#narrativo documental

[akelarredepodcasts]

Le Llamaban Padre

La dura realidad del caso de pederastia de Castelldans

Este pódcast narrativo documental de Carles Porta y José Ángel Esteban fue publicado en 2016. En él se explica desde el inicio de la investigación el caso de David Donet, un padre de acogida de Castelldans que fue condenado a prisión en 2015 por abuso de menores.

Me habían recomendado el pódcast, siempre con la advertencia de que era una escucha dura, pero realmente no sabes lo difícil que se hace hasta que no te sientas a hacerlo. El pódcast empieza siguiendo una línea de True Crime, los primeros capítulos explicando paso a paso el inicio de la investigación policial, por qué empezaron a investigar a Donet, cómo encontraron piezas incriminatorias en su casa, etc. Pero a medida que la historia avanza, y empiezan a adentrarse en las entrañas del caso, los episodios dejan de seguir una línea temporal tan clara. Utilizan muy bien la narrativa para mantener al oyente enganchado, acabando los episodios con varias preguntas que dejan entrever lo que se va a relatar en el siguiente capítulo y que hacen que quieras escuchar más.

Pero, sin duda, lo que más te atrapa y a la vez te incomoda es el uso de las entrevistas realizadas. El documental se desarrolla a través de la voz narrativa de Carles Porta, quien va hilando los acontecimientos, pero lo que realmente aporta peso son los testimonios de las personas involucradas en el caso, más específicamente el policía al mando de la investigación, Santi (una de las víctimas) y, el testimonio que más me sorprendió, el propio Donet. No quiero hacer spoilers sobre el contenido, porque realmente creo que es algo que hay que escuchar por sí mismo, pero oír al propio pederasta hablar de la situación, aunque interesante, me ha producido muchísimo rechazo.

La narración está acompañada por un buen trabajo sonoro. El pódcast utiliza varios recursos para crear un ambiente tenso y de intriga, desde la música de inicio hasta el uso de silencios en momentos estratégicos. Los sonidos ambiente hacen un gran trabajo en transportarte a la historia, a veces incluso siendo demasiado convincentes y produciendo una sensación de gran incomodidad, al menos en mi caso.

En general creo que es algo para lo que te tienes que preparar mentalmente antes de escucharlo, pero merece la pena hacerlo porque hace un gran trabajo en explicar lo complicado que es un caso de pederastia, como las víctimas tienen sentimientos encontrados respecto a su abusador e incluso te abre una ventana a la mente del propio pederasta.

Al igual que el pódcast, voy a terminar mi reseña pidiendo que, por favor, si en algún momento sospechas algo, por nimio que sea, vocalices tus dudas. Si David Donet se salió con la suya por tanto tiempo fue por el silencio de todos a su alrededor. Habla, cuestiona, investiga, llama.

Si sospechas de algún caso de abuso infantil, llama al 091 o al 675 99 19 88 (Madrid). También puedes escribir al correo ciasi@madrid.org

Puedes escuchar el pódcast en:

Podium

Spotify

Ivoox

Apple Podcast

Amazon

[fabricadevideo]

CURSO DE MONTAJE DIGITAL NARRATIVO

Temario

Material de trabajo

Todo el material aquí compartido es propiedad de sus autores y son freeware, shareware, demos o de dominio público.Queda, por tanto, permitida la reproducción total o parcial del contenido publicado, en cualquier formato imaginable, salvo por la explícita voluntad del autor y sólo en el caso de las ediciones con fines de lucro.

[alaudanegra]

“Friccións" xurde no tempo convocado na efeméride do desastre do Prestige no pasado 2022; o evento a partir do que Ariadna Silva Fernández (A Estrada, 1996) constrúe este ensaio visual onde pulsa a memoria dun acontecimento sen huella nen marca biográfica algunha.

O tránsito entre o xogo e a prospección compón o espazo narrativo dunhas fotografías que non procuran unha reconstrucción documental. Son imaxes onde alumbra a evidencia dun conflicto epistemolóxico entre os límites da presencia naquelo que foi e a posibilidade dun relato que faga produtivo todo xesto que revele esa mesma fraxilidade da memoria e das súas formas.

3 € + (gastos de envío)

Compra o teu exemplar por Bizum (680 509 508) ou Paypal (unruidosecreto@yahoo.es) co teu nome e enderezo postal.>>>>>>

/\

"Frictions" arises in the time called for in the ephemeris of the Prestige disaster in the past 2022; the event from which Ariadna Silva Fernández (A Estrada, 1996) builds this visual essay where the memory of an event without any trace or biographical mark pulsates.

The transit between the game and the prospecting makes up the narrative space of some photographs that do not seek a documentary reconstruction. They are images that illuminate the evidence of an epistemological conflict between the limits of presence in what was and the possibility of a story that makes productive every gesture that reveals the same fragility of memory and its forms.

3 € + (shipping cost -international shipments must consult shipping cost before the purchase)

Buy your copy at Paypal (unruidosecreto@yahoo.es) with your adress contact.>>>>>>

[kinocube]

Aftersun - Recomendacións de verán 2023

Xa aló vai a metade do verán, e nós non queriamos desaproveitar o que resta para convidarvos a ver películas. Por iso, adiantamos un chisco a programación para ofrecervos as recomendacións cinematográficas de verán de Kinocube canto antes. A gozar do mellor cinema!

À propos de Nice (Jean Vigo, 1930)

Un fermoso documental que nos fala de realidades pasadas que seguen a ter ecos no presente: o turismo e a xentrificación, a fenda social e económica entre os habitantes dun lugar e os visitantes de verán, a exotización do propio... como diciamos, un discurso totalmente vixente na actualidade e un ritmo de montaxe incrible.

Rear window (Alfred Hitchcock, 1954)

A propósito do último video da nosa canle, darlle un repaso a este clásico de Hitchcock que nos convida a ser espectadores por partida dobre -ver a quen mira-, xa que o seu protagonista, nun cálido verán en Greenwich Village, é un espectador coma nós dos feitos que se desenvolven -ou non!- diante dos seus ollos, a través da fiestra.

Lawrence of Arabia (David Lean, 1962)

Como sempre nas nosas recomendacións, queremos engadir un filme deses calorosos, que fiquen ben ambientados na atmosfera cálida de Agosto. Neste caso, un clásico, unha grande epopea que fai da fata morgana unha arte.

Luca (Enrico Casarosa, 2021)

Quizabes a nivel narrativo non é moi ambiciosa, pois a súa trama é unha vez máis a do "peixe fóra da auga" -a broma é a propósito- como no seu momento moitos filmes de animación. Porén, é deses filmes de conforto para crianzas e persoas xa medradas porque luce exactamente como debe facelo un verán ocioso da infancia e xuventude.

Aftersun (Charlotte Wells, 2022)

A directora parteu dun trazo da súa infancia en forma de fotografía polaroid para reproducir unha atmosfera concreta do pasado, para revivir un momento conxelado no tempo e para procurarlle un sentido a unha incógnita, intuímos, difícil de abranguer.

E isto é todo, xa tedes deberes para este agosto.

Até o vindeiro episodio!

[estoyconfusa]

Las Edades de Millás: Y tú qué harías si te quedaras una noche encerrado en El Corte Inglés

“La fantasía es un útero materno inmenso”

Reconozco que lo primero que me enganchó a escuchar a Millás en este pódcast de la Cadena Ser, fue su premisa. ¿Acaso, alguien, no ha tenido ese sueño alguna vez? Quedarse encerrado en un centro comercial toda la noche era el equivalente a tener todo el mundo adulto en tus manos. Y lo peor, es que, cuando eres adulta, desearías que el mundo fuera así, de un tamaño manejable, aunque tenga cinco pisos y el tercero sea Territorio Vaquero.

