#Kraftwerk Musica

[thejoyofviolentmovement]

New Audio: Mildlife Shares Shimmering and Uplifting "Yourself"

New Audio: Mildlife Shares Shimmering and Uplifting "Yourself" @heavenlyrecs

Slated for a March 1, 2024 release through Heavenly Recordings, Mildlife‘s highly-anticipated third album Chorus is reportedly their most optimistic effort, serving as a sonic testament to their unwavering adoration for 70s psychedelic and comic sounds. But delve deeper, and you will hear references to Polish jazz, Italo disco and a sprinkling of contemporary electronic sounds. The album is the…

[rhapsodynew]

#Did you know that this is a cover?📌

"But we all often glorify the former, not knowing that we glorify only the latter..." (Part 2)

"Gangsta's Paradise"

But here the cover is clearly better than the original. Although the original is good, because it was composed by none other than Stevie Wonder back in 1976. Yes, the song "Gangsta's Paradise" did not immediately become a harsh rap. At first it was called "Pastime Paradise". To the same string part played on a synthesizer, Wonder sang about social problems (segregation, isolation, exploitation) and that one should not dream of paradise, but do everything to bring it closer.

However, in 1995, rapper Coolio took over the song and, together with his sidekick L.V., composed his own lyrics to the same tune - this time about "Gangster Paradise". The text came out angry, sarcastic, hopeless and fit very well into the film "Dangerous Thoughts", dedicated to disadvantaged teenagers. However, at first Wonder did not give permission to record the cover, demanding to remove obscenities from the text. Coolio fulfilled the requirement. After that, "Gangsta's Paradise" became the best-selling single of 1995, and probably the most famous rap of the 1990s.

«Over The Hills And Far Away»

The Northern Irish guitarist Gary Moore once performed not only blues "slowies", but also martial hard rock. Listen, at least, to his 1985 hit "Over The Hills And Far Away", recorded together with fellow countrymen - the folk group The CHIEFTAINS.

This song experienced a rebirth in 2001, when it was covered by the band NIGHTWISH. The author himself was not enthusiastic about the cover of the Finns - they say, nothing new - ordinary karaoke. You can't argue with this, although Tarja Turunen's pseudo-operatic vocals still deliver…

«Das Model»

Without exaggeration, the members of the RAMMSTEIN group can be called brilliant compilers of the German musical heritage: from hard metal and industrial to electronic music and even eurodiscoe. Unsurprisingly, in 1997 they paid tribute to the KRAFTWERK band by recording a cover of their song "Das Model".

The song was first released in 1978 and was a classic KRAFTWERK electronic composition with lifeless vocals and a mechanized rhythm. RAMMSTEIN added brutality and harsh guitar riffs to Das Model, but the authors didn't like this version.

«Stripped»

Another tribute to RAMMSTEIN was paid by recording a song for the tribute album of the British synthpop band DEPECHE MODE "For the Masses" (1998). The choice fell on the song "Stripped" ("Naked"), in which natural beauty was contrasted with the urban landscape. The song became a track on DEPECHE MODE's album "Black Celebration" (1986), and was also released as a single, which reached number 15 in Britain.

RAMMSTEIN made a very decent version, without spoiling the original at all. But it caused a resonance not so much by itself, but thanks to the scandalous clip. After all, archival footage from Leni Riefenstahl's film, shot for the 1936 Olympics, held in Nazi Germany, was used there.

«Tainted Love»

Surely there will be those for whom the song "Vicious Love" is associated with the "scarecrow" Marilyn Manson. But it became a worldwide hit in 1981, performed by another synth-pop duo SOFT CELL.

The song has been waiting for its hour for a very long time - since 1964! At first, composer and producer Ed Cobb wrote it specifically for his ward, the aspiring black singer Gloria Jones. However, "Tainted Love" was pushed onto the second side of the single, and no one noticed the song (however, as well as the song on the first side). But even in the original recording it sounded great - it was such a very energetic soul with a memorable rhythmic hook.

SOFT CELL made the song a new electronic arrangement and slowed down the tempo, which made it sound more menacing. Also, due to the fact that the original was sung from a female face, in the line "I gave you everything a girl can give", it was necessary to replace "girl" with "guy". As a result, according to the apt remark of one critic, "Tainted Love" began to resemble a song by an "offended homosexual." Nevertheless, Gloria Jones herself praised the cover, saying that she liked it more than her own version.

As for the 2001 version of Marilyn Manson, there was nothing special new there. Except for a more sinister performance and a clip with vicious girls.

https://youtu.be/CCTBuOheUpE?si=xONtubrpBj2VSmbJ

Part 1

To be continued. ..

[schismusic]

THE DISCOGRAPHY PRINCIPLE, Episode 6: Kraftwerk - or, Electro-Shock for President

I've actually been sitting on this one for a really long time. It's hard to think of anything meaningful to add in the presence of History itself.

TIME Magazine had this cute cover out on February 8th, 1993 — a guy sits on his computer, his left eye is prosthetic and the cables from the CRT screen swerve and swirl towards a purple spiral in the background. Big title in the middle, CYBERPUNK, and right under there a small blurb that reads like an amateur Steam developer trying to make his generic-ass game set in twenty-seventy-something appealing to you. It's mesmerizing to think that the early 1990s were still a time where you could legitimately hope for a cyberpunk utopia without hearing your own personal Seinfeld laugh track in your head. Of course this devolved into one of the foundational bits of reading in my teenage years: Ondarock's biographic pieces about specific artists and bands. Eddy Cilìa — one of the deans of Italian music criticism — wrote one about Kraftwerk that at one point says the following (translated to English by yours truly):

"… if Kraftwerk's music is still to this day all bent forward, lyrics and visual concepts still taste more like modern antiques than they do modernity. Theirs is a vision of the future hailing from a past when it was possible to imagine prosperous and tidy days to come, with squeaky-clean cities, immense green spaces, eight-lane highways overruled by giant electronic brains. Before the petrol wars and microchips. Before Blade Runner. Before cyberpunk. Before we realized we were fucked. Those who know that unforgettable William Gibson short story, The Gernsback Continuum (off of Burning Chrome) will understand."

Cue the BBC using Kraftwerk's Musique Non Stop and Electric Café to soundtrack William Gibson reading some of the bleakest bits off of Count Zero (I'm gonna link the program here, but unfortunately the bits where the tracks play have been muted, so there's that). I don't even find it infuriating or distracting or inappropriate, even: at this point cyberpunk as an aesthetic is modern antique, whereas cyberpunk as a collection of themes wildly oscillates between the hopelessly romantical and the unfortunately timely. Both of these things very aptly describe Kraftwerk's Electric Café, the last record with the classic lineup of Hütter, Schneider, Bartos, Flür. Electric Cafè, or Techno Pop for either irredeemable zoomers or the unlucky few who worked with the band from 1982 to 1986, sounds like someone trying really hard to be relevant: Sex Object is like one degree of separation away from Depeche Mode, minus the inherent sexiness of Depeche Mode — as retroactively superimposed as it may be — and as such laughable, and not in a good way. Basically the entirety of side one (perhaps even The Telephone Call, if Computer Love didn't already exist) would go stupid hard if it had come out on, for instance, in The Man-Machine era. Unfortunately the record feels too thematically unsound to work the way a Kraftwerk record usually works, mostly because for the first time ever the band seem to take the concept with actual seriousness.

