#logiciels de production musicale

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Découvrez les meilleurs programmes de production musicale pour créer des pistes audio de qualité professionnelle. Explorez des outils puissants tels qu'Ableton Live, FL Studio, Logic Pro X, et bien d'autres. Ces programmes conviennent aussi bien aux débutants qu'aux experts, offrant des fonctionnalités pour composer, enregistrer, éditer et mixer de la musique. Que vous créiez des beats ou produisiez des bandes sonores complètes, ces logiciels sont parfaits pour vos besoins en production musicale.

[nnjzz]

ETERNITIES + earthworm + AUGUSTÉ VICKUNAITÉ + SIMONAS NEKROŠIUS + ALANAS GURINAS

MARDI LE 05.03

ETERNITIES us earthworm  us AUGUSTÉ VICKUNAITÉ lt SIMONAS NEKROŠIUS lt ALANAS GURINAS lt

TREIZE 24 rue Moret 75011 M° Couronnes / Ménilmontant

19:30 PORTES

20:00 ACTION !

P.A.F.6€

ETERNITIES us utah nyc " deep presence, resonant feedback, melodic drone, and overtone magic, in the fluid realm between intention and indeterminacy. We use harmonic tones from wind instruments played within feedback systems to create deep spectral drone. "

Duo composé de Katie Porter ( clarinette basse ) et Bob Bellerue  ( electronics, feedback ).

Musicienne spécialisée surtout dans la musique expérimentale / contemporaine ( interprétant p. ex. les musiques de John Luther Adams, Jason Ajemian, Mike Kelley, Michael Pisaro, Larry Polansky, Stephanie Richards, Morris Rosenzweig, Arthur Russell, James Tenney, Maayan Tsadka, Christian Wolff, entre autres ) mais pas que  ( "   She exists mainly in the experimental realm, but can sometimes be found elsewhere. " ) , Katie Porter est aussi curatrice, passionnée par la création de communautés musicales - elle a cofondé p.ex. Listen/Space (Brooklyn) et est commissaire des Listen/Space Commissions, responsables de 46 nouvelles œuvres pour groupes de chambre mixtes.

Elle co-dirige également le Symposium biennal VU pour la musique expérimentale, improvisée et électronique (Park City, Utah) et travaille sur un projet de longue haleine ( jeu de mots intentionnel ) pour clarinette solo dans l'installation Sun Tunnels ( 1976 ) - en cours de restauration -  de  la land-artiste, Nancy Holt, dans l'Utah.

Plusieurs projets dont le duo RED DESERT ENSEMBLE (   “a finely poised musical partnership”- THE WIRE,  ) avec le percussionniste/compositeur Devin Maxwell, qui a publié un album  sur le label de feu Phil Niblock, XI.

Bob Bellerue est artiste sonore / noisician, ingé-son, technicien et entre autres choses, curateur, entre autres, et notamment LE responsable principal de l'immensissime festival de musiques oufissimo-interlopissimes, ENDE TYMES. 

Sa pratique sonore tourne souvent autour des systèmes de rétroaction résonnante, utilisant des instruments, des objets, des enregistrements et des espaces amplifiés, en combinaison avec des composants électroniques et des logiciels écrits dans le langage de programmation de synthèse audio Supercollider.

Au cours des 30 dernières années, il a été impliqué dans la création et la présentation d'un large éventail d'activités sonores – entre noise, art sonore, musique expérimentale, percussions junk metal, gamelan balinais, bandes son pour la danse/théâtre/vidéo/art de la performance et  installations vidéo / son. 

Il a publié moult enregistrements, notamment chez Elevator Bath Records, iDeal Recordings, Banned Productions, Fabrica, P-Tapes, RRR Records, Love Earth Music, Prison Tatt Records, Los Discos Enfantasmes, Zelphabet, Peyote Tapes, No Rent Records ou sur ses propres labels, Anarchymoon Recordings and Sleepy Hollow Editions. 

earthworm us uk Nouveau duo / projet collaboratif composé de Christi Denton, artiste sonore et compositrice polyvalente originaire des États-Unis et de France, et de Margaret Fiedler McGinnis ( US / UK ), auteur-compositeur et multi-instrumentiste connue pour son travail avec au mitan des années 90s MOONSHAKE et LAIKA ensuite, et plus récemment avec  PJ Harvey & Wire ( excusez de peu).

 Dans une pièce spécialement composée pour Le Non_Jazz aux Nautes, elles s'aventureront dans le domaine de l'improvisation structurée. Conçu pour faire écho aux pousses vertes tendres de la saison, SPRINGS promet une expérience sonore immersive. Denton et Fiedler McGinnis créent une partition graphique unique pour l'électronique réactive, la guitare et d'autres éléments qui n'ont pas encore été révélés. Cette approche innovante s’entremêle avec les battements de cœur des musiciens et d’autres rythmes organiques, créant une interaction dynamique entre les interprètes et l’esprit éveillé de la saison.  https://www.christidenton.com/

AUGUSTÉ VICKUNAITÉ lt   Performeuse / collagiste sonore, avec une formation en sciences physiques ( ! ). Elle utilise principalement des magnétophones à bandes pour jouer, enregistrer et créer des compositions instantanées à base de d'enregistrements de terrain divers, dysfonctionnements de la technologie vintage ou encore des sons d'instruments enregistrés dans des environnements naturels.

Sa performance contiendra des boucles de bandes audio et des collages effectués à partir de de bandes trouvées.

SIMONAS NEKROŠIUS lt Artiste interdisciplinaire de Vilnius, spécialisé dans l'art sonore et la construction d'instruments électro-acoustiques et d'objets sonores faits maison.

Son travail est souvent associé aux notions de « ready-made » et de « DIY ». Il perçoit la créativité et les objets d'art comme un processus, réduisant ainsi l'importance des résultats finalisés dans ses projets. En conséquence, son travail a tendance à être indéterminé et transformateur au fil du temps.

https://www.youtube.com/@SimonasNekrosius 

ALANAS GURINAS lt Jeune artiste interdisciplinaire, adepte des performances sonores et des installations audiovisuelles.

Dans sa démarche, il explore le son en tant que phénomène textural, les thèmes de l'éphémère et les relations entre divers objets et espaces audibles et inaudibles.

A slightly light tone  ( Strained paper sheets, weights, vibro motors, various sound objects ) 

est une performance sonore acoustique live qui utilise le papier comme matériau principal pour produire du son. Différents types de papiers sont placés entre deux pinces en bois et, à l'aide de poids, sont tendus jusqu'à ce qu'ils trouvent leur état de résonance. En conséquence, différents tons, drones et textures générés par du papier en suspension sont produits. (La durée de la représentation est de +- 30 minutes)  

Fly - Jo L'Indien

[nudacystudio]

Pourquoi Choisir un Studio de Répétition Musique à Paris

Que vous soyez un musicien amateur ou un professionnel expérimenté, trouver l’espace idéal pour vos répétitions et enregistrements est essentiel pour atteindre vos objectifs musicaux. Le studio de répétition musique et la location studio enregistrement sont des options incontournables pour ceux qui souhaitent progresser dans leur art. À Paris, une ville riche en culture et en musique, il existe de nombreuses options pour trouver le studio de répétition Paris adapté à vos besoins. De plus, la location studio musique permet aux artistes de disposer d'un environnement acoustique idéal sans les contraintes d'un engagement à long terme. Cet article explore l'importance d'un studio de répétition musique et de la location studio enregistrement, et pourquoi Paris est le lieu parfait pour cela.

L'Importance d'un Studio de Répétition Musique de Qualité Un studio de répétition musique joue un rôle crucial dans le développement d'un groupe ou d'un artiste solo. C'est dans ces espaces que les musiciens travaillent sur leurs compositions, expérimentent de nouvelles idées et peaufinent leur performance avant d'aller sur scène. Pour garantir une répétition productive, il est essentiel que l'espace offre une bonne acoustique, des équipements de qualité et un environnement confortable pour favoriser la créativité. Les studios de répétition musique sont également souvent équipés de matériels variés comme des amplis, des batteries et des instruments, permettant ainsi aux musiciens de répéter sans se soucier de l'équipement.

