#musica e tradizione

[pier-carlo-universe]

Note d’Inverno: il saggio musicale al Museo Gambarina di Alessandria. Giovani talenti in scena per la XXVI edizione di "Parole, Suoni, Colori"

Un evento di musica e cultura ad Alessandria.

Un evento di musica e cultura ad Alessandria. Domenica 12 gennaio alle ore 16:00, presso il Museo Etnografico “C’era una Volta” di Alessandria, si terrà l’atteso appuntamento con il saggio musicale “Note d’Inverno”, parte della XXVI edizione della rassegna culturale “Parole, Suoni, Colori���. Questo evento gratuito offre un’occasione unica per celebrare il talento di giovani musicisti e la…

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #350 - Miles Davis Quintet, Relaxin' With The Miles Davis Quintet, 1958

Per essere stata una piccola casa editrice musicale, la Prestige di Bob Weinstock è infarcita di leggende, come ho un po' raccontato in queste belle (per me, e spero pure per chi le ha lette) storie musicali novembrine. Che oggi toccano l'impressionante traguardo dei 350 dischi, e come tradizione vuole tocca a Miles Davis. Weinstock capì agli inizi degli anni '50 che Davis aveva un talento gigantesco sia come musicista ma forse ancora di più come band leader, tanto che fu uno dei suoi più grandi sostenitori ad intraprendere la costruzione di un suo gruppo. E Davis alla prima occasione dimostrerà il suo fiuto per la genialità musicale e nello scegliersi i musicisti, formando quello che è uno dei grandi gruppi di sempre, e apice dell'hard bop. Davis sceglie un giovane sassofonista della scuderia Prestige, John Coltrane, che in pochi anni diventerà uno dei giganti della musica del '900 e quella che è la sezione ritmica per eccellenza del genere: Red Garland al pianoforte, Paul Chambers al basso e contrabasso e Philly Joe Jones alla batteria. Siamo nel 1955: come accennato, Weinstock era uno che metteva la praticità davanti all'estetica, e spinge il quintetto a registrare. I musicisti la prendono come un'occasione per provare come suoneranno il repertorio dal vivo. Davis ha già registrato con la Prestige il suo primo disco da 12 pollici, The Musings Of Miles, nel 1955 con Oscar Pettiford al basso, e vedendo l'aura del personaggio crescere enormemente come seguito, Weinstock pubblicò in vari Lp tutte le registrazioni su disco da 10 pollici che Davis, con varie formazioni, aveva fatto agli inizi degli anni '50. Ai leggendari studi Van Gelder, Davis e il suo quintetto registrano in due date, passate alla storia del jazz: l'11 maggio e il 16 ottobre del 1956. Sono già così affiatati e coesi, la magia e la bravura a livelli così alti, che registrano moltissimo materiale, che il buon Weinstock è ben felice di avere, dato che ha notizie sicure che la Columbia vuole mettersi Davis sotto contratto, cosa che avverrà alla fine dello stessio anno, il 1956. Per questo motivo, e per la bellezza della musica, le intere quattro registrazioni vengono pubblicate come 4 dischi: Cookin' With The Miles Davis Quintet nel 1957, Relaxin' nel 1958, Workin' nel 1960 e Steamin' nel 1961. Sebbene Davis sia già passato ad altre magie stilistiche già nel 1958, quando pubblica quel capolavoro che è Milestones, i 4 dischi sono considerati insieme non solo uno dei gioielli del catalogo Prestige, ma come lo stato dell'arte del bop nella seconda parte degli anni '50.

Scelgo Relaxin' With The Miles Davis Quintet nella tetralogia perchè è unanimemente considerato il lavoro più palpitante e musicalmente ineccepibile, sebbene il repertorio scelto fosse, e da questo il titolo, il lato più intimo e dolce dei brani registrati. In questo disco la tromba di Davis, con i suoi interventi delicati e strutturati sulla ripresa di poche note caratteristiche del brano, diventerà iconica, tanto che chiunque pensi solo di avvicinarsi al suo stile verrà etichettato come "davisiano". Tra l'altro persino nelle versioni rimasterizzate più recenti, quelle del 2005 nientemeno che da Van Gelder in persona, rimangono ancora gli intermezzi di dialoghi all'inizio di ogni brano, dove Davis discute con i musicisti sul da farsi. In scaletta 6 brani, tutti standard, che in questa registrazione troveranno la loro forma definitiva: If I Were A Bell è un brano scritto da Frank Loesser per il famosissimo musical Guys And Dolls (uno dei grandi successi di Broadway, che ispirò il film Bulli E Pupe con Marlon Brando e Jean Simmons), qui è nella sua versione decisiva con gli assoli di Garlad e Coltrane e la tromba di Davis, che qui usa una sordina Harmon che diventerà una sorta di feticcio tra i trombettisti. You're My Everything è una canzone del 1931, altra canzone da un musical epocale è I Could Write A Book di Rodgers e Hart, cantata nella versione originale da Gene Kelly nel musical Pal Joey come It Could Happen To You, tratta dal film della Paramount And The Angels Sing del 1940. Due invece sono i brani scritti da jazzisti: Oleo è un brano di Sonny Rollins, il quale era molto stimato da Davis: i due spesso hanno suonato insieme, ma mai con assiduità, avendo un grande rispetto reciproco. L'altro brano è Woody 'n' You di Dizzy Gillespie, uno dei tre arrangiamenti realizzati da Gillespie per la big band di Woody Herman, anche se all'epoca non venne utilizzato; gli altri due erano Swing Shift e Down Under.

Nasce in questo disco la sintonia musicale quasi sincronica di Davis e Coltrane, che nel 1959 porteranno ai picchi inarrivabili di Kind Of Blue: la sezione ritmica diventerà lo standard, tanto è che Coltrane, che inizierà i suoi lavori solisti proprio con la Prestige, se li porterà appresso.

Il quintetto lavorerà fino al 1960, non senza dissidi e pause, primo fra tutti il fatto che Red Garland porterà Coltrane alla dipendenza dall'eroina, cosa che Davis non gli perdonerà mai (tanto è vero che Garland non suona in Kind Of Blue). Chambers, un genio, anche lui attraverserà una devastante dipendenza dalla droga e addirittura morirà per complicazioni da tubercolosi nel 1963, a 33 anni.

Nel 2006 la Concorde Records, che detiene il catalogo Prestige, pubblicherà in una scintillante confezione box da 4 cd The Legendary Quintet Sessions, che ai 4 capolavori aggiunge 'Round Midnight, presente in Miles Davis And The Modern Jazz Giants e una serie di registrazioni inedite in jazz club e show in televisione. Un tesoro per gli appassionati più accaniti, ma per un approccio genuino e affascinante al jazz basta ascoltare la bellezza del disco di oggi, una delle innumerevoli magie di Miles Davis.