So many people focus on the supposed future-proof nature of Kraftwerk which in retrospect kind of feels a bit laughable — it's like when some of these YouTube guys allow the possibility that the work of a band like Boards of Canada "still sounds fresh". It's good, obviously, but can we really close our eyes and pretend like no one ever considers making intentionally warbly sounding electronic music in the year of our Lord two-thousand-and-twenty-four, where people are falling head over heels for the new Oneohtrix Point Never record? Kraftwerk is dated, because Gary Numan and John Foxx and Depeche Mode and Afrika Bambaataa and the Soul-Sonic Force and Cybotron and Model 500 and Aphex Twin and Autechre and Deadmau5 and Avicii and Skrillex and NERO and Caterina Barbieri and DJ Haram and Suzi Analog and so many others exist and have, in their own way, dated. That is exactly what makes Kraftwerk the greatest. Their studio production mostly wears its age with confidence: sure, if you want to be terrible to it you could argue it sounds like a bunch of Apple IIe terminals desperately fighting for their life in the bathroom after a night out at Taco Bell, but that would fundamentally miss the core point which is that they very clearly fucking knew that this was going to happen. And even their lyrical optimism is much darker than most give them credit for. Like, seriously, stop and think for a moment: science fiction in the 1970s was all about aliens, everywhere. Isaac fucking Asimov, robot dude par excellence, wrote a book about aliens for the first and, if memory serves, only time in the year 1972, and then never again. The highway was a gleefully old fashioned concept to be excited about, and so was the train — more so than the highway, actually. They hopped back onto the zeitgeist with Computer World, but again, it was minimal, barren, and the lyrics used to bite. The German version of the title track, for instance, loves to remind the listener that "Interpol und Deutsche Bank, FBI und Scotland Yard, Finanzamt und das BKA haben unsere Daten da" — they have our data there!

A while back there used to be this great blog on this site called One Week One Band where they once did a week fully dedicated to Kraftwerk which explains most of the shit I would be going on in this post, and does so in a much more interesting and accurate way than I could ever; obviously so, since I'm writing at 3:20am because I had a really rough Tuesday night which fucked up my sleep schedule into unrecognizability. Anyway yeah I'm not even going to try to actually get into the lyrics, mostly because I never really gave a shit, minus the funny bits about meeting Iggy Pop and David Bowie from station to station back to Düsseldorf city and that bit about how they want to fuck an up-and-coming starlet (Big Black really upped the sleaziness factor in their cover, actually making it sound more like Kraftwerk's backstage activities — at least according to Wolfgang Flür — than Kraftwerk's recorded output); the short version is that it's simply insane to me that nobody ever bothered thinking "goddamn, this is simply too shiny and chrome and polite to be serious, and how the fuck am I supposed to take the robot disguise seriously, maybe they're taking the piss somewhat?", which is extremely egregious given the very nerdy humor on constant display in their lyrics and song titles — Antenna, for instance, reads like a dirty poem on a trade school's toilet stall, and I don't think I have to add anything to Ohm Sweet Ohm. But what do you know: as some of you might have guessed I like nerdy humor that makes no sense and fails catastrophically at conveying any sense of zest and class and sexiness, because Kraftwerk never meant to be fucking sexy. They wanted to make volksmusik, i.e. a literal German translation of popular music. They succeeded.

In case you're wondering, my favourite Kraftwerk record changes depending which one I've listened to the most recently, but gun to my head I would probably say Trans Europe Express. I spent a lot of time listening more or less exclusively to the German language versions of some of these records, and it's weird using the English titles for me, but ultimately it makes more sense. If it is to be volksmusik, in this day and age, it has to be musik of all volk, and as such of all folks, and statistically speaking there are more people speaking English than German — at least in my personal social circle. Anyway, the thing about TEE could be this: the beauty of it is that it has everything in itself, but the real kicker is that none of that is made explicit to the fullest. All of the sequenced hopping synthpop, the melancholy melodies of New Romantic, the drive and danceability of hip hop, a certain sense of coldness that post-punk as a whole would make its own — see Ian Curtis's obsession with this particular record (and, on a slightly different note, how the surviving members of New Order would go on to sample Uranium, which if you ask me might rank as one of the hardest interlude tracks on any record ever) — are here but in very throwaway forms, i.e. they do not make the case for themselves. In the moment of their conception, they must have been seen as ad-hoc arrangement tactics, perhaps even as a holistic compositional approach: they are not their own justification, nobody woke up and said "I am going to make a whole record about this here technique", as testimonied by the change in mission statement right in the middle of the making. The band had been recording trains to see if they could use the inherent rhythm in their motion to make something danceable, but they realized it didn't work because they'd have to be sped up to unrecognizability; so, they dropped the field recording/tape loop idea and recreated the groove in the studio with conventional drums. On the other hand, cue John Foxx turning into a Ballardian neon-lit dandy for his solo debut, extrapolating on TEE's sounds to better delineate a colder, more anthropic, more impersonal, more atonal and (why not?) perhaps more violent European landscape.

Sure one might argue that their reference landmarks are predominantly European, predominantly focused on the classical era of music (1600s-1800s, very roughly), predominantly if not entirely diatonic, but their opus very clearly works — it very clearly has worked, over and over again — as a potentially ever-expandable theoretical framework. Their minimalism became the empty spaces it left open, the boxes it didn't tick. As much inspiration as Kraftwerk drew from funk, a slight increase of the funk coefficient on the part of black artists in the United States invented techno, hip-hop, electro. Kraftwerk didn't, themselves, change the face of contemporary popular music, they "simply" allowed other people to reshape contemporary popular music a hundred times over. It feels like a miracle to listen to this music in the current day and age.

[brusiocostante]

Das Model (2009 Remaster)

[pollicavalvantis]

Kraftwerk @ Auditório Ibirapuera (C6 Fest) 20/05/2023

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #269 - Depeche Mode, Violator, 1990

