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jpbjazz · 4 months ago

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LÉGENDES DU JAZZ

STANLEY CLARKE, L’IMPERTURBABLE

‘’That's one thing that an artist can't do -if any creative person starts listening to other people, he goes down."

- Stanley Clarke

Né le 30 juin 1951 à Philadelphie, en Pennsylvanie, Stanley Clarke est le fils de Marvin Clarke et Blanche Bundy. La mère de Clarke était chanteuse d’opéra et l’avait encouragé à apprendre la musique. Clarke avait commencé à apprendre à jouer de l’accordéonavant de passer au violon, au violoncelle et à la contrebasse. Clarke avait finalement adopté la contrebasse, car il mesurait plus de six pieds et avait de très grandes mains. Un jour, Clarke avait aperçu une contrebasse abandonnée dans un coin, et il avait décidé d’essayer d’en jouer. Clarke expliquait: "The bass was tall and I was tall; it was similar to a violin and a cello, which was the direction I was taking anyway, so I started playing the bass."

Clarke avait étudié la musique classique durant cinq ans à la Settlement Music School de Philadelphie et avait pris quelques cours de contrebasse durant ses études. Clarke avait commencé à jouer de la basse électrique à l’adolescence afin de pouvoir séduire les filles. À cette époque, Clarke avait commencé à se produire dans des fêtes dans lesquelles il imitait les groupes que les filles adoraient.

Après ses études secondaires, Clarke avait fréquenté la Philadelphia Musical Academy (devenue plus tard le Philadelphia College of the Performing Arts, puis l’University of the Arts).

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Clarke avait amorcé a carrière professionnelle à l’âge de seulement quinze ans, comme membre du groupe du saxophoniste Byard Lancaster au club Showboat.

Après s’être installé à New York en 1970, Clarke avait fait ses débuts sur disque avec le tromboniste Curtis Fuller. Après avoir travaillé avec Horace Silver, Joe Henderson et Pharoah Sanders, puis avec le groupe Tony Williams Lifetime Experience, Stan Getz, Dexter Gordon et Art Blakey, Clarke avait collaboré avec Gil Evans et Mel Lewis.

Clarke rêvait de devenir le premier musicien de couleur à faire partie du Philadelphia Orchestra lorsqu’il avait fait la rencontre du pianiste Chick Corea. À l’époque, Corea était en train de mettre ur pied un nouveau groupe avec Stan Getz tout en écrivant de la musique pour la formation. Ces pièces avaient été publiées pour la première fois sur deux albums enregistrés en février et en mars 1972: Captain Marvel (publié sous le nom de Getz en 1974) et Return to Forever (publié sous le nom de Corea en 1972). Le jeu et les improvisations de Clarke avaient particulièrement été mises en évidence sur les deux albums. Le groupe avait aussi participé à quelques performances avec Getz en Europe. À l’époque, Return to Forever était essentiellement un groupe de studio, mais les membres de la formation n’avaient pas tardé à réaliser qu’ils avaient le potentiel de devenir un véritable groupe à succès.

La première version de Return to Forever interprétait principalement de la musique latine et utilisait exclusivement des instruments acoustiques (à l’exception du piano électrique Rhodes de Corea). Le groupe était composé de la chanteuse Flora Purim, de son époux Airto Moreira à la batterie et aux percussions, du collaborateur de longue date de Corea, Joe Farrell, au saxophone et à la flûte, et de Clarke à la basse électrique. Le premier album du groupe, intitulé Return to Forever, avait été enregistré pour les disques ECM en 1972. Le groupe, qui était passé progressivemt à une version plus orientée vers le jazz-fusion (notamment avec l’ajout du guitariste Al Di Meola et du batteur Lenny White), avait enchaîné l’année suivante avec Light as a Feather. L’album avait été enregistré pour les disques Polydor et comprenait le grand succès "Spain". Après la parution de l’album, Farrell, Purim et Moreira avaient quitté la formation pour fonder leur propre groupe. Le guitariste Bill Connors, le batteur Steve Gadd et le percussionniste Mingo Lewis s’étaient alors joints au groupe. Lenny White (qui avait joué avec Corea dans le groupe de Miles Davis) avait par la suite remplacé Gadd et Lewis à la batterie et aux percussions. Le troisième album du groupe, intitulé Hymn of the Seventh Galaxy, a été publié en 1973.

Combinaison de rock et de jazz, le jazz-fusion s’était développé au début des années 1970. Mais bien avant de se joindre au groupe Return to Forever, Clarke s’était déjà établi comme un remarquable virtuose de la basse électrique. Comme le critique Mikal Gilmore l’écrivait dans le magazine Rolling Stone: "During his tenure as bassist for Return to Forever, Clarke established himself as one of the most prodigious instrumentalists in modern music: an exceptionally nimble, resourceful electric and acoustic bassist.’’ Pour sa part, Joachim Berendt avait commenté dans son ouvrage The Jazz Book: From New Orleans to Rock and Free Jazz : "Stanley Clarke combines [Miroslav] Vitous's fluidity with Oscar Pettiford's 'soul.'"

Un peu comme Jaco Pastorius, Jack Bruce et Larry Graham, Clarke avait contribué à donner à la basse électrique ses lettres de noblesse et en avait fait un véritable instrument soliste, démontrant ainsi qu’elle pouvait jouer un rôle mélodique à part entière en plus de son traditionnel soutien rythmique. Décrivant ses premières influences, Clarke avait commenté:

‘’You can see, if you study the music, the way certain influences culminate in one player. Prior to me, there were so many types of bass players – acoustic bass players and electric bass players. Larry {Graham} was really a strong force. To many of us in the bass community, we all love Larry and look up to Larry as someone who innovated something. There were a lot of them: James Jamerson, even Paul McCartney – he was one of the first melodic bass players. In the jazz world, Charlie Mingus, Scott LaFaro, Ron Carter. I think when I came along, having listened to all of these different players, it was natural for all of these things to have this interesting convergence in my world. It’s funny, you don’t really think of it so much when you’re a player. Really, to be quite honest, I never thought of myself at first as someone who was trying to liberate the bass. It was only years later, around the time of the School Days album, that I started championing the whole idea of bass liberation.’’

Décrivant l’influence que Pastorius avait eu sur son jeu, Clarke avait précisé: ‘’I remember, I was so happy when Jaco Pastorius came on the scene. Then I didn’t feel alone. When you’re trying to do something out there, it’s always nice to have a friend, someone with similar ideas. I know many people thought that Jaco and myself would be sort of natural adversaries, but it was actually the opposite – the complete opposite. He understood what was happening with the bass: The instrument had to move forward.’’

D’abord formé comme musicien classique, Clarke était passé à la basse électrique un peu par hasard. Il expliquait: ‘’You can go to school now to learn how to play the electric bass. When I was younger, there was no literature out there for studying the electric bass. All of those early records that you’re hearing, I was only playing electric bass on the side. I was really an acoustic bass player. I just sort of developed that stuff, like most of us at that time, by picking the instrument up and doing what I could.’’

Comme Clarke l’avait déclaré dans le livre Jazz-Rock Fusion de Les DeMerle publié en 1988: "Years ago there was a fixed idea that bass players played background, and bass players have this particular theme--kind of subdued, numb, almost looking numb, and just to make a long story short, I wasn't going for any of that." Très influencé par Scott LaFaro, un contrebassiste qui avait joué avec le légendaire pianiste Bill Evans, Clarke avait démontré beaucoup d’imagination dans son jeu en trio avec les pianistes et les batteurs. Comme Clarke l’avait expliqué au magazine Rolling Stone: "I've always been more drawn to melodic than rhythmic playing... I had all these melodies running around in my head, all this knowledge of classical music I was trying to apply to r&b and jazz, and I decided it would be a loss in personal integrity just to be a timekeeper in the background, going plunk plunk thwack thwack."

Même s‘il était devenu très populaire après la parution de l’album Light as a Feather en 1973, ce qui lui avait permis d’obtenir plusieurs offres pour aller travailler avec Bill Evans, Miles Davis et même Ray Manzarek du groupe The Doors, Clarke était demeuré avec Return to Forever jusqu’en 1976 alors qu’il avait formé son propre groupe.

Corea avait enregistré un premier album solo intitulé Children of Forever en 1973. Produit par Chick Corea, l’album mettait à contribution le guitariste Pat Martino, le batteur Lenny White, le flûtiste Art Webb et les vocalistes Andy Bey et Dee Dee Bridgewater. Clarke jouait à la fois des claviers, de la basse électrique et de la contrebasse sur l’album. Publié en 1974, le second album de Clarke comme leader, simplement intitulé Stanley Clarke, avait été enregistré avec un groupe composé de de Bill Connors aux guitares acoustique et électrique, et de Jan Hammer aux synthétiseurs et au piano électrique et acoustique, et de Tony Williams à la batterie. Durant la tournée qui avait suivi la publication de l’album, le guitariste britannique Jeff Beck avait interprété la pièce ‘’Power’’ tirée du même album. Par la suite, Beck avait de nouveau collaboré à plusieurs albums de Clarke, dont Journey to Love (1975), Modern Man (1978) et I Wanna Play For You (1979). Clarke était particulièrement devenu populaire après la parution de l’album School Days en 1976. En fait, la pièce-titre de l’album avait remporté un tel succès que les amateurs avaient commencé à la réclamer lors des concerts. Commentant sa collaboration avec Beck, Clarke avait précisé:

‘’This is one of the greatest things that happened to me. It was just fun. I had this house on Long Island, and I was living out there with my wife. There was this knock on the door, and I looked out the window and there was this long limousine. This guy got out with this rooster haircut – that’s what I used to call them – and it was Jeff Beck. He knocks on my door, and I didn’t know much about him. I had definitely heard his name, but I hadn’t really gotten into his history. He comes in, and he has this really heavy accent. He’s telling me he was playing in town, and somebody gave him my address. He came over and he wanted to meet me, because he was playing a song from one of my albums. He just took a song from the first album, called “Power,” and he was playing it live. He wanted to meet me. We talked for about an hour, then he got back in the car and he left. That led to him playing on my second album, on a song called “Hello Jeff.” I called him and said: ‘Hey do you want to play?’ It was like that.’’

Décrivant sa collaboration avec le groupe Return to Forever, Clarke avait précisé: ‘’There’s a connection there that is much like the relationship between twins. Certain things, you just know the other guy is going to say this, or do that. Chick is like a big brother to me. I have known him for a long time. We’ve done a lot of things together, and Lenny is the same way.’’ Très populaire, le groupe comptait même parmi ses admirateurs Billy Joel et Elton John. Ce dernier laissait même les membres du groupe conduire sa Rolls Royce.

Même s’il est aujourd’hui davantage identifié comme musicien de jazz, Clarke avait passé la plus grande partie de sa carrière dans la musique pop. En 1979, le guitariste Ronnie Wood des Rolling Stones avait formé le groupe New Barbarians avec Clarke et Keith Richards. Deux ans plus tard, Clarke avait fondé avec le claviériste George Duke le groupe Clarke/Duke Project qui combinait le pop, le jazz, le funk et le rhythm & blues. Le duo s’était rencontré en 1971 en Finlande alors que Duke faisait partie du groupe de Cannonball Adderley. Clarke et Duke avaient enregistré ensemble pour la première fois dans le cadre de l’album de Clarke, Journey to Love en 1975. L’album comprenait le simple "Sweet Baby", qui s’était classé dans les vingt premières positions du Hit Parade. Le duo s’était de nouveau réuni dans le cadre de tournées dans les années 1990 et 2000.

