#Jean Cocteau Suite

[leblogdemarinaetjm]

LUNDI 30 DÉCEMBRE 2024 (Billet 1 / 4)

« SARAH BERNHARDT, LA DIVINE » (1h 38min)

Un film de Guillaume Nicloux, avec Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Amira Casar…

Critiques sur le Site AlloCin�� / Presse : 3,5 / Spectateurs : 3,2

Au printemps de l’année dernière nous avions vu, lors d’une visite guidée, la très belle Exposition que le Petit Palais lui avait consacrée. Nous connaissions donc sa vie et le « colossal » succès qu’elle a rencontré tout au long de sa (longue) carrière et ce, dans divers pays, dont les Etats Unis où elle a joué, en français, sous d’immenses chapiteaux, devant des milliers et des milliers de spectateurs qui ne comprenaient pas un mot de ce qu’elle disait. C’est pour elle que Jean Cocteau a composé le mot « Monstre Sacré ».

Il aurait fallu un biopic de plus de 3 heures et d’énormes moyens pour retracer son histoire mais ce n’était pas le but de Guillaume Nicloux, le metteur en scène de ce film.

Est-ce à cause de ça, un certain nombre de spectateurs et de critiques de cinéma sont sortis déçus de la projection, sur le Net, les avis sont de fait assez partagés.

Nous vous proposons de lire la critique ci-dessous qui reflète bien par contre ce que nous, nous en avons pensé. Marina est sortie emballée et a tout de suite donné ❤️❤️❤️❤️,5 au film, JM, un petit peu moins (ayant des problèmes d’audition, certains dialogues du film où Sandrine Kiberlain jouait allongée lui ont échappé…), mais lui accorde quand même ❤️❤️❤️,5 sur 5.

Tous les deux, avons énormément apprécié les costumes, les décors, les brillantes répliques des protagonistes principaux (la plupart sont historiques)… et surtout l’interprétation de Sandrine Kiberlain. Nous parions à son sujet qu’elle aura une nomination aux prochains Césars, voire « LE » César de la meilleure interprétation féminine.

A noter que d’avoir vu l’Exposition du Petit Palais nous a permis de ne pas être frustrés…

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Thème

Paris 1915. Atteinte d’une tuberculose osseuse qui lui « dévore » le genou droit et la menace de septicémie, Sarah Bernhardt, l’actrice française la plus connue et adulée du monde, doit se résoudre à se faire amputer. Alors âgée de 75 ans, elle parvient à en plaisanter et à rassurer les amis qui l’entourent… Bien sûr, la « Divine » s’en sort et revient vivre chez elle. Parmi ses visiteurs, le jeune Sacha Guitry. Il va la faire parler de la liaison qu’elle eut vingt ans plus tôt avec son père Lucien, à une époque où, libre, moderne, talentueuse et extravagante, elle, l’Actrice avec un A majuscule, était au faîte de sa gloire… Elle racontera à Sacha les sales coups que son père lui avait joués, la poussant par deux fois au suicide. Sarah la flamboyante avait donc aussi des fragilités…

Points forts

La singularité du projet. Même si, assez étonnamment d’ailleurs, il n’y avait encore jamais eu de « biopic » français sur celle qui fut le premier « monstre sacré » du monde et qui, encore aujourd’hui, reste une icône, il était hors de question pour Guillaume Nicloux de retracer sagement sa carrière sur grand écran. Le cinéaste a choisi de dresser un portrait psychologique de la grande Sarah, et ce, à travers deux périodes clés de sa vie : celle de l’acmé de sa carrière (l’année 1896) où elle est au firmament de tout ce qui la compose (son excentricité, sa démesure, sa liberté, sa modernité, son extravagance, son impertinence, mais aussi, soigneusement dissimulées, ses fragilités…) et celle où, pour ne pas mourir, elle doit se faire amputer d’une jambe, en jouant les bravaches. Cela suffit ? En tous cas, cela a suffi à la réinventer…

Le choix de l’interprète. Trouver une actrice capable de jouer toutes les facettes de la « Divine » sans pour autant la copier, aurait pu relever de la gageure. Dès le départ du projet, il y a cinq ans, Guillaume Nicloux n’en a vu qu’une : Sandrine Kiberlain. La comédienne a d’emblée accepté le défi. « Je ne voulais surtout pas imiter Sarah Bernhardt dit-elle. Avec Guillaume Nicloux, on s’est demandé s’il fallait rendre sa vérité en copiant son jeu et ses intonations, ou s’il fallait se l’approprier autrement. On a choisi la deuxième voie : rendre l’émotion et la puissance qu’elle procurait ». Sandrine Kiberlain ne s’est pas trompée. La Sarah Bernhardt qu’elle propose est tout simplement fascinante. Saluons au passage ce petit rire qu’elle a inventé et qui ponctue presque toutes ses répliques : il semble exprimer à la fois la folie et l’impertinence gouailleuse de la tragédienne qu’elle (ré) incarne. 