Le scelte musicali delle domeniche di Aprile avranno come filo rosso la presenza di fiori sulle copertine: di questa caratteristica, alcuni capolavori già sono presenti (il primo che cito è American Beauty dei Grateful Dead, che prende il nome dalla Rosa della stessa varietà, America Beauty, disegnata sulla copertina, o anche Layla & Other Assorted Love Songs che nel dipinto di copertina ha una donna con i fiori) ma è sempre interessante cercare nella mia discoteca e non solo altri grandi dischi che hanno in comune questa caratteristica. Il primo di oggi è uno dei dischi simbolo degli ultimi 35 anni, il vertice di un certo modo di fare musica, arrivato al culmine di un percorso umano e professionale che nell’anno in cui uscì questo lavoro poteva benissimo passare per il risultato dell’opera di sopravvissuti. Tutto nasce a Basildon, nell’Essex, inizio 1980. Tre amici di scuola, Vince Clark, Martin Gore e Andrew “Andy” Fletcher fondano un gruppo, Composition Of Sound. Hanno una caratteristica abbastanza comune all’epoca, cioè abbandonano gli strumenti classici (chitarra, basso, batteria) per focalizzarsi sull’uso delle tastiere elettroniche. Durante una serata in un locale, notano un cantante dalla voce calda e ferma, David “Dave” Graham, che canta una appassionata cover di Heroes di David Bowie, e gli chiedono di unirsi al gruppo, siamo nei primi mesi del 1980. Graham accetta, e suggerisce di cambiare nome alla band: prende spunto da una rivista di moda francese dell'epoca, Dépêche mode, che vuol dire Gazzettino o Almanacco della Moda (e non come dicono molti Moda Passeggera, il termine passeggera deriva dal verbo se dépêcher), lo depurano dagli accenti e nascono i Depeche Mode. La prima pubblicazione è del 1980 su una compilation, Some Bizzarre, poi firmano un contratto con la Mute Records di Daniel Miller, che sarà centrale per la musica indipendente inglese dei primi anni ‘80. Primo singolo di discreto successo, Dreaming Of Me, poi altre canzoni famose in New Life, Just Can’t Get Enough e la pubblicazione del primo disco, Speak And Spell, dove la direzione è chiara: sarà un gruppo orientato ai sintetizzatori. A questo punto Vince Clark, che aveva scritto tutte le canzoni sino a qui, si chiama fuori (continuerà a fare musica con Alison Moyet come Yazoo, e fonderà in seguito anche altri progetti musicali). Il timone delle operazioni di scrittura passa a Martin Gore, che piazza subito una hit in See You. Si aggiunge Alan Wilder, e con questa line up sforneranno un disco all’anno. La prima svolta è del 1986, con Black Celebration: le atmosfera si dilatano, meno dance, base ritmica che picchia più forte e la decisione di spostarsi verso il rock elettronico. Proprio quando il techno pop è crollato, e buona parte della critica aspetta che l’ultimo baluardo, cioè loro, cada, piazzano Music For The Masses (1987) con almeno tre canzoni formidabili (Never Let Me Down, Strangelove e Behind The Wheel), che li porta ad un tour mondiale dove riempiono gli stadi di tutto il mondo (immortalato in parte nel live 101, 1989, anche con un documentario abbinato diretto da D.A. Pennebaker). Si prendono del tempo, e coerenti con il loro credo, decidono di inasprire il sound elettronico, creando un disco dalle atmosfere profondissime, cupe, drammaticamente eleganti. Per registrarlo abbinano la solitudine e il silenzio di un piccolo studio nella campagna danese, a Gjerlev, alla vitalità di Milano, e alla sua vita notturna, presso lo studio Logik, che all’epoca stava a Via Mecenate. Ne viene fuori Violator (1990) che in copertina ha una rosa fiammeggiante, che sembra di lava. Gore dirà dopo anni che voleva giocare sul titolo, scegliendo una parola che evocasse un disco di heavy metal. Quello che fanno è, con l’intuito del fido produttore Flood e l’aiuto al missaggio di François Kevorkian, che fu uno dei collaboratori più stretti dei Kraftwerk, un disco che è l’evoluzione estrema della loro idea musicale (tanto che dopo prenderanno altri riferimenti) e lo fanno in parte rinnegandosi: la batteria spesso non è drum machine ma quella rock, e compariranno nelle loro due più grandi canzoni, entrambe presenti in questo lavoro, persino le chitarre. Eppure l’apertura con World In My Eyes sembra portare sui binari classici, ma già la successiva Sweetest Perfection, con la voce principale di Gore, amplia il concetto, con la batteria rock in primo piano. Arriva il primo colpo da KO, un giro blues, con la chitarra, l’ispirazione presa da Gore leggendo una biografia di Elvis, sulla costruzione di propri idoli, e nasce una delle canzoni più famose del mondo: Personal Jesus, hit mondiale, e ancora oggi uno dei momenti clou di ogni loro esibizione e brano cult da rifare in cover. Halo e la bellissima Waiting For The Night sono da apripista al secondo singolo leggendario: Enjoy The Silence è ispirata e pensata proprio al periodo danese di tranquillità e silenzio circostante (in netto contrasto con quello milanese, dove la band darà il meglio di sé in tutte le feste della città lombarda), anche qui ripropone una chitarra e diventerà iconica, tra l’altro nella versione dell’album dura oltre 6 minuti, con finale in stile ambient, bellissimo, che nella versione singolo e per la stazioni radio è colpevolmente tagliato. Completano il capolavoro la delicata Blue Dress, scritta e cantata da Gore, e le ritmiche Policy Of Truth e la conclusiva Clean, ispirata ad una canzone dei Pink Floyd, One Of These Days, dal loro album Meddle (1971). Tutto funziona alla grande: la voce calda e formale di Graham (che inizierà ad avere devastanti problemi di dipendenza, tormento che segnerà profondamente il loro lavoro successivo, che arriverà solo dopo 3 anni), Gore sempre più padrone del suono Depeche Mode, Fletcher e Wilder a creare il tappeto ritmico che esce vincitore da un decennio dove chiunque si sia ispirato a loro non ha fatto tanta strada. Il disco va in classifica in tutto il mondo, e ha venduto ad oggi 15 milioni di copie, presente in tutte le classifiche dei dischi fondamentali della storia del rock. Sebbene questa sia una storia del rock senza schitarrate, ma formata da avvolgenti suoni elettronici, che ti girano in testa e non ti lasciano scampo.

[acquaconlimone]

Ryuchi Sakamoto è stato quel compositore che ha unito l'oriente in particolare il Giappone la sua patria e l'occidente prima con gli YMO che erano un po' i Kraftwerk nipponici riprendendon1e anche certe pose stilistiche e poi da solista con collaborazioni importanti come David Bowie o David Sylvian, musicò anche i primi videogiochi della SEGA azienda sempre giapponese ai tempi leader del settore.

Le sue composizioni erano importanti, vinse un Premio Oscar nel 1988 e collaborò in tre occasioni con Bernardo Bertolucci.

Un grande della musica.

[graemepark]

THIS IS GRAEME PARK: LONG LIVE HOUSE RADIO SHOW 16AUG24

THIS IS GRAEME PARK:

LONG LIVE HOUSERADIO SHOW16AUG24

In this week’s Long Live House Radio Show:

Fingers Inc. feat. Robert Owens

Todd Terry

Fouk feat. Debórah Bond

Medlar

Birdee

Melé & Kilimanjaro

HP Vince

Kraftwerk

Phortune

Talking Heads

Nitro Deluxe

Rose Royce

Sub Sub

Soulsonic Force

Ian Dury & The Blockheads and more. 

LONG LIVE HOUSE RADIO SHOW16AUG24

Title (Mix), Artist

It’s Over, Fingers Inc.

Wonderland, Todd Terry

Loving At First Sight (Vocal Mix), Fouk feat. Debórah Bond

Give It Up, Medlar & Stu Clark

Musica (Mildlife's La Musica Remix), Mildlife

Odo Kakra Sika Kakra (JKriv Edit), Nana Tuffour

Don't You Want My Love? (Vocal Mix), Birdee

Musica Especial (Sebra Cruz Mix), Elasi

Yoruba Riddim (Original Mix), Melé & Kilimanjaro

Jack Had A Groove (Vinny's TNT Mix Instrumental), HP Vince

Percy, Medlar

Amazement (Main Mix), Khyenci

Odoru (Unreleased Version), Watanabe

Das Model, Kraftwerk

String Free (Revisited) (Kiko Navarro Re-Edit), Phortune

The Kinda Love (JKriv Original Vibe Remix), Prospect Park

Helyom Halib (Vocal Acid Mix), Cappella

Once In A Lifetime (Gigamesh Remix), Talking Heads

Let's Get Brutal (Norty Cotto Afro Tech Remix), Nitro Deluxe

Is It Love You're After?, Rose Royce

Somebody In The House Say Yeah, 2 In A Room

Space Face (Techno Todd Dub), Sub Sub

Everything She Wants (Todd Terry Remix), Wham!