Après avoir fait une nouvelle tournée avec le groupe Return to Forever au début des années 1980, Clarke avait travaillé avec Bobby Lyle, Eliane Elias, David Benoit et Michel Petrucciani. Clarke avait également joué de la basse sur les albums de Paul McCartney Tug of War (1982) et Pipes of Peace (1983). Décrivant sa collaboration avec McCartney, Clarke avait commenté: ‘’He’s a beautiful player. Of all of the recordings I’ve played on, those two records are among the most memorable. We went down to this island, and I hung out with Paul for a couple of weeks. I really, really had a lot of fun. He’s a very melodic player. Melody just comes right out of him. That’s only natural for him to play the bass like that. He does it without thinking. He’s a writer who sings songs, so it was only natural when he plays the bass, his lines would be very melodic.’’

En 1985, Clarke avait fondé The Stanley Clarke Band. Le groupe, qui avait expérimenté différents styles allant du rock au jazz en passant par le R & B, le funk, la musique classique, la musique latine et africaine, était composé de Ruslan Sirota, Beka Gochiashvili et Cameron Graves au piano, de Shariq Tucker à la batterie, de Salar Nader au tabla et Evan Garr au violon. Le groupe avait publié l’album Find Out! la même année. Avec d’autres musiciens, Clarke avait également enregistré l’album The Stanley Clarke Band qui s’était mérité un prix Grammy pour le meilleur album de jazz contemporain en 2011. La pièce "No Mystery’’ avait aussi obtenu une nomination dans la catégorie de la meilleure performance instrumentale de pop. Le groupe était composé notamment de la sensation japonaise Hiromi Uehara au piano, de Ruslan Sirota aux claviers et de Ronald Bruner Jr. à la batterie. L’album était co-produit par Clarke et Lenny White . Le groupe avait récidivé en 2018 avec The Message.

ÉVOLUTION RÉCENTE

En 1988, Clarke avait formé le groupe Animal Logic avec l’ancien batteur des Police Stewart Copeland. Le groupe comprenait également l’autrice-compositrice-interprète Deborah Holland. Clarke connaissait Copeland de longue date et avait fait sa connaissance bien avant la fondation du groupe The Police. Copeland avait aussi fait une apparition sur l’album Up de Clarke en 2014.

En 1991, Clarke avait joué en tournée avec un groupe comprenant Herbie Hancock et Wayne Shorter. En 1998, Clarke avait fondé le groupe Superband avec Lenny White, Larry Carlton et Jeff Lorber.

En 2005, Clarke avait fait une tournée en trio avec Béla Fleck et le violoniste Jean-Luc Ponty. Clarke et Ponty avaient également joué en trio avec le guitariste Al Di Meola en 1995 et enregistré l’album live The Rite of Strings. Clarke et Ponty avaient de nouveau joué en trio en 2012 avec le guitariste gitan Biréli Lagrène. Deux ans plus tard, le trio avait enregistré l’album D-Stringz.

En 2007, Clarke a publié le DVD Night School: An Evening of Stanley Clarke and Friends, un enregistrement d’un concert présenté en 2002 au Musicians' Institute de Hollywood. Dans le cadre du concert, Clarke jouait à la fois de la contrebasse et de la guitare électrique et avait été rejoint sur scène par des artistes invités comme Stewart Copeland, Lenny White, Béla Fleck, Shelia E. et Patrice Rushen.

En 2008, Clarke avait formé le trio SMV avec les bassistes Marcus Miller et Victor Wooten. Le trio avait enregistré l’album Thunder la même année. En 2009, Clarke avait publié Jazz in the Garden, un album mettant en vedette son trio composé du pianiste Hiromi Uehara et du batteur Lenny White.

En 2010, Clarke avait publié un nouvel album avec le Stanley Clarke Band, qui comprenait Hiromi au piano, Ruslan Sirota aux claviers et Lenny White à la batterie. L’album s’était mérité un prix Grammy dans la catégorie du meilleur album de jazz contemporain.

La même année, Clarke avait fondé sa propre compagnie de disques appelée Roxboro Entertainment Group. Basée à Topanga, en Californie, la compagnie avait été baptisée ainsi en hommage au high school que Clarke avait fréquenté dans les années 1960. Le premier album publié par la compagnie était un enregistrement du guitariste Lloyd Gregory et du compositeur Kennard Ramsey. Parmi les autres artistes sous contrat avec la maison de disques, on remarquait le claviériste Sunnie Paxson et les pianistes Ruslan Sirota et Beka Gochiashvili.

En 2014, Clarke avait été invité à se produire sur scène avec le groupe Primus dans le cadre de la tournée Primus and the Chocolate Factory. La tournée comprenait également comme artistes invités Stewart Copeland et Danny Carey du groupe Tool. À cette occasion, Copeland et Carey avaient interprété avec Clarke et le bassiste Les Claypool le succès de Primus intitulé "Here Come the Bastards". La même année, Clarke avait enregistré Up, un album réalisé notamment avec son ancien partenaire de Return of Forever, Chick Corea au piano, le guitariste Jimmy Herring du groupe Widespread Panic et Steward Copeland à la batterie. En 2018, Clarke avait publié The Message, un album du Stanley Clarke Band mettant en vedette Cameron Graves aux synthétiseurs, Beka Gochiashvili au piano et Mike Mitchell à la batterie. Le rapper Doug E. Fresh et le trompettiste Mark Isham avaient également participé à l’album. Continuant de connaître de fréquents changement de personnel, le Stanley Clarke Band était composé en 2019 de Cameron Graves et de Beka Gochiashvili au piano, de Shariq Tucker à la batterie, de Salar Nader au tabla et d’Evan Garr au violon.

En 2020, Clarke avait été invité à enseigner au Bass Bootcamp animé par le bassiste Gerald Veasley. Le camp, qui avait lieu à Philadelphie, permettait aux bassistes de tous âges d’étudier avec plusieurs professeurs et professionels de l’instrument comme Richard Waller, Rob Smith, Freekbass et Michael Manring. Malheureusement, le camp avait dû être reporté à l’année suivante en raison de la pandémie de la COVID-19. Très impliqué dans le développement de la relève, Clarke avait également fondé la Stanley Clarke Foundation, une organisation caritative qui accorde des bourses à des jeunes musiciens talentueux à chaque année.

Également compositeur de bandes sonores pour la télévision et le cinéma, Clarke était notamment l’auteur de la musique de la série télévisée Pee-wee's Playhouse (1986-1990), qui avait été mise en nomination pour un prix Emmy. Clarke avait aussi écrit la musique des films Boyz n the Hood (1991), Passenger 57 (1992), What's Love Got to Do with It (1993), Poetic Justice (1993), Romeo Must Die (2000), The Transporter (2002), First Sunday (2008), Soul Men (2008), The Best Man Holiday (2013), Barbershop: The Next Cut (2016). Il était également l’auteur des trames sonores des émissions de télévision Waynehead (1996-1998), Static Shock (2000-2004), A Man Called Hawk et Soul Food (2000-2004) et Lincoln Heights (2006-2009). En plus d’avoir plus de 75 bandes sonores à son actif, Clarke a aussi écrit la musique du vidéo "Remember the Time" de Michael Jackson. En 2019, Clarke avait également composé la trame sonore du documentaire Halston de Frédéric Tcheng. Le film raconte l’histoire incroyable du désigner américain Roy Halston Frowick.

Comme contrebassiste, Clarke avait toujours utilisé une technique assez particulière. Lorsqu’il joue de la basse électrique, Clarke place sa main droite de façon à ce que ses doigts s’approchent des cordes un peu comme il l’aurait fait avec une contrebasse, mais avec un angle de 90 degrés. Afin de réaliser tout cela, Clarke devait placer son avant-bras au-dessus et parallèlement aux cordes. Pendant ce temps, son poignet était placé en crochet vers le bas afin de former un angle droit. Lorsqu’il jouait en solo, Clarke frappait les cordes vers le bas, ce qui permettait de produire un son beaucoup plus percussif. Commentant l’approche très ‘’métallique’’ de son jeu, Clare avait précisé: "I found from plucking the strings in various ways that just the slightest movement can change your whole sound.’’

Clarke démontrait également énormément de rapidité dans ses solos. Comme il l’avait expliqué au cours d’une entrevue accordée au magazine Guitar Player: "On electric bass, I use any finger, even my thumbs--anything!... I pluck mainly with three fingers. I have certain patterns that I can only play with four fingers. Sometimes when I get to those real fast runs that just fly, they'll be a fourth finger in there to help play it."

Clarke se sert de contrebasses Alembic depuis 1973. En plus de se innovations comme musicien, Clarke avait également développé ses propres instruments comme une basse électrique piccolo et une basse électrique ténor.

Mis en nomination à de nombreuses reprises au gala des prix Grammy (il en a remporté trois à ce jour), Clarke avait également été lauréat s’un prix Grammy pour le meilleur album instrumental en 2011 dans le cadre des 12th Annual Latin Grammy Awards. Le prix avait été décerné conjointement à Clarke, Chick Corea et Lenny White pour l’album Forever. Clarke s’était également vu accorder un Lifetime Achievement Award par le magazine Bass Player en 2006. Le Festival international de jazz de Montréal a également décerné à Clarke un Miles Davis Award en 2011. Clarke a aussi été élu Jazz Master par la National Endowment for the Arts en 2022.

Clarke est aussi titulaire de deux doctorats honorifiques décernés respectivement par l’Université of the Arts de Philadelphie en 2008 et le Music Institute de Philadelphie en 2009. Clarke a également été élu bassiste de l’année dans le cadre de plusieurs sondages des lecteurs des magazines Down Beat et Playboy. Il a aussi été nommé artiste de jazz de l’année en 1977 dans le cadre du sondage de lecteurs du magazine Rolling Stone. Clarke est également membre de la “Gallery of Greats’’ du magazine Guitar Player. Depuis 2016, une partie des instruments et des enregistrements de Clarke font partie de la collection du Smithsonian’s National Museum of African American History and Culture (NMAAHC) de Washington, D.C.

En plus de ses activités de musicien et de compositeur, Clarke avait également agi comme producteur pour des artistes comme le guitariste Roy Buchanan et les chanteuses Dee Dee Bridgewater et Flora Purim. Il avait même chanté à l’occasion sur les albums de Return to Forever et sur ses propres enregistrements. En plus d’avoir tenu une chronique sur la basse dans des magazines durant un certain temp, Clarke projette actuellement d’écrire un manuel didactique en plusieurs volumes sur la contrebasse. Il précisait: "I'm writing a book on acoustic bass, maybe three or four volumes. It's going to be the full thing--everything that anyone would want to know about the acoustic bass."

Décrivant sa philosophie de la musique, Clark avait déclaré: "I don't feel I should have to make music to satisfy anyone. But I do feel that one of an artist's fundamental duties is to create work other people can relate to. I'd be a fool to do something nobody else was going to understand."

