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Honor Magic 7: diseño desvelado en un elegante color Gris Sombra

Honor está a punto de presentar su serie Magic 7 de smartphones el próximo 30 de octubre. Aunque la fecha de lanzamiento se confirmó la semana pasada, la compañía no había revelado detalles sobre el diseño de la esperada línea Honor Magic 7. Hoy, la marca ha mostrado avances que destacan la primera variante de color: Moon Shadow Gray. Este tono se inspira en el emblemático clásico de ciencia…

[cborrador]

Llega nueva innovación que redefine el estilo y la tecnología

¡Hola, querido lector! 🌟 Hoy te traigo dos temas que no puedes dejar pasar si eres un joven emprendedor en Perú: la evolución de la tecnología móvil y cómo esta impacta en nuestras vidas diarias. ¿Por qué deberías leer este artículo? Porque te revelará cómo el nuevo Motorola razr 50, con su diseño innovador y su avanzada tecnología, puede transformar la manera en que interactúas con el mundo…

[sonsofks]

Un vistazo detrás del desarrollo del revolucionario Access Controller y su embalaje accesible” :El 6 de diciembre, nos emociona presentar el Access Controller a la apasionada comunidad de accesibilidad. Hoy, te invitamos a un emocionante viaje tras bambalinas para descubrir cómo este dispositivo está revolucionando la experiencia de juego para personas con discapacidades. Desde su diseño…

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El Puente de la serpiente", fue diseñado para permitir a los caballos moverse sin tener que separarlo del barco. Esta inteligente pieza de arquitectura se encuentra en Macclesfield. El canal Macclesfiel abrió en 1831 y cuenta con varios puentes de serpientes, o puentes itinerantes, donde el camino de remolque corre de lado a lado en un bucle. Un puente viajero, o puente de serpientes, es un puente sobre un canal construido para permitir que un caballo que tira de un barco cruce el canal cuando el camino de transporte cambia de lado. Esto a menudo implicaba aflojar el cable de remolque, pero en algunos canales, fueron construidos para que no tuviera que hacerlo poniendo ambas rampas en el mismo lado del puente, girando el caballo 360 grados. En el canal Macclesfield, esto se logró mediante la construcción de rampas en espiral, y en el canal Stratford-upon-Avon, puentes de hierro en dos mitades en puerta falsa, dejando un hueco en el medio para el cable de remolque. También se llamó puente dividido. Por razones de costo, muchos puentes ordinarios en Stratford también fueron construidos de esta manera, ya que no tenían un camino de pavimentación. Las rampas del puente suelen estar forradas con filas alternativas de ladrillos resaltados para evitar que las patas del caballo resbalen. El puente puede construirse de hierro fundido (especialmente en zonas industriales) o ladrillo o piedra más convencional. Las piedras suaves minimizaron el riesgo de romperse o romperse la cuerda mientras esto sucedía - este fue un diseño bastante innovador. Durante cientos de años, los caballos han sido la columna vertebral de la industria británica: araron campos y tiraron de vagones, carruajes y garabatos por todo el país. Un caballo tirando de un barco o una barcaza sólo desperdicia una cantidad mínima de energía debido a la fricción, y es este cálculo de eficiencia lo que llevó al desarrollo del sistema de canales británico.��

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Zapatillas Deportivas: La Revolución

Si estás buscando un par de zapatillas que combine a la perfección moda y funcionalidad, ¡este es el modelo que necesitas! Con un diseño audaz y una combinación de colores que capta toda la atención, estas zapatillas no solo destacan por su estética, sino también por su rendimiento.

Foto generada con IA

Diseño Único

Estas zapatillas se inspiran en el estilo urbano más moderno, con una estructura asimétrica y detalles de primera calidad.

Están hechas de una malla transpirable que permite una ventilación constante, manteniendo tus pies frescos y cómodos durante todo el día. Los acentos en cuero de color neón (como el rosa intenso y el azul eléctrico) se contrastan con el negro, creando una apariencia vibrante y actual.

Son geniales para quienes quieren un calzado que se adapte tanto a su rutina diaria como a sus outfits más atrevidos.

La suela gruesa y esculpida no solo es visualmente bonito e impresionante, sino que también está diseñada para dar la mejor amortiguación y soporte.

