#memes renacentistas

[lixer-08]

Don Ramón x Hatsune Miku 😍😍😍

(Disculpen la mala calidad 😔)

Use está imagen de referencia la de el lado derecho si saben quien lo dibujo lo pueden etiquetar porfis para que reciba los créditos 🥺💖

[quejarseesunartesaludable]

[sheeplove]

Esto es tan rars.

[vico-hdz]

La Gioconda

Leonardo Da Vinci es uno de los mayores representantes del Renacimiento debido a su personalidad polifacética ya que era un gran pintor pero también un apasionado científico. Pocas veces seguía los métodos de la pintura que habían interesado a los primero artistas del Renacimiento, prefería alternar sus experimentos pictóricos entre la ciencia y el arte. Leonardo adquiere una madurez artística que comienza a notarse por su modo de observar la naturaleza. Su carrera se ve atada a su región natal, Toscana y a Florencia, sus obras más notables eran la Anunciación y la Adoración a los magos. Sus obras inacabadas le dieron la fama de un pintor lento y meticuloso, las obras ya mencionadas dieron a conocer su estilo: el uso de sombras que gradúan sutilmente las luces; es decir, un modo de obtener el relieve a través de suaves tonos claroscuros que eran conocidos como sfumato de Leonardo.

 A la vibración sutil con que Leonardo sabía conseguir el sentido de la atmósfera correspondía la búsqueda de una dulzura filosófica inmersa en una atenta contemplación de la naturaleza, un estado de ánimo carente de pasiones pero palpitante de emoción, soñador y lúcido a la vez, que constituiría la fascinación misteriosa de algunos de sus retratos, como el célebre de La Gioconda. (Semenzato, 1992, pág. 248)

 Por encargo de Francesco del Giocondo, Leonardo pintó a su mujer Mona Lisa con la célebre técnica del sfumato. Con el paso del tiempo y las capas de barniz, la Gioconda se encuentra agrietada. La fama de esta pintura alcanzó su punto máximo al ser repetidamente copiada e incluso robada del Louvre en 1911 y recuperada en 1914, desde entonces se convirtió en un icono. Incluso, hay una copia idéntica hecha al mismo tiempo que la original, ubicada en el Museo del Prado hecho por el aprendiz de Leonardo y que al parecer tiene las mismas dimensiones y correcciones.

Figura 1. La Gioconda, Leonardo Da Vinci

Para entonces la Gioconda estaba trascendiendo en la cultura Renacentista de Florencia y toda Europa, es una imagen que hasta el día de hoy es verdaderamente admirada. Con las definiciones vistas en clase sobre meme “un elemento de una cultura o un sistema de comportamiento que se pasa de un individuo a otro por imitación u otros medios no genéticos”, podemos ver que la Mona Lisa efectivamente es un meme y no solo por las replicas durante el Renacimiento, sino por los memes (imágenes) sobre la Gioconda que abundan en internet. A continuación pondré ejemplos:

Figura 2. La Mona Lisa re-interpretada por la realidad actual.

Figura 3. Mona Lisa en una posición corporal muy popular en las selfies del año 2010.

Actualmente la Gioconda puede considerarse que ha trascendido no solo en un plano intelectual artístico, sino que ha pasado a formar parte de la cultura de masas o la cultura popular/cultura general. Esta pintura ha sido sacada de su contexto original para adaptarla al contexto occidental actual, es decir, el conocimiento sobre esta obra ha estado pasando de un individuo persistiendo en el tiempo.

Bibliografía  

Altozano, Jaime. (30 de Junio de 2020), Dies Irae: a musical meme from  the 13th century: https://www.youtube.com/watch?v=786TquOk7JA&t=269s

 Molina,  J. F. (31 de Julio de 2019). National Geographic. Recuperado el 12 de  Noviembre de 2020, de National Geographic: https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mona-lisa-enigmas-obra-maestra-leonardo-da-vinci_12799/1

 Semenzato, C. (1992). Historia del Arte vol. 2 La edad  media y el Rencimiento Italiano. Grajalbo.

[cnca]

Preguntas ociosas como ex-fadeño.

