#helmut federle

[thunderstruck9]

Helmut Federle (Swiss, 1944), Basics on Form, 1986. Oil on canvas, 50 x 40 cm.

[casualist-tendency]

[disease]

“ZUR WAHL VON ANDROPOV” HELMUT FEDERLE // 1981 [pencil and gouache on paper | 27 x 21 cm.]

[atna2-34-75]

Helmut Federle

September 30, 1955

1984

MAM Paris

[fernpapst]

HELMUT FEDERLE, Corrected Seaside in April, 2022, Acryl auf Leinwand, 70 x 100 cm

[albertsamson]

Un libro de Helmut Federle en la biblio del Reina, 2023, smalto su tela, 30x40 cm

[thinkragelive]

2023 : “El Omrane” [Europe Trip Day 05 Paris]  

Helmut Federle (2000), Paris Museum of Modern Art (MAM Paris)

[fashionbooksmilano]

Peter Schuyff  Quaranta

Forty Watercolors  Amsterdam 03-05-2020

Edited by Wilfried Dickhoff & Stevie Guy

Text by Scott Griffin

wdpress, Berlin 2021, 88 pages, 82 reproductions, 40 x 30 cm, ISBN 978-3-9818181-6-1 

euro 98,00

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La carriera di Peter Schuyff in Italia inizia con una personale nella galleria di Lucio Amelio a Napoli nel 1987, stesso anno in cui a New York Leo Castelli decise di dedicargli una personale.

Peter Schuyff inizia a lavorare quando l’estetica postmoderna della società occidentale entra in crisi a causa di un pensiero che teorizzava l’impossibilità da parte della cultura pittorica e non, di creare una presa diretta sul mondo di allora perchè considerato ormai scomparso dietro precessioni di immagini. Questi cambiamenti portarono ad un allontanamento da quelle che erano le scelte teoriche e linguistiche del neoespressionismo che al centro del suo operato poneva il suo mondo interiore e il suo lavoro.

Si fanno strada in questo modo ricerche e protagonisti dell’arte fino ad allora considerati minori, che colgono l’occasione per adottare differenti mezzi espressivi: si va così dal concettuale, all’installazione alla fotografia e ad altre forme d’arte a svantaggio della pittura e della sua centralità.

Il movimento che vede coinvolto Peter Schuyff è un tipo di pittura geometrico-astratta che si contrappone in maniera netta agli ideali del neoespressionismo, al punto da creare una tendenza e un movimento a parte che si identifica per l’appunto con il nome di Neo-Geo. Tra i maggiori esponenti del movimento si ricordano Peter Halley ma anche Helmut Federle e in maniera minore, ma non certo per importanza, lo stesso Peter Schuyff.

Peter Schuyff esplora con le sue forme l’universo della geometria riscoprendone la sua reale poetica.

30/11/22

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[artemartinpietro]

Mark Rothko: Revolucionando la Pintura Abstracta

Mark Rothko, un pintor abstracto de origen letón y nacionalidad estadounidense, tuvo un impacto profundo en la esencia y el diseño de la pintura abstracta. Sus contribuciones artísticas se caracterizan por una atención meticulosa a elementos formales como el color, la forma, el equilibrio, la profundidad, la composición y la escala. El objetivo de Rothko era crear pinturas que pudieran evocar emociones profundas en los espectadores, adentrándose en las profundidades de la experiencia humana, incluyendo la tragedia, el éxtasis y el destino. Él veía el arte como una forma poderosa de comunicación y un acto moral. La evolución estilística de Rothko encarnaba un renacimiento radical en la pintura, pasando de un repertorio visual figurativo a un estilo abstracto que involucraba activamente al observador con la obra de arte. Su influencia en la pintura estadounidense del Expresionismo Abstracto fue profunda.

Primeros años y carrera

Markus Yakovlevich Rothkowitz nació en Letonia en 1903. En el año 1913, decidió partir hacia los Estados Unidos junto a su familia en busca de nuevas oportunidades y horizontes.. Rothko estudió brevemente en la Universidad de Yale antes de abandonarla para encontrar su dirección y lugar en Nueva York en 1925. Su carrera pictórica de 45 años se puede dividir en cuatro períodos distintivos: los años realistas de 1924 a 1940, los años surrealistas de 1940 a 1946, los años de transición de 1946 a 1949 y los años clásicos de 1949 a 1970. Sin embargo, es mejor conocido por sus pinturas de campos de color producidas desde 1949 hasta 1970. Rothko se inspiró en artistas como Edward Hopper, Ad Reinhardt, Caspar David Friedrich, Salvador Dalí y Milton Avery. A su vez, su trabajo influyó en artistas como Helmut Federle, Charles Gibbons, Michel Majerus y Daan Lemaire. Mark Rothko falleció en 1970 en la ciudad de Nueva York.