Un bon studio de répétition Paris met à disposition des équipements haut de gamme dans des espaces adaptés, allant des petites salles pour les groupes acoustiques aux grandes pièces pour les ensembles de plus grande envergure. Ces studios permettent aussi de s'immerger dans un cadre qui nourrit la créativité, essentiel pour tous les artistes en quête d’inspiration.

La Location Studio Enregistrement : Un Avantage Décisif Pour les musiciens et les groupes qui souhaitent enregistrer leur musique sans investir dans un studio permanent, la location studio enregistrement devient une option avantageuse. Un studio d'enregistrement bien équipé permet d’enregistrer des morceaux de haute qualité dans un environnement contrôlé, où les artistes peuvent exploiter tout leur potentiel. Choisir de louer un studio de répétition musique pour l’enregistrement plutôt que de posséder son propre studio permet de bénéficier d’une plus grande flexibilité et d’économies substantielles.

Les studios d'enregistrement sont équipés de matériels professionnels comme des micros haute définition, des consoles de mixage, et des logiciels de production musicale. Louer un tel espace vous offre la possibilité d’accéder à des équipements coûteux et de travailler avec des ingénieurs du son expérimentés, ce qui peut vraiment faire la différence dans la qualité du résultat final.

Pourquoi Choisir un Studio de Répétition Paris? Paris est une capitale mondiale de la culture et de la musique. La ville regorge de studios de répétition Paris qui accueillent des musiciens de tous horizons. Que vous soyez un groupe en quête d’un lieu pour répéter avant un concert ou un artiste solo désireux de perfectionner ses compositions, vous trouverez à Paris des studios adaptés à vos besoins.

L’un des grands avantages de la location studio musique à Paris est la diversité des options disponibles. Selon le style musical que vous pratiquez, vous pouvez choisir un studio de répétition Paris qui correspond à vos exigences acoustiques et techniques. Que vous soyez intéressé par la musique classique, le rock, le jazz, ou encore l’électro, Paris offre une multitude d’espaces qui répondront à vos attentes.

En outre, les studios de répétition Paris sont situés dans différents quartiers de la ville, offrant ainsi aux musiciens un accès facile en fonction de leur localisation. Ces studios sont souvent bien desservis par les transports en commun, ce qui facilite l'accès pour les musiciens de tous les coins de la ville. La possibilité de réserver ces espaces à l'heure ou à la journée est un autre avantage qui offre une grande flexibilité.

L’Avantage de la Location Studio Musique à Court Terme Pour les musiciens qui n'ont pas besoin d'un espace permanent, la location studio musique est la solution idéale. Ces studios sont souvent proposés à la location à l'heure, à la demi-journée ou à la journée, ce qui permet aux artistes de réserver un espace uniquement lorsqu'ils en ont besoin. Cette flexibilité est particulièrement utile pour ceux qui n'ont pas besoin de répéter tous les jours, ou qui ont des horaires de travail variés.

De plus, la location studio musique vous permet de tester différents studios avant de trouver celui qui convient le mieux à vos besoins acoustiques et à vos préférences personnelles. Certains studios de répétition Paris offrent même des options de location d'équipements supplémentaires, comme des instruments ou des amplis spécifiques, afin que vous puissiez vous concentrer sur la musique sans vous soucier des détails logistiques.

[handpan-instrument]

Innovations technologiques dans les accessoires pour handpan

Les innovations technologiques dans les accessoires pour handpan transforment l'expérience des musiciens et enrichissent leur pratique. De nouveaux développements permettent d'améliorer non seulement la protection et le transport de l'instrument, mais aussi la qualité et la personnalisation de la musique.

Cet article examine les dernières avancées dans les accessoires pour handpan, mettant en lumière les technologies émergentes qui optimisent l’utilisation et la durabilité de ces précieux instruments.

1. Des supports ergonomiques pour un confort optimal

La pratique du handpan peut parfois s'avérer physiquement exigeante, notamment pour les joueurs débutants ou ceux qui souffrent de douleurs musculaires. Pour pallier à cela, les fabricants d'accessoires ont développé des supports ergonomiques innovants qui permettent de jouer l'instrument dans une position plus confortable.

On trouve ainsi des supports pour genoux réglables et rembourrés qui soutiennent le poids du handpan et évitent les tensions au niveau des bras et des épaules. Des supports pour trépieds sont également disponibles, permettant de jouer debout ou assis avec une posture optimale.

2. Des systèmes d'amplification pour se faire entendre

Le handpan est un instrument acoustique relativement discret, ce qui peut limiter son utilisation dans certains contextes. Pour répondre à ce besoin, des systèmes d'amplification spécifiques ont été développés.

Ces systèmes se composent généralement d'un microphone fixé sur le handpan et d'un amplificateur portable. Ils permettent de diffuser le son de l'instrument avec une grande fidélité et une puissance ajustable, ce qui le rend idéal pour les concerts, les ateliers et les enregistrements.

3. Des accessoires d'entretien pour préserver la beauté de l'instrument

Le handpan est un instrument fragile qui nécessite un entretien régulier pour conserver sa beauté et sa sonorité optimale. Pour cela, les fabricants proposent une gamme d'accessoires d'entretien spécialisés.

On trouve ainsi des huiles protectrices pour prévenir la corrosion, des chiffons microfibres pour nettoyer délicatement la surface du handpan et des sacs de transport rembourrés pour protéger l'instrument lors des déplacements.

4. Des outils d'accordage pour une justesse irréprochable

L'accordage du handpan est une étape cruciale pour garantir la qualité du son. Pour faciliter cette tâche, des outils d'accordage électroniques ont été développés.

Ces outils permettent d'analyser les fréquences des notes du handpan et de fournir des indications précises pour les ajuster. Ils sont particulièrement utiles pour les accordeurs professionnels et les joueurs expérimentés.

5. Des accessoires pédagogiques pour un apprentissage facilité

L'apprentissage du handpan peut être un défi, mais de nombreux accessoires pédagogiques peuvent faciliter ce processus.

On trouve ainsi des livres de méthode avec des exercices progressifs, des vidéos tutorielles en ligne et des applications mobiles qui permettent d'apprendre les bases du jeu et de découvrir de nouveaux morceaux.

6. Des accessoires électroniques pour des effets sonores inédits

Les innovations technologiques ne se limitent pas aux accessoires physiques. De nouveaux accessoires électroniques permettent d'ajouter des effets sonores inédits au handpan.

Des pédales d'effets dédiées au handpan permettent de créer des effets de réverbération, de delay et de chorus, tandis que des systèmes MIDI permettent de connecter l'instrument à des ordinateurs et des logiciels de production musicale pour des possibilités créatives infinies.

Conclusion

Les innovations technologiques dans les accessoires pour handpan ouvrent de nouvelles perspectives pour les musiciens, offrant des solutions améliorées pour la protection et la performance de leurs instruments. Ces avancées renforcent l'expérience globale et soutiennent l'évolution continue du handpan dans le monde de la musique.

Découvrez les derniers accessoires pour handpan sur ZenaPan en visitant zenapan.com. Trouvez les équipements innovants qui transformeront votre expérience musicale et protégeront votre instrument avec style !