Même si Clarke était considéré comme un excellent musicien, son passage du jazz vers le jazz-fusion n’avait pas toujours été bien accueilli par critiques. Les plus récents projets de Clarke avec les musiciens rock, comme sa collaboration avec le New Barbarians de Ronnie Wood et l’ajout de thèmes de la musique pop dans sa musique, avaient terni sa réputation auprès de certain puristes. Mikal Gilmore écrivait dans le magazine Rolling Stone: "Clarke has seemed to temper his talent, opting instead to play fairly prosaic, overbusy variations of rhythm & blues and even heavy-metal music." Gilmore s’était montré particulièrement amer envers la collaboration de Clarke avec George Duke. Commentant une collaboration de Clarke avec Duke et Sonny Rollins, Chris Albertson du magazine Stereo Review avait déploré: "Pianist George Duke and bassist Stanley Clarke, men of great jazz potential who were bitten by the chart bug before they could show us more than the tip of their talent, here prove that they have spent too much time in fusionland.’’ Dans son compte tendu de l’album Hollywood de Maynard Ferguson sur lequel Clarke avait agi comme producteur, Don Heckman écrivait dans le magazine High Fidelity: "The title certainly tells you what to expect. But if there are any doubts, note that the album was 'produced and directed' by Stanley Clarke... Jazz? Forget it."

Mais malgré toutes les critiques dont il avait été l’objet, Clarke avait toujours refusé de se laisser ébranler. Lorsqu’un critique du magazine Down Beat avait demandé à Clarke si un musicien avait déjà changé son fusil d’épaule en raison des critiques de la presse, il avait simplement rétorqué: "I've seen guys do that, and I've seen them go right down the drain, too. That's one thing that an artist can't do--if any creative person starts listening to other people, he goes down." Déterminé à continuer d’explorer différents styles, Clarke avait défendu le caractère éclectique de sa musique en ces termes: ‘’It would get boring for me if I just did one thing and played just one type of music for the rest of my life. I don't think I could take it." Dans une entrevue accordée au magazine Rolling Stone, Clarke avait tenu à préciser: "I know it upsets some people, but I could never be a conservative jazz musician."

Mais il y avait parfois des revirements étonnants. Reconnaissant qu’il avait peut-être été trop sévère avec Clarke, le critique Chris Albertson écrivait: "I used to think of Stanley Clarke as one of the defectors, a jazz man drawn away from his art by the waving of the green. Now I am inclined to think that I did Clarke an injustice." Caractérisé par un remarquable charisme et par une grande présence sur scène, Clarke avait inspiré le commentaire suivant à Bill Milkowski du magazine Down Beat: "Clarke remains the same crowdpleaser he always was, an engaging presence with a flashing smile, playing up the rock theatrics during his explosive solos."

Stanley Clarke a épousé Carolyn Helene Reese le 29 novembre 1974. Le couple a eu un fils, Christopher Ivanhoe. Tout comme Chick Corea, Clarke était membre de l’Église de Scientologie.

SOURCES:

‘’Stanley Clarke.’’ Wikipedia, 2023.

‘’Stanley Clarke.’’ National Endowment for the Arts, 2023.

‘’Stanley Clarke Biography.’’ Net Industries, 2023.

‘’Stanley Clarke, bass-playing jazz legend: Something Else! Interview’’. Something Else, 2023.

#jazz

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icariebzh · 1 year ago

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"../...Tu le sais je suis né d'un père et d'une mère humains. Mes soeurs, pas plus qu'eux, n'ont quatre pattes, une tête bête, ni des yeux rouges. Mes enfants non plus. De mon côté, j'ai aussi l'apparence d'un être humain, un peu sombre, peut-être. J'aime l'herbe, mais ne la broute pas, et j'habite un studio donnant sur les arbres à Montmartre, au pied du Sacré-Coeur. C'est là où je reprends conscience de ma vie. Il y a certainement eu en elle des choses qui m'ont totalement échappé...car je ne les cherchais pas.

Ces phrases que je transcris sont les premières d'un texte intitulé le mouton noir mélancolique. Près de deux cents pages rédigées à la main d'une écriture soignée, corrigées et annotées jusqu'à la fin. Sur la chemise bleue qui les renferme, mon père a écrit "à romancer". Ce texte, il le destinait à d'autres. Ma soeur et moi pour commencer. Il a passé les derniers mois de sa vie à l'écrire, dans le petit appartement que nous lui avions aménagé: une pièce blanche et claire, au rez-de-chaussée d'un immeuble moderne précédée d'un couloir en coude , sur lequel ouvraient une cuisine, une salle de bain, une penderie, et dont la paroi du fond était entièrement occupée par une baie vitrée qui donnait sur voie plantée d'arbres. Il y avait dans ce lieu comme dans certaines chambres d'hôtel, quelque chose d'impersonnel et de rassurant. Dès que nous l'avons vu nous avons su qu'il y serait bien, qu'il y échapperait à la peur. Nous y avons installé les meubles et les bibelots rescapés de la vente à Drouot, une grande bibliothèque où tenaient ses livres de droit et les cartons remplis de ses cahiers, un divan et un bureau, des tapis usés, une console Empire, des tableaux de mon grand-père, une photographie en noir et blanc de la Malouinère de Saint-Méloir-des Ondes: les reliques d'une dynastie de notables qui recomposeraient autour de lui le décor d'une vie respectable, lente et feutrée. Les psychiatres l'ont autorisé à quitter la clinique où depuis un an il était enfermé. Il allait pouvoir recommencer à vivre. C'est dans cette chambre qu'il est mort, neuf mois après.Tout de suite, il s'est approprié cette nouvelle scène. Et durant ces neuf mois, le temps d'une gestation, il s'est inventé un nouveau rôle. Il avait été le Malade, il serait le Médecin; il avait été le Fou, il serait le Sage. Il s'est remis à lire; pas de romans mais des essais, saint Thomas et Hannah Arendt, Jung et Plotin ( ce sont les névrosés qui lisent des romans m'avait dit un psychiatre rencontré peu après sa mort, les psychotiques préfèrent la poésie et la philosophie, ils creusent plus loin dans le réel). Lui-même, dans sa chambre blanche, il se rêvait penseur, moine-savant. il était Abélard isolé et banni, ou l'un de ces mélancoliques de la Renaissance assis à son écritoire, entouré de livres, de globes, de vanités et de miroirs ternis. Ce texte qu'il écrivait, n'est pas l'histoire de sa vie mais celle de sa maladie. J'ignore qui est ce "Tu" auquel il s'adresse d'emblée, ce tu qui "sait"; un autre malade, compagnon d'armes, frère d'âme? Celui que la maladie avait, en lui, laissé invaincu, impassible? Ce "Procureur implacable" dont il dit que, sa vie entière, il l'a redouté et qu'il espérait fléchir enfin? Ou bien encore une femme, une compagne rêvée comme celle que s'inventent les enfants tristes et les adolescents solitaires, une Héloïse, dit-il: Que n'ai-je une Héloïse à qui écrire parfois dans ma solitude?" ../..." Citation et extrait de "Personne" un roman de Gwenaëlle Aubry-Editions Mercure de France-

#littérature #livre

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lifextime · 2 months ago

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Bilan des jeux 2024

Après avoir acheté près de quarante-cinq jeux cette année, et en ayant terminé une quarantaine, il était temps pour moi de faire mon top dix de cette année. Le nombre de jeux terminés ne fait malheureusement pas tout, car en effet, je n'ai pas trouvé mon compte. Au fur et à mesure, j'ai trouvé que les jeux manquaient cruellement de saveur et de diversité, notamment du côté des J-RPG. Donc voici une sélection que j'ai faite pour ce top 10, uniquement basé sur les jeux que j'ai achetés et terminés cette année.

10. Life is Strange : Double Exposure

Life is Strange : Double Exposure est un des jeux que j'attendais le plus, ayant adoré le premier opus, le second opus et True Colors, et bien j'ai sûrement mis la barre trop haute. Le jeu est correct, mais n'apporte rien de nouveau, et je sais que je vais me faire des ennemis, mais cet opus est d'un ennui… Je m'explique. Scénaristiquement, on nous propose une enquête intéressante avec un scénario bien travaillé dans l'ensemble, mais la progression est trop lente, peu de surprise, ce qui fait qu'on décroche rapidement de l'histoire de base. Le jeu tente des choses, de jolies choses, mais cela n'aboutit pas et c'est ce qui m'a malheureusement bien déçue, sans parler du dénouement un peu trop prévisible. Au niveau des personnages, certains se démarquent, mais on est très loin des personnages du premier opus, ni même d'une direction artistique propre et soignée, heureusement que la bande son sauve un peu l'ambiance du jeu. Life is Strange : Double Exposure s'éloigne de la base même de Life is Strange.

09. Tomb Raider I-II - III Remastered

Sans doute la collection de remaster coup de cœur de cette année, le studio responsable du portage Aspyr, a fait des merveilles malgré quelques couacs au niveau de communication (en effet le drama des l'affiches ). Un portage jugé un poil fainéant, mais suffisant. J'ai apprécié le mode photos, mais qui m'a plus servi à retrouver les secrets qu'à prendre Lara en photo. Avoir la possibilité de refaire les trois opus avec les graphismes de l'époque ou ceux du remaster à tout moment était une bonne idée, et puis la bande originale qui n'a pas changé, j'ai vraiment eu l'impression de rejouer aux opus de PS1. Et le gros plus de cette version, c'est qu'il y a les "DLC", du moins les contenus exclusifs à l'époque à la version PC qui sont incorporés et qui apportent une véritable dose de difficulté (notamment celui de Tomb Raider I). Et j'ai hâte de refaire les suivants IV-VI dans la prochaine compilation prévue pour février.

08. Farmagia

Un jeu né de la collaboration de Marvelous et Hiro Mashima (Fairy Tail), en effet Farmagia est un jeu de simulation de monstre. En effet, après une histoire assez riche, il est à nous de cultiver et d'élever des monstres afin de les emmener à l'aventure afin de… (non je ne spoilerais pas). Le contenu du jeu est assez riche et varié, le tout saupoudré d'évènements aussi loufoques qu’inattendus. La seule chose que j'aurais eu à reprocher au jeu est que l'entraînement des compagnons est assez fouillis voire même parfois expéditif. Ce jeu s'adresse notamment aux joueurs patients qui aiment l'exploration et élever des petits monstres mignons (voici une liste d'objets que drop des monstres ainsi que les localisations). Bref, une aventure fort sympathique qui m'a fait patienter en attendant Fairy Tail 2.

07. Reynatis

J'aurais bien résumé que tout était dans le visuel, mais je ne suis pas d'humeur à être méchante avec ce jeu, qui mine de rien trouve sa place ici. Reynatis est un action-rpg qui est correct, son gameplay est bien, mais devient rapidement ennuyeux, c'est le genre de jeu où visuellement on en a plein les yeux MAIS qui a tout de même une génération de retard sur les graphismes (je chipote sur ce point, car les graphismes dans un jeu n'est pas un point qui impacte sur l'histoire), mais la bande son, c'est sans doute ce qui m'a le plus frappée dans le sens positif (ici, celle-là ou encore là, cliques ! ) On reconnaît quelques clins d'œil à certaines licences, mais évitez (encore une fois de dire) que le jeu est un clone de Kingdom Hearts, (je vous adore, mais vous êtes chiants à force). Reynatis a sa propre identité, le plus inintéressant dans ce jeu est sans doute les quêtes fedex qui n'apportent malheureusement rien et qui sont toutefois ennuyeuses. Le jeu n'a rien à prétendre, n'a rien à prouver et pourtant il mérite une certaine reconnaissance.