La textura en la base de la suela hace que tenga buen agarre al suelo, permitiéndote caminar por la ciudad con seguridad aún y que esté mojado o resbaloso por las lluvias. Este modelo es perfecto para largas caminatas, salidas casuales y deporte ligero.

Además del estilo y la comodidad, estas zapatillas vienen con detalles innovadores: elementos reflectantes para destacar en la noche. Cada detalle está pensado para que te sientas con seguridad y tranquilo cada vez que las uses.

¿Por Qué Deberías Tenerlas?

Estas zapatillas son la elección perfecta si buscas algo más que un simple par de zapatos. Son una gran inversión en comodidad y durabilidad.

No esperes más para probar el modelo que está marcando tendencia y llevando el estilo juvenil a otro nivel. ¿Te animas a darle a tus looks un toque único?

[almasmoons]

Lo etéreo del Art Nouveau: el mágico arte de Alphonse Mucha

Autorretrato, Alphonse Mucha, 1889

Ciertamente uno de los máximos exponentes del Art Nouveau, Alphonse Mucha fue uno de los pintores que elevó las artes y oficios a una de las Bellas Artes.

Su obra cargada de elegancia y simbolismo sigue siendo un hermoso referente inluso en la actualidad, no quedándose corto en lo absoluto frente a artistas de otros movimientos. Es reconocible al instante, además, presentándose con hermosas mujeres de cabellos largos y prendas sueltas, rodeadas de una rica ornamentación botánica en colores cálidos.

Él era conocido principalemente por su trabajo con carteles. Durante la época de 1895-1900, el estilo de Mucha incluso se llamaba "le style Mucha", ya que coincidía con la tendencia del estilo Art Nouveau. Los paneles decorativos (panneaux decoratifs), eran carteles sin texto, diseñados específicamente para decorar paredes interiores.

Fue el propio Mucha quien se apropió y transformó los paneles decorativos en una nueva forma de arte disponible para el público en general, en contraposición a las obras de arte tradicionales disponibles para los individuos privilegiados.

Las cuatro estaciones, 1896

Gracias a los avances en la impresión litográfica, Mucha, así como artistas como Toulouse-Lautrec y Théophile Steinlen, sacaron al público diseños audaces.

París entró en una época dorada del cartel; las calles se convirtieron en auténticas exposiciones de arte al aire libre, pero nunca antes se había visto nada parecido al diseño de Mucha. No solo por la paleta de colores pastel apagados de la obra, que contrastaba mucho con los colores más atrevidos en los carteles de la época, sino también la composición extremadamente estrecha y de tamaño natural del diseño de Mucha lo verdaderamente innovador.

(Por cierto, se sugiere que la inspiración para este formato vertical pudo haber venido de los pergaminos japoneses que se importaban a Francia. Ahí hay otro ejemplo de la enorme influencia oriental en el arte occidental, pero ajá.)

Su trabajo no se limitaba únicamente a carteles., eso sí. Detrás de Alphonse Mucha hay una interesante lista de medios que el artista aprovechó para crear, entre ellos:

FOTOGRAFÍA

En su fotografía hay una enorme cantidad de autorretratos, posando en su estudio, exposiciones, en medio de su trabajo como artista. Aprovechaba este medio tan reciente, no sólo para tener referencias de sus modelos, sino que lo exploraba como una forma de arte y expresión.

Autorretrato en su estudio, Rue de la Grande Chaumière, Paris (1892)

Modelos posando para "La epopeya eslava", 1911-1912 // Maruška haciéndose pasar por una campesina rusa para "Mujer en el desierto", 1923

Pintura

Mucho menos reconocida que su trabajo en litografía. Sus pinturas están cargadas de ligereza y un aire sobrenatural que logra que quien la observa quede totalmente inmerso dentro del mundo que intenra retratar.

Mucha exploraba mucho los temas religiosos y mitológicos, generalmente retratándolo en soportes de enormes tamaños. Entre ellas, está la serie de pinturas "La Epopeya Eslava", un conjunto de obras que tomó cerca de 18 años para llegar su culminación. Tras su finalización, la ciudad de Praga prometió la construcción de un pabellón para albergar las obras, algo que, polémicamente, todavía no se ha hecho.