[ilpianistasultetto]

Anche quest' anno, come faccio ormai da anni, sono andato alla Discoteca Laziale per il solito auto-regalo natalizio. Ormai e' una mia tradizione scartare i regali ricevuti e poi mostrare meraviglia verso il mio auto-regalo con il massimo dello stupore possibile. Appena entrato mi sono subito indignato. Ormai i vinili potrebbero essere pubblicizzati sul portale Immobiliare.it, visti i prezzi; meno di 40euro non c'e' praticamente quasi piu' nulla. Ho fatto un giro per le sale dicendomi continuamente: " non comprare niente, non comprare niente". Poi, da lontano ho visto Rosanna dietro il suo bancone. Mi sono ricordato le prime volte che la vidi, una ragazzetta che aiutava il padre sempre dietro quello stesso bancone. Oggi, ad aiutare lei, due ragazze, le nipoti. Discoteche storiche a Roma ne sono rimaste due, Millerecord e questa, la discoteca laziale. Mi si e' fatto il cuore tenero a ripensare tutte quelle volte che ho parlato di musica con Rosanna. La sua caparbieta' a voler tenere aperta quell'attivita' che dopo gli anni '80 ha vissuto momenti veramente cupi tra l'espansione dei CD e poi degli MP3. Potevo uscire a mani vuote? Ho preso 4 vinili, pagato e sono tornato a casa contento. Il pacco regalo e' sotto l'albero.. @ilpianistasultetto

[elperegrinodedios]

Il blues è storia, è tradizione, è cultura. Il blues è identità, è fede, è preghiera. Il blues non è canto e musica solo, ma indipendenza amore e libertà.

Il blues è diritto, è radici, è religione, è parità. 🤍

Rockhistorylan

[theperfectpints]

'Mc Cafferty's' è l'essenza del pub, per tanti motivi. Per atmosfera, identità, tradizione. Per quello che riesce a trasmettere a chi varca quella porta. Non mancano di certo gli ingredienti per considerarlo ormai un vero punto di riferimento per la comunità di Donegal Town, per la gente a nordovest dell'isola. Interni accattivanti, clientela rumorosa ma accogliente, musica dal vivo 7 giorni su 7, divertimento a non finire. Local e turisti riempiono, soprattutto nel weekend, questo bellissimo pub, riuscendo ad assaporarne a pieno l'autenticità e l'animo profondamente irish. Dal 1997 'Mc Cafferty's' è una sosta quasi obbligatoria per chi passa dalle parti di Donegal Town. 🇮🇪 🍻 🥃 🎻 © Irish tales from Rome

[der-papero]

when you get this, list 5 songs you like to listen to, publish. then, send this to 10 of your favourite followers <3

Grazie di cuore, @biggestluca, faccio un nuovo post, che quello originale è diventato chilometrico.

Quest'anno l'ho dedicato quasi interamente alla canzone italiana, sia per scelta personale e sia perché, con l'arrivo di Lilly nella mia vita, è un modo per insegnarle l'italiano, abituarla già da adesso che la trap è una musica di merda, e insieme con la trap ci mettiamo anche il metal tedesco. Mi dispiace aver mollato un po' quella napoletana, ma la produzione del 2024 è stata veramente deludente dal mio punto di vista, speriamo nell'anno prossimo.

Taggo, come da tradizione e sperando di non far torto, i miei recenti lettori :)

@collisi0ne @frammenti-di-me-stessa @labalenottera @leuinchiostro @wavevectors @chiamamiely

[vividiste]

Oggi è il primo febbraio. In Spagna chiude la caccia e per migliaia di levrieri la vita finisce, miseramente così come era inziata. Le atrocità a cui sono sottoposti per la loro breve vita e infine per la loro morte, sono inaccettabili e tuttavia la cultura spagnola ancora le sostiene. È la tradizione.

In loro onore riportiamo un magnifico e toccante testo di Rafael Narbona, perché sappiate, perché rifiutate, perché combattiate.

Los Galgos Ahorcados - I levrieri impiccati

La Spagna è il paese dei levrieri impiccati.

La Spagna è il paese che non apprezza la tenerezza inconcepibile

di un animale che si intreccia con l'aria, disegnando acrobazie impossibili.

La Spagna è il paese degli alberi con i rami assassini,

dove una corda infame spezza una vita leggera come schiuma.

La Spagna è una terra sterile che seppellisce la poesia nel suo grembo morto.

I levrieri sono poeti in agguato nel vento, levigano gli spigoli in silenzio,

scivolando via come un filo d'acqua dal fondo di un fosso.

I levrieri sono poeti che si stagliano alla luna, componendo sagome senza eguali.

I levrieri accavallano le parole, ci saltano sopra, evitano gli accenti, così arroganti e inflessibili.

L'accento è un signore ridicolo che si infila nelle parole come una spina.

I levrieri turbano la sua routine, gettandola al vento, giocandoci finché si stufano.

Così riceve lezioni di umiltà e accetta la sua dolorosa insignificanza.

Le impronte dei levrieri non lasciano traccia. Sono veloci, alati, quasi eterei.

Non influenzati dalla gravità nè dalla durezza della pietra.

I levrieri accelerano la rotazione della terra, quando la follia si impadronisce di loro.

Lo sguardo riesce a malapena a seguire il loro galoppo vertiginoso,

ma grazie alle loro corse percepiamo la musica celeste.

I levrieri prendono in giro l'ortografia tendendo o piegando le orecchie.

Le orecchie di un levriero possono trasformarsi in una X, Y o LL.

Sforzandosi un poco sono in grado di delineare la Ñ o il numero Phi,

il numero aureo in cui è nascosto Dio,

giocando con una serie infinita che lascia con un palmo di naso gli insegnanti.

Gli insegnanti della scuola non capiscono Dio, nè i levrieri.

Dio è un bambino che utilizza i puntini di sospensione per attraversare i fiumi.

Li genera uno ad uno e salta in avanti. Quelli che avanzano, se li tiene in tasca.

I levrieri non sono mai separati da Dio,

perché sanno bene che hanno bisogno di non perdersi sulla strada,

dove si nasconde l'uomo con il forcone in mano.

Ci è stato detto che Dio è un vecchio con la barba bianca e la pelle rugosa,

ma Dio è un bambino malato

che calma il suo dolore accarezzando la testa ossuta di un levriero.

I levrieri vigilano sul mondo, mentre Dio riposa.

Ogni volta che viene commessa una malvagità, lanciano un grido e Dio si sveglia,

ma Dio non può fare nulla,

perché nessuno presta attenzione ad un bambino

che in punta di piedi non raggiunge lo spioncino della porta.

