini, Venedig vom 14. bis 30.09.2018 – ein Bericht (2.Teil) Das überwältigende Angebot HOMO FABERs zwingt mich eine Auswahl zu treffen. Doch ich empfehle auf jeden Fall die Homepage…

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craft2eu · 7 years ago

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Leipzig wird an diesem Oktoberwochenende wieder zum Eldorado für all jene, die sich für feine Handwerksunst und innovatives Design interessieren. Die GRASSIMESSE im Leipziger GRASSI Museum für Angewandte Kunst und die Designer’s open in der Kongresshalle am Zoo Leipzig bieten allerbeste Bedingungen um dem Zeitgeist in der Objektkunst nachzuspüren.

GRASSIMESSE

Eine Fachjury hat für die GRASSIMESSE 2017 insgesamt 100 Aussteller aus ganz Europa ausgewählt, die sich an 70 Messeständen vorstellen. Durch Auslese und internationale Ausrichtung ermöglicht die GRASSIMESSE einen umfassenden Blick auf Innovationen und Tendenzen, aber auch auf langfristige Entwicklungen. Das Experiment ist daher ebenso gefragt, wie die künstlerische Leistung.

Thema und Anliegen der GRASSIMESSE sind Auslese und Förderung von Qualität. Die Auswahl der Teilnehmer trifft daher eine Fachjury. Diese vergibt jährlich vier Preise, die den Qualitätsanspruch der Messe unterstützen. Zur Eröffnung am Abend des 19.10.2017 werden in einem Festakt die Preisträger 2017 geehrt. Die dreitägige GRASSIMESSE gilt als eine der führenden internationalen Verkaufsmessen für angewandte Kunst und Design, als Melting Pot für Kreative, Galerien, Einkäufer und Besucher. Die Messe lädt zum Schauen, Kaufen und Informieren ein und zeigt Tendenzen und Innovationen in den Bereichen Mode und Textil, Schmuck und Accessoires, Keramik, Porzellan, Möbel, Holz, Metall, Glas, Papier und Spielzeug. Sie reflektiert damit die Ideenwelt und Vielfalt sowohl zeitgenössischer angewandter Kunst als auch Design und befördert künstlerische Entwicklungen und schärft das Bewusstsein für gestalterische Qualität. (Pressetext)

Designer’s open

Spannende Zukunftsvisionen und grafische Finessen im großen und kleinen Stil: Mit über 200 Labels, Designern und Newcomern sind die Designers’ Open 2017 der führenden Designplattformen in Deutschland. In den Bereichen DO / Interior & Furniture. DO / Fashion & Accessories, DO / Research & Industry und DO / Graphic & Media können Privat- und Fachbesucher die facettenreiche Welt des Designs erleben und individuelle Einzelstücke erwerben. Von Virtual Reality über Grafikdesign bis hin zu angesehenen Hochschulen, deren Nachwuchs die Branche erobern möchte: In der KONGRESSHALLE am Zoo Leipzig eröffnet sich ein Paradies für Kreative, und die, die es werden wollen.

Gedanklich ganz nah an der Area DO / Research & Industry ist der Green Product Award. Der internationale Wettbewerb ehrt seine Gewinner am Messe-Freitag ab 17 Uhr im Leibniz-Saal bereits zum zweiten Mal im Rahmen der Designers’ Open. In 14 Kategorien, darunter Architektur, Fashion und Forschung, wurden 2017 unter dem Motto „How do we live tomorrow?“ vielversprechende und nachhaltige Lösungen von Professionals und Newcomern gesucht. Eine Expertenjury bewertete alle Einsendungen nach den Kriterien Design, Innovation und Nachhaltigkeit. Den Gewinnern winkt die Finanzierung zur Umsetzung ihrer Ideen in Deutschland und Asien. Die besten Ideen, also die Werke aller Gewinner sowie aller Nominierten, können Besucher der Designers’ Open an allen Veranstaltungstagen im Richard-Wagner-Saal in der „Green Selection“-Ausstellung auf ihre Zukunftsfähigkeit begutachten.