'La epopeya eslava' nº2: La celebración de Svantovít, 1912

Retrato de Maruška, Esposa de Mucha, 1908-1917

Trabajo decorativo / Diseño Industrial

Escultura, joyería, vitrales, muebles, diseño textil, empaques para galletas y vestuario para obras de teatro. Alphonse exploró todos estos medios, todos con altísimo lujo de detalle, característico de la época y del estilo del artista.

Pulsera de serpiente, Alphonse Mucha y Georges Fouquet, 1899

Cabeza de niña, estatua para el stand de la Perfumería Houbigant en la Exposición de París 1900

Documents décoratifs: estudio final para la lámina 71, 1901-1902

En fin, para cerrar (porque me voy a emocionar de más), la obra de Alphonse Mucha va más allá de la estética visual; es un reflejo de la época, la filosofía y la identidad cultural.

Su habilidad para fusionar la publicidad con la elegancia artística y su enfoque en la belleza femenina y la naturaleza demuestran su técnica y su compromiso con los ideales del Art Nouveau. Con sus creaciones, Mucha no solo dejó una marca permanente en la historia del arte, sino que también encapsuló la belleza y la elegancia de una era que sigue inspirando a generaciones posteriores.

[valen-ms06]

Entrevista a un arquitecto

Análisis a la entrevista

La profesora y arquitecta María Carolina Espinal y la experiencia que comparte en la entrevista presenta una interesante conexión con Filippo Brunelleschi. A pesar de los siglos que los separan, ambos comparten una serie de características y enfoques en su trabajo:

La Arquitecta María Carolina describe su trabajo como un proceso de crecimiento constante, que involucra muchos ámbitos que le ha permitido ver, diseñar y enseñar arquitectura en dos lugares distintos. Un trabajo donde combina diversas especialidades para obtener resultados óptimos. Una experiencia que la podemos relacionar con Filippo Brunelleschi, fue un innovador incansable, siempre buscando nuevas soluciones técnicas y estéticas. Su cúpula de la Catedral de Florencia es un ejemplo de cómo resolvió un problema arquitectónico de gran complejidad.

Brunelleschi se basó en los conocimientos de la arquitectura clásica, pero los adaptó a las necesidades y tecnologías de su tiempo. La arquitecta hablaba de combinar la comprensión de la arquitectura tropical con una lógica estructural y una modulación. Esta capacidad de integrar diferentes enfoques es esencial para crear diseños exitosos.

Brunelleschi aunque no se tiene mucha información sobre su día a día, es evidente que lideró grandes proyectos y equipos de trabajo. Al igual que la arquitecta María Carolina que describe su rol como organizador y motivador de tu equipo, buscando brindarles las herramientas necesarias para alcanzar los objetivos.

La arquitecta menciona la influencia del brutalismo y la arquitectura tropical de Caracas en su estilo. Esto demuestra cómo el contexto histórico y cultural moldea nuestra visión de la arquitectura. Brunelleschi estuvo influenciado por el contexto histórico y cultural de Florencia, así como por los avances en la construcción y los materiales.

La arquitecta María Carolina menciona la importancia de investigar materiales, revisar artículos y construir una base de datos de imágenes. Brunelleschi Se inspiró en la arquitectura clásica y en las obras de sus contemporáneos. A pesar de estar en épocas diferentes buscar referencias es esencial para un arquitecto

En conclusión, La arquitecta María Carolina Espinal y Brunelleschi comparten una pasión por la arquitectura, una búsqueda constante de conocimiento y una capacidad para adaptarse a los desafíos de su tiempo. A pesar de las diferencias en las herramientas y tecnologías disponibles, la esencia de la arquitectura, que es la creación de espacios que respondan a las necesidades humanas y culturales, sigue siendo la misma.

Fecha: 25/10/2024

[bmwcars]

 BMW es reconocido por su fusión de tecnología avanzada, diseño elegante y rendimiento excepcional. Desde sus inicios, BMW ha sido un líder innovador en la industria automotriz, introduciendo características como el primer motor de seis cilindros en línea y el primer sistema de navegación GPS en automóviles.

Hoy en día, los vehículos BMW están equipados con características tecnológicas avanzadas, como sistemas de asistencia al conductor y conectividad inteligente. Su diseño distintivo y atemporal se combina con interiores lujosos y confortables.

