#arte contemplativo

[solesamor]

𝗔𝗹 𝗿𝗶𝘁𝗺𝗼 𝗱𝗲 𝗹𝗮 𝗮𝗾𝘂𝗶𝗲𝘁𝗮𝗱𝗮 𝗿𝗲𝘀𝗽𝗶𝗿𝗮𝗰𝗶ó𝗻 𝗱𝗲𝗹 𝗮𝗴𝘂𝗮

📷Artista © Sol García – @solesamor

[ilghila]

"Tu come vivrai?": il viaggio dantesco di Hayao Miyazaki

Appena usciti dalla visione di “Kimi-tachi wa Dō Ikiru ka” (in Italia, seguendo il titolo inglese, “Il ragazzo e l’airone”) di Hayao Miyazaki, regna un silenzio contemplativo nella sala. Come un imperativo non detto: rimanere in silenzio alla fine di un’opera creata da un “ragazzino” di ottant’anni, che ancora oggi interpreta la realtà con gli occhi di un sognatore, la rivisita con la creatività…

[estebanlopezgonzalezcom]

"Nietzsche,... sabía que la vida humana cae en una hiperactividad mortal cuando de ella se elimina todo elemento contemplativo. Por falta de tranquilidad, nuestra civilización está cayendo en una nueva barbarie. En ninguna otra época gozaron de tanto predicamento los hombres activos, es decir, los inquietos. Por eso, una de las correcciones que es imperioso hacerle al carácter humano es reforzar mucho el elemento contemplativo".

- Byung-Chul Han (1959), filósofo surcoreano profesor de la Universidad de las Artes de Berlín. "La sociedad del cansancio", Herder 2016, pág. 38.

https://estebanlopezgonzalez.com/2023/01/23/dar-paz-al-corazon/

[darata2023]

Bordar na alma...

"Sou luz. Sou essa verdade, sou o caminho que vai de Deus até Deus"

Outubro 2 de 2023... ou por aí...

Andei peregrinando pela Turquia. E, como sabem, minha pesquisa poética e devocional para DÄRÄTA (nosso sendero de arte têxtil contemplativa) continua enamorando com a luz e a beleza.

Me apaxiona saber que toda a criação de um curso, um poema, ou qualquer tipo de beleza que brote de meu ser, para compartilhar com vocês, tenha como horizonte a LUZ.

Não só o manejo estético da luz, mas a percepção profunda, mistica, almada Da LUZ. Da Luz Divina, da luz de Deus, do profundo ser que nos habita, aquele que realmente nos cura, nos ampara, e a partir do qual brota de nós o amor verdadeiro: o que liberta...

A simples vista DÄRÄTA, é uma imersão na arte têxtil do bordado sutil e contemplativo. Mas não é. É uma oferenda à luz, onde as pessoas bordam para sentir a LUZ, sua LUZ, por isso as obras têxtis que criam tem algo misterioso e espléndido. São como uma profecia, por isso, as bordam na alma, não no bastidor.

Uma obra têxtil de DÄRÄTA é como uma pedra preciosa: rara, porque abraça a LUZ, a beleza e a simplicidade. É uma peça de sentido, um fruto devocional. Serve para remendá-nos com a beleza: a emanação mais excelsa da Deusa-Deus.

Aqui deixo algumas fotos de momentos onde essa luz veio a servir como inspiração de DÄRÄTA... Em lugares muito Santos da embriagadora e belisima Turquia, onde se conservam reais fontes de luz, da deusa, do Senhor do amor e a compaixão.

E.... oh coisa boa... nos mantemos na paleta de DÄRÄTA... Rsrsrs... parece bobagem, mas é intuição..

O BRILHO DAS ROCHAS NO FRESCOR DO DESERTO: delicada Capadozzia...

[ahaan-and-jaiveer-agricultura]

Introducción al Modernismo

¡Hola! En este blog, nosotros hablaremos sobre el modernismo y su efecto en el mundo de habla hispana.

¿Que es Modernismo?

Los países latinoamericanos tomábamos prestado de Europa el estilo arquitectónico que caracteriza el Paseo de la Reforma en la Ciudad de México, la Avenida Central de Río de Janeiro y la Avenida de Mayo en Buenos Aires.

En América Latina, el estilo arquitectónico modernista o internacional ganó popularidad a mediados del siglo veinte, reemplazando el clasicismo de los años anteriores. El modernismo se convirtió en el nuevo estilo o filosofía de arquitectura y diseño más importante del siglo veinte. Se asociaba con un enfoque analítico de la función de los edificios, un uso estrictamente de los materiales, la innovación estructural y la eliminación de la ornamentación.  

El Estilo Internacional es un término general que se refiere a la arquitectura moderna sin ornamentación que revele su forma estructural. Los diseños utilizan paredes de hormigón armado. Sin ornamentación, los exteriores de muchos de estos edificios presenta un diseño geométrico, unidades modulares y líneas limpias.

Este estilo arquitectonico transformaba muchas ciudades latinoamericanas, como la Ciudad de México y Brasilia, en ciudades modernas. En México, la década de 1950 marcó el retorno a la especificidad local y cultural, muy en línea con la arquitectura orgánica de Frank Lloyd Wright. En Brasil, el modernismo crecía de manera diferente, convirtiéndose en un carácter distintivamente expresionista, llamado "modernismo de forma libre." En Argentina, algunos arquitectos volvieron al neoclasicismo, mientras que otros adoptaron versiones extremas del modernismo, a veces denominadas brutalismo, debido al uso del cemento.

En América Latina, el modernismo tenía un impacto significativo, transformando las ciudades con sus diseños elegantes y funcionales. Reemplazó estilos arquitectónicos anteriores como el clasicismo. Cada país de la región adoptaba su propia forma del modernismo pero, la conexión entre estas interpretaciones eran similares en el nivel básico.