Inspiración detrás de las pinturas de campos de color de Rothko

Las pinturas de campos de color de Mark Rothko fueron impulsadas por su deseo de crear una experiencia inmersiva para el espectador. Su objetivo era evocar emociones profundas y establecer una sensación de espiritualidad a través de su habilidoso uso del color y la forma. Rothko creía firmemente que el color tenía el poder de expresar toda la gama de emociones humanas. Su intención era envolver al espectador en un estado de ánimo o atmósfera específicos, conectándolos con algo más allá del yo individual. El concepto de lo sublime jugó un papel importante en su visión artística, permitiéndole trascender los límites del individuo y conectar con un profundo sentido de asombro y maravilla.

Las pinturas de campos de color de Rothko se caracterizan por áreas expansivas y planas de color que parecen extenderse más allá de los bordes del lienzo. Esta técnica crea una sensación de espacio infinito, invitando al espectador a sumergirse en la obra de arte. Los colores que eligió a menudo eran profundos e intensos, seleccionados cuidadosamente para provocar un efecto específico. Cada matiz desempeñaba un papel crucial en la transmisión de la resonancia emocional deseada. En general, las pinturas de campos de color de Rothko fueron un testimonio de su exploración de la intrincada relación entre el color, la forma y la emoción. Su objetivo era crear una experiencia visualmente poderosa que resonara profundamente con el espectador.

Uso único del color en comparación con otros expresionistas abstractos

El uso del color de Mark Rothko lo diferenció de otros expresionistas abstractos. Mientras que sus contemporáneos exploraban los elementos formales de la pintura, el enfoque de Rothko se centraba en evocar emociones y crear una sensación de espiritualidad a través del color y la forma. Sus campos de color diferían en las siguientes formas:

Amplios campos de color: Las pinturas de Rothko presentaban grandes áreas planas de color que se extendían más allá del lienzo, creando una percepción de espacio ilimitado.

Selección cuidadosa del color: Rothko era un experto en el uso del color y elegía cuidadosamente cada matiz para crear un efecto específico. Los colores profundos e intensos eran frecuentes en sus obras, intensificando el impacto emocional.

Emoción y espiritualidad: El objetivo de Rothko era sumergir a los espectadores en un estado de ánimo o atmósfera particular, conectándolos con algo más allá del yo individual.

Inspiración en lo sublime: Influenciado por lo sublime, Rothko buscaba trascender lo ordinario y conectar con un profundo sentido de asombro y maravilla.

El enfoque único de Rothko en el color enfatizaba la experiencia inmersiva para los espectadores, distinguiéndolo de sus contemporáneos que se centraban en otros aspectos del expresionismo abstracto.

Técnicas empleadas en las pinturas de campos de color de Rothko

Mark Rothko utilizó varias técnicas para crear sus pinturas de campos de color. Estas técnicas contribuyeron a la naturaleza inmersiva y emotiva de su obra. Las principales técnicas incluyen:

Selección cuidadosa del matiz: La experiencia de Rothko como colorista le permitió elegir los matices que provocarían respuestas emocionales específicas en los espectadores. Cada color fue considerado minuciosamente para lograr el efecto deseado.

Bordes suaves y difusos: Los bordes suaves y difusos que rodean los campos de color crean un estado de ánimo, mientras que las líneas más nítidas y rectas de las formas centrales evocan otro, resultando en una yuxtaposición de estados emocionales.

Capas de pintura: Rothko a menudo superponía finas capas de pintura para lograr un efecto luminoso y añadir profundidad a sus campos de color.

Amplias áreas planas de color: Las pinturas de campos de color de Rothko se caracterizan por áreas grandes y planas de color que parecen extenderse más allá de los bordes del lienzo, creando la ilusión de un espacio infinito.

Yuxtaposición de colores: Rothko lograba hábilmente yuxtaposiciones de colores al aplicarlos al lienzo de manera que crearan un efecto particular.

Si bien no hay información específica sobre los pinceles o herramientas que utilizó Rothko para crear sus campos de color, se puede inferir que empleó herramientas de pintura tradicionales como pinceles. Sus técnicas de superposición de pintura y selección cuidadosa del color contribuyeron a la experiencia inmersiva y la profundidad emocional presente en sus pinturas de campos de color.

En conclusión, las contribuciones de Mark Rothko a la pintura abstracta fueron revolucionarias. Su atención meticulosa a los elementos formales y su énfasis en el color y la forma crearon una experiencia visual poderosa para los espectadores. Las pinturas de campos de color de Rothko, inspiradas en su deseo de evocar emociones y establecer una espiritualidad, lo distinguieron de otros expresionistas abstractos. A través de la cuidadosa selección del color, técnicas de capas y el uso de áreas grandes y planas de color, Rothko creó obras de arte que continúan cautivando y conmoviendo a las audiencias hasta el día de hoy.