Imaginar qué ocurre cuando se apagan las luces, si es que cobran vida algunos objetos cuando se cierran las puertas, o cómo sería probar una siesta en todos los colchones viscolásticos con una selección Gourmet de chucherías y bombones, suena a un plan muy tentador, cuando eres niña, e incluso todavía hoy, más de 20 años después.  ¿Y qué formato hace crear imágenes y mundos paralelos en tu mente más que el audio?

Quizás si esto fuese un reportaje de televisión, se rompería esa magia de la fantasía que es crear ese periplo por las plantas del Corte (ya, con confianza) junto a Millás y Paqui Ramos, y acompañarles en sus gamberradas que, con 76 años, hace Juanjo como si fuéramos todos nosotros con 8, con 13, hasta con 30. Ese enfoque de la vejez en los capítulos de este pódcast en la que se descubre que, sí, envejecemos pero seguimos siendo dentro los mismos que 50 años atrás, para mí es una punto de vista en el que jamás había escuchado profundizar. Puede que por esa mala prensa de la vejez, puede que porque mi juventud ya me tenía ocupada con miles de estímulos mucho menos introspectivos y futuristas.

Sobre la forma del pódcast, hay que hacerse la pregunta que flota en el aire: ¿Es esta sección de Millás en A vivir que son dos días, un pódcast como tal? ¿O es solo un contenido a la carta del programa? Es un tema espinoso, pero, en mi opinión, en un formato como este se cumplen varios de los rasgos de un pódcast: Un tema definido, la vejez desde otra perspectiva, otro tono que le da una entidad propia, más allá de una sección, además combina un buen diseño sonoro que aprovecha todos los elementos del ambiente para crear una atmósfera que incluso te hace sentirte en ese Corte Inglés, descorchando una botella junto a Paqui y Juanjo. También ese punto de discusión, que podemos encontrar en los pódcast conversacionales y aquí exploran Millás y Javier del Pino. Narrativo, documental y conversacional, ¿alguien da más?

Como dice Juanjo, la fantasía es un gran útero materno, y en este rato que yo he estado creyéndome junto a él, un Willy Wonka algo más cínico, una visitante en esta fábrica de chocolate que es El Corte Inglés de noche, me he sentido en casa, esa casa que es la infancia, que no nos abandona nunca.

[aquellakahi]

Abbas Kiarostami

A casi 8 años de su muerte, publico este pequeño artículo sobre un artista que capturó mi atención y me gusta muchísimo.

Nació el 22 de junio de 1940 Teherán, Irán, fallecido 4 Julio 2016 Paris Francia.

Fue un director de cine, guionista, productor y fotógrafo Iraní, considerado uno de los más influyentes y controvertidos del Irán posrevolucionario, y uno de los más consagrados directores de la comunidad cinematográfica internacional en la década de los 90's. Participó en más de 40 películas y cortometrajes. Donde escribió el guion de 50 cortometrajes y largometrajes: dirigió 48, editó 35, produjo 23 y fue director de fotografía de 7.

 Destacado miembro de la  Nueva Ola Iraní,  movimiento donde se comparten técnicas comunes, como el uso del diálogo poético y la “narración alegórica” para eludir la censura, y enfrentar cuestiones políticas y filosóficas.

Kiarostami en particular utiliza niños protagonistas, dentro de un formato narrativo de tipo documental, las historias que tienen lugar en el campo o pueblos rurales. 

Es reconocido por utilizar personajes marginales; una profunda crítica a los problemas sociales en Irán; la valoración del trabajo y la vida cotidiana de los niños, las mujeres y los hombres; el uso de actores no profesionales; la interpretación poética de los espacios sociales y el paisaje iraní; la intertextualidad visual y narrativa entre sus películas, y las referencias a la poesía persa en el diálogo, títulos y temas de sus películas. El suicidio fue uno de sus tópicos cinematográficos.

Una de sus técnicas fue el grabar una escena dentro de un auto con cámara fija, una innovación para su época y un sello distintivo de Abbas Kiarostami.

profundizando en el aspecto fotográfico, Abbas consideraba a la fotografía la madre del cine, y se volvió muy importante para él durante tiempos de guerra, ya que era muy difícil hacer películas (1979), según su propia descripción, su fotografía es autodidacta, además de ser como una actividad paralela a su realización cinematográfica en la que ambas interactúan y se influyen mutuamente.

Adjunto una de sus películas. Buenísima, para mi gusto. Para los que nos gusta investigar y ver sobre la representación de la infancia en el cine.

[xabieresquiroz]

Punto de Vista 2024 (3/3)

"Procès Verbal" Dir. Matthew Wolkow

"Procès Verbal" presenta un documental natural que va más allá de la mera observación de aves aprendiendo a volar. Utilizando un marco narrativo clásico de unas aves que luchan por dominar el arte de volar, somos testigos del proceso de aprendizaje y desarrollo de estas criaturas aladas, uniendo sus destinos con los de aquellos que observan su vuelo con asombro y admiración.

Lo que hace que este documental sea verdaderamente único es la manera en que entrelaza las imágenes naturales con un acta institucional escrita. Esta fusión de elementos visuales y textuales crea un puente que humaniza a las aves creando así una perspectiva que revela  las complejidades y las contradicciones que existen en esta relación.

Un juego tan alegre como los colores del documental, donde la belleza y la gracia de las aves se mezclan con la seriedad y la formalidad de los documentos oficiales generando así una pieza humorística muy recomendable.

"Homing" Dir. Tamer Hassan

"Homing" nos brinda una experiencia cinematográfica cautivadora y única al seguir el recorrido de unas aves migratorias en su travesía por el mundo. Al igual que con "Procès Verbal" se diferencia de los documentales tradicionales optando por representar esta migración como una aventura épica, lo que le confiere una frescura y una emoción palpable.

El documental crea planos poderosos y evocadores que capturan la belleza y la majestuosidad de la naturaleza al mismo tiempo que capta la naturaleza humana y como se cruza con estas aves.

Desde paisajes impresionantes hasta primeros planos detallados de embalsamamientos que muestran lo mejor y lo peor de los humanos. Esto no se dirige como un apoyo a dichas actitudes sino como un recordatorio sobre la importancia de proteger y preservar la maravilla de la naturaleza.

"¿Dónde esta Marie Anne?" Dir. Yaela Gottlieb

Utilizando imágenes en un gran ejercicio de edición como anuncios de televisión, referencias a la cultura pop o simplemente grabaciones de la sociedad de la época, “¿Donde esta Marie Anne?”  crea una atmósfera de inquietud y desconcierto, no es más que un espacio negativo que revela la silueta de un profundo y complicado tema

"¿Dónde está Marie Anne?" emerge como una valiente y reveladora exploración de una parte crucial de la historia argentina que ha sido sistemáticamente silenciada y olvidada. A través del relato del secuestro de una actriz militante, la película arroja luz sobre un episodio oscuro y poco conocido, desafiando los intentos de eliminación de esta parte de la memoria colectiva.

Además, la película ofrece una mirada íntima y sutil ante un tema tan importante. Esta película se convierte en un testimonio conmovedor de la lucha por la justicia y la verdad en la Argentina contemporánea.

"Silence of Reason" Dir. Kumjana Novakova

En la misma sección que “¿Dónde Está Marie Anne?” se proyectó “Silence Of Reason” que también utiliza el espacio negativo para manifestar un tema oculto en la historia durante mucho tiempo. En esta película, somos testigos de una narrativa impactante y desgarradora que expone la verdad detrás de los campos de violaciones durante la guerra de Bosnia a principios de la década de los 90. 