¿Sería el mundo del arte diferente si los estudiantes de artes nos tratáramos de otra manera? ¿Si la comunidad de artes se llevara diferente con la de diseño? ¿Tendríamos más espacios y consumidores?

Recuerdo haberme topado desde que inicié la carrera con personajes que tajantemente decían (dicen) que la artesanía no es arte, que los diseñadores no deberían estar en la misma escuela que nosotr_s y que las cosas se hacen de tal manera porque sí (como cuando te dicen no dudarás de la palabra del señor porque él es la verdad), entre muchas otras cosas. Discusiones renacentistas sobre si es o no es, nos dijo una vez José M. Casanova. Y sí, está chido hablar de diferencias, pero personalmente creo que maaaybe es un poco absurdo detenerse en esos problemas (o volverlos problemas), en especial porque, la mayoría de las veces, la intención de dichas discusiones es poner una cosa por encima de las otras.

Basta con asomarse a las revisiones semestrales. Claro, no siempre. Había clases dónde la retroalimentación se daba más chida, todo más suavecito, más constructivo. A comparación de ciertos talleres, como uno por ahí de pintura, en donde costaba trabajo respirar por lo denso del ambiente. O el miedo a levantar la mano en clase y participar, que estoy seguro no siempre era por no saber sino por algo tan sencillo como el miedo a que tod_s volteen a verte (actividad obligatoria en muchos casos y motivo reciente de muchos y muy buenos memes). ¿No podíamos limitarnos a decir "me late esto y esto de tu chamba, tengo dudas sobre esto otro", sonreírnos y salir a empedar felices? ¿Era necesaria la carnicería? Y si neta la personita que estaba presentando la estaba cagando, creo que se le pudo haber tratado con más cariño, en lugar de intentar atiborrarle de filósofos alemanes y referentes ochenteros para ajustarl_. Tampoco digo que sea lo ideal, ¿pero por qué nunca se intenta? ¿Tenemos que vivir en una competencia constante, preocupándonos por agradarle a es_ maestr_ que te dice que saber veneciana o leer a Focault es de a huevo para ser artista? Y va, la veneciana está padre, cuando es lo que tú, aspirante a artista, necesitas. También correr desnud_ por la facultad, si es lo que necesitas. El punto es que no es de a huevo arrastrar un bloque de hielo por el piso ni tampoco seguir pintando como Van Gogh o copiar lo que hubo este año en Zona MACO si eso no no no te llena.

Hay un buen de opciones, que por miedo o hasta por respeto a la escuela no exploramos, materiales y formas de hacer que no vienen en los programas. O por acoplarse a lo que se vende. Es ridículo comparar e intentar ajustar. Cada producción tiene su propio valor y motivos, además de que tenemos entre 18 y 24 años, que pedo, no esperen que me aviente un choro y unas obras de magnitud Kiefer, pasar por alto que el quehacer artístico es mutable y que toma diferentes tiempos por persona es una necedad. Con todo esto, no digo que la FAD forme artistas, pero es innegable que hay muchas buenas propuestas, que pudieron culminar en algo bien chido y muchas veces se quedan en la idea por que quien da la clase o la(s) persona(s) promesa del arte contempo del salón dicen "me parece que no funciona porque..." Y lo más triste, es que la mayoría terminamos por replicar esas conductas.

Mucho de lo que pasa al principio de la carrera define una parte de lo que hacemos. Cuando entré yo esperaba ser el futuro Does ft. Sainer ETAM (cosa que aún no descarto jaja), pero se volvió evidente que había muchas más posibilidades. Yo iba bien feliz, con dos o tres dibujos de seres antropomorfos con cabeza de animal que pensaba meter junto a mi placazo en un graffiti, cuando en la primera clase de dibujo con Ady Parga me dicen que cierre los ojos y dibuje en 5 segundos. Y luego que con la otra mano. Y que con la boca. Y que también dibuje el movimiento. Además, en ese tiempo estaba la expo de Göeritz en el Palacio de Iturbide y fui, para entender absolutamente nada, cosas que por muchos días me tuvieron bien agüitado. ¿Eso era el arte? ¿Saner no es arte? ¿Dibujar bien ya no jala? Luego escuché que lo que hace Saner es ilustración, y los que hacen ilustración son l_s de diseño, y nosotr_s somos de artes y aki no hacemos eso, y etc. etc. Ya pensándolo, tiempo después, me pareció y me sigue pareciendo una tontería. Y no estoy muy seguro de que pensaban en diseño, pero creo que sí está bien feo crear una línea invisible entre las dos carreras.

