#Primer disco duro

[retrocompmx]

Un día como hoy en la tecnología (13 de septiembre)

El 13 de septiembre de 1956, IBM hizo historia con el lanzamiento del IBM 305 RAMAC, el primer ordenador comercial con disco duro magnético.

Este innovador equipo podía almacenar el equivalente a 64,000 tarjetas perforadas y marcó el inicio del almacenamiento en disco secundario.

Diseñado para mejorar la contabilidad en tiempo real, el IBM 305 RAMAC era un coloso de más de una tonelada, con un disco duro de 5MB que contenía 50 discos de 24 pulgadas.

Aunque su producción terminó en 1961 y fue reemplazado por el IBM 1405, el RAMAC dejó una huella imborrable en la historia de la tecnología.

#retrocomputingmx#historiadelacomputación#retrocompmx#IBM#UnDíaComoHoy

[aricastmblr]

jimin weverse live

En verdad, muchas gracias

jm-No sé qué decir (palabras escritas), así que creo que es mejor decirlo Así que he encendido el vivo 

 jm-Gracias desde el fondo de mi corazón

jm-Gracias por todo jm-Estoy agradecido con las personas que hicieron el álbum juntos. jm- Y estoy muy agradecido por los fans a los que les gustó

jm-No sé qué decir, todos jm- Para ser honesto, esto es posible gracias a Bangtan jm-Y es posible gracias a ARMY

jm-Eso es algo que definitivamente sé

jm-No estaba pensando en los gráficos y los resultados... Así que estoy aún más agradecido.  ¡No sé lo que estoy sintiendo en este momento, especialmente hoy, no sé cómo expresar mis pensamientos!

jm-Como no sé las emociones que estoy sintiendo en este momento, es más difícil expresar con palabras lo que estoy sintiendo en un día como hoy.

jm-Honestamente, sentí que me faltaba (estaba débil), ¡pero trabajaré más duro! Soy consciente de cuánto me están animando y apoyando, así que trabajaré más duro para crecer.

jm-Mi papá llamó antes y me dijo que está orgulloso 

jm-Gracias por todo 

jm-Cuando le dije a mi papá que hice un disco y fue el primer disco Mi papá escuchó las canciones en casa y dijo "Appa está muy triste" y lloró 

jm-Pero (yo/él) no esperaba que este álbum recibiera tanto amor

jm-Estoy tan feliz de que a todos les haya gustado/amado (álbum) 

jm- (comenta a hobi que escribio)LOL hobi hyung se ríe y luego agrega el "..." después

jm-Namjoon hyung también me llamó! Recibí un cumplido del líder diciéndome que está orgulloso de mí.

jm-Muchas gracias chicos y lo siento por ir en vivo en este momento tardío.

jm-Ya son las 4 AM

jm-Estoy más orgulloso de ustedes y orgulloso de bangtan. ¡Hoy fué un día feliz!

jm- ¡Él también nos decía que anheláramos las cosas que Yoongi preparó porque ha estado trabajando duro!  Trabajaré más duro para convertirme en un artista del que puedas estar más orgulloso.

jm-Como terminaron las promociones, quería agradecerles a todos y publicarlo. Este es TMI, ayer mientras descansaba y hace tiempo que no comía mucho y debí haberlo comido apurado.. Comí todo lo que quería comer y terminé con malestar estomacal 

jm-Llegó al punto de que no pude usar mi teléfono hasta la mañana y tenía fiebre porque comía a toda prisa. 

jm-Se suponía que debía escribirte y seguí pensando en ello, pero como tengo malestar estomacal, no pude hacer mucho. 

jm-No estaba enfermo, solo comí apurado

jm-Pero saben que es gracioso, ya que aun quería seguir comiendo pero me esta costando mucho porque no me siento bien jm-Pero igual quería comer kkkk jm-Entonces creo que por eso empeoró kkk jm-Me sentía mejor por la noche

jm-No logré comer ramyeon picante esta vez 

jm-comí ramyeon (lee comentarios)

jm- (lee)soy la esposa de jungkookie

jm- creo que jungkookie esta durmiendo ahora mismo

jm-Gracias por hoy lo haré feliz.. no sé si podré dormir pero intentaré dormir Gracias por hoy, los amo y gracias Trabajaré duro Me esforzaré más y lo haré mejor

jm-Haré mi mejor esfuerzo Slso para que puedas estar más orgulloso de mí como cantante/artista ¡Vale! Iré ahora te amo me voy a dormir y buenas noches a todos Y gracias a todos los fans internacionales Por favor, que tengas un feliz día hoy. Gracias y te quiero

[compiladovirtual-antr]

primer post

este blog es un ejercicio exploratorio de la permanencia en internet y la curatoría de mi propia producción escrita.

para comenzar se publicarán ensayos, artículos e ideas realizadas a lo largo de mi proceso como estudiante de antropología, textos que no quiero descartar ni dejar en el olvido de un disco duro.

9 de febrero, 2024 :)

[taeminsp]

19.10.2023 | 231019 Entrevista a Taemin para "Paris Match", publicada en la página web oficial de la revista.

📰 Publicación 19/10/2023 a las 20:01 🔗Fuente

📝 Traducción:

🗞️Introducción:

El cantante de K-Pop Taemin del grupo SHINee, formó parte del cartel final en el festival M Countdown en París. Lo conocimos unas horas antes del espectáculo.

Hay artistas que unen a generaciones de fans. Taemin es uno de ellos. Fue en el año 2008, que el público lo conoció por primera vez, cuando debutó en el escenario como parte del grupo SHINee. Él tenía solo catorce años. Acompañado de sus cuatro compañeros, Onew, Jonghyun, Key y Minho, hacen de su grupo una referencia en cuanto a actuación escénica.

Taemin lanzó su primer EP en solitario, “Ace”, en 2014. Taemin, un bailarín consumado, que se desliza hacia el centro de atención con elegancia, como si ahí fuera donde debería estar. Gana confianza, afirma su identidad sonora, navegando entre la sensualidad y la delicadeza. Siguen álbumes en solitario, conciertos con entradas agotadas mientras sus colegas de SHINee se van al servicio militar.

Entonces llegará su turno. Deja a sus Shawols (nombre del fandom de SHINee) con un último mini-álbum, “Advice”, publicado en mayo de 2021 antes de retirarse por casi dos años. El prodigio de la escena del K-Pop regresó en abril de 2023. SHINee se encuentra inmediatamente en el estudio, donde grabaron “HARD”, su octavo álbum. El 30 de octubre será el turno de Lee Taemin, ahora de 30 años, fecha en la que lanzará su cuarto mini-álbum en solitario “Guilty”.

París Match conoció al “ídolo de los ídolos”.

🗞️Entrevista:

Actuación de París. ¿Cómo van los preparativos de su nuevo álbum?

Taemin: Ha pasado mucho tiempo desde que saqué un álbum en solitario. Tuve una pausa de dos años y volví a hacerlo, con cierta inquietud. Creo que es un álbum donde se encuentran la emoción, la presión y otras emociones. Trabajamos muy duro en ello e hice lo mejor que pude. Si te gusta, eso será lo principal.

¿Participaste en su preparación?

No, en este no.

Elegiste “Guilty” (culpable) como título. ¿Te sientes culpable por algo?

Ah, no fui yo quien decidió el nombre. Este era el nombre provisional del proyecto. Pero sentí que el título “Culpable” podría despertar curiosidad. Ya está provocando algo. Por eso pedí que nos quedáramos con este título.

Pasaste un tiempo alejado de los estudios de grabación y de los escenarios. ¿Cómo anticipabas tu regreso?

Siento que estoy abriendo un segundo acto. El mercado del K-Pop está cambiando muy rápidamente. Dos años alejado de los escenarios, al final no es tanto pero sí suficiente para que haya cambios importantes. Por eso hay cierta presión. Pero sobre todo me gusta crear y presentar nuevos discos y nuevas canciones. Es divertido y emocionante. De hecho, es sólo la anticipación de pensar en cosas nuevas. Siempre será más fuerte que el estrés.