[fred-the-curator]

JME "Grime MC" (2019) : L'album qui a fait bugger Spotify (et c'est voulu)

JME "Grime MC" (2019) : L'album qui a fait bugger Spotify (et c'est voulu) Jme, de son vrai nom Jamie Adenuga, est une figure emblématique de la scène grime britannique. Frère cadet de Skepta, il a cofondé le collectif Boy Better Know, véritable pilier du genre. "Grime MC", sorti en 2019, marque un retour aux sources pour Jme, qui a choisi de distribuer l'album uniquement en format physique, un pied de nez à l'ère du streaming. "Grime MC" est un condensé de 18 pistes, pour une durée totale d'environ 50 minutes. L'album est un pur produit grime, avec des BPM élevés, des basses lourdes et des synthés sinistres. L'ambiance est résolument underground, fidèle aux racines du genre. La production de "Grime MC" est un retour aux fondamentaux du grime. Jme utilise des logiciels comme Logic et Fruity Loops, mais aussi des outils plus inattendus comme une PlayStation ou un Nokia. Les beats sont bruts, les synthés menaçants, et les basses omniprésentes, créant une atmosphère à la fois nostalgique et innovante. Les paroles de Jme abordent des thèmes variés, allant de la critique de l'industrie musicale à des réflexions personnelles sur la vie et la société. Il utilise souvent l'humour et les références à la culture geek pour faire passer ses messages, rendant ses textes à la fois profonds et accessibles. Jme brille par sa diction claire et son flow précis. Il sait captiver l'auditeur avec des punchlines mémorables et des moments de bravoure vocale. Les collaborations avec des artistes comme Skepta et Giggs ajoutent une dimension supplémentaire à l'album, chaque invité apportant sa propre énergie. Jme a produit certains des beats de l'album en direct sur Twitch ! Une manière pour lui de rester connecté avec ses fans tout en montrant les coulisses de sa création musicale.     "Grime MC" est un must pour tout fan de grime qui se respecte. Si vous aimez les beats lourds, les paroles incisives et l'authenticité brute, cet album est fait pour vous. Il s'adresse aussi bien aux puristes du genre qu'aux nouveaux venus curieux de découvrir ce qui fait vibrer l'underground londonien.  via Blogger https://ift.tt/ZixmRWO July 04, 2024 at 09:00AM

[savoir-entreprendre]

Jay-z de son vrai nom Shawn Corey Carter, est l'un des rappeurs les plus reconnus de la scène du rap américain. Il voit le jour le 4 décembre 1969 à New York.Il va grandir avec ses trois frères et sa sœur dans les bas-fonds new yorkais. Son père ayant déserté le foyer conjugal, sa mère va élever seule ses cinq enfants. Toute la famille vit dans la pauvreté et à l’adolescence le jeune garçon se lance dans le trafic de drogue afin de survivre. Lors de ses années au collège il va rencontrer de futurs rappeurs : AZ, Notorious B.I.G. Mais à 20 ans, il décide de tour arrêter pour se lancer dans la musique. Grâce à l’aide de Notorious B.I.G et de Puff Daddy, il se lance dans la musique. Il fonde, en 1996, avec Damon Dash sa société de production : Roc-A-Fella. La même année il sort son premier opus Reasonable Doubt, qui cartonne aussi bien auprès du public que des critiques musicales. Il va même être certifié disque de platine. Son disque suivant : In my Lifetime vol 1 est réalisé après l’assassinat de son ami Notorious B.I.G et Jay Z y dévoile son enfance difficile. C’est le premier d’une trilogie : Hard Knock Life (1998) et Life and Times of S.Carter (1999). Le volume 2 est un énorme succès et lui permet de remporter son premier Grammy Award. C’est le début d’une longue réussite pour le rappeur. Chaque sortie d’album est un événement et il accumule les prix et les ventes. Mais surprise, en 2003, il annonce que The Black Album est son dernier disque et qu’il se retire de la scène. En 2005, son label est racheté par Def Jam et il est nommé président de la nouvelle entité. Finalement il quitte sa retraite musicale et sort en novembre 2006 : Kingdom Come et c’est un nouveau succès. Par la suite il quitte Def Jam et fonde Roc Nation, son nouveau label et produit ses albums suivants. Magna Carta Holy Grail son dernier album sort en 2013. Tout au long de sa carrière, il a reçu de nombreux prix. Parallèlement à sa carrière musicale, Jay Z est à la tête d’un empire financier colossal. Il investit dans dans la musique, le monde de la nuit, le sport, la mode. Il est copropriétaire d’une équipe de basket, propriétaire de la chaîne de restaurant 40/40 et a investi dans une marque de champagne… Le magazine Forbes le classe régulièrement dans les rappeurs les plus riches. Jay Z épouse Beyoncé en avril 2008, après six ans d’amour. Le couple donne naissance à leur fille Blue Ivy le 7 janvier 2012. Le 1er février 2017, Beyoncé annonce sur son compte Instagram être enceinte de jumeaux. Le 12 juin 2017, elle donne naissance à ses jumeaux, un garçon et une fille : Rumi et Sir. Homme d'affaires accompli, Jay-Z a monté sa propre ligne de vêtements, Rocawear. Il est aussi copropriétaire d’une équipe de basket. En 2013, il fait la Une du "Time Magazine" qui le cite comme l’une des 100 personnes les plus influentes du monde. En 2015, il lance Tidal, un logiciel de straming musical, avec d'autres artistes (Beyoncé, Madonna, Daft Punk, Kanye West, Nicki Minaj, Rihanna…) dont certains deviennent actionnaires. https://savoirentreprendre.net/?p=12988&feed_id=7195

[kinglandfr]

🎤 Nouveau sur KingLand.fr : Comment #Martinic redéfinit la #ProductionMusicale. 🌐 #AudioHauteFidélité #LogicielsAudio #SynthétiseursVirtuels 🎹

🚨 Ne manquez pas nos analyses sur les #InnovationsTechnologiques et la #QualitéSonore dans la musique. 🎧 #KingLand #IA #Blog #Media #Digital #Marketing #StudioModerne

👀 "La musique est l'écho de l'invisible." - KingLand #CréationMusicale #DesignSonore

[centralmao]

format  VST / AU DAW.Taille du téléchargement: 8 Go .Configuration requise AU / VST2 / VST3, 32/64 bits et prise en charge PC et MAC.

[devenirbeatmaker]

Ca y est Studio One 5 est la ! Découvrez les nouveautés de cette version 5 du célèbre séquenceur de Presonus.

[holden-coffeeld]

J’ai eu envie d’essayer un logiciel de production musicale, prouvant une bonne fois pour toute qu’on ne peut pas être bon à tout, mais qu’on peut être bon à rien

[reseau-actu]

Grâce à un logiciel développé sur mesure, des chercheurs recréent numériquement le décor, la lumière et l’ambiance sonore d’un spectacle au théâtre d’Orange tel qu’il pouvait se vivre durant l’Antiquité.

« La plus belle muraille de mon royaume », c’est ainsi que Louis XIV qualifiait la façade imposante du Théâtre antique d’Orange, inscrit au patrimoine mondial de l’Unesco. Construit au Ier siècle après J.-C., l’édifice est le théâtre romain le mieux conservé de toute l'Europe. Pourtant, de nombreuses parties du monument n’ont pas survécu au temps, notamment son décor, son velum (une grande pièce de tissu, utilisée en guise de plafond) et son rideau.

Bien que découverts entre les années 1930 et 1950, de nombreux fragments du théâtre d’Orange n’avaient jamais été étudiés. Disposés dans trois lieux différents autour du théâtre, ils pèsent chacun une dizaine de kilos, ce qui ne facilite pas leur analyse. En 2015, une équipe pluridisciplinaire de chercheurs (archéologues, informaticiens et designers 3D) sont donc les premiers à étudier ces fragments. Ils développent un logiciel sur mesure capable de numériser chacun des 80 fragments étudiés et d’en tirer plusieurs objets 3D facilement manipulable.

        Ils ont ensuite procédé à la restitution, qui consistait à assembler correctement ces fragments, en vérifiant des collages ou en en créant de nouveaux. Le programme a été porté et financé par la Sorbonne Université et le logiciel, encore en phase de test, devrait être disponible à la fin de l’année 2019. 

Une plus grande attention aux détails

« Ce projet est très prometteur car nous avons pu multiplier les hypothèses », se réjouit Emmanuelle Rosso, archéologue spécialiste des sculptures antiques et de portraits, qui a travaillé sur le projet. « Souvent, dans les publications scientifiques, on doit choisir une seule restitution. Entre chercheurs, on sait que l’image choisie n’est pas la seule possible, mais le public ne le perçoit pas forcément. Là, concrètement, on a pu multiplier les restitutions et les mettre sur le même plan », précise-t-elle.

