#música electrónica nueva 2020

[adrianrodriguezdj]

Escucha nuestros nuevos lanzamientos musicales en nuestras listas de reproducción llenas de energía.

[agendaculturaldelima]

#FeriasyFestivales

📣 “FESTIVAL SUIZO” 🏔👪

💥 En el marco del aniversario 140º  de relaciones bilaterales entre Suiza y Perú, se organiza la 4ª edición del evento destinado a reforzar los vínculos de amistad entre estos dos países de montañas, como puentee entre ambos países, que sirven de base: diversas iniciativas deportivas y turísticas presentarán sus ofertas, carreras y empresas de los Andes podrán contar más sobre sus propuestas.🎉🎈

👥 Con una comitiva de dieciséis representantes de la Asociación de Guías de Montaña de Huaraz vienen especialmente a presentar su trabajo, su historia y su fuerte vínculo con la cooperación suiza. Asimismo, la cooperación, empresas y asociaciones suizas exhibirán sus proyectos.

🍽 La feria gastronómica ofrece la oportunidad de sumergirse en la cultura suiza y probar platos tradicionales: la Fondue o los Spaetzli. Para los más pequeños se presenta el espectáculo “Conejo Tell” y tienen a disposición una zona infantil con actividades todo el día, como juegos inflables y realidad virtual. 🐰

🤩 Los visitantes descubren proyectos culturales vinculados a las montañas, a través de un programa artístico binacional: con músicos como el pianista suizo-peruano Bruno Ramírez Galluser, la arpista suiza Kety Fusco, la cantautora peruana Naysha y el ganador del Latin Grammy, Kayfex, hay variedad para todos los gustos.

© Producción: Embajada de Suiza en Perú, Fondo Cultural Suizo, Club Suizo, Cámara de Comercio Suiza en el Perú, Colegio Pestalozzi y Hotel Andino.

💪 Apoyo: Nestlé, QSI, Kuna, Tiyapuy, Aje, Casa Andina y Civa.

📜 PROGRAMA:

🕙 10:00am. Apertura: Feria gastronómica, juegos inflables, pared de escalada, exposiciones fotográficas, presentaciones de turismo, stands de iniciativas suizas y peruanas, casa suiza, premios.

🕚 11:00am. Teatro Infantil: “Conejo Tell”.- Espectáculo de teatro infantil basado en el cuento clásico suizo “Guillermo Tell”, producido por Ayepotámono Teatro.

🕐 1:00pm. Música: Banda Colegio Pestalozzi.- liderada por los músicos Laureano Rigol y Abel Páez, tocarán una mezcla de jazz con ritmos latinos y cuerno de los Alpes.

🕟 4:30pm. Música: Bruno Ramirez Gallusser.- joven pianista suizo-peruano de Tarapoto, que obtiene en 2023 el 1º puesto en el VIII Festival Pianistas del Futuro y está invitado a tocar en el Carnegie Hall de Nueva York el 30 de junio.

🕕 6:00pm. Música: Naysha.- intérprete, compositora y productora musical peruana de World Music, cuenta con tres discos, el más reciente “Despertar” explora ritmos del Perú y Latinoamérica. La investigación sobre las culturas de Perú es otra de sus actividades. Conduce el programa televisivo Miski Takiy, que se transmite por TV Perú.

🕖 7:40pm. Música: Kety Fusco (Suiza).- licenciada en arpa clásica, se ha embarcado en una revolución en el mundo del arpa. En 2020 publicó su álbum debut Dazed, aclamado por la crítica. Gracias a su instinto y a su voluntad de cambiar la connotación y reputación del arpa, Kety ha sido invitada a prestigiosos festivales y salas, como el Royal Albert Hall de Londres, el Festival de Jazz de Montreux o también el SDG Global Festival of Action de las Naciones Unidas.

🕗 8:50pm. Música: Kayfex.- Luis Gavilán Alarcón es Dj y productor musical originario de Ayacucho, que fusiona la electrónica y las melodías e instrumentos autóctonos de cada región del Perú. Su último disco Atipanakuy, se inspira en las danzas de tijeras, es ganador del Latin Grammy (2023) por mejor diseño de empaque.

📌 JORNADA:

📆 Sábado 06 de Abril

🕙 10:00am. a 9:00pm.

🏪 Club Suizo (calle Genaro Castro Iglesias 550 – Miraflores)

🚶‍♀️🚶‍♂️ Ingreso libre.

[sonyclasica]

HAYATO SUMINO

EL PIANISTA Y COMPOSITOR JAPONÉS HAYATO SUMINO FICHA POR SONY CLASSICAL

Sony Classical anuncia hoy la firma de un contrato de grabación exclusivo con el joven pianista japonés radicado en Nueva York, Hayato Sumino, que se unirá a la selecta lista de célebres pianistas internacionales del sello. Su álbum debut para Sony Classical se publicará en otoño de 2024 y será una muestra de su amplio y variado gusto musical, con obras de Bach, Fauré, Purcell, Sakamoto y el propio Sumino, entre otros.

Nacido en Japón, Sumino obtuvo reconocimiento internacional por primera vez en el Concurso Internacional de Piano Chopin 2021 de Varsovia, donde sus singulares interpretaciones cautivaron el corazón del público pasando a la semifinal. Al mismo tiempo, su público online aumentó considerablemente bajo el apodo de "Cateen", acumulando más de 1,5 millones de seguidores en sus canales hasta la fecha.

Reconocido por su estilo único que combina cuidadosamente una técnica clásica bien afinada con el fino oído de un arreglista y una gran capacidad de improvisación, aporta al piano un enfoque musical fresco y con carácter. En su vida como concertista internacional, Sumino abarca un repertorio amplio que incluye desde Frédéric Chopin, George Gershwin y Franz Liszt hasta compositores contemporáneos como Thomas Adès, y ha tocado con la destacada directora Marin Alsop, la artista neoclásica Hania Rani y el artista de electrónica y pianista Francesco Tristano.

Sobre la firma de su contrato exclusivo con Sony Classical, Hayato Sumino comentó: "Me siento profundamente honrado e increíblemente emocionado de unirme a la prestigiosa familia de Sony Classical. Esto marca un hito importante en mi trayectoria como músico y estoy encantado con la oportunidad de compartir mi visión musical con el público mundial. Juntos exploraremos un nuevo universo musical y superaremos los límites del género y la tradición. Me siento agradecido por la confianza que Sony Classical ha depositado en mi arte y estoy deseando embarcarme en este nuevo y emocionante viaje".

Per Hauber, presidente de Sony Classical, señaló: "Hayato nos impresionó por sus extraordinarias dotes pianísticas y su carismática personalidad. La versatilidad y la curiosidad son los atributos que mejor lo describen y también marcarán nuestra colaboración. Estamos muy contentos de anunciar que Sony Classical será el hogar artístico de Hayato y que exploraremos juntos nuevos mundos musicales".

Añadió el Dr. Alexander Buhr, SVP International A&R: "Hayato es un artista único en su especie, que aúna un talento excepcional, una amplia imaginación musical y una presencia escénica magnética y única. Desde que escuché por primera vez sus extraordinarias interpretaciones en el Concurso Chopin de Varsovia, he seguido de cerca su carrera y estoy muy contento de darle la bienvenida a la familia de Sony Classical".

Este joven músico de talento y versátil se está ganando rápidamente un lugar como uno de los principales miembros de la próxima generación de músicos para los que las fronteras de género no son ningún obstáculo. También prolífico compositor, Sumino ha desarrollado un estilo compositivo propio, distintivo y atractivo, que fusiona con éxito todas sus pasiones musicales procedentes del mundo de la música clásica, el jazz, la música de cine, la música postclásica y la electrónica, y recibe numerosos encargos para componer música de cine y televisión en Japón.

Hayato Sumino comenzó su carrera musical de pleno derecho en 2018 como ganador del Gran Premio del Concurso de Piano PTNA de Japón mientras era estudiante de posgrado en la Universidad de Tokio. Estudiante fenomenalmente dotado, además de sus estudios de música, también terminó su Máster en Ingeniería en marzo de 2020, recibiendo el Premio del Rector de la Universidad por sus destacados logros tanto en música como en ciencia. Esta combinación de música e ingeniería lo había llevado a pasar un tiempo en 2018 como investigador en el famoso Instituto de Investigación y Coordinación en Acústica/Música (IRCAM) como parte de su curso de licenciatura. También ha estudiado con Jean-Marc Luisada y Katsuko Kaneko.

Sumino ha actuado como solista con numerosas orquestas de todo el mundo, entre ellas la Sinfónica de Hamburgo, la Orquesta Sinfónica de la NHK, la Orquesta Filarmónica de Tokio, la Orquesta Filarmónica de Japón y la Orquesta Sinfónica de la Radio Nacional de Polonia, con la que realizó una grabación a las órdenes de Marin Alsop. Comparte su música con un público entusiasta tanto en Internet como en sus numerosas actuaciones en directo por Norteamérica, Europa y Asia. Ganó un codiciado puesto en la lista Forbes Japan 30 Under 30, se convirtió en Artista Steinway en 2021 y es embajador de los instrumentos musicales electrónicos CASIO.

A medida que sigue estableciendo una sólida presencia como pianista clásico, Hayato Sumino también demuestra una capacidad única para atraer a nuevos públicos, todos ellos atraídos por sus reflexivas y distintivas exploraciones de la música que trascienden todas las fronteras de género.