Hideaway (World Mix), David Morales feat. Blondewearingblack

Planet Rock (Claptone Remix), Soulsonic Force

Reasons To Be Cheerful Pt. 3 (12" Version), Ian Dury & The Blockheads

[danzameccanica]

Spesso, quando penso al significato di "Einstürzende Neubauten", mi immagino che fra i crolli dei palazzi e le urla nella tragedia ci sia qualcuno che danzi… Questa immagine cinematografica e surreale di un balletto con, sullo sfondo, la distruzione urbana di una città, mi è stata instillata da A Secret Wish dei Propaganda. I Propaganda sono una band di Düsseldorf, che si colloca esattamente a metà strada fra la new-wave più oscura e il synth-pop più laccato di metà anni ’80. A Secret Wish esce nel 1985, anno in cui gli Wham! e i Duran Duran erano all’apice della loro carriera dopo aver ridefinito il concetto di musica pop, uscendo dall’ombra di Phil Collins. Ma qualche anno prima il genio di Trevor Horn assieme alla moglie Jill Sinclair e il giornalista del NME Paul Morley fondarono la ZTT records con l’ambizione di creare una nuova new-wave che attingesse quanto più possibile dalla world-music. Anche se le voglie di Horn andranno sempre verso i campionamenti, il gioco dadaista, il surrealismo, i Propaganda si collocano perfettamente all’interno di questa visione proprio per essere strani, alieni e per cercare di portare avanti due sentieri a volte comunicanti ma spesso divergenti: cioè l’oscurità della new-wave e la solarità del synth-pop. Figli di Fritz Lang e di Giorgio Moroder i Propaganda rappresentavano la decadenza della vecchia Europa degli anni ’80, in una nazione dove esisteva ancora la cortina di ferro che poteva essere all’avanguardia pura (Kraftwerk, David Bowie) o tradizionalista. Le macchine musicali si sovrapponevano a quelle militari, gli edifici in acciaio e vetro dell’ovest lasciavano intravedere i palazzoni razionalisti residenziali dell’est. Anche se non siamo a Berlino questa è l’atmosfera dei Propaganda i quali attingeranno dalle colonne sonore del cinema mitteleuropeo e dall’elettro-dance di Monaco. La costruzione di alcuni brano come se fossero lunghe colonne sonore si sentono nei due pilastri portanti e laterali di A Secret Wish, cioe "Dream within a Dream" e "Dr. Mabuse." L’intro, lungo oltre nove minuti, è costruito su un sample da dove emergono le chitarre di Steve Howe (preso in prestito, profumatamente, dagli Yes), tabla, percussioni, i meravigliosi synth di Dörper con gli sassofoni e strumenti a corda. La sensazione è quella di ballare il tip-tap sopra le rovine di una città ancora fumante, i colori sono rigorosamente in bianco e nero; la distruzione affascina come il sublime romantico, facciate distrutte, pilastri spezzati e strappi di cemento armato non sono poi così distanti dall’idea di una foresta intricata.

"The Murder of Love" è un brano punk-funk con i synth stranianti e atmosfere quasi da film horror che, incastrato perfettamente nella metrica del secondo bridge, sfoggia un assolo jazz di Howe che ci fa vedere per un attimo – in cartolina – una spiaggia caraibica. La voci di "Claudia Brücken" e di algida senza essere sexy; rappresenta una di quelle bellezze passate di moda ma che si possono perfettamente comprendere grazie alla ricontestualizzazione: i nudi di Egon Schiele, le donne di Ernst Kirchner, le attrici del cinema espressionista. Le sporadiche apparizioni di Susanne Freytag sono l’esatto contrario: graffiano monotone, come un megafono, su un corpo più sexy. Queste muse post-apocalittiche – qualcuno li descrisse come “gli Abba dell’Inferno” - sono immortalate puntualmente da Anton Corbijn e vestono maglie metalliche che servono per sostenere blocchi di edilizia (come si può vedere in copertina).

"Jewel" e "Duel" sono due lati di uno stesso brano, con lo stesso testo. "Jewel", dal titolo suadente, in realtà respinge l’ascoltatore col suo andamento meccanico e straniante mentre "Duel" tira fuori tutto quel synthpop del 1982-83, caramellato, in stile Wham! e ABC; un brano pop dalle tinte dance-funk. Fra una frase e l’altra si sentono le brevi ma persistenti incursioni dei synth, il basso digitale e della moltitudine di strumenti che fanno capolino per un attimo, come il simpatico carosello prima degli ultimi ritornelli. Stupenda anche "Frozen Face", un piccolo interludio dance dove l’arpeggiatore moroderiano lascia spazio alle bass-line e ai synth caraibici. Flash paradisiaci e flauti tropicali che sembrano ad ogni modo emergere appena da quel sentore di catastrofe proiettata perennemente per tutta la durata dell’album. "Frozen Face" è una specie di antipasto per "P:Machinery", un singolo dagli andamenti drammatici e stupefacenti ogni volta che vengono sparati i synth dopo il ritornello mi viene la pelle d’oca e immagino le bombe che esplodono viste attraverso il vetro di una discoteca. "Sorry for Laughing" è come una tetra filastrocca su base quasi industral; "The Chase" strizza l’occhio alle produzioni più ariose di Moroder senza essere una cover. L’ennesimo capolavoro (ma la seconda principale delizia dopo l’opener) è la conclusiva "Dr. Mabuse"; una monumentale traccia di dieci minuti con diverse narrazione su una costante base synth-pop/dance con i le tastiere che incitano “Sell him your Soul/Never Look Back”. Anche qui il brano progredisce come una lunga colonna sonora, marziale, descrivendo più volte uno stesso modulo narrativo che a volte acquisisce sfumature diverse: l’arpeggiatore ossessivo a metà traccia, l’apertura conseguente, il climax, la parte tribal-sintetica ancora successiva – come se fosse un capitolo a parte di una piêce teatrale, e la parte finale (a tre minuti dalla fine) che sfoggia variazioni armoniche sulle bass-line principali. A Secret Wish è un disco senza tempo, che utilizzando sonorità dell’epoca si colloca allo stesso tempo al di fuori delle ondate principali musicali, ma anche al di fuori di tanto underground. È un album che unisce l’eurodance, i tribalismi, le armonie pop, la ricerca sulla produzione e sulla resa sonora di alcune macchine, la soundtrack e gli ossimori sonori. Il tutto in una circolarità che è davvero cinetica (la frase finale si conclude dicendo la frase della prima traccia) e rimanendo in una posizione temporale cristallizzata (tanto per capirci, non ci sono tanti emuli dei Propaganda, mentre le sonorità che emergono da questo disco si trovano più spesso e volentieri all’interno di dj-set piuttosto che all’interno di album). Purtroppo quello che dice Simon Reynolds è vero quando si legge

«la musica dei Propaganda era troppo laccata per fare breccia nella camera da letto o nel cuore degli ascoltatori. Non basta parlare di sogni, visioni, ossessioni, crimine; non basta mettere in copertina una citazione ballardiana sulla banda Baader-Meinhof e sulla follia come unica libertà in un mondo di avvilente buonsenso». A Secret Wish rimarrà per sempre all’ombra di Welcome to the Pleasuredome dei Frankie Goes to Hollywood (release enorme che è riuscita a mettere in ombra perfino gli Art of Noise, creatura principale di Trevor Horn e della sua ZTT), a volte sembrerà un disco troppo luminoso per i goth del post-punk ma anche troppo oscuro per gli ascoltatori di Top of the Pops. Sta di fatto che un esempio così mastodontico di fragilità al collasso è davvero difficile da trovare.