BMW también es conocido por su rendimiento excepcional, con motores potentes y eficientes, y sistemas de suspensión y dirección de última generación que ofrecen una experiencia de conducción emocionante y dinámica.

Además, BMW está a la vanguardia de la movilidad sostenible, con una creciente línea de vehículos electrificados. En resumen, BMW sigue siendo un símbolo de excelencia en la industria automotriz, ofreciendo tecnología de vanguardia, diseño excepcional y un rendimiento incomparable.

[fenarq]

¿Quien es Norman Foster?

[callmeanxietygirl]

LA MOKA 🇮🇹☕

El 17 de Junio de 1888 nace Alfonso Bialetti, creador de una de las mayores obras de ingeniería de todos los tiempos...

La Moka, es una cafetera que elabora el café haciendo pasar agua hervida presurizada por vapor, a través de café molido.

El invento fue patentado en Italia en 1933, por Bialetti, cuya compañía continúa produciendo el mismo modelo, la «Moka Express».

Las máquinas de café express previas a la máquina de Bialetti eran grandes, caras y técnicamente más complicadas.

Pocas personas podían tenerlas en casa de tal manera que beber café era en gran parte un asunto público.

La cafetera Moka, que era comparativamente pequeña y fácil de utilizar, hizo factible que por fin muchas personas pudieran preparar su express en casa.

El Moka Bialetti fue uno de los productos más innovadores del diseño italiano: no solo un invento que revolucionó la forma de preparar el café, sino también un ícono del “Made in Italy”. Y hoy es la cafetera de los últimos románticos.

Alfonso Bialetti estaba tratando de crear un aparato que permitiera preparar café de forma rápida y sencilla.

Según la leyenda, a Bialetti se le dio la idea decisiva gracias a su esposa, quien lavaba la ropa con su lisciveuse, una antepasado de la lavadora actual: era una especie de olla con un tubo alto en el centro.

La ropa se colocaba en el recipiente, que se calentaba para que el agua caliente, una vez alcanzada la ebullición, subiera en el tubo y volviera a caer, trayendo consigo también el jabón que, por efecto del calor, se fundia y distribuía de manera uniforme sobre la ropa.

La Moka funciona con el mismo principio, el de la presión: la idea era utilizar una mezcla de café molido y agua caliente, que se pasa por un filtro para obtener un café intenso.

Bialetti eligió llamar a su cafetera “Moka Express” en referencia a la ciudad de Moca, en Yemen, un importante puerto comercial en los siglos pasados que era famoso por la calidad de su café.

Hasta 1938 se vendieron más de 700.000 unidades de las cafeteras, que tenían un diseño un tanto rudimentario y artesanal. Bialetti dio con el diseño de la cafetera aplicando una forma octogonal facetada en aluminio de cintura fina; se puede decir que aparenta una falda plisada.

Este diseño se mantiene hasta el día de hoy, aunque ha tenido ciertos retoques a lo largo de los años, el último en 2004, para mejorar la ergonomía del mango y la tapa.

Fue en la década de 1950 cuando el hijo de Alfonso Bialetti, Renato, tomó las riendas de la empresa y tuvo la tarea de convertir esta cafetera en un producto reconocido. Una inversión masiva en publicidad fue la fuerza impulsora detrás del salto internacional de Moka Bialetti.

El marketing de estas cafeteras se hizo muy popular por su logo con el diseño de “el señor bigotudo”.

Esta es la caricatura del propio Renato, elaborada por el caricaturista Paul Compani en 1953.

[natt1977]

Hola Mundo!

¡Bienvenidos a mi blog, ¡Hola Mundo!, dedicado a explorar y descubrir los mejores skateparks en la vibrante Ciudad de México! El objetivo principal de este espacio es proporcionar a los amantes del skate una guía completa y actualizada sobre los skateparks disponibles en la CDMX. Desde reseñas detalladas hasta consejos útiles, aquí encontrarás todo lo que necesitas para planificar tu próxima sesión de skate en la ciudad.

A través de este blog, quiero compartir mi pasión por el skateboarding y ayudar a la comunidad skater a encontrar los mejores lugares para practicar su deporte favorito en la CDMX. Además de reseñas de skateparks.