Hotspots für alle Designliebhaber

Neben der zentralen Ausstellung in der KONGRESSHALLE am Zoo Leipzig öffnen erneut ausgewählte Galerien, Ateliers, kreative Orte und künstlerische Räume ihre Türen und zeigen den Besuchern Design und Kunst, dort wo es entsteht. Erstmals durch eine Fachjury kuratiert, trägt in diesem Jahr eine exklusive Auswahl an Veranstaltungsorten den Titel DO / Spot. (Pressetext)

GRASSI Museum für Angewandte Kunst Johannisplatz 5-11, 04103 Leipzig, Öffnungszeiten: Di – So, Feiertage 10 – 18 Uhr, Mo geschlossen http://www.grassimesse.de

Designer’s open – Kongresshalle am Zoo Leipzig

Freitag, 20. Oktober 2017, 12:00 bis 18:00 Uhr Samstag, 21. Oktober 2017, 10:00 bis 19:00 Uhr Sonntag, 22. Oktober 2017, 10:00 bis 18:00 Uhr

Gian Luca Bartellone: Kollier Apogeo, 2017 Pappmaché, Gold ,Kupfer, Turmaline, Iolithe, Amethyste, Citrine, Granate, Perle Mischtechnik, D 18 cm

Giulia Savono: Milano 1:20.000, 2017 Palladium, Silber plattiert, Rhodium Silber plattiert , Silber oxidiert, Plexiglas, montiert, 37,3 x 33,7 cm, 155,7 Gramm

Svenja John: ROKKASHO Armschmuck, 2016 Polycarbonat, Makrolen/Nylon, Acrylfarbe, Wasserstrahltechnik/3D Print, Laser-Sinter-Technologie, 11 x 11 x 7 cm

Ingrid Rügemer: Polarity & Unity No. 3, 2016 Steinzeug und Messing, Steingut und Kupfer, Keramik: perforiert, geschliffen; Messing/Kupfer: graviert, poliert 4 x 50 x 50 cm

Birgit Borstelmann: “Aquanaut”, 2017 – beweglich Eisen, Glas, Messing, Kunststoff, Holz, montiert 20 x 33 x 11 cm

Isabelle Enders: Pfeffermühlen “Schnelle Kohle”, 2017 Pappelsperrholz, Keramikmahlwerk, lasergeschnitten, verleimt, angekohlt 4 x 17 cm

Grassimesse & Designer’s open: Leipzig vom 20. bis 22.10.2017 Leipzig wird an diesem Oktoberwochenende wieder zum Eldorado für all jene, die sich für feine Handwerksunst und innovatives Design interessieren.

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craft2eu · 8 years ago

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Im Dachgeschoss der Saatchi Gallery wirkt alles nicht ganz so abgehoben. Hier ist die Cafeteria. Eine Ausstellung der Plakate des Crafts Council aus den vergangenen Jahren. Der Vortragsraum. Und die großzügig angelegte Schau “COLLECT OPEN” als wegweisende Bühne für originelle, experimentelle, Konzept-orientierte Objektkunst – in diesem Jahr von der unglaublichen Faye Toogood kuratiert. Kommunikation das vereinende Ziel – wer es hierher geschafft hatte bemühte sich spürbar um Austausch, die der respektvollen Betrachtung der präsentierten Kunstobjekte ja idealerweise folgen sollte.

Natürlich lebt eine Messe wie die COLLECT vom Verkauf der Objekte! Die ausstellenden Galeristen bemühen sich um bestmögliche Startplätze für Ihre Künstler, nehmen viel Geld in die Hand – und hoffen neben aller Begeisterung auch und gerade auf finanzkräftige und kaufwillige Sammler und Kuratoren. Doch diese kommerzielle Ausrichtung schafft atmosphärisch eine Stimmung, die nicht ganz diese vibrierende Neugierde zulässt, die nicht nur die Frage nach dem Preis beinhaltet sondern auch nach den Inspirationen, Ideen, Geschichten und Absichten, die man direkt an die erwartungsvollen Künstler stellen kann. Die meisten Installationen signalisierten ganz klar den Mut in anderen Kategorien zu denken und sich thematisch auch mit aktuellen Gesellschaftsthemen auseinander zu setzen.

14 Installationen waren im Rahmen der „COLLECT OPEN“ zu sehen: (Namen sind auf die Homepages verlinkt) Claire Curneen (UK), Domitilla Biondi (Italy), Fay McCaul and Kia Utzon-Frank (UK), Hugh Miller (UK), Julie Massie (UK), Malene Hartmann Rasmussen (UK), Richard McVetis (UK), Ruth Glasheen (UK), Seung Hyun Lee (Korea), Shelley James (UK), Silvia Weidenbach (UK), Soojin Kang (UK), Tanya Gomez (UK), Cheon Woo Seon (South Korea) .