La beauté des décors et des costumes. Tout chatoie dans ce film magnifiquement cadré et éclairé. On ne devine pas qu’il a été tourné en cinq petites semaines avec un budget modeste.

La richesse du générique. Il offre parmi la crème des comédiens français, dont Laurent Lafitte (formidable dans son personnage de Lucien Guitry), Pauline Etienne, Laurent Stocker, Grégoire Leprince-Ringuet…

L’énergie musicale du film, offerte par les nombreux compositeurs qui l’accompagnent (Reynaldo Hahn, Ravel, Debussy, Chopin, Schubert…)

Quelques réserves

On pourra regretter qu’on voie très peu Sarah Bernhardt dans son rôle d’actrice. 

Encore un mot...

Même s’il n’est pas question à propos de ce long-métrage, visuellement très réussi, de parler de chef-d’oeuvre, au moins pourra-t-on reconnaître à son auteur Guillaume Nicloux d’avoir réussi à cerner une artiste hors norme, dans sa singularité, ses exigences, ses faiblesses et surtout sa liberté, annonciatrice des révolutions féministes du monde d’aujourd’hui. Comment, en outre, ne pas savoir gré au cinéaste d’avoir offert à Sandrine Kiberlain un rôle à la mesure de son immense talent.

(Source : « culture-tops.fr »)

[ariel-seagull-wings]

SO was watching some of Ridley Scotts Legend and looked up some behind the scene info,finding out it was heavilly inspired by Grimms Fairy Tales ,the illustrations of Arthur Rakham and Heath Robinson,Jean Cocteaus Beauty and the Beast ,and the Disney classics Snow White and the SEven Dwarfs, Pinocchio and Fantasia .He also stated he wanted to make the story feel like a fairy tale

My question as you are a fan of this stuff :ARe those influences evident and does the film succeed in evoking the feeling of a fairy tale

@thealmightyemprex @autistic-prince-cinderella @themousefromfantasyland @the-blue-fairie @softlytowardthesun @adarkrainbow @sabugabr @princesssarisa @angelixgutz @professorlehnsherr-almashy @amalthea9 @parxsisburning

I am not familiar with the work of Heath Robinson, but as for Arthur Rakham's illustrations, I can see their influence in the design of the fair folk, the water witch and Jack's ragged clothes, in their dark shades of brown, gray, yellow and green that remind of the dark woods.

Snow White and The Seven Dwarfs is a movie that has very simple storytelling anout the fight between good and evil centered in a sweet young princess who gets help of little man from the woods and is presented in an art style reminiscent of european fairy tale illustrations, and that is definitly a similar structure carried on to Legend.

Pinocchio presents a more naive hero who has to go on a dangerous journey to learn how to be less impulsive and more responsable, a journey that Princess Lily goes to echo when she goes into the Dark Underworld to rescue the Unicorn.

From Fantasia there is the character of Chernaborg from the segment Night on Bald Mountain/Ave Maria, whose design and simple motivation of bringing the world into eternal night is definitly an influence on the villain Darkness. Other Fantasia segments to wich Legend shares similarities may be the Nutckracker Suite (with the presence of the Fairies and the passing of the Seasons influenced by the supernatural) and the Pastoral Symphony (that presents a mythological portrayal of life in nature).

Jean Cocteau's Beauty and the Beast is the story of a lady who has to go to a dark place (Belle goes to the Beasts castle, Lily to the Underworld) and interacts with a tall and beastly creature (who wants to marry her) to face her fear of the unknown.

You can see part of the dinamic of Beast and Beauty between Darkness and Lily, only with Darkness being a villanous version of the Beast archetype who can't get redemption.

In Grimm's Fairy Tales, the Devil is a frequent antagonist to be dealt with (usually with cunning). What is interesting is that in the Grimm's Devil Stories, is a male character who gets to directly deal with the treat of the Devil, whereas in Legend, is the female character who goes to face the Devil and ultimately saves the day.

So yes, I can see all those influences adapted and reinvented to create the unique story that Legend was.