CANALES OFICIALES DE HAYATO SUMINO: PÁGINA WEB OFICIAL DE HAYATO SUMINO HAYATO SUMINO EN INSTAGRAM

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Sony Music Masterworks abarca los sellos Masterworks, Sony Classical, Milan Records, XXIM Records y Masterworks Broadway. Para recibir información y actualizaciones por correo electrónico visita www.sonymusicmasterworks.com/

[trastornadosrevista]

HERNAN CATTANEO prepara el show de música electrónica más innovador del país

A UN MES DE LA 4ta EDICIÓN DE SUNSETSTRIP BUENOS AIRES, HERNÁN CATTANEO PREPARA EL SHOW DE MÚSICA ELECTRÓNICA MÁS INNOVADOR DEL PAÍS.

Los mejores atardeceres de Buenos Aires ya tienen fecha, Sunsetstrip se realizará el 2 y 3 de marzo 2024 en Ciudad Universitaria con una nueva propuesta superadora de la mano del consagrado DJ argentino Hernán Cattáneo. A un mes de su realización las entradas para ambas jornadas ya se encuentran agotadas y el público calienta motores para sumarse a vivir una fiesta impactante. 

El 2 de marzo la fiesta contará con el warm up de Bora Uzer y el 3 con un extended set de Hernán Cattaneo.

 Con cinco ediciones en Punta del Este (2019, 2020, 2022, 2023 y 2024), una edición en Montevideo (2022), tres ediciones en Buenos Aires (2019, 2020 y 2023), y una en Mendoza en Diciembre de 2023, Sunsetstrip ya es un evento que crece año a año a la par de su público.

Por donde anuncia su presencia Hernán Cattaneo convoca multitudes, y cada uno de sus shows se renueva y pone la vara aún más alta desde la producción integral audiovisual, sensorial y sonora de su propuesta. Pensando no sólo en generar una gran experiencia que atraviese el cuerpo y lleve al público al disfrute pleno, el exitoso DJ argentino pone el foco en cada detalle del entorno y cómo lograr que los presentes se adentre en un viaje completo desde el momento justo que ingresa al predio.

Sunsetstrip ofrece una experiencia inmersiva única, desafiando los formatos en la puesta audiovisual y el montaje del espacio que la posiciona como referencia obligada en producción de eventos en la actualidad. Generando un entorno en contacto con la naturaleza que combina disfrutar de la música durante el atardecer, Sunsetstrip también busca difundir buenas prácticas ambientales con el fin de concientizar al público y seguir comprometiéndonos en esta necesidad colectiva.

Una experiencia intergeneracional que trascienda lo musical, ofreciendo distintas propuestas dentro del venue con otras áreas de entretenimiento como gastronomía, indumentaria, masajes, puestos de reciclaje y styling. Dos jornadas para llegar con la luz del sol despidiéndose y recibir la noche dejando por unas horas todas las preocupaciones lejos.

SUNSETSTRIP NACE COMO UN TRIBUTO A LA ENERGÍA, A LA LUZ Y LA VIBRACIÓN QUE IRRADIA EL ATARDECER. UN RITUAL DONDE TODO, DESDE LA PUESTA EN ESCENA Y EL ENTORNO,  HASTA LA MÚSICA, SE CONVIERTEN EN UN MOVIMIENTO CULTURAL QUE GENERA UNA NUEVA VERSIÓN EN LA INDUSTRIA DEL ENTRETENIMIENTO. UN MOVIMIENTO QUE NOS DESCONECTA Y NOS LLEVA A ESTAR EN CONTACTO CON LA NATURALEZA, CON EL ORIGEN Y CON LO ESENCIAL: DISFRUTAR.

Entre otros logros, Cattaneo ganó dos veces el premio al mejor DJ otorgado por Dj Awards de Ibiza.  Además, fue reconocido como ciudadano ilustre de la Ciudad de Buenos Aires por la legislatura porteña. Por su parte, a través de su propio sello Sudbeat y su programa de radio semanal Resident, promueve el trabajo de jóvenes músicos y DJ para generar una comunidad global y abrir la puerta a las nuevas generaciones. 

[dadadasein]

El laudista y compositor holandés Jozef Van Wissem anuncia los detalles de su próximo álbum 'The Night Dwells in the Day', cuyo lanzamiento está previsto para el 19 de enero. “Es como una parte de mi cuerpo”, dice Jozef Van Wissem sobre la relación que tiene con el instrumento que ha elegido: el laúd. "La complejidad es lo que me mantiene activo porque siempre puedes encontrar algo nuevo". La capacidad de extraer constantemente algo diferente y explorar nuevos terrenos es evidente en todo el extenso catálogo de Van Wissem y hasta su último álbum, 'The Night Dwells in the Day'. A lo largo de los años, ha lanzado innumerables álbumes en solitario que alcanzan cifras dobles, ha habido colaboraciones con Jim Jarmusch y Tilda Swinton, bandas sonoras de videojuegos galardonados, junto con bandas sonoras de películas premiadas, desde “Only Lovers Left Alive” de Jarmusch hasta la película “A Prince” de Pierre Creton en 2023. Desde que estudió laúd en Nueva York con Patrick O'Brien en la década de 1990, Van Wissem ha creado obras tan arraigadas en las formas clásicas de música del laúd del Renacimiento y el Barroco, como en sonidos contemporáneos que abarcan drones, electrónica y grabaciones de campo. Sumándole algunas de sus influencias formativas de las escenas industrial y no wave, junto con un enfoque dedicado al minimalismo, y esto ha dado como resultado que Van Wissem produzca un trabajo distinto y singular cuyo sonido es a menudo una unión de opuestos: meditativo e intenso, con visión de futuro pero con un sentido de lo arcano. The Quietus lo ha llamado "probablemente el laudista más famoso del mundo". La génesis de su último álbum comenzó durante la cuarentena en Varsovia, ciudad en la que Van Wissem reside la mitad del año, dividiendo su tiempo con Rotterdam. “The Call of the Deathbird” fue la primera canción que escribió del álbum y es la primera en ser compartida, junto con el video que la acompaña hoy. Sobre una melodía hipnótica pero bellamente fluida y punteada, captura escenas de calles desiertas, muerte y el intenso aislamiento que nos atenazaba a todos en 2020. Una de las canciones relativamente raras en las que canta Van Wissem, junto con algunas voces invitadas conmovedoras y envolventes de Hilary Woods (quien hará una gira con Van Wissem a finales de este año): su voz imponente circula por encima de la música de manera muy similar al pájaro de la muerte que se abalanza. él canta.

Daniel Dylan Wray

[shemakesnoisefestival]

Lila tirando a Violeta

Detrás de Lila Tirando a Violeta se encuentra la productora de música y performer uruguaya Camila Domínguez Mata reconocida internacionalmente por experimentar con distintos estilos y géneros del vaporwave al latin club y del hard techno al electro pop, la música de Lila muestra una habilidad para sintetizar y transformar una gama infinita de influencias sin dejar de lado su habilidad para escribir canciones. En 2020, su álbum Limerencia fue lanzado por el reconocido sello mexicano NAAFI, una mención como álbum del año por Bandcamp.

A este trabajo le sigue Desire Path en 2022, que también fue seleccionado como uno de los mejores discos electrónicos del año por revistas especializadas como Pitchfork y DJ Mag. The New York Times reseñó “El álbum muestra flautas prehispánicas y ocarinas junto con experimentación electrónica, permitiéndole a la artista forjar su propia distopía, un universo donde el pasado se encuentra con el presente”. Pese a lo prolífico de su trabajo en solitario, encuentra tiempo para colaborar con algunos de las más consagradas artistas dentro de la producción electrónica como Loraine James y el productor ecuatoriano Nicola Cruz.

Además de hacer mezclas para FACT, NTS y KEXP y sets en vivo para los festivales Mutek y Unsound. Lila también es la mitad del dúo de música pop A.M.I.G.A, que combina un interés compartido por la cultura pop y el arte escénico. También ha sido responsable de la organización y el booking de festivales y exposiciones durante los últimos 10 años investigando en torno al diseño de sonido, el activismo queer, el feminismo, las nuevas tecnologías, el vídeo, ella crea su propio material audiovisual y el hecho de ser una artista mujer de América Latina.

[moochilatv]

Kraftwerk regresa a Argentina

El legendario grupo de música electrónica viene en mayo

Foto: Kraftwerk en vivo. Créditos: Peter Boettcher

Los legendarios @kraftwerkofficial vienen a Argentina y se presentan el martes 23 de mayo en el @movistararenaar

Será la quinta visita al país, luego de su show del 2016.

Preventa para clientes de @bbva_argentina a partir del miércoles 1 de marzo a las 11hs. Venta general a partir del viernes 3 de marzo a las 11hs. Tres cuotas sin interés para clientes @bbva_argentina Tickets únicamente disponibles en www.movistararena.com.ar

La unión de la música y el arte escénico convierten a los conciertos de Kraftwerk en un auténtico "Gesamtkunstwerk", que quiere decir “una obra de arte total”.

El proyecto multimedia Kraftwerk fue creado en 1970 por Ralf Hütter y Florian Schneider (fallecido en 2020). Establecieron su estudio de electrónica Kling Klang en Düsseldorf, Alemania, donde concibieron y produjeron todos los álbumes de Kraftwerk.

A mediados de los años 70, Kraftwerk había logrado reconocimiento internacional por sus revolucionarios "paisajes sonoros" electrónicos y su experimentación musical con robótica y otras innovaciones técnicas. Con sus visiones del futuro, Kraftwerk creó la banda sonora para la era digital del siglo XXI.