En lugar de recurrir a la violencia gráfica o a la sensacionalización de los hechos, la película opta por utilizar las pruebas presentadas en un juicio celebrado en el tribunal de crímenes de guerra de la ONU tanto imágenes, videos como las propias transcripciones de muchos testigos como base para su relato. Una narrativa sobria que evita el morbo fácil y busca generar un impacto más profundo en el espectador.

La película es una llamada de atención necesaria en estos tiempos convulsos, recordándonos la importancia de confrontar el pasado y de no olvidar las atrocidades que han ocurrido en el mundo. "Silence of Reason" quiere que nosotros reflexionemos sobre las consecuencias del silencio y la indiferencia y nos insta a tomar acción para evitar que se repitan los errores del pasado.

"Tránsitos" Dir. Anna López Luna

Como es habitual todos los años en el festival, tocaba ver la obra de X Films, una sección donde se elige a un artista invitado para realizar un documental con la condición de que sea en Navarra. Sin embargo, algo que parecía ser importante con el paso de los años ha ido perdiendo fuerza debido a que la visión que tienen los artistas sobre Navarra acaba siendo más y más pobre con el tiempo.

Uno de los mayores fallos de "Tránsitos" radica en su retrato superficial y desenfocado de los Sanfermines. La película parece no comprender realmente la esencia y el significado de esta festividad, ofreciendo imágenes que carecen de la energía y la emoción que caracterizan a los auténticos Sanfermines. Simplemente se limita a ofrecer una visión problemática y errónea de una persona extranjera, perpetuando estereotipos y prejuicios que no hacen justicia a la diversidad y la riqueza cultural de Navarra.

Por si fuera poco, el estilo visual deja mucho que desear, con un uso innecesario del formato Super 8 que distrae más que enriquece la experiencia cinematográfica. En lugar de añadir profundidad o autenticidad a la narrativa, este estilo se convierte en una distracción molesta que dificulta la capacidad total de mostrar lo que la artista quería decir puesto que es caro, difícil de conservar y permite poca capacidad de improvisación.

[entrepalabrasmx]

Santuarios del infinito, un homenaje al cortometraje Centinelas del silencio, a más de 50 años de sus premios Oscar

 

El cortometraje documental es dirigido por Francisco Laresgoiti, con música de Jorge Reyes, y textos de Antonio Saborit, narrados por Lila Downs

Muestra imágenes aéreas inéditas de Tulum, Chichén Itzá, Uxmal, Palenque, Calakmul, Monte Albán, Teotihuacan y Paquimé

Con la idea de conmemorar el corto documental Centinelas del silencio, producido por Manuel Arango, y escrito y dirigido por Robert Amram, en 1971, el director Francisco Laresgoiti, experto en fotografía aérea, revisitó las locaciones de los sitios ancestrales desde las alturas, con la más nueva tecnología en cuanto a drones, óptica y calidad de imagen.   Centinelas del silencio ganó dos premios Oscar, de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, en 1972: el primero como Mejor Cortometraje, y el segundo como Mejor Documental Corto; narrado por Orson Welles y Ricardo Montalbán, para sus versiones en inglés y español, respectivamente. La audacia de esta obra cinematográfica fue filmar en siete sitios arqueológicos de México, desde las alturas, con la naciente tecnología de 1970, ya que las tomas se hicieron desde un helicóptero, lo que permitió hacer imágenes aéreas nunca antes vistas de Teotihuacan, Monte Albán, Mitla, Tulum, Palenque, Chichén Itzá y Uxmal.   Laresgoiti recuerda haber visto el filme cuando era niño, y el gran impacto que le causó. De aquella inspiración nació, a manera de homenaje, Santuarios del infinito, producida por Miguel Bonilla Schnaas.   Se trata de una producción original de Corriente Alterna, cuya realización contó con el apoyo de la Secretaría de Cultura federal, a través de la coproducción del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), gracias a la gestión del director general, Diego Prieto Hernández, y de la Coordinación Nacional de Difusión; Arte 7 Producciones, La Casa de Cine y Xzagon Media.   La realización de esta pieza documental se llevó a cabo en 2021, en plena contingencia sanitaria por la COVID-19, lo que representó un reto logístico, pero también la oportunidad de fotografiar, sin gente, ocho sitios arqueológicos: Tulum, en Quintana Roo; Chichén Itzá y Uxmal, en Yucatán; Palenque, en Chiapas; Calakmul, en Campeche; Teotihuacan, en Estado de México; Monte Albán, en Oaxaca, y Paquimé, en Chihuahua.   Más allá de exaltar los elementos naturales y el diseño arquitectónico de cada sitio, el reto narrativo del director era lograr una mirada nueva desde el aire, la cual pudiera llevar a los ojos del espectador esa perspectiva y ese detalle cercano, imposibles de contemplar desde una vista a ras del suelo. Las posibilidades de vuelo y acercamiento quedan plasmadas en esta película, como también se deja testimonio del avance tecnológico desde los tiempos en que Arango y Amram hicieron lo suyo, en esos mismos lugares.   Para completar una obra que evoca paisajes sonoros, en la música se contó con piezas del maestro Jorge Reyes; para ilustrar y explicar los paisajes de una manera poética, se incluyeron textos del historiador e investigador Antonio Saborit García Peña, en la voz de la cantante y compositora Lila Downs.   A propósito de Santuarios del infinito, el realizador Francisco Laresgoiti señala que: “Estamos en un momento idóneo para revisitar nuestros santuarios prehispánicos; la tecnología y la belleza de nuestro México se conjugan en esta pieza única e histórica. Orgullo para México, para el cine y para el mundo”.   “Queremos que esta pieza cinematográfica invite a un público amplio, sobre todo a las nuevas generaciones, a conocer y reflexionar sobre la grandeza del conocimiento y herencia que nos han brindado las culturas prehispánicas. Entender que la historia es materia viva y que evoluciona a la par de las herramientas que nos permiten rescatarla”, finaliza el productor Miguel Bonilla Schnaas.   Santuarios del infinito invita a conocer y visitar ocho de los sitios arqueológicos más relevantes de las civilizaciones prehispánicas de México, para revalorar la gran herencia cultural que nos brindan los pueblos originarios de nuestro país.

[jorgegarciac15]

JORNADA DE PODCAST IBEROAMERICANO DE GUADALAJARA

Esta reseña trata sobre la ponencia Lourdes Moreno y Luismi Pedrero. En ella hablan sobre los podcast narrativos y características, en la Jornada de Podcast narrativo Iberoamericano de Guadalajara.

Luismi es mi profesor de la asignatura de Creatividad Radiofónica y estoy acostumbrado a que me enseñe cosas. Aun así, me ha gustado poder aprender de él escuchándole hablar en el video de la jornada.

Entre muchos de los temas que habla destacaría cómo la radio se ha visto eclipsada por los podcast, estando estos aún en creciente desarrollo. También la duración de los podcast exitosos oscila entre los veinte minutos, lo cual los hace muy sencillos de hacer. Las grandes variantes de podcast que presentan y explican son: los conversacionales, los narrativos de ficción y los narrativos de no ficción. Explica también lo que abarca el podcast narrativo (Documental, Reportaje, True Crime, Ensayo sonoro y Daily).

En los podcast de ficción hablan sobre la importancia de las tramas, la importancia de las voces, de los testimonios y de los sonidos. Se crean climas con las narraciones y el sonido.

Hablan también sobre el podcast Mujeres que corren y de cómo lo han producido y las decisiones que tomaron durante este proceso.