[thequietabsolute]

Top Artists — Medium Term (6 months)

Felbm

Radiohead

Bonnie "Prince" Billy

Kate Bush

Nick Drake

Midlake

Paul Simon

Simon & Garfunkel

Slowdive

Boards of Canada

Canary Room

The Beatles

Fionn Regan

Beach House

Leonard Cohen

hemlock

Vashti Bunyan

Clara Mann

Bob Dylan

The Smiths

ABBA

Grouper

David Bowie

The Clientele

Jessica Pratt

Olovson

Bill Callahan

Laura Marling

Rachel Grimes

Chet Baker

Belle and Sebastian

Sibylle Baier

Aldous Harding

Cocteau Twins

Acetone

Connan Mockasin

Fleetwood Mac

Cornelia Murr

John Martyn

Julie London

Sea Oleena

Sufjan Stevens

Meg Baird

Shannon Lay

Van Morrison

Pink Floyd

Caroline Says

Sun Kil Moon

Maxine Funke

Fairport Convention

that spotify stats page

Top Tracks — Long Term (years)

Calla — Canary Room

4 Lieder, Op. 27, TrV 170: IV. Morgen! — Richard Strauss, Jonas Kaufmann, Helmut Deutsch

6 Melodies, Op. 4 - 6 melodies, Op. 5: Allegretto — Fanny Mendelssohn, Beatrice Rauchs

Long Before Us — Rachel Grimes

Sandalwood I — Jonny Greenwood

Stabat Mater: 1. Stabat Mater — Giovanni Battista Pergolesi, Emma Kirkby, James Bowman, Academy of Ancient Music, Christopher Hogwood

Thaïs / Act 2: Méditation — Jules Massenet, Joshua Bell, Royal Philharmonic Orchestra, Andrew Litton

Songs My Mother Taught Me, Op. 55 No. 4 — Antonín Dvořák, Alisa Weilerstein, Anna Polonsky

Elegy No. 1 in D Major — Giovanni Bottesini, Andrew Burashko, Joel Quarrington

The Carnival of the Animals, R. 125: XIII. The Swan (Arr. for Cello and Piano) — Camille Saint-Saëns, Yo-Yo Ma, Kathryn Stott

Julie With - 2004 Digital Remaster — Brian Eno

wallingford bossa — hemlock

Fantasiestücke, Op. 73: No. 1, Zart und mit Ausdruck — Robert Schumann, Sol Gabetta, Hélène Grimaud

By This River - 2004 Digital Remaster — Brian Eno

Just When You Need Yourself Most — Oberhofer

Gianni Schicchi: O mio babbino caro — Giacomo Puccini, Renée Fleming, London Philharmonic Orchestra, Sir Charles Mackerras

Bleecker Street — Simon & Garfunkel

House of Woodcock — Jonny Greenwood

Shaker — Acetone

All The Time — Acetone

Jazz Suite No. 2: VI. Waltz II — Dmitri Shostakovich, Royal Concertgebouw Orchestra, Riccardo Chailly

Rimsky-Korsakov: Scheherazade, Op. 35: II. The Kalendar Prince (Excerpt) — Nikolai Rimsky-Korsakov, Riccardo Muti, Philadelphia Orchestra

Christine — Canary Room

Me at the Museum, You in the Wintergardens — Tiny Ruins

Valse sentimentale, Op. 51, No. 6 — Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Josef Sakonov, London Festival Orchestra

Piano Concerto No. 5 in E-Flat Major, Op. 73 "Emperor": II. Adagio un poco mosso — Ludwig van Beethoven, Wilhelm Kempff, Berliner Philharmoniker, Ferdinand Leitner

Deux Arabesques, L. 66, CD 74: I. Première Arabesque — Claude Debussy, Jean-Efflam Bavouzet

Green Bus — The Innocence Mission

Lucida — Thomas Bartlett

Introduction et Allegro, M. 46 — Maurice Ravel, Oxalys

Two Thousand and Seventeen — Four Tet

When It Rains — Felbm

Lake Effect — Canary Room

Candy Says — The Velvet Underground

Serenade for Strings in C Major, Op. 48, TH 48: II. Valse — Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Zagreb Philharmonic Orchestra, Dmitri Kitayenko

Schumann: Davidsbündlertänze, Op. 6, Heft II: No. 14, Zart und singend — Robert Schumann, Jonathan Biss

Magnolia — J.J. Cale

day one — hemlock

Return From The Ice — Acetone

Requiem in D minor, K.626: 6. Benedictus — Wolfgang Amadeus Mozart, Anne Sofie von Otter, Barbara Bonney, Hans Peter Blochwitz, Willard White, English Baroque Soloists, John Eliot Gardiner

