#criticasdecine

[estoespami]

Como alguno de vosotros adivinó, este miércoles es el turno de reseñar a un grande del cine, François Truffaut con su Fahrenhet 451, adaptación de la novela clásica homónima de Ray Bradbury. Disfrútala ya en #Fotogramayalfondo http://fotogramayalfondo.blogspot.com.es/2017/11/fahrenheit-451-1966.html #cine #críticas #criticasdecine #cinedeculto #películadeculto #fahrenheit451 #françoistruffaut #truffaut #raybradbry #bradbury #novela #juliechristie #oscarwerner (en El Corte Inglés)

[gruposudblog]

INSIDE (2021, Netflix), la primera obra maestra “Pandémica”.

Por Rolando Santana, Socio Fundador Grupo SUD

Bo Burnham es un tipo alto, pero alto alto, casi 2 metros. En la primera escena del especial de comedia de Netflix "Inside" (Escrito, Dirigido, Producido, Editado y Musicalizado por Bo), lo vemos entrar a una casa de invitados, ubicada en algún patio de algún suburbio de EEUU. Y al entrar, Bo tiene que agacharse, porque apenas cabe por la puerta, como un gigante entrando a una casa de muñecas. La imagen es divertida por naturaleza, pero para Bo es simplemente la realidad de un hombre de 2 metros. Sin embargo, por alguna razón, se ve surrealista, como sacado de una película de Tim Burton. Y durante la próxima hora y media, entramos de lleno a este mundo extraño y maravilloso. Donde Bo reemplazó las muñecas por juguetes electrónicos para crear su obra maestra. Y créanme que al final del viaje saldrán cambiados.

Es difícil identificar los elementos que hacen que una obra trascienda. La mayoría de las veces tiene que ver con una serie de factores, ya sean planeados o fortuitos, internos o externos. En este caso, INSIDE nos pilla volando bajo en plena segunda ola de la pandemia (o tercera? Ya ni sé), encerrados los fines de semana, esperando ansiosos lo nuevo de Netflix para pasar el mal rato. Al enterarme del estreno de INSIDE decidí evitar todo tipo de spoiler, por lo menos hasta verla y opinar al respecto (es decir hasta después de esta columna). Como muchos, Bo ya me había deslumbrado con su talento, primero en sus videos de comedia musical en Youtube, pero sobre todo con la sorprendente película Eight Grade, escrita y dirigida por él (a los 27 años!). Un relato honesto (y terrorífico para los que tenemos hijxs) sobre las angustias de una niña de 6to básico en la era de la sobre-exposición en RRSS, y cómo esto afecta su desarrollo en su transición a la adolescencia. Después de Eight Grade, Bo desapareció un tiempo, para reaparecer como protagonista, junto a Carey Mulligan, en la exitosa película “Promising Young Woman”, otro acierto. Su personaje es por lejos el más realista, el menos caricaturizado y el más divertido. Se nota que es el que mejor entiende las enfermedades de nuestra sociedad. Luego vino la pandemia, y eso cambió todo. Para algunos la Pandemia truncó sueños que por fin se estaban materializando (ojo con este monólogo), para otros los hizo reformular su vida, y para otros simplemente los hundió en un limbo indescriptible. Pero algo es seguro, la salud mental pasó a ser protagonista absoluto de esta nueva comedia de la vida. Y esto Bo lo sabe, y lo sabía al empezar su encierro. Pensó que su creatividad lo salvaría de la locura, y que de paso nos entregaría ese famoso “contenido original” que todos buscan (tremenda intro con “here comes some content”). Pero lo que Bo no sabía, es lo caro que le saldría esta aventura y lo maravilloso que sería el resultado. INSIDE es una radiografía de una sociedad enferma, una obra hecha a pulso gracias al sacrificio de su creador (como Jesús? jajaja me acordé de una escena donde Bo sale crucificado). Con cada canción (TODAS increíbles), con cada carcajada, Bo va mostrando un estado diferente, una introspección que se descifra a través de su arte visual y musical. A través del uso de las luces, de la edición, del ritmo de las canciones, somos testigo de una obra que marca un punto de inflexión de nuestra historia colectiva. En resumen, INSIDE es una montaña rusa de emociones al ritmo de canciones originales, que fácilmente se pudo haber ido en collera y convertirse en cualquier basura de Netflix, pero que sin embargo resulta ser una película única, con estructura, con un conflicto, un clímax, y una (especie de) resolución. Aplauso cerrado para Bo, *****(5).

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EL ÁNGEL DE LA CALLE

EL ÁNGEL DE LA CALLE Título original: STREET ANGEL Año: 1928 Director: Frank Borzage Intérpretes: Janet Gaynor, Charles Farrell

 Por “el ángel de la calle” ganó Janet Gaynor el primer Oscar de la historia a la mejor actriz, compartido eso sí con otras dos obras maestras en las que participó Gaynor ese mismo año: “el séptimo cielo” del mismo Frank Borzage y “Amanecer” de Murnau. En la edición siguiente se cambiarían las normas de los Oscar, no existiendo otro caso como el de Gaynor: ninguna actriz ha vuelto a ganar el Óscar por tres películas diferentes en la misma edición.

La singularidad de este hecho, no parece tampoco exagerada cuando se ven las tres películas, absolutamente maravillosas. Las excelencias de “amanecer” y “el séptimo cielo” no son discutidas por nadie, como tampoco las intérpretaciones de Gaynor en las dos, pero quizás la menos conocida de las tres sea “el ángel de la calle”, y por ello sea la que se tiende a eclipsar por los méritos de las otras. Nada más injusto.

Mientras “amanecer” y “el séptimo cielo” rodadas al mismo tiempo en un gran esfierzo de Gaynor -es cierto que al ser mudas no tenía que aprenderse un guión con diálogos- consiguieron llevar el cine a un nivel de poesía y de intimidad que tal vez sólo había sido logrado por los “lirios rotos” (1919) de D.W. Griffith, Borzage pudo ver amanecer antes de rodar “el angel de la calle”, y beneficiarse de los logros de aquella, y sumarlos a los propios para lograr una película absolutamente inolvidable.

Es imposible no apreciar la influencia de “amanecer” en las escenas finales de “el ángel de la calle”, escenas en las que los personajes de Farrel, totalmente enloquecido, y Gaynor, se pierden en la niebla, maravillosa secuencia en la que los personajes son iluminados por una cerilla.

En esencia cuenta una historia similar a la de “el séptimo cielo”, de nuevo emparejando a sus dos actores protagonistas, Charles Farrell y Janet Gaynor. Como en “el séptimo cielo”, Farrell es un hombre honrado, en este caso un pintor, que se enamora de una muchacha que arrastra un pasado dudoso, y que tiene una cuenta pendiente con la ley.

Una de las grandes bazas de la película es la química que desprende la pareja Charles Farrell- Janet Gaynor, la gran pareja romántica de finales de la época del cine mudo, que llegarían a rodar doce películas juntos, tres de ellas -las mejores-, con Borzage en la dirección. Los dos están perfectos en sus papeles. Farrell era el perfecto galán y el contrapunto perfecto para Gaynor, y ésta era una actriz excepcional, de enorme talento, capaz de ofrecer una amplia gama de matices de una mirada o un gesto. Sin duda, una de las mejores actrices de la historia.

Es estremecedor el prólogo de la película, en el que se presenta al personaje de Gaynor, de forma realista y magistral, con una preciosa fotografia que destaca la desolación del personaje. También son hermosas las imágenes del circo ambulante, y al acercamiento romántico de la pareja Gaynor-Farrell, al igual que las escenas intimistas en el pequeño apartamento que recuerdan irremedaiblemente a “el séptimo cielo”.

Sin embargo frente a “el séptimo cielo”, “el ángel de la calle” ofrece un desenlace menos metafísico, y tal vez por ello más accesible y más redondo. También aunque las dos películas tratan temas sociales, “el ángel de la calle” lo hace con mayor profundidad y también con mayor crudeza. Aquí no hay censura ni todavía estaba vigente el código Hays.

Técnicamente la película está también a la altura de “el séptimo cielo”, con esa mirada intimista que logra Borzage con movimientos lentos de cámara, una iluminación maravillosa, y una dirección de actores prodigiosa.

En el mejor cine de Borzage, el amor es el máximo motor de los personajes, el que los convierte y los redime, y en este sentido estamos ante una obra paradigmatica dentro de la obra de su director, uno de los grandes pioneros más injustamente olvidados del cine, quizás por una carrera desigual en el cine sonoro, en la que de todas formas brillan películas de calidad y belleza indiscutible como la estupenda “tormenta mortal.

En resumen: un drama romántico con tintes sociales, en el que Frank Borgaze despliega todo su talento y Janet Gaynor realiza una interpretación genial. Una auténtica joya.

[cineszocomajadahonda]

PAJAROS DE PAPEL (Emilio Aragón 2010)

Afrontar una realización con un estilo clásico es de valientes. Actualmente todo está regido por un empeño enfermizo en romper las normas, rodear los géneros, decir lo mismo de diferentes maneras, aparentar estar por encima de estilos e historias. Continuamente se trata de encontrar maneras de entender el cine que abran nuevas posibilidades al relato. Maneras que pueden ser geniales o un fiasco total, hay que saber hacerlo, no vale sólo con la ambición. Como diría Yoda ‘Hazlo o no, pero no lo intentes’.

Para intentarlo, mejor plantearse de donde viene una buena historia, investigar los mecanismos clásicos de la narrativa y en un grado u otro llevarlos a cabo con todas las de la ley. Emilio Aragón lleva esta máxima a un grado superlativo en su ópera prima, y nos regala una obra que va de frente desde su inicio. Una película de esas que desde el primer plano te introduce de lleno en un contexto clásico. El del final de la Guerra Civil.

Sí, ‘otra película sobre la guerra civil’, pero una de esas que marcan la pauta. Con una ambientación y una fotografía que hacen de la historia un cuadro en movimiento, frases que mantienen a los personajes a buen recaudo en un tono de época creíble y contenido, con thriller anejo incorporado, una ironía musical bien desarrollada, y un final realmente emotivo capaz de conectar incluso con el más frívolo de los espectadores.

Algunos momentos, podría parecer forzados, pero el buen hacer de Fernando Castets  ayuda a entroncarlos en un guión que como la guerra, avanza hacia un final irremediable. Entretanto, la película toma elementos del neorrealismo español más clásico, de alguna que otra joya italiana, e incluso de Tarantino y su gusto por el ‘teatro’.

Emilio Aragón deja así una obra hecha con buen oficio que logra mantenernos atentos al destino de unos personajes que creemos haber visto antes, pero que nos alegra mucho volver a encontrar.

Te gustará si: Crees que un pájaro ha de ser libre, aunque sea de papel.

Ulpi de Diego

ENTREVISTA EMILIO ARAGÓN Y FERNANDO CASTETS

Hace dos jueves hicimos un pase especial del estreno en la dirección de Emilio Aragón, en el que contamos con la visita de su director y de su guionista Fernando Castets, responsable entre otras muchas, de joyas recientes del cine argentino como ‘El hijo de la novia’, o ‘Luna de Avellaneda’. Aprovechamos la visita para tener esta charla exclusiva que ahora te ofrecemos.

Hablanos del circo Emilio ¿Qué te queda de él?

