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aion-rsa · 4 years ago

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The Craft: How a Teenage Weirdo Based on a Real Person Became an Icon

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“We Are The Weirdos, Mister.” A phrase you’ll find printed over t-shirts, pin badges, mugs, earrings, tote bags, necklaces, and more all over the internet. It’s the most iconic line from The Craft, a film released 25 years ago that still has a rabid following today. For anyone unfamiliar with The Craft, it’s a line spoken by Fairuza Balk’s Nancy, an inferno in black lippy and sunglasses, the de facto leader of a homemade coven made up of outsiders who have taken the raw deal the world has given them and rejected it by learning to harness the power of nature. This line is everything. We are no longer going to be victims, it says. We will no longer be afraid. We reclaim our space, our power. That we are four teenaged girls will no longer mean we have to watch out for ‘weirdos’ – because it is us who are the weirdos. Mister.

“Nancy is the one everybody wants to be,” says Peter Filardi, the man who created Nancy, Rochelle, Bonnie, and Sarah all those years ago, chatting to Den of Geek from his home, an original poster for The Craft peaking out from behind him on the wall. Next to it is a poster for Chapelwaite, the series Filardi is currently showrunning with his brother Jason, based on Stephen King’s short story, “Jerusalem’s Lot,” a prequel to Salem’s Lot.

“Nancy is the one who is particularly put upon and who finds the power to get revenge or get justice and is going to do that with no apologies. I think it’s how we all envision ourselves or would want to see ourselves, I guess. Here we are 25 years later. Why do you think we’re still talking about it?”

It’s an interesting question because we very much still are talking about The Craft. With Chilling Adventures of Sabrina, A Discovery of Witches, His Dark Materials, and of course last year’s remake of The Craft, we appear to very much still be in the season of the witch, but none is quite as resonant and impactful as the original The Craft. Watching it back 25 years after its release, it’s still just as relevant.

The very first script that Filardi sold was Flatliners, the story of arrogant, hot-shot medical students who plan to discover what happens after you die by “flatlining” for increasing lengths of time. Filardi’s script prompted a bidding war and the movie became a big hit, starring Hollywood’s hottest: Kiefer Sutherland, Julia Roberts, and William Baldwin.

After Flatliners, Filardi had been working on a script about real life teenage Satanist Ricky Kasso, (“He was one of the first to really put the hallucinogenics together with the music and the theology and then sort of brew them all up into this really volatile cocktail,” Filardi explains), so when producer Doug Wick approached him about another supernatural project, Filardi was game.

“He said he would like to either do a haunted house story or something to do with teenage witches. And because I happened to be working on what I was working on I was pretty well-schooled in earth magic and natural magic and Satanism and all sorts of stuff. And we just started talking, and we hit it off, and we decided to develop and create The Craft together,” Filardi recalls.

At the time Wick had just two full producer credits to his name – for Working Girl and Wolf – but he would go on to produce swathes of heavy hitters including Hollow Man, Jarhead, The Great Gatsby, and win the best picture Oscar for Gladiator. Meanwhile, Andrew Fleming, director of The Craft and co-writer of the screenplay, had made horror thriller Bad Dreams and comedy Threesome, and would go on to make several comedy movies as well as many hit TV shows – he’s currently working on season two of Netflix’s popular Emily in Paris.

Filardi’s story was always going to be about women, and it was always going to be about outsiders, the memories of high school still fresh enough for him to remember the pain. “I’m sure it’s like this for every kid. You have memories from those high school years of horrible things that happened to people around you, or were said or done and just the petty cruelties,” he says. “I’m glad I’m an old man now!” (He’s not, he’s 59).

Rewatching and it’s certainly striking how much empathy you feel for the girls. Sarah (Robin Tunney), who is the audience’s way in to the movie, lost her mother during childbirth and has battled mental health problems, even attempting suicide. Recently moved to a new neighborhood with her dad and step mother, she is instantly the outsider at her new school, and is immediately treated abhorrently by popular boy Chris (a pre-Scream Skeet Ulrich), who dates her and then spreads rumors that they slept together. Rochelle (Rachel True) is a keen diver, subjected to overt racist bullying by a girl on the swim team, while Bonnie (Neve Campbell) hides away because of extreme scarring she has all over her body. Before Sarah arrives, the three dabble in magic and protect themselves as best they can from the horrors of high school by telling people they are witches and keeping them at arm’s length. It’s the arrival of Sarah, though, a “natural” witch with some serious power, that turns things around.