Gli uomini che impiccano i galgos hanno perso la loro anima molto tempo fa.

In realtà, la loro anima è fuggita inorridita quando ha scoperto le loro mani insanguinate.

Gli uomini che impiccano i levrieri nascondono gli occhi dietro gli occhiali scuri,

perché gli occhi li tradiscono.

Basta guardarli per capire che dietro non c'è nulla.

Gli uomini che impiccano i levrieri sono gli stessi che fucilarono García Lorca.

Non gli è importato sradicare dal nostro suolo un poeta

che dormiva tra camelie bianche e piangeva lacrime d'acqua.

Non gli è importato seppellirlo in una tomba senza nome,

con gli occhi aperti e uno sguardo di orrore sul viso.

Gli uomini che impiccano i levrieri parlano a malapena. Non amano le parole.

A loro non piace giustificare le proprie azioni ed esprimere le proprie emozioni.

Lasciano una scia di dolore e paura.

Ridono dei poeti che passano notti insonni

cercando di trovare un verso alla fine di un sonetto.

Ridono degli sciocchi che vogliono un futuro senza bombe o rovine nere.

Ridono delle promesse fatte ai bambini,

delle rassicurazioni sull'eternità che placa la morte e ci impedisce di cadere nell'oblio.

Ogni volta che muore un levriero, un bambino rimane orfano.

I levrieri prestano la luce dei propri occhi ai bambini malati.

Li accompagnano nelle notti di febbre piene di incubi.

Li svegliano dolcemente, parlandogli all'orecchio del giorno che arriva,

con la sua freschezza e la luce rosata dell'alba.

Gli parlano della primavera e dello sbocciare dei fiori.

Parlano delle mattinate torride d'estate, quando il mare è calmo

e il sole sembra una pietra gialla che non smetterà mai di brillare.

Gli dicono che l'inverno si è nascosto dietro un cespuglio e si è addormentato.

I bambini malati sono i bambini che il giovane Rabì scelse

per mostrare al mondo la bellezza nella sua forma più pura.

Il giovane Rabì si presentò di fronte al potere delle tenebre

con un ragazzo paralizzato ed un levriero affamato,

senza ignorare che la compassione è uno strano fiore.

Un fiore che cresce solo su pendii ripidi e in profonde solitudini,

dove le preghiere fremono di paura al pensiero di risuonare in una cantina vuota.

Certe mattine mi alzo presto ed i cani sono già sulla spianata che chiamano piazza,

con la sua triste chiesa dalla facciata imbiancata a calce, e un albero dal tronco nodoso.

Raggruppati per lunghe catene, tutti sono giovani e non sanno cosa li aspetta.

Non sanno che quel giorno diversi di loro resteranno sul campo,

sopraffatti dalla crudeltà umana.

Potrei avvertirli,

ma gli uomini che preparano la loro morte vanno in giro con fucili da caccia e lunghe corde,

ed i loro occhi sembrano braci ardenti di un odio antico.

Gli occhi dei galgos svolazzano come colorate farfalle.

Blu, marrone, viola, forse un debole bagliore d'oro.

Alcuni sono seduti, altri sdraiati, assopiti. Alcuni sono in piedi, altri scomposti.

Alcuni sono così sottili che sembrano quasi levitare.

Alcuni sembrano d'argilla, altri d'argento, altri sono bianchi come l'alba.

Come l'alba che avanza nella piazza e li fa sembrare in movimento.

Si sentono le catene, le grida, le risa.

Via tutti insieme, aggiogati a un destino ingiusto.

Mi sento come Don Chisciotte alla vista dei galeotti,

condannati a spingere un enorme corazzata con un remo:

"Perché fare schiavi coloro che Dio e la natura hanno creato liberi?"

Mi sono seduto su una panchina di pietra e li ho guardati andarsene.

Un levriero bianco, dall'andatura rassegnata, si voltò e mi guardò con umanità,

con gli occhi stanchi e vagamente speranzosi.

Sapevamo entrambi che le nostre vite sono una scintilla,

un momento di chiarezza in un buio infinito,

ma ci siamo sforzati di pensare che ci saremmo rincontrati sotto un altro cielo,

vagando per una sconfinata pianura,

distanti da quel mattino omicida che si sarebbe preso le vite dei più goffi

e di quelli rimasti indietro.

Ci rincontreremo in una mattina di pienezza e splendore, senza tristezza o negligenza,

una mattinata perfetta, libera da paure e lavoro.

Guarderemo indietro, come due vecchi amici che hanno scoperto la gioia di essere altrove.

I suoi occhi nei miei occhi, i suoi sogni nei miei sogni e i nostri battiti all'unisono nel vento.

RAFAEL NARBONA😪

Quanta inutile cattiveria 😡

[jazzandother-blog]

"Creativity is what makes humanity move. We were created to participate."

Keith Jarrett who turns 79 today.

"Over the Rainbow", performed in Tokyo 1984.

(English / Español / Italiano)

Possessing perfect pitch, while in high school, he heard a live performance of Dave Brubeck, and when invited to study classical composition in Paris, he was already leaning toward jazz and turned it down. He got kicked out of Berklee College of Music for playing the piano strings and "messing" with the inside of the piano. His first commercial record was with Art Blakey and the Jazz Messengers, and he went on work and record with Charles Lloyd and Miles Davis.

By the early 1970s, Jarrett's improvisations drew from the traditions of jazz and other genres, including Western classical music, gospel, blues, and ethnic folk music.

His album, 'The Köln Concert,' became the best-selling piano recording in history. Jarrett received the Polar Music Prize and was the first recipient to be recognized with prizes for both contemporary and classical music.

In 2018, Jarrett suffered two strokes and has been unable to perform since. But we still dream of the possibilities of what lies ahead.

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"La creatividad es lo que hace que la humanidad se mueva. Fuimos creados para participar". Keith Jarrett, que hoy cumple 79 años.

Poseedor de una afinación perfecta, cuando estaba en el instituto escuchó una actuación en directo de Dave Brubeck, y cuando le invitaron a estudiar composición clásica en París, ya se inclinaba por el jazz y lo rechazó. Le echaron del Berklee College of Music por tocar las cuerdas del piano y "meterse" con el interior del piano. Su primer disco comercial fue con Art Blakey y los Jazz Messengers, y siguió trabajando y grabando con Charles Lloyd y Miles Davis.

A principios de la década de 1970, las improvisaciones de Jarrett se inspiraban en las tradiciones del jazz y otros géneros, como la música clásica occidental, el gospel, el blues y la música folclórica étnica.