EMILIO: Fueron mis dos, casi tres primeros años, en los que tuve la suerte de poder compartir aquel mundo con mi padre y con mis tíos, y trabajar con ellos . Pero tiene gracia porque yo la primera vez que pise un circo de verdad, (no un plató de televisión) fue en España. De hecho, cuando hice ‘Barnon’ una comedia musical que hicimos en el teatro monumental, la gente me decía, para ti esto será fácil, pero todo lo contrario, tuve que aprender a hacer malabares y a caminar sobre un cable y un montón de cosas más para poder estar en aquella comedia musical. Ten en cuenta que mi padre empezó en televisión en 1949 en Cuba, el primer programa en la historia de la televisión mundial. Es una cosa que me hace gracia, y que a lo mejor no se ha dicho todo lo que debería decir, y no es amor de hijo. Pero el primer programa de habla hispana de la televisión mundial es el de mi padre en CMQ en la Habana,  por eso te quiero decir que mi padre desde el año 49, lo que hizó junto con sus hermanos fue adaptar toda esa mecánica de trabajo, esa rutina a la televisión, y claro cuando llegaron aquí a España, pues ya llevaban del 49 al 73 pues calcula, 24 años llevaban ya haciendo televisión, pasando por Cuba, Puerto Rico, Venezuela, Argentina, Estados Unidos, Mexico... Pero no estrictamente circo.

Como para no llevarlo en el ADN...

Exacto, en ese sentido fui muy afortunado porque tuve la oportunidad de vampirizar mucho, me quedé con todo lo que pude.

Y ahí sigue...

Inevitablemente, yo creo que la vida no deja de ser una mochila enorme, en la que vamos metiendo cosas, de la que luego al final va saliendo todo, y bendita mochila, todo lo que llevas ahí no deja de ser oficio.

Tuviste unos comienzos televisivos digamos ‘gamberros’ para la época ¿Crees que más allá del presentador al uso introdujiste el concepto ‘Showman’ como conductor de un programa en la tele española?

A mí siempre me gustaron como modelos los Norteamericanos, ese sentido del Show televisivo es muy yanqui, desde Jhonny Carson pasando por los especiales de Jerry Lewis, y este hombre precursor de Carson que se llama... espera que me acuerde...¡Steve Allen! que mítico este hombre, que además tocaba el piano y conocía el jazz de miedo. De hecho hay un tema de Jazz muy conocido que creo que se llama ‘Sloopy Jones’ o algo por el estilo, un tema muy conocido (canturrea) que era de este hombre que marcó mucho mi forma de tocar. Samy Davis Jr, ese tipo de perfil, que a mí me encantaba, gente que a lo mejor no era muy buen músico pero hacía algo de música, o que no era muy buen mago pero hacia algo de magia, o no muy buen cantante pero algo cantaba, en fin, que aglutinaba un poco de todo . Es un perfil que siempre me gustó, es una fuente de la que bebí sin duda.

Claro aquí estábamos acostumbrados al estatismo de Iñigo o ese tipo de presentador, y tú te movías, hacías cosas que no fueran sólo hablar...

Sí, una cosa que a mí siempre me gustó mucho fué sacar el carton piedra, la parte de atrás , verle el truco a las cosas, para mí era muy divertido...

Hablemos de Arnaldo

(Risas) Eso era una cosa que yo hacía en casa, y que pensé: bueno ¿porque no hacerlo aquí? y mira tú por donde, una cosa que pensaba que no iba a dar mucho de sí, y que iba a durar un día, de repente fue un triunfo. Te pasas horas y horas delante de la máquina de escribir, currandotelo lo mejor que puedes, y de repente haces una cosa que medio improvisas y triunfas por todo lo alto.

De pequeño recuerdo reírme mucho con mi hermana con ese personaje ¿crees que parte de tu triunfo era la habilidad de llegar a todos los públicos? Y cuando digo todos, me refiero a llegar también a los niños

Sí,  además, de alguna manera era el objetivo que teníamos, no queríamos ser excluyentes, queríamos integrar a todo el mundo en la familia, que todos nos sentáramos delante de la tele. Porque si hacías algún ‘gag’, o algo humorístico que estuviera un poco pasado, siempre intentabamos hacerlo con el ojo puesto en que de algún modo el niño no se enterara pero el adulto sí. Siempre intentabamos no ser ofensivos y divertirnos con lo que más nos gustaba, que era todo lo musical, lo desenfadado en toda la extensión de la palabra. Luego para otro tipo de conceptos ya había otros programas.

Fernando Castets: En un mundo de ‘transgresores’. Era mucho más transgresor actuar para todos los públicos. No hay nada más moderno que los clásicos.

Emilio: En aquella época si que era transgresor hacer aquello. Estamos hablando de otra época claro, el ‘Vip noche’ es del año 89/90, han pasado 25 años.

‘Saque Bola’, ‘Vip y sus variantes’, ‘Noche, noche’, ‘El Juego de la Oca’ 

‘Saque Bola’ era del año 87, yo quería hacer otra cosa, pero Tomás Summers, un amigo me dijo que si por favor podía hacer el piloto. Yo tenía pensada otra historia. Unos monólogos de música clásica en clave de comedia, y ya había probado con algunas cosas en colegios mayores. Pero esto era un concurso, y yo decía no, prefiero hacer otras cosas de carácter más innovador. Y sin embargo hicimos el piloto y gustó mucho, fue el primer programa que hicimos en Canal Sur, y con la sorpresa de que el Share fue un 75% cada semana, fue una locura.

¿Cuál de todos los programas incluyendo este que vinieron después marcó el punto de inflexión en tu carrera?

Pues mira yo creo que aunque era local , recuerdo que ‘el saque bola’ puso el foco de alguna manera sobretodo de cara a la televisión privada que nacía un año y pico después, recuerdo que Valerio vio el ‘Saque Bola’ Y me dijo ‘me gustaría que vinieras con nosotros, y a partir de ahí empezó el resto. Fue un programa que aunque sólo lo viera el público andaluz, yo creo que fue un programa que de alguna manera marco un antes y un después.

Recordando todos estos programas, uno piensa que antes se respiraba un ambiente más desenfadado en televisión, no había tanta tensión en los platos como ahora 

Hombre, sobretodo lo que había, y no lo digo por quedar bien con una generación y tal, es verdad que había muchísima ilusión y una pasión absoluta por todo lo que hacíamos. Yo recuerdo acabar de grabar a las cinco de la mañana de un viernes a sábado, llegar a casa, ducharme, meterme en la cama, y escuchar el teléfono a las 10 de la mañana para decirme ‘no han quedado bien algunas cosas, tienes que volver el sábado’, y yo tener que volver en sábado habiendo dormido menos de cuatro horas. Yo por ejemplo estaba presentando el ‘Vip noche’, y me llevaban por un pasillo a otro plató presentaba otra historia para un especial de Nochebuena o de Nochevieja, volvía al plató seguía con el Vip Noche, luego volvía a otro plató de otro programa... Era una locura.

Claro, así salías en todos los programas...

Lo divertido era que los cámaras, cualquier mienbro del equipo hacía cualquier cosa. Si había que tirar un cable, si había que hacer cualquier cosa. De hecho en los primeros Sketches colaboraban.

¿En los de la clase?

Sí, en los de la clase, los que salen son parte del equipo, uno es un técnico de iluminación, el otro es de producción... entre ellos formaban el equipo de actores. Eso aunque parezca baladí, marcaba la diferencia. Yo creo que además la televisión no deja de estar formada por una química que el público recibe, la gente traspasa la pantalla en ese sentido, traspasa la batería. Y eso yo creo que fue lo que nos pasó en aquella primera época. Como en la Oca, la Oca era una locura. Yo no sé si sería capaz de hacerlo ahora. Echo la vista atrás y no me lo creo.

Ese tipo de programa ya no existe...

Sí, es una barbaridad, había pruebas imposibles. Era todo muy cinematográfico. Nos gustaba inspirarnos en el cine. Todas las pruebas tenían un componente muy fílmico.

Fernando Castets: En el 92 estaba la Oca en Buenos Aires, y triunfó que no lo imaginas. Hace poco vino Emilio a verme allí a Buenos Aires, y en el año 2015 un taxista le reconoció.

EMILIO: Sí, me dijo, ‘usted es el conductor de la oca, que recuerdos’ (con acento argentino)

Luego ya con ‘Globomedia’ todo lo que hacíais triunfaba  ‘Caiga quien caiga’ ‘¡Que me dices!’ ‘ El club de la Comedia’ 

Hay un antes y un después que es ‘Médico de Familia’ y la ficción, eso sí que marcó la pauta.

¿Cómo hiciste para pillar tan bien la fórmula televisiva? ¿Te sentías condenado al éxito?

Que va hombre también hubo fracasos, proyectos fallidos  entre éxitos, pero afortunadamente eramos un grupo de creativos, que también eramos amigos y compañeros de muchos departamentos. De producción, de dirección, de guión, de todo, que supimos sobretodo remangarnos cuando había que hacerlo, hacer entretenimiento cuando tocaba, o hacer ficción. Pero sobretodo aprender. La ficción fue un ejercicio muy interesante. Muchos de los guionistas que arrancaron entonces están haciendo ahora series de éxito. Y ahora son grandes productores ejecutivos.

De hecho, muchas series siguen

Sí, ‘Aída’ ya terminó, pero ahí tienes a Nacho Garcia Velilla que ahora es un director de cine consagrado, series como ‘Mar de Plástico’ con Juan Carlos Cueto que también arrancó con nosotros, a Victor García, que está haciendo con nosotros ‘Rabia’ ... y a muchos más.

Después de un tiempo en el extranjero vuelves con ganas de ponerte otra vez delante de las cámaras ¿De dónde salió ese impulso?

‘Médico’ empezó antes y al tercer año me tome un año sabático porque no podía más, y a la vuelta hicimos las últimas dos temporadas de ‘Médico’ y luego hicimos otras series como ‘Javier ya no vive solo’, ‘Casi perfectos’ que fué una comedia que duró un par de temporadas, y entonces decidí que quería parar. Necesitaba escribir y dedicar más tiempo tanto a la música como al cine. Tome la decisión de componer, compuse un ballet que estreno Tamara Rojo que hoy en día es la directora del English Ballet, compuse cantatas, cuentos sinfónicos que se estrenaron en festivales de música clásica... Lo que pasa es que la música clásica no deja de ser algo minoritario.

Hablando de ‘Pajaros de papel’ me gusta mucho como utilizas un estilo narrativo tan clásico en la narrativa

Yo para eso soy muy clásico sí, me gusta rodar en 70 mm, y que la cámara no moleste, es la manera en la que mejor se contar una historia.

¿Cuanto hay de pasado real en la película?

Hay cosas que sí sucedieron tal y como salen en la película, lo del hombre con el monociclo (realmente fue peor lo que sucedió que lo que sale en la película) le pasó a mi padre, lo del niño con el arroz también, en otro entorno pero tuvo que ser igual, había muchos niños en la posguerra que tenían que ser acogidos en casas. Había una cosa muy típica entonces, y era que las compañías que tenían a niños, como por ejemplo una que se llama ‘La compañía de Zarzuela Liliput’ que era una compañía de niños de seis a catorce años de que formó parte Pedro Peña que iban con un pianista, una señora y un director que iban con ellos, contrataban músicos del pueblo, y cuando acababan, los niños daban un paso al frente y uno decía, ‘Gracias por los aplausos, somos la compañía (liliput en este caso), y si ustedes nos quieren acoger en sus casas aquí estamos’ y la gente decía ‘Yo al moreno, yo al rubio...’. En el caso de mis padres, mi abuela murió cuando mi padre tenía cuatro años, y mi abuelo cuando mi padre tenía catorce, quince... así que de alguna manera la figura materna mi padre no la tuvo, y eso si que quería reflejarlo en la película.

Fernando y yo hicimos un ejercicio que fue sentarnos con mi padre y una grabadora y escuchar las miles de anécdotas que nos contaba.