“I think that maybe traditionally Hollywood would have done a version where the women were witches like Lost Boys,” Filardi says. “The women were witches, and they had this power, and they’re the dark overlords of their school or something like that. And that’s exactly the opposite of what worked for me and how I thought magic works in general.

“Magic has always historically been a weapon of the underclass, for poor people… Think of England. People of the heath, who lived out in the country… The heathens, they didn’t have a king or an army or the church even behind them. They would turn to magic. And that’s kind of what I saw for our girls. For real magic to work, you have the three cornerstones of need and emotion and knowledge. And I hate magic movies where somebody has a power and they just do this and the magic happens. I think it’s much more interesting if the magic comes from an emotional need, a situation that really riles up the power within.”

These witches aren’t evil and they aren’t even anti-heroes. Instead, this is pure wish fulfilment for anyone who’s ever been bullied, or overlooked, or been dealt a particularly tough hand, and this level of empathy comes across hard in the film. Watching now and so many of the themes are so current with reference to issues of racism and the emergence of the #MeToo movement.

“I did not write it as a feminist piece per se,” says Filardi. “I really just wrote it as an empathetic human being, I think.”

There’s extreme empathy dripping throughout the script, but don’t mistake that for pity. The Craft deals in female empowerment and just plain fun. It’s here that one of The Craft’s enduring conflicts arises. Are you Team Sarah or are you Team Nancy?

The correct answer of course, is Team Nancy…

“It’s always harder to be the good guy or the good girl,” laughs Filardi.

After all, before Sarah shows up, the other three are doing fine – surviving, doing minor spells, and looking out for each other. The influx of power Sarah brings allows the group to up their game and together they each ask for a gift from “Manon,” the (fictional) deity who represents all of nature that they worship in the film. Bonnie wants to heal her scars, Rochelle wants the racism to stop, Nancy wants the power of Manon, but Sarah casts a love spell on Chris. Sarah is either taking revenge on Chris, or she’s forging a relationship without consent, and it’s a move which eventually leads to Chris’s death.

Meanwhile, Nancy is someone who just refuses to be a victim, despite the fact that of the four she’s clearly had the toughest life, living in a trailer with her mum and her abusive stepdad. Nancy won’t allow the audience to pity her. Nancy doesn’t let things happen to her, she makes her own choices, whether they are good ones or not. When newly empowered Nancy is running red lights, with Rochelle and Bonnie whooping in the back, and Sarah telling her it’s all gone a bit far, “Oh shut up, Sarah” feels like the right response. While Sarah might be technically correct, we are rooting for these girls to be allowed the pure joy of something they have created between them.

Nancy is an amazing creation, and Filardi says he couldn’t have anticipated how much the character would resonate.

“I did not envision the great look that Andy Fleming brought to her,” he smiles. “But Nancy was inspired by a real girl, whose older brother lived in a trailer in their backyard, and just had a hard go of it. She’s true to the one I wrote. She always embodied the earth element of fire. Each of the girls is their own earth element. There’s earth, wind, water, fire. And you can pretty much guess who’s who…”

We could speculate but it’s perhaps more fun to let the audience decide for themselves.

“Nancy in the beginning was always the constructive aspect of that element. She’s the light in the fire in the dark woods that draws the girls together,” he explains. “When she’s all passion and raw nerve, she’s very much like fire, but then when she crosses Sarah and gets overwhelmed with the power of her new abilities, she becomes the destructive side of that same element and burns the whole thing up. But she’s a fantastic character. I think that Fairuza Balk just elevated Nancy to a whole other level. I guess that’s what happens when you’re blessed with the right actor for the right part.”

Exactly who the true protagonist of The Craft is is something Filardi still contemplates. What is notable is that though, yes, Nancy, Bonnie, and Rochelle do at one point try to, um, kill Sarah and make it look like suicide, which isn’t a very sisterly thing to do, they never really become true villains. By the end, the only fatalities are sex pest Chris and Nancy’s abusive step father, and both deaths could reasonably be considered accidental. While Bonnie and Rochelle are stripped of their powers, they aren’t further punished, it’s only Nancy who gets a raw deal. Driven to distraction by her surfeit of power, we find her ranting in a mental hospital strapped to a bed.

Filardi’s ending was different, though he won’t be drawn on details.