Su álbum "The Köln Concert" se convirtió en la grabación de piano más vendida de la historia. Jarrett recibió el Polar Music Prize y fue el primer galardonado con premios de música contemporánea y clásica.

En 2018, Jarrett sufrió dos derrames cerebrales y desde entonces no ha podido actuar. Pero seguimos soñando con las posibilidades de lo que nos espera.

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"La creatività è ciò che fa muovere l'umanità. Siamo stati creati per partecipare". Keith Jarrett, che oggi compie 79 anni.

Dotato di un'intonazione perfetta, quando era al liceo ascoltò un'esibizione dal vivo di Dave Brubeck, e quando fu invitato a studiare composizione classica a Parigi, era già orientato verso il jazz e rifiutò. Viene espulso dal Berklee College of Music per aver pizzicato le corde del pianoforte e aver "pasticciato" con l'interno del piano. Il suo primo disco commerciale fu con Art Blakey e i Jazz Messengers, e continuò a lavorare e registrare con Charles Lloyd e Miles Davis.

All'inizio degli anni Settanta, le improvvisazioni di Jarrett si ispirano alla tradizione jazzistica e ad altri generi, come la musica classica occidentale, il gospel, il blues e la musica etnica popolare.

Il suo album "The Köln Concert" è diventato la registrazione pianistica più venduta della storia. Jarrett ha ricevuto il Polar Music Prize ed è stato il primo a ricevere premi di musica contemporanea e classica.

Nel 2018, Jarrett ha subito due ictus e da allora non è più in grado di esibirsi. Ma continuiamo a sognare le possibilità di ciò che ci aspetta.

Source: JazzCorner.com

[sguardimora]

Martedì 27 agosto è arrivato a Mondaino l'ultimo artista selezionato nel contesto del progetto europeo Stronger Peripheries. Si tratta di Hamdi Dridi, artista di origini tunisine che vive tra Tunisi e Montpellier in Francia ma principalmente nomade, come preferisce definirsi beyond borders.

"Mi occupo di coreografia" racconta Hamdi "ma quello che mi interessa per primo è l'incontro con l'altro". Dan(s)e House trio and constellations è il titolo del progetto a cui sta lavorando: si tratta di un lavoro in cui danza, cucina e musica provano a mescolarsi sulla scena per creare un ambiente accogliente e immersivo per lo spettatore. Per questo, per la scrittura coreografica, Hamdi sta collezionando un archivio di gesti attraverso l'osservazione della preparazione di alcune ricette o particolari cibi che le persone che incontra gli propongono. L'archivio, costituito dai movimenti del corpo, in particolare tronco e braccia, servirà a definire la danza delle tre performer che saranno in scena: Ewa Bielak, Lucia de Oliveira Moreira, Debora N’Jiokou, danzatrici e dj, mixano, preparano le loro ricette tradizionali e danzano su una base hip hop le danze tradizionali dei loro paesi di origine, Polonia, Portogallo e Capo Verde, e le partiture di gesti scritti da Hamdi.

In queste prime giornate di residenza in Italia quindi, dopo aver trascorso nei mesi scorsi un periodo di residenza in Spagna e in Francia confrontandosi con le comunità di quei territori, Hamdi ha iniziato a incontrare alcune persone di Mondaino e dei dintorni per cercare nei loro gesti non solo l'amore per la cucina ma anche per lo stare insieme e condividere un tempo e uno spazio di vita: stare, osservare, raccontarsi e ascoltare.

Così scopriamo che il progetto è ispirato da una parte al ricordo del lavoro del padre e alla ripetizione dell'azione, nel suo caso del dipingere, dall'altro all'amore della madre per la cucina.

Nel giorno del suo arrivo a Mondaino è stato accolto da Elisa ed Erica, due sorelle che si sono trasferite da poco in collina e che hanno aperto un'associazione culturale Sentieri Felici che si occupa principalmente di curare progetti per l'infanzia.

Al nostro arrivo tutto è pronto per accoglierci al meglio. Subito entriamo in cucina ed Elisa ed Erica iniziano a illustrarci quello che ci preparerano di li a poco, cioè cassoni e piadine. E mentre mescolano gli ingredienti facendo scivolare farina e acqua tra le mani ci raccontano l'origine di quella passione per il cibo e il cucinare per qualcuno. La tradizione di famiglia, che è passata dalla nonna alla mamma, è fatta di ristoranti e forni, di gesti ripetuti e di cibi condivisi, di accoglienza e piatti tradizionali.

Nella piccola cucina si muovono agili mentre Hamdi le segue con attenzione, cercando di non perdere nessun frammento dei loro movimenti coordinati, ritmici e ripetuti: il tempo è scandito dalla ripetizione dei gesti, dall'impastare e dal farcire, dall'attesa del riposo dell'impasto alla foratura del cassone "per farlo respirare" fino alla cottura finale.

La condivisione del cibo con tutta la famiglia, i sorrisi dei bambini e i loro sguardi attenti, i profumi e i sapori chiudono per Hamdi la prima intensa giornata di incontro con la comunità.

"Si tratta", racconta Hamdi, "di comprendere un gesto che diviene ritmico: non è la danza che prende il sopravvento ma è il gesto che nel suo essere grezzo diventa ritmico e le due cose diventano organiche: è il gesto naturale che si fa danza inscrivendosi nei corpi".

Siamo a Marazzano ora, nel comune di Gemmano, e siamo a casa di Ivan Fantini dove ha sede il suo Boscost'orto. Ci accoglie insieme alla sua compagna, la danzatrice Paola Bianchi; poi seduti in giardino attorno a un lungo tavolo Hamdi e Ivan si raccontano, sorseggiando caffè e succo di mele appena fatto.

Ivan è un cuoco eterodosso, dimissionario e anarchico. Di origine romagnola proveniente da una famiglia del sottoproletariato inizia a cucinare in casa, a sette anni, per aiutare la madre e la nonna malate: così apprende la cucina tradizionale. Da qui in avanti non abbandonerà mai il mondo del cibo e della condivisione: dall'istituto alberghiero al primo lavoro a 16 anni in un ristorante famoso della zona, per poi entrare a far parte di un circolo culturale a Rimini, Quadrare il circolo, poi l'esperienza con festival e musei fino alla Biennale Teatro diretta da Romeo Castellucci dove curava installazioni gastronomiche d’arte, che potevano essere viste, toccate, mangiate. Infine un'osteria con cucina dentro un antico mulino prima di abbandonare tutto per ritirasi nella sua casa di Marazzano.

