#Pintura religiosa

[theonlinecollector]

Juan de Valdés Leal

Arcángel San Rafael (1654-56)

Cajasur, Palacio de Viana, Córdoba

[fotograrte]

Sala del Almirante de los Reales Alcázares de Sevilla: el cuadro de "Las postrimerías de San Fernando" de Virgilio Mattoni

Vista general de la Sala del Almirante. Inicio el examen de este importantísimo edificio de Sevilla con esta Sala, cuya importancia histórica es innegable: Debe su nombre al Tribunal del Almirantazgo de Castilla, que tuvo su sede aquí. El Salón del Almirante era una parte de la “Casa de Contratación de las Indias”, institución funda- da en el Alcázar de Sevilla en 1504 por Isabel la Católica…

[historiasconarteok]

Francisco de Zurbarán, una figura icónica del arte español, es conocido por sus obras religiosas que reflejan la devoción y la fe de su tiempo. Su habilidad para capturar la anatomía humana y el uso sutil de la luz lo destacan en el ámbito artístico. Obras como "Agnus Dei" y "Cristo crucificado" demuestran su maestría en representar temas profundos con una sensibilidad única. Su legado continúa siendo un tesoro invaluable del arte español.

[periodicoirreverentes]

MUSEO IRREVERENTES: “Morte della Vergine” (1606)

Caravaggio (Italiano, 1571-1610)Óleo sobre lienzo369 x 245 cmMusée du Louvre (Paris, Francia)

[antonioestevesilustrador]

São Sebastião

[poderdaespiritualidade]

[mondomoderno]

A fines de mayo, tuve la oportunidad de visitar la fascinante arquitectura moderna de Santa Rosa, la capital de La Pampa, y también de conocer en vivo la obra de Santiago Swinnen. Nacido en Bélgica en 1933 y criado desde niño en Jáuregui, en 1958 desembarcó en una ciudad que contaba con unos 23000 habitantes. En ese momento, la Casa de Gobierno estaba en construcción bajo la dirección de Clorindo Testa y dentro de su equipo, se encontraba un profesor de Jaak en la UBA, quien lo recomendó para la Dirección de Arquitectura provincial. La Pampa había dejado de ser Territorio Nacional en 1951, necesitaba obras públicas y así fue cómo SS encontró su lugar en el mundo. Durante la década de 1960, Swinnen recibió encargos privados en Santa Rosa y otras localidades de La Pampa. Su primera obra en la ciudad capital fue la casa del Dr. Srur (6) en 1960 y el diseño del Barrio Calfucurá con 80 viviendas en 1967 (7). Pero la obra que marcó su carrera y el horizonte de Santa Rosa fue la remodelación de la Catedral, que ya había comenzado a construirse. Swinnen tuvo la audacia de introducir una fachada completamente moderna en un contexto religioso. Utilizó hormigón armado para crear una estructura con aires brutalistas, que destaca por su expresividad y sobriedad al mismo tiempo. Cada hexágono en el frente simboliza a uno de los apóstoles, mientras que el de la corona representa a la Virgen y el de la cruz a Jesucristo. Swinnen no sólo transform�� la Catedral, sino también la arquitectura religiosa en La Pampa. Sus refacciones y ampliaciones de iglesias existentes mostraron su creatividad y sensibilidad únicas. Un claro ejemplo es la Iglesia Nuestra Señora de Fátima en SR (8,9) o la Iglesia Nuestra Señora del Rosario en Macachín. (10) A partir de 1970, Swinnen se mudó con su familia a una casa que él mismo diseñó camino a Toay, cercana a los médanos, donde siguió trabajando y desarrollando su otra pasión: la pintura. A principios de 2023, esa vivienda fue comprada por el futbolista Alexis Mac Allister y sus hermanos. Santiago Swinnen falleció en Santa Rosa en 2010, dejando un legado que perdura en toda la provincia.

Fuentes:

Tras las huellas de “Jaak”, Revista 88x96, mayo 2022. La Catedral de Santa Rosa: construir en el cielo - @lapampanoticias . Ana Pessio @anaabra abril 2022. Los hermanos Mac Allister compraron Vuriloche, la emblemática Quinta de Swinnen - @datapatagonia , febrero 2023.