“The original ending was different. I’ve never really gone into the detail of what the original ending was. Well, the original ending was just different…” he says, mulling over what he might say. “So, let’s see. Well, Chris always died… and it was just very different,” he hesitates. “I don’t really get into it because there’s no real sense. It is what it is. I always like in a movie… Having two different children and you love them both for different reasons, but I would have never wanted to be hard on the girls in the final analysis in any way thematically.”

One element of the script that saw slight changes was the motivation of Rochelle, after the casting of Rachel True.

“To be honest, I think she was the exact same character. She was picked on by the swimmers. There was an added element that she had an eating disorder. She used to vomit into a mayonnaise jar and hide it on the top shelf of a bedroom closet. But other than that, she was really the same character,” he says. “Andy Fleming and Doug Wick, I don’t know who came up with the idea, but they cast Rachel and she added this whole other element to it, the racial element, which I think it was great and I think totally appropriate.”

Though Filardi didn’t work on the remake and hasn’t actually seen it, he’s able to see for himself, first hand, how well the film has aged and how it continues to endure for young women – he has teenage daughters of his own.

“I see them going through all the same stuff that I watched girlfriends going through. And it hasn’t changed all that much,” he says ruefully.

“It’s funny. For years, they had no idea what I did for a living. I think they just thought I hung around in the basement. And one daughter was like… She was going to school with somebody whose father was in a rock band or something, ‘Nobody in this house does anything interesting. Everything’s boring.’ And it was around Halloween and they were showing The Craft at the Hollywood Forever cemetery. I took them to the cemetery and it was great. There were boys dressed in Catholic high school uniforms and women all in black and with blankets and candles and wine and snacks. Amidst the tombstones, they set up a huge screen and showed the film. So, that’s when they first saw it. And it was really fun. A really nice thing to share with my daughters.”

Things don’t change that much. High school is still horrible. Magic is still tantalizing. The outfits are still fabulous. And Nancy is still a stone cold legend. The Craft is an enduring celebration of outsider culture that we’ll probably still be talking about in 25 years to come. After all, most of us, at one time or another, feel like the weirdos.

“I think of it as the story about the power of adolescent pain and self-empowerment. I think of beautiful young people who are just picked upon or put in positions they shouldn’t be or don’t deserve to be, and having the ability to fight back and weather it and survive,” says Filardi when we ask him what he’s most proud of.

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“I’m also proud of all the great contributions that the other talented people brought to the script. All I did was a script, but you have actors and directors and producers and art directors and production designers who just… Everybody seems to me to have brought their A-game. I didn’t come up with Nancy’s great look. Other people get all that credit. Like you said, you see her on t-shirts. So, so many people just brought so many things. I guess I’m just proudest to think that a bunch of strangers come together and connect to the message of the piece, and together just make something memorable all these 25 years later.”

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lignes2frappe · 6 years ago

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LES 15 FEMMES LES PLUS BADASS DE L’HISTOIRE DU CINÉMA

Parce que féminité peut aussi rimer avec autre chose que cliché...

Si les petites filles aiment jouer à la poupée, sur grand écran certaines femmes préfèrent jouer au soldat.

Qu’il s’agisse de sauver l’humanité, de traquer un tueur en série ou d’assouvir leur vengeance, ces dernières se révèlent aussi téméraires qu’indépendantes – quand ce n’est pas plus téméraires et plus indépendantes que n’importe quel homme.

À celles et ceux qui bayent au corneille devant ces comédies romantiques trop rose bonbon pour être honnêtes et toutes ces histoires de princesses Disney, Zelda, Peach et consorts, découvrez notre top 15 des héroïnes de cinéma qui en ont.

Ou quand le « sexe faible » n'est pas celui qu'on croit.

15. Adrian dans Rocky

Pas nécessairement le premier nom qui vient à l’esprit quand il s’agit d’établir ce genre de liste, (parce que pas des plus émancipées, parce qu’un peu trop « femme de »), Adrian (Talia Shire) mérite néanmoins sa place.

Formée à la dure vie de la classe prolétaire, non contente de supporter un frère abusif et alcoolique, elle se farcit en plus les blagues pas drôles d’un boxeur de seconde de zone.

Incarnation de l’adage qui veut que « derrière chaque grand homme se cache une femme » et des ambiguïtés qui vont avec, elle finit par surmonter ses inhibitions, jusqu’à devenir celle qui pousse son étalon de mari à aller claquer le beignet du pas très Charlie Clubber Lang/Mister T dans Rocky III.