En general, la ponencia me ha resultado interesante, también pienso que me ha servido de repaso de información que ya había ido recopilando durante esta asignatura. Del mismo modo, me ha servido para reforzar la creencia de que los podcast son el futuro. Cada día que pasa, me planteo de forma más seria iniciar un podcast de ficción y, gracias a la información que adquiero de Luismi, me siento preparado para afrontar el proceso.

[tarotporkema]

Este es un repost para evacuar una pregunta. Literatura, pintura y ahora cine. Para quienes no saben, Midsommar es una película que ha dado que hablar en los círculos paganos, filopaganos y en los espectadores con gusto por el terror psicológico. He escuchado gente que quedó pirando del gusto y otra que quedó dura del espanto, siendo pocos los indiferentes que llegaron hasta los créditos.

Desde lo narrativo-visual, Midsommar es preciosa; paisajes bellísimos y evocativos, grandes planos, simetría, vívidos colores y la brillante luz del verano escandinavo en el que nunca se oculta el sol. Toda esta gloriosa luminosidad es contraste antagonista de su guión, porque Midsommar no es “ pagana” en el sentido documental, sino una película perturbadora que expone tabúes como el suicidio, la eutanasia, el asesinato, la locura, o temas poco discutidos como la decrepitud y la mentalidad de secta. Así que Midsommar no trata del Paganismo antiguo, ni del moderno, sino de los problemas éticos y terrores más profundos de la psique humana, de su sombra.

“Pero es pagana porque celebran el solsticio y se ponen flores y hacen rituales”… no, porque aseverar que algo/alguien es pagano por eso es como decir que alguien es cristiano porque usa una caravana de cruz en la oreja. Midsommar es ficción, arte, no investigación documental. Pero sí, es cierto que hay muchas alusiones a festivales paganos porque los artistas hicieron muy bien su tarea de investigación: se repite el número 9 en el simbolismo - por los 9 mundos del Yggdrasil- hay runas, referencias a Ymir y Odín; se alude a las Sagas islandesas; se celebra un Solsticio; hay sacrificios y se celebran rituales de fertilidad.

Lo cierto es que casi todo el contexto ritual de la película viene de costumbres no mucho más antiguas que la Edad Media, como la fiesta - cristiana- de “santa Walpurga” o Valborgsmässoafton con sus fuegos para alejar a las brujas, no para convocarlas.

En conclusión: metáforas visuales paganas; sustrato histórico cristiano y guión humanista. Bella, cruda como la misma Naturaleza.

( El afiche lo saqué de Filmaffinity)

#boticacroi #midsommar #peliculas #uruguay #paganismo #humanismo #wicca

View this post on Instagram

A post shared by Botica Croi (@botica.croi.blog)

[diarioelpepazo]

El film estará inspirado en la experiencia literaria Zuaas por el acontecimiento eléctrico del 7 de marzo del 2019, que dejó a Venezuela sin electricidad y otros servicios públicos por cerca de una semana. [caption id="attachment_95489" align="aligncenter" width="623"] Mariaalejandra Martín será la productora de la película. Foto Cortesía[/caption] La cineasta, productora y actriz venezolana Marialejandra Martín producirá y dirigirá la película "¡Zuass, se fue la luz!", inspirada en el libro colectivo "¡Zuaas...! (Historias breves de la crisis electrica) Microrrelatos", que se escribió en el contexto del acontecimiento eléctrico del 7 de marzo del 2019, que dejó a Venezuela sin electricidad y otros servicios públicos por cerca de una semana. El Centro Autónomo Nacional de Cinematografía (CNAC) aprobó el proyecto presentado por Martín en la convocatoria 2023 del Programa de Estímulo y Fomento a la Producción Cinematográfica Nacional, bajo la modalidad Desarrollo de Proyecto Cinematográfico. El anuncio del CNAC a través de su perfil en instagram, señala que "luego de un acucioso proceso de evaluación", el ente rector del cine y medios audiovisuales en Venezuela, presentó las conclusiones de la Convocatoria 2023 del Programa Estímulo y Fomento a la Producción Cinematográfica. Precisó que en la primera entrega de este anuncio, se dio a conocer la selección de proyectos para las modalidades de Desarrollo de Guión, Reescritura de Guión, Desarrollo de Proyecto, Producción de Cortometraje y Producción de Largometraje Documental, reservando para un segundo informe los resultados en post producción y culminación. El presidente del CNAC, Carlos Azpúrua, recordó que la convocatoria cerró el pasado mes de junio y arrojó el resultado favorable para varios proyectos, entre los cuales se encuentra "¡Zuass, se fue la luz!" de Mariaalejandra Martín, en la modalidad Desarrollo de Proyecto Cinematográfico. Isabel Caroto, integrante del Laboratorio Permanente de Lectura y Escritura de Microrrelatos Zuaas, el grupo-taller que produjo el libro colectivo de narrativa breve, informó que la película se rodará en Barquisimeto, capital del estado Lara, ubicada a un promedio de 350 kilómetros de Caracas, capital de Venezuela, núcleo central de la experiencia literaria, a la que pertenecen personas de diversas profesiones y oficios, sensibilizadas con el género narrativo, grupo que ya ha producido varios libros colectivos. La película "¡Zuass, se fue la luz!", del género comedia, tendrá como actores protagónicos a reconocidas figuras nacionales, también intervendrán actores residenciados en la región larense. Varias co-productoras participarán en la realización de la película, entre las cuales se encuentra la Escuela de Medios CIECA de Barquisimeto, dirigida por Isabel Caroto, Luis Girón y Elías González, con el apoyo de los integrantes del Laboratorio Zuaas y Contra Viento y Marea Ediciones, cuyos coordinadores y directores son los periodistas Félix Gutiérrez y Andreína Alcántara. Para recibir en tu celular esta y otras informaciones, únete a nuestras redes sociales, síguenos en Instagram, Twitter y Facebook como @DiarioElPepazo El PepazoPrensa Zuaas

[curaduria-politicoespectral]

Juegos de herencia (2009) - Clemencia Echeverri

[video y videoinstalación]

En Juegos de herencia (2009), la artista colombiana Clemencia Echeverri nos muestra, o más bien, nos presenta algunas imágenes que hilan en su montaje destellos o evocaciones de potencial intuitivo de un "festejo-ritual" tradicional que se realiza en El Valle, Chocó cada 20 de julio que consiste en enterrar un gallo vivo en la arena, con la cabeza por afuera, para luego ser decapitado con un machete por un hombre con los ojos vendados.

Echeverri, que ya conoce muy bien el potencial del montaje y de las imágenes para -hacer ver- singularidades inscritas más allá del registro o del aspecto documental narrativo, nos revela en Juegos de herencia la violencia presente en el ritual sin la necesidad de la imagen de ser explícita. Es una obra potente puesto que devela esa -otra- realidad implantada en lxs cuerpxs de quiénes la observan, el sonido del machete y el espectro que llena los vacíos en la secuencia hacen extrañamente familiar en nuestro propio imaginario a la violencia y sus ritmos ritualizados en este país.

Posibilita preguntarse por el ejercicio de hacer historia, de pensar historia en Colombia y de hacer memoria mediante una lógica estética de lo espectral que supone un compromiso con la ambigüedad de todo acontecimiento:

(...), pues en la Historia con mayúsculas, la dimensión concreta en la que se juega la vida, nunca nos enfrentamos con hechos perfectamente definidos y determinables, sino con apariciones que se configuran provisionalmente gracias a nuestros dispositivos tecnológicos, incluyendo la sofisticada técnica que está a la base de nuestra percepción o nuestro cuerpo. En otras palabras, según lo muestra Derrida, la lógica de lo espectral es la estrategia para pensar la condición artefactual de todo presente histórico y, así, comprender nuevas tecnologías de la memoria. (Gómez, 2010).