[sunandra2]

Camille Clovis Trouille fue un pintor francés 1889-1975 Gran fascinación me produjo este artista cuando vi su arte por azar en la web en mis búsquedas de artistas Rara Avis hace unos años. Me impactó y hasta diría que fue una fuente de inspiración de trabajos fotográficos posteriores que hice. Es un pintor autodefinido anarquista, irreverente, satírico, sacrílego y para muchos blasfemo por sus criticas anticlericales, por tal motivo estuvo signado por el anonimato y no se le permitía exponer, hasta pesaban sobre el amenazas sobre su integridad. En los años treinta Andrè Breton lo destaco como surrealista, peroTrouille no sintió pertenecer al movimiento Surrealista dado que se percibía en sus gustos amante del arte renacentista. Estableció una clara mirada de critica social donde ridiculiza a las instituciones y al poder con símbolos, referencias concretas y directas. El erotismo potente,cierto esoterismo místico, el lesbianismo de religiosas irreverentes , muy maquilladas y voluptuosas como así también miembros de la iglesia con doble moral expuesta o militares de dudosa reputaciòn se encuentran en las temàticas abordadas. Hago una analogía referencial de este artista con el fotógrafo actual ucraniano Ruslan Lobanov y su serie de clips sobre los confesionarios, los sacerdotes y bellas damas "pecadoras" Hay un increíble collage de imágenes teatralizadas en contextos simbólicos surreales en las pinturas de Trouille, en la pintura publicada (Le Confessionnal de 1959) observamos un confesionario donde dos mujeres burguesas ataviadas con joyas y ropas ajustadas, se inclinan con sus voluptuosidades intentando comprar el perdón a sus pecados. Se puede observar la mirada y sonrisa maliciosa de la dama de la derecha que escucha las palabras del sacerdote. La particularidad la da la mujer desnuda agachada casi como una publicidad que habla de la intencionalidad de ese ámbito y la vemos como elemento disonante, justamente ubicada en el centro de la estructura y debajo de la inscripción que en Latìn expresa algo asì como: "cuyos pecados perdonarás remitiéndolos". Esto recuerda a los retablos del Gótico tardío pre Renacentista.

[semtituloh]

The Immaculate Conception

Francisco de Zurbarán

Fecha: 1630

Estilo: Barroco

Género: pintura religiosa

Media: óleo, canvas

Dimensiónes: 174 x 138 cm

[byleriscannon22]

Não podes ver um edit de Byler ou do Will no tik tok e ir aos comentários que vão ter pessoas a falar do Noah. Aprendam a diferenciar a personagem do ator. Se pararam de gostar do Will por causa do Noah isso sinceramente é coisa de criança. Se vocês não querem ver o Noah em Stranger Things, então eu recomendo a não ver a 5 temporada. Pois a 5 temporada é centrada no Will. Na sua conexão com o 001 e o U.D, os seus sentimentos, a sua relação com o Mike e principalmente um dos plots da série, a pintura. Sem falar que o Noah tava a tomar o lado do seu país religioso. O Noah é judeus. Ele só tava a dar suporte ao seu país religioso mas isso não quer dizer que ele suporta as ideias e as medidas que o governo de Israel faz. Ele já pediu desculpas e disse que queria paz. Tudo bem que a cena do vídeo foi uma coisa má, mas sinceramente ele só estava a gravar e ele só estava lá. Sem falar que o Noah já é adulto. O que me mais irrita é que ele pediu desculpas mas as pessoas que não tem que fazer nada na vida estão sempre a puxar o assunto de volta. Tipo, para que?! Para dar mais hate? Pois desde o início o Noah recebeu hate. Ele saiu do armário e disse que era gay. Ele recebeu hate. Foi chamado de f slurs. Então, aconteceu está polémica. Recebeu muito hate, mas muito hate e se certeza absoluta comentários a dizer para ele se m*tar e tudo mais. Sem falar que outros atores, influenciadores também mostram o seu apoio a Israel. E uns nem sequer pediram desculpas. Mas o problema é que não receberam o hate todo que o Noah recebeu. O Noah recebeu esse hate todo porque havia pessoas que não tinham o que fazer da vida para estarem sempre mas sempre puxar o vídeo e o assunto para tacar hate no Noah. Ele já sofria comentários de hate por ser ele mesmo e por ser gay, agora que veio aquela polémica só foi mais uma desculpa para tacar hate e voltar a chamar-lhe nomes homofóbicos. E sem falar que o ator que faz o 5 na Umbrella Academy também defendeu a sua raça religiosa e eu não vi ninguém dar-lhe comentários de hate. No vídeo de desculpas do Noah dá para ver que ele está a segurar as lágrimas e isso parte um pouco o meu coração. Tudo bem que tu possas não gostar do Noah como pessoa mas isso não significa que tens que para de gostar do Will. Vocês só tem que aprender a diferenciar o ator da personagem. “ porque que eles não metem outro ator a interpretar o Will” vocês só podem tar a brincar. Isso é literalmente um dos comentários mais burros que eu já vi em toda a minha vida. O Noah já está a interpretar o Will por 8 anos. E meio que eu já não consigo ver outro ator a interpretar o Will. O Noah já é considerado o ator do Will. Não há outro ator que possa interpretar o Will. Uma coisa que eu acho super injusto é falar que o Noah atua mal. Ele é considerado um dos melhores atores da série. Ele gravou super bem as cenas da possessão do Will. A tristeza dele. A raiva dele. A angústia dele. Não devem e nem podem desmerecer o trabalho do Noah por causa de uma polémica. Ele já pediu desculpas. Pronto. “ Ah o Finn agora deve se sentir desconfortável perto do Noah” mhmmm.