Si prendre des coups plein la tronche ça fait mal, regarder celui pour qui l’on vibre s’en prendre exige également un cran que beaucoup n’ont pas. Et du cran, Adrian elle en a.

14. Sidney Prescott dans Scream

Pendant de longues années, l’héroïne type du film d’horreur type se recrutait selon deux critères exclusifs : sa capacité à s’époumoner une heure trente durant et la taille de son bonnet.

C’est l’époque des slashers et de leurs suites à dormir debout.

Et puis, au milieu des années 90, le premier volet de la saga Scream débarque sur grand écran et renouvelle habilement le genre.

Non seulement le réalisateur Wes Craven y injecte ce qu’il faut de distance et d’ironie, mais il confie le premier rôle à la canadienne Neve Campbell qui, a contrario des « scream queens » d’antan toujours promptes à jouer la carte de la détresse, se distingue par sa vivacité et sa débrouillardise.

Enfin, et ce n’est pas rien, son personnage prouve que perdre sa virginité et survivre jusqu’à la fin du film n’est pas incompatible – quand bien son petit ami et le serial killer qui la pourchasse sont une seule et même personne.

13. Harley Queen

Alors oui, Suicide Squad mérite d’être millésimé bouse la plus insupportable de l’année 2016. Et oui, le personnage ciné d’Harley Quinn au ciné travestit allègrement le personnage de la BD et du dessin animé.

Toujours est-il que l'exquise Margot Robbie attire sur elle tous les regards du début à la fin.

Plus « rien à foutre de rien » que son prochain, elle manie avec autant d’aisance la batte de baseball que la fausse candeur, non sans balancer les meilleures répliques du film. Pas étonnant qu’elle fasse chavirer les cœurs, à commencer par celui du Joker.

Ne reste donc plus qu’à croiser les doigts pour le spin-off dont elle sera bientôt la tête d’affiche soit à la hauteur de son charisme destroy.

12. Trinity

Cas un peu particulier que celui du rôle interprété par Carrie-Anne Moss.

Dans le premier Matrix, Trinity atteint des sommets de badassitude. Short-hair-dont-care, total look vinyle, jeu de jambe des plus aériens et répartie au niveau (« Dodge this »), elle rafle d’entrée la mise et justifie à elle seule de voir et de revoir ce classique.

Les suites ne sont cependant pas du même acabit, Trinity perdant à chaque fois tant en intensité qu’en indépendance, terminant la trilogie reléguée au rang d'éternelle sidekick/copine du héros.

Un arc narratif dupliqué à multiples reprises sur grand écran et qualifié en 2015 de Trinity Syndrome par la journaliste américaine Tasha Robinson : ou lorsqu’une femme immensément capable ne réalise jamais vraiment son potentiel.

11. Hit Girl dans Kick Ass

Si Deadpool avait été un pré-ado à couettes, il aurait ressemblé, non pas à l’adorable Mindy Macready, mais à cette arme humaine coiffée d’une perruque drag-queen violette qu’est Hit Girl.

Aussi secouée du bocal que son très secoué du bocal de père qui l’a élevée comme l’instrument de sa vengeance (brillante idée que d’engager Nicolas Cage pour ce rôle), sa bouche se confond avec un robinet à obscénités.

Alors que cette formule sucrée/salée sanguinolente aurait pu rapidement tourner à vide, la lumineuse Chloe Grace Moretz s’intronise, sans demander la permission, voleuse de scènes en série.

Ne vous fiez pas au titre ou au générique, la vraie botteuse de uc’ c’est elle.

10. Princesse Leia dans Star Wars

Oubliez ses macarons sur la tête, son bikini doré ou le fait qu’elle apparaisse pour la première fois à l’écran captive de Darth Vader, Leia Organa n’est pas votre princesse ordinaire – et encore moins sa cru-cruche de mère Padmé.

Sur un pied d'égalité avec avec son frangin Luke et son amant Han, elle peut se vanter en tant que figure de proue de la très masculine Alliance Rebelle d'avoir participé à la destruction de deux Étoiles de la mort en trois métrages.

Si dans Le Réveil de la Force elle ne fait malheureusement guère étalage de son aptitude à utiliser ladite Force, elle n’en officie pas moins comme général en chef de la Résistance.

Et puis bon, question icône de la culture pop, la jumelle Skywalker se pose là.

R.E.P. Carrie Fisher.