Al final, el modernismo tenía un gran impacto, haciendo que las ciudades fueran elegantes y funcionales, reemplazando estilos más antiguos como el clasicismo. El modernismo es uno de los estilos más importantes, y entre los años 1930 y 1970, cambió el curso de la historia de arquitectura. Yo no creo que la diversidad decorativa que caracteriza la arquitectura de postmodernista ocurriera sin la popularidad de modernismo. Cada país tenía diferentes tipos de modernismo, pero las ideas centrales eran las mismas.

Jaiveer

Fuentes:

https://www.architecture.com/explore-architecture/modernism

https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/latin-american-modernist-architecture/a/international-style-architecture-in-mexico-and-brazil

https://www.jstor.org/stable/1555399

¿Quiénes son algunas de las personas detrás del modernismo?

Hola a todos, mi nombre es Ahaan Modi. Voy a Horace Mann y he decidido hacer un blog sobre el movimiento modernista en América Latina. El movimiento modernista ha tenido un gran éxito a lo largo de los años gracias a múltiples arquitectos. Los arquitectos se alejaron de los estilos tradicionales europeos y crearon el movimiento modernista.

Primero está Luis Barragán de México. Luis Barragán es a menudo considerado como una de las figuras más importantes de la arquitectura modernista mexicana y latinoamericana. Su trabajo es conocido por su uso del color, la luz y la geometría, creando espacios serenos y contemplativos. Sus diseños a menudo incorporan elementos tradicionales mexicanos. Otro arquitecto con gran influencia es Oscar Niemeyer. Oscar Niemeyer fue un arquitecto brasileño conocido por sus contribuciones al desarrollo de la arquitectura modernista. Fue uno de los arquitectos clave detrás del diseño de Brasilia, y su trabajo se muestra en el uso de líneas curvas y la integración de la arquitectura con el entorno natural. Otro latinoamericano con gran influencia fue Clorindo Testa. Fue un arquitecto argentino que jugó un papel importante en el desarrollo de la arquitectura brutalista en América Latina. Entre sus obras destacadas se encuentra la Biblioteca Nacional de la República Argentina en Buenos Aires. Sus diseños para Argentina fueron muy diferentes a los de otros arquitectos debido a su estilo único. Finalmente, otro arquitecto latinoamericano es Eladio Dieste. Eladio Dieste fue un ingeniero y arquitecto uruguayo conocido por su uso innovador del ladrillo en la arquitectura modernista. Sus diseños a menudo se centran en las partes estructurales de los materiales.

Estos cuatro arquitectos tuvieron un papel significativo en el cambio de América Latina de sus costumbres colonizadas a una cultura moderna. Todos tienen diferentes estilos, lo que hace especial el movimiento modernista en América Latina. En nuestro próximo post, explicaremos más sobre los diferentes edificios y monumentos que estos arquitectos hicieron en Latinoamérica con el fin de cambiar la cultura.

Yo creo que estos arquitectos y muchos más ayudaron a cambiar la arquitectura latinoamericana hoy. Si estos arquitectos no cambiaran las tradiciones de la construcción en América Latina, hoy sería muy diferente. Además, las ideas que tenían sobre el modernismo fueron importantes para los arquitectos de las últimas décadas. En conclusión, estos arquitectos fueron importantes para el movimiento modernista latinoamericano.

Ahaan

Fuentes:

https://www.optima.inc/modernist-movements-in-south-america/#:~:text=Architects%20such%20as%20Luis%20Barrag%C3%A1n,legacies%20of%20their%20home%20countries.

https://www.architectural-review.com/essays/exhibitions/latin-america-was-a-place-where-modernist-dreams-came-true

https://www.architecturalrecord.com/articles/6337-modern-architecture-in-latin-america-art-technology-and-utopia

[jornadacriativa]

Tema 2: O “Sentido dos Sentidos” na Sociedade Capitalista e sua Produção Estética

Ao estudar os textos indicados para a produção de uma resenha crítica sobre os nossos sentidos, o nosso sentir, as nossas vivências e experiências dentro de uma sociedade que míngua o nosso produzir artístico, poético e estético, abriu para mim, uma percepção de como eu enxergo o que me cerca e de como nos somos programados para perder essa essência, de como a sociedade poda a nossa criatividade, as nossas aspirações mais íntimas, para que nos tornemos meros instrumentos a um servir industrial, pragmático e programado.

Componente: EDC304 Arte-educação

Discente: Vitória Oliveira

Docente: Riomar Lopes

DUARTE JÚNIOR, João-Francisco. O sentido dos sentidos: a educação (do) sensível. 3. ed. Curitiba: Criar, 2004.

Está resenha tem como propósito analisar criticamente o capítulo "A crise dos nossos sentidos" extraído do artigo: O sentido dos sentidos: a educação (do) sensível, escrito pelo autor João Francisco Duarte Júnior e orientado pelo Prof. Dr João Francisco Regis de Moraes.

O autor propõe em seu trabalho, um estudo aprofundado sobre a crise em que a sociedade atual está vivenciando, em relação a falta dos saberes, das experiências, do sensível.

Ao se observar o mundo pós revolução industrial é perceptível a difusão da vida tecnicista, mecânica, individualista, pragmática, calculista e racionalista, voltada para a ideia do consumo exacerbado, do acúmulo de bens e poder, da idéia de modernidade supérflua e robotizada.

O pesquisador nos faz pensar então, sobre tudo aquilo que nos define como seres humanos, seres pensantes, mas para além do racional, seres sensíveis, criativos, dinâmicos e curiosos.