River — Terry Reid

Where Should I Meet You? — Canary Room

This Night Has Opened My Eyes - 2011 Remaster — The Smiths

Brother — Vashti Bunyan

Cello Suite No. 1 in G Major, BWV 1007: I. Prélude — Johann Sebastian Bach, Yo-Yo Ma

Sweeten Your Eyes — The Clientele

Knickerbocker Holiday: September Song (Arr. by Paul Bateman) — Kurt Weill, Daniel Hope, Jacques Ammon, Zürcher Kammerorchester

Funicular — Felbm

Piano Sonata No. 12 in F Major, K. 332: II. Adagio — Wolfgang Amadeus Mozart, Jenő Jandó

Sensuela — Column

[fervency-if]

So in that ask someone sent about the kitties; you said that Aubrey would name the kitty after a poet or an artist he liked. So, what poets or artists would he like? (I'm intrigued, as I think I vaguely remember (don't remember from what ask, but for some reason, I vaguely remember it being mentioned) you saying that he'd like 'The Ballad of Reading Gaol' by Oscar Wilde (I'd like to say???).)

Also, on a second note, what'd he think of Emily Dickinson's poems?

Yes, you remember absolutely correctly - he would love that poem, because he would enjoy the certain sense of despair it has. I believe his favourite part from it would be:

To dance to flutes, to dance to lutes,

Is delicate and rare,

But it is not sweet with nimble feet,

To dance upon the air

His favourite poets would probably be Charles Baudelaire and Arthur Rimbaud. The way they were seen as a bit 'inappropriate.'

When it comes to artists, he would like Jean Cocteau's drawings. He would most likely be intrigued by Hieronymus Bosch, too. Aside from that... I will have to think a bit harder to pinpoint. One specific painting he would love, a favourite, would be Dante and Virgil in Hell by William Adolphe Bouguereau - a fellow chewing on another would definitely be an interesting image to him!

I believe that he would enjoy Emily Dickinson's poetry - he would find her use of language very pretty. I wouldn't be surprised if he would enjoy someone reading her work out loud for him, finding that pleasant, that they were suiting to be read that way.

[bhashashikhi]

Poésie mercredi#11

"La mort viendra et elle aura tes yeux" by Jean Cocteau La mort viendra et elle aura tes yeux, Cette mort qui est tienne, et qui te suit partout, La mort viendra et elle aura tes yeux, Cette mort qui t'accompagne d'où que tu sois.

Every Wednesday, I share French poetry here on my blog.

[hellodeashelle]

"Un univers visuel et esthétique fort" dans "La Belle et la Bête"au théâtre du Parc

Loin des tumultes du monde et des discours belliqueux des puissants, Belle murmure : « Je voudrais une rose… » Bienvenue dans le refuge des rêveurs, un miroir magique aux multiples échos, véritable enchantement. Ce spectacle magnifiquement écrit suit la trame du conte « La Belle et la Bête », tel que Jean Cocteau l’a narré dans son film en noir et blanc de 1946, au sortir de la Seconde Guerre…

[mmedeneuve]

L'HISTOIRE

[Attention première partie du film spoilée au sein de ce résumé.] A La Réunion, Louis Mahé (Jean-Paul Belmondo), riche fabricant de cigarettes toujours célibataire, attend à la descente du paquebot Mississipi une nommée Julie Roussel (Catherine Deneuve), avec qui il est en relation épistolaire depuis un bon moment et avec qui il s’est fiancé par correspondance. Lorsqu’il vient l’accueillir, qu'elle n’est pas sa surprise lorsqu’il se rend compte qu’elle ne correspond absolument pas à la photo de la petite annonce matrimoniale. Malgré de vaseuses explications de la part de la jeune femme, Louis s’en moque, tellement il est frappé par la beauté de la "remplaçante". Le mariage a donc lieu sous les meilleurs auspices, mais quelques temps plus tard Julie disparaît avec toute la fortune dont il disposait. Louis engage alors un détective privé pour la retrouver mais mène néanmoins parallèlement son enquête qui le mène en France, où il la retrouve sous le nom de Marion en entraineuse dans un night-club antibois. Déterminé à la tuer, il va se rendre compte être toujours fou amoureux et c’est le début d’une vie clandestine et mouvementée pour ce couple peu banal...