9. Imperator Furiosa dans Mad Max

Si Fury Road n’a pas déçu les nombreuses attentes placées en lui, une très grande partie du mérite en revient à la divine Charlize Theron qui s’impose comme le véritable héros de ce film course poursuite (sorry Tom Hardy).

Au-delà de sa coupe à la Alien 3 et de son maquillage façon Germinal, elle interprète tout en fermeté et en humanisme la femme dont le monde post apocalyptique a désespérément besoin.

Sans elle, qui sait si ce quatrième épisode n’aurait pas ressemblé d’un peu trop près à un nouveau Dôme du tonnerre ?

8. Alice dans Resident Evil

Qui a dit que les actionners bourrins et débiles étaient réservés aux seuls barriques protéinées mâles rescapées des 80’s ?

Pas forcément des plus assurées dans les premiers temps de l’hexalogie, Milla Jovovich/Alice finit non sans un certain enthousiasme par se transformer en l‘une des machines à tuer les plus efficaces de l’histoire de la science-fiction.

Dézinguant par grappe de douze zombies et uber mutants avec une abnégation qui n’a rien à envier à celle d’un Arnold Schwarzenegger dans Commando, l’ex-Leeloo du Cinquième Élément utilise toute une panoplie de guns et de moves stylés en diable – sans oublier des pouvoirs télékinétiques ayant de quoi rendre jaloux n’importe quel élève de la maison Poudlard.

Malgré la dimension hautement nanardesque de la série (et c’est peu de l’écrire), il n’y a pas une seule scène où le public n’est pas à 100% derrière elle.

7. Catwoman

L’une des clefs du succès de la franchise Batman repose sur sa soigneuse application du célèbre adage d’Alfred Hitchcock qui veut que « plus réussi est le méchant, plus réussi sera le film ».

Outre la ribambelle de doux-dingues en pantalons (les Joker, Pingouin, Mister Freeze & Co), DC Comics propose toute une palanquée de bad girls vraiment bad, de Talia al Ghul à Poison Ivy en passant par Harley Quin.

Parmi elles, Selina Kyle alias Catwoman est celle qui trône au sommet. Farouchement indépendante, elle-seule est capable de tirer Bruce Wayne de son ennui et d’entraîner son alter ego chauve-souris du côté obscur.

Si rares sont celles qui portent les talons avec autant de classe qu’Anne Hathaway, la palme de la meilleure femme chat est néanmoins décernée à Michelle Pfeiffer dans Batman, le Défi qui sous ses allures SM se révèle étonnamment plus intrigante et désirable que toutes les Elvira de la planète.

[Beaucoup d’amour pour Halle, mais de là à ne serait-ce que la mentionner parmi les prétendantes, il y a une limite.]

6. Nikita

Y’a pas que les States dans la vie.

Pour son troisième film sorti début 90, Luc Besson crée un personnage dont le tempérament s’inspire de sa compagne de l’époque, Anne Parillaud.

Cheveux courts et rebelles, un côté un peu (beaucoup) petit mec, le regard qui tue plus que celui de Tchikita... elle en traumatise plus d’un, à commencer par l’académie des César qui lui remet la statuette de la meilleure actrice.

Viendront ensuite un remake et deux séries télés – toutes un cran en dessous est-il besoin de le préciser.

Besson poursuivra lui dans la même veine en mettant en scène quelques années plus tard dans Léon les grands débuts de la toute jeune Nathalie Portman, qui, guidée par un Jean Reno reprenant son job de nettoyeur, introduit dans Nikita, s'initie au métier de tueuse à gage.

5. Coffy

Pam Gier ou la madrina de toutes les femmes alpha.

En 1973 (bien avant Jackie Brown donc), le producteur de légende Roger Corman associe l’iconique actrice et le réalisateur/scénariste Jack Hill pour mettre en images cette histoire de vendetta où une infirmière cherche à venger l’agression de sa sœur par des dealeurs.

Politiciens, pimps, mafieux et camés vont ainsi implacablement être passés au fil de l’épée par la sister la plus sauvage du game qui n’hésite pas à jouer de sa féminité, mais aussi de ses capacités athlétiques – quand ce n’est pas d'une épingle dissimulé dans sa coupe afro.

Tous les noms cités dans cet article ne seraient pas sans ce film de blaxploitation, qui n’est certes pas un monument du septième art, mais qui a su s’imposer comme un phénomène générationnel – sans oublier sa plus ou moins suite, Foxy Brown.

4. Mrs. Smith

Angelina Jolie à son meilleur.