Por ejemplo:

El Skatepark San Cosme, situado en la colonia San Rafael de la Ciudad de México, es un verdadero paraíso para los amantes del skate. Con su diseño innovador y una amplia variedad de obstáculos, este skatepark ofrece una experiencia emocionante y desafiante para skaters de todos los niveles.

Ubicado en un área céntrica y accesible, el Skatepark San Cosme es fácilmente alcanzable tanto para locales como para visitantes. Su pavimento liso y bien mantenido proporciona un excelente agarre para realizar trucos, mientras que sus transiciones suaves permiten movimientos fluidos entre los diferentes obstáculos.

Desde rampas hasta rails y escaleras, el Skatepark San Cosme cuenta con una variedad de elementos que desafiarán y entretendrán a los skaters. Además, el ambiente en el skatepark es acogedor y vibrante, con skaters de todas las edades compartiendo trucos y disfrutando de la comunidad skater de la CDMX.

Los Mejores Lugares para Patinar en la CDMX

Skatepark San Cosme: Uno de los skateparks más populares de la ciudad, ofrece una amplia variedad de obstáculos para todos los niveles de habilidad.

Parque México: Con una superficie lisa y espaciosa, es perfecto para patinar al aire libre y disfrutar del ambiente de la Condesa.

Skatepark Aragón: Ubicado en Gustavo A. Madero, cuenta con una gran variedad de obstáculos y una superficie bien mantenida.

Parque de los Venados: Con una pista pavimentada y áreas verdes alrededor, ofrece un espacio agradable para patinar en la colonia Del Valle.

Estos son algunos de los mejores lugares para patinar en la CDMX, cada uno ofreciendo una experiencia única para los amantes del skate.

[iagoglez]

Libertadores y libertades

Hay una serie de diferencias entre estas dos portadas. Por ejemplo, las fechas: una es de 1982, la otra del 86.

En una hay una mujer, en la otra hay una pareja muy masculina.

Una es descaradamente pOp, la otra aparentemente seria.

Pero lo más interesante son las coincidencias: en ambos títulos está la palabra "force", y en ambas imágenes vemos llamativos vehículos que se pueden distinguir con una cierta facilidad: buggys, motos y helicópteros.

Hay otra coincidencia asociada a estas portadas, y es que de un modo u otro se convirtieron en iconografía destacada de las infancias de los 80, aunque de nuevo aquí hay asociada una gran diferencia, tal vez importante.

Plano y contraculo

En un mundo paralelo existió algo llamado "cultura de videoclub", directamente relacionado con la cinematográfica pero no limitado. Podía suceder, por ejemplo, que aquello que había sido un fracaso en salas se convirtiera, en cierto modo, en un hito de los alquileres.

Esto, más o menos, sucedió con MegaForce.

Hal Needham fue una de esas personas a las que se les puede aplicar aquello de que "tuvo una vida de película". Con un papel innovador en el ámbito de los especialistas de cine, terminó ampliando su campo de acción a la dirección y al diseño técnico dentro de la industria. Un tipo lo suficientemente particular como para llegar a inspirar a Tarantino para Érase Una Vez En Hollywood.

Needham tiene, seguro, una de esas biografías que esperas que algún día sean publicadas con honores. Un tipo capaz de vivir sin expectativas de futuro, jugándosela por costumbre, que probablemente tenía una agenda lo suficientemente poderosa como para no tener que pedir favores para sobrevivir, pero sí para hacer que Sinatra participara en una basura como Los Locos de Cannoball II.

Needham tuvo suerte con su primera película como director, Los Caraduras, y mantuvo una cierta capacidad de recaudación hasta que convoca a estrellas para esa gran broma que es la primera de Cannonball.

Es también con esta peli cuando aparece en acción la Golden Harvest, productora hongkonesa de éxito que tras la eclosión de Bruce Lee dirige más su mirada al mercado occidental, siendo Los Locos de Cannonball una de sus apuestas.

Y entonces, llega MegaForce.