ANALYSE ET CRITIQUE

A Catherine Deneuve qui venait d'accepter de tenir le rôle féminin principal de son film, Truffaut écrivit : "Avec La Sirène, je compte bien montrer un nouveau tandem prestigieux et fort : Jean-Paul, aussi vivant et fragile qu'un héros stendhalien, et vous, la sirène blonde dont le chant aurait inspiré Giraudoux." Entre deux volets consacrés à Antoine Doinel (Baisers volés et Domicile conjugal), Truffaut, alors très prolifique, se sera donc rendu à La Réunion pour tourner une adaptation de Waltz into Darkness de William Irish, roman que Léaud/Doinel lisait alors qu’il était gardien de nuit dans Baisers volés : ce sera cette Sirène du Mississipi (avec un seul P comme le bateau et non comme le célèbre fleuve), son "grand film malade" comme le réalisateur aimait à le décrire suite à son relatif échec public et critique, film encore beaucoup trop mésestimé à mon humble avis. Car comment un westernophile comme c'est mon cas pourrait ne pas s’attacher à un film dans lequel un homme arrive à convaincre sa compagne qui ne s’intéresse pas au genre de venir néanmoins l’accompagner pour voir Johnny Guitar en salles, la femme ressortant de la séance enchantée malgré ses a priori ! Plus sérieusement, comment ne pas retirer du plaisir devant les films d’un réalisateur faisant constamment montre d’un amour fou pour l’art pour lequel il travaille, comme le fera Quentin Tarantino plus de vingt ans plus tard avec la même générosité, la même jubilation ? Car si l'on ne compte plus tout au long de son œuvre les références littéraires ou cinématographiques, La Sirène du Mississipi n’en est pas avare non plus, le film étant d’ailleurs dédicacé à Jean Renoir, ses premières images reprenant une brève séquence de La Marseillaise, Belmondo allant voir un film de la série Arizona Jim, personnage inventé par l’un des protagonistes du Crime de Monsieur Lange, l’image finale faisant quant à elle clairement référence à La Grande Illusion. En vrac sont convoqués aussi Balzac, Jean Cocteau ou Walt Disney mais l’hommage le plus flagrant est évidemment celui rendu à un réalisateur qu’il est désormais difficile de lui dissocier depuis leur célèbre entretien, Alfred Hitchcock ; nous aurons l’occasion d’en reparler.

Mais puisque les auteurs sont souvent les mieux placés pour parler de leurs œuvres et qu’ils sont même très logiquement les seuls à pouvoir nous dévoiler sans les déformer leurs intentions de départ, commençons cette chronique en laissant s’exprimer Truffaut lui-même lorsqu’il se confiait à Yvonne Baby pour le journal Le Mondedu 21 juin 1969 : "J'ai lu 'La Sirène du Mississippi' au moment où je faisais l'adaptation de 'La Mariée était en noir'. A cette époque, j'ai d'ailleurs lu tout ce qu'a écrit William Irish, afin d'être imprégné de son œuvre et d'être, malgré les nécessités de l'infidélité cinématographique, le plus près possible du roman. J'aime bien connaitre complètement l'écrivain dont je transpose le livre à l'écran. Ainsi, quand je devais affronter un 'problème Irish', j'avais des chances de trouver 'la solution Irish'. J'avais procédé de cette manière avec David Goodis pour Tirez sur le pianiste et avec Ray Bradbury pour Fahrenheit 451 [...] Dans La Sirène du Mississipi j'ai admiré surtout la répartition des évènements, les apparitions, disparitions et réapparitions des principaux personnages. J'ai donc respecté cette construction pour le film, j'ai cherché à en respecter toutes les proportions [...] Mon scénario définitif a été moins une adaptation au sens traditionnel qu'un choix de scènes. Enfin avec ce film j'ai pu réaliser le rêve de tous les cinéastes : tourner dans l'ordre chronologique une histoire chronologique qui représente un itinéraire [...] Le fait de respecter la chronologie m'a permis de construire le couple avec précision. Le récit étant à l'origine plein d'un romanesque du siècle dernier, j'ai pensé qu'il fallait doubler le trajet sentimental du roman (que nous avons suivi) d'un trajet physique. Cela signifie qu'à chaque étape, le spectateur doit savoir exactement où en sont les personnages dans leurs rapports physiques comme dans leurs rapports sentimentaux. C'est peut-être par-là que le film, qui pourrait appartenir à la catégorie des films 'd'amour et d'aventure' se trouve à décrire un couple d'aujourd'hui. La situation reste assez exceptionnelle mais les personnages sont proches de nous."