¿Qué te queda por hacer como Taemin?

Por encima de todo, quiero establecer mi identidad como Taemin. Llevo quince años recibiendo mucho cariño de los fans y del público. Pero después de dos años alejado de todo eso, me digo a mí mismo que este primer período en realidad duró poco. Quiero ser amado por mucho tiempo. Espero poder seguir recibiendo este tipo de amor.

Eres el modelo a seguir para muchos nuevos cantantes de K-Pop. Incluso te apodan “el ídolo de los ídolos”. Como ves esto?

Ah… (risas) Siento estrés y eso me anima a seguir adelante. Me digo a mí mismo que si puedo inspirar a otros, eso es algo bueno. En el pasado, yo mismo me he inspirado en muchos cantantes de K-Pop y sus carreras. Si hoy tengo que ser yo quien influya, estoy muy orgulloso de ello. Espero seguir influyendo positivamente en las nuevas generaciones.

¿Tienes un plan de gira que incluya Francia, en solitario o con SHINee?

¡Claro! De hecho, me gustaría hacer una gira mundial porque hay muchos fans esperándonos y apoyándonos. Es muy impresionante. Ya he venido a Francia con SuperM [grupo especial creado con miembros de SHINee, EXO y NCT, nota del editor] pero nunca para un concierto solo o con SHINee. Me encantaría venir, solo o con el grupo. Pero la gira no será para este año, sino para el año que viene. Pero es sólo un proyecto...

Si hubiera una canción de Taemin para que la escuchara alguien que no te conoce, ¿cuál sería?

Es difícil ! (risas). Creo que sería "Mover". Esta canción es la que me representa mejor. Realmente tiene toda mi identidad en ella. ¡Realmente lo recomiendo!

¿Qué te gusta hacer cuando estás en París?

Mi momento favorito cuando vengo es el período entre la noche y el amanecer. Me encanta el paisaje y la calma de esos momentos. Hace un tiempo vine a grabar el vídeo de “Think of You”. Tengo buenos recuerdos...

[ministeriosapasionadosxcristo]

#El_desbordamiento_de_tu_corazón

“…Porque de la abundancia del corazón habla la boca.” —Mateo 12:34.

¿Has dicho algo recientemente que desearías no haber dicho? La Biblia dice que tus palabras revelan lo que está pasando dentro de ti. Si hablas palabras negativas de derrota, menosprecias a los demás y te quejas todo el tiempo, es una señal de que necesitas reenfocar tu corazón y tu mente. Es una señal de que tu “desbordamiento” está contaminado.

Nuestros cuerpos funcionan como una computadora. Lo que pones en el disco duro de tu corazón aparecerá en el monitor de tu boca. La buena noticia es que puedes reprogramar tu mente de la misma manera que puedes reprogramar una computadora. La Biblia dice que nuestras mentes son renovadas, o reprogramadas, por la Palabra de Dios. Cuanto más leas y estudies Su Palabra, más te transformará de adentro hacia afuera. Comience hoy pidiéndole al Señor que le revele cualquier cosa que necesite cambiar en su corazón. Haz que Él sea el primer lugar en tu vida. Llena tu corazón del buen tesoro de la Palabra de Dios para que de tu boca salgan bendiciones. Deje que el desbordamiento de su corazón se llene de fe y expectativa, y verá la mano de bendición de Dios en cada área de su vida.

[knobmarketing]

7 consejos de edición de video para un video de marca profesional

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7 consejos de edición de video para un video de marca profesional

Te has estado reuniendo con tu cliente durante semanas. Has hecho una lluvia de ideas sobre tu estrategia de video y has definido el guión gráfico. Acabas de terminar de grabar todo el metraje.

A continuación: edite su video. ¿Cómo puede transformar su metraje sin procesar en un video profesional que su cliente pueda compartir con el mundo?

Hay muchas cosas en las que ponerse al día durante la edición y la posproducción. Sigue estos 7 consejos de edición de video para mantenerte en la tarea y asegurarte de que nada se te pase por alto.

1. Haz una copia de seguridad de todo.

Lo primero es lo primero, ¡haz una copia de seguridad de tus imágenes! Vas a hacer muchos cortes durante el proceso de edición. Estos serán significativamente más fáciles de hacer si sabe que tiene una copia de todo guardado en un lugar seguro.

Guarda tu metraje en dos ubicaciones diferentes. Recomendamos guardarlo en su computadora, así como en un disco duro externo o almacenamiento en la nube como Dropbox o Google Drive.

2. Revisa tu metraje.

Ahora comienza la diversión. Mire cuidadosamente a través de todas sus imágenes. No te vuelvas perezoso aquí y desconéctate; ¡podrías perderte el money shot! Si necesitas tomarte un descanso, hazlo, pero es fundamental que lo observes todo con los ojos bien abiertos.

Cuando encuentre imágenes malas, bórrelas. ¡El espacio es como el oro durante el proceso de edición! Recuerde que siempre puede recuperarlo de su copia de seguridad si es necesario, y realmente solo necesitará unos pocos clips para producir un video de marca exitoso. Menos es más aquí.

Toma notas sobre el tiempo y los clips que quieras usar para el siguiente paso.

3. Comienza a crear la historia.

En este punto, tienes un montón de clips con los que trabajar. Sincroniza el audio de todo lo que decidiste conservar. Organiza lo que tienes en escenas y comienza a crear la historia con el metraje seleccionado.

Si tiene una entrevista o una voz en off, permita que el audio estructure su video. Obviamente, querrá incluir imágenes de la entrevista en sí, agregando dinámica con tomas de primer plano y gran angular. Más allá de la entrevista, puede transferir el audio para completar su material de archivo de tomas en movimiento. Estas tomas en movimiento son esenciales para darle dimensión a su historia e ilustrar de qué está hablando el entrevistador.

Si alguna de tus tomas de movimiento está inestable, ve si puedes reemplazarla con otra cosa. Es posible que pueda guardar algunos de estos en la posproducción, pero se ahorrará algo de tiempo si puede encontrar imágenes de mejor calidad con las que trabajar.

4. Resalta los sentimientos con la música.

Ahora que tiene una idea del metraje y un resumen de cómo se desarrollará la historia, use música para ayudar a contar esa historia. Para una excelente selección de música libre de regalías, recomendamos PremiumBeat y AudioJungle.

Al elegir tu música, piensa en la emoción que intentas provocar en tu público objetivo. Puedes buscar por estas emociones. A partir de ahí, elige una canción que tenga algo de dinamismo; un ritmo repetitivo puede volverse molesto en un video. Aunque, no elijas nada demasiado dinámico. Quieres que tu música complemente la entrevista, no que la domine.

Para que la pista se ajuste a su video, haga coincidir su metraje con el ritmo de la canción.

5. Haz más cortes.

A estas alturas, el metraje empieza a parecerse realmente a un vídeo. Desafortunadamente, eso significa que es hora de hacer algunos recortes más drásticos.

Recuérdese el objetivo del video. ¿La historia que está creando comunica efectivamente el objetivo? ¿Qué puedes eliminar que no?

También tenga en cuenta la estrategia de marketing de vídeo del cliente: ¿dónde compartirá su cliente el vídeo? Lo más probable es que estén planeando usarlo en las redes sociales. Si ese es el caso, cuanto más corto sea el video, mejor. Las personas pierden interés con los videos largos y muchas plataformas (incluida Instagram) limitan la duración permitida del contenido de video.

Incluso si no está compartiendo su video en las redes sociales, cuanto más rápido pueda llegar al punto con su video, más efectivo será. Trate de no pasar de 1 a 2 minutos de duración.

6. Añade las transiciones.

Al igual que la música, las transiciones de su video también dependen de las expectativas del público objetivo de su cliente y del objetivo general del video.