Ci racconta, infatti, come a partire dal 2008 con l'introduzione in Italia dell'HACCP, norma che concerne la sanificazione dei luoghi e degli alimenti, siano iniziati i problemi: Ivan non ha mai accettato di sottostare a quella norma e alle leggi del mercato: non ha voluto acquistare prodotti del mondo globalizzato ma ha continuato a lavorare con i contadini della zona, che ovviamente non potevano sottostare a queste norme e dopo tre anni di multe e una crisi depressiva ha scelto di uscire dal sistema.

Ha abbandonato, si fa per dire, il suo mestiere per fare quello che non sapeva fare. Ha cominciato a scrivere. Ha disboscato un bosco per avere un'autonomia alimentare. Ha iniziato a recuperare lo scarto del capitale, ciò che la comunità non acquista, e a saccheggiare quello che la natura offre vivendo di baratto.

E proprio grazie al baratto, un amico gli ha portato del pesce fresco. Così ci mettiamo in cucina, Ivan inizia a muoversi tra lavello e spianatoia, il dialogo prosegue mentre pulisce e disseziona seppie e sgombri, affetta cipolle, raccoglie foglie di alloro, rametti di rosmarino e scorze di limone per produrre un trito aromatico speciale. Il suo ritmo è serrato e sincopato allo stesso tempo, i gesti ripetuti sono ritmici e sicuri, le mani si muovono veloci e violente.

"Vivo il lusso della povertà: ho relazioni umane e politiche molto potenti in tutta Italia. Sono felice, malgrado quello che accade nel mondo", ci dice. Intanto i suoni e gli odori del cibo iniziano a pervadere lo spazio nonostante siamo all'aperto.

E Hamdi osserva, registra con gli occhi ogni movimento e con le orecchie, grazie anche al supporto di Anouk nella traduzione, le parole: lo sguardo non si arresta, entra ed esce dalla cucina, segue ogni movimento di Ivan.

E si tessono fili.

"La cucina è musica: come reagisce chimicamente la padella è un concerto."

"Conoscere le regole per poterle sovvertire. Opero come fa un musicista jazz che conosce le note e improvvisa." 

"La cucina è una danza, un gesto poetico e brutale allo stesso tempo!"

"La cucina come tutto è poetica e politica: quando cucino ho una specie di rabbia".

Così, tra una battuta e l'altra, si arriva al pranzo condiviso in giardino: il lungo tavolo apparecchiato si riempie e ci accoglie. E ce ne andiamo, ricchi di questo nuovo incontro.

#Tandem 11

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On Tuesday, August 27, the last artist selected for the European project Stronger Peripheries arrived in Mondaino. His name is Hamdi Dridi, a Tunisian artist who lives between Tunis and Montpellier in France but is primarily nomadic, as he prefers to define himself beyond borders.

“I work in choreography,” Hamdi explains, “but what interests me most is the encounter with others.” The project he is working on is titled Dan(s)e House Trio and Constellations: it is a work in which dance, cooking, and music try to blend on stage to create a welcoming and immersive environment for the audience. For this, in choreographic writing, Hamdi is collecting an archive of gestures through the observation of the preparation of certain recipes or particular foods proposed by the people he meets. The archive, consisting of body movements, especially torso and arms, will be used to define the dance of the three performers who will be on stage: Ewa Bielak, Lucia de Oliveira Moreira, and Debora N’Jiokou, dancers and DJs who mix, prepare their traditional recipes, and dance traditional dances from their countries of origin—Poland, Portugal, and Cape Verde—on a hip-hop base, along with the gesture scores written by Hamdi.

In these first days of residency in Italy, after spending time in Spain and France in the previous months interacting with communities in those regions, Hamdi has started to meet some people from Mondaino and the surrounding areas to look for not only the love for cooking but also for being together and sharing a time and space of life: being, observing, storytelling, and listening.

We discover that the project is inspired partly by memories of his father’s work and the repetition of the action, in his case painting, and partly by his mother’s love for cooking.

On the day of his arrival in Mondaino, he was welcomed by Elisa and Erica, two sisters who have recently moved to the hills and opened a cultural association, Sentieri Felici, which mainly deals with projects for children.

Upon our arrival, everything is ready to welcome us in the best possible way. We immediately enter the kitchen, and Elisa and Erica begin to show us what they will prepare for us shortly: cassoni and piadine. As they mix the ingredients, letting flour and water slide between their hands, they tell us about their passion for food and cooking for others. The family tradition, passed down from grandmother to mother, is made of restaurants and bakeries, repeated gestures, shared foods, hospitality, and traditional dishes.

In the small kitchen, they move gracefully while Hamdi watches them closely, trying not to miss any part of their coordinated, rhythmic, and repeated movements: time is marked by the repetition of gestures, from kneading and stuffing, from waiting for the dough to rest to puncturing the dough box “to let it breathe” until the final baking.

Sharing the food with the whole family, the smiles of the children, and their attentive gazes, the aromas and flavors close for Hamdi the first intense day of meeting with the community. “It’s about,” Hamdi recounts, “understanding a gesture that becomes rhythmic: it’s not the dance that takes over but the gesture that, in its rawness, becomes rhythmic and the two things become organic: it’s the natural gesture that becomes dance inscribed in the bodies.”

We are now in Marezzano, in the municipality of Gemmano, at Ivan Fantini’s home where his bosco-storto (wooded garden) is located. He welcomes us together with his partner, dancer Paola Bianchi; then seated in the garden around a long table, Hamdi and Ivan share stories while sipping coffee and freshly made apple juice.

Ivan is an unorthodox and anarchic cook. Of Romagnolo origin, coming from a working-class family, he began cooking at home at the age of seven to help his sick mother and grandmother: this is how he learned traditional cooking. From then on, he never left the world of food and sharing: from culinary school to his first job at 16 in a famous local restaurant, then joining a cultural circle in Rimini, Quadrare il Circolo, then working with festivals and museums up to the Biennale Theater directed by Romeo Castellucci, where he curated gastronomic art installations that could be seen, touched, and eaten. Finally, an inn with a kitchen inside an old mill before abandoning everything to retire to his home in Marazzano.

He tells us how, starting from 2008 with the introduction of HACCP in Italy, a regulation concerning the sanitation of places and food, problems began: Ivan never accepted complying with that regulation and market laws: he did not want to buy products from the globalized world but continued to work with local farmers, who obviously could not comply with these regulations, and after three years of fines and a depressive crisis, he chose to leave the system.

He “left,” so to speak, his profession to do what he didn’t know how to do. He began writing. He cleared a forest to achieve food self-sufficiency. He started recovering discarded capital, what the community does not purchase, and to forage what nature offers, living off barter.

And it was thanks to barter that a friend brought him fresh fish. So we enter the kitchen, Ivan starts moving between the sink and the counter, the conversation continues as he cleans and fillets cuttlefish and mackerel, slices onions, gathers bay leaves, rosemary twigs, and lemon peels to make a special aromatic blend. His rhythm is tight and syncopated at the same time, the repeated gestures are rhythmic and sure, his hands move quickly and forcefully.