Estamos ante un espectro porque la violencia o la muerte no se presenta en sí misma, como una totalidad cerrada, sino que se manifiesta en una voz, en un sonido, en una imagen fragmentada y evanescente.

Gómez, G. (2010). "Juegos de herencia". La lógica de los espectros y la tecnología de la memoria. https://www.clemenciaecheverri.com/estudio/archivos/textos/articulos.pdf

[observatoriopliego]

Eduardo A. Ponce. Profe, fotógrafo y fanzinero

Soy profesor de educación secundaria y formación profesional, además de fotógrafo. Alterno la enseñanza de la informática con la creación fotográfica y su plasmación en soporte físico, ya sea en papel fotográfico, ya sea en fotozines. Me atrae especialmente la narrativa visual en base a imágenes, y reflexionar con ella sobre aspectos diversos de nuestra sociedad, siempre desde un plano crítico.

- ¿Qué es para ti un fanzine?

Para mí es una pequeña publicación (habitualmente, como mucho un A5, aunque puede contemplarse también el A4), grapada,  autoeditada (aunque recurro habitualmente a imprentas), realizada a bajo coste, sin emplear materiales caros, con el propósito de poder distribuirla ampliamente a bajo precio. En un fanzine lo importante es qué se quiere contar y cómo se cuenta, al margen de la calidad de la impresión, y por supuesto, con absoluta libertad.

- Cuéntanos acerca de algunos fanzines que hayas realizado

He realizado varios fanzines, tanto en el contexto personal, relacionado con la fotografía, como en el académico, en mi propio instituto.  A nivel personal comencé autoeditándome (300 ejemplares) “El Sueño de Volar”, una narración visual basada en una secuencia de fotografías que desarrolla el proceso en el que un chico/chica sueña con volar, y tras varios intentos, se convierte en gaviota y desaparece en el horizonte de una puesta de sol. El fanzine además se distribuye intervenida la portada, sobre la que escribo un haiku o un poema y “grafiteo” la silueta del chico/chica en el momento en que levita sobre la playa.

El siguiente fanzine a nivel personal lo titulé “El Secreto de Robert Frank” (100 ejemplares), que reunía un conjunto de fotografías realizadas por el maestro de la fotografía documental extraídas de su conocido trabajo “The Americans”, y cuyo propósito era reflexionar sobre el significado narrativo que podía encerrar la secuencia de imágenes mostrada, al margen del sentido del propio trabajo de Frank. Se adjuntaba con el fanzine un sobre para que cada lector escribiera su posible historia y me la enviara por correo. A punto de cerrar el periodo de recepción de respuestas, procederé a elaborar otro fanzine con las respuestas recibidas (realmente una selección) y un breve análisis de elementos comunes en ellas. Este fanzine se agotó prácticamente en las primeras 48 horas.

En el contexto académico, a fecha de hoy tengo editados tres fanzines. El primero, “Especial Halloween” (100 ejemplares), en el que se recogen fotografías de las actividades que se realizaron en torno a esta fiesta en la que también se incluyeron los conceptos de miedo, terror, pesadilla, en el contexto de nuestras vidas.

El segundo fanzine “Camarón” (100 ejemplares), se centró en la figura del ídolo del flamenco, ya leyenda, y que fue un éxito total, ya que está agotado (se agotó en las dos primeras semanas). Junto al fanzine se incluía por vez primera una chapa de regalo.

El tercer fanzine, “25N8M” (100 ejemplares), centrado en la mujer y su lucha por alcanzar la igualdad respecto al hombre, acaba de salir, y también se adjunta con él una chapa, en este caso en algunos se ofrece la ilustración de Rigoberta Menchú y en otros la de Chamamanda Ngozi.

Muestro seguidamente las portadas de cada uno. Para adquirir cualquiera de ellos basta con ponerse en contacto conmigo (frolik2001@yahoo.es).

- ¿Cómo vinculas los fanzines con la educación o lo pedagógico?

Comencé planteando la elaboración a nivel académico como una vía asequible y en papel para mostrar las actividades que se realizaban por parte del grupo que formamos la Biblioteca. Sin embargo, en cuanto me puse a ello, comprobé que el fanzine podía constituirse como una forma de permitir desarrollar ciertas habilidades en el alumnado que quizás no son incorporadas de manera más formal en sus clases. Por ejemplo, el escribir relatos en torno a un tema que les guste, o una poesía, o aprender a maquetar un fanzine, o cualquier otra relacionada con la creatividad, el dibujo y la ilustración, la narrativa visual o la transmisión o comunicación de ideas o pensamientos propios. De esta forma, además de fomentar y motivar al alumnado a desarrollar habilidades en el marco de la creatividad y el arte, también fomenta el crear materiales “físicos” que trascienden lo puramente digital, convirtiéndose la elaboración de los mismos como una propuesta cuasi revolucionaria y transgresora en una modelo de aprendizaje donde lo digital se alza como el fin último de la elaboración de actividades escolares.

Elaborar un fanzine requiere además el trabajo en equipo de áreas multidisciplinares, así como la reflexión sobre aspectos tales como la presentación del contenido, selección del mismo, complementación entre imagen y escritura, etc. Además, dada la diversidad de temas a tratar, prácticamente todas las áreas académicas pueden tener cabida en la elaboración del fanzine.

- ¿Qué experiencia o experiencias destacarías de haber llevado al aula los fanzines y de haberlos trabajado con el alumnado? ¿Qué productos se generaron?

La primera de ellas es que dado que no está limitado o condicionado por un contenido puramente académico, el rechazo del alumnado a abordar la confección de un fanzine es prácticamente inexistente. Además, en mi caso, el grupo de chicos y chicas que los elaboran lo hacen por iniciativa propia, sin obligación ni condicionamiento alguno. Cuando haces algo por puro placer o interés personal, siempre el aprendizaje es más sólido. Gracias al fanzine hemos descubierto a chicos y chicas con habilidades que, de otra manera, posiblemente, se habrían perdido o no aprovechado. A su vez, todo ello se convierte en un proceso de realimentación, de manera que cuantas más habilidades giran en torno a la confección del fanzine, más posibilidades hay de que sea más abierto, creativo e interesante.

Como dije anteriormente, a fecha de hoy se han confeccionado tres fanzines, y el cuarto y último, que se imprimirá a finales de junio, y que se venderá a principios del próximo curso, versará sobre el mundo del cómic, reuniendo los cómics elaborados por el alumnado en diferentes asignaturas, y alguna que otra entrevista.

- Imagina que pudieras hacer con tu alumnado un fanzine sobre lo que quieras. Cuéntanos qué temas tratarías, cómo se llamaría, etc.

Los temas pueden ser muy amplios, y partiría de las necesidades de contar cosas por parte del propio alumnado. Confeccionar fanzines con temáticas que les sean de interés a ellos es la clave, siempre aportando un punto de reflexión o debate. Cada tema puede orientarse de formas muy diversas, como, por ejemplo, elaborando el fanzine con la estructura del cómic, o mediante preguntas y respuestas. El fanzine que editamos en el instituto se denomina BiblioPunta ya que se confecciona en el contexto de la Biblioteca.

- ¿Qué habilidades, valores y actitudes crees que se desarrollan al crear fanzines en el alumnado?