Comment expliquer plus concrètement la dernière phrase du cinéaste ? C’est avant tout parce que ce huitième long métrage de Truffaut nous propose en quelque sorte deux films en un. Mais avant d’entrer dans les détails, sachez que cette chronique abordera de nombreux ressorts du récit ; et donc que ceux qui ne le connaissent pas et ne veulent qu’aucun mystère ne leur soit dévoilé avant son visionnage stoppent immédiatement la lecture des paragraphes qui vont suivre. Moi-même, lors de sa découverte, avais été un peu trop focalisé sur l'aspect "aventure policière" certes rocambolesque - et par ce fait "assez exceptionnelle" pour un couple lambda - mais finalement assez mince, surtout prétexte à Truffaut pour payer son tribut à Hitchcock, ce dernier ayant lui aussi apprécié à maintes reprises de placer des couples d’Américains moyens sans histoires au centre d’intrigues "incroyables" (L’Homme qui en savait trop, par exemple). Alors que l'important réside bien évidemment dans les relations passionnelles et fusionnelles amour/haine, désir/répulsion d’un couple moderne à qui nous arrivons facilement à nous identifier, notamment lorsqu’ils sont réunis au cours des séquences un peu hors contexte, à savoir toutes ces innombrables et formidables parenthèses intimes ponctuant cette histoire fiévreuse, principalement des petits-déjeuners et des scènes d’amour, formidablement bien interprétées par un duo dont la complicité nous saute aux yeux. Catherine Deneuve aura rarement été aussi sensuelle et amoureusement filmée dans la peau d'un personnage grandement ambigu et immoral face à un magnifique et poignant Jean-Paul Belmondo dans un rôle à total contre-emploi, amant naïf et passionné au point d'aller jusqu'au meurtre - celui d’un détective privé qu’il avait engagé pour retrouver son épouse mais qui se révèle d’un coup bien trop gênant pour l'avenir de leur couple - voire même de se laisser en connaissance de cause empoisonner par sa femme. "La Sirène c'est finalement l'histoire d'un type qui épouse une femme qui est exactement le contraire de ce qu'il voulait. Mais l'amour est apparu et il l'accepte telle qu'elle est", disait le réalisateur.

Le scénario est donc principalement axé sur l’évolution d’un couple a priori fusionnel et tout à fait de son époque quant aux mœurs et à leurs relations, d’autant plus moderne que le comportement des sexes est un peu inversé, rapport aux "usages de l‘époque" : ainsi l’homme est vulnérable, naïf et peu entreprenant alors que la femme s’avère forte, calculatrice et semble diriger la barque en prenant les initiatives, tout en menant son partenaire par le bout du nez (si l’on veut en rester au-dessus de la ceinture). Cette histoire d’amour passionnelle va passer par la trahison, la haine, la réconciliation, la fuite et le meurtre. Jean-Paul Belmondo c’est Louis Mahé, riche fabricant de cigarettes à La Réunion. Toujours célibataire, il a trouvé une fiancée par annonce matrimoniale, une certaine Julie Roussel avec qui il a entretenu une correspondance à travers laquelle "ils ont cherché à établir des choses définitives" comme il l’avouera plus tard à Marion, celle qui s'est substituée à Julie à la descente du paquebot Mississipi. Sur le coup, Louis est choqué de découvrir en lieu et place d’une sage fille brune, une splendide blonde évanescente qui lui invente des excuses peu plausibles pour expliquer cette "différence" ; mais par "choqué" nous aurions pu dire tétanisé ou encore hypnotisé par la beauté parfaite de cette apparition, à tel point qu’il ne cherche même pas à savoir s’il s’agissait vraiment de la femme avec laquelle il avait correspondu. Comme prévu, usurpatrice ou non, il se marie et ne le regrette pas puisque les débuts de leur vie commune semblent idylliques. Malgré quelques éléments assez intrigants et quelques réactions pour le moins surprenantes (elle semble ne pas s’émouvoir de la mort de son oiseau, elle qui en parlait pourtant avec amour), Julie parvient à embobiner Louis par son charme, sachant se donner à lui aux moments opportuns afin qu’il oublie ses doutes d’un instant. Mais comme le spectateur l’avait déjà conjecturé malgré l’apparente complicité du couple (dont on doutera tout du long), Julie parvient à obtenir procuration sur le compte en banque de son époux et quelques jours plus tard s’évanouit avec la fortune qu’il possédait.