Originally published at https://artemartinprieto.com/on June 14, 2023.

[distinktionsfetzen]

Check out Helmut Federle, Basics on Composition L (The Background Chronicle) (For George Steiner) (Wundmale Christi) (2020), From Galleri Susanne Ottesen

[spyskrapbook]

“Embassy of Switzerland”, Otto-von-Bismarck Allee 4A, 10557, Berlin, Germany [1995-2000] _ Architects: Diener & Diener _ Photos by Spyros Kaprinis [26.01.2023].

“The building on the outskirts of the Tiergarten in Berlin Mitte was built as a grand bourgeois palace in the neoclassical style by Friedrich Hitzig in 1870/71 and has served as the seat of the Swiss Embassy since 1919. This building was originally one of many similar buildings lining the street. Today, it stands as a solitary building on the banks of the Spree, located on a river bend between Berlin’s Central Railway Stations, the German Bundestag, and the Office of the Federal Chancellor. Under National-Socialist rule, nearly all the buildings in the area fell victim to the projected “Large Hall” that was to be part of the “World Capital Germania;” allied bombing raids destroyed the remaining buildings. After 1945, the Swiss Embassy was the only building left standing in Berlin Alsen. When the Berlin Wall was built in 1961, the building was relegated to the outer periphery of West Berlin. 

With German reunification in 1989, this urban situation again changed fundamentally and the building inhabited a strategic central location in Germany’s capital city: the embassy building had gained new relevance. A key intention behind the east wing extension was to complement and frame the existing palatial building as an urban fragment. To this end, the new building stands next to the original palace as a second and separate building. A free symmetry determines the composition of its façade as seen in Gunnar Asplund’s extension of Göteburg Town Hall. Within the context of this entire development, the façade loses some of its heaviness and gains a sense of vitality. The new building does not appear to stand as an autonomous volume but as a wing developed in close correlation and formal interaction with the existing building. Old and new come together to form an architectural whole. The present day and the historic past remain equally present. The annex houses the diplomatic and consular services. A courtyard arranges the north and east facing rooms. Facing the schematic order of the neoclassical palace façade is an elementary figure consisting of wall and voids. The interaction of empty and infilled wall cavities produces a manifold dialogue between inside and outside, massiveness and emptiness. The material quality of the annex’s exterior also stands in contrast to the existing palatial building. 

The cement mixture used contains coquina stone and follows a special processing method, which produces subtle tonalities running from ochre to gray. This produces a correspondence between the historic and the new building without the temporal distinction in their architectural language being denied. Helmut Federle’s framing artwork completes the development’s west façade, giving the firewall its unique features. The raw cement orthogonal relief covers the entire front, its sculptural quality congenially combining with the architecture. This relief forms both an integral part of the building and represents what remains absent. The wall no longer stands in for the destroyed house that used to stand here. Instead, the massive cement bands contain inscribed within them the memory of temporal durations. These are given lasting expression in the shape of the relief.”

http://www.dienerdiener.ch/en/project/extension-swiss-embassy

[galerie3]

Helmut Federle, “Zur Wahl Von Andropov”, ca.1981

[jaithebuilder22]

Notes on Reading: Plywood (November 28, 2022)

Glulam: Glued laminated timber, also abbreviated glulam, is a type of structural engineered wood product constituted by layers of dimensional lumber bonded together with durable, moisture-resistant structural adhesives. In North America, the material providing the laminations is termed laminating stock or lamstock.

• Plywood is composed of individual wood pieces bonded together with adhesives.

• It was used ancient Egypt (Already in ancient Egypt builders had responded to shortages of quality lumber by attaching thin wooden sheets to a single plank)

• In the nineteenth century the Swedish engineer and industrialist Immanuel Nobel realized that several thinner layers of wood bonded together create a stronger wood surface than a single thick layer.

• He invented the rotary veneer gut that shaves a ply of a desired thickness from a log by rolling it along a knife. This ply is cut into a rectangular sheet called a veneer. Pairs of veneers are glued to the two sides of a center ply, the core.

The Götz Collection in Munich

• Who: Jacques Herzog and Pierre de Meuron with Helmut Federle

• What: private collection of contemporary art

• When: 1992

• Where: Munich, Germany 🇩🇪 

[disease]

“AMSEL IM BAUM: II” HELMUT FEDERLE // 2020 [acrylic on canvas | 27 3/5 × 19 7/10″]

[rougejaunebleu]

Helmut Federle

Zweiteiliges Bild/Zwei Bewegungen, Zwei Zentren

1991 - 1992

Acryl auf Leinen

229 × 331 cm

[fernpapst]

Helmut Federle, Chris Newman, Ji Dachun, Oliver Osborne