Restitution numérique du théâtre antique d'Orange / © Sébastien Le Gall (ISCD-Sorbonne Université)

La conception d’objets en 3D permet aussi d’avoir un œil plus affûté sur les détails d’une œuvre. « On a été beaucoup plus attentifs à la façon dont les artisans avaient travaillé. Les modèles d’outils nous ont permis de distinguer des mains (la patte des artistes, ndlr), donc un travail d’équipe que nous avons peu l’habitude d’étudier pour l’Antiquité faute de textes », explique Emmanuelle Rosso. Les chercheurs ont par exemple pu identifier des traces d’outils et ont remarqué qu'une même figure avait été reproduite plusieurs fois dans le décor par des artisans différents. « C’est assez émouvant car pour la période antique romaine, on n’a conservé quasiment aucun nom d’artiste. La technologie est la seule solution si on veut essayer d’approcher la réalité humaine de ces productions », souligne l’archéologue.

Une approche sonore

Les chercheurs ont également investi l’archéologie sensorielle, qui consiste à restituer non seulement des images, mais aussi des ambiances, des sons et des odeurs. Alexandre Vincent, professeur d’histoire romaine à l’Université de Poitiers, a tenté de restituer le « paysage sonore » du théâtre. Les sources disponibles, provenant du nord de l’Italie, de l’Espagne et de la Gaule, ont permis de comprendre les dispositifs architecturaux destinés à améliorer l’acoustique. Mais aussi la place des acteurs, des musiciens et des spectateurs dans cette atmosphère. Si le théâtre d’Orange est aujourd’hui ouvert, il ne l’a pas toujours été : pendant l’Antiquité, son velum et son rideau en faisaient un lieu presque clos, ce qui modifie radicalement l'ambiance du lieu. 

Restitution de l'ambiance sonore du théâtre antique d'Orange / © Sébastien Le Gall (ISCD-Sorbonne Université)

Tous ces éléments ont permis de reconstituer une musique d’époque, enregistrée dans une chambre sourde par Stefan Hagel, un musicologue spécialiste de l’Antiquité. Il a été filmé en train de jouer d’un instrument, et un designer 3D a reproduit sa gestuelle tout en y incluant des éléments de la période antique. « La simulation musicale est un peu déroutante car ce qui était agréable pour les oreilles de l’Antiquité ne l’est pas forcément aujourd’hui », nous confie Emmanuelle Rosso. Tout comme les odeurs, qui n’ont pas pu être restituées dans ce projet faute de sources. 

Relief figurant une Ménade / Pascal Disdier (CNRS)

La dernière étape consiste en la création d’un logiciel permettant de calculer la révérbération des sons au Ier siècle après J.-C, selon si on se place plus ou moins loin de la scène. Une manière ludique d’explorer cette musique, bientôt proposée aux visiteurs du théâtre d’Orange. 

Ce qui fait la particularité de ce projet, c'est sa dimension artistique. Contrairement à une approche qui serait celle de l’intelligence artificielle, la restitution d'un théâtre ne nécessite pas de récolter de grandes masses de données. « Ce sont des œuvres d’art, elles ont quelque chose d’unique, donc on ne peut pas proposer un modèle d’analyse. Il faut absolument qu’un regard d’expert appuie les résultats de ces technologies », conclue l’archéologue. Une vidéo retraçant la restitution du théâtre d'Orange est attendue avant la fin du mois de juin. 

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Regarder!! Boîte noire Streaming VF'HD 24rd September 2021

► Boîte noire | 2021 Film Complet Gratuit | VF Streaming Online en Français 4k

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Titre: Boîte noireGenre: Aventure, Action, ThrillerPays: United Kingdom, United States of AmericaStudio: Danjaq, Eon Productions, Metro-Goldwyn-Mayer, Universal Pictures, United Artists, Annapurna Pictures, B25, CinesiteJeter: Daniel Craig, Rami Malek, Léa Seydoux, Lashana Lynch, Ralph Fiennes, Christoph WaltzÉquipage: Hans Zimmer (Original Music Composer), Mark Tildesley (Production Design), Ian Fleming (Novel), Daniel Craig (Co-Producer), Enzo Sisti (Line Producer), Debbie McWilliams (Casting)Mot-clé: spy, british secret service, 007, filmed in imaxBoîte noire 2021 - La mission qui change tout commence…

SYNOPSIS

   Que s’est-il passé à bord du vol Dubaï-Paris avant son crash dans le massif alpin ? Technicien au BEA, autorité responsable des enquêtes de sécurité dans l’aviation civile, Mathieu Vasseur est propulsé enquêteur en chef sur une catastrophe aérienne sans précédent. Erreur de pilotage ? Défaillance technique ? Acte terroriste ? L’analyse minutieuse des boîtes noires va pousser Mathieu à mener en secret sa propre investigation. Il ignore encore jusqu’où va le mener sa quête de vérité...

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MÉDIA DE DIFFUSION

Les médias en continu sont des contenus multimédias qui sont constamment reçus et présentés à un utilisateur final tout en étant fournis par un fournisseur. Le verbe streamer fait référence au processus de livraison ou d’obtention de média de cette manière. [clarification nécessaire] Le streaming fait référence à la méthode de livraison du support, plutôt qu’au support lui-même. Distinguer la méthode de livraison des médias distribués s’applique spécifiquement aux réseaux de télécommunications, car la plupart des systèmes de livraison sont soit intrinsèquement en streaming (par exemple, radio, télévision, applications de streaming), soit intrinsèquement sans streaming (par exemple, livres, cassettes vidéo, CD audio). Le streaming de contenu sur Internet présente des défis. Par exemple, les utilisateurs dont la connexion Internet ne dispose pas d’une bande passante suffisante peuvent subir des arrêts, des décalages ou une mise en mémoire tampon lente du contenu. Et les utilisateurs qui ne disposent pas de systèmes matériels ou logiciels compatibles peuvent ne pas être en mesure de diffuser certains contenus.

La diffusion en direct est la diffusion de contenu Internet en temps réel, tout comme la télévision en direct diffuse du contenu sur les ondes via un signal de télévision. La diffusion en direct sur Internet nécessite une forme de média source (par exemple, une caméra vidéo, une interface audio, un logiciel de capture d’écran), un encodeur pour numériser le contenu, un éditeur multimédia et un réseau de diffusion de contenu pour distribuer et diffuser le contenu. La diffusion en direct n’a pas besoin d’être enregistrée au point d’origine, même si c’est souvent le cas.

Le streaming est une alternative au téléchargement de fichiers, un processus dans lequel l’utilisateur final obtient l’intégralité du fichier pour le contenu avant de le regarder ou de l’écouter. Grâce à la diffusion en continu, un utilisateur final peut utiliser son lecteur multimédia pour commencer à lire du contenu vidéo numérique ou audio numérique avant que l’intégralité du fichier n’ait été transmise. Le terme « média de diffusion en continu » peut s’appliquer à des médias autres que la vidéo et l’audio, tels que les sous-titres codés en direct, le téléscripteur et le texte en temps réel, qui sont tous considérés comme du « texte en continu ».

La musique d’ascenseur était l’une des premières musiques populaires disponibles en streaming ; de nos jours, la télévision sur Internet est une forme courante de média diffusé en continu. Certains services de streaming populaires incluent Netflix, Disney+, Hulu, Prime Video, le site Web de partage de vidéos YouTube et d’autres sites qui diffusent des films et des émissions de télévision ; Apple Music, YouTube Music et Spotify, qui diffusent de la musique ; et le site de diffusion en direct de jeux vidéo Twitch.

DROITS D’AUTEUR

Le droit d’auteur est un type de propriété intellectuelle qui donne à son propriétaire le droit exclusif de faire des copies d’une œuvre créative, généralement pour une durée limitée. Le travail créatif peut être sous une forme littéraire, artistique, éducative ou musicale. Le droit d’auteur vise à protéger l’expression originale d’une idée sous la forme d’une œuvre créative, mais pas l’idée elle-même. Un droit d’auteur est soumis à des limitations fondées sur des considérations d’intérêt public, telles que la doctrine de l’utilisation équitable aux États-Unis.