Sin hacer una investigación exhaustiva, a estas alturas de la vida sigue sin quedarme claro el origen del desastre, aunque parece claro el hecho de que la peli se había planteado como una serie de televisión, y no como un largometraje. Eso explica cosas como el que figuren tres guionistas para semejante despropósito, pero también para esta interesante cita del propio Needham que recogen en la wikipedia:

Es como ninguna otra película jamás realizada antes. Y las máquinas que hemos construido son extraordinarias. Hay otra cosa. Aunque hay mucha acción, no ves que maten a nadie. Creo que la gente está empezando a cansarse de ese tipo de cosas. Lo que hemos intentado hacer aquí es hacer una película entretenida con algunos héroes creíbles que el público pueda animar. 

Esto puede parecer irrelevante, pero es importante. Desde la difusa perspectiva que provoca el paso del tiempo olvidamos que los 80 no fueron únicamente los años en que el aguerrido héroe de turno masacraba, y con razón, a la gente mala. No. El Equipo A se estrena en el año 83, y otro gran hito de la violencia televisiva, la lucha libre de la WWE, se fundamentaba en subrayar la necesidad de coreografiar cualquier agresión de manera evidente.

Pero hay otra cita de Needham en esa entrada de la Wiki aún más interesante:

Pensé que tenía mejor cogido el pulso al país. Me estaba desviando de que se había elegido a Reagan y otras perspectivas.

O dicho de otra manera, descubrieron demasiado tarde que habían construido una película bienintencionada cuando probablemente la realidad empezaba a no querer esas cosas. Tal vez eso explique que a mitad de metraje se dé este dialogo:

Si se revisan listados de las peores películas de la historia, es costumbre que MegaForce figure entre ellas. ¿Se lo merece? No lo creo, fue una apuesta naif por una aventura militarizada que no ofendiera, capaz de escaparse de la conflictividad política del momento para no generar suspicacias, y, si me apuran, de intentar cosificar la figura masculina al mismo nivel que la femenina.

Obviamente, para mucha gente esto no funcionó, y se convirtió en objeto de burlas y chistes. Pronto de ella solo se recordaron los ejes básicos que tenían que haber servido para generar una franquicia:

Cuerpo de élite que combate el mal

El uso de la palabra "force" para designar al batallón

Vehículos chulísimos, con protagonismo de buggys y motos

Un protagonista barbudo

Cosas de la vida, unos pocos años después se estrena Delta Force.

La misma cultura de videoclub que permitía recuperar fiascos como MegaForce fue la misma que hizo que Cannon Group se convirtiera en una irreverente máquina de generar dinero.

Creada en los años 60, la productora lo peta con el desembarco de Menahem Golan y Yoram Globus en el año 79, dos caballeros que venían de crear una fructífera filmografía en Israel basada en el cine de explotación.

A Golan y Globus se les quedaba pequeño el territorio, y la quiebra de Cannon en manos de sus fundadores era la oportunidad para dar el salto al mercado (norte)americano, y una vez ahí el empezar a poner en marcha sus mecanismos para generar dinero: vender los títulos en los mercados antes de rodarlos, limitar los gastos de producción, maximizar los ingresos en el ámbito doméstico sin depender de las salas de cine, y, sobre todo, saber explotar cualquier filón de actualidad para estamparle su firma y convertirlo en algo lucrativo.

Teniendo incluso algún éxito de crítica entre su heterodoxa producción, en Cannon sabían que el dinero no vendría de los escrúpulos, y solo eso puede explicar que llegaran a pergeñar atentados a la razón como Superman IV, absoluto fracaso que marcó el inicio de la cuesta abajo para la productora por culpa de no saber salirse de sus parámetros de Serie B (o Z).

Pero yo quería hablar de héroes barbudos.

Norris y la Cannon habían tenido un feliz encuentro unos pocos años atrás, concretamente en 1983, rodando Desaparecido en Combate 1 & 2, dos películas masacradas por la crítica pero que funcionan increíblemente bien, probablemente por entender los responsables aquello que se le había escapado a Needham: el pulso del país era otro, y había llegado Reagan.

No es que Golan y Globus necesitaran demasiado impulso para radicalizar el subtexto político de sus películas de explotación, pero estos dos éxitos marcan de manera clara una línea de producción de falso belicismo que culmina con Delta Force.

¿Por qué?

Pues porque mientras Mega Force huía de representar la realidad para no caer en el maniqueísmo ni en la simplificación, Golan se apropió de sus orígenes para poder agregar otro tipo de condimentos a la historia del escuadrón paramilitar que debía actuar en situaciones extremas, en este caso liberando un secuestro de un avión israelí por parte de terroristas palestinos. Y visto lo visto, acertó.