Percebe-se que a sensibilidade humana se abre para o prazer dos cinco sentidos do corpo, o tato, olfato, audição, visão e paladar e esse prazer direcionava a existência da humanidade, nas construções das cidades, criadas para serem belas e acolhedoras no passado, das casas com sua arquitetura criativa, com grandes janelas que permitiam a entrada da luz, com jardins e quintais, cores e formas, na busca pelo alimento nutritivo, que reunia as famílias, fortalecia os laços, gerava novas amizades, nos saberes que eram passados através da voz, da fala, das vivências.

Porém, o autor direciona o olhar para a perda desses processos naturais do corpo e da alma, do sensível, do que é leve, belo e contemplativo, levando-nos a enxergar os processos de perda da essência das coisas, do natural, substituídos pelo o que é mecânico, frio, cinzento e acelerado.

A realidade atual da sociedade é viver em moradias cada vez mais pequenas, com pouco ou nenhum contato direto com a luz solar, com as plantas e a terra, é ter alimentos altamente prejudiciais para a saúde, ricos em agrotóxicos, ultraprocessados, é ter pouco ou nenhum contato com outras pessoas, vivendo em função do artificial, valorizando as máquinas, o plástico e a inteligência artificial.

É possível compreender por fim que a pesquisa e o tema trabalhados nesse artigo são relevantes para o contexto atual, pois trata-se de um alerta para a sociedade contemporânea de tudo o que está sendo perdido enquanto se busca o lucro pelo lucro e se esquece do que realmente importa. Como sugere o autor em seu texto, é preciso treinar o olhar para ver as coisas do mundo, para se admirar, contemplar e valorizar o sensível.

Componente: EDC304 Arte-educação

Discente: Vitória Oliveira

Docente: Riomar Lopes

VÁZQUES, Adolfo Sanchez. As ideias estéticas de Marx. 2° edição. Tradução de Carlos Nelson Coutinho. Rio de Janeiro. Paz e Terra, 1978.

Está resenha tem como propósito analisar criticamente os capítulos "O capitalismo e as artes de massa", "O dilema: Arte de minoria ou de massa?", "A arte verdadeiramente popular". Extraído do livro: As ideias estéticas de Marx. escrito pelo autor Adolfo Sanchez Vázques.

O autor propõe em seu trabalho, um estudo aprofundado sobre o consumo exacerbado de produtos artísticos designados para a população pobre e de classe média, que não possuem recursos para poder desenvolver um pensamento crítico acerca daquilo que tem acesso.

A sociedade como um todo, então, é manipulada através desse meio, das pseudo artes televisivas, das rádios, revistas, do cinema, gera-se um ciclo vicioso entre o espectador/consumidor e a arte de massa, que fora criada com o intuito do lucro e do silêncio da sociedade.

Diminuída a razão e a sensibilidade do ser, ele perde a sua voz, a sua capacidade de enxergar, o seu poder, o seu lugar no mundo, a sua liberdade de reivindicar os seus direitos, pois vive em sono profundo.

No texto, "o sentido dos sentidos" o autor discorre sobre a perda do sensível, do natural e da natureza, substituídos pelo mecânico, robotizado, técnico e sem vida, perda essa que se estende para a arte, a falta de conexão do ser, diminui sua criatividade e abre as portas para o processo do capitalismo industrial nas criações artísticas. O belo, o estético, acaba se transformando em ferramenta de manipulação do capital.

O ser humano torna-se um fantoche cego, surdo e mudo, preso e movido pelas engrenagens do sistema.

A sociedade é moldada por aquilo que consome, por conseguinte, os seus valores e virtudes podem ser medidos através daquilo que se é ofertado para o seu consumo, então, se uma população tem uma boa estrutura e organização é possível observar o que está sendo consumido de entretenimento pela grande maioria, o mesmo se dá em relação inversa. A indústria se beneficia disso, quanto mais tempo e dinheiro as pessoas investem nessa arte de massas, maior é o lucro e mais fácil se torna a manipulação das consciências.

A arte crítica perde para a arte de massas, o artista disposto a alcançar um público maior, não encontra lugar, pois sua arte desperta o saber, os questionamentos, o pensar, tudo o que a elite capitalista não quer que aconteça.

Existe, portanto, um grande abismo entre a verdadeira arte e a arte de massas, a arte criada pelas minorias, a arte marginal, rica de saberes, história e cultura, entra em conflito com a arte programada, manipuladora, e pobre de essência.

O autor cita que "O artista cria para os homens que sentem a necessidade de uma totalidade de manifestações vitais humanas".

É possível chegar a conclusão que a arte é uma ferramenta de expansão do que a sociedade vive, do que ela precisa ou do que ela distorce, nesse estudo, o autor nos leva a defender que a sociedade industrial capitalista procura manipular os indivíduos para o seu próprio benefício, o do lucro exacerbado e do domínio sobre os mais necessitados.

A arte se torna uma arma poderosa em mãos gananciosas. Cabe aos artistas das minorias usarem a sua criatividade para relembrar e acordar os que não estão atentos, ficando assim um alerta para todos aqueles que lutam por uma sociedade mais justa e verdadeira.

Considerações finais sobre os textos trabalhados nesse tema gerador: Me senti convidada a treinar o meu olhar para ver o mundo ao meu redor de diferentes formas, diferentes ângulos.