“I live the luxury of poverty: I have very strong human and political relationships throughout Italy. I am happy, despite what happens in the world,” he tells us. Meanwhile, the sounds and smells of the food begin to fill the space even though we are outside.

And Hamdi observes, recording with his eyes every movement and with his ears, thanks also to Anouk's help with the translation, the words: his gaze does not stop, entering and exiting the kitchen, following every movement of Ivan.

And threads are woven.

“Cooking is music: how the pan reacts chemically is a concert.”

“Knowing the rules to overturn them. I operate like a jazz musician who knows the notes and improvises.”

“Cooking is a dance, a poetic and brutal gesture at the same time!”

“Cooking, like everything, is poetic and political: when I cook, I have a kind of anger.”

So, between one comment and another, we arrive at the shared lunch in the garden: the long table is set and welcomes us. And we leave, enriched by this new encounter.

#Tandem 11

[nonamewhiteee]

grazie a @lasagnefrittee che mi tagga sempre in questi giochini carini, che non facevo da tanto🌻

1. are you named after anyone? come da tradizione era il nome di mio nonno (che però non ho avuto il tempo di conoscere).

2. quando è stata l'ultima volta che hai pianto? uhm, qualche settimana fa, da solo al buio soffocando le lagrime nel cuscino.

3. hai figli? no lol.

4. fai largo uso del sarcasmo? yep, soprattutto autoironia e black humor.

5. quali sport pratichi o hai praticato? adesso nulla, ho praticato nuoto per una decina di anni, palestra per un annetto (e ho capito come non fosse il mio mondo) e jujitsu per un anno.

6. qual è la prima cosa che noti in una persona? se ci sto parlando la gentilezza, è una cosa che mi attrae particolarmente. fisicamente non saprei, come in una costruzione lego quanto siano armoniose le "componenti" all'interno del viso e le particolarità (che non sono dei difetti!!!).

7. qual è il colore dei tuoi occhi? marrone scuro.

8. scary movies o happy endings? lol, adoro i film horror e quelli che ti lasciano un senso di vuoto per giorni dopo averli visti.

9. qualche talento particolare? sono bravissimo nel buttarmi giù, un talento innato nel apprezzare le particolarità degli altri e detestare le mie, però sono ironico almeno. (ah conosco probabilmente tutte le bandiere degli stati nel mondo).

10. dove sei nato? in una città inutile nell'alto salento.

11. quali sono i tuoi hobby? mi piace leggere, ascoltare musica, vedere film, fumare, cercare cose improponibili su wikipedia, pensare.

12. hai animali domestici? no:( vorrei tanto riavere un gattino o un porcellino d'india.

13. quanto sei alto? a malapena arrivo al metro e settanta.

14. materia preferita a scuola? nessuna in particolare, adoravo sia materie scientifiche che umanistiche e artistiche e questo mi ha portato a non capire che minchia fare nella mia vita.

15. dream job? è una domanda che mi devasta da quando sono piccolo, ad oggi direi qualcosa che mi permetta di conoscere altre culture, viaggiare o avere un coffe shop 🌻.

taggo a mia volta @unpesetto @mermaidemilystuff @kyda @acrilici @acribiacollerica @pgfone @quelchenonhomaidetto @tulipanico @nuvoolarzi @minimealikesnoodles @vanigliaecannella e vabb vi taggherei tutti🌻🌻

[pier-carlo-universe]

Castelletto Monferrato (Alessandria): Mercatini di Natale 2024, una giornata magica per grandi e piccini.

Domenica 15 dicembre dalle ore 8:30 alle 20:00, Piazza Astori si trasforma in un villaggio natalizio con street food, artigianato e tanto divertimento.

Domenica 15 dicembre dalle ore 8:30 alle 20:00, Piazza Astori si trasforma in un villaggio natalizio con street food, artigianato e tanto divertimento. Il Natale è nell’aria a Castelletto Monferrato! Domenica 15 dicembre 2024, Piazza Astori ospiterà i tradizionali Mercatini di Natale, un appuntamento imperdibile che unisce la magia delle festività a un’esperienza unica tra artigianato,…

[rebelandoutlawrock]

Il blues, una conseguenza naturale della musica rock pure se già esisteva, genere più nostalgico, a differenza del soul assai più sentimentale. Una questione di anima, di storia e tradizione nera.

Rockhistorylan 🔥

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #336 - Neil Young, On the Beach, 1974

I dischi di Agosto avranno come caratteristica che li accumuna la presenza di una spiaggia. Un po' perché è argomento decisivo del periodo agostano, e un po' per l'autoironia che io la spiaggia ad Agosto la vedrò solo di passaggio perché, fortunatamente, è un periodo di grande impegno professionale. La piccola antologia inizia con un disco capolavoro, che è perfetto anche per il titolo ad entrare a far parte di questo piccolo gruppo. Neil Young nel 1974 è ormai un artista pienamente affermato: arrivato dal Canada in California quasi dieci anni prima, nel 1966, attraversa da protagonista la grande stagione del rock californiano, quello legato alla tradizione del folk, che si riafferma dopo la spettacolare, e breve, stagione psichedelica a cavallo tra i due decenni,'60 e '70. Young è protagonista con i Buffalo Springfield, con il più famoso supergruppo degli anni '70, Crosby, Stills, Nash & Young e con la sua parallela attività da solista, che ha inizio nel 1969 quando pubblica il suo prima album a suo nome, Neil Young. È stato anche il fondatore di due gruppi, i Crazy Horse, dall'animo più rock ed elettrico, e gli Stray Gators, più country folk. alternando i due gruppi. Dopo l'uscita dal quartello con David Crosby, Stephen Stills e Graham Nash, con cui rimane in bellissimi rapporti, nel 1972 pubblica il disco più famoso della stagione folk rock: Harvest (1972) che con le sue canzoni famose ancora oggi ( tra le altre, perle come Heart Of Gold, Old Man, Alabama) diviene un successo mondiale che gli apre definitivamente le porte della fama. Che tra l'altro è un concetto abbastanza distante dallo "Young-pensiero", che ha sempre ritagliato per sé la massima libertà espressiva e creativa. A questo fastidio, si aggiunte un periodo di grandi dolori: le morti per droga di Danny Whitten, il chitarrista dei Crazy Horse, quella del suo roadie più fidato, Bruce Berry, per lo stesso motivo, è un dramma più privato. La sua relazione privata con l'attrice Carrie Snodgress sta giungendo al termine, al figlioletto della coppia, Zeke, viene diagnosticata una forma di paralisi cerebrale. È con questo animo tormento e addolorato che Young scrive in due anni tre dischi che formano la non ufficiale "ditch trilogy", la trilogia del dolore: Time Fades Away (1973), che è il primo allontanamento dalle gioiose armonie folk per un rock più duro, sfilacciato, nervoso e impregnato di cupezza. Il successo è decisamente minore dei precedenti, ma Young non cambia linea e sforna un album ancora più cupo, Tonight's The Night, che in un primo momento la sua casa discografica gli rifiuta: registrato in presa diretta, senza post produzione, è il suono grezzo e cupo di un uomo che sta cercando di trasformare il suo dolore in musica. Verrà pubblicato nel 1975, in mezzo Young registra il disco di oggi, che esce il 16 luglio 1974.