Louis embauche alors un détective (Michel Bouquet) pour retrouver son épouse volatilisée mais décide également de partir lui-même à sa recherche, bien décidé à se venger. Cela nous emmène en France où il la retrouve dans une boîte de nuit où elle officie en tant qu’entraineuse. "Je ne sais pas si je suis heureux, mais je suis incapable de me passer d’elle" ; et du coup oubliées sa rancœur et sa vengeance, il la suivra jusqu’au bout même si cela doit le mener jusqu'à la tragédie. L’intrigue nous emmènera ensuite d’Aix-en-Provence à Lyon pour finir dans les Alpes, pas loin de le frontière suisse. On voyage beaucoup dans La Sirène du Mississipi, ce qui rend le film assez exotique et dépaysant, le tout sur une musique d'Antoine Duhamel qui lui aussi, comme son réalisateur, rend discrètement hommage à Hitchcock par l’intermédiaire de quelques réminiscences stylistiques de compositions de son collaborateur fétiche, l’immense Bernard Herrmann. Mais c’est donc ce qui se passe - ou ne se passe pas - entre chaque étape qui donne avant tout sa chair au film, sa pulsation lyrique. "J’ai pu me concentrer sur l'intimité d'un couple : le passage du voussoiement au tutoiement, avec des retours au voussoiement, les confidences, les longs silences et ce qui, à travers des épreuves ou des déceptions, amène deux personnes à se rendre indispensables l'une à l'autre. La Sirène du Mississipi est avant tout le récit d'une dégradation par amour, d'une passion..."

Comme son mentor Renoir, Truffaut mit en place une méthode de travail avant tout basée sur l’improvisation de ses comédiens pour rendre le résultat plus "vrai" : "les acteurs avaient tout juste le temps d'apprendre les textes qu'on leur remettait au dernier moment, leur surprise passait alors immédiatement dans la scène et ils en vérifiaient l'intensité en voyant les réactions de l'équipe technique qui découvrait les péripéties avec eux." Une séquence exemplaire pour prouver le génie des deux stars choisies par Truffaut - ce dernier aimant à dire à l’époque que Belmondo était son comédien préféré avec Jean-Pierre Léaud - celle se déroulant dans une petite chambre d’hôtel lyonnaise et au cours de laquelle Belmondo fait une scène à sa partenaire, la traitant de tous les noms et la mettant plus bas que terre. L’acteur est ici aussi convaincant dans son inhabituelle colère que Catherine Deneuve dans son intelligence et sa roublardise, faisant tout passer par sa seule manière d'être : alors que son époux l’invective sans discontinuer, Marion continue à feuilleter son magazine étendue sur son lit, son regard nous faisant très bien ressentir qu’elle comprend que le mieux pour elle est de ne pas réagir, intimement persuadée avec raison que le lendemain il sera à nouveau dominé par son désir, qu’il lui demandera pardon avant de retomber dans ses bras.

Sans oublier la fameuse et sublime caressante séquence devant la cheminée ("Tes yeux sont comme deux petits lacs marrons...") au cours de laquelle Belmondo décrit amoureusement le visage de son épouse avant de se confier comme jamais auparavant ; nous nous sentons alors à cet instant totalement en phase avec Louis, Truffaut ayant d’ailleurs un jour dit : "Je suis convaincu que le spectateur trouve son bonheur, simplement à regarder Catherine Deneuve et que cette contemplation rembourse le prix du ticket d'entrée." Au final, plus qu'une aventure agitée avec de nombreuses péripéties où comme toujours chez Truffaut le hasard a le beau rôle (ici, par exemple, une inondation qui met à jour le corps du détective que notre couple pensait à jamais enfoui profondément dans une cave) et où, à l’instar des films de Hitchcock, les invraisemblances sont légion sans que cela ne pose de problème puisque nous savons que l’essentiel se situe ailleurs... au final donc une magnifique histoire d’amour teintée aussi de pas mal d’humour parfois "jouissivement" trivial (les seins nus de Marion faisant faire une embardée à un conducteur passant à côté), le tout mis en boite avec maestria par un Truffaut peut-être plus sage et classique que précédemment mais toujours magistralement inspiré lorsqu’il s’agit de lyrisme échevelé, d’idées iconoclastes de mise en scène (les inserts à l’iris "rectangulaire") et d’ampleur de mouvements de caméra. D’ailleurs, à propos de forme, toutes les premières séquences démontrent d'emblée la maîtrise parfaite du réalisateur sur son matériau cinématographique, que ce soit l’arrivée en voiture de Jardine à l’hôtel ou loge Louis, truffée des faux raccords expressément utilisés que la Nouvelle Vague affectionnait, les ellipses maniées avec brio (suite à la phrase de Louis à Marion "Tu es adorable, ce qui veut dire digne d’adoration", le plan suivant nous montre son usine de cigarettes sortir des paquets à l’effigie de son épouse adorée) tout comme l'exceptionnelle maîtrise du cadre, du hors-champ (la première apparition de Catherine Deneuve) ou encore la beauté des travellings et/ou panoramiques lors de l’arrivée de Louis au port pour accueillir sa fiancée épistolaire. Sans parler d’intrigue, la mise en scène seule nous met déjà en joie et nous prouve que si Truffaut est devenu puis resté célèbre, ce n’était pas pour on ne sait quels caprices de critiques ou d'historiens.