Fernando Castets: A mí me asombraba todo lo que decía, cosas tan increíbles como que no había perros porque la gente se los comía. Yo tenía mucho miedo al no ser yo de aquí, que me viniera un español y me dijera ‘eso no era así, no es verdad que sucediera de ese modo’, me documente mucho, leí exhaustivamente, y con lo que más me obsesione fue con todo lo relacionado con el hambre que se pasaba, que casi todo iba con las anecdotas, anécdotas como el del hombre que iba alquilando un hueso de jamón para que lo echaras un rato en el caldo, la gente que dormía junto a las gallinas para que ellas mismas no se comieran sus huevos... cosas que son demasiado, demasiado para una película, muy difíciles de creer. Eso lo pones en un guión y no se lo cree nadie, la realidad aquí superaba la ficción con creces. Me gustaba mucho la idea de una familia viajera que nunca están lamentándose de la situación más allá de las peripecias que viven.

Emilio: Hay muchas cosas en la película, un homenaje a Wences, Wenceslao Moreno, el único español con una calle en Manhattan, un ventrilocuo mítico amigo de mi familia de siempre, que murió con 103 años. También era un gran mago, y durante la película le homenajeamos.

También, el personaje de Rocio Moliner con sus hemorroides, interpretado por Carmen Machi, está basado en un personaje que trabajó con mi padre y sus hermanos cuando eran jovenes, que era una bailarina con hemorroides que al levantar la pierna le dolía mucho, y recompusimos el personaje para Carmen.

¿Te dirigirías a ti mismo en una película?

Me lo han pedido varias veces, pero la verdad que no me apetece, prefiero estar detrás de la cámara, además hay actores que son mucho mejores que yo, y así me va mejor, prefiero proyectar en otros. En ‘Una noche en el viejo México’ me dijeron que porque no salía, ahora en un proyecto que arrancamos en Antena 3 me han propuesto uno de los personajes, pero la verdad que estoy mucho más cómodo y feliz detrás de la cámara.

En 2006 te nombran presidente de la sexta, bueno, presidente honorífico ¿mola ser jefe?

Afortunadamente todos eramos amigos, y este era un papel representativo. Quizá porque era el mayor, el más viejo, pero La Sexta ha sido y es un proyecto fantástico, una cadena que hacía falta en este país y con un contenido muy atractivo.

Además que tú no eres muy de estar en un despacho

Para nada, lo rehuyo continuamente.

Como última pregunta, tengo una curiosidad  para todos los que eramos adolescentes en esa época ¿Quién es Paloma? ¿Por qué era de goma?

Aquella canción recuerdo perfectamente cuando la compuse, fué en Ceceda, un pueblo de Asturias, Ceceda de arriba, y fue porque leí un artículo en una revista americana sobre Ivo Pitanguy, el cirujano plástico brasileño. Y viendo las luces y sombras de este señor, me pareció tan interesante que después de leerlo, no podía dejar de pensar hasta donde ibamos a llegar con eso. Te estoy hablando del año 90, a mí me parecía una barbaridad, y tuve que escribir sobre ello. Paloma rimaba con goma y así salió. Me parecía divertido ver que había gente que ya había entrado en una espiral perversa con la cirugía plástica, y ese fue el germen.

FC: Le preguntaron a Stephen Sondhein el compositor, autor de musicales, y cual era su secreto para componer, y su respuesta fué ‘El diccionario de rimas’, no lo dijo como una broma y luego hacer melodías que uno sea capaz de tararear, no se puede ser perfecto.

FERNANDO CASTETS

¿Cuánto de inspiración real ha de tener un personaje?

36′12% (risas) En todas las películas hay un primo, alguien que conoces, un personaje, uno piensa en los personajes como personas, vas cogiendo de aquí y de allá , y te vas nutriendo de todos los que te rodean.

¿Te has sentido un paso detrás de la historia que tú mismo has creado alguna vez? Como si los personajes tuvieran vida propia

Bueno, por la mañana están en el mismo lugar en el que les he dejado por la noche, tampoco te creas, son muy vagos.

¿Cómo se escriben diálogos tan espontáneos cuando los que los dicen son gente de otra época?

Hay un trabajo, la espontaneidad hay que trabajarla mucho. Yo trabajo mucho con el oído, a mi me viene de fábrica y aparte lo he trabajado mucho.

Entrar en el circuito de los productos ‘mainstream’ es un éxito ¿o una cesión?

Nunca se exactamente donde empieza el mainstream, las películas repercuten de una manera que uno no puede imaginar, se convierten en un fenómeno. Uno es parte de algo que es un guión, que es parte de algo que es una película, que es parte de algo que es un fenómeno, y en mi mirada parezco Maradona, termino hablando en tercera persona. Se convierte en algo diferente a cada momento, no es lo mismo la película que se escribe, que la que se actúa, la que se filma, la que se estrena, y la que la gente ve. Parece ser una película totalmente distinta a la que imaginaste. El guión queda muy lejos. En ‘Pájaros de papel’ veo cosas que pienso ‘¿eso estaba en el guión? Yo no me acuerdo’ El guión es la construcción de un puente a cruzar una única vez, y cuando llego al otro lado está la película, y ahí el guión ya se puede ir. Pueden dinamitar el puente que ya no hace falta. Yo escribo películas, y me dicen ‘Has tenido suerte porque se filmaron ‘ y yo digo ‘No, porque yo escribo películas no escribo guiones’

Estás acostumbrado a colaboraciones estrechas con directores, participas en el casting, y estás en muchas etapas del proyecto ¿Te gusta controlar una película en todas sus fases? 

Sí, sólo un mediodía no estuve en el rodaje de ‘Pájaros de papel’ y el director de fotografía se enojo conmigo porque me vio ausente. Un guionista en el rodaje siempre hace cosas secundarias, que si se ve un cable, que si te piden consejo... yo que se algo de cámara le ayudaba con los reflejos. A las tres semanas de rodaje tuve que ir a por unos documentos, no estuve ausente ni tres horas y cuando llegue aparece el director de fotografía a echarme la bronca ‘¡Donde te has metido! Tuvimos un problema con un reflejo’ 'No si era porque tenía que buscar el NIE’ ‘Pues haber mandado a alguien’ Es curioso como uno se convierte en imprescindible en un rodaje, aunque estés alcanzando una botella, tres semanas después ya es ‘¿Donde está el que alcanza la botella? ¿porque no ha venido?’

Me gusta mucho como utilizas el humor en todos tus guiones, de forma didáctica, terapéutica, siempre bordeando el drama ¿Cómo se consigue ese equilibrio?

Facilísimo, es una pavada (risas) Me gusta mucho la comedia a la  italiana, los italianos cuando lo han hecho bien son los que mejor hacen este paso del drama a la comedia, yo el humor es el cristal a través del cual miro las cosas. Donde miro pasar la vida por decirlo así. No es que vea la situación como algo cómico que es muy distinto, sino que miro como una situación se tiñe de humor. A veces hay un humor, que afloja, que desarma al espectador  y es entonces cuando le meto el testarazo, pienso, ‘ahora vas a llorar’, pero no es algo que se pueda manipular, es simplemente la sensación de que has conseguido un momento emocional potente. Me encanta conseguir momentos digamos ‘cursis’ momentos de película digamos ‘menor’, y darlos la vuelta como un guante, me encanta hacer este tipo de cosas. Me gusta mucho eso y me gusta mucho manejar esos tiempos. No me escapo a través del humor, al contrario creo que el humor refuerza, nos permite decir cosas que de otra manera serían muy duras. Los italianos han hecho ‘Brutos feos y malos’ ‘Nos habíamos amado tanto’ hay tantos ejemplos...

Ulpi de Diego

[obdciendo]

Crítica de American History X en mi blog www.fotogramayalfondo.blogspot.com con curiosidades y posters geniales. Comebtarlo y compartirlo, haserme er favó. #Cine #criticasdecine

[donguidoncho]

MIERCOLES DE CINE! ÑSiguen en cartelera las geniales: #MALEFICA y #DiasDelFuturoPasado. Lean mi criticas aqui: http://donguidoncho.blogspot.com o en la fanpage de Facebook que aparece en la imagen!! #maleficent #malefica #xmendaysoffuturepast #daysoffuturepast #xmendiasdelfuturopasado #xmen #diasdelfuturopasado #angelinajolie #ellefanning #hughjackman #wolverine #jenniferlawrence #raven #mystique #2014 #movies #instamovies #instacool #moviereviews #reviews #criticasdecine #criticas

[cineszocomajadahonda]

SWEET HOME (Rafa Martínez 2015)

Nada nos entretiene más que sentir emociones fuertes, si son de otros mejor, la empatía se encarga del resto. Observar como algo pasa sin sentirnos involucrados es una forma perfecta para pasar el rato, ya sea en la vida, o en el cine, a todos nos gusta mirar. Hitchcock lo sabía, por eso invento esto de llenar las salas de gente gritando.

A día de hoy, esta concepción está tan asumida que el terror se ha vuelto lúdico, ha perdido sus complejos oscuros. Nadie se plantea lo terrible que una decapitación, un hachazo, una posesión o un caserón encantado puedan tener, en una película de miedo todo es un juego, y hay que aceptar las normas para que este pueda llevarse a cabo, la reciente ‘La Cabaña en el Bosque’ supo dejar dejo bien claro este mensaje.

Por eso es un género, porque hay unas reglas que lo convierten en lo que es, que nos lleven a un punto concreto. Esas pautas son transformables, la forma de alcanzar el climax es variable, pero hay que prestar atención a los mínimos.

En ‘Sweet Home’ el debutante Rafa Martínez elabora un coctel explosivo en el que sirviéndose de todas las convenciones que el género ha dado en los últimos 40 años, crea un vehículo lúdico en el que el ‘thriller’ da paso al ‘terror’ y desemboca en una forma de ‘slasher’ adrenalínica con elementos que van desde la Jungla de Cristal, a ‘La Matanza de Texas’, pasando por ‘Halloween’ ‘Delicatessen’, ‘Terminator’, ‘Alien’, Hitchcock, los Cohen, ‘Rec’ Breaking Bad, ‘Evil Dead’, ‘Sólo en casa’ o una canción de Modedades.  Dejando entrever que aunque sólo sea por sentir el reflejo de una referencia ilustre, siempre hay una buena razón que nos predispone a ver este tipo de cine en modo ‘nerviosillo’.

Que la película este más o menos lograda es lo de menos, entretiene, y no va más allá, porque si lo fuera, ya estaría en boca de todos.

Te gustará si: No tienes problemas de ‘Género’.

Ulpi de Diego

ENTREVISTA RAFA MARTÍNEZ, ÁNGEL AGUDO Y BRUNO SEVILLA

El jueves estuvieron aquí Rafa Martínez, Ángel Agudo y Bruno Sevilla. Respectivamente,  director, guionista y uno de los protagonistas de la película. Rafa, debutante en el terreno de la dirección ya había demostrado con creces sus habilidades para la edición en tráilers como el de ‘Rec’ o ‘Regresión’, Ángel gran conocedor del género, estreno hace poco ‘El hombre que vio llorar a Frankestein’ el retrato que Paul Naschy merecía desde hace decenios, y Bruno es uno de los actores más prometedores de su generación. No pierdas detalle de nuestra charla de esta semana si quieres saber cómo desenvolverte en una situación terrorífica.

¿Hacer el tráiler de tu propia peli, es igual que hacerlo de la de cualquier otro?

Rafa: No, no tiene nada que ver. De hecho la idea era no hacer yo el tráiler de la peli, pero al final lo he acabado haciendo. Es difícil, porque nosotros también montamos la peli. Yo estaba demasiado metido con el material, y fue difícil.  No tienes perspectiva suficiente como para hacerlo.

¿Qué elementos tiene un tráiler? ¿Su construcción es como la trama en miniatura de una peli?

En realidad sí, tiene un primer acto, un segundo y un clímax. Por lo menos como los intento hacer yo sí que siguen esa estructura.

¿Te atreverías con un ‘previously’?