Un video con transiciones intensas puede ser emocionante para una marca de aventuras o para una vista previa de un evento. Por otro lado, en un video estilo entrevista, debes ser selectivo con tus transiciones. Confíe demasiado en las transiciones y el video puede volverse cursi rápidamente.

En Knob Marketing, normalmente limitamos las transiciones con videos de entrevistas a uno o dos. Es suficiente dividir el video y agregar algo de interés visual, sin restar valor al mensaje general.

7. Corrige el color.

La corrección de color es el paso final y necesario en un video de nivel profesional. Las imágenes en bruto a menudo están sobresaturadas. Para evocar el estado de ánimo de su video y hacer que todos se vean lo mejor posible, debe equilibrar los colores con la corrección de color.

Sea juicioso aquí, tal como lo hizo con las transiciones. Exagerar en la corrección de color puede distraer al espectador. En lugar de concentrarse en el mensaje del video, comienzan a preguntarse por qué se ve "apagado".

En Adobe Premiere, el panel Ámbitos de Lumetri incluye varios ajustes preestablecidos de color integrados. Para una corrección de color precisa, recomendamos usar uno de estos como base y ajustar desde allí. También puede usar la rueda de colores para calentar o enfriar su video según sea necesario.

Mejore su edición de video con ayuda profesional

Estos consejos de edición de video lo ayudarán a comenzar, pero como puede imaginar, hay muchos matices en la edición de video profesional. Para asegurarse de que su video salga como lo imagina, sin tener que pasar años aprendiendo los entresijos de la edición de video, contrate a un profesional.

En Knob Marketing, nos encargamos de todos los aspectos de la producción de videos, desde la estrategia inicial hasta la edición y la promoción. Ya sea que esté buscando promocionar su próximo evento, compartir la historia de su marca o producir contenido para redes sociales, nuestros servicios de video marketing pueden llevar su visión a la pantalla. Obtenga más información y vea nuestro trabajo de video anterior aquí. Centro de Espectro Dr,

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[weishentrad]

WayV: la boyband china entra en su nueva era

Kun, Ten, Xiaojun, Hendery y YangYang de WayV se sientan con Taylor Glasby para hablar de su historia, su nuevo single y la noche en que todos acabaron llorando.

11 de Enero 2023

Texto por Taylor Glasby

Traducción por Xirui (S.) | weishentrad

Tres días antes del año nuevo, WayV, la subunidad china de NCT – el grupo de chicos de 23 miembros creado por el gigante del K-pop SM Entertainment – lanzó Phantom, su primer álbum desde el disco de platino Kick Back en marzo de 2021. Kun, Ten, Xiaojun, Hendery y YangYang (WinWin está ausente en esta entrevista) estaban nerviosos durante la preparación de Phantom, incluso más que cuando debutaron en enero de 2019. “Todo para el debut estaba preparado, todo está listo para ti”, dice Ten, de 26 años, el ágil vocalista y bailarín de la banda, nacido en Tailandia. “Pero tener un comeback, y si no has tenido uno en (casi) dos años, hay mayores expectativas,” añade, un sentimiento compartido por el también hablante de inglés fluido YangYang, rapero y el más joven de WayV con 22 años. 

Su debut fue la versión china de “Regular” de NCT 127. Visualmente futurista, sentó un precedente para sus próximos videos: una distopía de ciencia ficción de naves espaciales sucias, habitaciones inundadas de neón, escenarios en ruinas y localizaciones abandonadas-, pero aunque WayV incorpora EDM con sonido mecánico favorito de NCT ("Bad Alive", " Kick Back”), la firma de su obra es un sentido épico de la escala. Capas y capas de cuerdas, piano, guitarras y metales convierten singles y profundas canciones como "Moonwalk", "Turn Back Time", "Electric Hearts" y "After Midnight" en sagas pop majestuosas que laten con ambición.

“Phantom”, el single principal, al menos en la pantalla, prescinde de la alta tecnología. Se inspira en gran medida en la versión de Andrew Lloyd Webber de El Fantasma de la Ópera, usando candelabros, máscaras y candelabros rotos, además de recrear el Trono de Hierro cubierto de espadas de Game of Thrones. A primera vista, es una marcada desviación de su estilo habitual, pero para Ten, que opera con pocos filtros (durante una transmisión en vivo en septiembre, se le salió decir que un nuevo álbum estaba en camino), el video aún cae en lo que él llama la atmósfera de  “villano” de singles anteriores,  donde se muestran sus “lados duros y oscuros”,

Pero no sería WayV si hubiera un consenso constante. Después de todo, fuera del escenario, su Propuesta Única de Venta es una camaradería caótica, como de hermanos. En un momento están muy serios y al siguiente hablan por encima del otro. Si una pregunta no se comprende totalmente en inglés, cambian a coreano mientras susurran notas en mandarín, un concierto de cejas levantadas, miradas de lado y risas ahogadas por mangas de suéteres.

Ten piensa que el cambio más notable es su nuevo vestuario gótico, mientras que los vocalistas Kun y WinWin, como se ve en su contenido detrás de escenas, pasaron gran parte del rodaje de “Phantom” asombrados ante lo desconocido. YangYang, quién, junto con el vocalista principal de 23 años Xiaojun, ha visto de primera mano el espectacular músical, lo reafirma y dice que su versión supuso “el reto [de] adentrarse en un concepto oscuro.”

En cambio, coinciden en que la temática lujosa y romántica es "un estilo antiguo y cool" y en la dificultad de llevar muchos anillos de dedo completo llenos de joyas. “Es muy difícil bailar con ellos,” Ten ríe. “No parábamos de rasguñarnos. También dolían, teníamos que apretarlos, si no se caían cuando bailabamos. A veces simplemente se rompían, a veces salían volando por el set. Tenemos muchas tomas en las que tenemos que detenernos y ajustarlos.”

Sónicamente, “Phantom” despliega ciertos WayV-ismos (su inclinación por las cuentas regresivas en las letras, hacer que la voz de Xiaojun se eleve en el puente de la canción), pero está impregnada de un nuevo tipo de tensión: se arrastra sinuosamente hacia un coro cubierto de cantos de estilo gregoriano y cuerdas tensas, desemboca en un puente elegante y fluido, y luego se desliza de nuevo hacia la oscuridad. Si las máscaras son un motivo lírico fundamental ("Huellas de una existencia enmascarada/En un viaje de autodescubrimiento/Porque la verdad existe”), las espadas son un componente visual principal: los miembros se apoyan en ellas, empuñan una enorme cuchilla simple y se encuentran entre dagas CGI voladoras.

El simbolismo de las espadas, al menos en el tarot, es de cambio y valentía pero también de planificación, problemas y lucha, algo con lo que WayV se identifica. “Siento que esta canción representa las dificultades por las que hemos pasado en estos dos últimos años,” dice Ten. YangYang, con su cabello blanco metido bajo una gorra azul grisáceo, asiente. “La máscara también es un símbolo. Finalmente nos quitamos la máscara, mostrándole a todos quienes somos.”

¿Pueden señalar el mayor de sus obstáculos además de, quizás, la pandemia? WayV se queda en silencio. Ten se quita el cabello de los ojos. “Han pasado tantas cosas… Creo que es muy difícil decirlo”, comenta con ironía. Para él, el “fantasma” no es un ser tangible, es situacional, emocional, una “sombra”. “Quitarnos la máscara es que no nos escondemos, es que nos enfrentamos a obstáculos pero hemos mantenido un vínculo fuerte y seguimos haciendo todo lo posible por superarlos. Somos lo suficientemente valientes para quitarnos la máscara, ese es el significado en el que estaba pensando”.

Hendery, el rapero de 23 años cuya energía optimista está acompañada de un sentido del humor surrealista, emerge de las profundidades de su sudadera. “Yo también lo creo, ¡estoy de acuerdo!”, suelta en voz alta, haciendo que Ten y Kun, el líder de WayV, sonrían. “Creo que nuestras vidas están tan llenas de altibajos, que tenemos que ser valientes para afrontar los hechos, para enfrentarnos a cualquier problema”, continúa, mientras Xiaojun asiente sabiamente.