En el making of emitido en su momento por Televisión Española, y que alguien tuvo a bien de subir a youtube hace unos años, se hace hincapié de manera insistente en el carácter dramático de la película. Al contrario del espectáculo lúdico de Mega Force, en DeltaForce se quiere convencer al público de que va a asistir a la narración de hechos trágicos extraídos de la pura y dura realidad, algo más que cuestionable más allá de haberse sucedido una serie de secuestros de aviones entre finales de los 70 y principios de los 80.

Pero es fácil cuestionar la veracidad con el paso de los años. Si en 1986 se usaba este contexto para dramatizar una película de Chuck Norris, te lo creías, y punto.

Lo inquietante de todo esto es por qué con el paso del tiempo lo único que cae sobre este tipo de producciones es la condescendencia y la ironía. Al mismo tiempo que Mega Force sigue siendo calificada de basura, de DeltaForce como mucho se destaca el oportunismo de explotar la figura del héroe a partir de una reinterpretación de la realidad, sin cuestionar de ninguna manera que pasados sucesos históricos pudieran estar dando lugar a nuestro presente.

Dicho de otro modo, la mercantilización por parte de gente como Golan y Globus de lo que se suponía que eran sus dramas no ha provocado todavía una revisión del relato que se construyó durante esos años acerca de la política internacional. Es verdad que en casos como el de Rambo III los cambios en la actualidad marcaron la validez de la película (¿quién contaba con que se hundiera la URSS antes del estreno, eh?), pero en general es muy complicado que tras apelar a sus emociones, el público vaya a tener el menor interés en revisarlas.

En realidad es improbable que MegaForce se salvara económicamente gracias al mercado doméstico: fue un fracaso absoluto, sin más. En este caso, para lo que sí sirvió la cultura de videoclub fue para generar una corriente de simpatías por parte de quienes a determinadas edades preferíamos disfrutar un espectáculo descaradamente pOp antes que de la pretendida profundidad dramática del enfrentamiento con unos malos que no comprendes.

Mientras que la película de Needham siempre resultó simpática, de la producción de Cannon siempre se hizo esfuerzos por rescatar esa parte de acción con vehículos chulos y desentenderse del resto. Hasta tal punto fue así, que durante años llegaba a confundirse las fechas de estreno, y de manera inconsciente se asumía que MegaForce era una adaptación paródica de Delta Force.

Es curioso porque, a poco que uno lo piense, puede que fuera al revés: Golan y Globus parodiaron MegaForce, pero también la realidad al considerar que un conflicto político discutible lo arreglaba en dos patadas un barbudo montado a lomos de una moto con lanzamisiles.

A lo mejor el presente da la razón a esta posibilidad.

[inkduo]

⸻ ✧ Resident Evil ✧ ⸻

Aun recuerdo la primera vez que jugue RE: Biohazard, una historia interesante y que me envolvió por completo, fueron horas de terror y ansiedad, soy una persona que se sumerge fácilmente en el ambiente del juego, por lo tanto fue muy emocionante, es otro titulo mas que salto a la historia por contener elementos que para la época de su lanzamiento nos parecían interesantes e innovadores, cosas que en lo personal me gustan y combinando el genero del survival horror con recursos como zombies, armas biologicas y personajes que sobreviven a esto, personalmente, es algo que considero algo muy preciado en mi vida, de manera que le tengo mucho cariño a la saga, es por esto que quiero compartir lo que opino sobre este.

Modo de juego.

Nosotros como jugadores debemos sobrevivir luchando contra los distintos tipos de monstruos que aparecen gradualmente en el juego, con un modo de juego estático, donde la cámara no sigue nuestros movimientos y nos da mas dificultad para ver lo que esta alrededor, poniéndonos cada vez mas nerviosos, a medida que vamos avanzando, debemos recoger objetos que nos ayudaran a descifrar misterios de la trama y resolver puzles para continuar con nuestro camino y asi llegar al final.

Gráfica y Visual.