Texto 3 - “A Crise de Nossos Sentidos” (O Sentido dos Sentidos. Duarte Jr., 2001)

Textos 4 - “O Capitalismo e as Artes de Massa” (As Ideias Estéticas de Marx. Vázques, 1978)

- “O Dilema: Arte de Minoria ou de Massa?” (As Ideias Estéticas de Marx. Vázques, 1978)

- “A Arte Verdadeiramente Popular” (As Ideias Estéticas de Marx. Vázques, 1978)

[alemdobvio]

O livro do Dessassossego no contexto modernismo:

O Livro do Desassossego, uma das obras mais emblemáticas de Fernando Pessoa, é uma coletânea de fragmentos que mistura prosa poética, reflexões filosóficas e anotações de um "diário íntimo". Escrito majoritariamente sob o heterônimo Bernardo Soares, o livro reflete um exercício profundo de introspecção e narra as divagações de uma mente solitária e inquieta, que questiona a própria existência, o sentido da vida e o papel da arte. A obra é marcada pelo tom melancólico e pela sensação de alienação, onde o protagonista explora suas percepções sobre o mundo e sua relação consigo mesmo. Publicada postumamente em 1982, após uma longa organização dos escritos deixados por Pessoa, o Livro do Desassossego é considerado uma obra aberta e inacabada, dada a estrutura fragmentada que permite múltiplas interpretações.

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Fernando Pessoa: Fernando Pessoa (1888-1935) foi um dos mais importantes poetas da língua portuguesa e figura central do Modernismo português. Poeta lírico e nacionalista cultivou uma poesia voltada aos temas tradicionais de Portugal e ao seu lirismo saudosista, que expressa reflexões sobre seu “eu profundo”, suas inquietações, sua solidão e seu tédio.

Fernando Pessoa foi vários poetas ao mesmo tempo, criou heterônimos - poetas com personalidades próprias que escreveram sua poesia e, com eles procurou detectar, sob vários ângulos, os dramas do homem de seu tempo..

Infância e Juventude: Fernando Antônio Nogueira Pessoa nasceu em Lisboa, Portugal, no dia 13 de junho de 1888. Era filho de Joaquim de Seabra Pessoa, natural de Lisboa, que era crítico musical, e de Maria Magdalena Pinheiro Nogueira Pessoa, natural dos Açores. Ficou órfão de pai aos 5 anos de idade.

Seu padrasto era o comandante militar João Miguel Rosa, que foi nomeado cônsul de Portugal em Durban, na África do Sul. Acompanhando a família Fernando Pessoa seguiu para a África do Sul, onde recebeu educação inglesa no colégio de freiras e na Durban High School.

Carreira Literária: Em 1901, Fernando Pessoa escreveu seus primeiros poemas em inglês. Com 16 anos já havia lido os grandes autores da língua inglesa, como William Shakespeare, John Milton e Allan Poe.

Em 1902 a família voltou para Lisboa. Em 1903, Fernando Pessoa retornou sozinho para a África do Sul e frequentou a Universidade de Capetown.

Pessoa regressou para Lisboa em 1905 e matriculou-se na Faculdade de Letras, porém deixou o curso no ano seguinte. A fim de dispor de tempo para ler e escrever, recusou vários bons empregos. Só em 1908 passou a trabalhar como tradutor autônomo em escritórios comerciais.

Em 1912, Fernando Pessoa estreou como crítico literário na revista “Águia” e como poeta em “A Renascença” (1914). A partir de 1915 liderou o grupo mentor da revista “Orpheu”, entre eles, Mário de Sá-Carneiro, Raul Leal, Luís de Montalvor, Almada-Negreiros e o brasileiro Ronald de Carvalho.

A revista foi a porta-voz dos ideais de renovação futurista desejados pelo grupo, defendendo a liberdade de expressão numa época em que Portugal atravessava uma profunda instabilidade político-social da primeira república. Nessa época, criou seus heterônimos principais.

A revista Orpheu teve vida curta, mas enquanto durou, Fernando Pessoa publicou poemas que escandalizaram a sociedade conservadora da época. Os poemas “Ode Triunfal” e “Opiário”, escritos por seu heterônimo Álvaro de Campos, provocaram reações violentas levando os “orfistas” a serem apontados, nas ruas, como loucos e insanos.

Contexto e Estrutura: O livro é um "diário íntimo" e um conjunto de fragmentos reflexivos e contemplativos que expressam o desassossego, ou inquietação, de seu narrador. Ele reflete sobre temas como o sentido da vida, a solidão, a identidade, a passagem do tempo, a dor da existência e a impossibilidade de uma satisfação plena. É um texto híbrido, que combina poesia, filosofia e prosa de uma forma inovadora, sem uma narrativa linear ou trama tradicional.

A estrutura do Livro do Desassossego é fragmentada e não segue uma ordem cronológica. Essa característica é um reflexo do próprio título: “desassossego” implica inquietação, um estado de espírito que recusa uma unidade coesa ou uma lógica rígida. A organização de seus fragmentos foi o trabalho de diversos pesquisadores e editores, que tentaram, ao longo dos anos, dar uma forma à coletânea de notas e reflexões deixadas por Pessoa.

Narrador: Bernardo Soares

Bernardo Soares, o narrador, é um semi-heterônimo de Pessoa, descrito pelo próprio autor como uma figura que é “uma mutilação de [sua] personalidade”. Diferentemente dos heterônimos completos, como Álvaro de Campos, Ricardo Reis e Alberto Caeiro, Bernardo Soares possui uma personalidade mais próxima do próprio Pessoa. Ele é um ajudante de guarda-livros que vive em Lisboa e é caracterizado por uma existência monótona, voltada para a introspecção e o desinteresse pelo mundo externo. Seus pensamentos são intensamente introspectivos, buscando compreender a angústia e o tédio que sente em relação à vida.

Temas Centrais

Solidão e Alienação: O livro expressa a solidão profunda e o isolamento do indivíduo. Bernardo Soares se sente desconectado do mundo e das pessoas ao seu redor, o que reflete a sensação de alienação moderna.

A Impossibilidade da Felicidade: A felicidade, para o narrador, é algo inatingível. Ele acredita que a própria natureza da vida impede uma satisfação plena, e seu estado de "desassossego" é causado pela consciência da insatisfação inerente à condição humana.