“Nadie es perfecto, así que tenemos muchas cosas que aprender. Todo depende de nuestra mente y creo que somos profesionales, por lo que no dejaremos que los comentarios [negativos] nos afecten”. -Hendery

Una mayor comunicación y preparación les ayudó a superar la incertidumbre de volver a ser el centro de atención. “Estábamos listos porque practicamos mucho antes del álbum, pero teníamos miedo de cómo nos percibiría el público”, dice YangYang. Si bien no son adictos a las redes, todos los miembros tienen cuentas personales de Instagram con los comentarios abiertos y publican en el Twitter y Weibo de la banda. Xiaojun ha llegado a apreciar las críticas constructivas del público y dice: “Cuando vemos comentarios y estos nos hacen sentir de cierta forma, es porque queremos esforzarnos para ser mejores.” Hendery asiente: “Nadie es perfecto, así que tenemos muchas cosas que aprender. Todo depende de nuestra mente y creo que somos profesionales, por lo que no dejaremos que los comentarios [negativos] nos afecten”.

“Sin embargo,  esto tiene dos caras”, dice Ten. A lo largo de los años, ha desarrollado la habilidad de compartimentar lo que ve sobre sí mismo, consciente de que dividir opiniones es solo parte del juego de la fama. “Creo que así es como afronto las redes sociales. Si hay malos comentarios, no los ignoro, no me importan. Incluso si los leo, no me enojo porque tú eliges dónde poner tu atención. Si quieres pasarla bien, enfócate en las cosas buenas. Tienes que ser capaz de separar lo bueno y lo malo, no los mezcles”.

En última instancia, lo que más confianza infundió en su álbum y en su regreso fue un amor genuino por las canciones que lo componían. “Nuestro manager, nuestro staff, incluso el equipo de A&R, nos apoyaron mucho, así que tuvimos más tiempo para hablar con ellos sobre el concepto y las canciones, las cosas que nos gustaban y las que no”, recuerda Ten. “Estábamos escuchando todos los B-sides y la canción principal, y nos decíamos ‘¿Funcionará? ¿Satisfará al público?’ Pero no podemos pensar solo en eso, tenemos que pensar en nosotros mismos, ¿es este el álbum que queremos mostrarle a la gente después de dos años?”

Este, su séptimo lanzamiento, profundiza la relación entre los talentos individuales de los miembros y el concepto general sobre el cual WayV fue creado. “Diamonds Only” es una canción pegadiza más dura, el instrumental minimalista de “Bounce Back” deposita una confianza bienvenida en la destreza vocal del grupo, y la audaz “Try My Luck” samplea el “Requiem (Dies irae)” de Mozart, precedido atrevidamente por una alarma de ataque aéreo, También contiene dos pistas adicionales lanzadas durante su tiempo de inactividad; “Low Low” de YangYang y Ten, y “Back To You” de Kun y Xiaojun, una balada sorprendentemente delicada y robusta cuya melancólica trompeta y campanillas evocan a los íconos de los setenta, The Carpenters.

Esos proyectos paralelos fueron importantes, dice YangYang, para ampliar sus habilidades. “Cuando hacemos subunidades, por ejemplo, Ten y yo haciendo “Low Low”, ese es un sonido que WayV no hace realmente. Y Kun y Xiaojun hicieron una balada, ese tampoco es un concepto de WayV. Entonces, cuando nos volvemos a reunir como grupo, podemos mostrar esta experiencia y mejorar entre todos.”

Según Ten, esto ha agilizado su proceso creativo en general. “Cuando estamos en el estudio de grabación, en las prácticas, yo [podría haber] dicho: ‘YangYang, sería mejor si hicieras este gesto en esta parte…’ Ya no necesito decírselo, él tiene toda la experiencia y dice: ‘lo haré yo mismo’”. Esta independencia también ha repercutido en sus relaciones interpersonales; El fuerte sentido del deber de protegerse mutuamente cuando eran jóvenes idols se ha suavizado, pasando de lo obvio y cuidadoso a lo familiar e instintivo.  “Lo sabemos”, dice Ten, “pero en realidad no… lo demostramos”. YangYang dice lo mismo, terminando la oración de Ten con el. “Lo sabemos y queremos ayudar, pero lo hacemos en secreto. Creo que esa es nuestra relación”, explica Ten.

“No nos habíamos visto en mucho tiempo, así que nos dijimos: ‘Vamos a hacer mejor las cosas y a esforzarnos más, hagámoslo, bro.’ Entonces todos empezamos a llorar. ¡Pero fue divertido! Una persona empezó a llorar, luego echamos un vistazo y todos estaban llorando. Fue muy dramático... Pero fue inc��modo al día siguiente.” -Ten

Kun, que cumplió 27 años en Año Nuevo y tiene un aire de paciencia ganada a pulso hacia el caos de los miembros, ve una clara evolución en su equipo. “Todos han madurado mucho, así que ya no siento que tenga que ocuparme de ellos tanto como antes. Por eso puedo abrazar y mostrar un poco más de mí mismo, como mi lado infantil, a los miembros”. Es un compositor y productor entusiasta, un aventurero tranquilo que vuela aviones y hace paracaidismo. “No hay mucho que pueda hacer por los miembros, pero puedo ayudar con las necesidades diarias”, dice Kun, exponiéndose instantáneamente a recibir una broma. “¡Los electrónicos!” exclama YangYang. “¡Arreglar el Wi-Fi! ¡Cocinar!” dice Ten riendo. YangYang se vuelve hacia su líder con cariño: “Aunque seguimos acudiendo mucho a Kun”. Hendery asiente: “Sabe mucho”.

“Creo que [estos días] nuestras posiciones en el grupo se han vuelto más claras”, opina Ten, que se encarga de todo lo relacionado con el baile y dice que Kun es vital para organizar “cosas de equipo”. Xiaojun y Hendery son quienes “crean el ambiente”, a lo cual ríe el primero y dice: “Siento que mi papel en el grupo es crear el ambiente, y planeo asumirlo aún más”. Hendery añade: “En realidad solo estamos siendo nosotros mismos, ¡así que me alegra saber que nuestros miembros nos ven así!” 

Entre un álbum y otro, pasaron mucho tiempo separados, desde la incursión de WinWin  en la actuación en dramas hasta el papel de mentor de Ten en el reality show de baile chino Great Dance Crew, pero Hendery señala que “hicieron FaceTime todo el tiempo” para mantener su estrecha relación. Cuando Ten volvió de China, cuenta YangYang, “Hicimos una fiesta para él y hablamos mucho. Bebimos un poco de alcohol…” Los ojos de Hendery se abren de par en par. Sabe lo que viene. “¡TMI!” grita como advertencia. Ten retoma la historia: “No nos habíamos visto en mucho tiempo, así que nos dijimos: ‘Vamos a hacer mejor las cosas y a esforzarnos más, hagámoslo, bro.’ Entonces todos empezamos a llorar. ¡Pero fue divertido! Una persona empezó a llorar, luego echamos un vistazo y todos estaban llorando. Fue muy dramático”. YangYang se frota el cuello; “Pero fue incómodo al día siguiente.”

Incluso mientras concluyen estas cortas pero repletas promociones, YangYang ha prometido a su fandom (WayZenNi) que no tienen intención de volver a desaparecer. “Básicamente”, dice, “pienso en Phantom como nuestro renacer”. . Xiaojun califica el álbum como "un camino para que tengamos éxito", mientras que para Kun éste ha sido “un tiempo para desarrollarnos y crecer como individuos y como grupo, así es como yo lo vería en retrospectiva”.

En cuanto a Hendery, él espera con ansias el día en que puedan adoptar una visión más pragmática, incluso divertida, de su prolongada ausencia: “Creo que dentro de algunos años, cuando estemos comiendo Hot Pot juntos, podremos decir: ‘¡Ey! Recuerda aquella vez que hiciste Phantom ¡Lo hiciste genial!’ Tenemos muchos momentos difíciles actualmente, pero creo que dentro de unos años será una plática divertida para nosotros”.