(Risas) Son muy parecidos, siguen la misma estructura, lo que pasa es que los ‘previously’ de las series españolas duran como cuatro minutos, dan un poco de pereza.

El modelo clásico de ‘trailers’ en el que sólo se respira la esencia de la peli pero no te cuentan nada tipo el de ‘Regreso al futuro’ con Marty arrancando el Delorean y punto, eso ya no se hace ¿no? a veces se echan de menos.

Yo creo que cada vez menos, pero hay muchas pelis que también se curran mucho los ‘teasers’, sobretodo yo creo que en unas fases muy al principio cuando se están dosificando la información de las cosas, sí que se hacen ‘teasers’ como más conceptuales. Pero luego necesitas un tráiler que cuente de que va la peli.

¿Te consideras un director de género?

Sólo he hecho una peli, de momento no me considero director de nada.

Yo me remontaba también a tus cortos, ‘Zombies & Cigarretes’, ‘Halloween antes de navidad’…

Sí, pero no hay sólo terror, existen otros proyectos que no sé qué pasará con ellos, que son de otros géneros. Me gusta mucho la acción, la comedia, tenía por ahí proyectos de Ciencia Ficción incluso.

¿Ha cambiado mucho tu visión como cineasta en el salto de la edición a la dirección?

El montaje siempre me lo había tomado como una manera imprescindible para dirigir, pero poco a poco se ha ido transformando en mi profesión. A lo largo de los años he seguido ampliando mis conocimientos en muchas cosas, pero el montaje ha sido lo que me ha dado de comer, y para dirigir una película eso es importantísimo, mucho más para una como esta que la hemos hecho con muy poco tiempo, y hay que ser consciente de si tienes suficiente material o no, saber editar es importantísimo.

¿Intentáis mostrar una denuncia en la película con el tema de los desahucios ‘brutales’ o sólo es una excusa para generar entretenimiento?

Ángel : No, es sólo una excusa, igual que es la excusa de ‘Los Goonies’ por ejemplo. Es un punto de partida para a partir de ahí contar la historia. En ningún momento queríamos hacer una peli con una posición respecto a eso. La razón es que la mayoría de nuestras pelis favoritas de Terror en el fondo lo hacen, ‘La Matanza de Texas’ habla del Vietnam, no frontalmente, pero era lo que hilvanaba la peli.

Rafa: ‘Tiburón’ en realidad hablaba de un alcalde que no quiere cerrar la playa porque si no se queda sin veraneantes. Todas estas pelis de los 70 y los 80 que nos gustan, tienen un trasfondo que no tiene que ser de crítica, pero sí un punto en el que te encuentras con personajes un poco miserables en una posición muy interesante para desarrollarlos.

Claro, yo al principio pensé en sentido metafórico que la brutalidad que encierra un desahucio  se mostraba aquí gráficamente

La peli es muy lúdica la verdad, no queríamos profundizar en ese tipo de cosas. Cambiaría mucho el tono.

Espacios cerrados, una bestia suelta, personajes en un lugar que no les corresponde, una organización que maneja los hilos ¿Empezó todo con ‘Alien’?

Bueno, está ‘Asalto a la Comisaría del distrito 13’ que es anterior, o ‘Sólo ante el peligro’.

Pero con ‘Alien’ hubo un salto ¿no crees? ‘Sólo ante el peligro’ era en un espacio abierto y en ‘Asalto…’ hay más personajes…

Sí, con ‘Alien’ hubo como un salto más industrial, el ‘Asalto’ no es tan de culto.

¿Necesita el héroe de una peli de terror un trauma para generar esa rabia que le lleva a sobrevivir al final del metraje?

Yo creo que sí, es lo que les engancha de lleno con la historia, sobreponerse a un golpe tan brutal les embrutece, les vuelve más fuertes. La alternativa sino es que te den el hachazo y te mueras. Además un héroe tiene que luchar contra algo, es imprescindible que sea así, si no serían gente normal, necesitan esa transformación. Sí la prota no pasase por todo eso que la pasa, no se transformaría en digamos ‘Ripley’, pero hasta entonces no.

¿Tiene el terror una fórmula concreta? ¿Hay que acogerse a unas reglas? ¿O es mejor ir por libre?

Ángel: Lo bonito del terror, es que es un género que tiene multitud de subgéneros, y todos ellos tienen sus reglas, lo divertido está en contradecir esas reglas y descubrir cosas nuevas. Por ejemplo las pelis de terror suceden de noche, hasta que Richard Matheson escribe ‘Soy Leyenda’ y entonces lleva al vampiro a la luz del día. Está claro que existen, pero lo bonito es jugar con ellas y cambiarlas para que salga algo nuevo.

¿Cómo se generan los sustos? ¿Es difícil evitar recursos típicos?

Rafa: Es como en la comedia, que todo tiene sus normas. En mi peli no hemos usado muchos recursos fáciles, bueno, está el del hacha en la mirilla, que jugamos con el silencio y de repente ¡Pum! También el del principio, cuando Simon golpea la ventanilla del coche. Que ese es como un chiste. Ahí estamos fuera de género todavía, estamos  introduciendo. Por eso es como un chiste, porque luego por ejemplo cuando ella se asoma, el malo enciende la bengala y le agarra, lo hacemos de otro modo, de una forma que se ve que es en serio. Evidentemente bajar la música, crear tensión y que luego todo estalle pues es un recurso fácil, pero hemos procurado no abusar.

¿Te has controlado con el sonido?

Sí, lo hemos medido, hay una secuencia con Bruno arrastrándose en la que el compositor hizo una partitura de la ostia, y viendo la peli más tarde, nos dimos cuenta de que nos habíamos pasado tres pueblos con la música. Al final preferimos dejarlo con el sonido realista de la peli para no ir demasiado a lo fácil, luego cuando mezclas todo es cuando tienes que crear esas atmósferas.

¿En qué punto el thriller se convierte en terror?

Ángel: ¡Anda! Pues muy buena pregunta, depende que thriller. Por ejemplo ‘La habitación del pánico’ ¿es un thriller?

Rafa: Que no llega a ser de terror…

Ángel: Bueno, pero termina dando miedo.

Rafa: Sí, hay que saber diferenciarlos bien. Yo creo que la atmósfera, la manera en la que se maneja es donde está la clave. Los ‘Giallos’ italianos serían un ejemplo perfecto, en realidad son thrillers rodados como pelis de terror, que aunque no lo sean realmente, lo están haciendo unos tíos que estaban tan ‘emparanoiados’ con todas las pelis que rodaban, que las hacían como si fuesen de terror… Aunque luego no lo fuesen.

Ángel: Sí, ‘Psicosis’ por ejemplo, de planteamiento es un policiaco. Luego se saca de la manga una serie de elementos. Que van transformando la peli, lo que empieza como una propuesta estética de sacar esos planos de Anthony Perkins a contraluz van condicionando el conjunto, y al final nos encontramos con una obra maestra del terror.

Rafa: Sí, es la manera en cómo está rodada. La atmósfera, la luz… Es como el cine negro, vinieron estos directores de foto europeos, y de repente empezaron a crear atmósferas muy determinadas, hay momentos que estás viendo ‘El tercer hombre’ y parece una peli de terror, esto es claramente por la fotografía, la forma en la que está colocada la cámara…

Son pelis que se van matizando poco a poco, se vuelve todo más enigmático, más asfixiante…

Mira ‘La noche del cazador’, otra peli muy complicada de posicionar que atraviesa un montón de géneros.

¿Este género implica torpezas por parte de los protagonistas para generar más tensión? (no llamar a la policía, Jamie Lee Curtis soltando el cuchillo)

(Risas) Aquí ella lo primero que hace es llamar a su novio. Luego lo intenta pero no hay señal, y luego ya se queda sin teléfono. Digamos que se lo intentamos poner difícil.

¿Cómo se decide que personaje matar? ¿Hay alguna pauta? ¿Nacen con ese propósito?

Ángel: Hombre, hay personajes que sí nacen ya con la cruz hecha. Es la eterna parodia de ‘Scream’ la de: Voy a por una cerveza, y entonces ya sabes que va a morir. Me remito a lo que decía antes ahora sale ‘Summer Camp’ una película española que se estrenará próximamente. Tiene un discurso que es precisamente ese, estar variando constantemente el personaje que crees que va a palmar. Depende que intención se tenga, si quieres jugar con las cartas marcadas por el espectador, o sorprenderles.

¿Tú que sentías Bruno, al saber que Simon iba a ser sacrificado?

Bruno: (Risas), pues mucha rabia  la verdad, porque yo creo que Simon podría dar mucha más guerra. Al principio no parecía que fuese a dar tanta, pero durante el rodaje, nos fuimos dando cuenta de que tenía más margen de acción del que parecía. Y nos dio mucha pena la verdad.

Sí, la verdad que el tío se le ve con personalidad, podría haber desatado su rabia también

Bruno: Pues nada, sólo es el peor día de su vida a secas, es su cumpleaños, está jodido por muchas cosas, y encima le vienen a matar ¡Maldito karma! Le trata fatal.

Gusto por las fiestas (un cumple, navidad) ¿Te pilla la amenaza más por sorpresa en una fiesta de guardar?

Rafa: (risas) Pues es cierto, yo creo que es más por una cuestión estética. Navidad, Halloween, siempre tienen una iconografía que me interesa y divierte mucho, que ayuda a la iconografía, y al arte. En este caso era para poner a los personajes en un contexto más rocambolesco, que siempre es mejor para desarrollar una acción límite, digamos que es una buena excusa para empezar.

¿Por qué hay partes en inglés?

Exigencias de la productora. Poco más hay que decir de ese tema.

¿’Rec’ hizo mucho por este género en España? ¿Comercialmente hablando abrió un campo que estaba un poco abandonado?

Más que abrirlo lo acepto, fue una película muy barata, super rentable, ha tenido cuatro partes que han funcionado, se han vendido fuera, se han hecho remakes, han creado como una marca. Y eso en España sí que es novedad, no se suelen hacer este tipo de productos.

Aparte de McTiernan, Carpenter, Raimi, ‘Breaking Bad’… ‘Terminator’, que hay un claro homenaje con los cuerpos congelados por el hidrógeno.

Sí, y cuando ella se despide de Simon, y le acaricia la mano, que se ve al fondo que se está apagando la bengala, es un homenaje también a ‘Terminator’.

Me ha venido a la cabeza ‘Solo en casa’ ¿pensasteis en ella?

(Risas) Sí, también, toda la parte de los encapuchados está más en tono comedia, es menos honda, digamos que estaría entre ‘La habitación del pánico’ y ‘Solo en casa’. Los encapuchados son torpes, no hacen bien las cosas, y luego de repente todo se vuelve violento, aunque todavía hay bastante de ‘Sólo en casa’.

¿En una peli de terror es mejor que pasen cosas que pararse a explicar por qué ocurren?

Mientras escribíamos esta, estábamos muy preocupados con el ritmo de la peli, no queríamos hacerla aburrida. ‘Rec’ por ejemplo es aburrida a ratos, para mí, hay partes en las que se para mucho la peli, a Paco y Jaume les gustaban mucho esas partes, pero a mí personalmente me aburren un poco porque en estas peli me gusta que estén todo el rato metidos en harina.

De hecho da la sensación en  de que en Rec 2 metieron más acción

Sí, pero en la primera si te pones a quitar toda esa parte que no hay acción te quedas con 30 o 40 minutos de peli. Nosotros queríamos alejarnos un poco de ese modelo y hacer una más movida, acercarnos más a la otra gran referencia, que es John McTiernan y ‘La Jungla de Cristal’, de la que esta está plagada de homenajes.

¿Qué película de terror os ha dado más miedo?