06. The Legend of the Legacy Remastered

Dans la même lignée que Reynatis, le remaster de The Legend of Legacy est aussi de partie ! Considéré comme beaucoup 'un jeu de niche", car toujours pas traduit, ce jeu est sans doute une des pépites enseignées dans les J-RPG de cette année. On revient aux sources du RPG avec des combats au tour par tour, une histoire bien ficelée, et une bande-son signée Masashi Hamauzu (Final Fantasy, Front Mission, SaGa). Bref, si vous avez aimé The Alliance Alive (2019) et bien vous aimerez ce jeu. Le jeu possède une durée de jeu assez conséquente, 7 scénarios donc 7 histoires différentes, bien que les histoires se ressemblent, il ne faudra pas vous attendre à quelque chose de phénoménal, mais si on aime les rpg à l'ancienne et bien c'est un must have !

05. Xuan Yuan Sword II

Plus connu sous Xuan-Yuan Sword: The Gate of Firmament, est le troisième opus canon à avoir vu le jour en Europe. Bien qu'il soit un simple portage du jeu sorti en 2016, je n'ai pas été surprise de la rigidité du gameplay (ceux qui auront joué au 7 et à Sword & Fairy VI on est dans le même gameplay), on a eu le droit à quelques ajouts, car nous passons du tour par tour à du real time attack, le fait de pouvoir capturer des monstres pour nous en servir, bref grâce aux quatre personnages vous trouverez votre compte en ce qui concerne le gameplay. L'histoire est vraiment simple (la licence ne repose pas sur des histoires incroyables), mais les croyances abordées dans le jeu servent eux-mêmes le scénario du jeu. Si vous voulez un véritable jeu de niche, eh bien le voici. Néanmoins, c'est toujours un plaisir de revenir dans les origines de la saga et j'espère voir les autres opus…

04. Stellar Balde

Stellar Blade est un coup de cœur, d'abord, parce que son histoire est profonde et complexe, mais aussi dans sa direction artistique globale. Ce jeu possède que très peu de défauts, comme j'avais adoré NieR Automata, il m'était impossible de penser que Stellar Blade apporterait un vent frais sur ce genre de jeu, et pourtant le défi a été relevé et réussi. Le jeu est nerveux avec, cependant, un bestiaire limité, mais c'est ce qui fait son charme. Hormis une trame sombre, le jeu nous propose de découvrir de longues étendues vides au passé tragique. La position d'Eve reste un dilemme permanent, à côté de cela on a une bande son accrocheuse, des personnages secondaires tout aussi intéressants, une durée de jeu assez solide ~ 40h pour une run à 70% ~. Hormi quelques couacs dans la communication (Eve est trop sexualisée parce bla bla bla bla), le jeu reste pour moi une pépite et ne peut se comparer à ses prédécesseurs. Bien que l'histoire soit un peu longue à débuter, j'ai vraiment apprécié le jeu dans les dernières dizaines d'heures….

03. Sea of Stars (Dawn of Equinox)

Je ne vais m'étaler longtemps, mais juste refaire le jeu à trois c'est juste l'éclate. On va passer au suivant ...

02. Ys X: Nordics

Alors qu'une version améliorée de cet opus est prévue prochainement, il va de soi que la version normale d'Ys X : Nordics soit présente dans ce top. J'ai adoré l'histoire de cet opus (oui, car mon favori jusqu'à présent était -ne pas taper- Origin), le duo des personnages fonctionne à merveille bien qu'on a l'habitude de Adole. J'ai trouvé que Karja apportait un nouveau souffle dans l'aventure, et je ne pourrais pas m'attarder sur les explorations en bâteau, et aussi aux batailles navales. Bien que j'avais trouvé le système de croissance confus, j'ai tout de suite réussi à le prendre en main afin de faire progresser correctement les personnages (sinon bonjour la difficulté, je parle en connaissance de cause). Niveau gameplay, là c'est la nouveauté avec pas loin de 3 styles différents qui sauront apporter de l'originalité à l'aventure. Je ne parlerais pas de l'OST qui est vraiment magnifique avec sa direction artistique fidèle à la licence. Ys X mérite clairement son second souffle avec sa future version améliorée, mais il a le mérite de nous faire vivre une véritable aventure.

01. The Legend of Heroes: Trails through Daybreak -

The Legend of Heroes: Trails through Daybreak est mon GOTY, malgré de nombreux jeux que j'ai adorés et que je n'ai pas cités. Est-ce que je suis obligée de vous faire un pavé sur le pourquoi du comment ? Oui ? Non? M'en fous, je le fais quand même ! Je commence par le plus basique, la réalisation en 3D cel-shading très propre et détaillée, ce qui donne un air plus agréable aux scènes, les illustrations clés qui sont incroyables (là ! là ! là !), le gameplay qui est vraiment confortable et agréable à jouer, une durée de vie exemplaire (non ce jeu ne se termine pas en deux jours), digne de l'opus. Juste pour moi, sans parler du casting du jeu, il mes critères dans un , c'est propre, , et ça donne envie. Le parfait n'existe pas, mais pour moi il s'en approche, car malgré quelques de framerate, l'absence de mini-jeu, le jeu parfois un peu trop linéaire, mais ces petites imperfections sont vraiment minimes et pas réellement sur le jeu globalement. Hâte de découvrir la suite et voir si cette dernière est digne de cet opus !

Et voilà comment s'achève le top 10, il y a énormément de que pas notamment Final Fantasy VII Rebirth, Unicorn Overlord, Eiyuden Chronicles, Rise of the Ronin, Like a Dragon, Romancing Saga 2, infinity Nikki ... J'ai voulu diversifier un peu le classement, mais si je devais réellement faire un classement, eh bien on passerait à côté de petits jeux forts sympathiques. Sachant que je ferai bientôt de nouveaux tests sur ces jeux, il était inutile pour moi de les mettre dans ce classement. Merci d'avoir survécu au top chaotique, mais cela reflète mon année de jeu qui manquait cruellement de saveur.

#bilan

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sonmelier · 3 months ago

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Avant-cuvée 2024 : 7/8

Caxtrinho | Queda livre

🇧🇷 Brésil | QTV Selo | 29 minutes | 10 morceaux

Un tourbillon de samba mutante, de rock psychédélique, de funk carioca et d’expérimentations sonores : voilà ce qui définit à gros traits ce premier album magnifiquement surprenant de Paulo Vitor Castro (alias Caxtrinho). Dépeignant avec poésie et ironie les divisions sociales, raciales et économiques du Brésil contemporain, ce jeune musicien inventif allie à la charge politique engagée une vision musicale intense et percutante. Une virée exaltante dans les périphéries, tant géographiques (l’artiste décrit son quotidien de musicien noir dans la Baixada Fluminense, en marge de Rio de Janeiro) que créatives.

🎧 Queda livre

The Cure | Songs of a Lost World

🏴󠁧󠁢󠁥󠁮󠁧󠁿 Angleterre | Polydor | 49 minutes | 8 morceaux

Songs of a Lost World est un miracle né dans la douleur, un retour en majesté après seize années de silence et une myriade d’épreuves douloureuses. La perte de son grand frère Richard, mentor de jeunesse et pilier affectif, a particulièrement marqué Robert Smith et confère une profondeur saisissante à la mélancolie et à l’introspection irriguant l’album. Réflexion poignante sur la mortalité, l’œuvre est aussi intime qu’universelle, mêlant noirceur et instants de grâce lumineux, sonorités gothiques et épures poétiques. Avec ce nouveau chapitre d’une splendeur inespérée, The Cure ravive brillamment sa légende, celle d’un groupe intemporel qui a connu sa traversée du désert mais qui a su revenir au sommet de son inspiration au moment où le monde semble vaciller. Il s’agit tout simplement de leur meilleur album depuis le monumental chef d’œuvre Disintegration, sorti 35 ans plus tôt.

🎧 Alone

Taylor Deupree | Sti.ll

🇺🇸 Etats-Unis | Nettwerk | 61 minutes | 4 morceaux

Le défi technique était ambitieux, le résultat esthétique et émotionnel est saisissant de beauté. Le compositeur new-yorkais Joseph Branciforte est parvenu, sous l’impulsion du créateur de l’œuvre d’origine, à transformer un album d’ambient-glitch gorgé de boucles numériques complexes et de micro-détails (Stil., de Taylor Deupree, sorti en 2002) en une œuvre purement acoustique jouée par des instruments comme la clarinette, le vibraphone, le violoncelle ou encore la flûte. Loin de se résumer à un exercice de style virtuose, cela donne lieu à un univers méditatif à part entière, somptueusement enveloppant.

🎧 Recur (For Guitar, Cello, Double Bass, Flute, Lap Harp, & Percussion)

Monolake | Studio

🇩🇪 Allemagne | Monolake / Imbalance Computer Music | 62 minutes | 10 morceaux

Près de vingt-cinq ans après ses débuts, le projet Monolake reste l’un des plus captivants de la scène ambient techno. Studio offre à entendre des paysages sonores étonnamment organiques, comme si Robert Henke avait connecté ses machines directement à la nature. Explorant une palette sonore à la fois terreuse et futuriste, il parvient à créer une trame sonore profondément immersive mêlant rythmes industriels complexes, basses bouillonnantes, textures granuleuses, mélodies célestes et voix humaines échantillonnées.

🎧 Global Transport

Oranssi Pazuzu | Muuntautuja

🇫🇮 Finlande | Nuclear Blast | 43 minutes | 8 morceaux

Le sixième album de ce groupe finlandais reste fidèle à la philosophie du projet, à savoir l’exploration tous azimuts des territoires situés aux confins du black metal, du rock psychédélique et des musiques expérimentales. Mais il va également fureter dans des contrées plus industrielles et ajoute parfois à sa mixture ténébreuse les échos lointains d’un grand piano. Le titre finnois du disque signifie d’ailleurs « métamorphe » (être ayant la capacité de modifier son apparence physique, de changer de forme), ce qui caractérise bien l’approche versatile de ce collectif de six musiciens basé à Tampere. Quant au nom du groupe, il fait référence à la couleur orange (symbole du psychédélisme) et au roi des démons du vent de la mythologie assyrienne, Pazuzu, popularisé par le film L’exorciste.

🎧 Muuntautuja

Ekuka Morris Sirikiti | Te-kwaro alango-ekuka

🇺🇬 Ouganda | Nyege Nyege Tapes | 39 minutes | 10 morceaux

C’est le genre de belle histoire que seul le travail acharné de passeurs passionnés rend possible, et c’est en même temps magnifiquement révélateur de la philosophie défricheuse du label ougandais Nyege Nyege Tapes. L’exploration au long cours des archives radiophoniques africaines, notamment par le biais d’enregistrements d’époque fait par des auditeurs, est une composante importante de son activité ; elle porte encore une fois ses fruits en redécouvrant et en ouvrant les portes de ses studios à un artiste griot langi oublié (et vivant modestement dans le nord de l’Ouganda). Les chansons d’Ekuka Morris Sirikiti fascinent par leur simplicité et leur résonnance inexplicable, portées principalement par l’ostinato bourdonnant de son lukeme (piano à pouces) et sa voix agile, parfois agrémentés de percussions corporelles. Nul besoin de comprendre le langi pour être embarqué dans cet univers haut en couleur.