Muchos, por ejemplo, el aprender a trabajar en equipo y tomar conciencia que sólo el aporte de habilidades diversas permite confeccionar una publicación de interés para el lector. La toma de decisiones en base a reflexiones sobre aspectos diversos también es importante, así como aprender a cumplir con plazos de entrega, y conocer aspectos tan diversos como los mecanismos de distribución y venta, o cómo es el proceso de maquetación e impresión de un fanzine o revista. También el conocer el papel que juega la imagen como elemento transmisor de ideas y su puesta en página para crear una narración atractiva y de interés.

- ¿Por qué recomiendas trabajar con fanzines en el aula a otras personas que trabajen en ámbito educativo?

El fanzine es una vía más de expresión, de comunicación, de transmisión de ideas. Ya sólo esa capacidad es un aliciente para que se incorpore como un soporte más dentro de las actividades o trabajos que se les exige al alumnado. A todo esto se incorpora en el fanzine un factor que lo diferencia de todo lo digital, y es el factor manual, ese elemento artesanal que lo convierte en un objeto casi fetiche. Tocar, palpar, pasar las páginas, etc. Puede intercambiarse, reunirlos todos en una mesa y a la vez que se aprende, también se experimenta el factor creativo como un elemento que se comparte.

El resumen de un tema, la reunión de las ideas fundamentales, un esquema, la explicación de un proceso, el desarrollo de una teoría, siempre son perfectos candidatos a plasmarse en un fanzine. La elaboración de un fanzine ya supone la incorporación del proceso enseñanza-aprendizaje en el mismo, pero con el matiz de lo lúdico, lo creativo.

- Recomiéndanos cuentas de otras personas o colectivos que trabajen con fanzines

Hay muchas, pero yo empecé a introducirme en el fanzine de la mano de Mon Magán y su canal de Youtube.

Otra cuenta, esta de Instagram, es Fanzineologia , en la que se referencian múltiples fanzines.

Pabellón de Inadaptados es un fanzine con una tirada pequeña (50 ejemplares), editado en un papel de estraza con virado al sepia, y en el que la imagen es la protagonista absoluta. No incorpora narración alguna (o sí, todo depende del lector) y suele estar confeccionado con el aporte de un grupo de artistas visuales, básicamente fotógrafos. Está disponible también digitalmente. Personalmente he colaborado en algunos de ellos aportando fotografías.

[blogdojuanesteves]

OS MODLINS > PACO GÓMEZ

Engenheiro civil de formação sem nunca ter exercido a profissão, o madrilenho Paco Gómez, trabalha com fotografia desde de 1996. A isto acrescentou documentários, curadoria, cenografia e o ofício de escritor, entendendo esta última atividade como algo que surge por afinidade, por prazer, não como profissão, como disse o crítico e escritor carioca Eric Nepomuceno certa vez.  Sua produção é escorada em certo surrealismo, nas suas recordações, na literatura, no cinema e, como ele mesmo conta,  com uma tendência a questionar os limites da realidade utilizando-se de mensagens subliminares nas fotografias e a investigação documental para construir suas histórias.

Os Modlins (Editorial Fotô, 2023) lançado em março no Festival Foto em pauta de Tiradentes é a edição em português do original publicado por Gómez, pela sua editora, a espanhola Fracasso Books, em 2013. Livro organizado pela artista visual Elaine Pessoa e a professora e pesquisadora Fabiana Bruno, que compõem com o curador Eder Chiodetto o Ateliê Fotô. É também a terceira produção da editora que busca aproximar mais o texto à fotografia, como Imagens-Ocasiões, do filósofo francês Georges Didi-Huberman, de 2017, [ leia aqui review em https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/170575587911/imagens-ocasi%C3%B5es-georges-didi-huberman ] e A Fotografia e o Verme, do escritor e teórico da comunicação paulista Norval Baitello Junior, de 2021 [ leia aqui review https://blogdojuanesteves.tumblr.com/post/672640346006683648/a-fotografia-e-o-verme-norval-baitello-junior ].

Acima, Margaret Modlin pintando

Paco Gómez afirma que está entre a investigação histórica da fotografia e a literatura. Além de seu livro agora publicado no Brasil, juntam-se na Espanha Proyecto K ( Fracasso Books, 2015); Montedidio una historia napolitana, inspirado no livro Montedidio ( Feltrinelli, 2003)  do escritor  italiano Erri de Luca entre outros além do curioso Photo Poche 103, um livro, que como ele diz, "plagia" a famosa coleção francesa que traz uma compilação de fotografias extraídas de reportagens realizadas pelo mundo quando o autor "estava imerso na ficção de ser um fotógrafo profissional."

Livro intrigante, para ler e ver e rever, Os Modlins levou dez anos para ser feito. Segundo o autor, uma década de  investigações, plena de vicissitudes, para compor um quebra-cabeças narrativo em que o autor "reconstrói" a história da família que dá nome ao título, a partir de fotografias que supostamente encontrou em uma lixeira de Madri. Uma interessante e atraente narrativa sobre a vida de uma peculiar família de americanos obcecados com a fama que criaram na capital espanhola nos anos 1970. "Uma família que esteve conectada com uma infinidade de acontecimentos históricos do século XX, tanto nos Estados Unidos quanto na Espanha, deixando vestígios ao longo de sua existência para que suas aventuras fossem contadas da forma que queriam."

Acima o escritor americano Henry Miller por Margaret Modlin

Diferente da edição espanhola, com imagens em cores e preto e branco, o livro brasileiro tem predominância por imagens em preto e branco, salvo o ensaio final, dedicado a pintora surrealista, fotógrafa e escultora americana Margaret  Marley Modlin (1927-1998), protagonista da edição. Uma excêntrica artista, ao menos em sua época, que na narrativa de Gómez teve suas obras encontradas em duas caixas enormes, guardadas em um armazém próximo a  Torrejón, nos arredores de Madri. Uma das fotografias encontradas no lixo, mostra a pintora deitada no chão, posando em um estudo do quadro "Elmer Modlin tú que contemplas los siete sellos del Apocalipsis según san Juan", de 1976. ( onde  o autor descreve como tendo um pegajoso título).  Em uma espécie de posfácio, Margaret Marley Modlin os três emes mágicos" [ Obra ímpar pictórica da artista conhecida como a melhor pintora do Apocalipse de todos os tempos} 16 pinturas e algumas fotografias que serviram como modelo.

Como curiosidade a história do ator Elmer Modlin (1925-2003), acima citado e marido de Margaret aparece no filme Uma História para os Modlins, de 2012, dirigido pelo cineasta paulistano radicado na Espanha Sergio Oksman, que ganhou o Prêmio Goya de melhor documentário por esta obra, sobre a participação dele como figurante no final de Rosemary's Baby (1968), do diretor franco-polonês Roman Polanski. Segundo o cineasta brasileiro, a história tem uma dimensão fantasmática sobre o ator e sua família. O filme foi exibido no Festival Internacional de Documentários É tudo verdade em sua 18ª edição em 2013. Após  35 anos da ponta no filme, fotografias e outros objetos da família Modlin apareceram em um apartamento abandonado em Madri fornecendo o ponto de partida para a reconstituição de uma trajetória em que realidade e ficção misturam-se a construir quase uma fotonovela com grandes legendas.

Acima, Nelson Modlin, filho de Margareth em foto publicitária.