Ángel: No es mi peli de terror favorita, pero yo creo que con la que más miedo he pasado es con ‘Carrie’, una vez la vi a las cuatro de la mañana y me quede a dormir en el sofá de mi casa sin poder irme a la cama. Aunque con nada he pasado más miedo que con el videojuego de ‘Doom’. Recuerdo noches enteras que seguía jugando por no poder irme a la cama.

Bruno: Yo creo que con la que peor lo he pasado es… bueno lo pase muy mal viendo ‘Scream’ porque era muy chaval y me la tome muy en serio, pero luego de pasarlo mal de verdad yo creo que la original de ‘The ring’ la japonesa, me agobió muchísimo.

Rafa: Pues yo lo pasé realmente mal con ‘El Resplandor’ pero o pasé igual de mal con el videoclip de ‘Thriller’ de Michael Jackson.

(risas) En eso nos parecemos, no pensaba que a nadie más le diera miedo ese video

Pues yo era oír la musiquita y me cagaba.

Ulpi de Diego

[cineszocomajadahonda]

‘Los Héroes del mal’ Zoe Berriatúa (2015)

Un impulso puede más que mil razones. No en vigencia, pero sí en fuerza. En el poso de energía que te deja una acción antes de enfrentarte a otra. Si una jugada sale mal, si no se encaja el golpe y el dolor que viene tras el fallo no se acepta como algo constructivo, seguramente seamos demasiado jóvenes para aceptar que teniendo el mundo en nuestras manos, la hemos cagado hace más tiempo de lo que pensamos. En ese periodo nuestra vida puede haberse convertido en una distopía cotidiana atrapada entre lo absurdo y lo frustrante. Son riesgos que se corren, daños colaterales de la ‘puta pubertad’ (o como se quiera llamar ese tránsito), no podemos huir de ello. Nos marca, nos confunde, nos dirige, nos mejora, o acaba con nosotros, pero pasa. Somos contingentes, eso no cambia.

‘Los héroes del mal’ entraría dentro de la categoría de películas que trata de captar el momento en el que conscientes de haber seguido un impulso erróneo, ciertos personajes se pierden buscando una redención inexistente. Son el tipo de películas que relatan de todas las maneras posibles la historia completa de aquellos que logran darse cuenta de que están demasiado lejos de la orilla.  Aquellos a los que sólo les queda nadar desesperados contra corriente, antes de dejarse llevar por la marea. Los que en un momento de lucidez tardía, por fin, hacen caso omiso a los que se empeñan en nadar mar adentro hasta devorar sus fuerzas. Los que tratan de sobrevivir.

‘Los héroes del mal’, trabaja con los personajes considerando todo esto, y consigue componer una fábula nihilista que transita por el filo que separa la reflexión del espectáculo. Está hecha sin miedo, para bien y para mal. Entretiene profundizando lo justo, pero tiene un punto lírico capaz de soltar descargas en momentos oportunos. Cuando se pierde la pose adolescente.

Los actores no emocionan, pero si funcionan, están bien escogidos. Logran captar ese instante en el que la debilidad se hace carne y todo es relativo. Cuando la situación pide madurar a un individuo en un momento de su vida en el que solo requiere un poco de amor. Ese momento en el que Tetsuo, los chicos de ‘Funny Games’, el Andrew Deetmer de ‘Chronicle’, los chicos de ‘Dear Wendy’ o aquí, el mismo Aritz ,deciden que ‘No les importa el dolor’, y buscan un equilibrio imposible a través de la imposición autodestructiva en su propio medio.

Mención especial para la música de la película, que en su clasicismo, otorga poder narrativo al conjunto, da alas al metraje, y le aleja de un destino comercial que no encuentra su lugar en la maraña de desaciertos que cubren el cine español adolescente. Se agradece.

Zoe Berriatúa, el padre de la criatura, tiene maneras de autor, sabe contar cuentos y defiende bien el formato que recubre su artefacto. Es valiente, tiene muy claro el camino a seguir y trabaja desde las tripas. Esto se nota para bien.

Su estilo aún se pierde en ocasiones, cuando la película se busca a sí misma decidiendo que dirección tomar. Pero en el transcurso, es capaz de hacerse conocer por méritos propios. El metraje acepta lo duro que es mantener el pulso durante un largometraje entero, y mucho más en una ópera prima, pero el relato, eso sí, se inicia y se concluye de manera contundente. Convence, y hace del film una estupenda carta de presentación para un director que todo lo que necesita para mejorar, es que le sigan dejando hacer películas... Ojala sea así.

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Ulpi de Diego

ENTREVISTA A ZOE BERRIATÚA

Zoé Berriatúa nos visitó el día de la proyección y, de aquel encuentro, surgió esta charla que hoy te presentamos. Un testimonio cinefago contado desde las entrañas de la creatividad de un autor mordiente. No pierdas detalle.

¿Qué es lo que más te gusta del cine Zoe?

Hacerlo, bastante más que verlo. Aunque verlo me encanta.

¿Qué tal la experiencia con Alex de la Iglesia? ¿Cómo empezó todo?

Alex cayó de casualidad en una proyección de cortos en el cine Capitol, allí se proyectaba uno mío, yo no quería ir a esa proyección, me parecía una tontería, mi vida ‘teóricamente’ no iba a mejorar demasiado por hacer algo que me daba pereza, pero al final fui, y cuando Alex terminó de ver aquel corto mío, ‘Quédate conmigo’ se llamaba, se puso a gritar en plena sala... ‘¿Quién ha hecho esta película?’ (imitándole) hablando así muy alto como habla él. Entonces empezamos a hablar, y planteamos hacer una peli basada en ese cortometraje. Esa película no salió, y yo, cansado de mover proyectos durante diez años, empecé a rodar por mi cuenta ‘Los Héroes del mal’ sin dinero ninguno. Cuando llevaba veinte minutos rodados, le enseñé a Alex algunos planos de la peli, junto con un ‘teaser’ de cinco minutos que ya teníamos montado, y le encantó. Le gustó lo que vio y decidió ayudarme con la producción. Luego, según fue viendo cosas paso de ayudarme a convertirse en coproductor. ¿Qué puedo decir? tengo la suerte de que a Alex le gustan mis trabajos.

Que bien, además por lo que he oído luego os entendisteis muy bien trabajando

Ha sido el mejor productor que yo podía haber tenido en la vida. Nadie se imagina que ese productor pudiera existir. Pone el dinero de su bolsillo, no te impone actores, te da absoluta libertad a la hora de rodar y montar. Vino a montaje muchas veces, y me sugería cosas todo el tiempo, pero siempre me dejo el ‘Final Cut’, la última palabra en todas las decisiones. Tener a Alex de productor es lo mejor que me podía haber pasado en la vida sin duda.

¿Entonces empezaste a rodar con la incertidumbre de no saber qué iba a pasar con la película? Pensando que lo mismo tenías que parar todo en pleno proceso

Efectivamente, hombre decir ‘sin presupuesto alguno’ es una forma de hablar, yo empecé a rodar la película como si fuera un cortometraje de la Comunidad de Madrid. Los quince primeros minutos de película aguantaban como un guión compacto. Era sólido por sí mismo. Y con ese dinero rodé media hora de película. Eran 5000 euros, no era nada, pero así la he ido sacando. Con la incertidumbre de no saber si iba a poder acabarla, pero un poco con la idea de hacer así las cosas, como las suelo hacer yo al menos: A lo bruto. Pensando que al final, sí o sí: lo saco por narices.

¿Qué tal te has desenvuelto como jefe del set?

Yo muy bien, estoy muy agusto en el set, el problema lo tiene mi equipo que me tiene que soportar. En el rodaje me llaman ‘herr directorr’ porque soy muy drástico con las cosas que quiero. Siempre procuro tratar bien al equipo, pero soy muy firme con las cosas que necesito, y hasta que no las tengo no se acaba el rodaje.

¿Cuál es el mejor consejo que te han dado como director?

Relájate.

¿Eras un adolescente rebelde o problemático? ¿Te ha venido por ahí algo de inspiración para el guión?

La película es mi adolescencia, no hubo palizas apenas, ni hubo crimen, ni hubo asesinato claro, pero todo lo que se plantea en la película me ocurrió en la vida real. Todo de una forma mucho más teórica, pero en la película se lleva a la práctica. Yo no daba palizas a nadie, pero sí intentaba sacar a un amigo psicópata de todas las veces que él lo intentaba.

¿No eres de los que hace el guión pensando en la audiencia entonces?

Realmente sí, porque yo intento hacer las películas que a mí me gustaría ver, o las que les gustaría ver a los espectadores como yo al menos. Si logro que a un Zoe le gusten mis películas, y hay unos cuantos por ahí, yo me doy por satisfecho. Siempre escribo las películas y los cortos, pensando en los posibles espectadores que yo soy. Todos tenemos dentro a un espectador romántico, a otro que le gusta la ciencia ficción, a un espectador más crítico... La misma película en dos días diferentes te puede gustar o molestar, según te sientas tú más analista, o más ‘encabronado’. Yo intento hacer las películas a prueba de Zoes, es decir, a prueba de que yo mismo la apruebe en varios estados mentales.

¿Has tenido algún referente de cine juvenil para esta película?

Sí, en concreto ‘Bully’ de Larry Clark, una peli sobre adolescentes asesinos,  y ‘Dear Wendy’ de Thomas Vinterberg. Esas dos películas  me han influido tremendamente, pero también ‘Los rompepelotas’ o ‘Les Valseuses’ en francés, una peli  de los setenta que sale Depardieu de jovencito. Quizá también hay cosas de ‘Jules et Jim’, en realidad hay cosas de muchísimas películas, pero sobretodo de las dos primeras que he dicho.

Has buscado la emotividad adolescente a través de la música clásica, me ha recordado un poco a la forma en la que Kubrick componía algunas secuencias

Bueno, Kubrick no es en absoluto una inspiración para esta película, aunque todo el mundo la relacione inmediatamente con ‘La Naranja Mecánica’, tiene más del ‘Violinista en el tejado’ por ejemplo, o de ‘Romeo y Julieta’ o ‘La fierecilla domada’ de Zeffirelli, que con esa. Nadie la relacionaría nunca con ‘El Testamento del profesor Cordelier’ de Renoir, que es un Mr. Hyde pegando bastonazos con música de circo. A lo que me refiero, es que hay muchos referentes que no son necesariamente ‘La naranja mecánica’ que supongo que algo tendrá claro, pero muy poco. No es uno de los referentes que yo he manejado para hacer esta película.

En tu obra se ve que te gusta ahondar en los efectos de la falta de amor, la nostalgia y las taras mentales que provoca un desajuste emocional ¿Te gusta trabajar ese aspecto psicológico como forma de terror?

Es muy interesante la pregunta la verdad, porque no es algo que yo haga a propósito, yo soy una persona ‘estúpidamente afectiva’, literalmente,  creo que es exactamente como me siento. Me pierden las emociones, y no soy nada práctico en ese sentido. Me gusta escribir historias sobre personajes atrapados por su destino, debido sobre todo a sus decisiones y sus necesidades afectivas. Es un lado humano que tenemos todos, y que contra todo pronóstico de sensatez, nos arrastra irremisiblemente.

A mí me da la sensación de que pinchas en la debilidad de los personajes, eso se manifiesta en miedo, y externamente todo aquello sale en forma de terror…

Sí, la estupidez afectiva es un prólogo fantástico para el terror (risas), para el terror real podría decirse.

Has tardado diez años en hacer la película ¿La hubieras hecho de otro modo si te hubiera salido todo como querías desde el principio?

Si hubiera tenido dinero, significaría que me hubieran impuesto a los actores, un final feliz… me hubieran impuesto más comedia en la película, o que al menos no fuera tan dura, también me habrían impuesto un músico que  no hiciese música clásica, y me hubieran impuesto  en general hacer una peli que se pareciese más a un telefilm que a la película que yo quería hacer.