[sounds-right]

Sammy Love remixa "One and One" di Robert Miles... E ci racconta la sua musica

Abbiamo incontrato Sammy Love, che ha da poco pubblicato un remix di un brano davvero importante, "One and One" di Robert Miles. L'ha remixato con Enea Marchesini e la voce è quella di Maria Nayler.

Che stai facendo di bello in questo momento dal punto di vista musicale e personale? Serate, produzioni quello che vuoi...

Oltre ad essere A&R della D:SIDE, label che ho creato 4 anni fa grazie a Luca Facchini e Luca Peruzzi, sto lavorando a nuovi progetti musicali sia per per me che per altri artisti. Ho puoi curato la nuova compilation D:SIDE DREAM PARADE VOL 3. E' uscita il 15 marzo. E poi la radio, radio con la nuova stagione del programma radiofonico  "CHIHUAHUA" che conduco con Ronnie Milani...

Cosa significa rielaborare un brano storico come "One and One "di Robert Miles?

Semplicemente, è un sogno che si avvera. Per me ed Enea Marchesini è stato toccare il cielo con un dito, ma  anche un grande senso di responsabilità e rispetto verso una canzone che abbiamo sempre amato. E' soprattutto verso un artista che è stato per entrambi la fonte d'ispirazione della nostra carriera musicale.

Ci racconti quali sono le tue radici musicali? 

Sono cresciuto con musica a 360 gradi, ho sempre ascoltato di tutto, perché in ogni genere musicale ho sempre trovato una o più canzoni che mi hanno accompagnato nella vita. Questa "varietà di ascolto", me la sono poi portata anche nella creazione delle mie produzioni.

Come ti presenteresti come artista a chi non ti conosce? 

Amo definirmi un artigiano della musica. Fare ciò che amo con grande passione e serietà.A chi non conosce e vuole capire chi sono, dico sempre di ascoltare ciò che faccio, le mie canzoni, perché io sono esattamente quella canzoni e la musica che creo.

Come vedi l'attuale panorama discografico e musicale? 

A dire il vero è un momento un po' confuso. Sembrano tutti più preoccupati ad attirare follower che a proporre e promuovere ciò che è il loro "prodotto musicale". A mio modesto parere, questa 'strategia' tenderà sempre più ad abbassare la qualità dei brani. C'è una continua corsa a fare più musica di quantità che di qualità. 

 Come hai conosciuto Jaywork Music Group? Come ti trovi con questa realtà?

Ho avuto la fortuna di conoscere Luca Facchini e Luca Peruzzi e di entrare a far parte del mondo Jaywork, molti anni fa, quando ho iniziato a proporli i miei brani. Da subito ho riscontrato grande professionalità e serietà. Sono inoltre grato a entrambi per avermi dato fiducia e carta bianca nella creazione di D:SIDE.

A che punto ti senti della tua carriera?

Cerco sempre nuove sfide, per me ciò che conta è avere sempre delle motivazioni, Dopo quasi 30 anni che mi dedico alla musica, mi sento ad un punto della mia carriera in cui non mi sento affatto appagato. Anzi, ho voglia di raggiungere ancora molti obiettivi che mi sono prefissato e che voglio raggiungere

Ci dici quali sono gli artisti musicali più importanti per te e perché?

Sicuramente nel campo della musica elettronica i Kraftwerk e Giorgio Moroder. Perché senza le loro intuizioni e sperimentazioni, tutto ciò che è diventata la Dance e le sue varianti, dall'house fino alla techno,(ma anche la musica Pop ) non sarebbe mai esistita..

Che consigli daresti a un giovane che sogna di fare il dj e/o il produttore?

Avere passione per la musica e di non intraprendere l'arte del djing per moda. Se si ha passione si possono creare le basi per fare qualcosa bello. Fare gavetta e lavorare sodo per realizzare i propri sogni, perché niente arriva dal nulla. 

Sammy Love 

Dj/producer/A&R D:SIDE label

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[djs-party-edm-italia]

Sammy Love remixa "One and One" di Robert Miles... E ci racconta la sua musica

Abbiamo incontrato Sammy Love, che ha da poco pubblicato un remix di un brano davvero importante, "One and One" di Robert Miles. L'ha remixato con Enea Marchesini e la voce è quella di Maria Nayler.

Che stai facendo di bello in questo momento dal punto di vista musicale e personale? Serate, produzioni quello che vuoi...

Oltre ad essere A&R della D:SIDE, label che ho creato 4 anni fa grazie a Luca Facchini e Luca Peruzzi, sto lavorando a nuovi progetti musicali sia per per me che per altri artisti. Ho puoi curato la nuova compilation D:SIDE DREAM PARADE VOL 3. E' uscita il 15 marzo. E poi la radio, radio con la nuova stagione del programma radiofonico  "CHIHUAHUA" che conduco con Ronnie Milani...

Cosa significa rielaborare un brano storico come "One and One "di Robert Miles?

Semplicemente, è un sogno che si avvera. Per me ed Enea Marchesini è stato toccare il cielo con un dito, ma  anche un grande senso di responsabilità e rispetto verso una canzone che abbiamo sempre amato. E' soprattutto verso un artista che è stato per entrambi la fonte d'ispirazione della nostra carriera musicale.

Ci racconti quali sono le tue radici musicali? 

Sono cresciuto con musica a 360 gradi, ho sempre ascoltato di tutto, perché in ogni genere musicale ho sempre trovato una o più canzoni che mi hanno accompagnato nella vita. Questa "varietà di ascolto", me la sono poi portata anche nella creazione delle mie produzioni.

Come ti presenteresti come artista a chi non ti conosce? 

Amo definirmi un artigiano della musica. Fare ciò che amo con grande passione e serietà.A chi non conosce e vuole capire chi sono, dico sempre di ascoltare ciò che faccio, le mie canzoni, perché io sono esattamente quella canzoni e la musica che creo.

Come vedi l'attuale panorama discografico e musicale? 

A dire il vero è un momento un po' confuso. Sembrano tutti più preoccupati ad attirare follower che a proporre e promuovere ciò che è il loro "prodotto musicale". A mio modesto parere, questa 'strategia' tenderà sempre più ad abbassare la qualità dei brani. C'è una continua corsa a fare più musica di quantità che di qualità. 