Sus composiciones, utilizando técnicas innovadoras, voces sintéticas y ritmos computarizados, han tenido una importante influencia internacional en todo el rango de géneros musicales: desde el electro hasta el hip hop, desde el techno hasta el synthpop.

En sus presentaciones en vivo, Kraftwerk - Ralf Hütter, Henning Schmitz, Fritz Hilpert y Falk Grieffenhagen - ilustran su creencia en las contribuciones respectivas del hombre y la máquina.

Comenzando con la retrospectiva de su catálogo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 2012, en los últimos años Kraftwerk ha vuelto al punto de partida dentro de la escena artística de Düsseldorf de finales de los años sesenta.

La serie de conciertos en el MoMA fue seguida por presentaciones en la Tate Modern Turbine Hall (Londres), Akasaka Blitz (Tokio), Opera House (Sídney), Walt Disney Concert Hall (Los Ángeles), Fondation Louis Vuitton (París), Neue National Galerie (Berlín) y Museo Guggenheim (Bilbao).

[elmartillosinmetre]

El cuarteto del milenio

[El Cuarteto Arditti. / LUKAS BECK]

El Cuarteto Arditti ofrece el sábado en el Espacio Turina un monográfico dedicado al compositor madrileño José Manuel López López

Se cuenta que cuando el malogrado Francisco Guerrero trabajaba en Zayin llamó un día a Irvine Arditti preocupado por la extrema dificultad de lo que estaba componiendo. Dicen que Arditti lo tranquilizó: “Todo lo que tú seas capaz de escribir, yo seré capaz de tocarlo”. La anécdota refleja la actitud de este músico nacido en Londres en 1953, que llegó a ser concertino de la Sinfónica de Londres, pero que debe su fama principalmente a la labor desarrollada con el cuarteto que creó en 1974. Siempre buscando ir más allá de los límites. Esa ha sido la premisa en la que el Cuarteto Arditti ha fundado su casi medio siglo de existencia.

El ciclo Zayin acabo estrenándose completo en el Teatro Central de Sevilla el 8 de febrero de 1997, apenas ocho meses antes de la muerte de Guerrero a los 46 años de edad. Era un tiempo en que el Arditti solía visitar con frecuencia Sevilla para participar en el ciclo de música contemporánea que la Junta de Andalucía mantenía anualmente en el Central y el Teatro Alhambra de Granada. El ciclo fue desinflándose, desapareció hace unos años de Granada y la pandemia fue la excusa perfecta para liquidarlo también en Sevilla. Justo aquel 2020, en su última edición programada (y luego cancelada), estaba prevista una nueva visita del Cuarteto Arditti. Tres años después, en otro contexto y otro espacio, el Arditti vuelve finalmente a Sevilla.

Impresiona verdaderamente la nómina de compositores a los que el conjunto ha estrenado obras, porque aunque el Arditti se especializó desde el principio en la música de vanguardia, tocando todo el repertorio relevante escrito para su formación en el siglo XX, siempre concedió prioridad al trabajo directo con los compositores en la creación de música nueva. Todo ello ha quedado documentado en una discografía abrumadora, que supera las 300 referencias e incluye monográficos de más de 200 compositores diferentes. Nada parecido puede encontrarse en el mundo de la música de vanguardia.

[José Manuel López López (Madrid, 1956) / CLAUDE TRUONG-NGOC]

Entre los compositores que el Cuarteto Arditti aún no ha grabado se encuentra José Manuel López López (Madrid, 1956) cuyos dos cuartetos sin embargo sí estrenó el grupo, ambos en Valencia, el 1º en mayo de 2007 y el 2º en septiembre de 2020. Son esas las dos obras con las que el Cuarteto Arditti se presentará en la Sala Silvio. Entre medias el Trío III del madrileño, una obra del año 2008, la primera del compositor para la formación clásica de piano, violín y violonchelo (los otros dos tríos son para violín, clarinete y piano y para flauta, viola y guitarra), y para la que se contará con la colaboración del pianista salmantino Alberto Rosado.

López López, Premio Nacional de Música en el año 2000, es una de las figuras esenciales de la música española de nuestros días. Discípulo de Luis de Pablo y muy vinculado a París, donde reside y enseña (Universidad París VIII, Conservatorio Edgar Varèse de Gennevilliers), la música de López López se mueve dentro de los parámetros del espectralismo, una de las tendencias más destacadas del último medio siglo, surgida en torno a la obra de un trío de compositores franceses (Gérard Grisey, Tristan Murail y Hughes Dufourt) muy cercanos al IRCAM parisino, el centro de investigación creado por Boulez a mediados de los 70, especialmente renombrado por el trabajo con la electrónica y los recursos de las más modernas tecnologías. Tratando de alejarse del serialismo integral, los espectralistas pusieron el foco en el timbre y en la textura, que trabajan a partir de la descomposición del espectro del sonido y de determinados modelos matemáticos, en donde conectan con algunos enfoques de Boulez o Stockhausen, las micropolifonías de Ligeti y la música estocástica de Xenakis, un compositor al que López López ha dedicado varias obras.

[Diario de Sevilla. 13-01-2023]

[nievesmorena]

El 16 de agosto de 1958 nace en Bay City, Michigan, Estados Unidos, Madonna Louise Veronica Ciccone, mejor conocida como MADONNA, es una cantante, compositora, actriz, empresaria e ícono estadounidense.

Hija mayor de Silvio Anthony Ciccone y Madonna Louise Fortin, inmigrantes de Pacentro, Italia, su madre era de ascendencia francocanadiense.

Su progenitor trabajó como ingeniero en Chrysler y General Motors. Tiene dos hermanos mayores, Anthony (nacido en 1956) y Martin (nacido en 1957), y tres hermanos menores, Paula (nacida en 1959), Christopher (nacido en 1960), y Melanie (nacida en 1962).

Al recibir la confirmación en 1966 adoptó el nombre de Verónica.

Se crio en Pontiac y Avon Township (ahora Rochester Hills) suburbios de Detroit. Cuando tenía seis años su madre murió de cáncer de mama.

En 1966, su padre se casó con la niñera de la familia Joan Gustafson, y tuvieron dos hijos: Jennifer (nacido en 1967) y Mario (nacido en 1968).

Asistió a la St. Fredericks; la St. Andrews Catholic Elementary Schools, y la West Middle School.

Fue reconocida como una buena estudiante y por su comportamiento poco convencional. Solía realizar volteretas, hacer el pino por los pasillos y subirse la falda para que los chicos pudieran ver su ropa interior.

Madonna asistió a la Rochester Adams High School donde se convirtió en miembro del equipo de animadoras. Tras graduarse, recibió una beca de baile para la Escuela de Música, Teatro y Danza de la Universidad Michigan.

Convenció a su padre para que le permita tomar clases de ballet y fue persuadido por Christopher Flynn, su profesor de ballet, para permitirle iniciar una carrera en la danza.

En 1978 abandonó la universidad y se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde trabajó como camarera.

Empezó en el mundo de la música en los años 70 y es compositora, cantante y productora.

Su carrera como músico pasa por diferentes fases llenas de altibajos. Se dedicó especialmente a la música disco, pop, dance y electrónica.

En New York en donde estudió y bailó con Alvin Ailey y Pearl Lang, también actuó en algunas películas eróticas. Trabajó como modelo fotográfica y poco después crea su propia banda con un amigo: The Breakfast Club, en el que tocaba la guitarra y la batería.

Pasó por varios grupos y cambió continuamente de representante, editó su primer sencillo, Everybody en 1983, con el que inició su camino a la fama.

Sus álbumes Madonna (1983) y Like a Virgen (1984) vendieron millones de copias.

Su tercer disco, True Blue se publicó en 1986 y fue un auténtico éxito de ventas.

En 1989 lanzó Like a prayer, con el que batió todos los récords de ventas.

Protagonizó Buscando a Susan desesperadamente (1985). Trabajó en Broadway con una obra de teatro titulada Speed the Plow, con notable éxito. Junto a Sean Penn (con el que se casó el 16 de agosto de 1985) protagonizó una nueva película, Shangai Surprise, que resultó un fracaso.

En 1988 editó Whos that girl y a continuación You can dance.

Inició una nueva gira con gran éxito.

Reconocida mundialmente por la provocación que despiertan sus video-clips y espectáculos así como por la versatilidad de sus shows.

En 1990 protagonizó la película Dick Tracy, junto a Warren Beatty, con quien tuvo un romance, también publicó la banda sonora de Dick Tracy.

Dos años después participó en el filme Una liga propia.

Durante 1992 se puso a la venta Erotica y en 1994 Bedtime Stories, con el que dio un giro a su carrera además de lograr un gran éxito de ventas.

En el año 1996 protagonizó Evita, junto a Antonio Banderas, con la que logra el Globo de Oro a la mejor actriz. Editó el disco con la banda sonora de la película y en octubre del mismo año nació su hija Lourdes María Ciccone, fruto de su relación con el cubano Carlos León.

En 1998 apareció Ray of Light y en el 2000 Music.

Sus actuaciones en el cine, a excepción de Buscando a Susan desesperadamente y Evita, no alcanzaron gran notoriedad.

Su aparición por las pantallas de cine resultó un batacazo en las taquillas de Estados Unidos durante el año 2002.

Swept Away, el filme de alto presupuesto que protagonizó y dirigió su marido, Guy Ritchie, no logró el favor del público.