Registrato in moltissimi studi di registrazione, con una caterva di musicisti ad aiutarlo (e ne parleremo tra poco), On The Beach insiste sul dolore e la disperazione ma lascia trasparire una tregua, una speranza. È un disco blues, il canto della tristezza e del dolore per eccellenza, ma che Young puntella di sprazzi di luce, rendendo più distesa e godibile la musica. Eppure è un disco potentissimo, soprattutto per i temi delle canzoni. Walk On ritrova spirito e brio, e See The Sky About To Rain, che risale addirittura come embrione ai tempi di Harvest, solo voce e pionoforte Wurlitzer, quasi sembrano una riappacificazione, ma il resto è ancora rabbioso e dolente. Revolution Blues è la prova: un atto esplicito di accusa contro la società del tempo, con Young che sembra volersi identificare nello psicopatico Charles Manson, con versi rabbiosi quali: «ho sentito che Laurel Canyon è piena di famose star / Ma io le odio peggio dei lebbrosi / e le ucciderò nelle loro auto». I due si conobbero quando Young viveva in una piccola villetta a Topanga Canyon, il Laurel canyon, che una volta era il territorio delle tribù native americane, negli anni '60 era uno dei luoghi della Controcultura losangelina, dove vivevano moltissimi musicsti. Eppure, pur se controversa, la metafora non vuole celebrare la figura di Manson, ma, esorcizzarla attraverso un'identificazione nel senso di colpa collettivo di una società malata. Young diventa nostalgico dell'America rurale in For The Turnstiles, dove compaiono il banjo e il dobro, Vampire Blues è un blues ecologista, tema che sarà sempre al centro delle tematiche di Young, e che ha una curiosità niente male: Tim Drummond "suona" la carta di credito sfregandosela sulla barba di una settimana creando un curioso effetto fruscio. On The Beach, la meravigliosa e dolente ballata da 7 minuti, è una dichiarazione di difficoltà nell'essere una rockstar, esplicitata nel famoso verso «I need a crowd of people, but I can't face them day to day». Motion Pictures (For Carrie) è probabilmente un'amara riflessione sulla sua storia d'amore che sta andando a rotoli e il disco si conclude con i 9, angoscianti e febbrili, minuti di Ambulance Blues, che è una summa del pensiero di Young sulla politica (con i riferimenti alle bugie del presidente Nixon), sulla musica e il suo mondo, persino sui suoi amici Crosby, Stills e Nash, in un periodo dove c'erano insistenti voci di un ritorno a 4. Suonano con lui David Crosby (che suona in Revolution Blues, e si dice impallidì letteralmente nell'ascoltare la famosa e incendiaria strofa, tanto che cercò di persuadere Young a cambiare testo ed iniziò a girare armato per paura che qualche squilibrato facesse come cantato da Young), Graham Nash, e due grandi musicsti della The Band, Rick Danko e Levon Helm, più i Crazy Horse.

Young prese il titolo dell'album da un film, On The Beach di Stanley Kramer del 1959, basato sull'omonimo romanzo di Nevil Shute. Sia il romanzo che il film erano di tipo apocalittico. E in questo senso è da intendere la copertina, leggendaria, che vede Young vestito di giallo di spalle, un ombrellone, le sdraio, la coda di una Cadillac insabbiata e sotto l'ombrellone una copia di un giornale che si riferisce allo scandalo Watergate di Nixon. La scritta del titolo, in pieno eco psichedelico, è di Rick Griffin, il disegnatore ufficiale dei Grateful Dead.

Il disco, pur vendendo meglio del precedente, non ebbe un grande successo, anche perchè la critica lo definì subito un disco "depresso", a cui si aggiungeva la natura quasi anti-commerciale di musica e testi. Tra l'altro, per decenni, il disco fu messo fuori catalogo, e per certi versi fu introvabile, tanto che i vinili degli anni '70 originali valgono oggi una settantina di euro. Questo fece salire l'interesse per il disco fino alle ristampe degli anni '90, ampiamente rivalutato con gli altri due lavori della trilogia del dolore come uno dei momenti più interessanti della ultra decennale carriera di Young. Un disco dolente ma potentissimo. Che non penso sia il migliore da ascoltare in spiaggia.

[danzameccanica]

L’anno 2005 è stato uno dei più intensi emotivamente della mia vita. Facevo il primo anno di università a Bologna ma per un serie di cose (fra le quali la fidanzata dell’epoca, il gruppi di amici a Marsciano, la band…) tornavo giù a casa dai miei spesso. Ero in una fase a metà della mia vita nella quale studiavo, lavoravo ma allo stesso tempo avevo tante cose del cuore legate alla mia cittadina fra cui la nostra band con Lorenzo e Giuseppe, gli Autumn Leaf. Ricordo tantissimo di quel periodo di vita anche perché tendenzialmente vivevo fino al giovedì mattina a Bologna e poi prendevo il treno per scendere giù. A volte scendevo mercoledì sera inventando la mancanza di lezioni, altre volte risalivo il lunedì sera mancandone altre. Insomma era una sorta di settimana cortissima che mi ha fatto mantenere un piede in due scarpe, o meglio, portare avanti due sentieri assieme: quello universitario (che tardava a decollare) e quello tardo adolescenziale (che invece era rimasto piacevolmente legato giù. Anche perché gli altri membri della band, nonché i miei nuovi amici del cuore, erano tutti più giovani di me almeno di uno-due anni; avevamo alcuni ascolti in comune e questa piccola ma sostanziale differenza di età ha fatto sì che io diventassi il loro mentore, la loro persona di fiducia. Ma la cosa era reciproca visto che ancora oggi ricordo i pomeriggi a casa di Lorenzo a guardare film e film, lui che per me era la mia fonte cinematografica. Ed è grazie a loro che scoprii i Porcupine Tree. Lorenzo, Giuseppe (ma anche Caroli e Alberto) erano più legati ad un progressive metal che era emerso da ascolti giovanili di nu-metal e qualcosa di thrash. Deadwing (ma anche In Absentia) è strettamente legato a quei giorni, alle nostre prove, al tentare di creare in sala prove qualcosa a metà strada fra gli Opeth, gli Ulver, gli Anathema e, appunto, i Porcupine Tree.