Hablando de líneas, por ese tiempo también pude visitar la exposición La delgada línea que divide el lado derecho del izquierdo, en la que al final lo único que pude preguntarle a Magallanes fue porque lo decepcionó Phil Collins. Alejandro estudió diseño, es bien conocido por sus libros y sus ilustraciones, y en el trabajo de esa expo aparecían esas cuestiones: que es arte, que es diseño y por que cuando estudió en la ENAP estaban tan separados. Su estilo le debe una parte a eso. Se metía a tomar clases de dibujo (entre otras) con los de artes, cosa que me imagino le valió para llevar su trabajo más allá de los carteles y las portadas de libros. Había dibujos en papel revolución, libros que ya no eran libros, esculturas de cerámica y pinturas sobre placas de metal. Conociendo su trabajo y viendo lo que había ahí, cuestionar la línea entre el arte y el diseño definitivamente era una de las intenciones de todo eso.

Es fácil simplificar y decir que están muy separadas por que el diseño es meramente comercial y el arte no. Y falso. O decir que solo estamos en el mismo espacio por que compartimos algunas herramientas y principios. Y claro que sí, hay diferencias, pero si algo de lo que se habla constantemente en la FAD es de interdisciplina, entonces quizá esas diferencias comienzan a verse caducas, ¿no? El arte ya no es tan elevado ni tampoco está exento de ser utilitario. Están y podrían estar un poco más cerca. De todas formas, algunos de artes terminan haciendo carteles y algunos de diseño haciendo videoarte. ¿Y al final toda esa discusión para qué? Si vas a ver que un día se le ocurrió a un mirrey pintar a Mickey Mouse con tenis Jordan y está vendiendo esas pinturas carísimas en Instagram.

Además, creo que muchas veces hay que recurrir a soluciones “propias” del diseño para hacerse un mercado. El plan de estudios debería advertir sobre lo difícil que va a ser encontrar trabajo para la mayoría de l_s egresad_s. Y ya se sabe, no siempre es fácil conseguir becas, exponer y esas cosas. Y menos quien te pueda comprar un performance a la semana. Hasta dónde recuerdo, la FAD no nos enseñó a vender. O nunca entré a esa clase. Una vez escuché: “sí hay trabajo, se llama freelance”. Y la neta es que sí. Si no hay cabida dentro de empresas o instituciones, ya sea como productor, museógrafo o docente, buscamos alternativas. Estudiar otra carrera si se puede, hacer ropa, publicaciones independientes, etc. Y se hacen cosas bien chidas. Ropa bordada, macetas, prints, juguetes, tatuajes, un retrato de tu gato, sesiones de fotos, etc. Consúmeles a productores independientes y jovenes pues.

Me pregunto si será un pedo generacional. Me imagino que quizá en los 80-90 era más fácil acomodarte en algún museo, en alguna escuela y después ir a comprarte un terreno. Había menos gente. La verdad no sé, me lo imagino. Tengo entendido que cada año egresan alrededor de tres mil personas de la FAD, y claro que hay más gente en el país, pero no es como que cada año el consumo de arte sea más necesario, ni que se abran más vacantes para diseñador_s.

[antisublime]