 Come hai conosciuto Jaywork Music Group? Come ti trovi con questa realtà?

Ho avuto la fortuna di conoscere Luca Facchini e Luca Peruzzi e di entrare a far parte del mondo Jaywork, molti anni fa, quando ho iniziato a proporli i miei brani. Da subito ho riscontrato grande professionalità e serietà. Sono inoltre grato a entrambi per avermi dato fiducia e carta bianca nella creazione di D:SIDE.

A che punto ti senti della tua carriera?

Cerco sempre nuove sfide, per me ciò che conta è avere sempre delle motivazioni, Dopo quasi 30 anni che mi dedico alla musica, mi sento ad un punto della mia carriera in cui non mi sento affatto appagato. Anzi, ho voglia di raggiungere ancora molti obiettivi che mi sono prefissato e che voglio raggiungere

Ci dici quali sono gli artisti musicali più importanti per te e perché?

Sicuramente nel campo della musica elettronica i Kraftwerk e Giorgio Moroder. Perché senza le loro intuizioni e sperimentazioni, tutto ciò che è diventata la Dance e le sue varianti, dall'house fino alla techno,(ma anche la musica Pop ) non sarebbe mai esistita..

Che consigli daresti a un giovane che sogna di fare il dj e/o il produttore?

Avere passione per la musica e di non intraprendere l'arte del djing per moda. Se si ha passione si possono creare le basi per fare qualcosa bello. Fare gavetta e lavorare sodo per realizzare i propri sogni, perché niente arriva dal nulla. 

Sammy Love 

Dj/producer/A&R D:SIDE label

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[tarditardi]

Sammy Love remixa "One and One" di Robert Miles... e ci racconta il suo mondo musicale 

Abbiamo incontrato Sammy Love, che ha da poco pubblicato un remix di un brano davvero importante, "One and One" di Robert Miles. L'ha remixato con Enea Marchesini e la voce è quella di Maria Nayler.

Che stai facendo di bello in questo momento dal punto di vista musicale e personale? Serate, produzioni quello che vuoi...

Oltre ad essere A&R della D:SIDE, label che ho creato 4 anni fa grazie a Luca Facchini e Luca Peruzzi, sto lavorando a nuovi progetti musicali sia per per me che per altri artisti. Ho puoi curato la nuova compilation D:SIDE DREAM PARADE VOL 3. E' uscita il 15 marzo. E poi la radio, radio con la nuova stagione del programma radiofonico  "CHIHUAHUA" che conduco con Ronnie Milani...

Cosa significa rielaborare un brano storico come "One and One "di Robert Miles?

Semplicemente, è un sogno che si avvera. Per me ed Enea Marchesini è stato toccare il cielo con un dito, ma  anche un grande senso di responsabilità e rispetto verso una canzone che abbiamo sempre amato. E' soprattutto verso un artista che è stato per entrambi la fonte d'ispirazione della nostra carriera musicale.

Ci racconti quali sono le tue radici musicali? 

Sono cresciuto con musica a 360 gradi, ho sempre ascoltato di tutto, perché in ogni genere musicale ho sempre trovato una o più canzoni che mi hanno accompagnato nella vita. Questa "varietà di ascolto", me la sono poi portata anche nella creazione delle mie produzioni.

Come ti presenteresti come artista a chi non ti conosce? 

Amo definirmi un artigiano della musica. Fare ciò che amo con grande passione e serietà.A chi non conosce e vuole capire chi sono, dico sempre di ascoltare ciò che faccio, le mie canzoni, perché io sono esattamente quella canzoni e la musica che creo.

Come vedi l'attuale panorama discografico e musicale? 

A dire il vero è un momento un po' confuso. Sembrano tutti più preoccupati ad attirare follower che a proporre e promuovere ciò che è il loro "prodotto musicale". A mio modesto parere, questa 'strategia' tenderà sempre più ad abbassare la qualità dei brani. C'è una continua corsa a fare più musica di quantità che di qualità. 

 Come hai conosciuto Jaywork Music Group? Come ti trovi con questa realtà?

Ho avuto la fortuna di conoscere Luca Facchini e Luca Peruzzi e di entrare a far parte del mondo Jaywork, molti anni fa, quando ho iniziato a proporli i miei brani. Da subito ho riscontrato grande professionalità e serietà. Sono inoltre grato a entrambi per avermi dato fiducia e carta bianca nella creazione di D:SIDE.

A che punto ti senti della tua carriera?

Cerco sempre nuove sfide, per me ciò che conta è avere sempre delle motivazioni, Dopo quasi 30 anni che mi dedico alla musica, mi sento ad un punto della mia carriera in cui non mi sento affatto appagato. Anzi, ho voglia di raggiungere ancora molti obiettivi che mi sono prefissato e che voglio raggiungere

Ci dici quali sono gli artisti musicali più importanti per te e perché?

Sicuramente nel campo della musica elettronica i Kraftwerk e Giorgio Moroder. Perché senza le loro intuizioni e sperimentazioni, tutto ciò che è diventata la Dance e le sue varianti, dall'house fino alla techno,(ma anche la musica Pop ) non sarebbe mai esistita..

Che consigli daresti a un giovane che sogna di fare il dj e/o il produttore?

Avere passione per la musica e di non intraprendere l'arte del djing per moda. Se si ha passione si possono creare le basi per fare qualcosa bello. Fare gavetta e lavorare sodo per realizzare i propri sogni, perché niente arriva dal nulla. 

Sammy Love 

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[levysoft]

Quando la NASA ha lanciato le navicelle Voyager per esplorare il cosmo nel 1977, hanno inviato il Golden Record - e con esso, musica da tutto il mondo - come un'istantanea dell'umanità, se le forme di vita intelligenti lo trovassero mai. Ma cosa succederebbe se gli alieni si sintonizzassero invece sulla radio?

Dal 1971 al 1998, un uomo di nome John Shepherd ha sondato questa ipotetica domanda con una dedizione sorprendente. Mirando al contatto interstellare, ha trasmesso tutto, dal reggae a Steve Reich direttamente dal soggiorno dei suoi nonni nel Michigan rurale, trasmettendo tra le sei e le otto ore al giorno. Ha poi ampliato la sua operazione, chiamata Project STRAT, in un edificio separato sulla proprietà dei suoi nonni, completo di attrezzature scientifiche di sua progettazione. Anche se Shepherd alla fine ha terminato il braccio radiofonico del Progetto STRAT a causa dell'elevato costo di manutenzione, è ora oggetto di un nuovo toccante cortometraggio, John Was Trying to Contact Aliens, che è recentemente arrivato su Netflix.

Shepherd vedeva la musica come un modo per invitare gli extraterrestri a connettersi, per suscitare la loro curiosità e attirarli abbastanza vicino alla Terra da poterli studiare. Gran parte della musica che ha selezionato era boundary-pushing e globale. Album come Mysteries, dami, Give Me Power della leggenda del jazz-piano Keith Jarrett! del gruppo roots reggae the Itals, il classico krautrock Future Days di Can e una compilation di Fela Kuti della fine degli anni '70 fanno dei cammi nel documentario quando Shepherd mostra la sua vasta collezione di dischi. Era particolarmente attratto dalla musica strumentale per le sue trasmissioni, che organizzò in blocchi di programmazione orari. Questi spettacoli variavano per tema e tono, ma spesso approfondivano stili come la musica elettronica antica, il jazz esplorativo e la musica percussiva suonante degli ensemble di gamelan indonesiani.