Na sua trama sobre Os Modlins, Paco Gómez descreve o aparecimento de  retratos de Margaret junto a um retrato que tinha feito do seu amigo fotógrafo Juan Millás, em seu apartamento. Ao perguntar quem era ela: " Uma amiga minha me deu de presente, chama-se Margaret, uma artista importante", ao qual o fotógrafo contesta dizendo que conhecia a mulher de outras fotografias, mas que não era ela... Mas, que segundo ele, a tal amiga tinha ido junto ao apartamento, estabelecendo assim fragmentos de seus pressupostos ficcionais aos quais ele adiciona imagens de amigos que representam as fotografias encontradas, no que ele chama de "Inclusión en el álbum familiar."

Para os editores brasileiros, a descoberta pelo fotógrafo de uma coleção extraordinária de fotografias no bairro boêmio de Malasaña, despertou algumas perguntas: Quem eram os protagonistas daquelas imagens inquietantes? Por que posavam em posturas tão chocantes, E principalmente, porque tudo tinha ido pro lixo? Para eles, perguntas que obcecaram o autor dia e noite. " Um apaixonado e trepidante relato que faz a fusão natural com gêneros literários tão diferentes, como a crônica jornalística, a biografia detetivesca, os diários, a ficção e a fotografia." Sem dúvida um imbróglio que faz o leitor rever o já lido, a imaginar aonde começa e onde termina a fabulação do autor. Guardadas as proporções é como entrar na desafiante literatura do genial escritor e artista polonês Bruno Schulz (1892-1942) e suas aliterações incríveis, quando descreve sua vida familiar, incorporadas pelos seus desenhos de inspiração goyesca.

Acima a esquerda Margaret Modlin anos 1980 e a direita  Joy Bautista. 2006

O leitor tem como suporte à sua imaginação figuras históricas e as suas versões contemporâneas criadas por Gómez, que contrapõem a sua narrativa ficcional. Podemos aqui lembrar da séries geniais como Sputinik, do catalão Joan Fontcuberta que a partir de personagens reais, astronautas russos, insere em suas imagens um protagonista ficcional supostamente desaparecido criando sua história fotográfica. Ensaio este que também estimulou a fotografia ibérica, na obra da fotógrafa alicantina Cristina de Middel a criar a série Os Afronautas, encontrada no livro The Afronauts (Self Published, 2012) a partir de reportagens de um programa espacial na Zâmbia dos anos 1960. Middel inspirou-se em imagens de arquivo documentando as atividades da Academia Nacional de Ciências de Zâmbia e seu programa espacial não-oficial, idealizado pelo professor Edward Makuka Nkoloso (1919-1989), fundador da Academia de Ciências de seu país, mas que teria fracassado por falta de financiamento.

A construção do discurso de Gómez, estruturado entre a posição histórica e a ficcional, onde ambas embaralham-se adiciona metadados com as imagens contemporâneas onde seus amigos, como por exemplo o fotógrafo Jonás Belh em imagem de 2006 faz par com a imagem original de Elmer Modlin de 1986. As imagens feitas pelo autor de outras personagens entrelaçam-se na timeline real e no roteiro imaginado, revelando os protagonistas. Pensamos no belga Philippe Dubois em seu livro O Ato Fotográfico e outros ensaios ( Ed.Papirus 2001) na construção da "imagem-ato", a ideia de pensar o ato antes da recepção, ainda que a contemplação essencial para análise fotográfica considere esta questão como um processo: a obra do ponto de vista do autor e do espectador levando ao que ele chama de “acionamento da própria fotografia”.

Nelson, filho de Margaret e Elmer Modlin

Interessante notar que embutida na história paralela criada por Paco Gómez, encontramos uma espécie de elevação da obra de Margareth Modlin quando este  reafirma a genialidade da pintora:  "Elmer Modlin tu que contemplas los siete sellos del Apocalipsis según san Juan, o mais apocalíptico de suas pinturas que condensa, como nenhuma outra os delírios da sua criadora." Conta a história real que a artista ficava em casa criando suas obras de arte enquanto seu marido e filho encontravam um trabalho remunerado. A casa, da Calle de Pez, girava em torno dela e de sua excentricidade, como podemos ver nas imagens reunidas no livro. A artista usou seu filho Nelson e seu marido como modelos para criar cenas surrealistas com uma mensagem messiânica. Embora estas fugissem do assunto às vezes, como no retrato "Henry Miller sín alas", nu como um diabo ou Elmer em fotografias também nu ou de cuecas. Uma relação que o autor escreve que o inquietava com frequência e na qual encontrava paralelismos com o filme de Polanski. 

As pinturas e desenhos de Modlin foram exibidos na Califórnia, Nova York, Itália e Espanha. A artista não vendeu uma pintura durante sua vida, e estipulou em seu testamento que elas permaneceriam na Espanha. Sua pintura final, do poeta asturiano José García Nieto (1914-2001), estava apenas pela metade. Parte de seus documentos manuscritos e de seu marido hoje estão guardados na biblioteca da University of North Carolina, nos Estados Unidos, inclusive as anotações de Portrait of Henry Miller (1891-1980), escritor americano pelo qual a artista parecía ser obcecada, e que Paco Gómez faz menção, em seu relacionamento, além de outros escritos como poemas de seu marido Elmer. 

Acima pintura de Margaret Modlin de 1968

De fato, a excentricidade levantada em sua época não teria a mesma consideração nos dias de hoje, onde o "excêntrico" vem sendo substituído pelo "célebre", o que sustenta ainda mais a articulação de Paco Gómez na construção mitológica de seus personagens, concentrando na obra do Apocalipse o seu leitmotiv, chegando até mesmo a fazer uma visita guiada em uma exposição da obra de Margareth Modlin na galeria madrilenha Malvin, em 2016, que apesar desta ressurreição, os valores de suas obras ainda continuam em patamares europeus baixos . Em um leilão de 2021, na Setdart Auction House, de Barcelona, seu óleo "The death of the last enemy",de 1968, estava estimado em €20,000 - €22,000, pouco para quem tinha alcançado o estrelato póstumo.

No interessante fluxus inventivo de Paco Gómez, as cenas rituais de “tensos acordes” parafraseando a crítica de arte argentina María Negroni, misturam-se ao cotidiano banal do que poderíamos chamar de entediados americanos em meio à assustados conservadores europeus, principalmente a pintora, se levarmos em consideração o texto do fotógrafo a ilustrar a sua posição fascistóide ao admirar o ditador Francisco Franco (1892-1975) e sua agonizante ditadura e um certo decadentismo simbolista, quando lembramos que o genial Francisco Goya (1746-1828) com seus Caprichos já havia antecipado a ruptura da vanguarda.

A intimidade e a exposição intrínsecas na produção fotográfica contemporânea, estratégias do voyeur para o subjetivo, os fetiches que por sua vez estão igualmente na essência da boa literatura, em 303 páginas atraentes e instigantes desde o início até seu cólofon "Este livro foi impresso em fevereiro de 2023, quando os quadros de Margaret Modlin iniciaram sua viagem à América, o que a pintora nunca desejou." ao lado de sua pintura ANO LV DEPOIS DA LUA.

Imagens © Os Modlins Texto© Juan Esteves

Infos básicas

Organização. Elaine Pessoa e Fabiana Bruno

Tradução de Mari-jô Zilveti

Publisher: Eder Chiodetto

Projeto gráfico: Manuel Gil

Design da capa: Fábio Messias

Impressão Bartira gráfica e Editora

500 exemplares em brochura

adquira o seu exemplar aqui nos sites:

https://fotoeditorial.com/produto/os-modlins/

https://lovelyhouse.com.br/publicacao/os-modlins-paco-gomez/

[moochilatv]

Entrevista a Alain Johannes

El músico chileno tocará este sábado 15 de abril en Uniclub

Primero que todo. ¿Cómo estás?