Ten es igual de positivo que sus compañeros de grupo, pero a la vez es asertivamente ambicioso respecto a su futuro. “Estos dos años [han sido] inolvidables para nosotros. Creo que hemos aprendido mucho; tantas lecciones, tantos errores, tantas cosas que mejorar… Y queremos tomar todas esas experiencias y mostrarle a todos los fans, a todos los oyentes, este es WayV a partir de ahora. Esto somos nosotros, esta es la nueva era”.

[arafolet]

Hace tres semanas esperaba ansiosa el cuarto episodio de UniteUp! pero en su lugar se publicó un especial contando detalles de la producción del projecto, específicamente referente al elenco y la música.

En ese momento me dije: No quiero ver esto...

Hoy, tras notar que esta semana liberaron el cuarto episodio, quedé en la duda... Fue más por impulso, pero finalmente me decidí a ver estos dos capítulos especiales que ignoré ridículamente. Sí, actualmente me siento muy estúpida por haberlos dejado pasar...

Hay muchas personas que solo tienen interés en el producto final, el anime, pero yo no soy una de esas personas (para bien o para mal). Y de verdad ¡disfruté muchísimo de estos especiales! ywy

Primero, porque nos presentan la identidad del proyecto. UniteUp no es solamente un anime de idols para vender música y chicos bonitos, la esencia de este proyecto es el paralelismo de sus personajes y quienes los interpretan. El elenco no está compuesto solamente de seiyuus como en otros títulos, también se involucran actores, compositores y cantautores. Lo que marca una diferencia muy grande. Obviamente no menosprecio el trabajo de los actores de voz, admiro muchísimo su trabajo. Pero cuando te presentan un personaje como Gakuto la cosa toma otro sabor. En estos especiales, el mismo MASA, quien interpreta a Gakuto, comenta que el mismo compuso algunas de las canciones del personaje y las muchas similitudes que tiene con el mismo.

El mundo ficticio pasa a sentirse tan real que simplemente es conmovedor.

(Están con subtítulos en crunchy. No es promoción)

En segundo lugar, me recordó mucho esa emoción que sentía al ver los backstage.

Hubo un tiempo en que estuve muy involucrada con los StagePlay, es decir, adaptaciones teatrales de ciertos títulos de anime, manga o similares.

Mi primer contacto fue con los StagePlay de Yowamushi Pedal, de los que recuerdo tener al menos siete u ocho en mi disco duro, aunque deben ser doce o más estrenados a la fecha.

Los stage son super divertidos, el trabajo que hace el staff junto a los actores para moldear ese mundo ficticio sobre un espacio tan limitado como lo es el escenario de un teatro es simplemente mágico. Te encariñas con los personajes, aunque a veces resulten bastante diferentes a su representación 2D. Pero sobre todo, te apegas a los actores.

Muchas de estas producciones entregan el "Backstage" como material adicional, y es aquí donde descubres realmente a las personas detrás del maquillaje y el guión. Son una experiencia maravillosa, divertida y alucinante, aunque dolorosa al final. No en el mal sentido, pero es la realidad que enfrentan los actores al tomar un papel: en algún momento el telón deberá caer.

Acompañas a los actores a lo largo de los ensayos y sus ocurrencias tras bambalinas, les das ánimos en los momentos difíciles, sientes su cansancio tras largas jornadas de actividad, empatizas con su dolor cuando el ciclo acaba y es inevitable despedirse de su personaje y todas las personalidades que compartieron esta larga travesía.

Ocurre también con las series Tokusatsu. O bien, cualquier producción "live action". Aunque no estoy al tanto de cómo lo llevan las producciones occidentales puesto que no consumo mucho de eso. (Además que estos filtran todo...)

Al menos mi experiencia con los live action, puntualmente el tokusatsu llámese "Super Sentai" y "Kamen Rider", ha sido bastante grata. Los actores usualmente comparten fotos o situaciones graciosas ocurridas en el set de grabación, sin dar detalles de la serie en sí, ya verán el producto final más adelante. Conocemos detalles de estas personalidades, cosas que les gustan, cosas que no.

Es agradable encontrarse con este lado humano de la celebridad, básicamente están diciéndote: ¡Hey! ¡Yo también soy una persona corriente! Y eso es algo que me encanta, porque muchas veces pareciera que los medios buscan "deshumanizar" a quienes optan por un camino relacionado a la fama.

Pero en fin.

Ahora me desplazo a mi rincón para ver qué me depara el episodio 4 de UniteUp! ;9

[elmartillosinmetre]

"Este disco nace de una necesidad personal"

[La soprano argentina Soledad Cardoso / MICHAL NOVÁK]

Soledad Cardoso, soprano argentina residente en Barcelona, publica en IBS Classical un disco de canciones de su país natal

Lleva casi un cuarto de siglo en España (llegó en 1998), primero en Valencia y desde 2009 en Barcelona, y aquí se ha hecho un nombre querido y respetado en el ámbito de la música barroca, y sin embargo, cuando Soledad Cardoso (Santa fe, 1975) decidió meterse en la aventura de su primer CD en solitario optó por el repertorio de la canción argentina de concierto.

–¿Lo tuvo claro desde el principio?

–Sí, y por varios motivos. En primer lugar, del repertorio barroco hay tantísimas grabaciones bonitas, exquisitas, perfectas, que no vi que yo pudiera hacer un gran aporte, hay tantas excelentes intérpretes y grupos tan buenos. Sin embargo, el 60% del repertorio de este disco es desconocido y no por ello de baja calidad. Considero que en la música de principios del siglo XX de mi país hay un montón de repertorio que dar a conocer. Me siento muy afín a este lenguaje.

–Guastavino es de Santa Fe como usted…

–Exacto. Es santafesino, y aunque en persona nunca lo conocí, sí conozco a gente que lo trató, he recorrido las calles que él recorrió, me he leído todas sus entrevistas… Me identifico con su carácter reservado, introvertido, comedido. Pero por otro lado, en la poesía me gustaba mucho Gabriela Mistral, desde que era niña y la estudiamos en la escuela. Hablaba de temas domésticos, la maternidad, la infancia, la pareja, pero también de cuestiones sociales, y su combinación con Guastavino me encantó.

–Usted tiene una amplísima discografía con muchos de los mejores conjuntos de música antigua de España, ¿qué la impulsó a hacer su primer disco en solitario?

–Hace nueve años nació mi hija, y el primer año fue un poco duro para mí; en esas noches así medio de insomnio, de duermevela, sentí la necesidad de dar este paso. En mi caso, el disco es como lo de escribir el libro: tener un hijo, plantar un árbol y escribir un libro… Pensé que estaba madura artísticamente y con ganas de hacer algo que pudiera quedar para el futuro y fuera útil. Fui poco a poco madurando la idea. En mis viajes a Argentina, que suelo hacer una vez al año, aprovechaba, con la ayuda del padrino de mi hija, que es también músico e investigador, para revisar material, y me lo traje realmente todo. Con el paso del tiempo fui intentando encontrar la línea que quería darle, la coherencia, si tirar por el hilo musical concreto o un tema relacionado con la poesía o estrenar cosas… Y al final, he de confesar que me fui decantando por el gusto personal.

–¿Cómo conoce a su acompañante?

–Fue un poco como caído del cielo. Porque me faltaba la parte esencial, la compañera. Amigos comunes que tenemos en Argentina me hablaron de ella, de Quimey Urquiaga, que es de La Plata, y todos me decían cosas estupendas, tanto por su calidad artística como humana. Y dio la casualidad de que ella se vino a Barcelona. Llegó en 2020 un par de semanas antes del confinamiento. Empezamos a hablar por teléfono, a escribirnos, le comenté la idea, aunque al principio tampoco la quería comprometer del todo sin saber cómo íbamos a funcionar como dúo. En cuanto se abrieron las primeras restricciones pudimos juntarnos y quedamos encantadas. Era la persona indicada. He trabajado con muchos pianistas, pero necesitaba alguien que conociera de primera mano todo el sabor, las reminiscencias folclóricas argentinas, además de que como persona era lo que necesitaba, te tranquiliza, te da confianza. Y como música es excelente, precisa, creativa, deja todas las atmósferas preparadas. Fue una suerte encontrarla.