Certaines juridictions exigent de « réparer » les œuvres protégées par le droit d’auteur sous une forme tangible. Il est souvent partagé entre plusieurs auteurs, dont chacun détient un ensemble de droits d’utilisation ou de licence de l’œuvre, et qui sont communément appelés titulaires de droits. [meilleure source nécessaire] Ces droits incluent fréquemment la reproduction, le contrôle des travaux dérivés, la distribution, l’exécution publique et les droits moraux tels que l’attribution.

Les droits d’auteur peuvent être accordés par le droit public et sont alors considérés comme des « droits territoriaux ». Cela signifie que les droits d’auteur accordés par la loi d’un certain État ne s’étendent pas au-delà du territoire de cette juridiction spécifique. Les droits d’auteur de ce type varient selon les pays ; de nombreux pays, et parfois un grand groupe de pays, ont conclu des accords avec d’autres pays sur les procédures applicables lorsque les travaux « franchissent » les frontières nationales ou que les droits nationaux sont incompatibles.

En règle générale, la durée de droit public d’un droit d’auteur expire 50 à 100 ans après le décès du créateur, selon la juridiction. Certains pays exigent certaines formalités de droit d’auteur pour établir le droit d’auteur, d’autres reconnaissent le droit d’auteur sur toute œuvre achevée, sans enregistrement formel. En général, beaucoup pensent que la longue durée du droit d’auteur garantit une meilleure protection des œuvres. Cependant, plusieurs chercheurs soutiennent que la durée plus longue n’améliore pas les revenus de l’auteur tout en entravant la créativité et la diversité culturelles. En revanche, une durée de droit d’auteur raccourcie peut augmenter les revenus des auteurs de leurs œuvres et améliorer la diversité culturelle et la créativité.

FILMS ou FILM

Les films, ou films, sont un type de communication visuelle qui utilise des images animées et du son pour raconter des histoires ou enseigner quelque chose aux gens. La plupart des gens regardent (voir) des films comme un type de divertissement ou un moyen de s’amuser. Pour certaines personnes, les films amusants peuvent signifier des films qui les font rire, tandis que pour d’autres, cela peut signifier des films qui les font pleurer ou qui ont peur.

Il est largement admis que les droits d’auteur sont indispensables pour favoriser la diversité culturelle et la créativité. Cependant, Parc soutient que contrairement aux croyances dominantes, l’imitation et la copie ne restreignent pas la créativité ou la diversité culturelle, mais les soutiennent en fait davantage. Cet argument a été soutenu par de nombreux exemples tels que Millet et Van Gogh, Picasso, Manet et Monet, etc. La plupart des films sont faits pour pouvoir être projetés à l’écran dans les cinémas et à la maison. Après que les films soient projetés dans les cinémas pendant une période de quelques semaines ou mois, ils peuvent être commercialisés via plusieurs autres médias. Ils sont diffusés à la télévision payante ou à la télévision par câble, et vendus ou loués sur des disques DVD ou des cassettes vidéo, afin que les gens puissent regarder les films à la maison. Vous pouvez également télécharger ou diffuser des films. Des films plus anciens sont diffusés sur les chaînes de télévision.

Un caméscope ou une caméra vidéo prend des photos très rapidement, généralement à 24 ou 25 images (images) par seconde. Lorsqu’un projecteur de cinéma, un ordinateur ou un téléviseur montre les images à ce rythme, il semble que les choses montrées dans l’ensemble d’images bougent vraiment. Le son est soit enregistré en même temps, soit ajouté plus tard. Les sons d’un film comprennent généralement les sons des gens qui parlent (appelés dialogues), la musique (appelée « bande sonore ») et les effets sonores, les sons des activités qui se déroulent dans le film (comme l’ouverture de portes ou coups de feu). Au 20e siècle, l’appareil photo utilisait une pellicule photographique. Le produit est encore souvent appelé « film », même s’il n’y a généralement pas de film.

Un genre est un mot pour un type de film ou un style de film. Les films peuvent être fictifs (inventés) ou documentaires (montrant la « vraie vie »), ou un mélange des deux. Bien que des centaines de films soient réalisés chaque année, il y en a très peu qui ne suivent pas un petit nombre d’intrigues ou d’histoires. Certains films mélangent deux genres ou plus.

Les films d’action ont beaucoup d’effets passionnants comme des poursuites en voiture et des combats avec des armes à feu, impliquant des cascadeurs. Ils impliquent généralement des “bons” et des “méchants”, donc la guerre et le crime sont des sujets communs. Les films d’action nécessitent généralement très peu d’efforts à regarder, car l’intrigue est normalement simple. Par exemple, dans Die Hard, des terroristes prennent le contrôle d’un gratte-ciel et demandent une grosse rançon en échange du fait de ne pas tuer les otages. Un héros parvient en quelque sorte à sauver tout le monde. Les films d’action ne font généralement pas pleurer les gens, mais si le film d’action est aussi un drame, l’émotion sera impliquée. Les films d’aventure impliquent généralement un héros qui se lance dans une quête pour sauver le monde ou ses proches. Les films d’animation utilisent des images artificielles comme des dessins animés parlants pour raconter une histoire. Ces films étaient autrefois dessinés à la main, une image à la fois, mais sont maintenant réalisés sur des ordinateurs. Les films de copains impliquent 2 héros, l’un doit sauver l’autre, les deux doivent surmonter des obstacles. Les films de copains impliquent souvent de la comédie, mais il y a aussi une certaine émotion, en raison de l’amitié étroite entre les « copains ». Les comédies sont des films amusants sur des personnes stupides ou faisant des choses inhabituelles ou se trouvant dans des situations stupides ou inhabituelles qui font rire le public. Les documentaires sont des films qui parlent (ou prétendent être) de vraies personnes et de vrais événements. Ils sont presque toujours sérieux et peuvent impliquer des sujets fortement émotionnels, par exemple la cruauté. Les drames sont sérieux et concernent souvent des personnes qui tombent amoureuses ou qui doivent prendre une grande décision dans leur vie. Ils racontent des histoires sur les relations entre les gens. Ils suivent généralement une intrigue de base où un ou deux personnages principaux (chaque acteur joue un personnage) doivent « surmonter » (passer au-delà) un obstacle (ce qui les arrête) pour obtenir ce qu’ils veulent. Les tragédies sont toujours des drames et concernent des personnes en difficulté. Par exemple, un mari et une femme qui divorcent doivent chacun essayer de prouver à un tribunal qu’ils sont la meilleure personne pour s’occuper de leur enfant. Les émotions (sentiments) sont une grande partie du film et le public (les gens qui regardent le film) peut s’énerver et même pleurer. Les films noirs sont des drames policiers des années 40 sur le crime et la violence. Les films familiaux sont faits pour être bons pour toute la famille. Ils sont principalement conçus pour les enfants mais souvent divertissants pour les adultes. Disney est célèbre pour ses films familiaux. Les films d’horreur utilisent la peur pour exciter le public. La musique, l’éclairage et les décors (lieux créés par l’homme dans les studios de cinéma où le film est tourné) sont tous conçus pour ajouter au sentiment. Les comédies romantiques (Rom-Coms) sont généralement des histoires d’amour sur 2 personnes de mondes différents, qui doivent surmonter des obstacles pour être ensemble. Les Rom-Coms sont généralement légers, mais peuvent inclure une certaine émotion. Les films d’horreur comiques mélangent des motifs d’horreur et comiques dans leurs intrigues. Les films de ce genre utilisent parfois la comédie noire comme principale forme d’humour. Les films de science-fiction se déroulent dans le futur ou dans l’espace. Certains utilisent leur futur ou leur environnement extraterrestre pour poser des questions sur le sens de la vie ou sur la façon dont nous devrions penser à la vie. Les films de science-fiction utilisent souvent des effets spéciaux pour créer des images de mondes extraterrestres, de l’espace extra-atmosphérique, de créatures extraterrestres et de vaisseaux spatiaux. Les films fantastiques incluent des choses magiques et impossibles qu’aucun être humain réel ne peut faire. Les thrillers concernent généralement un mystère, un événement étrange ou un crime qui doit être résolu. Le public est tenu de deviner jusqu’aux dernières minutes, quand il y a généralement des « tourbillons » dans l’intrigue (surprises). Les films à suspense vous gardent sur le bord de votre siège. Ils ont généralement de multiples rebondissements qui confondent l’observateur. Les films occidentaux racontent des histoires de cow-boys dans l’ouest des États-Unis dans les années 1870 et 1880. Ce sont généralement des films d’action, mais avec des costumes historiques. Certains impliquent des Amérindiens. Tous les films qui se déroulent dans l’Ouest américain n’y sont pas tournés. Par exemple, les films occidentaux réalisés en Italie s’appellent des westerns spaghetti. Certains films peuvent également utiliser des intrigues occidentales même s’ils se déroulent dans d’autres lieux.