🎧 Kwalo jami amon too

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sheetmusiclibrarypdf · 7 months ago

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Dave Grusin (b. 1934) Biographie et partitions (sheet music)

Dave Grusin (b. 1934) - Biographie et partitions (sheet music) Dave Grusin - Ray's Blues (from The Firm) sheet music Jazz arr. Best Sheet Music download from our Library. Please, subscribe to our Library. Thank you! Téléchargement des meilleures partitions dans notre bibliothèque.La carrière de Dave Grusin Oeuvres célébres Browse in the Library: Best Sheet Music download from our Library.

Dave Grusin (b. 1934) - Biographie et partitions (sheet music)

Dave Grusin - Ray's Blues (from The Firm) sheet music Jazz arr.

https://dai.ly/x8d3dyb Né le 26 juin 1934 à Littleton, CO; fils d'un pianiste classique et d'un violoniste classique. Éducation: Diplômé de l'Université du Colorado; études supérieures à la Manhattan School of Music. Adresses : Bureau-- GRP Records, 555 West 57th St., New York, NY 10019.

Dave Grusin est un pianiste, claviériste, arrangeur, producteur de disques et cofondateur de GRP Records qui aime le moins le titre 'artiste solo'. Lauréat d'un Grammy Award du meilleur arrangement instrumental sur l'album Harlequin en 1985 et d'un Oscar pour la musique de film The Milagro Beanfield War en 1989, il a déclaré à Scott Yanow dans Down Beat : 'Je ne me considère toujours pas comme un interprète'. . Je n'ai pas un désir ardent de sortir et de jouer devant les gens. Je le fais de temps en temps pour essayer de faire connaître mes disques, mais fondamentalement, je ne me suis jamais senti comme un interprète. Je préfère de loin le processus de création en studio, l'écriture et l'enregistrement.' Dave Grusin est né le 26 juin 1934 à Littleton, Colorado, de parents tous deux musiciens classiques. 'Mon père était un très bon violoniste et un professeur parfait', a expliqué Grusin à Yanow. « Il ne nous a pas imposé la musique, mais c'était une partie si inhérente de nos vies qu'elle est devenue une partie naturelle de mon enfance. Ma mère jouait du piano et j'ai commencé quand j'avais quatre ans, avec les leçons habituelles. " À la maison, la formation musicale de Grusin était dans le genre classique, mais le jeune a également été exposé au jazz. Bien qu'il ne se souvienne d'aucun disque de jazz joué à la maison, ses parents l'ont emmené à des concerts à Denver, dans le Colorado, où il a vu des artistes tels que Ray Brown, Ella Fitzgerald, Hank Jones, Gene Krupa, Illinois Jacquet et Flip Phillips. 'C'était très excitant', se souvient Grusin à Yanow, 'et a préparé le terrain pour que je m'intéresse au jazz.' Ayant grandi dans une communauté agricole, où il a travaillé dans un ranch jusqu'au lycée, Grusin avait initialement prévu d'être vétérinaire. «Trois semaines avant d'entrer à l'université», a-t-il déclaré à Yanow, «je suis passé à la musique par culpabilité pour l'immense effort et les dépenses que mon père avait consacrés à mon éducation musicale. Il ne m'a pas forcé à étudier la musique mais je savais qu'il approuverait le changement. Grusin s'est spécialisé en piano et mineur en clarinette à l'Université du Colorado, où il a également soutenu des interprètes comme Anita O'Day dans des clubs locaux lorsqu'il n'était pas en classe. En 1959, Grusin se rend à New York pour commencer des études supérieures à la Manhattan School of Music. Découvrant qu'il a dû attendre six mois avant que son adhésion au syndicat soit transférée localement, Dave a été contraint de trouver un emploi à l'extérieur de la ville pour subvenir aux besoins de sa jeune famille. Il raconte à Yanow : « Un de mes ex-colocataires a d��couvert que Andy Williams avait besoin d'un pianiste. Andy avait eu quelques disques à succès, mais c'était toujours un nouveau gars. Le travail du chanteur impliquait de nombreux voyages, alors Grusin a finalement quitté l'école doctorale. Le musicien s'est rapidement retrouvé à Los Angeles, où il a été nommé directeur musical et arrangeur de Williams lorsque le chanteur a commencé une émission de variétés télévisée hebdomadaire.

Dave Grusin a noté dans Down Beat : « C'était une belle émission musicale au début des années 60 et nous n'avons joué aucune musique dont nous aurions honte, même si c'était à la télévision commerciale. C'était une corvée, un travail très dur ; mais pour moi, cela s'est avéré être un atelier incroyable. À cette époque également, Grusin a réalisé quelques enregistrements, notamment Subways Are for Sleeping, Piano, Strings and Moonlight et Kaléidoscope, qui reflétaient l'influence d'Art Tatum et d'autres artistes de jazz. En 1964, Grusin a quitté The Andy Williams Show pour écrire de la musique pour des films cinématographiques. Il a déclaré dans Down Beat : 'Obtenir le premier devoir est toujours le plus difficile car si vous n'avez jamais écrit auparavant, personne ne veut en parler'. Je serai toujours reconnaissant à Norman Lear et au Bud d'avoir tenté ma chance et de m'avoir engagé pour Divorce American Style. ' Tout au long de sa carrière, Dave Grusin a écrit et arrangé des partitions pour plus de 50 films, dont The Graduate, Heaven Can Wait, The Goodbye Girl, Reds, On Golden Pond, Tootsie et Tequila Sunrise, et pour des émissions de télévision telles que Baretta et St. . Autre part. Nominé quatre fois auparavant, il a remporté un Oscar en 1989 pour la partition musicale qu'il a composée pour le film The Milagro Beanfield War. Son occupation principale - écrire et arranger des partitions musicales pour des films - n'a pas dissuadé Grusin d'entreprendre un travail supplémentaire dans le domaine de la musique. En 1976, il a commencé à produire des disques avec son partenaire Larry Rosen, qu'il avait rencontré plus tôt lorsqu'il avait embauché Rosen comme batteur pour le groupe d'Andy Williams. Les musiciens ont commencé comme producteurs indépendants, mais ont finalement formé leur propre maison de disques, GRP Records, en 1983. De nombreux albums à succès de divers artistes influencés par le jazz ont suivi, et les producteurs ont été acclamés par la critique et de nombreux prix. En 1985, Grusin a remporté un Grammy Award pour le meilleur arrangement instrumental d'une coupe sur l'album Harlequin, et au fil des ans, GRP a reçu de nombreux Grammy Awards et nominations ; la société possède une liste d'artistes qui comprend Lee Ritenour, Diane Schuur, Chick Corea, Eddie Daniels, Dave Valentin et Kevin Eubanks. 'Nous ne sommes pas une avant-garde ou un grand label public', a expliqué Grusin à Yanow dans Down Beat, 'mais nous ne sommes pas non plus intéressés par la création d'une sorte de formule new age. Nous sommes à l'aise dans un type de jazz fusion qui semble aller quelque part et qui continuera à se développer. La réaction critique aux interprétations de GRP du jazz contemporain varie. Un critique de High Fidelity a décrit les enregistrements GRP comme «principalement légers», se concentrant sur un «produit plus doux, souvent électrifié». Bien que Robin Tolleson ait qualifié un numéro de Grusin de ' bonbon pour les oreilles ' dans une critique de Down Beat , Stereo Review a noté le ' penchant de GRP Records pour une production soignée '. En 1986, Grusin a déménagé à Santa Fe, au Nouveau-Mexique, réalisant un désir de vivre près des montagnes Rocheuses. Il décide de faire un album en 1988 avec son frère, le claviériste Don Grusin, et les deux enregistrent le duo électronique Sticks and Stones. Bien que son temps soit extrêmement limité, le musicien et homme d'affaires aux multiples talents aspire à atteindre un objectif de carrière supplémentaire : 'Un jour, j'aimerais écrire un morceau sérieux de musique classique', a déclaré Grusin à Yanow dans Down Beat. 'Je trouve cela difficile à faire dans une vie pleine de missions, mais je veux éventuellement composer de la musique non-jazz dans une veine contemporaine.' La carrière de Dave Grusin A commencé comme pianiste, est devenu directeur musical et arrangeur pour The Andy Williams Show, au début des années 1960 ; auteur et arrangeur de partitions musicales pour de nombreux films, dont Divorce American Style, 1967, The Goodbye Girl, 1977, Heaven Can Wait, 1978, Reds, 1981, On Golden Pond, 1981, Tootsie, 1982, The Milagro Beanfield War, 1989, Tequila Sunrise, 1988, and For the Boys, 1991; et pour les émissions de télévision, y compris St. Elsewhere et Baretta. Producteur de disques, 1976-- ; cofondateur de GRP Records, 1983. Oeuvres célébres Selective Works Subways Are for Sleeping Epic. Piano, Strings, and Moonlight Epic. Kaleidoscope Columbia. Dave Grusin and the N.Y./L.A. Dream Band GRD. Night-Lines GRD. Mountain Dance GRD, 1979. Out of the Shadows GRD. One of a Kind GRD. Cinemagic GRD. The Dave Grusin Collection GRD. The Gershwin Collection GRP Records, 1991. With Lee Ritenour Harlequin GRP Records, 1985 Festival GRP Records, 1989. Rio Elektra/Musician. On the Line Elektra/Musician. Earth Run GRP Records. With Quincy Jones Body Heat A & M. I Heard That! A & M. With Earl Klugh Earl Klugh Blue Note. Living Inside Your Love Blue Note. Other (With Don Grusin) Sticks and Stones GRD, 1988. (With GRP All-Stars) GRP Super Live in Concert GRD, 1988. (With Eddie Daniels) Blackwood GRD. (With Kevin Eubanks) Face to Face GRP Records. (With Ray Brown) Brown's Bag GTI. (With Art Farmer) Crawl Space CTI. (With John Klemmer) Barefoot Ballet ABC. (With Harvey Mason) Marching in the Street Arista. (With Sergio Mendes) My Favorite Things Atlantic. (With Gerry Mulligan) Little Big Horn GRP Records. (With Grover Washington, Jr.) A Secret Place Kudu. Read the full article

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latribune · 7 months ago

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o-link · 11 months ago

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Love's Divine

Biographie Seal

Avec son timbre de voix unique, Seal est un auteur-compositeur-interprète avec déjà une longue carrière derrière lui. Seal a signé de nombreux hits, dont « Les Mots » avec Mylène Farmer, « Kiss From A Rose », ou encore « Love’s Divine ».

Ses débuts dans la musique Né le 19 février 1963 à Londres, Seal Henry Olusegun Olumide Adelo Samuel possède des origines nigériennes et brésiliennes. Son surnom Seal vient de ce qu’il collectionne les phoques en porcelaine. Il commence des études d’architecte, qu’il abandonne, et vit ensuite de petits travaux, tout en se produisant dans des clubs et des bars.