–El CD empieza con el más famoso de los compositores, Carlos Guastavino, pero ha optado por eludir sus canciones más conocidas.

–Efectivamente. Habiendo tantas buenas versiones de La rosa y el sauce, de Se equivocó la paloma, no sabía si tenía mucho sentido repetirlas. Me pareció mejor dar a conocer estas obras, que no son tan frecuentes, pero tienen una calidad incuestionable

–¿Han tenido ocasión de hacer este repertorio en concierto?

–Hemos tenido dos ocasiones. Probamos con plantearlo de distintas formas, porque el eje del repertorio para mí eran las canciones de Gilardi, sobre todo ese ciclo de las Trece canciones argentinas sobre poemas de Leopoldo Lugones que vimos que no se estrenaron como ciclo, porque hubo problemas de derechos con los herederos de Lugones, faltaba un papel o no sé qué. Así que para mí era muy interesante hacer el ciclo completo, y lo hicimos en Barcelona. Tuvimos otro concierto en Granada y ahí llevamos una selección del ciclo. Luego el orden del programa en el disco fue más decisión de Paco Moya, que tiene más experiencia. Le dio vueltas y pensó más acertado empezar con Guastavino.

[Quimey Urquiaga y Soledad Cardoso. / ROBERT HOFFMANN]

–¿El objetivo del disco es sacar conciertos?

–Sí, sin duda es la intención número dos.

–¿Y la número uno cuál es?

–Ya se lo dije. Mi necesidad personal. No sé si por la edad o por mi temperamento, ser madre fue duro para mí, me sentí emocionalmente muy absorbida, y necesitaba un trabajo intelectual, sentí que algo así tenía que hacer, fue realmente terapéutico. Pero luego hay una tercera intención. Creo que es un repertorio interesante para el oyente europeo, porque se perciben reminiscencias folclóricas del nacionalismo musical del tiempo. Si en Falla o Albéniz late lo español, en Argentina tenemos también música en la que hay un latido muy nuestro, y lamentablemente es algo que se conoce muy poco, así que ejercer de embajadora de todo esto es algo que también me atraía.

–¿Cuáles son sus proyectos más próximos?

–Vengo de hacer muchos Mesías con diferentes grupos del entorno de Barcelona. Participo asiduamente en un grupo balear, que se llama Solnegre y lidera el tiorbista Ferran Pisà. Tenemos mucha actividad sobre todo en las Baleares y en Cataluña. Ahora estoy muy metida en la memorización de la Zerlina que haremos en el Teatro Sarriá de Barcelona en marzo.

–Es un personaje que le va muy bien a su voz…

–Sí, sí, estoy muy contenta. Para mí Mozart es Dios. Me faltaba el Don Giovanni para tener la trilogía Da Ponte y ahora al fin lo haré. Luego tengo otros muchos proyectos de barroco. Estaré en el Femap con Edwin García y La Sonorosa en un espectáculo que combina guitarra barroca, voz y baile histórico, que es algo que me gusta mucho, porque yo también puedo bailar.

[Diario de Sevilla. 8-01-2023]

[techhousemx]

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[sonyclasica]

MISHA DICHTER

THE COMPLETE RCA VICTOR RECORDINGS

Se publica la primera reedición de las grabaciones completas remasterizadas de RCA VICTOR interpretadas por el ganador de la medalla de Plata en el Concurso Internacional de Piano Chaikovski de 1966, MISHA DICHTER. Disponible el 13 de septiembre.

Consíguelo AQUÍ

Misha Dichter nació en 1945 en Shanghái, adonde sus padres polacos habían huido en el ferrocarril transiberiano para esperar a que terminara la guerra. En 1947 la familia Dichter se trasladó a Los Ángeles, donde Misha empezó a estudiar piano. Su primer maestro importante fue Aube Tzerko, que había estudiado con Artur Schnabel. “Me hizo empezar literalmente de cero”, recuerda Dichter. Pero el duro trabajo finalmente dio sus frutos cuando fue aceptado en la clase de Rosina Lhévinne en la Juilliard School.

"En otoño de 1965 vi un cartel en el guardarropa de Juilliard que anunciaba el tercer Concurso Tchaikovsky anual en Moscú", recuerda Dichter. "Acababa de perder unos cuantos concursos locales en Los Ángeles, así que pensé: ¿por qué no ir a por el grande?". La victoria del joven pianista obteniendo la Medalla de Plata de 1966 le valió un contrato con RCA Victor, para la que grabó los tres aclamados álbumes aquí reeditados, y la carrera internacional de este "pianista más refinado" (High Fidelity).

Quizá fuera inevitable que el debut de Dichter para el sello se dedicara al Concierto en si bemol menor de Tchaikovsky, la misma obra que catapultó al estrellato internacional al primer ganador del concurso, Van Cliburn. Dichter iba a interpretar el Tchaikovsky en Tanglewood, con la Orquesta Sinfónica de Boston bajo la dirección de Erich Leinsdorf, por lo que RCA organizó debidamente las sesiones de grabación. El segundo álbum de Dichter para RCA Victor combinaba piezas seleccionadas de Brahms para piano con los 3 Movimientos de Petrushka de Stravinsky, y con su tercer lanzamiento para RCA, el pianista se dedicó a Beethoven y Schubert. Arthur Rubinstein aprobaba el Schubert de Dichter, hasta el punto de que invitó a su joven colega a su casa de París, donde un equipo de filmación captó a Dichter tocando la Sonata en si bemol D 960 de Schubert en presencia de Rubinstein. Dichter siente especial debilidad por la Sonata en la mayor D 959: "sigue representando para mí el aspecto y el sonido del paraíso".

DISCO 1: Tchaikovsky: Concerto for Piano and Orchestra No. 1 in B-flat minor op. 23

DISCO 2: Brahms: Intermezzo in A minor op. 118/1 Brahms: Intermezzo in A major op. 118/2 Brahms: Capriccio in C-sharp minor op. 76/5 Brahms: Intermezzo in E major op. 116/4 Brahms: Rhapsody in E-flat major op. 119/4 Stravinsky: 3 Movements from Petrushka

DISCO 3: Beethoven: Andante in F major “Andante favori” WoO 57 Schubert: Piano Sonata in A major D 959

[retrocompmx]

El primer SSD ve la luz un día como hoy

El 26 de septiembre de 1976 Dataram presenta el Bulk Core (era un Disco Duro de 2MB), el primer disco de estado sólido (SSD) para computadoras DEC y Data General. Era la misma compañía que desarrolló la memoria para el Digital PDP-11. Le empresa aún opera y sigue fabricando SSD. #retrocomputingmx #Dataram #efemeridestecnologica

[trastornadosrevista]

Jerry Cantrell confirma su primer show solista en Argentina

Con más de 3 décadas de trayectoria, el co-fundador de Alice in Chains llega a Argentina por primera vez en formato solista para presentar I Want Blood, su cuarto disco de estudio que estrenará en el mes de octubre. El show será el 10 de noviembre en C Art Media, y será ocasión de escuchar este material recién salido del horno de una de las mentes maestras del rock.

Trovador moderno, guitarrista eximio, leyenda del rock: el de Jerry Cantrell es sin dudas uno de los nombres fuertes del género, tanto junto a Alice in Chains como en su ya extensa carrera solista. Después de seis años, vuelve a Argentina para presentarse por primera vez en formato solista ante el público local. Con producción de DF Entertainment, el show tendrá lugar el domingo 10 de noviembre en el C Art Media, y las entradas se podrán adquirir a partir del martes 10 de septiembre a las 10:00 hs, únicamente a través de All Access.