Producido por la propia Madonna y Mirwais Ahmadzai, a primeros de 2003 salió a la venta el álbum American Life, que una vez más se vio envuelta en la polémica.

Unos días antes del lanzamiento del primer sencillo, retiró el vídeo por su contenido bélico y crítico con EE. UU.

American Life es el título de su siguiente trabajo, que como es habitual en la carrera de Madonna, sale a la venta en una edición especial limitada en formato de lujo, con portada de cuero bordada y otros extras.

En 2003 apareció su segundo libro para niños. Tras el escaso éxito de Las rosas inglesas, Madonna regresó con Las manzanas del señor Peabody.

En noviembre de 2003 lanzó Remixed and Revisited, un EP con siete cortes, entre los que figuran las colaboraciones con Britney Spears, Christina Aguilera y Missy Elliott, además de varias remezclas y un tema inédito, Your honesty.

En junio de 2004 la polémica estrella del pop cambia su nombre por el de Esther -de origen hebreo-, asumiendo así una nueva imagen pública de modestia, más en consonancia con la de una joven judía que con la de una chica materialista.

Educada en un ambiente católico, afirmó en una entrevista con el programa 20/20 de la cadena ABC News, que su identificación con la reina bíblica se debe en parte a su estudio del misticismo judío conocido como la cábala.

En 2008, la revista Billboard clasificó a Madonna en el número dos, detrás de The Beatles, en el Billboard Hot 100 All-Time Top Artists, convirtiéndola en la solista más exitosa en esa lista, además de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en ese mismo año.

En marzo de 2012 salió a la venta su álbum titulado MDNA que parece jugar con las palabras, a medio camino entre su nombre, Madonna, y la denominación en inglés de la droga MDMA (éxtasis). En abril la cantante lanzó el perfume Thruth or Dare que diseñó en recuerdo del olor de su madre y con el que culmina uno de sus proyectos más antiguos.

El álbum, Rebel Heart, se presentó el 10 de marzo de 2015, y de agosto a diciembre del mismo año se dedicó a su promoción.

El 14 de abril de 2019, reveló que Madame X sería el título de su próximo álbum de estudio, el primer sencillo, una colaboración con el cantante colombiano Maluma, titulada Medellín, fue lanzada el 17 de abril.

El 18 de mayo de 2019, Madonna actuó ante 200 millones de personas de todo el mundo en la gala de Eurovisión.

Apareció en el escenario del pabellón Expo de Tel Aviv (Israel) para presentar Future, junto al rapero estadounidense Quavo, una de las canciones de su nuevo disco Madame X.

En septiembre de ese mismo año, inició su undécima gira de conciertos, Madame X Tour, que continuó hasta marzo de 2020.

Además de Lourdes María tuvo otro niño nacido el 11 de agosto del 2000, Rocco Ritchie, hijo del director cinematográfico Guy Ritchie, con el que se casó en diciembre del 2000.

Además tiene cuatro hijos adoptivos: Chifundo Mercy James, David Banda Mwale y las gemelas Estere y Stella.

El reportero Michael McWilliams comentó: "Las quejas sobre Madonna –que es fría, manipuladora, codiciosa y sin talento– ocultan el fanatismo y la esencia de su arte, que es uno de los más cálidos, de los más humanos, de los más profundamente satisfactorios en toda la cultura pop".

Madonna fue incluida en el Libro Guinness como la cantante más exitosa de todos los tiempos, habiendo vendido más de 300 millones de discos en todo el mundo.

Encabezó diez giras musicales, por lo que subir a un escenario no tendría que representarle ningún problema.

Sin embargo, en una entrevista aseguró que aunque no siente miedo de actuar, sí se siente vulnerable. Por eso, reconoció que muchas veces en medio de un concierto tiene que darle la espalda al público y respirar profundo mientras se repite "esto es algo pasajero". Madonna también padece brontofobia o astrofobia que es el terror a los rayos y a las tormentas eléctricas.

Además de sus manías varias veces trascendieron sus pedidos para cuando sale de gira.

Exige tener en su camarín por lo menos 20 líneas de teléfono internacional y que esté repleto de lirios y rosas blancas, pero las flores además de ser frescas deben tener sus tallos cortados a 15,24 centímetros (seis pulgadas)

En los últimos años además ordena comida vegana es decir con ningún componente de origen animal o derivados de productos animales como huevos o lácteos.

En diversas ocasiones también pidió que los muebles del cuarto de hotel donde se hospeda sean reemplazados por los propios. La vajilla que usa debe ser de cristal o porcelana.

De todos los pedidos que hace Madonna para sus giras y presentaciones, sin duda el más curioso es su orden de destruir los inodoros que usa en cada hotel donde se hospeda.

Para mantener su cuerpo casi en el mismo estado que cuando tenía 20 años, además realiza seis comidas diarias, tres con porciones pequeñas y tres principales un poco más abundantes. Bebe mucho jugo y su favorito es el de sandía. También come barritas de proteínas orgánicas, frutas, verduras y granos como la quinoa.

En el 2016 cuando recibió el premio a la Mujer del Año en la gala Billboard pronunció un discurso contundente: "Cuando sos mujer se te permite ser linda y sexy. Pero no parezcas inteligente y finalmente, no envejezcas. Porque envejecer es un pecado. Vas a ser criticada y denigrada y definitivamente no te van a pasar en la radio".

[autoplacer]

AUTOPLACER 2021

AUTOPLACER 2021

SÁBADO 27 DE 12 A 20 HRS.

Con los conciertos de:

AMOR BUTANO / CABIRIA / LUZ FUTURO / NAVXJA / OKOMO / VIUDA / XENIA 

Proyectos invitados: 

PEPE MEDINA / ALGODONCITO / PRIETO & CUERVO (Set Design) / EFÍMERA ACCIÓN LITERARIA / FUTURAS LICENCIADAS / CRISTINA LLANOS / CRYSTAL MINE / LA INTEGRAL

PROGRAMA AUTOPLACER 2021 - SÁBADO 27 NOVIEMBRE 12:30 - 20:00 (DOS TURNOS)

12:30 – 15:00 NAVXJA, CABIRIA, XENIA 16:30 – 20:00 AMOR BUTANO, OKOMO, VIUDA, LUZ FUTURO

NOTAS SOBRE EL ACCESO

Debido a las características de la sala en la que tendrá lugar el festival Autoplacer 2021, las entradas se harán con inscripción previa.

Las inscripciones se abrirán el martes 23 de noviembre a las 12h. Se podrá acceder a los formularios en la web del CA2M.

Las inscripciones serán personales e intransferibles.

Podrás inscribirte para el turno de la mañana y/o de la tarde:

Turno de mañana: de 12:30 a 15:00h con las actuaciones de Navxja, Cabiria y Xenia.

Turno de tarde: de 16:30 a 20:00h  con las actuaciones de Amor Butano, OkOmo, Viuda y Luz Futuro.

Se ruega máxima puntualidad.

CONCURSO DE MAQUETAS AUTOPLACER 2021:  Lanzamiento de convocatoria y bases el 29 de noviembre.

CA2M CENTRO DE ARTE DOS DE MAYO Avda. Constitución 23, Móstoles. Metro Pradillo L12 Cercanías C5

AMOR BUTANO

Raquel, Sara y Diego forman Amor Butano en Valencia a finales de 2019, un grupo de pop efervescente con reminiscencias a Mecano o a Vocoder. Conjugando el amor y la física, construyen canciones divertidas con un poso de pesar y nostalgia, un contraste musical que bien podría ser una metáfora de la vida misma.

Vídeo “Entropía” Disco “Benimaclet” 

CABIRIA

Eva Valero es la mente que se esconde detrás de ese felliniano sobrenombre que es Cabiria y la responsable del disco “Ciudad de las dos lunas”(2021, El Volcán Música) un viaje personal, una toma de conciencia de las capacidades propias y una autoafirmación como artista pop. Donde antes había timidez y socarronería ahora hay canciones redondas y brillantes, donde antes había susurros y ambientes vaporosos ahora hay una voz rotunda que nos guía por un universo pop tan variado en sus referencias como redondo en su factura. Eva ha dejado de ser nuestra Cabiria, un hito underground, para convertirse en una de las grandes artistas de pop electrónico del país, y todo sin perder ni un ápice de su frescura o su personalidad.

Disco “Ciudad de las dos lunas”  Video “Después de medianoche”

LUZ FUTURO

Luz Futuro es el proyecto musical del productor canario Daniel Benavides. Artista etéreo y avant-garde, transmite sensaciones encontradas entre el nuevo romanticismo y la electrónica más experimental. En su estética sonora está presente el post punk andrógino y su música está influenciada por el new wave de los 80's, el ambient y el electro.

Ha publicado este año su primer EP “Falsos Techos” con el joven sello americano Beso de Muerte Records y mítico el sello alemán Young & Cold Records. Haciendo justicia con su sonido atemporal, recorriendo el pop de la nueva ola y el post punk, con letras directas y melodías nostálgicas.

Luz Futuro en Bandcamp Vídeo “La cura” 

NAVXJA

Artista multidisciplinar, documentalista y parte de la nueva escena bedroom desde una visión racializada y disidente. La cantante afrodescendiente Naomy Salge ha sorprendido con su manera personal de acercarse al pop desde todas sus vertientes, pero sobre todo con una sinceridad que duele en el corazón. 