Die Korbmacherin Ruth Glasheen (UK) reflektierte in ihrem ausgedehnten Werk für die COLLECT OPEN eine abstrakte Erkundung der Stimmungen eines Sommertages, in dem sich die Geologie und Geschichte einer Landschaft mit Gedanken, mit Träumen, Aussichten, Gerüchen und Geräuschen vermischen: “A Walk through the South Downs”. Gräser und Halme in einer Buntheit von Naturtönen hat Ruth mit verschiedenen Flechttechniken zu einer Komposition gewunden, die sich in Kreisen und Bögen – Analogien zu pflanzlichem Wachstum und dem Auf und Ab einer hügeligen Landschaft – über eine lange Wand entwickelt.

Cheon Wooseon: Jar with Cracks 0315. 2015, Kupfer und Eisen

Schon auf der Münchner Korea-Ausstellung vor einem Jahr bewunderte ich die akribischen Buntmetall-Montagen des jungen Koreaners Cheon Woo Seon, die dort herausragend plaziert wurde. Seine Gefässe bestehen aus feinen Linienmustern die das durchfallende Licht in besonderer Weise inszenieren. Erst im Kontext dieser immateriellen Partnerschaft offenbart sich die ganze erlesene Schönheit dieser Objekte. Umso größer die Enttäuschung des Künstlers, dass ihm im Rahmen der COLLECT OPEN lichttechnisch keine optimalen Bedingungen geboten wurden – das war auch schade für das begierige Publikum!

Tanya Gomez: A day, 2016, Installation aus glasierten Keramikgefässen und Malerei

Tanya Gomez ist seit vielen Jahren eine feste Größe in der britischen Keramik, bekannt für ihre handgedrehten Porzellangefässe mit hoch gebrannten, leuchtend farbigen Glasuren. Eine große und lebendige Gruppe dieser Töpfe setzt sie in der Installation “A Day”in Beziehung zu einem Aquarell, das sie auf eine ausladende Leinwand drucken ließ. Die Gesamtkomposition hat durchaus dekorative Qualitäten und wertet alle beteiligten Elemente auf. Ein echter Hingucker, in dem sich die Freude am Seriellen, am ungleichen Gleichen und am spontanen aber charmanten Unvollkommenen gegenseitig beflügeln ohne dass es um tiefere Inhalte gehen muss.

“Granny’s Chips Reloaded” nennt die deutsche Schmuckgestalterin Silvia Weidenbach ihre Broschen – verwunderliche Geschöpfe als Synthese traditioneller Schmuckelemente und neuster 3D-Print Technologien und Kunststoffmaterialien. Theatralisch inszeniert und ins Rampenlicht gesetzt wecken diese Zwitterwesen aus alter und neuer Welt gemischte Gefühle. Auf der Suche nach klassischer Schönheit und Kostbarkeit wird man hier nicht fündig. Begriffe wie Opulenz und Kitsch greifen auch nicht. Mir vermitteln diese Stücke den Eindruck, dass Ihre Schöpferin inhaltlich zwar “abgereist”, aber noch nicht wirklich angekommen ist. Als Betrachter sollte man den experimentellen Weg am besten mit gehen, denn es könnte noch sehr spannend werden.

Hugh Miller: the Coffee Ceremony, 2016

Der englische Möbelbauer Hugh Miller verbrachte viele Monate in Japan, zuerst ermöglicht durch das Stipendium “Chruchill Research Fellowship 2015” und 2016 dann durch die eigene Begeisterung. Die Entdeckung japanischer Objektkultur und Bräuche lösten in ihm den dringenden Wunsch aus, europäische Objekte und ihre Nutzung davon lernen zu lassen. Im Gespräch mit ihm fallen Begriffe wie “Textur und Weichheit”, “Verborgenes und Sichtbares”, “Leichtigkeit und Stabilität” – sie beleuchten die Dualität japanischer und westlicher Kultureinflüsse und kennzeichnen seine Arbeiten. Seine Möbelgruppe “The Coffee Ceremony” stellt der japanischen Tradition etwas eigenes entgegen indem sie aus ihnen gelernt hat. Ein Fest muss es sein, sie zu benutzen!