Nombrado por Rolling Stone como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, el artista multiplatino estará estrenando I Want Blood, su cuarto disco solista el 18 de octubre. El adelanto del poderoso single “Vilified” empieza a delinear la propuesta de un disco que se las trae. Con el show en Argentina a menos de un mes después de ese estreno, será una de las primeras veces que Jerry Cantrell toque este material fresco, y ¿qué mejor que hacerlo ante uno de los públicos más efusivos del mundo?

I Want Blood es un contundente viaje sonoro con varios giros: “Off the Rails” tiene esa vibra potente del rock, “Afterglow” es atmosférica, “Throw Me a Line” hipnótica, “Let it Lie” tenebrosa, y “I Want Blood”, que le da el nombre al álbum, destila groove. La honestidad y la vulnerabilidad, sello inconfundible de Cantrell, persisten a lo largo de todas las canciones, desde una mirada que contempla tanto el afuera como el adentro. Producido junto Joe Barresi (Tool, Queens of the Stone Age, Melvins), se grabó en el estudio JHOC de Barresi en Pasadena, California, y Cantrell lo define como un disco duro, muy distinto al predecesor Brighten. “Siento una confianza particular en este disco”, afirma Cantrell, “creo que es de lo mejor que he escrito y tocado, y definitivamente de lo mejor a nivel vocal”.

Debut de un disco y reencuentro de una de las leyendas del rock con el público local –al que no ve desde el show de Alice in Chains en 2018–, la noche del 10 de noviembre será una noche para el recuerdo entre los amantes del género.

[ldg777mcb]

Diseña LuisMi. Temp 1 Cap1

Aprendamos Sobre el Diseño Digital.

Para comprender el diseño digital, es de vital importancia ver los primeros avances en la tecnología, ver de donde surgió cada elemento tecnológico que hoy en día son de uso común en nuestro cotidiano existir.

En nuestra primera imagen podemos ver una computadora industrial de los años 60. Se puede apreciar como las máquinas de antes harán más mecánicas en lo que a sus procesos se refiere, además que se tenía que tener grandes espacios para poder construirlas, tanto así que, una computadora era una simple maquina que mandaba y recibía información menos de un"bytes". Eran máquinas del tamaño de un salón de universidad, que se encargan de procesarsistemas binarios y duraban horas para el proceso de cálculos. Requerían de mucha atenciónde parte de los científicos que los tenían en observación. Se utilizaban para descifrar o calcular o identificar alguna información que se requería en forma de mensajes.

Para tener un poco más de información, podemos apreciar el anterior video, realmente nos muestra de una forma divertida y con mucha información, como fue que se construyó ña primera maquina de procesamiento la Z1 diseñado por el Ing. Alemán Conrat, el cual diseño la Z1 en base a procesos matemáticos, los cuales repitiendo varias veces el proceso, nos dejaba un resultado de investigación.

Inicios de las computadoras personales Cap2

Luego de la creación de las primeras máquinas de procesamiento, en los años 70 en la época hippies, el pensamiento liberalista, creo una revolución constante en como se veía el mundo hasta ese momento, un mundo lleno de creatividad y romper las barreras sobrepuestas era pensamiento base para una gran revolución, en este caso en las máquinas de procesamiento.

HABLEMOS DE APPLE

Apple fue fundada el 1 de abril de 1976 por Steve Jobs, Steve Wozniak, y Ronald Wayne en el garaje de la casa de Jobs en Cupertino, California. La idea principal detrás de la empresa era crear computadoras personales accesibles y fáciles de usar. Wozniak diseñó el primer producto, el Apple I, que era una computadora básica sin teclado ni monitor, pero que representaba un gran avance en comparación con otros dispositivos de la época.

La creación de la primera computadora personal de Apple, el Apple I, fue una tarea compleja que involucró varios componentes innovadores para la época. Aquí te detallo cómo se desarrollaron algunos de los componentes clave:

1. Placa base (Motherboard): Steve Wozniak, el ingeniero detrás del Apple I, diseñó y construyó la placa base. A diferencia de otras computadoras de la época que venían en forma de kits para ensamblar, el Apple I se vendía con la placa base ya montada. Esto facilitó su uso por personas sin conocimientos técnicos avanzados.

2. Procesador: El Apple I utilizaba el microprocesador MOS Technology 6502, que era muy económico en comparación con otros procesadores de la época. Este chip de 8 bits fue clave para reducir los costos de la máquina, lo que permitió a Apple ofrecer una computadora personal a un precio más accesible.

3. Memoria: La memoria RAM del Apple I era de 4 KB, pero podía expandirse hasta 8 KB o incluso 48 KB con tarjetas adicionales. La RAM se utilizaba para almacenar temporalmente datos y programas en ejecución, una característica crucial para cualquier computadora.

4. Interfaz de entrada y salida: Aunque el Apple I no venía con un teclado o monitor incorporado, sí incluía un puerto para conectar un teclado, permitiendo a los usuarios interactuar con la máquina. Para la salida, se utilizaba una señal de vídeo que podía conectarse a un televisor. Esto era revolucionario, ya que la mayoría de las computadoras en ese momento requerían monitores especializados.

5. Almacenamiento: El Apple I no incluía un dispositivo de almacenamiento permanente, como un disco duro o una disquetera. Los programas y datos se cargaban en la memoria RAM utilizando cintas de casete a través de un adaptador de cassette opcional. Este método de almacenamiento era común en los primeros días de la computación personal.

6. Fuente de alimentación: La fuente de alimentación para el Apple I no venía incluida en el paquete; los usuarios debían adquirir una fuente de alimentación separada. Wozniak diseñó el Apple I para funcionar con una fuente de 5V que pudiera alimentar la placa base y los periféricos.

7. Software: El Apple I no tenía un sistema operativo sofisticado como los que conocemos hoy. En cambio, los programas se cargaban directamente en la memoria mediante código máquina o BASIC (un lenguaje de programación sencillo). Wozniak también escribió un intérprete de BASIC específicamente para el Apple I, lo que permitía a los usuarios escribir y ejecutar programas de manera más sencilla.

8. Carcasa: Originalmente, el Apple I no venía con una carcasa. Los primeros usuarios, incluyendo aquellos que lo adquirieron en la tienda Byte Shop, a menudo construían sus propias cajas para albergar la placa base y los componentes adicionales. Más tarde, se fabricaron algunas carcasas de madera a medida para darle un aspecto más acabado.Estos componentes, aunque rudimentarios en comparación con los estándares actuales, fueron pioneros en su tiempo.

La combinación de un diseño accesible, un precio relativamente bajo y la visión de Steve Jobs y Steve Wozniak hicieron del Apple I un producto revolucionario que sentó las bases para la evolución de las computadoras personales.

Steve Jobs y Wozniak son un punto clave para el diseño digital de hoy en día, la revolución con la Apple 1 y más adelante lo que veremos cómo pasamos de interfases más mecanicas y complejas a más amigables y que podían ser utilizadas por casi cualquier persona. Todo lo anterior visto nos dará una perspectiva y base de como inicio el diseño en su propio camino.

[asistecno]

El comando mágico que deja Windows 10 como el primer día sin perder un solo archivo

Con el paso del tiempo, cualquier ordenador, por potente que sea, puede comenzar a presentar fallos y un mal funcionamiento general. Seguro que te ha pasado: aplicaciones que se cierran solas sin motivo aparente, ralentizaciones, el sistema tarda una eternidad en iniciar, etc.

Estos problemas pueden llegar a ser muy frustrantes y afectar seriamente tu productividad y el rendimiento general del sistema operativo. A medida que instalas y desinstalas aplicaciones, navegas por internet y utilizas tu equipo, se van acumulando miles de archivos basura. Cabe señalar que algunos archivos, que muchas veces ni siquiera sabes que existen, llenan el disco duro y contribuyen a los problemas que experimentas. Además, las actualizaciones de Windows y los controladores de hardware también pueden dejar residuos que afectan al sistema.