¿ Todo este tiempo ha servido entonces para conseguir hacerla como querías?

Claro, muchos productores me habían dicho que había que rehacerla reescribiendo y reconsiderando la película, porque no había manera de financiarla de esta forma.  Por eso creo que esta película no se podría haber hecho con más dinero, no en este país al menos.

Diez años para bien entonces…

En realidad sí, yo me obcequé en hacerla con más dinero, pero una vez hecha y viendo las respuestas de las televisiones a la hora de valorar la película y no el guión, me he dado cuenta de que la respuesta ha sido mucho más drástica de lo que yo me esperaba. No quieren películas con niños que se drogan, no quieren películas con finales negativos, no quieren películas con violencia, no quieren películas con nihilismo moral. Entonces digamos que si antes tenía claro que esta película iba a ser difícil de financiar, ahora tengo claro que tenía que haber hecho esta peli sin dinero hace diez años y no ahora.

Da la sensación de que los actores están muy bien escogidos para interpretar a los tres personajes principales ¿Fue muy complicado el casting?

A una semana de empezar el rodaje, tuve una inmensa suerte. La única financiación que tenía para la película era como para hacer un corto. Tenía sólo un mes para hacer toda la preproducción, localizar, encontrar a los actores…

Iba todo disparado

Era todo a degüello, por eso te digo que fue una inmensa suerte encontrar estos tres actores tan buenos. A Aritz no le encontraba por ningún lado, y siete días antes de empezar a rodar le encontré. Si llega a aparecer un día después se hubiera anulado el rodaje, no sé si la película hubiera llegado a hacerse siquiera.

¿Crees que permitir un abuso no tiene por qué ser sinónimo de cobardía? ¿Está este mensaje en la película?

No hay un mensaje en ese sentido, sobre permitir el abuso o dejarse llevar por la cobardía. En realidad la película tiene más que ver con la indefensión que sufrimos en esta sociedad frente a un criminal menor de edad, ya no es una cuestión de cobardía o de encubrimiento a un asesino. Es una cuestión de que no hay manera legal ni de protegerse contra estos pequeños ‘hijos de puta’, que realmente van a pasar un año de su vida en la cárcel o en un reformatorio especial, y luego van a salir a esperarte a la salida del trabajo o a la puerta de tu casa dentro de un año, y claro, ¿qué se hace? En la película no se estudia el caso concreto de un psicópata, pero la psicopatía no es una enfermedad que se pueda corregir  ¿Qué se hace por ejemplo con un pequeño psicópata de quince años que es incapaz de sentir empatía hacia sus congéneres, que sabes que probablemente va a ser un asesino patológico toda su vida y como mucho estará encerrado en un reformatorio y saldrá en un año ¿Le denuncias y te intentas alejar de él? ¿Qué se hace? Es un problema muy gordo que tiene la legislación española y eso en la película está reflejado de soslayo.

Claro, Aritz ve justificadas sus acciones por los abusos que él ha sufrido

Efectivamente, el tipo de criminal que tenemos en la película es el delincuente que no es un psicópata, sino una persona perdida, desorientada, con ganas de venganza, que ha sufrido mucho y tiene una gran carencia afectiva. Ese es el tipo de criminal que quería sacar. Lo mismo atenta contra los demás, o contra sí mismo, porque es una persona literalmente destructiva. La tesis de la película, por decirlo de alguna manera, el mensaje que de hecho se llega a decir en la conversación final entre los dos protagonistas es, que no se puede luchar contra los criminales menores de edad desde su origen ¿Cuál es el origen del mal? ¿Cuál es el origen de la violencia? No tiene por qué ser ninguno en especial, es una cuestión de decisión. El problema de los criminales de esas características, no es ni la televisión, ni el entorno social, ni los padres que no les quieren, o que no les ponen límites, o que les pegan, o lo que quieras, el problema real, es que un adolescente que odia a la sociedad, que la desprecia por lo que él ha recibido de ella, piensa que exterminar esa sociedad no es hacer el mal, sino hacer el bien. Ese es el gran problema que trata de reflejar la película, el mal termina siendo un punto de vista, aunque  joda admitirlo. Es así. Y cuanto más clasista, más injusta, más violenta y más arrogante sea una sociedad, como por ejemplo esta en la que estamos, que quizá ya no sea tan violenta porque estamos todos domesticados, pero sin duda sí es clasista, injusta y cruel, pues más hijos de puta serán los disidentes de esa sociedad, y más criminales habrá que pensarán que están haciendo el bien exterminando a los axiomas, los representantes, o los modelos paradigmáticos de esa sociedad perfecta.

Me recuerda a la dialéctica del amo y el esclavo de Hegel

Me encantaría poder decir que lo había pensado, pero no, la respuesta es esa: estos criminales se piensan que están haciendo el bien y esa es la gracia de la película. Con la música además posicionamos al público en contra de sus principios morales, queremos cuestionar la moral del espectador. Los protagonistas son los marginados, los que sufren el maltrato de sus compañeros, y claro, en el momento que ellos empiezan a dar palizas a sus maltratadores, a robar y a ejercer el mal, son felices. Esa violencia les libera. Se están protegiendo de alguna forma, están ganando libertad. Y entonces se empieza a vivir, con la música clásica de circo de Khachaturian y de Kabalevsky, y parece que la violencia y ejercer el mal está bien, la fechoría es buena. Todo el universo moral del espectador se pone en duda, y esto es algo que yo disfruto mucho. Es algo que aparece en las otras películas de las que te hablaba, en ‘Dear Wendy’, en ‘Bully’ y en ‘Los Rompepelotas’, en esas tres películas está el cambio, el trastorno de la estructura moral del espectador.

Es como si aprendiesen a vivir con su lado oscuro hasta el punto de sentirse cómodos con él ¿no?

Bueno, empiezan a ver que el mal es algo bueno para ellos, hasta que se les echa encima claro, y otra vez le damos la vuelta. Digamos que por tres veces se trastorna la moral del espectador durante la película, por los puntos de giro sobre lo que está bien y lo que está mal.

Con esta crisis social que hay, ¿Tú crees que ha perdido su razón de ser la palabra héroe?

Absolutamente, esta es una pregunta crucial, aquí has dado en el clavo, porque ahora mismo todos los productos para adolescentes, los productos digamos comerciales o tontorrones tienen la palabra héroe. Los superhéroes, y toda la comparsa. Es como la palabra lucha, que ahora se utiliza para todo, y se dice en cuanto se puede ‘Hay que luchar por lo que quieres’ Luchas cada vez que vas al Supermercado y buscas un pintauñas de tu color. La idea de luchar se está convirtiendo en una cosa ridícula por el uso que se da al término. Y el héroe también lo es hoy en día. El hecho de que mi película tenga ese título, tiene que ver con una especie de sentido del humor implícito, o algún tipo de paradoja moral con mala leche, que es esta paradoja imposible del héroe del mal. Es un juego de palabras que yo nunca hubiera elegido porque es un término completamente viciado y pervertido.

Claro, porque tampoco son justicieros...

Bueno, empiezan siéndolo. De alguna forma ser los héroes del mal, para ellos es una broma, una ocurrencia de un día de borrachera  sobre como ajusticiar al mundo para defenderse de los que les machacan, los que les maltratan, y de hecho, Sarita, el personaje de la chica se burla de ellos, les dice ‘¿os vais a poner un traje ridículo?’ ‘¿Os vais a rapar la cabeza?’ ‘¿Vais a ser ‘los vigilantes’?’

Sí, a lo ‘Kick- Ass’ o algo así…

Claro, ¿Es que vais de superhéroes o qué? Y empiezan a juguetear con esa idea, pero esa idea de repente es mucho más poderosa de lo que se imaginan en un principio, al menos a uno de ellos le hace mella, y empieza a hurgar en sus raíces más profundas.

¿Cuál es tu película favorita de Alex de la Iglesia?

‘Perdita Durango’. Sin lugar a dudas, ‘El día de la Bestia’ sería ‘oficialmente’ la mejor. Pero a mí Perdita me gusta especialmente por el final. Me paso la película detestando a estos personajes macarras, tontos, estúpidos, y cuando termina, consigue hacerme ‘Judo’ todo este rechazo que siento hacia ellos, y empiezo a verlos como seres sensibles. Porque creo que sin duda tiene el final más lírico de toda la filmografía de Alex de la Iglesia. Cuando el personaje protagonista se muere. Es una secuencia maravillosa, y creo que el momento más bello de su cine. Es una película irregular, pero estoy profundamente enamorado del final.

Ya que ha salido el tema, ¿No es mucha casualidad que el personaje protagonista de ‘El día de la Bestia’ se apellide Bierrartúa? Por una letra no se apellida como tú

Sí, decía Alex que es en parte por mi padre, Luciano. Mi padre es un intelectual del cine, satanista aficionado, bueno, se dedica a investigar cosas de Ocultismo, lo de satanista es una broma obviamente, pero mi padre aparte de ser historiador de cine, ha investigado durante muchos años sobre satanismo y ocultismo, y a Alex le pareció divertido escribir un apellido que recordara al de mi padre. No era Bierratúa, pero sí Bierrartúa, que es prácticamente igual.

Sabía que algo tenía que ver… No podía ser tanta casualidad

Es un círculo extraño. Alex escribe una película con el protagonista inspirado en el nombre de mi padre, el apellido vamos. Esto enlaza con que mi productora se llama ‘La bestia produce’ porque me pareció divertido llamarlo así pensando en ‘El día de la bestia’, y luego él ha terminado produciéndome a mí. Estaba escrito. Hemos cerrado una especie de círculo extrañísimo de casualidades que nos ha hecho muy felices a todos.

Para finalizar, con las dotes para la animación que has demostrado en alguno de tus cortos, en ‘La cosa en la esquina’ más concretamente ¿te atreverás algún día con una película de animación?

Sí, la quiero hacer de hecho, pero primero me gustaría sacar un par de pelis de imagen real que estoy preparando. De hecho espero que dentro de un año, año y medio, podamos rodar ‘En las estrellas’ que está todavía en proceso de búsqueda de financiación, aunque ya tengamos algo, y bueno, de momento parece que tendremos a Karra Elejalde como protagonista, que creo que va a hacer un personaje parecido a Bukowski que será excepcional.

Pues deseando verla estamos…

Ulpi de Diego

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‘REGRESIÓN’ (Alejandro Amenábar 2015)

El género de autor es un jardín en el que no se mete cualquiera.  Sin embargo, Alejandro Amenábar siempre ha sido un director valiente dispuesto a desafiar los parámetros de nuestro cine en pos de un entretenimiento sólido, y en ‘Regresión’, vuelve a probar suerte. En su sexta película el director se acoge más que nunca al oficio, y desarrolla un artificio competente que no logra una obra tan redonda como sus trabajos anteriores, pero si es capaz de volver a generar una atmósfera más incisiva que la de cualquier thriller al uso.

Ya se sabe aquello de que ‘existen muchos mundos’, pero que todos están en este. Este cineasta sabe que si somos capaces de entrever alguno, probablemente estemos ante una buena historia. Y así, ha cazado un guión que merodeando cerca del Noir terrorífico, se queda a mitad de camino entre otras ilustres representantes de este subgénero como podrían ser  ‘El corazón del Ángel’ o ‘Shutter Island’, y compone una obra de transición en la que el escepticismo lucha contra el terror, y deja que el espectador elija hasta donde quiere temer lo que le cuentan.

Te gustará si: Quieres creer en algo.