Ancora oggi quando parte l’omonima traccia del disco i miei pensieri vanno giù a quei bellissimi anni; queste chitarre liquide, aperte, ariose, meravigliose sembravano appunto uscire dagli Opeth più melodici; la voce di Steven Wilson era qualcosa di magico, orecchiabile, che sapeva trasportarti altrove. Deadwing è un album progressive che – per fortuna – spinge poco il piede sul metal (una cosa che ancora non sopporto è la produzione soprattutto della batteria in In Absentia) e che lascia emergere tutte le componenti calorose degli strumenti, del pianoforte, del legno. Il ritornello di "Shallow", anche se mena forte è mitigato dalla voce effettata di Steven. "Lazarus" sembra quasi un singolo dei Coldplay ma in senso buono, perfettamente inserito all’interno dello storytelling dell’album (e Steven ha sempre ammirato Chris Martin e soci anche se è famosa quella foto dove tiene un cartello in mano con scritto “i Coldplay sono dei segaioli”); consideriamo sempre che al pianoforte, al mellotron, ai synth c’è Richard Barbieri, un ex-Japan.

Anche "Mellotron Scratch" tira fuori i Porcupine Tree più dolci, che giocano con le sovrapposizioni vocali e riescono a creare dei bellissimi collage con foto ritagliate dai ricordi delle estati che furono. Una delicatissima malinconia che è intrecciata con le chitarre dei Pink Floyd, con tutta la tradizione di tastiere della scuola di Canterbury senza però abbandonarsi in lunghe perifrasi tecniche tanto care al prog duro e puro. I più maniaci dei tempi dispari e delle pippe tecniche devono spostarsi a fine album ad ascoltare "The Start of Something Beautiful" dove Gavin Harrison e Colin Hedwin si divertono a picchettare il brano e l’ascoltatore… se non siete dei mega-fan del tempo disparo resistete fino alla seconda metà del brano dove si assiste ad una bellissima trasformazione verso il sentimentale con i classici echi di David Gilmour. A volte, in questo Deadwing, Steven assume un timbro vocale forse troppo debitore a Maynard Keene, ma d’altronde i Tool sono stati una delle pietre angolari di tanta musica sperimentale ("Shallow", "Open Car"). C’è da dire che il picco più alto dell’album nonché uno dei picchi massimi dell’intera discografia dei Porcupine Tree coincide con "Arriving Somewhere but not here". Una bellissima suite di 12 minuti con suoni in backwards, sonorità nostalgiche e dolci che impennano verso il cielo col primo assolo: pazzesco, bellissimo, come se uscisse da "Comfortably Numb". Questo brano con l’opener Deadwing e la conclusiva "Glass Arm Shattering" (e la bellissima coda di "The Start of Something Beautiful") descrivono i Porcupine Tree più spensierati, che suonano di getto, che aprono il cuore e riescono a selezionare i nostri migliori ricordi. Anzi, le dita di Wilson riscrivono su carta i ricordi di ognuno di noi.

[gregor-samsung]

" Io mi chiedo spesso perché tanta gente oggigiorno abbia paura. E lo constato con preoccupazione, a mia volta, perché questo tipo di paura è la premessa del fascismo. La gente che ha paura non chiede altro che trovare un papà che curi per essa le questioni più complesse. Dal papà, poi, accetterà pure le sculacciate. Dovunque andiamo, oggi, sia un salotto o un ufficio, troviamo una parte cospicua dei presenti che vive il nostro come il peggiore dei mondi possibili. Con paure terribili: la paura demografica o la paura della disonestà. E magari, poi, loro stessi sono disonesti. Io non capisco perché non dobbiamo apprezzare anche gli aspetti positivi della nostra epoca: viviamo il doppio dei nostri bisnonni, nei nostri paesi abbiamo quasi sconfitto la fame e il dolore, ci siamo quasi affrancati dalla schiavitù della tradizione e da quella della scarsità. Eppure la gente non se ne rende conto. Con un piccolo lettore di compact disc e con i dischi che compriamo a poco prezzo in edicola, possiamo sentire le migliori orchestre del mondo. Mio nonno, che era un melomane, per sentire la musica doveva prendere la carrozza, partire, farsi ore di viaggio, arrivare a Napoli e lì finalmente sentiva una sinfonia. Ma solo quando l'orchestra c'era e se lui poteva: una volta ogni due o tre anni. Ci sono, dunque, milioni di persone che sottovalutano gli aspetti positivi della nostra epoca. E vivono come apocalittici i pericoli: sono sicuri che l'umanità vada a rotoli. Quello che non capiscono è appunto il problema della complessità, del "feedback". Non capiscono, ad esempio, che è vero, sì, che noi come popolazione mondiale aumentiamo. Però, se aumenteremo troppo, a un certo punto ce ne accorgeremo e rallenteremo la crescita. Non siamo dei macigni che rotolano in modo meccanico e inconsapevole. Siamo dotati di intelligenza e quindi, quando occorre, sappiamo correre ai ripari. "

Domenico De Masi, Ozio creativo. Conversazione con Maria Serena Palieri, Ediesse (collana Interventi), Roma, 1997¹; pp. 137-138.

[passaggioalboscoedizioni]

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Emanuele Tesauro

IN VIAGGIO SENZA GANDALF

I nostri anni ‘90, tra sogni, palchi e barricate

Musica, viaggi, amicizia, ideali e cameratismo: “In viaggio senza Gandalf” racconta la nascita degli Hobbit, gruppo tra i più importanti e seguiti del rock nazionalista.

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Anni di processi globali galoppanti e rivolgimenti epocali, ma anche di vite autentiche, di scelte militanti e di sottoculture vitali: dalla ribadita “continuità ideale” al grande fermento della scena musicale, dal fenomeno skin alla repressione del sistema e dalla volontà di restare “fuori dal gregge” all’elaborazione di uno stile che fosse capace di proiettare i princìpi della Tradizione nell’epoca dei primi telefoni cellulari.

Rocambolesche trasferte e aneddoti incredibili, concerti sgangherati e politica di strada, passioni brucianti e grasse risate: tra il fumo dei lacrimogeni e il sapore della birra, dove i miti perenni incontrano le chitarre elettriche, si collocano le prime peripezie di questi menestrelli “non conformi” che – con pochi soldi nelle tasche e tanti sogni in fondo ai cuori – continuano a far cantare i ribelli di tutta Europa.

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