Una teoría Visual - Alicia Herrero

Hace tiempo que la medición es objeto de una disputa política. Es más: en los últimos años, esta disputa se ha agudizado y vuelto omnipresente: ¿cómo medir la pobreza, la desigualdad, el crecimiento, las inversiones o el consumo? Todos los días nos enfrentamos a estas preguntas, y los medios y los dirigentes a menudo no parecen ocuparse de otra cosa. La medición, que sin duda está en el origen de la política y de la economía, también lo está en el origen del arte. Desde los antiguos, pasando por los pitagóricos y por los renacentistas (Leonardo escribió en el Tratado de la Pintura que, tras aprender ante todo perspectiva, el joven debe aprender “las medidas de cada cosa”), hasta llegar a algunos vanguardistas del siglo XX como Kurt Schwitters o Marcel Duchamp, quien ha hecho de la medición un campo de experimentación estratégico. Para hacer 3 stoppages étalon (que podría traducirse como 3 detenciones standard), Duchamp arrojó tres hilos de un metro de extensión al piso y con la forma en que quedaron trazó unas siluetas que trasladó a unas reglas de madera onduladas a las que denominó de “metro reducido”. Las figuras resultantes serán después los hilos que conectan a los pretendientes con la máquina en la parte inferior de El Gran Vidrio. En esta obra como en otras (pienso en el Readymade Malheureux que hizo en Buenos Aires o en su participación en el film The Witch's Cradle de Maya Deren), Duchamp no sólo relaciona la medición con la construcción artesanal del objeto sino también con el deseo. El deseo, que justamente es aquello que no se puede medir, es bombardeado por el artista en una mezcla rara de burla e indagación.

Toda esta masa de cuestiones y problemas estéticos, económicos y políticos son el punto de partida de Una teoría visual de la distribución de Alicia Herrero. Entre Duchamp y su obra, se interpone un movimiento artístico que no puede ser dejado de lado: el conceptualismo. Herrero, como otros artistas del presente, se plantea la superación del conceptualismo a través del trabajo con una dimensión sensible. Y el terreno que eligió para esa superación es, justamente, el de la puesta al desnudo de la medición y sus misterios. La muestra se divide en “Instrumental”, que elabora los cálculos monetarios en términos cromáticos y poéticos, y “Mobiliario” que convierte tópicos del análisis económico en objetos que ocupan lugar en el espacio. La estadística, las coordenadas, las planillas de cálculo, los gráficos de torta y de barras son usados para vincular el arte de la economía y la economía del arte. La elección no podía ser más acertada, porque en la medición se despliegan la numeración (abstracta, mental, cuantitativa, supuestamente previsible) y la materialidad (sensible, física, inclinada a lo aleatorio) sin, en apariencia, tocarse. Herrero hace colapsar esta diferencia e incursiona, según sus palabras, en la “condición visual y constructiva del universo estadístico” con estrategias que enfocan en conceptos visuales, que ya no son enteramente conceptuales ni estrictamente visuales. La coloración, la combinación de patrones o standards (para usar el término duchampiano), los materiales de uso cotidiano (acrílicos, maderas, telas plásticas, acetatos, aluminios) y la investigación interactúan con una contundencia estética que nos lleva al borde del delirio, allí donde toda medición tambalea pero a la vez se hace presente aun en aquello que no se puede medir. ¿Cómo pensar el misterio que une la medición monetaria y artística? Herrero avanza hacia ese misterio sin reducirlo a dimensiones didácticas o argumentativas: su tarea no es la de explicar sino la de poner las cosas en el ambiguo terreno de lo sensible. El delirio no es la obra en sí, sino el efecto que se produce al combinar cifras con expresiones sensibles, medidas y desbordes, colores y números como sucede con el mercado capitalista del arte.

Una de las estrategias básicas para investigar estas relaciones está en la asignación cromática, que no se hace según valores simbólicos: con una mirada propia del arte concreto, esto es, pre-conceptual, Herrero trabaja con las vibraciones, las combinaciones y los colores puros. ¿Qué debemos ver en un mobiliario: los contrastes o las referencias a mediciones de la desigualdad o de las evasiones? ¿El azul tiene una motivación pictórica o es un código arbitrariamente asignado? ¿El ascenso de una línea significa que las ganancias son mayores? ¿Qué se mide en Mise à nu, la relectura que hace Herrero de El Gran Vidrio duchampiano: el deseo de los pretendientes, el esqueleto numérico de la obra, las distorsiones interpretativas a la que ha sido sometida, su relación con el mercado y con su límite (ya que no tiene precio) la representación de la distribución y la concentración de la riqueza? Otras medidas, que se superponen con el original de Duchamp, profanan El Gran Vidrio y lo vuelven a astillar o a hacer pedazos.