Boîte noire FILM

Les premières émissions de télévision étaient des émissions expérimentales et sporadiques visibles uniquement à une très courte distance de la tour de diffusion à partir des années 1930. Des événements télévisés tels que les Jeux olympiques d’été de 1936 en Allemagne, le couronnement du roi George VI au Royaume-Uni en 19340 et la célèbre introduction de David Sarnoff à l’Exposition universelle de New York de 1939 aux États-Unis ont stimulé une croissance dans le milieu, mais la Seconde Guerre mondiale a mis un arrêt du développement jusqu’après la guerre. Le World MOVIE de 19440 a inspiré de nombreux Américains à acheter leur premier téléviseur, puis en 1948, la populaire émission de radio Texaco Star Theatre a fait le pas et est devenue la première émission de variétés télévisée hebdomadaire, valu à l’animateur Milton Berle le nom de « Mr Television » et démontrant le média était une forme de divertissement stable et moderne qui pouvait attirer les annonceurs. La première émission télévisée nationale en direct aux États-Unis a eu lieu le 4 septembre 1951 lorsque le discours du président Harry Truman à la Conférence du traité de paix japonais à San Francisco a été transmis par le câble transcontinental d’AT&T et le système de relais radio micro-ondes pour diffuser des stations sur les marchés locaux. La première diffusion nationale en couleur (le Tournament of Roses Parade de 1954) aux États-Unis a eu lieu le 1er janvier 1954. Au cours des dix années suivantes, la plupart des émissions du réseau et presque toutes les émissions locales ont continué à être en noir et blanc. Une transition de couleur a été annoncée pour l’automne 1965, au cours de laquelle plus de la moitié de toute la programmation du réseau aux heures de grande écoute serait diffusée en couleur. La première saison aux heures de grande écoute tout en couleurs est arrivée un an plus tard. En 19402, le dernier refuge parmi les émissions de jour du réseau a été converti en couleur, ce qui a donné lieu à la première saison de réseau entièrement en couleurs.

Formats et genres

Voir aussi : Liste des genres § Formats et genres cinématographiques et télévisuels Les émissions de télévision sont plus variées que la plupart des autres formes de médias en raison de la grande variété de formats et de genres qui peuvent être présentés. Une émission peut être fictive (comme dans les comédies et les drames) ou non fictive (comme dans les documentaires, les actualités et la télé-réalité). Il peut être d’actualité (comme dans le cas d’un journal télévisé local et de certains films destinés à la télévision), ou historique (comme dans le cas de nombreux documentaires et films de fiction). Ils pourraient être principalement instructifs ou éducatifs, ou divertissants comme c’est le cas dans les comédies de situation et les jeux télévisés. [citation nécessaire] Un programme dramatique comporte généralement un ensemble d’acteurs jouant des personnages dans un cadre historique ou contemporain. Le programme suit leur vie et leurs aventures. Avant les années 1980, les émissions (à l’exception des feuilletons de type feuilleton) restaient généralement statiques sans arcs narratifs, et les personnages principaux et les prémisses changeaient peu. [citation nécessaire] Si des changements se produisaient dans la vie des personnages pendant l’épisode, c’était généralement annulé à la fin. Pour cette raison, les épisodes pouvaient être diffusés dans n’importe quel ordre. [citation nécessaire] Depuis les années 1980, de nombreux FILM présentent un changement progressif dans l’intrigue, les personnages ou les deux. Par exemple, Hill Street Blues et St. Elsewhere ont été deux des premiers films dramatiques télévisés américains aux heures de grande écoute à avoir ce type de structure dramatique,[4] [meilleure source nécessaire] tandis que le dernier MOVIE Babylon 5 illustre davantage cette structure en ce sens qu’il avait une histoire prédéterminée en cours d’exécution au cours de ses cinq saisons prévues. [citation nécessaire] Dans “DC1&”, il a été rapporté que la télévision devenait une composante plus importante des revenus des grandes entreprises médiatiques que le film.[5] Certains ont également noté l’amélioration de la qualité de certaines émissions de télévision. Dans “DC1&”, le réalisateur oscarisé Steven Soderbergh, commentant l’ambiguïté et la complexité du personnage et de la narration, a déclaré : “Je pense que ces qualités sont maintenant vues à la télévision et que les gens qui veulent voir des histoires de ce genre des qualités regardent la télévision.

Merci pour tous et bon visionnage

Trouvez tous les films que vous pouvez diffuser en ligne, y compris ceux qui ont été projetés cette semaine. Si vous vous demandez ce que vous pouvez regarder sur ce site Web, sachez qu’il couvre des genres tels que le crime, la science, la fiction, l’action, la romance, le thriller, la comédie, le drame et le film d’animation. Merci beaucoup. Nous disons à tous ceux qui sont heureux de nous recevoir comme nouvelles ou informations sur le programme des films de cette année et sur la façon dont vous regardez vos films préférés. J’espère que nous pourrons devenir le meilleur partenaire pour vous dans la recherche de recommandations pour vos films préférés. C’est tout de nous, salutations! Merci d’avoir regardé la vidéo aujourd’hui. J’espère que vous apprécierez les vidéos que je partage. Donnez un coup de pouce, aimez ou partagez si vous appréciez ce que nous avons partagé afin que nous soyons plus excités. Saupoudrez un sourire joyeux pour que le monde revienne dans une variété de couleurs. Merci de votre visite, j’espère que vous apprécierez ce film Passez une bonne journée et bon visionnage

[alvdaz]

MPC, it’s easy as 1-2-3

C'EST COOL, ​C'EST QUOI ?

La MPC (pour "Music Production Center"), a été créée par un gars nommé Roger Linn et une boîte nommée Akai à la toute fin des années 80. Pour faire simple, c'est une machine pour faire de la musique. On peut la jouer avec les pads et les banques de sons intégrés, l'organiser et l'enregistrer avec le séquenceur et créer d'autres sons (les ayants-droits disent “voler”) en utilisant l'échantilloneur ("sampler" dans la langue des amériques, “sampleur” dans la langue des amériques de la France).

Une vidéo valant 1000 mots, en voici une très bien de Vox qui présente la machine via un de ses plus fameux hérauts, JayDee aka J-Dilla, musicien de génie décédé en 2006 qui a fait du beatmaking un art à part entière (revenez après, faites pas les batards) :

En tant qu'amateur de hip-hop depuis quelques années, la MPC est un engin qu'on croise forcément à un moment ou à un autre quand on s'intéresse à la production musicale.

Comme beaucoup à l'époque j'étais plutôt intéressé par les emcees et les DJ qui composaient la partie visible du hip-hop, le beatmaker étant pour moi -à ce moment, je précise- plus proche de l'électricien que du musicien. D'ailleurs, le rap étant un peu un accident, les personnes à la prod étaient souvent des musiciens rompus à d'autres styles qui se retrouvaient en stud' à bricoler avec des gens plus jeunes et découvraient un nouveau monde et une énergie folle. C'était pas des "gars du mouvement" comme on disait à l'époque, donc on les calculait pas des masses. Ouais, je sais, on (je) était con. L'arrivée de la MPC a simplifié et rationalisé la prod en regroupant boite à rythme, séquenceur et sampleur dans le même boitier et a fini par devenir un élément symbolique du rap au même titre qu'une guitare Fender ou un ampli Marshall pour le rock. Et le bouche à oreille étant la force de ces néo-griots, elle s’est logiquement retrouvée dans des textes ici et là :

“All I see is blinking lights, track boads and fat mics, 950s, SP12s, MP60s”

Disait AG du groupe new-yorkais Showbiz & AG sur “Next Level”

"J'vis d'haine et d'eau fraiche, d'illicite et d'péché,mon seul taf, j'rappe sur SP-12, MPC"

Chantait Booba au début du siècle dans "Pas l'Temps Pour Les Regrets".