Poupem-me. Eles continuam amigos e isso quer dizer que o Finn está confortável com o Noah. Eu só sei que haverá pessoas que irão vi tar mentiras e espalhar rumores sobre coisas que o Noah “fez” quando ele tiver no seu momento na quinta temporada. Eu acho que o assunto já vai estar mais esfriado,do que já está agora, mas ainda assim haverá pessoas que vão trazer o assunto de volta porque não aguentam ver uma pessoa a ter o seu momento e a sua oportunidade, coisa que o Noah merece por causa da sua atuação. Sem falar que o Noah toma as suas próprias decisões.

Mas pronto é isso. SABEM DIFERENCIAR O ATOR DA PERSONAGEM!!!!!

[theonlinecollector]

Bartolomé González y Serrano

San Juan Bautista (1621)

Museum of Fine Arts, Budapest

[fotograrte]

La Natividad, de Jacques Daret

Museo Thyssen Bornemisza, Madrid, España. Continue reading La Natividad, de Jacques Daret

[spotlightmuse]

O Cenário

Em um processo de evolução — ou expansão —, o conceito de ''cenário'' na história da arte refere-se ao ambiente, ao espaço e ao contexto em que as figuras — como em retratos — ou eventos são representados em uma obra. Esse conceito tem se transformado ao longo do tempo, acompanhando diferentes abordagens na representação do espaço, seja em pintura, escultura, teatro, ou, mais recentemente na arte digital e nas artes visuais contemporâneas.

Antiguidade e a Idade Média

Nos períodos mais antigos da história da arte, é fundamental a citação da Arte Egípcia e na Arte Grega e Romana, o cenário é frequentemente simplificado ou idealizado. Os artistas da época, representavam as figuras humanas em poses frontais e não se preocupavam com a perspectiva ou com a tridimensionalidade do fundo. Em vez disso, o foco estava nas figuras e no simbolismo.

Já com a Idade Média, especialmente com a arte cristã medieval, o cenário também era frequentemente simplificado. As cenas religiosas, como altares ou manuscritos iluminados, usavam fundos dourados ou padrões geométricos, com pouca preocupação com a representação realista do espaço.

Notando-se que o foco estava na transcendência e no simbolismo, e não no realismo.

Renascimento

Com o renascimento o cenário que conhecemos hoje começou, os artistas começaram a explorar a perspectiva linear para criar a ilusão de profundidade no espaço pictórico. Artistas como Leonardo da Vinci, Raphael e Michelangelo introduziram um senso de volume e espaço realista nas suas obras e cenários passou a ser tratado com cuidado. Ganhando seu destaque.

Em exemplo, em pinturas como A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, o cenário não é apenas um fundo decorativo, mas também uma parte integrante da narrativa, com a perspectiva criando uma sensação de profundidade e realismo. A preocupação com o cenário tornou-se uma forma de integrar as figuras na cena e contextualizá-las no mundo físico.