Disco “Amor de verano” Vídeo “Mi chica”

OKOMO 

Ganador Concurso de Maquetas Autoplacer 2020

OkOmO es un músico con toda una vida de experiencia en multitud de bandas del underground capitalino, inclinándose por la experimentación sonora extrema y sin complejos en la mayoría de proyectos en los que ha participado. Sin embargo para esta nueva aventura ha dejado atrás todo lo complicado e intrincado de sus etapas anteriores y se ha volcado en un sonido directo, sencillo y melódico con cierta querencia por el lo-fi.

Acaba de grabar su primer álbum, con el que promete sofisticar y refinar los sonidos expuestos en la demo ganadora de la última edición del Concurso de Maquetas Autoplacer.

Canción “Fuera” 

VIUDA

Con una inspiración casi demoníaca, cuatro asturianas han juntado su talento y brujería para dar a conocer Viuda. Decimos talento porque mezclar punk oscuro con copla no es fácil, pero ellas lo hacen como nunca antes se había oído. Puedes comprobarlo escuchando desde ya mismo su primer EP homónimo: cinco canciones de furia y puro veneno, traídas para corromper todas las almas puras que se presten a la ceremonia. Las letras pasarían perfectamente por conjuros y hechizos basados en la rabia y la perversión; sin dejar de lado su música imponente y acelerada, para que la fuerza y la magia de este cuarteto asturiano no pase desapercibida. 

EP “Viuda” en Youtube Viuda en Bandcamp

XENIA

Xenia, una joven de 20 años que ha demostrado adaptarse perfectamente a dicha definición explorando sonidos y letras en su música capaces de crear una atmósfera que mezcla los sonidos que irrumpieron en la década de los 80, así como el synth pop o new wave, con elementos de actualidad.

Vídeo “Desde la Luna” EP “Esfera” en Bandcamp

PROYECTOS INVITADOS

PEPE MEDINA

La actividad profesional de Pepe Medina se centra en la ilustración editorial, el dibujo y proyectos autoeditados de arte gráfico, cómic e ilustración. Es integrante del grupo EL CARTEL con Olaf Ladousse, Sean MacKaouy, Eneko, César Fernández Arias y Mutis y ha trabajado para Vanity Fair, Penguin, El País, Alfaguara, Blackie Books, entre otros. 

ALGODONCITO

Algodoncito es un proyecto de ilustraciones kawaii y fanzines realizado por Kos Q. y protagonizada por Algodón, Paquita y Goloso. Su objetivo es edulcorar tu timeline, poner una velita de jazmín en tu mente y a veces hacerte pensar un poquito.

PRIETO & CUERVO

Prieto Cuervo celebra la belleza de la madre naturaleza a través del diseño. Les mueve su pasión por la artesanía, la pintura y el dibujo... y traducen esa pasión y trabajo en la creación de patrones para papeles pintados, tejidos, gres porcelánico y espacios exclusivos que sorprenden y emocionan.

EFÍMERA ACCIÓN LITERARIA

Efímera Acción Literaria es una asociación cultural sin ánimo de lucro que promueve la visibilidad de las microeditoriales independientes y emergentes a través de acciones efímeras y puntuales, y que también fomenta la creación de redes colaborativas entre los pequeños editores. Nuestros eventos intentan concienciar sobre la importancia de la diversidad de nuestro panorama editorial, para lo que hemos llevado a cabo desde mercadillos navideños, hasta catas librescas maridadas con vino, pasando por gymkanas literarias por la ciudad. En Autoplacer encontrarás mercha de la asociación y un buen montón de libros de las editoriales que colaboran habitualmente con Efímera Acción Literaria.

FUTURAS LICENCIADAS

Futuras Licenciadas es un sello discográfico afincado en la ciudad València, que comenzó su andadura en mayo de 2019 con el lanzamiento del single "Tobillos" de Carlota. Desde entonces, ha editado referencias en formatos como vinilo, CD o cassette de varios artistas a nivel nacional e internacional. Con un sentimiento de colectivo DIY, desde Futuras Licenciadas siempre se ha impulsado al fomento de nuevos artistas desde cero, a modo de lanzadera. Poniendo todos sus recursos en el desarrollo musical y artístico de su roster.

CRISTINA LLANOS

Cristina Llanos es licenciada en Bellas Artes y diplomada en  ilustración e imagen gráfica. Especializada en dibujo, hea desarrollado su carrera profesional principalmente en el ámbito de las artes plásticas, el diseño y la ilustración. Desde el 2006 compagina su trabajo artístico con el de su heterónimo Nikita Rodríguez.

SNAP! CLAP! CLUB

Snap! Clap! Club es un sello independiente con sede en Barcelona que trabaja con artistas en los márgenes del pop. Publican discos de vinilo, cassettes, fanzines y una serie de objetos. 

LA INTEGRAL

Abrimos La Integral en el 2005 para reunir, vender y promocionar el trabajo de creadores independientes relacionados con el arte contemporáneo, la música y el diseño . En el local ofrecemos complementos, ropa, libros, obra gráfica y discos de vinilo. En el festival Autoplacer daremos buen testimonio de lo sucedido en la escena local en los últimos meses, con fanzines y publicaciones autoeditadas o de pequeñas editoriales, así como las últimas referencias en la música nacional. En este festival, como siempre, disfrutamos con el intercambio de novedades con los asistentes y con los artistas participantes.

Diseño de imagen Autoplacer 2021: Tábata Pardo: www.tabata-pardo.com

[hopefulearthquakecollective]

i love 

[losgalpones]

2020, Year of the Model Home, Parte 1

Un pésimo año en casi todos los sentidos pero un gran año musical, o al menos un año donde la música fue más importante que nunca. Va un recorrido caprichoso que sigue el orden en que fueron escuchados los discos durante los meses del fin del mundo.

Gil Scott-Heron, poeta y músico legendario desde inicios de la década de 1970, murió en 2011; su último disco fue publicado en los primeros meses de 2020. Los muertos siguen hablando. En 2010 hacía quince años que Scott-Heron no sacaba un disco y el productor Richard Russell registró su voz rota y sus pianos fantasmales para grabarles encima ruido industrial y trip-hop y hacer I’m New Here, una gran colección de bluses apocalípticos. En 2011 Jamie xx tomó las mismas bases acústicas de Scott-Heron para producir un disco de música electrónica, We’re New Here. Si Russell había tratado al veterano y marginal Scott-Heron como un fantasma todavía relevante, como un profeta que llega de la ciudad del pasado a la de hoy, Jamie xx lo usó como una voz contemporánea, como un viejo que se suma a un mundo nuevo como un joven más, un rebelde. En 2020, Makaya McCraven tomó de vuelta las mismas bases acústicas, el cantar de un hombre que suena también como un rezo, para construir We’re New Again, un disco de jazz festivo y hermoso que en lugar de llevar a Scott-Heron a territorios extranjeros lo devuelve a su mundo sonoro natal, pero no al pasado, sino a la vida contemporánea de los hijos y nietos que todavía sienten en el corazón la música de sus ancestros y que pueden actualizar a Scott-Heron caminando sus mismas calles. Todo puede transformarse, todo puede salvarse, todo puede volver a casa, todo puede ser nuevo de vuelta.

A veces uno tarda en escuchar discos que sabe que lo esperan necesariamente. Iggy Pop publicó Free en 2019, a tres años del descomunal y rockerísimo Post Pop Depression hecho junto a Joss Homme. Iggy, hoy por hoy, podría hacer un disco con absolutamente quien quisiera. Hace cincuenta años que canta con una voz profunda que parece salir de su cuerpo divino, hermoso y feroz y que en cualquier escenario se detiene a mirar a su público con ojos que vieron tantas cosas que los mortales comunes no pueden imaginar. ¿Quién podría no querer hacer música para que él se arroje encima y la posea por completo volviéndola una manifestación de su ser tan clara como sus arrugas y sus músculos? Desde 2015 Iggy tiene un programa de radio en la BBC donde dedica atención especial a músicas nuevas que él mismo investiga leyendo -según contó en un diálogo con Jarvis Cocker- las reseñas de discos hechas en de The New York Times y The Guardian, escuchando las playlists que arma la radio de la Universidad de Miami y dejándose llevar por Youtube en modo random. Es una imagen hermosa. Iggy, un anciano que guarda más historias que mil bibliotecas, cada mañana, cuando desayuna, trata de saber qué suena de nuevo en el mundo. La necesidad de escuchar música nueva es rara de definir y no pasa siempre, pero ella dice “tiene que haber algo”, como si en alguna parte esperase, incierto pero sin lugar a dudas, un nuevo amor. Iggy, un anciano que literalmente dejaba su sangre en los escenarios y que primero con los Stooges y después con David Bowie, en sus años de juventud, fue la voz de una música completamente nueva, jamás oída, ahora, en sus mañanas en Miami, busca otros sonidos. La pregunta puede ser a qué suena el presente o qué del presente suena en él. En sus investigaciones encontró a Leron Thomas, trompetista y cantante con un pie en el jazz clásico y otro en la canción electrónica (no es difícil imaginar por qué motivos a Iggy le gustó un disco como Cliquish), y a Sarah Lipstate (aka Noveller), guitarrista experimental, y quiso que ellos hicieran las canciones y la música para su nuevo disco. La tapa del trabajo resultante, Free, además de bella es elocuente: Iggy se mete en un océano oscuro que parece calmo en los bordes pero guarda una tormenta y él, solo un hombre, que podría perderse allí tan fácil, ensombrecido por la luz fantasmal, es majestuoso. Este hombre ha cantado en otras ocasiones sobre palabras más inspiradas, pero canta acá como siempre con esa voz abismal que hace hermoso cualquier curso de palabras (“Loves Missing”, por su parte, sería un himno en cualquiera de sus discos). Tomándose tiempo para recordar a los muertos y sus anhelos no cumplidos (leyendo un poema de Lou Reed), tomándose también tiempo de anticipar la muerte (leyendo un poema de Dylan Thomas y leyéndose a sí mismo), busca todavía algo que lo haga vibrar con una fuerza nueva que lo desacomode pero en la que poder mantenerse de pie, vivo. Trompetas distorsionadas que suenan desde lejos y guitarras tensas y extrañas lo llaman a Iggy Pop. En alguna parte hay sonidos que darán ganas de cantar aunque no se conozca bien la canción.