Autoconhecimento e Reflexão Filosófica: A obra é uma busca constante pelo autoconhecimento. Soares tenta compreender o que sente e pensa, explorando questões filosóficas sobre a identidade, o ser e o nada.

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A frase de Bernardo Soares no Livro do Desassossego — "sem fé, não temos esperança, e sem esperança não temos propriamente vida" — explora a relação entre fé, esperança e o sentido da existência humana. A fé, mencionada aqui, pode ser entendida não apenas como uma crença religiosa, mas como uma confiança fundamental em algo maior, que dá sentido à vida. Soares sugere que, sem essa fé essencial, não existe esperança, que é a expectativa de algo positivo ou significativo no futuro.

A esperança, por sua vez, é descrita como a base de uma "vida propriamente dita". Ou seja, sem um sentido ou objetivo que nos impulsione, a vida perde sua essência, tornando-se uma mera passagem no tempo, desprovida de significado. No contexto do Livro do Desassossego, essa visão reflete a angústia e o ceticismo do narrador, que vê a ausência de fé e esperança como um vazio existencial. Assim, para ele, viver sem fé e esperança é como viver sem uma verdadeira razão, pois ambos fornecem a energia emocional e espiritual que sustentam a vida.

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Saiba mais:

Fatos curiosos:

Obra Inacabada e Fragmentada: Pessoa nunca organizou o Livro do Desassossego em uma versão definitiva. Os textos foram encontrados após sua morte, espalhados em fragmentos, folhas soltas e cadernos, o que tornou a edição um desafio. Por isso, a obra foi organizada por vários editores, com diferentes seleções e sequências dos textos, o que resulta em variações entre as edições.

Bernardo Soares como Semi-Heterônimo: Pessoa criou mais de cem heterônimos, mas Bernardo Soares é descrito como um "semi-heterônimo" porque ele é uma figura mais próxima do próprio Pessoa, quase uma extensão de si. Pessoa dizia que Soares era "uma mutilação de [sua] personalidade", ou seja, uma versão sua, mas sem algumas características que ele possuía.

Escritura ao Longo de Vinte Anos: Pessoa trabalhou no *Livro do Desassossego durante quase duas décadas (cerca de 1913 a 1935), mas sempre de forma intermitente e sem um planejamento claro. Isso dá ao livro uma sensação de "diário eterno", como se fosse uma obra de reflexões pessoais sempre em progresso.

Inspiração na Monotonia da Vida Cotidiana: Bernardo Soares era um ajudante de guarda-livros que vivia uma rotina tediosa em Lisboa. Pessoa usou essa rotina como uma forma de simbolizar a vida ordinária e a busca por significado em uma existência sem grandes eventos, refletindo sobre as questões profundas a partir das tarefas mais comuns do dia a dia.

Primeira Edição Pós-Morte: O livro foi publicado pela primeira vez quase 50 anos após a morte de Pessoa, em 1982.

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Glossário:

Angústia: Estado emocional de inquietação e sofrimento psíquico que domina o narrador, frequentemente associado à falta de propósito ou significado na existência humana.

Cotidiano: Conjunto das acções praticadas todos os dias e que constituem uma rotina.

Desassossego: Palavra que dá título ao livro e simboliza a inquietação constante do narrador. Representa a insatisfação crônica e o incômodo existencial diante da vida.

Divagação: ato ou efeito de divagar, de vaguear ou andar sem rumo.

Existencialismo: FILOSOFIA doutrina (oposta ao essencialismo) que considera o homem como tema central da reflexão filosófica e propende a minimizar as ideias abstratas, os conceitos universais (as essências), a favor das realidades concretas e individuais (as existências)

Fragmentação: ato ou efeito de reduzir a pedaços ou partir em bocados

Heterônimo: Nome e personagem inventados por um autor para assinar obras com estilos literários diferentes (ex.: o escritor Fernando Pessoa criou dezenas de heterónimos, mas os mais famosos são Alberto Caeiro, Álvaro de Campos, Bernardo Soares e Ricardo Reis).

[fermentandome]

3

Tres años de un cambio de raíz, un arranque. La bomba escorpiana. El camino del vino como norte y senda. Que zigzaguea y es como el cauce de un río, abre rumbos, fluye.

Busco rendir homenaje a una transformacion desde la vocación. La manera en que una bebida genera un estado de bienestar tan puntual que hace vibrar las energías entre las personas y con unx mismx. Desenvuelve la mente y la emoción, abre posibilidades, estimula imaginar, sensibiliza los sentidos, afloja la boca, sale la voz, damos entidad a nuestra verdad. Se abre un canal de posibilidades. Y se combina con el de otrxs. Se genera el micelio humanx.

También hay bacterias, levaduras, hongos, microorganismos con los que interactuamos. Hay un paisaje que se devela cuando ellxs fermentan y nosotrxs acompañamos para preservarlo y saborearlo.

Con la práctica entendemos que el control es contemplativo, la observación, la sensibilidad y el contacto presente con lo que sucede, el entorno todo, una mirada panorámica.

En la fermentación no hay error, el error es creer que algo se perdió. O que no puede seguir mutando.

Creación, cuidado, arte y magia.

Comunidad siendo, viviendo entorno.

El vino es la ciclicidad perpetua.