Herrero trabajó en muy distintos soportes artísticos asuntos relativos a la economía del arte y sus grandes subastas: hizo retratos en Sotheby’s. En Una teoría visual de la distribución apunta al centro de toda medición: el pattern o patrón, es decir, la necesidad de tener un modelo que permita comparar y poner en relación. Estos patrones (y la ambivalencia de la palabra es justa) provienen de la estadística (por ejemplo el gráfico de torta), pero Herrero los usa como si fueran formas con potencia estética: un gráfico de la función seno puede transformarse en un mobiliario de función falsa y a la vez sugerir una representación marina; la desigualdad global puede convertirse en un gráfico de torta tan bello como siniestro. ¿Qué es entonces un patrón, un algoritmo? Una lucha en la mirada, en la experiencia, en el valor que les damos a las cosas.

La investigación intelectual y sensitiva que Alicia Herrero lleva a cabo se suma a la operación cromática y al uso estético de los patrones. El resultado es impactante: no se trata de una tesis de teoría del arte ni de una clase sobre economía contemporánea. Una teoría visual de la distribución se abre al misterio del arte, de la economía y de la medición y, con sabiduría, no lo disipa. Simplemente, lo hace más intenso y poderoso.

Gonzalo Aguilar

La CONCENTRACIÓN GLOBAL interpreta un gráfico circular sobre la concentración de riqueza global según 2016.

MISE À NU sculpture steel, aluminium, paint 277,5 x 178 x 8 cm A Visual Theory of Distribution, individual exhibition at Henrique Faria gallery Buenos Aires 2017

Mise à Nu, cruza la celebrada obra de Marcel Duchamp conocida como El Gran Vidrio (La mariée mise à nu par ses célibataires, meme) con la representación Cartesiana de un gráfico de barras que presenta la distribución de la riqueza mundial en el 2016 ( fuente del Instituto de Investigación del Credite Suisse). El lenguaje crudo de la economía desafía la desnuda y transparente materialidad de esta pieza,  presenta la magnitud fenomenológica de la distribución, la Gran inequidad, sobre la mirada inconclusa de Duchamp. Mise à Nu, junto a otras piezas, es ganadora de la Beca Bicentenario a la Creación del Fondo Nacional de las Artes 2016.

[prrrk03]

ＬａｚｅｒＤｉｓｋショタ ／ Ｉｂｅｒｗａｖｅ ～ ０２ ［ Ｓｐａｎｉｓｈ Ｖａｐｏｒｗａｖｅ ］

¿Qué es el ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ?

El ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ empezó siendo un mero estilo musical para acabar siendo una nueva tendencia artísitica, por no decir LA tendencia artística del siglo XXI, que llega directamente a nosotros importada de las décadas finales (o mejor dicho, tardías) del siglo XX.

Musicalmente, el ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ es una mezcla de samples musicales de las décadas de los 70, 80, 90, y principios de los 2000, que se mezclan con bases de chill out, easy jazz, funk, electrónica de sintetizadores o incluso trap, dependiendo del efecto deseado. Normalmente, cada uno de estos estilos le dará un nombre diferente para el subestilo creado (synthwave, sea punk, future funk, cloud trap, etc).

Ahora, el ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ como corriente artística (también conocida como ＡＥＳ��ＨＥＴＩＣＳ) se caracteriza principalmente por ser una escuela neo-dadaísta, con algunos toques cyber-punk. Sin embargo, ¿podemos llamar "escuela" a algo que nació de forma horizontal, sin normas ni congresos?

El ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ podría ser fácilmente la primera corriente artística que nació íntegramente en internet, trasmitiéndose de una persona a otra en forma de memes (al fin y al cabo, un "meme" es la unidad mínima de transmisión de información de persona a persona). Esto ha provocado que la mayoría (por no decir todas) las obras de estilo ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ estén solo disponibles por internet, no existiendo bajo ningún soporte físico. Es el arte construido directamente en el vapor de las nubes.