Barroco e Rococó

No Barroco, o cenário continuou a ser uma parte importante da composição artística, mas é frequentemente usado para criar uma atmosfera dramática. Artistas como Caravaggio e Peter Paul Rubens, usaram o cenário para intensificar a emoção da cena, muitas vezes utilizando contrastes de luz e sombra — como no chiaroscuro — destacando a figura humana e criando uma sensação de movimento e profundidade.

Já no Rococó, o cenário veio a se tornar mais decorativo e leve, com palácios, jardins e cenas de corte frequentemente sendo representados em uma atmosfera mais fluida e idealizada, como nas obras de François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.

Romantismo e Realismo

No Romantismo, o cenário é usado para expressar as emoções e a relação do ser humano com a natureza. Artistas como J.M.W Turner e Caspar David Friedrich criavam cenários grandiosos e muitas vezes dramáticos, onde a natureza selvagem ou as condições climáticas extremas serviam como um reflexo do estado emocional dos indivíduos retratos.

Já com o surgimento do Realismo no século XIX, os artistas começaram a representar os cenários mais cotidianos e realistas, como as paisagens rurais ou urbanas, refletindo as condições sociais e econômicas da época. Os artistas Gustave Coubert e Jean-François Millet, por exemplo, pintaram cenas de trabalhadores no campo, com o cenário se tornando um componente importante para a narrativa social de suas obras.

Impressionismo

Com o Impressionismo, o cenário passou a ser ainda mais fluido e menos detalhado, com ênfase nas luzes e nas cores. Artistas como Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir capturavam momentos fugazes da vida cotidiana, com cenários que se tornavam quase abstratos, usando pinceladas rápidas e uma paleta de cores mais vibrantes para evocar a luz natural e as atmosferas.

Arte Moderna e Contemporânea

No século XX, o conceito de cenário se expandiu além da pintura tradicional. Movimentos como o Cubismo, com Pablo Picasso e Georges Braque, fragmentaram o cenário em múltiplas perspectivas, tornando o fundo e o espaço tão importantes quanto as figuras. A representação do cenário deixou de ser uma mera ''decoração'' e passou a ser parte da estrutura formal da obra.

Já a Arte Contemporânea também explora o conceito de cenários de maneiras inovadoras, especialmente com a introdução de novos meios, como a arte digital, e a instalação e o vídeo. David Hockney, por exemplo, começou a explorar a ideia de perspectiva e o uso de múltiplos planos em seus quadros, rompendo com a tradicional perspectiva linear.

Além disso, a arte contemporânea frequentemente faz uso de cenários criados por elementos não pictóricos, como em instalações e performances, onde o cenário pode ser um espaço físico real e não uma representação bidimensional.

Arte Teatral e Cinema

O cenário também desempenha um papel fundamental no teatro e no cinema. No teatro, o cenário tem a função de criar o ambiente físico e emocional onde a ação ocorre. No cinema, o conceito de cenário vai além da simples representação visual, envolvendo design de produção, iluminação e até efeitos especiais para criar um mundo complexo e imersivos.

No teatro, desde os primeiros cenários cenográficos no Renascimento até os complexos cenários do teatro moderno e contemporâneo, a função do cenário vai além de um fundo decorativo. Ele se torna um elemento que interage com os atores criando uma atmosfera que pode modificar a percepção do público sobre a ação dramática.

Ou seja, ao longo da história da arte, o cenário evoluiu como um elemento decorativo para um componente essencial das obras, com uma função tanto estética quanto narrativa. Não sendo apenas o fundo de uma cena, mas também para intensificar emoções e criar contextos históricos ou sociais, e até mesmo para questionar a percepção do espectador sobre o mundo representado. Sendo assim, o cenário é uma parte fundamental da arte, refletindo mudanças culturais e tecnológicas e a maneira como os artistas concebem o espaço e o contexto ao redor das figuras e da ação representada.

FONTES:

GOMBRICH, E. H. A História da Arte. 16. ed. São Paulo: Phaidon, 2009.

HARRISON, Charles; WOOD, Paul. Arte: Conceitos e Movimentos. 3. ed. São Paulo: Martins Fontes, 2003.