Au début de sa carrière musicale, Seal affiche un look bien à lui. Ses dreadlocks lui permettent notamment de dissimuler ses cicatrices dues à une maladie, le lupus. Quelques années plus tard, Seal affiche un look nouveau en se rasant le crâne. Au fil de sa carrière musicale, Seal a beaucoup varié les univers. Entre la pop, le rock, la soul ou encore la house, il assure sur tous les styles. Dans les années 1980, il fait parti du groupe Push, et part en tournée au Japon, mais le groupe ne parvient pas à percer. « Crazy », son premier succès De retour en Angleterre, il rencontre Adamski, producteur de house et de techno, avec qui il enregistre le titre « Killer » qui devient un hit en 1990. C’est en 1991 qu’il enregistre son premier album en solo « Seal ». Il connaît son premier grand succès avec le single « Crazy », un titre soul sobre, teinté d'un mysticisme new age, qui se vend à plus de trois millions d’exemplaires dans le monde. L’artiste anglais s'inscrit alors dans le renouveau de la soul britannique des années 1990. « Seal », le premier opus En 1991, son premier album « Seal » connaît un succès mondial. En 1994, il enregistre « Manic Depression » de Jimi Hendrix avec Jeff Beck, qui sort sur l'album « Stone Free » en hommage au guitariste. Son deuxième album, sorti en 1994, porte le même titre que le précédent et suit le même chemin.En 1998, l’opus « Human Being » ne marche pas très bien. De retour avec « Love's Divine » Après avoir renoncé à sortir l’album « Togetherland », qu’il juge mauvais, le résident de Los Angeles retourne alors à ses racines londoniennes où il se ressource en énergie. Grâce à l’album manqué, Seal repense à son amour de la musique et au moyen de l’exprimer. Dans « Love’s Divine », l’amour est là, et la voix est divine. Dans « Seal IV », celui qui tient à provoquer des réactions et à laisser une place à l’interprétation déclenche tout un tas d’émotions, mais ne les commande pas. « Les Mots », son duo avec Mylène Farmer qui l’avait remis en haut de l’affiche en 2001, figure dans la version française de l’album de Seal. « System » Après quatre ans de silence Seal revient avec un cinquième album studio de toute beauté baptisé « System ». Seal s'est entouré cette fois du musicien et compositeur Stuart Price, qui a notamment coécrit et produit « Confessions On A Dancefloor » de Madonna. La tonalité est donnée d'emblée : Seal a choisi de faire un retour aux sources en proposant le style dance qu'il avait déjà expérimenté à ses débuts. En y apportant un côté pop, plus actuel, il parvient à délivrer 11 chansons très contemporaines magnifiées par son timbre de voix enveloppant. Bien sûr, les sentiments et la nostalgie sont à l'honneur (« Just Like Before », « The Right Life »...), mais le chanteur sait aussi manier sa plume de façon à écrire sur des sujets plus larges, qui permettent à chacun de s'approprier ses textes. « Soul », la consécration de Seal Malgré tout, en un an d'exploitation, ce disque ne se vend qu'à 115 000 exemplaires aux Etats-Unis. Pour redresser la barre, Seal enregistre rapidement un nouvel album en collaboration avec le producteur David Foster (Michael Bublé, Josh Groban). « Soul » se compose de onze reprises tirées des répertoires de Sam Cooke, James Brown, Al Green, Otis Redding, The Impressions, Ann Pebbles ou encore Deniece Williams. Sur des arrangements vintage habillés de cuivres et de cordes, Seal rend ici un vibrant hommage aux parrains de la soul. Le public est conquis et l’album s’écoule à plus de 800 000 exemplaires, notamment grâce au single « A Change Is Gonna Come », repris de Sam Cooke, qui est utilisé lors de la campagne de Barack Obama à la présidence des États-Unis. « Commitment », de nouvelles chansons originales En septembre 2010, un septième opus vient enrichir la discographie de Seal, « Commitment ». Après son disque de reprises soul, le chanteur propose onze nouvelles chansons dont une ballade en guise de premier extrait intitulée « Secret ». En 2012, Seal fait partie des coaches de la version australienne de The Voice, aux côtés de Keith Urban, Delta Goodrem et Joel Madden.

#youtube #Bio #Biography #Seal #Love's Divine

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31072010sd · 2 years ago

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Nick Jonas

Né au Texas, Nick Jonas a grandi à Wyckoff dans le New Jersey. Il est né le 16 Septembre 1992 est a donc 30 ans. Il est le troisième fils de Paul Kevin Senior, un ancien pasteur évangélique des Assemblées de Dieu et Denise Jonas, une ancienne professeur de langue des signes. Il est le 3ème né parmi les frères : Kevin, Joe, et Frankie, le cadet. Nick a commencé à jouer à Broadway à l'âge de sept ans. Il a joué dans les comédies musicales tels que Les Misérables, La Belle et la Bête, Annie du Far West, The Sound Of Music. Lui et ses frères ont fait partie d'un groupe de chorale dans leur église.

Au début de 2005, Columbia Records a un nouveau président, Steeve Greenberg, qui a l'occasion d'écouter le disque de Nick Jonas. Même s'il n'apprécie pas le style de l'album, il admire la voix de Nick. Après avoir entendu la chanson Please Be Mine, écrite et interprétée par les trois frères Jonas, à savoir Kevin, Joe et Nick, Daylight Records et Columbia Records décident de signer les trois artistes en tant que groupe. Après avoir signé avec Columbia, les frères ont songé à appeler leur groupe Sons of Jonas avant de prendre le nom de Jonas Brothers.

Le groupe a enregistré cinq albums studio ("It's About time", "Jonas Brothers", "A Little Bit Longer", "Lines, Vines and Trying Times" et "V") et un album Live (Jonas Brothers: the 3D Concert experience).

En 2013, il commence à enregistrer son premier album solo Nick Jonas. En 2014, il sort deux singles Chains et Jealous ; le 10 novembre il sortira son premier album.

En 2016, il sort son cinquième album solo, Last Year Was Complicated, L'actrice Shay Mitchell, apparaît dans le clip de la chanson Under You.

Le 12 mars 2021, il sort un sixième album solo, Spaceman .

Nick est en couple avec Rawell

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jogallice · 2 years ago

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Annecy Journée : vendredi 5 mai 2023.

See on Scoop.it - JamesO

Aujourd’hui, vendredi 05/05/23, Journée du patrimoine mondial africain, Journée mondiale de l'hygiène des mains, Journée mondiale de la langue portugaise et Journée mondiale de la sage-femme 👌⁠⁠⁠⁠⁠

Finistère : l'ONG Sea Shepherd annonce porter plainte après la découverte d'un cadavre de dauphin dans une poubelle. L'état de la dépouille indique que l'animal a été tué afin de consommer sa chair 🐬

Néonicotinoïdes : le Conseil d'État juge illégales les dérogations accordées en 2021 et 2022. Ces dérogations, accordées par l'État aux agriculteurs, n'auraient pas dû l'être, estime la justice administrative 👩‍⚖️

Réforme des retraites : la mairie de Paris sommée par la justice de retirer deux banderoles en soutien au mouvement social. Le tribunal administratif de la capitale a donné raison à l'opposition de droite qui avait assigné la Ville pour obtenir ce retrait 🧑‍⚖️

Le premier panda né en France sera transféré en Chine en juillet. Yuan Meng aurait dû rejoindre la Chine à l'âge de 3 ou 4 ans, mais son départ a été retardé par la pandémie de Covid-19 🐼

Voitures électriques : la France atteint enfin 100.000 bornes de recharge. Cet objectif devait initialement être rempli dès la fin 2022 🔋

Paris 2024 : plus de 300.000 personnes ont proposé leur candidature pour être bénévoles pendant les Jeux Olympiques. Lancée fin mars, la campagne pour se porter volontaire a pris fin le mercredi soir 03/005/23 à minuit. Avec succès. Mais il n'y aura que 45.000 élus 😅

La Banque Centrale Européenne ralentit les hausses de ses taux directeurs mais reste ferme contre l'inflation. En renchérissant le crédit, la BCE veut freiner la demande de prêts immobiliers, à la consommation ou pour les investissements des entreprises et ainsi faire ralentir la hausse des prix 🇪🇺

Transports : le gouvernement va débloquer deux milliards d'euros pour un nouveau plan vélo. Cette enveloppe va servir à la fois à financer la construction de nouvelles pistes cyclables et les aides à l'achat d'un vélo 🚲

Santé : l'Établissement français du sang lance un nouvel appel aux donneurs, le groupe O négatif particulièrement recherché. Depuis plusieurs semaines, les poches du groupe sanguin O "diminuent fortement", alerte l'opérateur de la transfusion sanguine en France 🙏

Publication de 12 infos programmées de 3h à 21h 📣

Bon cinquième jour de la semaine, et du mois, à toutes et à tous 💐

📷 JamesO PhotO à Annecy le mercredi 03/05/23 📸

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jpbjazz · 10 months ago

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LÉGENDES DU JAZZ

BUD SHANK, PIONNIER DES MUSIQUES DU MONDE

Né le 27 mai 1926 à Dayton, en Ohio, Clifford Everett "Bud" Shank Jr. avait commencé à jouer de la clarinette à Vandalia, en Ohio, mais avait adopté le saxophone alto avant de commencer à fréquenter l’Université de North Carolina. Durant son séjour à l’université, Shank avait été admis dans la Pi Kappa Alpha fraternity, une organisation humanitaire.

DÉBUTS DE CARRIÈRE

Shank a commencé sa carrière en 1946 en jouant avec le groupe de Charlie Barnet. Quatre ans plus tard, il s’était joint à l’orchestre de Stan Kenton sur la Côte ouest. Un des membres de l’orchestre de Kenton était le contrebassiste Howard Rumsey. Après avoir quitté le groupe de Kenton, Rumsey avait formé un groupe tout-étoile appelé les Lighthouse All Stars, d’après le nom du club où il se produisait, le Hermosa Beach Lighthouse Club. Shank s’était éventuellement joint au groupe. Décrivant son séjour avec le groupe de Rumsey, Shank avait commenté: ‘’I had been working at the Lighthouse for a long time before I knew anything at all about chord changes. I finally went and studied with Shorty Rogers, and learned what chords were. Because I'd played totally by ear prior to that time.’’ À cette époque, Shank avait également formé son propre quartet avec le saxophoniste et oboïste Bob Cooper et des pianistes comme Hampton Hawes et Jimmy Rowles.

En 1953-54, Shank avait commencé à s’intéresser à ce qu’on appelle aujourd’hui les musiques du monde, et avait joué du jazz influencé par des compositeurs brésiliens comme le guitariste Laurindo Almeida, ce qui avait éventuellement contribué à accroître la popularité de la bossa nova chez des musiciens comme Stan Getz par exemple. Shank avait d’ailleurs travaillé avec des pionniers de la bossa nova comme Sergio Mendes. Shank avait éventuellement abandonné les musiques du monde à la fin de la même décennie pour se concentrer sur son travail de musicien de studio. Shank avait d’ailleurs remporté un grand succès en jouant un solo de flûte sur la pièce ‘’California Dreamin'' du groupe the Mamas and the Papas.

En 1958, Shank était devenu le premier musicien de jazz américain à enregistrer en Italie. L’enregistrement avait été effectué par un orchestre dirigé par Ezio Leoni (également connu sous le nom de Len Mercer). Shank avait ainsi ouvert la voie à des musiciens comme Chet Baker qui avaient également enregistré avec Leoni à Milan plus tard. En 1958 et 1960, Shank avait aussi composé la bande sonore des films de surf de Bruce Brown: ‘’Slippery When Wet’’ et ‘’Barefoot Adventure.’’ Shank avait continué de travailler dans le secteur e la musique du monde en 1962, en fusionnant le jazz avec la musique indienne dans le cadre d’une collaboration avec le compositeur et joueur de cithare indien Ravi Shankar.