Otra característica importante es que el ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ nació como una forma de arte manifiestamente anticapitalista. El ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ tiene como objetivo denunciar las falsas promesas del capitalismo, haciéndonos recordar los años 80 y 90 (y en menor medida, los 70 y principios de los 2000) de forma nostálgica a través de sus artefactos y su estética (recordemos: ＡＥＳＴＨＥＴＩＣＳ) de palmeras de neón en un centro comercial abandonado. Como argamasa para mantener el conjunto en pié, usaremos elementos arquitectónicos y esculturas de la época clásica (como apunte, a veces también se utilizan estatuas renacentistas, que evocan sentimientos similares). Todo esto pretende hacer que nos demos cuenta de la gran mentira que vivimos durante esa época, usando como ya hemos dicho la nostalgia com vehículo conductor.

Teniendo en cuenta eso, tiene sentido que se le etiquete como neo-dadaísta. En el ＶＡＰＯＲＷＡＶＥ nada tiene sentido, y al mismo tiempo, todo puede encerrar un sentido muy profundo. Al final, todo dependrá de la intención de los artistas que haya detrás.

Canción: MACINTOSH PLUS - リサフランク420 / 現代のコンピュー

[obrasdeartecomentadas]

Santiago Muedano: Caminando y texteando

La escritura es una forma de caminar y el performance en una forma de escribir.  Al combinar cada acto en un solo momento (el acto de textear mientras se camina), Santiago Muedano (1993) establece una intersección entre distintas nociones características del arte contemporáneo. Curada por Tomás Pérez, la exposición presenta un conjunto de videos, dibujos y esculturas centradas en una pequeña carrera realizada del Monumento a Álvaro Obregón al Museo de Arte Carrillo Gil. Muedano ofició la competencia, guiando a lxs participantes que caminaban con celular en mano hasta la meta.

A primera vista, el artista genera reflexiones en torno a las políticas del espacio público y las dinámicas de comportamiento del transeúnte, aunque en términos humorísticos, quizá como lo haría un miembro de Jackass o Tom Green en su desaparecido programa de televisión. Quien esté familiarizado con estos shows de MTV encontrará puntos en común con la propuesta de Muedano, donde no importa tanto el valor de la imagen, sino su repetición y efecto (en ocasiones de risa y desagrado) sobre el espectador. 

Muedano tomando el IG del Museo Carrillo Gil 🚗����, noviembre 2019 

Pero si ahondamos un poco más en la exhibición en conjunto, me gusta entenderla como una instalación afectiva, una red de amigxs y colegas participando de manera lúdica en la carrera. Me gusta pensar, también, en las posibilidades de WhatsApp como una plataforma de escritura legítima y de grandes oportunidades. Algunos de lxs involucradxs –a lxs que tengo el gusto de conocer– pasan muchísimo tiempo en línea, divulgando sus creaciones. Sin embargo, yo me pregunto qué opciones le quedan al ser hiperconectadx para desacelerar su consumo digital y, por tanto, aplacar su ansiedad. ¿Podremos vivir desconectadxs? Debo admitirlo: por un momento me preocupé.   Desde que he seguido de cerca el proceso creativo de Santiago Muedano, he detectado una peculiar hiperactividad en su trabajo: una tendencia clara hacia el exceso. 

Su obra plástica se caracteriza por la manufactura ansiolítica de objetos, mientras que la audiovisual evidencia un gusto por la ralentización, es decir, creaciones que dilatan su duración ad nauseam. El tópico renacentista festina lentes resulta apropiado: actuar rápido, pero con cautela; textear de prisa con precaución; desarrollar una hueva apresurada. En una serie de actos performáticos realizados en transmisiones en vivo de Instagram, Muedano lleva al extremo su condición física, forzando al espectador a atender la teatralización impulsiva e histriónica del yo. 

Muedano tomando el IG del Museo Carrillo Gil 🚗🗻, noviembre 2019 

La frenética experiencia detrás de sus videos nos conduce a una espiral en la que cada enunciación es disparada al vacío. El 23 de noviembre del 2019, Muedano subió y bajó la rampa del Carrillo Gil mientras sostenía una –a ratos tediosa, a ratos hilarante– conversación por live stream con usuarios de Instagram. En su gesto se esconde una poética del desgastamiento del cuerpo, sin duda heredera de propuestas conceptuales ejecutadas durante los años setenta, como Velocity Piece #2 (1970) de Barry Le Va, donde el artista corría y azotaba su cuerpo contra los muros del espacio universitario donde ejecutó la pieza. Asimismo, la caminata neurótica sobre la rampa remite a Seedbed (1972) de Vito Acconci, célebre pieza de performance donde el artista, acostado debajo de la rampa de una galería, se masturbaba susurrando obscenidades. 