TANSELLE, G. Thomas. The History of Art: A Critical Approach. São Paulo: Editora Unesp, 2006.

ARNHEIM, Rudolf. Arte e Percepção Visual: Psicologia da Arte. São Paulo: Martins Fontes, 2005.

BAXANDALL, Michael. Pintura e Experiência Social: O Olhar no Renascimento. São Paulo: Editora UNESP, 2003.

FREELAND, Cynthia A. Arte e Objetividade: Uma Introdução à Filosofia da Arte. São Paulo: Editora Ponto de Vista, 2008.

LOPES, Domingos de Souza. O Espaço na Arte Contemporânea. Rio de Janeiro: Zahar, 2009.

[joseandrestabarnia]

Artista: Aelbrecht Bouts

Título: La Anunciación

Descripción: Bouts era hijo del pintor Dieric, de una familia de pintores de Lovaina. Se especializó en pequeñas pinturas devocionales para un mercado en Amberes y otras ciudades flamencas. Esta pintura representa un evento importante en la vida de María: la Anunciación del ángel Gabriel de que concebirá y dará a luz un hijo. Se cree que la Encarnación de Cristo tuvo lugar precisamente en este momento. El predominio de esta escena en el arte cristiano medieval refleja su importancia doctrinal y su papel como acontecimiento meditativo. La Virgen está representada aquí en una lujosa capilla privada. El jarrón con lirios en el suelo simboliza su pureza. El naranja en el alféizar de la ventana es un símbolo de castidad y generosidad, y el libro cerrado sugiere que las profecías del Antiguo Testamento ya se han cumplido. María reza desde su libro de horas, como la esposa de un rico comerciante en la Brujas o Amberes medievales. Los libros de horas, libros devocionales privados para laicos, estaban en su apogeo de popularidad, especialmente entre las mujeres. Sorprendida por el ángel, parece girarse ligeramente para saludarlo. Tanto el ángel como María están envueltos en suntuosas cortinas, tal vez un reflejo de la importancia de la industria textil flamenca. Sorprendida por la repentina aparición del ángel Gabriel y su mensaje de que dará a luz al hijo de Dios, María se levanta de la oración. El artista sitúa la escena en una habitación con decoración y mobiliario familiar para los espectadores de su época. Aunque religiosas, pinturas como esta ofrecen una visión de la vida entre la élite urbana. El pequeño tamaño de la tabla sugiere que se utilizaba para devociones privadas (al igual que el retablo detrás de la Virgen), y también era una pieza de colección muy acabada.

Fecha: 1475

Medio: óleo sobre tabla

Dimensiones:

Enmarcado: 75,2 x 69 x 8,5 cm (29 5/8 x 27 3/16 x 3 3/8 pulgadas); Sin marco: 50,2 x 41,5 cm (19 3/4 x 16 5/16 pulgadas)

Colección: Museo de Arte de Cleveland

[ernestdescalsartwok]

TEMPLE-SEPULCRAL-ESGLESIA-SANT ANTONI MARIA CLARET-VIC-ART-PINTURA-CLARETIAN-SPIRITUALITY-CENTER-PAISATGES-PINTOR-ERNEST DESCALS por Ernest Descals Por Flickr: TEMPLE-SEPULCRAL-ESGLESIA-SANT ANTONI MARIA CLARET-VIC-ART-PINTURA-CLARETIAN-SPIRITUALITY-CENTER-PAISATGES-PINTOR-ERNEST DESCALS- Con la fuerte y cálida luz de estos días de verano he pintado el paisaje urbano que forman el TEMPLE SEPULCRAL DE SANT ANTONI MARIA CLARET y el CLARETIAN SPIRITUALITY CENTER en la ciudad de VIC, calle de Sant Antoni Maria Claret con la arquitectura religiosa y los automóviles aparcados junto a la puerta del Templo, un coche rojo nos marca el ritmo plástico de la pintura para terminar en un cielo azulado. Cuadros de paisajes y edificios monumentales de la comarca de Osona, Barcelona, Catalunya Central sobre papel de 50 x 70 centímetros.

[ibarbouron-us]

Ecce Homo.

Cristovão de Figueiredo.

Renacimiento del Norte.

pintura religiosa.(1520)