"Arrête ton style, c'est démodé j'suis l'rappeur de l'an 2000, J'ai 2 systèmes PC sur une MPC 2000 taille XL"

rappait Langue de Chat sur "Les Plus Class".

A noter que contrairement à la config de Booba plutôt orientée efficacité et redondance, la marque des grands sysadmins (la SP-12 est aussi une boite à rythme/sampleur), j'ai toujours pas compris comment LDC a pu caler 2 PC sur une MPC 2000, XL ou pas. Un mystère de notre temps.

La MPC a beau être un symbole connu et identifiable du hip-hop, peu de gens ont eu l'occasion d'en approcher une s'ils ne traînaient pas en studio. Ça ne s'achetait pas en grande surface comme une guitare, c’était impossible de deviner comment on s’en sert juste en posant les mains dessus et surtout, surtout, ça coûtait une couille. Perso j'ai vu ma première MPC de près vers 2004 quand le pote avec qui je faisais du son s'est acheté une MPC 1000. Comme il faisait les beats dans son coin et que c'était un mec à la limite de l'obsessionnel avec son matos, j'ai assez peu vu la machine en fonctionnement, toujours camouflée sous un chiffon pour éviter que la poussière ne se dépose sur les pads, nos sessions étant consacrées à la pose de voix et aux arrangements plutôt qu'au beatmaking.

Pour ne rien arranger, les DAW, terme qui désigne à l’origine des stations de travail dédiées au son et qui au fil du temps a changé pour désigner les logiciels utilisés comme Cubase, Logic et autres Pro Tools, avaient le vent en poupe. Les ordis remplaçaient petit à petit les machines dédiées, limitées par leurs banques de sons réduites et leurs lecteurs de disquettes du passé.

Alors j'ai bien essayé de tripoter la MPC 1000 entre 2 sessions, mais allumer la bécane et se caler devant son écran sans avoir potassé la notice ne débouchait logiquement sur rien de glorieux. Je regardais cet écran LCD et je captais RIEN :

J'avais l'impression de voir la smartwatch fixée sur le bras du Predator, là, avec ses symboles incompréhensibles qui font des bruits aigus et menaçants. Parce que comme on le verra plus bas, l'esprit MPC c'était aussi une façon d'appréhender la création musicale avec son jargon et son workflow bien spécifiques ainsi que le fonctionnement même d’un écran.

4K ? Pff pourquoi faire frer ? Avec 2 lignes de 20 caractères en monochrome je te refais 36 Chambers mec !

Impossible de capter le truc en se posant vite fait devant, et à 1000, 1500 ou 2000 EUR le ticket d’entrée, ça faisait cher l’essai. Du coup en 2007 je suis rentré dans la team proloyolo et je me suis acheté une MPD 24 de chez Akai.

C’est presque pareil sauf qu’en fait ça n’a rien à voir. C’est une surface de contrôle donc un appareil qu’on branche en USB à un PC/Mac et qui permet de Controller un DAW en utilisant les pads et les potards plutôt que la souris : 

Y'a 16 pads au "touché MPC", ça gère la vélocité et y a quelques boutons et... ça s’arrête là. Pour s’en servir, faut obligatoirement un ordinateur avec tous les softs qui vont bien, les bons plugins, les banques de sons installées etc etc Et surtout, ça ne permet pas de repenser la façon de faire du son, c'est "juste" un clavier USB glorifié comme on dit.

J'ai ressenti la lourdeur de ces machins un an plus tard, quand j'ai remplacé mon MacBook de 2006 par la version alu de 2008 et que j’ai dû réinstaller tous les softs. En y repensant, je crois que je n'ai jamais réussi à totalement retrouver le même feeling que ce que j'avais sur la machine précédente, je sais pas, il devait y avoir un plugin Logic Pro particulier ou des paramètres différents éparpillés un peu partout mais je ne me suis jamais réacclimaté. Pendant ce temps, le marché des MPC (ou assimilées) autonomes n'était pas en super forme, Akai se contentant mollement d'ajouter des lecteurs CD-ROM ou de carte Compact Flash sans changer la philosophie de ses machines ni le prix de vente, à l'image de cette MPC 2500 de 2006 :

Je sais pas combien elle coûtait, mais la blague en vogue c’était de dire que la référence du modèle indiquait le prix.

Dans le même temps, d'autres acteurs comme Native Instruments ont débarqué sur le marché des surfaces de contrôle avec un oeil neuf, des écrans couleur et surtout DES PADS AUX COULEURS CHAMARREES, c’était la MASCHINE :

Du coup entre 2008 et 2013 chez Akai, c'est le désert. Aucune machine ne sort. Les DAW sont à la fête avec Reason ou Ableton Live qui déboulent, Fruity Loops devient FL Studio, tout le monde fait des beats avec la démo de Hip-Hop e-Jay sur des PC de chez Carrefour et la MPC tombe un peu en désuétude. De mon côté, j'ai bazardé mon dernier Mac en 2012 et j'ai une flemme INTENSE d'installer tout mon bordel sur le PC que je me suis monté pour jouer. Alors je me suis rabattu sur iOS, terre de tous les possibles. Je jette mon dévolu sur l’excellent Beatmaker de chez Intua (dont la version 3 est sortie il y a quelques mois) et, surprise, même Akai se positionne sur le marché avec à la fois du soft et du hard.

Côté soft,l'app iMPC sort sur iPhone et iPad :

Skeuomorphisme / 20, je sais plus si Scott Forstall était encore chez Apple à ce moment là mais il aurait applaudi des deux mains devant cette réplique à l’échelle 1 de la réalité. Akai s'est contenté de coller une MPC à l'écran, on perd pas mal de place et de lisibilité mais j'imagine que les habitués s'y retrouvent. 

Côté hardware, Akai a sorti LE TRUC qui m'a intrigué longuement tout en étant assez dur à trouver : la MPC Fly. Il s'agit d'un boitier dans lequel on insère un iPad et qui comprend 16 pads physiques, les boutons de transport, le Note Repeat et tout :

Je me dis ça y est, Akai a compris ! Mais Akai reste Akai et a oublié un truc concernant le marché des tablettes : IL N'EST PAS FIGÉ. C'est un marché grand public, pas professionnel, les machines changent de form-factor d'une année sur l'autre. Du coup la MPC Fly est uniquement compatible avec l'iPad 2 de 2011 et Akai n'a jamais mis à jour le produit, que ce soit pour prendre en compte l'iPad mini ou les iPad suivants voire la tétrachiée de tablettes sous Android qui ont déboulé entre-temps. Bon en ayant maté quelques reviews, il est aussi possible qu'Akai n'ait pas poussé plus loin parce que le produit n'a pas été super bien reçu, les principales critiques concernant la relative fragilité de l'ensemble. Un iPad c'est assez lourd et les MPC sont faites pour qu'on bourrine les pads donc le truc n'est pas vraiment super stable.

J'avais donc perdu tout espoir et bricolais des trucs avec Beatmaker et ses suites en me disant que le monde avait changé et que, comme le disait Darwin (et Mobb Deep), il fallait s'adapter pour survivre. Ou passer à autre chose.

Et puis la MPC Touch est sortie en 2016 pour 500 EUR :

J'étais en joie... Mais à nouveau c'était -juste- une surface de contrôle USB, totalement inutile sans PC.

Donc j'étais dég. Et puis la MPC Live est sortie en 2017 : 

(Pour 1200 EUR T_T)

C'est comme la MPC Touch mais en standalone : vous l'allumez, vous faites de la musique, vous l'éteignez. Elle ne nécessite donc pas d'ordinateur mais conserve l'identité des MPC "à l'ancienne" avec les 16 pads, le Note Repeat, le Time Correct et la façon de traiter le signal propre aux machines d'Akai. Et, luxe ultime, si on veut s'en servir pour piloter un DAW, bah on peut aussi, il suffit de la brancher sur un PC, comme la MPC Touch.