Malene Hartmann Rasmussen: Troldesvoven (in the Troll Wood), Keramik und Digitaldruck

Die Installation des Trollwaldes der dänischen Künstlerin Malene Hartmann Rasmussen nahm die ganze Stirnwand des Ausstellungsraumes ein und zog die Besucher an wie die Motten das Licht: eine bizarre Phantasmorgie! Eine naive Fantasy-Fantasie verbündete sich in diesem Bild mit einer Art Saubermannhaltung. Die Keramikobjekte sind alle perfekt, akkurat, strahlend, auch wenn es sich dabei um sehr kreative, deatailreiche Interpretationen von z.B. Ameisen, Häschen und Pilzen, Schmetterlingen, Regenwürmern und Schnecken, Blättern, Steinen, Blumen und zähnefletschende Waldungeheurchen handelt. Im Wald wurde kräftig aufgeräumt! Das Tapetenmotiv wurde aus Keramikblättern auf weißem Grund komponiert, abfotografiert und digital gedruckt. In ihrem”Wald” erkennt Malene die Metapher für das verborgenen Reiche des Unterbewußten, die das unheilvolle Dunkle, die wilden und tierischen Umtriebe ebenso beinhaltet wie die supra-naturalistische und nostalgische Welt der Märchen, eher zum staunen als zum fürchten.

Domitilla Biondi “No thing Matters” Serie, 2016, Papier

In ihrer ganze eigenen Technik schneidet die italienieren Domitilla Biondi mit dem Skalpell in dickes, elfenbeinfarbenes Büttenpapier. Die reine Poesie fliesst ihr aus dem Messer und tanzt mit Licht und Schatten in schwungvollen Blütenmustern und zeichenhaft strukturierten Spiralen über die Flächen. Jede Komposition ist ein Unikat, erinnert vage an dies oder das, bleibt aber letztlich ein artifizielles Kunststück, ganz um seiner selbst Willen.

Claire Curneen: Tending the Fires, 2016, Porzellan

Den hochgelobten Porzellan-Skulpturen und Installationen der Engländerin Claire Curneen, die ja auch den Collect Award als Ausstellerin zugesprochen bekam, kann ich selbst nicht allzuviel abgewinnen. Für mich sind diese knochenlosen menschlichen Wesen, auch wenn sie bedeutungsvoll mit allen möglichen Dingen gespickt, bemalt oder ausgestattet sind, etwas zu dilettantisch. Das grell erleuchtete Diorama für die COLLECT war vielsagend angefüllt mit einem Gewirr an Körpern und Körperteilen, Bäumen und Ästen, Gefässen und Scherben, Vögeln – ausgearbeitet, skizziert, fragmentarisch. Ihre transparente und zerbrechliche Qualität soll eine gehaltvolle Metapher bieten in der wir die menschliche Existenz und Natur auf unserem prekären Planeten erkennen sollen. Die Künstlerin stand neben ihrer Instatllation und erklärte, erklärte, erklärte den fragenden Besuchern – ich hab nicht nachgefragt weil ich meine, dieser Thematik an anderen Stellen schon sehr viel drastischer und überzeugender begegnet zu sein.

“Curved Twist” ist eine echte kleine Innovation, entstanden aus der experimentellen Zusammenarbeit der Royal College Graduierten Fay McCaul and Kia Utzon-Frank. Fay vereint moderne Materialien in diversen Stricktechniken für Trennwände und Konstobjekte. die Produktdesignerin Kia verfolgt in ihrem Werk einen stark architektonisch und skulptural orientierten Fokus. Gemeinsam entwickelten sie den Sichtschutz “Curved Twist”, dessen einzelnen Lamellen bzw. waagerechten Elemente sich völlig frei per Fernsteuerung verschieben lassen. So ergeben sich aus dem geschlossenen Vorhang eine endlose Vielfalt an Verhältnissen von geöffneten zu geschlossenen Strukturen die mehr oder weniger Licht in einen Raum lassen und dazu noch spannende Muster auf Boden und Wände zeichnen! Anschaulicher wird das hier erklärt: https://kufstudios.com/project/twist/

Dies soll genug sein und wenigstens einen kleinen Blick zurück auf die COLLECT OPEN 2017 in London ermöglichen. All die, die ich nicht persönlich erwähnte mögen mir nicht Gram sein – unter den angegebenen Links lässt sich jede Menge mehr entdecken.

London: COLLECT OPEN 2017 Nachlese Im Dachgeschoss der Saatchi Gallery wirkt alles nicht ganz so abgehoben. Hier ist die Cafeteria. Eine Ausstellung der Plakate des Crafts Council aus den vergangenen Jahren.

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