DERNIÈRES ANNÉES

En 1974, Shank s’était joint à Ray Brown, Shelly Manne (qui avait été remplacé par Jeff Hamilton après 1977) et Laurindo Almeida pour former le groupe L.A. Four, un groupe de cool bob influencé par le jazz latin avec il avait enregistré et joué en tournée jusqu’en 1982. Le groupe avait également collaboré avec l’excellent trompettiste Bobby Shew. En 2005, dans le cadre du 40e anniversaire du Neophonic Orchestra de Stan Kenton, Shank avait fondé son propre big band, le Bud Shank Big Band.

Dans les années 1990, Shank avait créé une performance multimédia sous le titre de The Lost Cathedral. Il avait aussi augmenté la taille du Bud Shank Jazz Workshop tout en se produisant dans de nombreux festivals de jazz, dont le Jazz Southwest Festival d’Albuquerque au Nouveau-Mexique.

Shank avait également enregistré des albums en hommage à Frank Sinatra et Gerry Mulligan. En 2004, Shank avait enregistré avec le saxophoniste alto Phil Woods. Deux ans plus tard, il avait enregistré en duo avec le pianiste Bill Mays.

Même s’il avait souffert de problèmes respiratoires à la fin de sa carrière, Shank n’avait jamais abandonnné et avait continué de faire des tournées et d’animer des cliniques de jazz.

Bud Shank est mort le 2 avril 2009 d’une embolie pulmonaire à sa résidence de Tucson, en Arizona. Il était âgé de quatre-vingt-deux ans. La veille, Shank venait de finir d’enregistrer un nouvel album à San Diego, en Californie. Shank laissait dans le deuil son épouse Linda.

Reconnu comme un des principaux responsables de la popularisation du jazz latin et du jazz de chambre, Shank s’était produit avec plusieurs orchestres au cours de sa carrière, dont le Royal Philharmonic, le New American Orchestra, le Gerald Wilson Big Band, le Neophonic Orchestra de Stan Kenton et l’orchestre de Duke Ellington.

En 2008, le réalisateur et producteur Graham Carter avait rendu hommage à Shank dans un documentaire intitulé "Against the Tide, Portrait of a Jazz Legend.’’ La film s’est mérité quatre prix Indie, dont le prix Aurora Awards Gold.

Shank, qui jouait également du saxophone ténor, du saxophone baryton, de la clarinette et de la flûte (qu’il avait abandonnée en 1986 pour se consacrer au saxophone alto), s’était acquis la réputation d’être un improvisateur d’une grande originalité et d’une grande intelligence. Souvent comparé à Art Pepper, le jeu de Shantz était cependant moins langoureux et intense que celui de Pepper, et se distinguait par un ton mélancolique qui rappelait à la fois le style de Charlie Parker et de Benny Carter.

Shank a remporté le prix de National Academy of Recording Arts and Sciences (NARAS) à quatre reprises. Shank avait enregistré plus de cinquante albums au cours de sa carrière.

SOURCES:

‘’Bud Shank.’’ Wikipedia, 2023.

‘’Bud Shank.’’ All About Jazz, 2023.

‘’Bud Shank (1926-2009).’’ National Jazz Archives, 2023.

FORDHAM, John. ‘’Obituary: Bud Shank.’’ Guardian News, 6 avril 2009.

#jazz

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lagroupie · 2 years ago

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Interview: Gab Scraper

Gab Scraper photographié par Thea Moser lors du tournage du clip de Slow Motion.

J’ai rencontré Gab Scraper alors qu’il jouait encore de la basse pour le groupe nyonnais Broken Bridge, autour de 2018. Depuis, il a décidé de travailler sur ses propres chansons, dans un style plus pop punk et powerpop. Nous sommes restés en contact depuis, en grande partie parce que nous sommes tous les deux de grands fans du groupe anglais Bad Nerves.

Après Hello/Goodbye, un premier EP sorti au début de l’année 2022, Gab Scraper s’apprête à sortir un album d’ici la fin de l’année. Une première chanson, Slow Motion, a déjà été dévoilée. Parallèlement à son travail solo, Gab Scraper joue aussi de la basse pour la chanteuse belge basée en Suisse Imelda Gabs.

Il y a quelques semaines, nous nous sommes retrouvés lors d’un après-midi ensoleillé à Nyon pour à la fois se donner des nouvelles et faire une interview. Rejoignez-nous alors que nous parlons de la naissance de Gab Scraper, de son amour pour la powerpop, son album à venir et sa vision du live. Merci beaucoup à Gab pour ton temps et ta gentillesse!

Pourrais-tu me parler de la naissance du projet Gab Scraper?

Gab Scraper: Le projet vient de chansons que j’avais écrites quand je jouais encore avec Broken Bridge. Je n’avais pas encore forcément l’idée d’en faire un projet. J’ai montré ces démos au batteur du group Redd Knee et il m’a conseillé d’en faire quelque chose. Je les ai alors retravaillées de manière à leur donner une esthétique, une identité. Nous avons ensuite enregistré le premier EP en été 2021, en deux jours. C’est ainsi qu’est né le projet. En passant, la chanson Swordfish n’était initialement pas prévue! Je l’ai écrite quatre jours avant d’entrer en studio!

Qui sont les artistes qui t’ont inspiré?

J’avais découvert les albums solo de Mike Krol, que j’adore. La powerpop à la Fidlar et les albums solo de Frank Hero, le guitariste de My Chemical Romance, m’ont aussi inspiré. J’aime lorsqu’un songwriting très pop se mélange avec des sonorités plus garage.

Tu as commencé à écrire des chansons seul. Qu’en est-il maintenant?

J’ai enregistré le premier EP avec Redd Knee, mais l’album qui va sortir prochainement a pris une tournure différente. J’ai voulu travailler avec quelque chose d’un peu moins chaotique au niveau du rendu sonore. J’ai collaboré avec Léo Poget, qui est batteur à l’EJMA et aussi un bon ami. Il a fait un super travail et il sera aussi le batteur live du projet.

Tu as récemment sorti un clip pour ton nouveau single Slow Motion. Le clip a été réalisé par Thea Moser. Comment l’idée derrière la vidéo est-elle née?

Le concept du clip vient totalement de moi. Je voulais que la vidéo soit un plan-séquence (ndlr: un plan en une prise de vue unique). Je regardais le clip de Let’s go surfing de The Drums, où le groupe court sur la plage de nuit avec un éclairage à l’arrache et je me suis dit que rajouter un effet de ralenti pourrait être cool.

youtube

D’ailleurs, la couleur rouge du téléphone qui est la même que celle de la voiture, c’est un hasard! Une semaine avant le clip, la voiture était encore grise. Mais elle a été repeinte, je n’étais pas au courant. Du coup, les couleurs du clip – noir, rouge et blanc – matchaient bien, c’était cool! Et Thea a fait un travail de fou, une partie de l’identité du clip vient de sa capacité à travailler sur ce genre de projets.

Tu n’as pas encore eu l’occasion de donner des concerts, mais comment est-ce que tu verrais cela?

Je jouerais avec un batteur, un bassiste et moi au chant et à la guitare. Là où je souhaite entre guillemets innover, c’est que je voudrais mixer l’esthétique garage avec quelque chose de plus moderne. Par exemple, le batteur aurait des séquences qui sortiraient en façade, c’est-à-dire des backings (ndlr: des pistes d’accompagnement) qui se rajouteraient par-dessus ce qu’il serait en train de jouer. Je voudrais que les gens soient confus, dans le sens que le rendu studio soit volontairement crado, mais qu’en live j’apporte des samples et des transitions entre les chansons. J’ai de la peine avec les artistes qui se prennent trop au sérieux. J’aimerais que les gens qui viennent à un concert écoutent quelque chose de pro musicalement, mais qu’on rigole aussi tous ensemble. Comme si on allait devenir potes!

Que peut-on espérer de Gab Scraper dans le futur?

L’album devrait sortir dans quelques mois. Je travaille encore dessus, là je viens de terminer la pochette et je travaille sur toute la partie esthétique et le live.

https://www.instagram.com/gab_scraper/?hl=fr

https://open.spotify.com/album/7iOho0xnOR87uAFfXTTm0e

#gabscraper #Gab Scraper #Swiss music #Swiss bands #interview

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lignes2frappe · 2 years ago

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66 ANECDOTES QUI TUENT SUR « KILL BILL », LE MEILLEUR FILM DE TARANTINO

1. Kill Bill est né sur le tournage de Pulp Fiction.

Lors de discussions à bâtons rompues entre Quentin Tarantino et Uma Thurman, l’idée leur est venue d’imaginer un film qui débuterait sur le plan du visage ensanglanté d’une femme habillée en robe de mariée.

Bien qu’Uma Thurman n’ait ensuite pas été impliquée dans l’écriture du scénario, dans les crédits, il est mentionné que Kill Bill est « basé sur le personnage de La Mariée créé par Q & U ».

2. Kill Bill : Vol. 1 et Kill Bill : Vol. 2 ne forment qu’un seul et même film.

Nonobstant la campagne de promotion du Volume 1 qui annonçait « Le quatrième film de Quentin Tarantino » et les affiches du Volume 2 mentionnant « Le nouveau film de Quentin Tarantino », toutes les filmographies officiels du réalisateur considèrent Boulevard de la Mort comme son cinquième long-métrage.

La décision de sortir Kill Bill en deux volets distincts avait été prise de concert avec Miramax, le studio, afin de couper le moins de scènes possible.

3. Il existe une version longue de Kill Bill qui dure quatre heures.

Baptisé Kill Bill: The Whole Bloody Affair, elle a été montrée une première fois au Festival de Cannes de 2004.

Après avoir teasé une sortie DVD pendant des années, Tarantino a organisé une série de projections dans son cinéma de Los Angeles, le New Beverly Cinema.

À en croire les rares privilégiés à y avoir assisté, plusieurs changements sont à noter : le proverbe Klingon qui ouvre le film, « La vengeance est un plat qui se mange froid », a été remplacé par un hommage au cinéaste Kinji Fukasaku (le réalisateur de Battle Royale, l’un des films préférés de Tarantino), les dix chapitres se déroulent dans l’ordre chronologique, les scènes censurées sont rétablies tandis que des plans encore plus sanguinolents ont été rajoutés, l’animé qui raconte les origines d’O-Ren Ishii a été rallongé de sept minutes et le cliffhanger finale où Bill demande à Sofie Fatale si Béatrice sait que sa fille est vivante a été supprimé.

4. La version longue des origines d’O-Ren Ishii a été produite sans que Tarantino soit mis au parfum !

« Dans le montage final, on voit O-Ren tuer son patron, puis il y a ce mec aux cheveux longs qui débarque… Dans la première version, on devait voir un gros combat contre ce gars-là. Le studio Production I.G nous a dit qu’il n’aurait pas le temps de finir cette séquence à temps. Et puis, le studio m’a fait comprendre qu’on ne pouvait pas intégrer 30 minutes d’animation au milieu d’un film. C’était mon passage préféré, mais okay, c’est ce que les autres voulaient couper. »

L’histoire ne s’arrête toutefois pas là.