ENFIN. La machine de mes rêves. L'héritage de la MPC, les sucreries modernes en plus comme un  écran multitouch lisible et des pads RGB qui proposent une farandole de couleurs chatoyantes qui flattent la rétine du travailleur sonore. Le tout fonctionnant aussi sur batterie pour pouvoir faire du son dans son canap', la machine sur les genoux.

Je l'ai observée, j'ai lu des reviews, regardé des vidéos dont celle-ci où le producteur 20syl (Hocus Pocus, C2C, Allta) refait un son de A à Z avec la bécane :

Evidemment, une vie à attendre donne des réflexes de survie élémentaires : 

Mais pourquoi j’achèterais ça ? Est-ce qu'elle sera amortie un jour ? Je ne compte pas faire carrière, n'est-ce pas un poil overkill ? Et si je ne sais pas m'en servir ? 

Toutes ces questions plutôt légitimes ont été évacuées une fois un filtre spécial de ma composition appliqué sur cette réflexion. Ce filtre s'appelle le  BATS LES COUILLES, ON NE VIT QU'UNE FOIS.

(DEUX SI T'ES JAMES BOND)

(NEUF SI T'ES UN CHAT)

Je regarde ces machines avec envie depuis 1994, 24 ans d'attente avant de passer à l'achat c'est plutôt safe comme temps de réflexion et ça ne sera surpassé que par Star Citizen donc banco. J'ai donc claqué ma Webedia money sans regret, je serais présent sur la jvtv jusqu’en 2028.

OK MAIS... C’EST COOL ALORS OU QUOI ? 

J’y viens.

Mon avis après 2 semaines d'utilisation régulière c'est que c'est EXACTEMENT ce que je recherchais. Je sais pas trop comment décrire la sensation mais je vais essayer de verbaliser le truc :

En bon geekster de la musique j'ai tendance à intellectualiser un max la créa : "Pourquoi cette caisse claire à ce moment précis ?", "Whoa le sample de violon qui monte pile sur le kick", "Génial ce break avec la respiration avant de changer de direction", “Mais qu’est-ce que c’est que cette merde de zumba coupée à la chiasse ?”. Et ce quel que soit le morceau, quel que soit le rappeur. C'est pour cette raison que je peux parler pendant 8 heures des instrus de PNL alors que même eux n'ont pas passé autant de temps à les gratter sur Youtube sans déclarer. Et c'est aussi pour ça que je peux réécouter 30 fois l’outro de “Tony Hawk” d’Isha ou celle de “Jen Selter” de Joke alors que le texte en lui-même est une purge. 

Avec la MPC (Live mais j'imagine que c'est le même feeling pour toutes les machines), la créa est viscérale: on travaille au feeling, sans se prendre la tête sur l'enveloppe d'un son, tout en sachant que la machine se charge de corriger les imperfections si on le souhaite. Résultat, en très peu de temps on peut sortir un truc qui se tient. Quand j'utilisais un DAW, je passais parfois plus de temps à créer le projet qu'à créer le contenu. Il m'arrivait de dégager la session sans avoir rien enregistré ou en ne gardant rien. Avec la MPC, au moment d'éteindre la machine, que vous validiez ou pas la sauvegarde vous avez déjà devant vous un truc qui tourne proprement sur au moins 4 mesures. C'est peut-être tout pourri, mais ça tourne. Et pour moi ça change tout.

C'est pas juste une question de fonctionnalités, tous les DAW intègrent les features des MPC depuis longtemps, c'est une question de temps nécessaire pour avoir un truc écoutable qui se réduit à quasiment rien. Le workflow d'Akai est simplissime une fois qu'on l'a intégré : on travaille sur des tranches ("séquences") de taille variable (généralement 4 mesures).

Chaque séquence intègre un nombre n de pistes.

Chaque piste comprend un programme.

Chaque programme est un instrument ou un sample

Une fois une séquence complète, on passe à la suivante. A la fin on se retrouve avec plusieurs séquences qu'on ordonne comme on veut pour faire une chanson. En gros on fonctionne bloc par bloc puis à la fin on les combine comme on veut pendant la durée qu'on veut. Enfantin.

Sur un DAW, on est souvent tenté d'aller trifouiller les effets avant même d'avoir une ossature de morceau avec la possibilité de se paumer en route et de perdre de vue ce pourquoi on a lancé le soft en premier lieu. Alors attention, si des zicos me lisent et sont horrifiés par la direction que prend ce papier, je ne dis pas que les DAW sont pourris, loin de là. Ça dépend des affinités et de la façon de bosser de chacun. C’est comme aller à la fac, certains adorent. Moi je me suis fait chier grave. Mais j’ai appris le diabolo. Là c’est pareil, pour mon utilisation je préfère 1000x une machine autonome avec un choix un peu restreint (niveau contenu y’a quand même masse de trucs intégrés à la MPC Live) qu’un DAW qui contient tout l’univers mais où je vais installer compulsivement plugin piraté sur plugin piraté (oui parce que bien souvent, la licence on la paye pas, on va pas se mentir, hein)

Pour simplifier, j'ai éprouvé le même sentiment de facilité devant la MPC que quand j'ai utilisé Garageband sur macOS pour la première fois. Sauf qu'avec Garageband, les limitations arrivent au bout de 10 secondes ("RAAH LE SOFT NE ME LAISSE PAS FAIRE CE QUE JE VEUX") tandis qu'avec la MPC c'est l'inverse, plus on avance, plus les limites s'éloignent, c'est assez grisant.

L'autre atout des MPC, c'est le sampler qui permet d'enregistrer un son et de le découper comme on veut pour s'en servir dans un projet. Cette partie profite de l’écran tactile bien plus lisible que les versions antérieures. On peut charger un sample depuis une clé USB, brancher une platine vinyle ou brancher la MPC à un PC et enregistrer comme un sale depuis Youtube. Une fois le morceau dans la machine, on l'ouvre avec l'éditeur de sample et on le découpe comme on veut en tapant les pads à la volée (<3). La machine assignera automatiquement la tranche audio au pad (avec évidemment possibilité d'affiner la sélection par la suite), une fois les pads assignés, on sauvegarde l'ensemble en tant que programme, on le cale dans notre séquence et c'est parti.

Là encore, le temps entre la découverte du sample et son utilisation est réduit au minimum du coup on ne se perd plus en détails techniques et on produit direct. Je ne me suis pas fixé d’objectif de productivité ou quoi, mais au final pour chaque session d’environ 1 heure sur la bécane, je sors en moyenne avec 2 projets de beats qui tournent correctement. Je ne dis pas que tout est finalisé, y a pas d’effets, pas de mix ou autres,  mais ça tourne et ça reste audible. 

Exemple avec ce beat fait samedi dernier :

Vous l'avez compris, j'ai l'appareil depuis moins de 3 semaines et je regrette de ne pas avoir franchi le pas plus tôt. Alors c'est sûr, pas loin de 1200 EUR pour faire de la musique dans son canapé, c'est ULTRA cher. Mais cette fois le prix s'accompagne d'une tranquillité d'esprit totale qui permet de se concentrer sur l'essentiel. Si le nomadisme ne vous branche pas plus que ça, il reste possible de s'orienter sur la MPC Touch qui proposera les mêmes fonctionnalités pour moins de la moitié du prix, moyennant une connexion permanente à un PC/Mac. 

En tout cas pour l’instant je suis conquis, et comme mon pote Run avant moi, je me suis surpris à placer moi aussi un chiffon pour protéger les pads de la poussière <3

[vakiya-kaga]

productions musicales

J’aime beaucoup mélanger différentes techniques en ce qui concerne la création de mes projets. Cette année j’ai réaliser divers instrumentaux grâce à un logiciel, Musescore. En voici deux exemples. Je poste la majorité de mes réalisations sur ma chaîne YouTube Vakiya Kaga. 

https://www.youtube.com/watch?v=Afe35eelHtM

https://www.youtube.com/watch?v=xtgR1zca84o