C'è una certa logica in queste scelte. "Non c'è bisogno di tradurre se qualcosa può essere sentito attraverso l'anima, attraverso la mente", mi dice Shepherd al telefono dalla sua casa vicino a Kewadin, Michigan. "C'è sempre quella zona di crepuscolo tra la realtà e la musica che ti permette un certo paesaggio immaginario: puoi andare lì e capire le cose, o semplicemente rilassarti e navigare con il flusso". Anche se non ha mai preso contatto con gli extraterrestri, è comunque riuscito a trasmettere tracce dell'ignoto attraverso la strana e bella musica che trasmetteva.

Pitchfork: Hai iniziato il progetto dal punto di vista di un appassionato di musica, o l'aspetto musicale è arrivato più tardi?

John Shepherd: Ho iniziato a mettere insieme l'attrezzatura per fare ricerche sul fenomeno [della vita extraterrestre]. Ma poi ho capito che avrei dovuto mandare qualcosa per attirare la loro attenzione e avvicinarli al laboratorio, dove avevamo strumenti per misurare le missioni energetiche e cose del genere. L'influenza musicale è venuta da un caro amico, Mike Johnston, che aveva un'enorme collezione di 4.000 o più LP in vinile. Era tutto, dal primo rock britannico progressivo alla musica più spaziale come Harmonia, Cluster, Neu!, e molti gruppi di musica acustica. Musica da Bali, musica dall'India e musica da tutto il mondo. Grazie a lui, ho avuto modo di sentire cose che la maggior parte delle persone non ha mai sentito alla radio, almeno in questo paese.

Come hai fatto a costruire i tuoi DJ set?

Tutto è stato fatto al volo. Qualunque cosa sia capitata fossero le trasmissioni di quella sera, avrei selezionato la musica in quella zona e poi con il flusso. Inizierei, diciamo, con Kraftwerk e forse passare a Tangerine Dream e poi a Harmonia, molti gruppi progressisti e creativi. O farei jazz, quindi forse inizierei con Ornette Coleman e andrei in Charlie Parker e poi Lee Morgan, seguendo quel tipo di linea.

Mi piace il rock, ma ce n'è in abbondanza là fuori. È una trasmissione abbastanza comune. Piuttosto che chitarre forti che si allontanavano, volevo andare verso dove era l'anima e avere più significato in questo senso. Volevo qualcosa che esplorasse l'emozione umana in modo caldo ed efficace. Nell'inviare musica, l'idea era di comunicare quel senso di umanità, quel sentimento e quella spinta, quell'estasi.

L'improvvisazione è fondamentale per molta della musica che hai nominato. Che dire di quell'elemento che lo ha reso una priorità per te nelle tue trasmissioni?

La cosa della musica improvvisata è la libertà. Scorre. Si sente davvero cosa sono capaci i musicisti di fare perché è più aperto. Non sei bloccato in un insieme definito di modelli, melodie o toni, quindi senti cose che sono totalmente nuove. Ti apre la mente a concetti più complicati, in un certo senso. Dopo aver ascoltato [un pezzo improvvisato] abbastanza volte, ti rendi conto che c'è davvero un bel po' di roba in corso. L'interazione è davvero affascinante.

Nomini specificamente la musica gamelan come un punto di interesse. Cosa c'è in quello stile che ti ha attratto?

Gli interessanti schemi ritmici e gli strumenti stessi. C'è qualcosa di unico in questo. È un suono bellissimo, ma la maggior parte delle persone non sente mai questo genere di cose. La maggior parte delle cose che senti, ci sono un sacco di chitarre e batteria o qualsiasi altra cosa. Questo ha offerto una strada completamente nuova di ascolto e trasmissione, quindi ho pensato, perché no? L'ho condiviso con il mio pubblico invisibile.

Con Project STRAT, perché è stato importante per te valutare il processo rispetto al fatto che tu abbia preso o meno contatti con gli alieni?

Fin dall'inizio, è stata un'esplorazione, una ricerca con un metodo scientifico. Ma era anche un reaching-out con una sorta di metodo artistico. La musica, la costruzione e la messa a punto delle macchine da zero, e lavorare con le mie mani era la sua arte, ma era anche un'esplorazione. La bellezza era che non ho mai rinunciato a esplorare anche se non ho ottenuto dati difficili. La ricerca era ancora lì, la possibilità di fare l'esplorazione era sempre viva.

Molte persone fanno questa domanda: "Cosa ti ha fatto andare avanti quando non hai capito questo o quello?" Beh, non era tutto quello che c'era. Quella era la parte principale, ma tutte le parti creative erano molto, molto stimolanti. La mia mente non si è mai riposata in quel regno.

[lamilanomagazine]

Oristano, musica, libri e immagini con "Àmana - Suoni tra terra e cielo"

Oristano, musica, libri e immagini con "Àmana - Suoni tra terra e cielo". Giovedì 6 luglio alle 19.30 al Museo Antiquarium Arborense prende il via la seconda edizione di “Àmana - Suoni tra terra e cielo” che si concluderà domenica 9 davanti alla Torre di Mariano. “Sull'onda del successo della prima edizione, Àmana diventa una rassegna con la direzione artistica confermata a Giangi Cappai – annuncia il Sindaco Massimiliano Sanna -. Quest’anno il cartellone si amplia, si aggiungono musicisti e date, che con un taglio eclettico e di contaminazione proporranno musica, arte e cultura”. La prima serata Primo appuntamento giovedì 6 luglio, alle 19.30, al Museo Archeologico Antiquarium Arborense con la presentazione del libro di Marisa Roncati e Giangi Cappai dal titolo “Non avrai altri denti. Una difesa moderna della tua salute”. Simone Cireddu dialogherà con gli autori mentre Giangi Cappai curerà il DJ set. “Il libro offre aneddoti, pillole di saggezza e singolari rivelazioni, per guadagnare salute, perché una bocca sana impatta sul benessere generale" spiegano gli autori. Durante l'evento, i partecipanti potranno degustazione un aperitivo offerto dalla Cantina Contini. Ingresso 5 euro La seconda serata Secondo appuntamento venerdì 7 luglio, alle 20, luglio all’Hospitalis Sancti Antoni, il concerto di Kety Fusco che si esibirà dal vivo con la sua arpa elettrica ed i sintetizzatori. A seguire il dj set di Fabrizio Minozzi & Gabriele Pinna (dj set) che si proporranno in un back to back sulla storia della house music in Sardegna ed in Italia, con puntate nei migliori club d'Europa. La terza serata Domenica 9 luglio ai piedi della Torre di San Cristoforo ultimo appuntamento con Toa Mata Band e i personaggi animati della LEGO e subito dopo con il dj set di Giangi Cappai. La proposta artistica della Toa Mata Band offre personaggi della Lego che si animano dando a una band di musica elettronica degna dei migliori dancefloor. L'orchestra meccatronica ideata e concepita da Giuseppe Acito AKA Opificio Sonico, è composta da otto piccoli personaggi della serie LEGO Bionicle, programmati per suonare drum-synth, percussioni acustiche e smartphones. Attualmente la saga è giunta al nono episodio tra composizioni originali e tributi a Daft Punk, Depeche mode, Kraftwerk ed Herbie Hancock. A seguire, l’esibizione di Giangi Cappai & Trio d'archi, proposta mix di un dj, musicista e ingegnere del suono, con un set up ibrido che comprende dj set e tastiere, affiancato da due violinisti ed un contrabbassista. Si tratta di una seconda puntata del precedente concerto, con nuovi brani sempre di Giangi, nuovi arrangiamenti ed atmosfere contaminate. Tre serate di grande interesse pubblico “La rassegna offre tre serate di grande interesse per il pubblico - commenta l’Assessore alla Cultura Luca Faedda -. I due concerti del 9 luglio, ai piedi della torre, saranno accompagnati dalle immagini trasmesse su due schermi di tutto lo spettacolo, ripetendo la formula di successo della prima edizione della manifestazione Àmana si conferma una produzione originale, ricca di suggestioni, che punta alla valorizzazione della Torre di San Cristoforo attraverso immagini e musica”. La rassegna è organizzata dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Oristano in collaborazione con la Fondazione Oristano e la Fondazione di Sardegna. La locandina Read the full article