No es tan extraño llegar sesenta años tarde a un disco tan bueno cuando es el trabajo de un hombre que jamás estuvo interesado en dejar huella. Lee Konitz se formó y maduró en el tiempo de los saxofonistas legendarios del jazz norteamericano de post-guerra, pero a pesar de su genialidad indiscutida no llegó a ser una marca de época, como sí lo fueron, por nombrar a otros que también tocaban el saxo alto, Charlie Parker, Paul Desmond y Ornette Coleman. Parker fue el éxtasis virtuoso del bebop y Desmond la economía perfecta del cool, mientras Konitz, como un hilo sin tensión que unía los dos extremos (respetadísimo por Parker y modelo para Desmond) no era ni lo bastante osado como para encarnar el fuego ni lo bastante estructurado como para parecer de hielo; tampoco le importaba. Cuando Miles Davis finalizó sus años milagrosos como trompetista de Parker y armó el sofisticado noneto que grabó lo que hoy se conoce como Birth of the Cool (la primera de sus numerosas revoluciones musicales), Konitz fue, junto con Gerry Mulligan, uno de los pocos que participó de las tres sesiones grabadas entre 1949 y 1950. Konitz, como Mulligan y Gil Evans, venía de tocar en la orquesta de Claude Thornhill, donde entonces se establecían nuevas integraciones entre la orquestación escrita y la improvisación solista. A pesar de esos antecedentes, puede decirse que nada de la música le importó a Konitz menos que la orquestación, que solo estuvo allí como en un trabajo para el que lo contrataban porque podía tocar sin perturbar y con belleza sobre cualquier música. Parker también podía improvisar sobre cualquier cosa (Charles Mingus ha recordado noches en las que sonaba el teléfono y el saxofonista, del otro lado, le pedía que escuche y ponía un disco de La consagración de la primavera de Igor Stravinsky para tocar encima mostrando un futuro posible), pero una vez que sonaba toda la música se volvía suya: en 1953, por ejemplo, llegó a Washingston con un saxofón barato de plástico para tocar con una orquesta con la que nunca había ensayado y sobre arreglos que no conocía, pero al escuchar hoy la grabación parece que en lugar de seguir a la orquesta Parker la está anticipando. Konitz, al contrario, nunca tocó en busca de ese efecto estelar y logró, incluso al tomar sus solos, pasar desapercibido de una forma que nunca se parece a la irrelevancia. Eso no significa que haya buscado un rol secundario, sino que pensó un nuevo sentido para la música. En sus grabaciones con su maestro, el genial pianista Lennie Tristano (Lennie Tristano y Subconscious-Lee, publicadas en 1955, y Crosscurrents, que en 1972 compilaba grabaciones de fines de los 1940s) o en discos propiamente solistas como el bellísimo Konitz  (1953) o el vivo In Harvard Square (1955), Konitz hace una suerte de ambient, algo que incluso a máximo volumen suena a música de fondo, pero donde si uno, oyente, se detiene, comienza encontrar toda clase de tesoros. No parece que Konitz esté tocando, parece que está viviendo, casi distraído, como quien se entretiene con un pensamiento sin darle demasiada importancia. Parece que en vez de tocar el sonido él está adentro del sonido, como si eso no fuese algo que produce sino el mundo en el que vive y al que uno, oyente, le es dado espiarlo por tres o seis minutos. John Coltrane, poco tiempo después, también provocará una sensación similar, pero en él ese pensamiento desde dentro de la música aspira a una condición trascendental, una plegaria que busca algo más alto, mientras Konitz nomás se deja llevar por reflexiones a las que dedica toda su atención pero sin revelación, sin éxtasis, con calma perfecta pero mundana. Sin embargo Konitz no fue ajeno a las demandas de la música de su época y en 1961 publicó un disco que aspiraba a interesar a quienes entonces se fascinaban con la revolución musical del free jazz de Coleman y con el sonido desencadenado de Coltrane (géneros en lo que Konitz había sido pionero, ya que las primeras grabaciones de free jazz fueron las del quinteto de Tristanto en el que participaba en 1949, “Intuition” y “Disgression”, donde tocaron sin ninguna melodía preestablecida). En Motion Konitz tocó con el bajista Sonny Dallas, quien como él había sido parte de grupos de Thornhill y Tristano, y con Elvin Jones, entonces parte del magistral cuarteto de Coltrane y de quien puede decirse sin miedo a exagerar que fue uno de los mejores bateristas de la historia. Grabaron cinco standars que suenan a ensayos perfectos, improvisaciones puras y completamente desestructuradas, que atienden a la melodía de lejos, tratándola como un camino conocido de forma tal que se lo encuentra siempre sin esfuerzo, y donde puede pasar todo pero nunca hay sobresaltos. Son canciones sin comienzo ni fin, sin líder, sin hitos. Nunca habían tocado juntos, nunca volvieron a hacerlo. Tres hombres se juntaron una mañana y grabaron de forma casual uno de los discos más bellos que jamás escuché. Fue como si no hubiera pasado nada. La carrera de Konitz declinó y las décadas que siguieron las pasó sin armar ninguna banda, tocando en cualquier parte con cualesquiera personas y grabando montones de discos que no le importaron a casi nadie o a unos pocos. A él nunca pareció preocuparle. El 15 de abril, a sus noventa y dos años, cuatro meses después de que comencé a escuchar este disco sin parar, Konitz murió de una neumonía agravada por el padecimiento de Covid-19, la enfermedad que detuvo al mundo. Cada vez que este año necesité una calma perfecta pero viva, que fueron muchas, él estuvo. Hay música secreta, hecha en bordes del espacio y del tiempo donde podría perderse para siempre y sin miedo de perderse para siempre, y que cuando se encuentra, casi por azar, ayuda a vivir en los bordes del espacio y del tiempo donde todo puede perderse para siempre.

PS: Motion fue grabado y mezclado en los inicios de la experimentación con el sonido estéreo, lo mismo que los primeros discos de Coleman. En este caso, en el canal derecho suenan la batería y el bajo y en el izquierdo suena el saxo, y de cada lado también suena, de fondo, lo que está en primer plano en el otro canal, como fantasmas que acompañan.

No sé si hay alguien que hoy moldee los sonidos de manera más perfecta que Nicolás Jaar, capaz de amplificarlos al máximo sin que nunca saturen (en un acto más parecido a ver con un microscopio que a subir el volumen), como si siempre encontrara las frecuencias exactas para que cada uno se expanda a una escucha total. Sus canciones son hermosas y fascinantes y su voz tímida y oscura es encantadora. La primera vez que escuché Space is Only Noise (2011), el año pasado, su perfección sónica me sorprendió como comparable a la de Donuts de J Dilla. 2020 fue un año productivo para Jaar: publicó un nuevo disco de música electrónica bailable bajo el alias Against All Logic, 2017-2019, y dos discos bajo su nombre, primero Cenizas y después Telas, ambos con espíritu ambient pero atentos a la canción. Mientras su debut, Space is Only Noise hace pensar en un objeto de diseño perfecto llegado del futuro, y mientras Sirenas (2016) es exuberante, casi una obra pop, Cenizas llega como un disco retraído. En ellos se dibuja una suerte de itinerario: 2011 y el nuevo horizonte de posibilidades técnicas; 2016 y la conversión creciente de todos los contenidos mediáticos en discursos políticos; 2020 y la necesidad de refugio ante el caos general. Para escuchar un disco como Cenizas es preciso alejarse del ruido, algo cada vez más difícil en nuestras ciudades, un privilegio. La nueva música de Jaar reivindica ese privilegio, un espacio donde todo suena perfecto y claro y donde no hay ninguna dimensión del sonido que no sea suavemente manipulable, capaz de enriquecerse gracias a una atención mayor. Se puede escuchar mejor. No es un reclamo que suene poderoso en tiempos donde se están quebrando muchos de los pactos que garantizaban cierta paz en las calles, sin embargo cuesta pensar un mundo mejor que este y que no sea uno donde todo se escuche mejor; no más fuerte: más definido, más plástico, más atento.