Ulpi de Diego

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‘B’ (David Ilundaín 2015)

Asombra que el cine político este tan poco desarrollado en este país. Existe un muro invisible que parece proteger a todos aquellos que bien podrían regalarnos, aunque fuera en la ficción, una reflexión que compensase de forma ínfima ‘la que nos han liao’ en el mundo real. Es un muro de vergüenza, clichés y problemas coyunturales que sostienen una sociedad entera. Muy difícil de derribar, pero muy fácil de mostrar. El cine puede ayudar a poner las cosas en su sitio, y salir muy beneficiado de ello ¿o acaso la corrupción no ha dejado siempre buenas historias?

David Ilundaín, compone a través de las declaraciones reales que Luis Bárcenas hizo en la audiencia nacional, un ejercicio de cine directo y austero, pero muy efectivo. Pedro Casablanc y Manolo Solo hacen unas interpretaciones memorables, que muestran como la picaresca española torno hace mucho en mafia de la peor calaña, la que se vive de forma cotidiana y nadie cuestiona. Desde el respeto a los hechos, la película se mantiene y engancha. No hay excusa para mirar a otro lado.

Ulpi de Diego

En el evento del jueves pasado estuvieron por el cine el director de la película y sus dos actores protagonistas, y se habló de todo un poco. Te dejamos con sus entrevistas: 

DAVID ILUNDAÍN

¿Por qué en España se ve el cine político como algo panfletario?

No sabría decirte, lo primero aclarar que esta peli no pretende ser panfletaria, es para que el espectador saque conclusiones. Trabajamos con un arma incontestable que es el hecho de que todo está grabado y lo que hemos hecho ha sido reproducirlo. Es decir, hemos utilizado el diálogo grabado como el diálogo de la peli. Así, difícilmente puede ser panfletario. Es rigurosa, es política obviamente porque pone el foco en un lugar, es verdad que esa es nuestra decisión, pero cuando se habla de política o de cualquier realidad social, la que sea, tampoco es ningún pecado que una película exprese una opinión, es sólo una opinión, y si alguien quiere expresar la contraria que la exprese. La realidad siempre es fragmentada y hay que verla desde varios puntos de vista para tratar de sacar conclusiones, a mí en ese sentido ningún cine me parece rechazable porque sea ‘opinativo’ hacia un lado, aunque no creo que sea el caso. Hemos centrado la peli en un objetivismo exacerbado, porque ya te digo que tenemos la prueba irrefutable de que esto está grabado, pero incluso aunque no fuera así tiene su valor. Si yo creo que algo es panfletario a mí me aleja como espectador, lo primero es que cumpla su función como película que es entretenerme. Si solo me cuenta una opinión pues me aburro. Para eso hay otros géneros como el documental. Una película pura y dura si es panfletaria es aburrida.

¿La película también está pensada para gente que no sigue las noticias o no le interesa la política?

Yo entiendo que sí, lo único que hay que hacer es atreverse a entrar al cine. Lo que me ocurre a mí como espectador de la obra teatral de la que proviene la peli, y lo que le pasa al espectador es que sale en shock. Una cosa es que lo leas en los periódicos y otra que le dediques ochenta minutos y alucines con todo lo que se dice ahí.

¿Está cerca del falso documental, o de una nueva forma de ficcionar en el cine español?

La etiqueta es complicada, al periodismo le encanta etiquetar. Pero es complicada, un falso documental es construir una mentira que parezca verdad, justo el extremo contrario. Parece que es verdad,  y mientras lo ves te va dando pistas de que aquello es mentira, de que ha sido un juego. En este caso es totalmente diferente, lo que hacemos es ficción con un elemento documental que es un diálogo grabado, lo que pasa es que ese diálogo nosotros sólo lo teníamos en texto, no teníamos el subtexto ¿qué es la ficción? La ficción es el Subtexto, yo no sé a quién miró Bárcenas, no sé lo que sucedió emocionalmente, si he acertado en el arco dramático del personaje o no, si el resto de las personas que estaban en la sala, se reproducen bien en sus relaciones interpersonales. Yo creo que sí, porque hemos tratado de documentarnos al máximo, pero no deja de ser una ficción. Vale que en un grado muy bajo, sería como un 90% realidad, un 10% ficción.

¿Planificaste la película como si fuese una obra de teatro?

No, al revés. Teníamos que huir de ahí. Que proceda de una obra teatral no es nada malo evidentemente, al revés, la obra funcionaba, estaba teniendo éxito en el teatro desde hace un tiempo, con lo cual ya se sabía que estaba bien hecha. Pero los códigos son diferentes. En el teatro hay una tela negra y dos luces, y te dicen: esta es la audiencia nacional, y te crees que es la audiencia nacional. Eso no sucede en el cine. A no ser que hagas ‘Dogville’ y seas Lars Von Trier, pero claro, hablando tanto con Jordi Casanovas, el autor teatral, como con Alberto San Juan que era director de la pieza, nos encontramos con que queríamos reforzar la ilusión de documental, no la de falso documental. Desde el punto de vista de la cámara, del código, a mí entender hiper-realista, queríamos ir al detalle, que se viese lo más cotidiano, que el espectador se metiese en la sala casi como un voyeaur. La cámara está y yo la voy cambiando de sitio, no es un plano secuencia ni nada por el estilo, pero tiene que pasar todo desapercibido, lo más importante es que te sientas dentro de la sala.

¿Cómo adaptaste el guión de las transcripciones literales?

Con mucha paciencia (risas)

¿Se dicen muchas obviedades en un acta?

Yo llegue a la primera versión, a la teatral, como un espectador más. Antes de que se me ocurriera proponer lo de hacer la peli. Ahí ya había una labor de síntesis muy importante. La grabación y el texto eran unas cinco horas de diálogo, y Jordi ya había hecho un buen trabajo. Lo malo es que yo tenía que volver a empezar. Quería aumentarlo. En la obra teatral sólo estaban Ruz y Bárcenas, yo quería meter también el resto de las intervenciones. Me tenía que volver a estudiar todo y volver a sintetizarlo. Más o menos está como el 60% de lo que había en el teatro y añadimos un 40% más de material, volvimos a meterlo todo y a trabajarlo. Hemos movido algunas cosas de sitio, eso sí, para que el arco dramático funcionara. En una declaración judicial, hacen repetir, lo mismo, van para atrás, para adelante, es un horror, así no se coge ritmo. Se preguntan muchas cosas que se repiten, muchas veces te enteras de lo que están hablando cuando ya te has vuelto loco. Había que trabajar todo eso, no sólo el ‘que’ sino el ‘porqué’. Porque dice esto, porque ahora no se acuerda de esto otro. Había que volver a trabajar todas esas cosas.

¿Hay alguna parte del acta que no hayas podido poner en el guión? ¿Ha cambiado mucho respecto a la obra?

Hay muchísimos datos y muchísimos nombres, pero había muchos más, todavía quedaban más nombres, más empresarios… lo que pasa es que yo no podía dejar que decayera la atención del espectador, perdiéndose en datos. Obviamente, no dejamos ninguno importante fuera, pero había muchos más datos que no pusimos.

Ayuda a crear esa cercanía usar la cámara en mano

No es en mano, exactamente, porque los operadores tenían trípode, pero yo les dije que no les iba a dar el texto, no iban a saber exactamente cuándo intervenían uno u otro. Si no que ellos debían buscar al que hablaba, tenían que mover el foco si tenían que hacerlo. De ese modo se crea esa tensión de documentalista donde no se sabe que va a pasar porque todo se está grabando sobre la marcha. Lo que dicen se repite relativamente poco, y tratábamos de que las tomas fueran largas, para que los actores pudieran parar, interrumpirse, entorpecerse, etc. Todo en aras del hiperrealismo que hemos dicho.

¿Ha habido boicot a la película?

Yo no  puedo saber porque alguien elige o no tu película, nunca sabré porque unos deciden ponerla y otros no. Sí que es verdad, que nosotros habíamos pensado estar en determinados cines que casi dábamos por hecho. Cines con un público lógico para esta peli, que están en el centro de las ciudades, etc. Y encontrarnos cierto rechazo que nos puso en alerta, nos pareció raro cuanto menos. No nos creemos tan importantes como para que alguien en la Moncloa coja el teléfono y diga no pongáis esta película. Yo creo que más bien es por una cuestión de autocensura o de miedo. Alguien dice, tengo esta comedia romántica francesa, y esta de Bárcenas ¿por cuál me decido? Bah, no quiero problemas, pongo la francesa. Y esto nos fastidió, porque claro, uno piensa, tengo público, tengo gente que me escribe por Internet preguntando cosas como ¿Por qué no hay copias en Valencia? Y te encuentras con exhibidores que no la quieren y uno se replantea como era aquello del libre mercado. Censura es una palabra demasiado concreta y claro, a nosotros ni nos ha prohibido la película ni nos la han cortado, pero si creas este ambiente, aunque sea de una manera inconsciente, pues claro, algo raro pasa.

¿Crees que hay miedo a perder la visión sesgada que ofrece la prensa y o a la imagen que las redes sociales pueden llegar a crear de alguien?

En ese sentido estoy gratamente sorprendido, porque pensaba que nos iban a dar mucha caña, que iba a haber miles de ‘trolleos’ que nos iban a poner a parir, y no, hemos tenido muy buena acogida de la prensa, muy buen recibimiento del público, y casi nadie nos ha tratado mal. Esto de que te critiquen sin verla como le paso a Julio Medem con la Pelota Vasca. Que es verdad que aquello fue una historia en un momento en el que el tema de ETA estaba muy vivo, las cosas estaban en carne viva y tal… pero en nuestro caso no. Hombre sí que es verdad que siempre hay alguien que tiene que abrir la boca y decir cosas como ¿Por qué no haces una de los eres? Yo le digo, pues págala tú y yo la hago sin problema, pero el problema como siempre, es el dinero.

Será por cosas que hay para hacer aquí…

Claro, tengo la de los eres, la de la infanta, la de Pujol, aquí hay para todos. Pero vamos, que de todo esto me quedo con que casi todo el mundo está siendo bastante respetuoso.

Además con el Crowfunding la gente ha hablado, ellos son los que han manifestado que querían hacer la película

Claro, he tenido que saltar dos muros. Recurrir al público dos veces, es algo que da bastante vergüenza. Bastante hacen con pagar una entrada e ir al cine en los tiempos que corren, como para que vengan aquí los listos que están haciendo la peli de Bárcenas y encima digan, ‘oye que si nos ayudáis a financiarla’. Y nos ayudaron. Y luego, oye que si nos ayudáis a que la pongan en los cines, que parece que no quieren, que tienen miedo. Y la gente se vuelca en Internet y escribe, manda mails, hace grupo de Facebook, etc… yo me quito el sombrero.

En esta peli has dado prestigio a la palabra mecenas, al decir que 597 están detrás de la peli, es una palabra que siempre tiene una connotación como más negativa.

Sí, es verdad, pero a mí no me preocupa. Nunca sabes cómo nombrar a una persona que te apoya económicamente pero mecenas tampoco parece ninguna palabra que cree rechazo. La pretendida libertad del artista yo la pongo entre comillas, se oye muchas veces decir ‘no, a mí no me importa lo que diga el público, yo hago lo que quiero y mi libertad es sagrada’, y eso está muy bien si te dedicas a pintar o a escribir, pero si te dedicas a algo como esto que cuesta un montón de pasta te aseguro que te preocupa lo que diga el público, ¿Cómo lo vas a pagar si no? Para pintar la capilla sixtina tenía que venir el papa y decir ‘Oye Miguel Ángel, píntame el techo’ y luego ya está que el chaval era muy bueno y tuvo su margen de libertad, pero tuvo que trabajar con un mecenas, ya fuera el papa, el rey o quien fuera. Hoy en día en una cultura democrática, es lógico que aspires a tener toda la libertad, pero claro, sin ser ingenuo. La libertad es una cuestión de libertad económica como ya te he dicho.

¿Dice muy poco de un gobierno puede ser tan pobre que prefiere dedicar sus esfuerzos a ‘tapar’ la ‘posible’ opinión pública antes que al buen cumplimiento de sus funciones?