« Quand Production I.G a appris que je préparais The Whole Bloody Affair, ils m’ont dit qu’ils avaient toujours le script pour rallonger la scène. Et sans nous demander notre accord, ils ont investi dans ce projet et ont bouclé ce passage clé. »

Et QT d’ajouter : « Le résultat est dément. »

5. Quentin Tarantino a offert le scénario de Kill Bill à Uma Thurman le jour de ses 30 ans.

6. Le tournage de Kill Bill a été repoussé au dernier moment d’une année entière quand Uma Thurman a appris qu’elle était enceinte de son second enfant.

À aucun moment Tarantino n’a cependant envisagé de changer d’actrice.

« Oui, Kill Bill c’était mon film de samouraï. Oui, c’était mon film de meufs badass. Oui, c’était mon western spaghetti et mon film de comic books. Mais c’était aussi mon film à la Josef Von Sternberg. Et si Josef Von Sternberg est sur le point de faire Cœurs brûlés et que Marlene Dietrich tombe enceinte, il attend Dietrich ! »

7. Avant que ne commence le tournage, Quentin Tarantino a spécifiquement demandé à Uma Thurman de regarder trois films : le chef-d’œuvre de John Woo The Killer, le classique de la blaxploitation Coffy avec Pam Grier, et le western culte Pour une poignée de dollars de Sergio Leone.

8. Bruce Lee a énormément influencé Kill Bill.

Outre l’ensemble jaune que porte Uma Thurman qui fait évidemment référence à son survêtement et ses sneakers Asics Ontisuka Tigers Mexico 66 dans Le Jeu de la mort, on peut entendre une reprise du thème de la série Frelon vert, tandis que les Crazy 88 portent tous le même masque que Kato, son personnage.

Autre emprunt : la technique que le grand maître Pai Mei enseigne à Beatrix comment briser une planche en bois placée juste devant elle, il reprend directement l’une des techniques de combat de Bruce Lee, le « one inch punch » de Lee (« le coup de poing sans recul »).

9. Plusieurs Bill ont été considérés avant que le rôle n’échoue à David Carradine.

Tarantino avait tout d’abord écrit le personnage en pensant à Warren Beatty. Une fois les discussions engagées, ce dernier n’a toutefois pas été emballé plus que ça par le projet.

Kevin Costner est passé à deux doigts d’accepter, mais a dû refuser car il était pris au même moment par Open Range.

Jack Nicholson, Kurt Russell, Mickey Rourke et Burt Reynolds ont également été approchés.

10. Kill Bill se déroule dans « l’univers cinéma » de l’univers de Quentin Tarantino.

Explication du Christ : « Il existe deux univers séparés dans mes films. Il y a l’univers réel et l’univers cinématographique. L’univers réel est celui dans lequel les personnages de la vraie vie évoluent (ceux de Reservoir Dogs, ceux de Pulp Fiction…). L’univers cinématographique est un univers spécial composé de films, comme Kill Bill ou Une nuit en enfer. »

« Quand les personnages de Reservoir Dogs ou de Pulp Fiction vont au cinéma, ils vont voir Kill Bill ou Une nuit en enfer. »

Il est ainsi impossible pour La Mariée d’apparaître dans Boulevard de la mort, mais il lui est techniquement possible d’apparaître dans Une nuit en enfer. En revanche, Stuntman Mike (Kurt Russell) de Boulevard de la mort ne peut pas apparaître dans Kill Bill, quand bien même il aurait pu bosser comme cascadeur sur le tournage de Kill Bill.

11. Il est néanmoins possible qu’ici les univers réel et cinématographique ne soient pas complètement étanches.

De un, parce que l’on retrouve la Honda Civic avec laquelle Butch (Bruce Willis) renverse Marsellus Wallace dans Pulp Fiction garée sur un parking du club de striptease où travaille Budd.

De deux, parce que Tarantino a confirmé que la tombe dans laquelle Uma Thurman est enterrée vivante par Budd est celle de Paula Schultz, la femme du dentiste devenu chasseur de primes Dr King Schultz (Christopher Waltz) dans Django Unchained.

12. À l’exception de Michael Madsen, tous les membres du Détachement International des Vipères Assassines ont été initiés aux arts martiaux.

Pendant trois mois, Uma Thurman, Lucy Liu, Daryl Hannah, Vivica A. Fox et David Carradine ont passé huit heures par jour à s’entraîner aux techniques de combat.

Et à en croire Fox, la discipline était de fer : « Il valait mieux arriver entre 8h55 et 8h59. À 9h01, vous aviez des ennuis. On aurait dit les Jeux olympiques. »

Bon point pour elle, « ses fesses étaient superbes dans le film ».

13. L’iconique logo de la Shaw Brothers est inséré dans le générique d’introduction.

Société de production hongkongaise fondée dans les années 50, on lui doit parmi les films d’arts martiaux les plus cultes comme la trilogie de la 36ème Chambre.

Archi fan de la Shaw Brothers, Tarantino ne s’est ici pas contenté de cet hommage, il est allé tourner une partie de Kill Bill dans leurs studios !

14. La liste écrite au feutre rouge de La Mariée qui s’inspire de celle du western spaghetti El mercenario sorti en 1968.

15. La boîte aux lettres de Vernita Green est au nom de Bells, une dédicace à Zoe Bell, la doublure d’Uma Thurman avec qui Tarantino a été en couple pendant quelques années.

16. Les peintures accrochées au mur de la maison de Vernita Green (Vivica A. Fox) sont l’œuvre du frère de Pam Grier (l’héroïne de Jackie Brown), Rodney Grier.

17. Lorsque Vernita Green tente de tuer La Mariée en lui tirant dessus, son pistolet est dissimulé dans une boite de céréales de la marque (fictive) KABOOM.

18. Quand dans Kill Bill Vol. 1, le Texas Ranger Earl McGraw arrive à la Chapelle des Deux-Pins, on distingue sur son tableau de bord de sa voiture un alignement de lunettes de soleil. Il s’agit d’un clin d’œil à Henry Blight Halicki, l’acteur, scénariste, producteur et réalisateur des films de poursuite La Grande Casse (1974) et La Grande Casse 2 (1982).

19. Elle Driver, alias Serpent de Montagne (California Mountain Snake), est le seul membre du Détachement International des Vipères Assassines dont le surnom ne s'inspire pas d’un serpent venimeux.

Hasard qui n’en est pas un, Bill l'empêche d'ailleurs d'empoisonner La Mariée.

Coïncidence qui n’en est pas une, alors que le serpent de montagne est réputé pour s’attaquer à d’autres serpents, et en particulier les serpents à sonnette, le nom de code de Budd est Serpent à Sonnette (Sidewinder).

20. En 2013, Daryl Hannah (Elle Driver) a prêté sa voix au documentaire Black Mamba – Kiss of Death.

Produit par Earth Touch USA, il suit les péripéties d’une femelle mamba lors de sa période de reproduction.

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21. Kobe Bryant a décidé de se surnommer Black Mamba après avoir vu Kill Bill.

« La morsure, le coup porté, le tempérament, c’était moi. C’était moi ! »

22. Les lunettes de soleil que piquent Uma Thurman à Buck après s’être réveillée de son coma sont les mêmes que portent Christian Slater dans True Romance.

23. Le Pussy Wagon que conduit La Mariée a été réutilisé dans le clip de Telephone de Lady Gaga en duo avec Beyoncé.

« Lors d’un déjeuner avec Quentin, je lui parlais de mon clip et de son concept, et là il me dit : ‘Tu dois mettre le Pussy Wagon dedans !’ » a raconté la chanteuse.

Le Pussy Wagon peut également être vu dans I’m Really Hot de Missy Elliot.

24. Le bar d’Okinawa dans lequel se rend La Mariée est tenu par Sonny Chiba et Kenji Ōba. Ce dernier était mondialement connu dans les années 80 pour avoir incarné le ranger de l’espace X-Or, le héros de la série du même nom diffusée en France dans l’émission Récré A2.

Ce n’est cependant pas ce rôle qui lui a attiré les faveurs de Quentin Tarantino.

Sonny Chiba a révélé que le jour où Tarantino l’a engagé, le réalisateur est venu le lui annoncer en personne le jour de son anniversaire.

« Quentin ne connaissait pas Kenji, mais se souvenait de son personnage au crâne rasé dans la série. Ce personnage de disciple chauve formait une bonne combinaison avec Hatori Hanzo. Je lui ai donc proposé d’en faire mon disciple forgeron. »

25. Quand La Mariée arrive à l’aéroport de Tokyo, on peut observer une publicité pour les cigarettes Red Apple qui met en vedette Sofie Fatale, l’avocate et meilleure amie d’O-Ren Ishii.

26. La Mariée voyage dans la même compagnie aérienne que Zoé dans Boulevard de la mort : la compagnie aérienne japonaise Air O.

27. Le groupe de filles qui donne un concert dans Villa aux Feuilles Bleues, les 5,6,7,8’s, a été découvert par Tarantino au hasard dans un magasin japonais.

Intrigué par leur musique qui passait en fond, pressé par le temps, le réalisateur a insisté auprès des employés pour acheter directement leur copie du disque.

28. Gogo Yubari n’est pas vraiment un nom japonais.

Gogo dérive de l’animé Mach Go Go Go (Speed Racer dans nos contrées) dont Tarantino était fan enfant.

Yubari est le nom d’une petite ville au nord du Japon où se déroule un festival international du film fantastique. La toute première fois que QT s’est rendu au Japon, c’était pour présenter Reservoir Dogs à ce festival.

29. Chiaki Kuriyama (Gogo Yubari) a blessé Quentin Tarantino avec sa boule en acier.

Réputé pour s’approcher au plus près de ses comédiens lors des prises, le réalisateur s’est avancé un peu trop près d’elle alors qu’elle faisait tourner son arme.

30. Gogo Yubari a une sœur jumelle !

QT : « Dans le script original, il y avait un chapitre intitulé ‘La revanche de Yuki’. Yuki, c’est sa jumelle. Elle aurait poursuivi La Mariée dans Los Angeles après la mort de Vernita afin de venger a sœur. Cela aurait été une énorme fusillade, la seule du film. Yuki est encore plus dingue que Gogo. »

Tarantino avait envisagé de mettre en images cette séquence sous forme d’animé, avant de reculer pour des questions de délais et de budget.

La scène où Gogo boit au goulot, puis éventre un homme assis au bar, était initialement une scène, non pas avec Gogo, mais avec Yuki en train de faire le deuil de sœur.

31. Aucun effet numérique n’est utilisé de toute la bataille contre les Crazy 88 !

Conséquence, il a fallu près de deux mois pour la mettre en boîte (la durée moyenne d’un tournage entier).

Guère fan de CGI, Tarantino déclarait d’ailleurs en 2003 « en avoir ras le c*l de cette m*rde ».

« Aucun ordinateur ne vient n*quer mes films. Tout est fait à l’ancienne avec des p*tains de caméra. Si j’avais voulu faire un jeu vidéo, je serais allé fourrer ma b*te dans une Nintendo. »

32. La fille de Sonny Chiba, Juri Manase, joue l’un des Crazy 88 qui s’en prend à la Mariée.

33. Quentin apparaît brièvement dans le plan ci-dessous dans la peau d’un Crazy 88 mort. Il n’a cependant jamais précisé quel cadavre il incarne.

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