La primera vez que escuché el disco de Fiona Apple para este 2020, Fetch the Bolt Cutters, pensé muy rápido en los los Beatles y en Yoko Ono: “esto es bueno nivel Beatles”, “esto me hace acordar a Yoko Ono”. Los Beatles, desde muy temprano, cada vez que sonaban en cualquier parte fuera de sus habitaciones, sonaban para todo el mundo y bajo la exigencia de ser, como siempre, la mejor banda del mundo. Cuando John Lennon sumó a Ono a los espacios de la banda, para los otros tres Beatles resultó irritante que esa mujer parecía no entender que se encontraba en el centro del mundo y se comportaba como si estuviera en su habitación, en un espacio íntimo y doméstico y no en una situación profesional y pública. A Ono no le importaba que los Beatles fuesen más grandes que Jesús y que Abbey Road fuese un templo; para ella eran personas haciendo música, igual que cualesquiera otras personas en cualquier otro espacio. Ono entró a Abbey Road sintiéndose una igual no porque se creyera brillante y genial (igual lo era), sino porque entendía que lo que hacían esos hombres, cantar y tocar, podía hacerlo cualquiera y podía ser igual de importante para cualquiera, más allá de lo que fuera a pasar con eso. Los Beatles pueden haberse fastidiado inicialmente por las formas de Ono, pero lo cierto es que pronto estuvieron todos comportándose como ella, haciendo música desde sus habitaciones y menos preocupados por el público que por un ejercicio vital y catártico. Incluso venían haciendo eso mismo desde el momento en que Ono entró en sus vidas, en 1968. El espíritu de los demos de Lennon, Paul McCartney y George Harrison grabados en mayo de 1968 en Esher como preparación para el álbum blanco es el mismo que el de Unfinished Music No. 1: Two Virgins, el disco experimental que Lennon y Ono grabaron el mismo mes; la diferencia es que Lennon y Ono publicaron sus grabaciones (para horror del resto), mientras los Beatles grabaron en Esher como ensayo para otra cosa, no pensando en un disco final. Sin embargo, poco después, en mayo de 1969, Harrison también estaba publicando sus experimentos domésticos, Electronic Sounds (que junto con Two Virgins es un capítulo fundamental en la historia de la música ambient). Una vez terminados los Beatles, McCartney literalmente se fue a su casa a grabar McCartney en equipos de baja fidelidad (cuando podía disponer de cualquier estudio profesional en el mundo) y Harrison grabó All Things Must Pass en Abbey Road pero interviniendo el estudio como si fuera su casa, con velas inciensos y hare krishnas sentados en los rincones. Glosando al Che Guevera, se puede decir que florecieron dos, tres, muchxs Onos. Es difícil pensar la música desde entonces, y especialmente la música hecha en casa, sin Ono, sin su espontaneidad, sin su atrevimiento y sin su no importarle una mierda lo que digan los demás (pensemos que fue literalmente una de las mujeres más atacadas del mundo). Y el disco de Apple tiene ese espíritu hogareño, punk y lúdico de los discos de Ono (incluso de los grabados en estudio, como el excelente Fly de 1971, el disco gemelo de Imagine). No solo eso, sino que en un momento en que desde hace rato casi toda la música de estudio suena igual, aplanada, sin ningún interés por alterar el orden sónico, parece que la única alternativa para que suene algo distinto es intervenir la esterilidad de los grandes estudios y de los dispositivos digitales de alta fidelidad ensuciándolos con el tipo de sonidos que se escuchan en la vida cotidiana y que no se parecen nada a los estándares fijados por la industria musical contemporánea. Fetch the Bolt Cutters se grabó en parte en los estudios Sonic Ranch de Texas (un estudio-casa donde se también se grabó La síntesis O’Konor, el disco con el que Él Mató Un Policía Motorizado llevó a su apogeo y término al rock indie de la Argentina posterior a la Tragedia de Cromañón) y en su mayor parte en la casa de Apple, en una habitación normal no acustisada. En su sonido intenso, crujiente, por momentos caótico por las tantas cosas golpeadas, Fetch the Bolt Cutters no tiene ninguna intensión de sonar perfecto. Y sin embargo -al menos para mí- es perfecto porque Apple es una de las mejores compositores y cantantes de las últimas décadas y cada una de sus canciones, a pesar de que son complejas y pasan demasiadas cosas en cada una, son inolvidables como una colección de greatest hits hechos en un mundo más amable que este, menos careta, menos diplomático y menos cruel. Apple y su banda (el impresionante bajista y guitarrista Sebastian Steinberg, Amy Aileen Wood en batería y David Garza en percusiones y otros instrumentos) usan las percusiones no solo para marcar el ritmo, sino para crear un espacio que parece girar en torno al corazón de esas canciones que también serían buenísimas grabadas de otra forma (con Apple sola en el piano, con Apple y una orquesta, lo que sea, porque las canciones buenísimas tienen una vida independiente a sus encarnaciones). La sensación recuerda un poco al magnífico video de 1998 que Paul Thomas Anderson hizo para el cover de Apple a “Across the Universe” de los Beatles (y que es uno de los pocos covers a la banda que tiene la virtud de superar en belleza al original): allí Apple es un centro de paz sonriente que flota mientras a su alrededor una multitud de hombres furiosos destruyen una cafetería; ahora también la canción flota en el caos, pero ahora la propia Apple es la artífice del caos sonoro (ya no visual) que la rodea, y este caos no es violento, sino acogedor, tranquilo aunque lleno de fuerza. Por otra parte, las melodías que canta Apple son de las más hermosas, creativas y libres que se han escuchado en la música popular en mucho tiempo: hace lo que quiere, susurra, grita, se rompe, es completamente virtuosa, va a velocidades imposibles, se detiene, vibra, cambia de tono, gira, baila, asciende, se arroja. Es algo que solo puede hacer una persona que no tiene miedo o a la que no le importa tener miedo. Todos los coros también son mágicos (ella más amigas). Es un disco perfecto. Todavía existen los milagros. Todavía hay libertades por construir. Todavía, aunque sea desde un rincón de la casa, se puede hacer algo para encontrar un mundo más grande y más hermoso.

Los encuentros entre merqueros y porreros pueden ser fatidiosos para ambos bandos (a menos que sean las dos cosas a la vez, al estilo Hunter Thompson) y cuando hace casi diez años Freddie Gibbs dijo que iba a rapear encima de música de Madlib pareció un poco eso. Sin embargo el encuentro fue como la escena de la pelea en el bar dirgida por Robert De Niro en A Bronx Tale (1993): mientras se inicia la tensión y hasta que explota la lucha, suena “Come Together” de los Beatles, un rock pendenciero y frontal, pero a partir de un momento dos de los peleadores chocan contra la rocola y comienza a sonar “Ten Comandments of Love” de los Moonglowns, una canción lenta y romántica, y desde ahí la violencia de los viejos mafiosos italianos contra los más jóvenes motoqueros, por gracia del contraste musical, se vuelve más terrible, más inolvidable. Sobre los beats fumones -intensos pero reflexivos- de Madlib, el gran rapero que es Gibbs, venido de la escuela del gangsta rap, encontró un espacio abierto para llevar a nuevos límites sus destrezas verbales. Piñata (2014) y Bandana (2019), las dos colaboraciones entre el melómano obsesivo fanático de Sun Ra y el ex traficante de drogas involucrado en más de un tiroteo se cuentan entre los mejores discos de la segunda década del siglo XXI. Después de Piñata Gibbs entendió el valor de la fórmula que había encontrado y buscó a otro productor fumón, relajado y atmosférico: The Alchemist, con quien participó primero en Fetti, (2018, en conjunto con Curren$y) y ahora, en 2020, en Alfredo. Sobre los beats de The Alchemist, sean melódicos y etéreos o sean hipnóticos y siniestros, escuchamos a Gibbs rapeando y cantando con absoluta comodidad, como un campeón del mundo defendiendo su título sin demasiado esfuerzo gracias a la maestría adquirida. Gibbs se pasea como un tiburón por aguas calmas y hoy es el rey en una variedad de hip hop masculino, ostentoso y amenazante pero a la vez nerd-friendly y sin pudor de exhibir el bromance (en esa línea se puede ubicar otro de los discos de hip hop más lindos del año, Pray for Paris de Westside Gunn, donde también participa Gibbs). Existe un encuentro y un amor posible entre los hombres duros que se criaron en las calles sabiendo que estaban cerca de matar o morir y los hombres pacíficos y tímidos que han pasado incontable tiempo encerrados en habitaciones, solos, frente a auriculares o parlantes, moviendo apenas los controles de sus sampleras y computadoras, buscando sonidos irresistibles e hipnóticos. Existen espacios donde los furiosos se relajan y pueden cantar sin daño toda la violencia en sus corazones y donde los guardados se atreven a salir mostrando un calor y un filo.

[Continuará próximamente en una Parte 2.]

[esquinadehoja]

Los festivales de música en tiempos de pandemia

Desde hace medio año conciertos y festivales de música y arte están detenidos debido a los contagios por el COVID-19. El mundo del entretenimiento hoy lucha con alternativas emergentes para que el público pueda seguir teniendo acceso a sus bandas favoritas.

Carnaval Bahidorá 17/01/2020 (Foto sacada de Instagram @bahidora)

Debido a la pandemia que enfrenta México, desde el 20 de marzo se decretó el comienzo de la cuarentena, por lo que muchas tiendas, restaurantes, servicios y locales han cerrado sus puertas. Esto ha provocado una inmensa perdida de trabajos en el país. 

Del mismo modo, el mundo del espectáculo y de las artes también se ha visto negativamente afectado por el cierre de auditorios, museos, teatros y espacios públicos y privados donde existían eventos de esta índole. 

El reporte Entertainment and Media Outlook México 2016-2020, de la consultora PwC, afirmó que en México la música es un terreno fértil valuado en alrededor de 386 millones de dólares, y calculó que llegaría a 448 millones de dólares en 2020, pero la pandemia dio un giro con las estadísticas y afectó drásticamente estos números. 