Un sistema que tarda en iniciar, programas que no responden o errores aleatorios pueden hacer que incluso las tareas más sencillas se conviertan en una odisea. Esto no solo ralentiza tu trabajo, sino que puede provocar pérdidas de datos y fallos críticos en el sistema.Por fortuna, hay varios métodos para mejorar el rendimiento de tu equipo, como limpiar archivos temporales, desfragmentar el disco duro o incluso reinstalar el sistema operativo. Sin embargo, existe un truco oculto que te será de gran ayuda, se trata de un comando que puedes ejecutar en tu PC con Windows 10 y que lo dejará como nuevo.

Restaura tu PC con Windows 10 con un solo comando

Se trata de un comando poco conocido, pero extremadamente útil que te permite restaurar Windows 10 a su configuración inicial sin perder tus archivos personales. Esta técnica aprovecha las herramientas internas de Microsoft para llevar a cabo una restauración segura.

Restablece el sistema a su estado original de fábrica, eliminando todos los archivos basura, aplicaciones no deseadas y configuraciones erróneas que se han acumulado con el tiempo. Al hacerlo, tu PC funcionará como nuevo.

Este comando te da la opción de conservar todos tus documentos, fotos, vídeos y demás archivos importantes. Solo se eliminarán las aplicaciones y configuraciones del sistema, dejando tus datos intactos, por lo que es una muy buena opción.

Es crucial mencionar que antes de ejecutar este comando, es recomendable que hagas una copia de seguridad de tus archivos más importantes, por si acaso. Aunque la opción Mantener mis archivos debería conservar tus datos, siempre es mejor prevenir.

Para ello, haz clic derecho en el botón de inicio y selecciona Símbolo del sistema como administrador.

En la nueva ventana, escribe systemreset --factoryreset y pulsa Enter. Este comando iniciará el proceso de restauración del sistema.

Aparecerá una ventana con dos opciones donde debes elegir Mantener mis archivos. Esta opción restablecerá Windows 10 a su estado original, pero conservará tus archivos personales.

Una vez que hayas elegido la opción, sigue las instrucciones en pantalla para completar el proceso.

Debes tener en cuenta que este proceso puede tardar un tiempo, dependiendo de la cantidad de datos que tengas en tu ordenador. Una vez que haya finalizado, Windows 10 estará como nuevo, listo para ofrecer el mejor rendimiento.

Eso sí, tendrás que volver a instalar todas las aplicaciones que hayas descargado, pero tus archivos personales estarán a salvo. Así que ya lo sabes, si tu PC tiene fallos y quieres volver a disfrutar de él como el primer día, no dudes en probar este comando.

[zigzagderogeliogarza]

Por: ROGELIO GARZA

En 1985 dos cosas sacudieron la existencia de los mexicanos como yo: el temblor del 19 de septiembre y la publicación de La nueva música clásica. El slam tectónico nos dejó una cicatriz nacional, y el libro de José Agustín nos reveló la historia y el universo contracultural del rock. Lo triste es que, al parecer, este pequeño gran libro no volverá a reeditarse por decisión del Maese.

EN UNA CONVERSACIÓN sobre De perfil con Andrés Ramírez, el asunto se desvió hacia La nueva música clásica. El texto es una especie de “Start Me Up” del periodismo musical, hecho por el primero en escribir sobre rock en México. Cuando Andrés comentó que a su papá no le latía la idea de reeditarlo por razones estéticas, mi mundo se derrumbó. Es el libro que me cambió la vida cuando lo leí, a los 15 años, y que seguramente se las cambió a otros más. Saqué mi ejemplar, desconcertado porque un volumen tan poderoso no volvería a publicarse. En el rock hay discos que no se consideran esenciales en la discografía de un grupo, pero son joyas que forman parte de la historia personal. Lo releí de un jalón. Y como en la primera lectura, me electrificó.

Quienes posean esa edición de La nueva música clásica, en la Editorial Universo, con una fotografía muy mala del grupo canadiense Saga en la portada, atesoran un ejemplar de colección. Se trata de un texto experimental, único y duro de clasificar, que se mueve con un ritmo innovador. José Agustín cuenta una historia personal del rock, su desarrollo, desde el inicio que bailó en esqueleto propio en los años 50, hasta mediados de los 80, en Estados Unidos, Inglaterra y México. Es una fusión veloz, alucinante y muy divertida del ensayo, la autobiografía, el nuevo periodismo gonzo y la onda.

Existió una primera versión en el remoto 68, una conferencia que dio en Ciencias Políticas de la UNAM, en la que planteó que el rock tiene la estatura de arte, “un puente maravilloso entre la alta cultura y la cultura popular”, publicado en los Cuadernos de la Juventud del INJUVE que editaba René Avilés Fabila. Ése fue el primer libro sobre rock que se publicó en español en México. Un español con sus propias reglas: “Éste no es exactamente un ensayuco sobre rock; y aquí la hacen otras leyes”, advierte el Maese.

ES UN LIBRO CUYO EFECTO nos conduce a consumir otros autores y músicos, tiene la magia eléctrica de abrir otras puertas musicales, literarias, físicas y netafísicas. Lo encontré por accidente en una eficaz estrategia de mercadotecnia juvenil. Crecí en los 70 y los 80 escuchando el rock en la radio. Grababa montones de casetes, iba a tocadas satelucas y leía las revistas de acá y de allá. Las gringas las hojeaba en Sanborns, no tenía dinero para comprarlas, pero me sobraba tiempo para leerlas ahí. Una tarde que iba de salida del de Plaza Satélite, junto a las revistas roqueras, pusieron las “novedades juveniles” y el libro me atrapó como la canción de los Kinks, casi pude escuchar el riff que me enganchó: José Agustín, La nueva música clásica. No sabía del autor, pero el título me hizo clic como cuando prendes un foco. Me sonó, de inmediato supe que era sobre rock y que unía dos mundos. Me detuve a hojearlo y empecé a leer: "El rock me llegó como un relámpago, sin que me diera cuenta. Tenía diez años de edad, vivía en la frontera norte de la colonia Narvarte, o medianía, según Pasto verde, y desde siempre la música había sido alimento sagrado para mí".

Ese momento me fulminó, era música en palabras eléctricas: “algo con naturaleza propia que estuviera lo más cerca posible del rock: rock escrito”. Un lenguaje con el que conecté desde la primera línea. Como Jenny al encender el radio en la canción “Rock & Roll” de Velvet Underground, el universo contracultural se me reveló y quedé alucinado. Algo brilló en mi cabeza, como el rayo de la Stealie de Grateful Dead, y todo cobró sentido: programas de radio, discos, revistas, casetes, tocadas y a partir de La nueva música clásica, los libros. Hasta ese momento, todo estuvo disperso como piezas de un rompecabezas que se arman, al fin, en una rola. A través de sus páginas roqueras descubrí que leer es un placer. Y eso fue lo que detonó mi curiosidad por la lectura y la escritura. 

EN EL CAPÍTULO FINAL, “La tierra de las mil transas”, al hacer un recuento del rock nacional, el Maestro escribió sobre Rockdrigo González, “un verdadero cantor popular, para sólo citar unos poquísimos ejemplos de un panorama efervescente y caótico, verdaderas arenas movedizas para el crítico o el observador atento”. Dos meses después de leer esto sucedió el terremoto en el que murieron más de 10 mil personas, entre ellas, el Rockdrigo. Lo recuerdo. Y también lo que pensé al terminar de leer La nueva música clásica: quiero escribir un libro así.

¿A cuántos más encaminó José Agustín por la ruta de la literatura, el periodismo, la música y la contracultura? Sólo sé que somos un chingo. El periodismo musical en México cambió a partir de 1965, cuando empezó a publicar un artículo sobre rock a la se-mana. Sin duda, era y será el rey del rock escrito.