Los juegos transcurren en áreas abandonadas y laboratorios secretos, estos están llenos de detalles inquietantes y sombras profundas, lo que contribuye a una atmósfera opresiva y de constante peligro. poniéndonos alerta ante el mas mínimo movimiento. La iluminación tenue y los ángulos de cámara fijos intensifican la sensación de claustrofobia y sorpresa, obligándonos a explorar cada rincón con muchísimo cuidado. Los zombies y otros monstruos, con su apariencia deteriorada, añaden mas emocion a sobrevivir. En conjunto, estos elementos visuales han establecido un estándar para los juegos de terror y siguen siendo influyentes en el diseño de videojuegos modernos, considero que esto abrio un mundo de posibilidades para que otros títulos, como por ejemplo Crow Country

Opinión y conclusión.

Para concluir, es otro juego más del genero de horror, pero no solo eso, si no que de igual manera ha pasado a la historia y no es un titulo que se desconozca, aun sigue vigente hoy en día con los remakes o los nuevos lanzamientos lo cual nos da una experiencia aun mas aterradora, un juego para morir de miedo y estar ansiosos constantemente.

Nos vemos en el próximo post!

[noviadelcatire]

Alvar Aalto fue un renombrado arquitecto y diseñador finlandés nació en el año 1898 y falleció en 1976. Es considerado uno de los arquitectos más importantes del siglo XX y una figura clave en el movimiento moderno de la arquitectura.

fue pionero en el uso de la luz natural y la incorporación de elementos naturales en sus diseños, buscando crear ambientes que fueran tanto funcionales como estéticamente agradables. Su enfoque humanista de la arquitectura se refleja en su atención al bienestar de las personas que ocuparían sus edificios, así como en su preocupación por la relación entre la arquitectura y la naturaleza.

A lo largo de su carrera, Alvar Aalto recibió numerosos premios y reconocimientos por su trabajo innovador y su contribución a la arquitectura moderna.

[jartita-me-teneis]

La escalera diseñada por Leonardo da Vinci en 1516, está situada en el castillo de Chambord en Francia.

Es una estructura de doble hélice, con dos espirales que ascienden a la torre central sin cruzarse, permitiendo a la gente subir y bajar simultáneamente sin reunirse.

Este innovador diseño ejemplifica el dominio de Leonardo en ingeniería y principios arquitectónicos.

La escalera fue encargada por el rey Francisco I, quien invitó a Leonardo a Francia en sus últimos años.

Sigue siendo uno de los ejemplos más notables de la arquitectura renacentista, mostrando el genio de Leonardo y la grandeza de las residencias reales francesas.

[ignacionovo]

¡Hola, buenos días, humanidad! 🌍 ¡Feliz sábado! 💪🌟🚀🏆🌈📈🌱🌞🎯🌺 Hoy os dejo la imagen del Parque Güell en Barcelona, diseñado por el renombrado arquitecto Antoni Gaudí, y que es un tesoro de curiosidades. Destacan las famosas baldosas "trencadís" que decoran el parque, compuestas por fragmentos de cerámica reciclada. La icónica lagartija de mosaico, conocida como el "Dragón", custodia la entrada y se ha convertido en un símbolo emblemático de la obra de Gaudí. Además, las estructuras ondulantes y coloridas del parque, como la Sala Hipóstila y la Plaza Oval, exhiben la genialidad arquitectónica de Gaudí y ofrecen impresionantes vistas panorámicas de Barcelona. El Parque Güell, declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, es una fusión única de arquitectura modernista, arte y naturaleza, atrayendo a visitantes de todo el mundo con su encanto surrealista y su diseño innovador.

Para tener en cuenta...

Sé la persona que se preocupa. Sé la persona que hace el esfuerzo, la persona que ama sin vacilar. Sé la persona que lo expone todo, la persona que nunca se aparta de la profundidad de sus sentimientos o la intensidad de sus esperanzas. Sé la persona que cree, en la suavidad del mundo, en la bondad de los demás, en la belleza de ser abierto y libre y confiado. Sé la persona que se arriesga, que se niega a esconderse. Sé la persona que hace que los demás se sientan vistos, la persona que aparece. Créeme cuando digo: sé la persona que se preocupa. Porque el mundo no necesita más descuido, más indiferencia; porque no hay nada más fuerte que alguien que sigue siendo amable, incluso cuando el mundo no siempre les ha tratado con amabilidad.