Après deux Lara Croft, Wanted et Salt, l’actrice justifie une nouvelle fois son statut d’action hero grâce à ce rôle à mi-chemin entre une desperate housewife et James Bond – avec cependant une nette préférence pour le maniement du fusil à pompe que pour la cuisson du filet mignon.

Comme son titre le suggère, l’attrait de ce Mr. & Mrs. Smith sans prétention repose sur l’alchimie tout en clins d’œil du couple qu’elle forme avec Brad P.

Loin de se contenter de faire jeu égal avec son futur ex (snif), c’est au contraire elle qui mène la danse : elle tire avec un plus gros flingue, lui pique ses chemises et le gratifie d’un « Who’s your daddy now ? » d’autant plus savoureux qu’elle vient de l’envoyer valdinguer dans les ustensiles de cuisine.

Womp, womp !

3. Ellen Ripley dans Alien

Il existe deux constantes dans la saga initiée par Ridley Scott : les xénomorphes en font baver à tout le monde, et quand Sigourney Weaver n’est pas au générique, le film est mauvais.

Très soucieuse de son personnage, cette dernière avait en effet peser de tout son poids auprès des scénaristes et producteurs pour éviter de céder à la tentation de faire du lieutenant Ripley une midinette de l’espace.

Bien lui en a pris, elle est depuis devenue une légende intergalactique, seule capable de rivaliser avec ses ennemis de toujours.

Si dans l’espace personne ne vous entend crier, qui n’a pas frissonné dans les salles de cinéma en l’entendant apostropher la reine mère de son culte « Get away from her you bitch! », avant de la mettre à l’amende en tête-à-tête ?

2. La Mariée dans Kill Bill

Alabama dans True Romance, Shosanna Dreyfus dans Inglourious Basterds, les Chicks with Guns dans Jackie Brown, Daisy Domergue dans Hateful Eight... si l’œuvre de Quentin Tarantino est traversée par les personnages de femmes fortes, aucune n'arrive à la cheville de Beatrix Kiddo/ Black Mamba/ Uma Thurman.

Habillée comme Bruce Lee et entraînée par Gordon Liu, elle découpe façon puzzle à coup de sabre Hattori Hanzo tous ceux qui osent croiser son chemin, à commencer par ses anciennes collègues du Détachement International des Vipères Assassines (O-Ren Ishii x Vernita Green x Elle Driver, plus la délicieuse Sofie Fatale et la frapadingue Gogo Yubari).

À la fois héroïne et victime, bourreau et coupable, mère et concubine de l’hémoglobine, c’est le cœur empli de haine et de tristesse qu’elle achève son destin.

Fallait pas réveiller la lionne Bill.

1. Sarah Connor

S’il ne devait en rester qu’une.

Après avoir dévoilé un aperçu de son potentiel dans les dernières minutes du premier volet de la saga, Linda Hamilton (parce qu’en vrai, balec de toutes les autres Sarah Connor) arrive à maturation dans le Jugement Dernier.

Aussi testostéronée que Sagat et Balrog réunis, outre une musculature sculptée à coup de tractions et de séances de combat rapproché, elle se montre tout à la fois déterminée, féroce et vulnérable – James Cameron/QT, même combat.

Il fallait bien ça pour réduire en conserve Skynet et sa bande de cyborgs aussi bornés que myxomatosés.

Plus encore que son John Connor de fils, c’est elle la véritable sauveuse de l’humanité. Et plus encore que tous les T-1000 du futur et du passé, c’est elle la véritable Terminator.

Mentions plus qu’honorables à : Michelle Rodriguez pour le trop peu connue Girlfight (et SWAT, et Avatar, et Fast & Furious), sa consœur boxeuse Hillary Swank dans Million Dollar Baby, Faye Dunaway en Bonnie dans Bonnie & Clyde, Scarlett Johansson pour Lucy et son rôle d’agent Romanoff/Black Widow, Clarice Starling/Judie Foster dans Le Silence des agneaux, Linda Fiorentino la OG des bad bitches dans Last Seduction, Zoë Saldana (Avatar + Les Gardiens de la galaxie), Michelle Yeoh en Yu Shu Lien dans Tigre et Dragon, Private Vasquez dans Aliens, Rosario Dawson dans Sin City (et dans Death Proof), les Charlie’s Angels, Varla dans Faster, Pussycast…Kill! Kill! et Kylie Minogue dans Streetfighter.

Publié le 8 mars 2017 sur Booska-p.

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