[rosasepulcro]

Em meio uma torrencial manhã chuvosa, inerte a uma atmosfera densa de introspecção, a incessante sinfonia das gotas que caem sobre o telhado propicia cenário propício para minhas reflexões profundas— Este clima tempestuoso, que parece ressoar com a turbulência interna que todos, em um momento, enfrentamos, transforma a cozinha em um espaço de criação e pura desordem, onde os aromas e sabores da culinária coreana se entrelaçam em um deleite sensorial— minha preparação do Bulgogi é a primeira empreitada nesta jornada gastronômica. A carne bovina fora escolhida com esmero, é meticulosamente fatiada, revelando as suas veias e texturas. A marinada, uma alquimia de molho de soja, açúcar mascavo, alho picado e óleo de gergelim, transforma a carne em um néctar de sabor, enquanto a mistura amalgama, a atmosfera é impregnada por um bouquet aromático que nos remete às vivências compartilhadas em torno da mesa. Neste ambiente caótico, a cozinha parece refletir o tumulto da chuva do lado de fora— os utensílios espalhados, tigelas e ingredientes deixados em desorde. um microcosmo da intensidade emocional que permeia a noite. A transformação do crudo ao cozido é quase poética, um testemunho da metamorfose que acontece quando a paixão funde à culinária. Logo, o aroma inebriante do Bulgogi se entrelaça com o do Tteokbokki— é um prato que, por sua vez, evoca recordações nostálgica. O arroz, em sua robustez, é submerso em um molho vibrante de gochujang, trazendo à tona uma explosão de sabor picante misturado ao agridoce, À medida que o molho espesso se adere aos tteoks os sabores que dançam no paladar. Os vegetais salteados adicionam um toque de frescor à experiência, enquanto a combinação de texturas se revela em cada garfada. Esta experiência, embora simples à primeira vista, é um testemunho da riqueza, transformando os ingredientes modestos em algo extraordinário. Após o frenesi culinário, decido dar um passeio. A rua, deserta envolta na penumbra, aguarda minha presença. Levo comigo minha fiel companheira, Sabrina, uma gata de porte elegante e olhar perspicaz. a sua companhia torna a solidão da noite menos opressiva, e vagamos sob a chuva que agora se transforma em uma leve garoa. A serenidade que a acompanha contrasta com a tempestade que se desenrolava n’meu interior momentos antes. À medida que andamos, meus passos nos conduz uma loja de discos. A vitrine, iluminada de forma tênue, se revela novos álbuns que chama minha atenção. O ritual de folhear capas e de sentir a textura do vinil sob meus dedos e absorver a arte que as envolve é uma experiência quase transcendente. A pura música, quando finalmente toca, preenche o ar; é melodia que reverbera na alma, criando uma conexão íntima entre os sons e a essência da noite— Retornando para casa, a cozinha ainda está emaranhada em ingredientes e utensílios, percebo a bagunça, é um reflexo da minha vida. Cada prato preparado, cada passo dado, e nota musical absorvida, compõem um mosaico de experiências que, apesar de caóticas se revelam extraordinárias em sua própria essência. A noite, que começou como um desvio do cotidiano, transforma-se em um verdadeiro banquete para os sentidos. Nesta noite chuvosa, rica em intensas nuances, a união do preparo da comida, o passeio contemplativo com e a descoberta musical se entrelaçam em uma tapeçaria de momentos. É nesses pequenos instantes que encontramos o significado mesmo quando o mundo parece tumultuado. Merecemos aproveitar o momento do dia.

[juanvaldescesar]

10 razones por las que el "David" de Miguel Ángel es tan asombroso:

1. La colosal figura es de 17 pies de altura, equivalente a un edificio de 2 pisos. Fue tallado en un enorme bloque de mármol de Carrara.

2. El bloque del que fue cortado estaba dañado. Dos escultores fueron encargados de la comisión antes de que Miguel Ángel asumiera el control, pero ninguno pudo trabajar con éxito la piedra de baja calidad proporcionada.

3. La forma de David explicaba las limitaciones de la piedra. Él es delgado de figura y su cabeza está apuntando a un lado, porque el bloque era demasiado estrecho para que pudiera mirar hacia adelante. Su posición contraposto explicaba un agujero que ya existía en el mármol entre las piernas.

4. Miguel Ángel tenía sólo 26 años cuando lo empezó y 28 cuando terminó. Ya era uno de los mejores escultores vivos en ese momento, después de haber completado la "Pietà" con la incredulidad total de Roma cuando tenía 24 años.

5. Originalmente estaba destinado a sentarse sobre la línea de techo de la Catedral de Florencia. Cuando se completó, era simplemente demasiado hermoso, y grande, para ser izado allí arriba, y en su lugar se mostró en el Palazzo della Signoria.

6. Estudios modernos han encontrado que es anatómicamente perfecto, excepto por un pequeño músculo que falta en la espalda. Michelangelo, quien estudió anatomía escrupulosamente, sabía esto, más tarde escribió que estaba limitado por un defecto en el mármol.

7. La vena yugular en el cuello de David es abultada, apropiada para alguien en estado de miedo o emoción (como lo habría sido el joven pastor). Miguel Ángel evidentemente sabía que esto era una característica del sistema circulatorio, pero la ciencia médica no documentó este descubrimiento hasta dentro de 124 años.

8. Fue estilísticamente innovador. Interpretaciones anteriores de David, como las de Donatello y Verrocchio, lo representaron victorioso sobre el ya asesinado Goliat. Aquí, está en el precipicio de la batalla, su mirada intensa y su frente fruncida representando un momento contemplativo.

9. David representa la forma y proporción masculina idealizada, un tema común de la escultura griega clásica. Pero el trabajo de Miguel Ángel es mucho más naturalista, arraigado en un entendimiento anatómico que superó con creces a los griegos. David es a la vez una hermosa representación del ideal, pero sorprendentemente real, un logro definitorio del Renacimiento italiano.

10. Hoy, alrededor de 1,5 millones de personas visitan a David cada año. Ha vivido en la Accademia Gallery de Florencia desde hace 150 años, desde que fue trasladada al interior en 1873 para protegerla de los elementos.