[micro961]

Aria - “A Christmas Letter”

Il nuovo progetto del producer e compositore Mariano Schiavolini

Un brano corale, dedicato al Natale, alla pace e alle donne, ispirato alle sonorità della Motown. “Christmas letter” è una canzone di Natale, un’invocazione alla pace, all’armonia e allo stare insieme, ma è anche soprattutto un brano dedicato alle donne e ai loro figli.

«Sono moltissime le donne che per motivi differenti si trovano lontane da casa e sono obbligate a rinunciare alla famiglia in un giorno così importante. Penso in particolare a tutte le donne che vivono condizioni di difficoltà, immerse nei conflitti e nel dolore che generano. Questa canzone è dedicata a loro.» Aria

Il testo, nato dalla penna dall’autrice e scrittrice di Cambridge Nicolette Turner, racconta di una mamma militare che è stata inviata in estremo oriente, presso un territorio di guerra, e scrive al proprio figlio promettendogli che farà tutto il possibile per essere presente a Natale e festeggiare insieme. A Christmas Letter, è una fusione tra musica soul e musica classica, con sonorità e arrangiamenti di ARIA che richiamano lo stile di George Gershwin. Lo sottolineano l’uso del clarinetto solista che accompagna la voce della cantante e gli archi armoniosamente dissonanti, tipici della musica atonale e nella musica sperimentale nei primi del 900.  

Il nuovo brano realizzato dal produttore e compositore polistrumentista è stato registrato in South Africa, nel famoso studio di registrazione Downtonw recording studios di Johannesburg, dove è stato girato anche il video. Una seconda parte della produzione è stata invece svolta al recording studios di Los Angeles da Jack Rouben, produttore di Gloria Gaynor, Aretha Franklin, Céline Dion, Earth, Wind & Fire. Alla registrazione del disco hanno preso parte la cantante afroamericana Sherita-o, The City of Prague Philharmonic con il violino solista della violinista Lucie Svehlova, oltre al coro macedone di voci bianche “Heruvimi” e un coro in lingua Zulù. Gli arrangiamenti orchestrali e l’orchestrazione sono stati realizzati da Aria.

Aria è ambientalista e animalista, attivo sostenitore di diverse associazioni, tra le quali Animals Asia Foundation impegnata a porre fine all'allevamento di orsi nelle “fattorie della bile” allevamenti intensivi di orsi tibetani, detti anche orsi della luna, dove tali animali vengono rinchiusi in gabbie strettissime per estrarne la bile, ingrediente utilizzato nella medicina tradizionale cinese. Nel 2013 Aria ha realizzato il sito www.ilvolodellaquila.it, un progetto multimediale che unisce musica e protezione dell'ambiente, in cui propone spezzoni di video sul regno animale accompagnati dalle sue musiche. Usandola come punto di partenza, Aria ha creato una prospettiva toccante e a volte stimolante sugli animali, e il pubblico assiste ai momenti più belli della natura e ai pericoli creati dall'uomo che la minacciano. Con oltre 1,5 milioni di visualizzazioni, il progetto ha riscosso un enorme successo nell'educare sulle questioni ambientali con il potere della musica. Aria è forse meglio conosciuto come membro fondatore della band prog-rock italiana originale Celeste (soprannominata "i King Crimson italiani") ed ha una lunga e ricca storia in varie culture musicali. È un punto fermo del festival musicale di Sanremo, dove vive, ponendosi quale ponte tra il mondo della musica italiana e quella britannica. Il suo personale percorso musicale abbraccia la creazione della principale etichetta discografica rock italiana Dischi Noi (RCA Distribution), arrivando a collaborare con artisti del calibro di Kit Woolven (David Bowie, Thin Lizzy) e Nick Griffits (Pink Floyd, Roger Waters) e Daniel Boone (The Who, Kraftwerk), fino alla produzione di concerti su Rock at Midnight per Italia1 Tv.

Aria è il nome d'arte di Mariano Schiavolini. Il concept e lo pseudonimo del nome sono nati come omaggio agli elementi della natura che ci ispirano a vivere e creare in armonia con ciò che ci circonda. Una volta che si perde il contatto con la natura non si è più sé stessi. Questa connessione, questo legame, è ciò che spinge Aria a dare vita a produzioni che spesso traggono una profonda ispirazione dal mondo naturale. Gli inizi di Aria sono stati molto più con i piedi per terra. Figura chiave della scena rock progressiva italiana e membro fondatore dei celebri Celeste (alias The King Crimson of Italy), Aria ha affinato la sua arte nei generi più sperimentali, collaborando anche con innumerevoli artisti e produttori del suo tempo: Kit Woolven, Nick Griffiths, Pete Hinton, Guy Bidmead, Daniel Boone, Simon Fraser, Dennis Herman e Will Reid Dick, per citarne alcuni. Negli ultimi anni Aria è tornato all'ovile, inserendosi nell'industria musicale con la musica “contaminata”. Con profondi temi lirici come la difficile situazione dei rifugiati in tempo di guerra, la devastazione dell'ambiente e la tragica scomparsa della fauna selvatica del nostro pianeta, fonde argomenti importanti con un melange di elementi musicali, come il rock progressivo, il soul e orchestre dal vivo. Collaborazioni più recenti sono il risultato di un recente viaggio in Sud Africa, dove Aria ha avuto il piacere di registrare con i membri della band della compianta Miriam Makeba, con Thuthukani Cele (di Lucky Dube fama) e il famoso Soweto Gospel Choir.

Lo scorso 22 aprile è uscito sul mercato internazionale, a supporto dell’evento della Giornata della Terra, il brano The next life, facente parte del doppio singolo contenente Lady in white. The next life è una canzone dedicata all’ambiente e agli animali in estinzione, il cui testo è stato scritto dall’autrice e cantautrice di Los Angeles Britt Warner ed ospita l’interpretazione del giovane rapper e ambientalista americano Ray Reed, di Huston.

 Etichetta: Assieme

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