Federico Unter, estudiante de Dirección de Empresas de Entretenimiento y encargado de insiders en el Carnaval Bahidorá comenta: 

“Definitivamente creo que es una de las industrias más afectadas de esta pandemia porque la gente lo considera innecesario, y aunque yo también pienso que no hay que arriesgarse por algo que no es de primera necesidad, parece que las empresas no entienden que somos los primeros en irnos y los últimos en regresar”.

Unter explica que incluso Bahidorá podría no volver a ser como antes, pues otro colectivo tendrá que encargase del evento, o si no la edición del festival de febrero del 2020 podría ser la última.

After Movie Carnaval de Bahidorá 2020

Javier Palacios lleva un par de años con su colectivo Xoochie, quienes se dedican a hacer eventos de música electrónica y arte. Javier comenta que tuvo que cancelar uno de sus festivales programado para el mes de mayo, perdiendo la suma de inversión. “Todo se volvió más complicado, es una balanza entre mantener el proyecto y ser consciente de los contagios”.

Alternativas emergentes 

Debido a la pandemia, muchas empresas dedicadas a la industria de la música y el entretenimiento han llegado a la quiebra, pero muchas otras han aparecido con nuevas alternativas para mantenerse en pie, y la tecnología y creatividad son piezas clave para lograrlo. 

Javier Palacios nos comparte las medidas que está tomando con su colectivo para seguir en marcha y tener ingresos futuros. CLICK AQUÍ

Fire Forest Fest 2019 18/02/2020 (Foto sacada de Instagram @xoochie.sessions)

De regreso al juego 

A pesar de que muchos espacios van abriendo sus puertas, la espera del color verde en el Semáforo COVID por parte de todas las empresas, colectivos, marcas y espacios que están inmersos en el mundo del entretenimiento ha sido muy larga, y probablemente la espera continúe hasta el próximo año. 

Daniela Vargas ha trabajado con el Festival de Creatividad Digital Mutek desde hace ya mucho tiempo. Daniela recalca la importancia de la implementación de nuevas medidas de bio-seguridad en los eventos próximos. 

“Primero que nada se tendría que reducir el número de gente en al menos un 60%. Si es posible hacer pruebas rápidas de COVID-19, también afinar lo que ya se está implementando de la toma de temperatura, aplicar gel antibacterial, tener dispensadores de cubre bocas y tener una distancia promedio entre las personas que esté bien delimitada.”

Festival de Creatividad y Arte Digital 09/09/2020 (Foto sacada de Instagram @mutekmx)

[talleresantropoloops]

Banda Antropoloops: remezclando nuestro barrio

Art for Change 2020

Estamos desarrollando un taller educativo extraescolar musical para introducir al alumnado participante en la creación musical a través de la música electrónica. Trabajando e investigando sobre músicas tradicionales de sus contextos culturales y memorias familiares, formaremos una ‘banda de barrio’ que creará sus propios collages musicales y podrá construir también sus dispositivos (controladores) para tocarlos en directo.

El proyecto está desarrollado colaborando con la Fundación Sevilla Acoge, que desarrolla labores de mediación en el barrio del Cerezo y en institutos de secundaria de la zona. El objetivo principal de la actividad es ampliar la formación musical del alumnado participante a través de un enfoque innovador basado en la remezcla y el sampleo. Un enfoque de aprendizaje no formal que pretende motivarles y acercarles a la composición de una manera intuitiva desde la música electrónica, desarrollando nuevas funcionalidades para la herramienta online play.antropoloops.com

Se propone una metodología de trabajo en la que el alumnado participante pueda desarrollar su propios proyectos musicales acompañado a lo largo del proceso de creación por artistas del ámbito de la electrónica. Se pretende fomentar la participación de las niñas en el taller en un ámbito (DJs y tecnología) en el que los referentes e imaginarios están muy masculinizados aun.

Tras varios años experimentando en el ámbito educativo formal desde los Talleres Antropoloops, en los que la música se usa como vehículo para fomentar la inclusión cultural, el equipo pretende con este proyecto profundizar más en la educación musical desde un acercamiento no formal. El proceso del taller pretende servir como un catalizador de experiencias, debates y reflexiones en torno a la convivencia en un contexto intercultural, situándose en un espacio limítrofe cercano a las familias, entre el centro educativo y el barrio. El taller es gratuito y está orientado a alumnos/as de primer ciclo de secundaria con 14 participantes. Se está desarrollando una vez a la semana en sesiones de 90 min por las tardes de Enero a Junio 2021. El alumnado participante en el taller presentará sus piezas musicales en micro conciertos realizados en distintos lugares del barrio los días 25 y 26 de Junio.

+ publicaciones sobre el proyecto aquí

Foto: Concha Laverán

Desarrollo sesiones: Fran Torres y Rubén Alonso (Talleres Antropoloops), Guacha Sabelo y DJ Hidrataccioni (RAWA club) y Eloisa Cantón. Mediación familias alumnado y entidades barrio: Luis Marcelo Cartes (Fundación Sevilla Acoge) Desarrollo software: Daniel Gómez Investigación y seguimiento: Inés Gómez y Beatriz Macías (Universidad Pablo de Olavide) Documentación (fotografía y video): Concha Laverán Collages: Daniel Alonso Asesoría didáctica musical: Cristina Gutierrez

Con el apoyo de:

Un proyecto desarrollado en colaboración con la Fundación Sevilla Acoge

Cofinanciado por:

Gracias al CEIP San José Obrero por hacerlo posible y darle espacio...

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Playlist 1x09: Alizzz y María Blaya revolucionan el pop español con inquietud y experimentación

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Palabras mayores: La entrevista del noveno episodio la protagoniza el productor de mayor éxito de la música nacional en la actualidad, Alizzz. Su tándem creativo con C.Tangana nos ha dejado canciones como “Antes de morirme”, “Mala mujer”, “Llorando en la limo”, “Nunca estoy”, “Demasiadas mujeres” o “Tú me dejaste de querer”; pero su recorrido como productor también brilla junto a otros artistas como Aitana, Lola Índigo, Paula Cendejas, Javiera Mena, Ana Torroja, Aleesha o Maikel Delacalle. 

Con Alizzz charlo sobre esta vertiente, pero sobre todo nos centramos en su nueva etapa como artista -iniciada en 2012 con producciones electrónicas-, que renace en 2020 con dos canciones exquisitas,  atrevidas y sorprendentes: “Todo me sabe a poco”, y “El encuentro”, que interpreta junto a Amaia. ¿Por qué hacer pareja artística con la ganadora de OT 2017? ¿Cómo se consigue crear una canción de éxito? ¿Cambió “Antes de morirme” el pop español? ¿Necesita la música española otros sonidos y estímulos? ¿Qué opina del revival de los 80 que nos ha traído 2020? De todo eso, y mucho más, hablamos en esta conversación que tuvimos hace unos días.

En la sección Futuro pone la voz María Blaya, que te presenta en primera persona su debut, un EP de 5 canciones titulado Silencio, una introducción a un universo sonoro muy particular, evocador y prácticamente hipnótico. Curiosa y con ganas de comerse el mundo, ella reconoce haberse iniciado en la producción de forma autodidacta y ahora empieza a construir un camino propio mirándose en el espejo de artistas como Frank Ocean, Billie Eilish, James Blake o 070 Shake.

También encuentras en este episodio una buena ración de descubrimientos, con nombres como Blackstarkids, Johnny Garso, Renaldo & Clara o Guineu; y además novedades de Arde Bogotá, Veintiuno, Ganges, Jack Bisonte o Confeti de Odio.

Lista de canciones

1. Arde Bogotá - Abajo

2. Blackstarkids - Acting Normal

3. Jack Bisonte - Portrait

4. María Blaya - Silencio

5. Veintiuno - Caramelo

6. Johnny Garso - It’s Not Like In The 80s

7. Guineu - Putu Any

8. Ganges - Ya no te quiero 

9. Alizzz & Amaia - El encuentro

10. Alizzz - Todo me sabe a poco

11. Renaldo & Clara - Per fer-te una idea

12. Confeti de Odio & Alicia Te Quiero - Siempre Nada

[shemakesnoisefestival]

Bitter Babe

Artista multidisciplinar y DJ originaria de Bogotá, Colombia. En sus sesiones combina ritmos de percusión de inspiración latina que van desde de dembow, raptor house, tribal, guaracha, reggaeton y funk brasileño, con música de club. Ha vivido durante un tiempo en Miami formando parte de la nueva escuela de productoras de música electrónica que han sacudido la escena americana como INVT, Coffintext, y su amigo y colaborador Nick León con quien ha coproducido 2 EP's, Fuego Clandestino en Tratratrax y Delirio en Club Romantico, además de participar en la compilación de Air Texture comisariada por Anthony Nápoles y Dj Python. En 2020 destacó su colaboración con el productor español Merca Bae en Solsticio. Sus proyectos en solitario se pueden encontrar en el sello más vanguardista del sudesde asiático SVBKVLT, donde colabora en un remix para Rilla y estará presente en los próximos recopilatorios de TraTraTrax, No pare, ¡sigue sigue y Homecare! Miami All-Stars en Omnidisc. Durante la primera mitad del 2023 lanzó un nuevo EP en con el sello con base en la efervescente ciudad de Medellín, Colombia TraTraTrax.

Es co-fundadora de LATITUDES, un proyecto enfocado en el crecimiento de la comunidad de música electrónica latinoamericana. En el último año ha tocado en festivales internacionales como Rewire y Dekmantel (ambos en Países Bajos), Ortigia Sound System Festival en Sicilia, Italia y el Horst Arts & Music Festival 2023 de Bruselas, Bélgica.