Como era de esperar, David se ganó la admiración del gran artista e historiador renacentista Giorgio Vasari:

"Cuando todo estaba terminado, no se puede negar que esta obra se ha llevado la palma de todas las demás estatuas, modernas o antiguas, griegas o latinas; ninguna otra obra de arte es igual a ella en ningún aspecto, con tal justa proporción, belleza y excelencia la terminó Miguel Ángel. "

Ésto sí es ARTE.

[rfb-brasil]

•10 razões pelas quais "David" é tão incrível:

1. A figura colossal tem 17 pés de altura, o equivalente a um prédio de 2 andares. Foi esculpida em um enorme bloco de mármore de Carrara.

2. O bloco que foi cortado estava danificado,dois escultores foram encarregados da encomenda antes de Michelangelo assumir o controle, mas nenhum deles conseguiu trabalhar com sucesso a pedra de baixa qualidade fornecida.

3. O jeito de David explicava as limitações da pedra.

Ele é magro e sua cabeça está apontando para o lado porque o bloco era estreito demais para ele olhar para frente.

A posição contrastante deles explicava um buraco que já existia no mármore entre as pernas.

4. Miguel Angel tinha apenas 26 anos quando começou e 28 quando terminou.

Ele já era um dos melhores escultores vivos na época, tendo completado a "Pietà" com total descrença em Roma quando tinha 24 anos.

5. Originalmente, ela deveria ficar na linha do teto da Catedral de Florença.

Quando concluído, era simplesmente bonito e grande demais para ser içado lá em cima e, em vez disso, exibido no Palazzo della Signoria.

6. Estudos modernos descobriram que é anatomicamente perfeito, exceto por um pequeno músculo faltando nas costas.

Michelangelo, que estudou anatomia escrupulosamente, sabia disso, mais tarde escreveu que ele era limitado por um defeito no mármore.

7. A veia jugular no pescoço de Davi está saliente, apropriada para alguém em um estado de medo ou excitação (como o jovem pastor teria estado).

Miguel Angel obviamente sabia que isso era uma característica do sistema circulatório, mas a ciência médica não documentou essa descoberta até 124 anos depois.

8. Era estilisticamente inovador. Interpretações anteriores de Davi, como as de Donatello e Verrocchio, o representavam vitorioso sobre o já assassinado Golias.

Aqui, ele está no precipício da batalha, seu olhar intenso e testa franzida representando um momento contemplativo.

9. David representa a forma e a proporção masculina idealizada, um tema comum na escultura grega clássica.

Mas o trabalho de Michelangelo é muito mais naturalista, enraizado na compreensão anatômica que ultrapassou em muito os gregos.

David é uma bela representação do ideal, mas surpreendentemente real, uma conquista definidora do Renascimento italiano.

10. Hoje, cerca de 1,5 milhão de pessoas visitam David a cada ano.

Ele vive na Galeria Accademia em Florença há 150 anos, desde que foi movido para dentro em 1873 para protegê-lo dos elementos.

Como esperado, David ganhou a admiração do grande artista e historiador renascentista Giorgio Vasari:

"Quando tudo foi concluído, não se pode negar que esta obra tomou a palma de todas as outras estátuas, modernas ou antigas, gregas ou latinas; nenhuma outra obra de arte é igual a ela de forma alguma, com tamanha proporção, beleza e excelência foi finalizada por Miguel Angel.

[solesamor]

𝗔 𝗹𝗮𝘀 𝗔𝗴𝘂𝗮𝘀 𝘆 𝗮 𝗹𝗼 𝗦𝗶𝗹𝘃𝗲𝘀𝘁𝗿𝗲

📷Artista © Sol García – @solesamor

[calladaruidosa]

Apuntes de un taller

Necesidades Hambre. Nutrición Emocional Social

5-6 años Para hacer arte hay que tener esos nucleos Eje naturaleza

Cuentos interactivos Se mueve a través de las imágenes y la voz

¿Qué requisitos tendría que tener un cuento por edades?

Cuento interactivo Buscar un cuento por nivel

Música Postura, movimiento Dibujo Integración social Emocional

Taller experimental.

Buscar cuentos. Diagnóstico.

Cuatro niños Cuatro cuentos Cuatro

Hemisferio derecho, pensamiento creativo

Anti escuela

Pregnancia Epigenetica Lo que queda

Hemisferio derecho Contemplativo, presente, "viviendo como un buda" Ve totalidades, hemisferio holístico

[teiadeprosaeverso]

Michael and Me

Só agora me dei conta de que Michael Jackson fez parte da minha vida inteira. Crescemos juntos. Tínhamos, praticamente, a mesma idade. E sua voz esteve tão presente em minha vida, por mais de três décadas, que olho para trás e não vejo um segmento da minha trajetória sem ele. Michael era dotado de um talento nato, hipnotizante e raro. Tinha a “tecnologia” de um cometa. Parecia um ser de algum recôndito encantado, tal o poder enfeitiçador que possuía. Por isso sempre demonstrei pelas suas aparições o mesmo interesse que tenho por um eclipse. Corria para ver. Confiava nele. Sabia que ele era uma fonte segura de prazer e beleza, onde eu poderia me banhar quando tivesse que fugir do corriqueiro. Mas, curiosamente, depois de tomar conhecimento do trabalho mais novo, conduzia naturalmente a minha dedicação, como se ele fosse um pássaro ou um desses elementos da paisagem. Elementos que se manifestam divinamente na natureza, mas nem sempre dirigimos a eles um olhar contemplativo. Nos acostumamos com eles. Passamos a vê-los e ouvi-los sem maiores reverências. É assim que eu convivia com Michael, após o impacto do mais novo lançamento: como convivo com as flores, com o pôr-do-sol, com o canto das aves... Como os suecos devem conviver com seus Alpes, e o carioca, com o Corcovado. É curiosa também a constatação agora de que, no decorrer dos anos, não me dei conta de suas metamorfoses. Não percebi, de imediato, as mudanças de aparência, o aumento da estatura. O artista era tão superior ao indivíduo que nem me atentei para detalhes importantes como a mudança do timbre vocal. Assim como me surpreendi com os meus seios crescidos, quando um dia me olhei no espelho, me espantei com Michael cantando "Rock With You" na Tv. Estava enorme o menino - lindo, irresistível e atraente! Concluí, então, que um segmento novo da sua carreira surgia e que o seu talento era mesmo inesgotável. Um dia me apareceu com Thriller. E nem respirei, de tão estática, diante do impacto de um clipe absolutamente original e inovador. A coreografia era para mim impossível, mas, passado o susto, entrei no clima e dancei, hilária, como veio todo o planeta a fazer. Michael Jackson deixa uma escola de arte, um acervo cultural de valor inestimável. O que ele fez ainda é uma grande novidade. E aquele que pretender mergulhar nessas décadas de maicomania vai poder extrair grandes tesouros dessa mina de ouro que foi a carreira de um dos artistas mais completos de todos os tempos. A morte do Rei do Pop me leva agora a um dúbio balanço: me traz uma série de imagens de um dançarino fantástico que, por décadas, encheu minha cabeça de estrelas; e me leva, hoje, a uma reconciliação com esses tempos de ferro que, graças a Michael Jackson, não foram tão ruins. This Is It.