Muedano durante la Primera Gran Carrera Caminando .y Texteando, octubre 2019

Me aventuro a sugerir que Muedano hizo una especie de crítica institucional al incidir sobre el espacio museístico, bloqueando la rampa que comunica a los visitantes con las distintas salas, trastornando la lógica habitual del recorrido. En ese sentido, me parece elocuente la Gran carrera dentro del panorama artístico nacional. No podemos negar que las instituciones en México a veces tratan de adaptarse sin éxito al lenguaje visual “de los jóvenes”, como aquella vergonzosa ocasión en la que la Coordinación de Literatura INBA subió un meme con la imagen de Maluma leyendo a Albert Camus. Por fortuna, las instituciones culturales también hallan formas más acertadas para incorporar al público y lxs artistas jóvenes mediante exhibiciones donde ellxs se apropian de las redes de difusión y el espacio del museo y, además, donde sus afectos y deseos son visualizados. Para efectuar la misión, Muedano asume varios roles: repartidor de volantes insolente, policía de tránsito espurio, mediador verborraico, guía de museo paranoide. Esa mañana habría visto por más tiempo el livestream, de no haber sido porque el ejecutante se estatizó en un freeze sumamente frustrante.

Juan Pablo Ramos

[teleindiscreta]

«Ecce Homo»: he aquí la ópera

El suceso dio la vuelta al mundo y levantó una polémica de dimensiones estratosféricas. La protagonista fue y es Cecilia Giménez, natural de Borja, localidad de Zaragoza, quien en 2012 restauró a su manera, con mejor buena intención que pericia y maña, un fresco de la iglesia de su pueblo con la imagen de Jesucristo del que aún hoy se sigue hablando. El resultado ya lo conocen ustedes: una popularidad inesperada y una fallida intervención que resituaron a la localidad natal de la autora en el mapa mundial, e incluso sirvió para revitalizar la economía de la zona. Hoy llega el suceso convertido en ópera a Estados Unidos, donde se preestrenará como adelanto del estreno mundial que está previsto tenga en 2019 a Zaragoza como capital mundial del evento. El Evelyn Smith Music Theatre de la Universidad Estatal de Arizona (ASU), en la ciudad de Tempe, es el escenario donde se podrá escucharen versión concierto de “Behold the Man” (Este es el hombre y, en latín, Ecce Homo).

Andrew Flack es el autor y libretista de la pieza, de la que ya ha declarado que “es mi obra maestra”, que cuenta con música de Paul Fowler y dirección artística de Brian DeMaris. El “padre” de la ópera confiesa que “desde que conocí la historia supe que era grande, es un acto de corazón por parte de Cecilia, quien primero fue destruida anímicamente por internet. La ópera aparte de ser comedia lleva el perdón y la fe implícitos. La comunidad la perdonó y ella perdonó a la comunidad, que es lo más importante, y vimos cómo el sufrimiento tuvo una transformación”. La pieza se desarrolla en dos actos y consta de nueve protagonistas. En la composición Fowler optó por la fusión. “Podrán encontrar un fandango, un motete renacentista, una jota, un coro clásico, un aria de zarzuela, un tango flamenco, entre otros géneros”, describió. DeMaris, director artístico del Lyric Opera Theatre de ASU, quien firma el montaje, aseveró que Fowler y Flack crearon una pieza que es tanto cómica como seria, similar a Mozart y DaPonte. “Muchas óperas nuevas son muy serias, pero en este caso me atraen los aspectos cómicos y actuales de la historia, especialmente por el gran éxito que tuvo internet. La ópera juega de maravilla. Aunque los memes parezcan una tontería son tendencias reales que afectan a las personas de manera poderosa”, explicó Pues He aquí la ópera.

Fuente: La Razón

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[quejarseesunartesaludable]

Un lienzo del pintor italiano renacentista Paolo Ucello convertido en un meme quejumbroso del 2020.