Que el gobierno nos haya tapado la peli es mucho decir, pero es verdad que un proyecto con buenos mimbres, con una estructura detrás que funcionaba. Habíamos hecho una buena labor de presentación. Y no encontrábamos ninguna televisión pública ni privada que quisiera entrar en el proyecto, ninguna ayuda pública de tres que hemos concursado. Y volvemos a lo mismo, no es una cuestión de poder acusar a nadie de que te haya prohibido, pero es muy raro que nadie te apoye. Sobre todo cuando tienes público detrás. Es verdad que podía ser una mierda de película y pensar bueno, no nos apoya nada pero la película es muy mala. Pero parece que no es el caso.

El transcriptor de la camiseta verde ¿representa a algún personaje real? Parece de los más indignados de la sala.

Cuando fui a la audiencia nacional a husmear y a tratar de documentarme, me sorprendió esa figura que no conocía que es alguien que lo único que hace es grabar lo que se dice para luego transcribirlo a las partes. Y eso claro, fue la herramienta con la que pudimos trabajar en su día. Porque en algún momento alguien lo filtro a Internet. Me llamó la atención porque el chico que me presentaron como el que hacía esa función era un chico muy joven que no pegaba nada con el ambiente que se respiraba por los pasillos, me llamo la atención, y decidí incluirlo, no tenía texto, no había nada grabado que el dijera, pero podía contar cosas con la mirada, con su actitud. Fue una idea que salió un poco improvisada la verdad.

Representa a una parte de la sociedad sin duda

Efectivamente.

¿Ha ayudado la polémica a la hora de promocionar el film? ¿O en España la polémica crea rechazo?

Creo que en ese sentido hemos tenido la suerte de saber darle la vuelta, yo el día del estreno estaba muy cabreado. Habíamos tenido un ataque bastante idiota la verdad, Algún grupo de esos que nunca sabrá quienes son, habían tachado el tráiler de contenido inadecuado, pero da igual, que sean cuatro amigos. Yo ese día me cabree mucho, esa fue la cuestión, me grabe un video que me salió del alma, lo puse en las redes y tuve 8000 visitas, puede parecer algo absurdo. Pero la verdad es que ha funcionado, y la polémica sí nos ha ayudado. Si yo aquel día me hubiera hundido a saber lo que hubiera pasado. Como tantas otras veces hay que pelear por lo que te parece que tienes que pelear y ya está.

¿Estás más interesado en el poder dramático de la historia o en la difusión del tema desde un punto de vista cultural?

Las dos cosas, una no puede ir sin la otra. Cuando yo veo la función, lo primero que veo es algo impresionante en cuanto a trabajo dramático, que a alguien se le ocurra coger una transcripción de un caso caliente como el de Bárcenas y convertirlo en una obra de teatro, es una locura. Y que aquello funcione, y que los actores estén brutales es para aplaudir y no parar. Cuando fui a ver la obra, yo alucine. Culturalmente es algo que tiene mucho valor. Y luego obviamente, eso se suma a la reflexión de pensar que nos ha pasado para que todo esto haya sido posible ¿Qué coño estábamos haciendo mientras esta gente hacía lo que quería? Porque claro, son dieciocho años haciendo esto, y nadie dijo nada. Hablar de esto es algo necesario para que no vuelva a pasar… de esto y de cincuenta cosas más claro, pero bueno, esto es un granito de arena.

¿Puede una película tener más poder mediático que cualquier noticia?

Mediático no lo sé, pero emocional sin duda. Las noticias se consumen a velocidad de vértigo. Tú ves una noticia sobre gente huyendo de Siria, y al momento estás viendo a Cristiano Ronaldo metiendo un gol, de un minuto a otro te han cambiado de tema sin tiempo a digerir nada.

Bárcenas ¿Cómplice o culpable? ¿O las dos cosas?

(Risas) Bueno, habrá un juicio y el juez dirá, desde ese punto de vista yo no tengo nada que decir y desde el punto de vista que se ve en la película, prefiero que lo decida el espectador. A Bárcenas hoy en día se le considera desde dos puntos de vista: como chivo expiatorio, y como chivato, según quien lo mire.

¿Puede ser íntegro un corrupto?

Obviamente no, pero ellos pueden creer que sí. Tony Soprano hacía reciclaje.

Ulpi de Diego

PEDRO CASABLANC Y MANOLO SOLO

Pedro, me llama la atención como el personaje de Bárcenas domina la situación ¿Está seguro de sí mismo o actúa así porque está nervioso? ¿Lo pensaste al interpretarlo?

Pedro- La verdad no sé muy bien como estaría él en ese momento, todo lo que se ve en la película es inventado, no tenemos imágenes ni ningún subtexto para conocer su estado de ánimo. Pero por como habla y se expresa, por la tranquilidad con la que expone los datos, da sensación de seguridad y de que sabe muy bien lo que está diciendo. A mí una de las claves que me da el personaje, es la facilidad que tiene para ocultar lo que quiere ocultar y contar justo lo que quiere. En principio da la impresión de que está muy seguro, hay momentos en la segunda parte con los interrogatorios por parte de las acusaciones en donde sí que se le van un poco las riendas de lo que lleva planteado, y puede que ahí sí pierda un poco los nervios, pero en principio es un personaje bastante seguro.

Manolo, algo parecido pasa con el juez pero al revés, mantiene la mesura pero a veces se ve sobrepasado por los acontecimientos ¿Cuánto pusiste tú en juego de esa parte?

Manolo- Sí, era una opción que tomamos. No deja de tratarse poner en juego la imaginación y el jugar a eso. Ni yo ni el director de la obra de teatro, ni David estuvimos allí, así que no podíamos saber que pasó. Pero imaginamos que este hombre estaba sometido a una fuerte presión, se sentía observado por todo el mundo, intentaba mantener las formas, el control. Pero no deja de ser plausible que en algún momento se le cayeran de la mano las riendas para volverlas a tomar. Al final de la película de hecho, sobre todo al final con las declaraciones deja el papel de interrogador para pasar al de árbitro, pasa un poco a moderar, incluso a proteger del acoso al imputado.

Sí, porque cuando los letrados empiezan con las acusaciones particulares, parece que de algún modo os asociais

M- No tanto, yo creo que el juez intenta ser ecuánime aunque no lo consiga siempre y aunque a veces se ponga a su favor cuando se siente que le acusan o le hacen preguntas que no son pertinentes, por la forma o lo que sea jurídicamente hablando. Y a veces también le exige cunado ve que él se quiere escaquear de contestar, también le aprieta las tuercas.

¿Hasta qué punto habéis hecho creación libre de los personajes? 

P- Yo en lo real me he basado poca cosa, un poco en la caracterización física a lo que se ha podido llegar, con el maquillaje justo, y sin mucho apósito. Nada más allá del tinte del pelo y lentillas oscuras, y luego lo que he podido ver del personaje, su forma de hablar, su timbre de voz que es peculiar. Y un poco la actitud un poco ‘sobrada’, por utilizar una palabra más políticamente correcta que ‘chula’. Esa actitud que trata como por encima o con desprecio, sobre todo a los abogados, a los acusadores. Esa pose que he podido ver en alguna otra declaración aunque no fuera esta. Pero todo lo demás ha sido producto un poco de la imaginación como dice Manolo. Pensamos como eso podría ser, pero no estamos seguros de que fuera así exactamente. Pero por lo que recibimos de la gente que sí estuvo y sí lo vio, parece que hemos acertado bastante.

M- Yo tampoco demasiado, desde el momento que me eligieron a mí que ni por edad ni por físico ni constitución somos parecidos, ya me estaban dando información de que no se me exigía una imitación, además no era un personaje tan conocido ni tan de dominio público como el de Bárcenas. Me dejaba estar un poco más libre en ese sentido, quería aportar credibilidad, no verdad.

Se os hará raro respecto a otros personajes que habéis interpretado en vuestra carrera, lo de ver a estos dos tanto en las noticias, que estén tan a la orden del día ¿Se os hace difícil eso de soltar al personaje?

M- Yo lo suelto rápidamente (risas).

P- Para mí es un personaje más de todos los que puedas hacer o encontrar. El hecho de que sea real no me afecta demasiado.

M- A mí me da un poco más de responsabilidad sobre todo, en cuanto a expectativa de la gente, sobretodo porque sea una persona viva tan actual y contemporánea.

P- A veces me planteaban ¿te gustaría que Bárcenas viniese a ver la función? Pues la verdad que a mí no me gustaría, la película sí, pero en la función me daría mucho pudor por estar haciendo, entre comillas una imitación de una persona que está ahí sentada. He tenido la oportunidad de verla con su hijo, y la verdad que el hijo salió encantado, le gustó mucho.

M- A mí sí me gustaría que viniese el juez. De hecho ha venido gente de su familia y han quedado contentos.

P- ¿Pero a la obra?

M- Hombre, en primera fila con la mirada fija no, pero tampoco hubiera estado mal.

P- Vamos, que yo no es que haga nada por imitarle, como mucho las canas y la voz, pero sí me daría pudor.

M- Te entiendo perfectamente.

¿Alcanzar el lado humano de un personaje es dar con sus debilidades?

M- Sí, es la forma de no hacerlo plano o unidireccional, y sí con matices.

P- Lo importante aquí es que mucha gente que ve la peli acaba empatizando con el personaje, te dicen que les cae bien, a otros les da pena, le odian, le quieren. Está dando mucho de sí.

M- O a la vez cae bien y mal.

P- Sí, crea esa ambigüedad que a la vez hace que el personaje sea humano, no se puede hacer un arquetipo o un prototipo porque si no sería insoportable, sería una parodia. Tendríamos que haber hecho una comedia o un musical entonces.

M- Yo siempre abogue porque hubiera un número músical ya en la obra de teatro, que hubiera una ruptura al final y nos bailásemos un tango o algo.

P - En la película yo creo que tampoco habría estado mal (risas)

¿Cómo definiríais a Bárcenas? ¿Actor principal, secundario o extra?

P- En el sentido del caso es un secundario

M- Es importante, necesario, ha ido adquiriendo poder, empezó desde abajo.

P- Pero dentro de la película real, en el clan del PP es un secundario de lujo, lo que pasa es que los actores principales están por encima  y desde siempre impusieron ese sistema de robo a mano armada, bueno, a mano armada no pero si de coger dinero cuando querían. Él pensó, esto se hace así, pues yo lo hago también.

Entre vosotros seguís manteniendo una buena relación aún por lo que veo

M- (risas) Claro hombre.

P- Que remedio, nos quedan unos cuantos bolos todavía por hacer.

¿Seguís con la obra entonces?

P- Sí, de vez en cuando. Ahora dentro de poco el día 15 tenemos una en Pamplona, luego hay otra en Zaragoza.

M- Badalona nos queda aún…

Muy bien, y ¿con que más proyectos estáis?

P- Yo estoy con una serie para A3 que es ‘Mar de plástico’ que se está emitiendo con bastante éxito, ahora empiezo una serie de producción francesa que se llama ‘Cannabis’ para la cadena Arte, se va a estrenar ‘Truman’ la película de Cesc Gay en la que hago un papel, gracias a Manolo también he estado en la película de Alberto Rodríguez (risas) y bueno… esperando que salga otra cosa.

M- Yo acabado el rodaje de una serie ‘Apaches’ para Antena 3 que se han grabado doce capítulos y se empezará a emitir el año que viene, he estado en la primera peli de Raúl Arévalo como director, mañana mismo empiezo una comedia coral que se llama ‘Los del túnel’ con Arturo Vals, Raúl Cimas entre otros de ‘protas’, que es bastante coral,  y tengo algún proyecto de teatro con en breve.

Ulpi de Diego