Cristina Ribeiro

[fiorile-arte]

Giacomo Tringali Terra! a cura di Patti Campani

C’è qualcosa di misterioso negli elementi naturali, una fascinazione atavica che ci accompagna e che non riesce a restare nei confini dallo studio scientifico dei fenomeni, per quanto fondamentale esso sia. La Natura ha una verità estetica, che non è spiegabile scientificamente, di fronte alla quale possiamo avere un atteggiamento contemplativo o filosofico, e la Natura è tema filosofico per eccellenza, ma forse solo i poeti o gli artisti possono svelarne il mistero. Fare tutt’uno con le cose vive, ritornare, con un radioso oblio di sé, nel tutto della Natura. Iperione - Holderlin Questo oblio di sé, nel tutto della Natura deriva da una consapevolezza profonda che è parte fondante del pensiero e dell’arte nella storia dell’uomo; consapevolezza che è purtroppo sopraffatta da speculazioni certamente ben meno nobili e meno contemplative. (…) Terra! E’ l’istallazione che Tringali ha realizzato per questa mostra a Fiorile arte. Blocchi di resina che racchiudono frammenti di natura, ciascuno come un germe cristallizzato; un piccolo palco sul quale questa serie di prismi moltiplica la visione di quanto vi è contenuto e sullo sfondo, a parete, sta uno strappo di terra: nero, nudo, violentato. Ma è amorevole il gesto dell’artista perché in quest’opera Giacomo Tringali dichiara la necessità di fissare, per conservarli, istanti dell’universo tangibile: costruisce un riparo intorno all’anima delle cose naturali e ricompone con garbo il lembo di terra. Nel suo minimalismo ha voce forte quest’opera e ci segnala, con le parole dei marinai di lungo corso, il nostro approdo naturale: Terra!

Patti Campani, marzo 2001

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Encontro Marcado com o Destino

O Início de Uma Jornada Artística

Em uma cidade vibrante, onde as ruas sempre zumbiam com a energia dos sonhadores e dos ambiciosos, vivia uma jovem chamada Clara.

Clara era uma artista com um talento especial para capturar momentos efêmeros em suas pinturas, mas, apesar de seu dom, ela lutava para encontrar seu lugar no mundo da arte, um mundo repleto de competição e desafios.

Uma Exposição Transformadora

Clara, no entanto, tinha algo que muitos não possuíam: uma crença inabalável de que seu destino estava de alguma forma, esperando por ela, e que tudo o que precisava fazer era encontrá-lo. Inspirada por essa crença,

Clara decidiu montar uma exposição solo numa galeria local, uma decisão ousada que muitos consideraram prematura.

No dia da exposição, o céu estava pintado com cores vibrantes do pôr do sol, e Clara sentia uma mistura de nervosismo e excitação.

Ela arrumou suas pinturas, cada uma um reflexo de suas jornadas, esperanças e sonhos, e esperou que as portas da galeria se abrissem.

Encontro Marcado com o Destino

Entre os visitantes estava um cavalheiro idoso chamado Sr. Lorne, conhecido na cidade como um colecionador de arte e um patrono das artes.

Logo após, ele caminhou lentamente pela galeria, parando diante de cada obra de Clara, observando-as com uma intensidade que poucos poderiam igualar. Impressionado, o Sr. Lorne aproximou-se de Clara.

Em seguida, com um olhar contemplativo, ele começou a falar sobre as emoções que cada pintura evocava, discutindo as técnicas e as histórias por trás delas.

Por fim, Clara, surpresa e lisonjeada, compartilhou suas inspirações e desafios. Vendo paixão e potencial nas obras de Clara, ele fez uma oferta que mudaria a vida dela para sempre: patrocinar sua próxima série de trabalhos e organizar uma exposição em uma cidade conhecida por sua vibrante comunidade artística.

Consequentemente, Clara, emocionada e quase sem acreditar, aceitou. A exposição foi um sucesso retumbante, lançando Clara em um caminho de realizações artísticas e reconhecimento.

Ela percebeu então que seu encontro com o Sr. Lorne não fora uma coincidência, mas sim um verdadeiro “Encontro Marcado com o Destino”.

Essa história ressalta que, às vezes, o destino nos encontra nos momentos mais inesperados e que a fé em nossos sonhos é o primeiro passo para torná-los realidade.

Clara aprendeu que cada pincelada em sua tela não era apenas tinta; era uma parte de sua alma, um chamado ao destino que estava destinado a ser ouvido.

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