Bien Gracias

1) ¿Qué parte creés que incidió en tu vida musical tener como padres a artistas dedicados al arte? Por supuesto, considerando la distinta relación y experiencia con cada uno.

 Lo importante fue el apoyo y que no intentaron de cambiar mi mente cuando decidí muy joven de hacer mi vida en la música. Mi tío Peter me enseñó varios acordes y de eso empecé yo de forma autodidacta. Lo lindo era tener acceso a instrumentos cuando tío Peter se quedaba con nosotros y ensayaba sus bandas en la casa de mi mamá.

2) El film "Unfinished Plan: El camino de Alain Johaness" se presenta como un documental biográfico y narrativo, con melancolía y tristeza por seres especiales que ya no están, y cierta acción musical que se desprende durante todo el proyecto.

¿Qué tan satisfecho quedaste con el resultado final del film?

Logré verlo una vez y me parece que Fito el director logró un buen balance respetuoso y enfocado en contar la historia bien.

3) El periodista Manuel Toledo-Campos afirmó en una reseña sobre el film, que "El camino de Johannes no es lineal, sino que se da en múltiples planos, con un muchacho que crece en múltiples países, aumentando su sensación de no pertenecer por completo en ninguna parte" ¿Coincidís con esta afirmación?

Si o sea yo me siento bien en cualquier parte del mundo. Me tuve que acostumbrar a cambiar completamente lo que vivía viviendo en tantos lugares y empezando de nuevo con idiomas etc. Eso me causó de tener un sentido de pertenecer al mundo y todas las culturas. Claro que siento suerte estando en Chile de donde vengo. Creo que en mi musica también aparece el uso de no solo instrumentos de diferentes culturas sino también las texturas y las sonoridades.

4) ¿Hay material grabado en Rancho de la Luna que todavía no salío?

Se ha grabado tanto que debe de haber mucho material. Seguro que algún día saldrá.

5) ¿Qué sensaciones tuviste al grabar Humbug con los Arctic Monkeys? ¿Imaginaste que ese álbum sería tan exitoso?

Josh y yo y los muchachos de Arctic Monkeys solo enfocamos en crear algo increíble interesante y a pasarla bien en el proceso. Creo que el ambiente del desierto y rancho ayudó que esa mística se realice. Es un sonido especial.

6) Ahora que se anunció la gira sudamericana de Red Hot Chili Peppers, ¿por casualidad escuchaste los últimos discos de los Red Hot Chili Peppers? ¿Seguís en contacto con Flea?

Siempre escucho los discos. Varios me gustan. Flea y yo nos encontramos en festivales de vez en cuando y siempre la pasamos bien.

7) ¿Hay planes de volver a colaborar en conjunto con Josh Homme y Dave Ghrol en el futuro? Para tener certeza: ¿Lo último con ambos (Ghrol y Homme) fue el proyecto ganador de Grammys Sound City?

Yo toqué con Dave en Play y recién reunimos a TCV con John Paul Jones para homenajear a nuestro querido Taylor Hawkins en Londres y Los Angeles. Siempre existe la posibilidad de juntarnos. Yo feliz cada vez.

8) Vimos tu participación en el emotivo homenaje a Taylow Hawkis junto a Them Crooked Vultures. ¿Sensaciones? Me imagino que debe ser difícil de responder en una entrevista de este tipo, por cierto.

Sería más fácil en una charla. Pero diré esto que fue una experiencia intensa y preciosa aunque muy triste. Pero el cariño a Taylor y la intensidad de las presentaciones fue algo increíble que nunca olvidaré.

9) ¿Qué podés contar sobre el disco Denim & Diamonds de la artista Nikki Lane, proyecto producido por Josh Homme?

Acaba de lograr regresar de estar encerrado durante la pandemia en Santiago y Josh me llamo a ser parte de la agrupación con Carla, Helders y Shuman y mas. Lo pasamos muy bien Nikki es gran artista y me encanto ser parte.

10) ¿Cómo es la experiencia del trío junto a los hermanos Foncea?

 Es increíble como si hubiéramos tocado juntos toda la vida. Ellos entienden la trayectoria y el legado de forma tan natural y instintiva que es gran placer.

11) ¿Qué tal les fue en el último Lollapalooza de Chile?

Super lindo show con muchos fans todos disfrutando juntos. Cerramos un escenario más pequeño a buena hora para aprovechar tener buen light show.

Entradas disponibles a través de alpogo.com.ar https://alpogo.com/evento/alain-johannes-trio-unico-show-en-argentina-10148

12) ¿Qué se puede anticipar del show que darán en Argentina?

Será formato trío y vamos a recorrer un poco de todo. Eleven, desert sessions, QOTSA, sound city, mis discos solistas y material del trio.

13) ¿Has escuchado a los argentinos Parteplaneta? Ellos serán el acto soporte en el show de Buenos Aires.

Solo un poco en su cuenta IG suenan super bien feliz de descubrir más y disfrutar el show

14) ¿Qué tiene Alain Johannes en su moochila? (la respuesta es de interpretación libre por supuesto)

En mi moochila tengo todo lo que he soñado y todo lo que voy a soñar

Muchas gracias por tomarse el tiempo para responder.

Cordialmente

Diego Barreiro

@diegobarrei

[hedonismoaudiovisual]

Carlos Hugo Christensen: una estética del cuidado

Casi como un milagro cinéfilo insospechado, tuvo lugar en la ENERC durante las noches de octubre y noviembre una retrospectiva bastante exhaustiva de Carlos Hugo Christensen, uno de los directores más notables de la etapa de oro del cine nacional. Durante ese tiempo pude ver en pantalla grande -y en fílmico- 5 de sus films más conocidos, concretamente Safo, historia de una pasión (1943), La pequeña señora de Pérez (1944), Los pulpos (1948), No abras nunca esa puerta (1952) y ¿Somos? (1982).

Pero más que un gesto nostálgico o caprichoso, la acción de poder contemplar las obras de un genio como Christensen en copias originales y en las dimensiones del cine conlleva una experiencia estética y emotiva por demás única y superadora. Así, por fuera de la costumbre de descubrir estos films en la repetitividad -si bien muchas veces salvadora- de Youtube o canal Volver, poder ver, sentir, disfrutar los planos, el sonido y las texturas de estas películas en su medio natural se vuelve una vivencia irremplazable, única, aurática.

¿Y cómo describir el estilo Christensen? Se trataría, principalmente, de un estilo del cuidado, de la sofisticación: cuidado por los géneros (Christensen recorre con igual maestría el suspenso, el erotismo, la comedia, el melodrama o el film noir), cuidado por los encuadres (primeros planos y planos generales tan pictóricos como imponentes), cuidado por la dirección de actores (un director que, en efecto, potenció astros como Legrand, Magaña, Ortiz, Escalada, Zubarry, Pirovano, Thorry, Mary y más), cuidado por la iluminación (rostros en claroscuro, luces parpadeantes que reflejan estados de ánimo consternados), cuidado por el valor narrativo de los objetos (escaleras, teléfonos, esculturas y retratos adquieren una fuerza perturbadora), cuidado por lo simbólico (arañas, pulpos, canciones de tango como metáforas o presagios), cuidado por el sonido (leitmotivs insidiosos, efectos sonoros), cuidado por el espacio (desde los interiores compuestos con detallismo hasta el centro de Buenos Aires filmado casi con talante documental) y, finalmente, cuidado por el punto de vista y la realidad turbulenta de sus personajes.

Carlos Hugo Christensen: un artesano, un autor de la puesta en escena, de los climas cinematográficos, que contribuye sobremanera a la eterna grandiosidad del cine argentino.

Por Gabriel Yurdurukian