A la fois passionné, culotté, mystérieux, touchant, ludique, iconoclaste et moderne, La Sirène du Mississipi n’a pas à rougir au sein de la fabuleuse filmographie de François Truffaut, comparativement aux classiques qui l’entourent de près ou de loin. Avec une grande liberté d’action, Truffaut ne se soumet à nouveau jamais aux lois des genres abordés, que ce soit ici le film policier ou le film d’amour. Car il s'agit bel et bien, sur fond de course poursuite, d'une sorte d'initiation toute à la fois amoureuse, délicate et crue, entre une femme ayant connu une existence difficile et qui ne peut plus vivre sans argent et un homme réservé qui, une fois amoureux d’elle, ne pourra jamais plus s’en détacher ; une œuvre inconfortable mais jamais "engoncée", faite d’embardées, de détours et de pauses, le tout proposant un rythme expressément inharmonieux mais qui nous la rend d’autant plus précieuse par sa constante réussite alors même que son équilibre reste très fragile, toujours sur le fil du ridicule sans jamais y tomber. On pourrait dire la même chose des films du maître du suspense avec lesquels il possède également d’innombrables autres points communs : une femme à double visage comme dans Vertigo, la chute du détective dans l’escalier qui rappelle celle de Psychose, la voiture sillonnant les corniches comme dans La Main au collet, la ponctuelle frigidité de Marion qui fait penser à celle Marnie, les cauchemars de Louis qui renvoient à Spellbound, la boisson empoisonnée de Soupçons... Quant à la mystérieuse séquence de l’oiseau mort, je me demande si même Hitchcock aurait fait aussi bien pour nous faire ressentir cette "anormalité" qui fait que, dès ce moment-là, la méfiance pour la personnalité de Julie/Marion va s’insinuer encore plus, non seulement chez Louis mais également chez le spectateur, les questionnements s'additionner, la scène se terminant également comme souvent chez Hitchcock sur des images au fort potentiel érotique.

Sans s’embarrasser de vraisemblance ou de cohérence, malmenant sa narration sans se démonter et pour le plus grand plaisir de ceux aimant emprunter des chemins hors des sentiers battus, Truffaut nous propose une sorte de road movie intimiste, romantique et sensuel, un film assez unique où, pour Louis Mahé, regarder son épouse est à la fois "une joie et une souffrance" tellement il semble lui être lié à la vie, à la mort. Et puisque des liens se font constamment entre les films de Truffaut, ce qui renforce l’aspect ludique et très attachant de sa filmographie comme s’il s’agissait d’une sorte de comédie humaine balzacienne (La Peau de Chagrin tient d’ailleurs un rôle au sein de l’intrigue), ce dialogue est intégralement repris dans Le Dernier métro et fait partie d’une des scènes de la pièce de théâtre qu’interprètent Gérard Depardieu et à nouveau Catherine Deneuve. Truffaut disait à propos de l’échec de son film : "Il est aisé d’imaginer ce qui a choqué le monde occidental. La Sirène du Mississipi montre un homme faible (en dépit de son allure), envoûté par une femme forte (en dépit de ses apparences)." Trop en avance sur son époque aussi par ses ruptures de ton et sa constante ambivalence (on ne sait jamais vraiment si Marion est sincère et l’on ignore donc les sentiments réels qu'ils éprouvent l'un pour l'autre), ayant pour ces raisons décontenancé pas mal de spectateurs et surtout les amateurs de Belmondo, La Sirène du Mississipi est un film sur l’amour fou tellement libre, amoral, sensuel, généreux et admiratif de ses pairs qu’il mérite qu’on lui redonne absolument une seconde chance. D’autant que le magnétisme du couple n’a pas fini de nous ensorceler.

EN SAVOIR PLUS

La fiche IMDb du film

Par Erick Maurel - le 7 décembre 2020

[fettesans]

Left, photograph by Philippe Halsman, Jean Cocteau, NYC, 1949. Via. Right, page from Kate Zambreno, Author Photo, Part One, in Screen Tests, 2019. Via.

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LM: What role does the representation of gender play in your work? Does it make a difference to you when you perform, as an Asian woman, naked and all by yourself on the stage, or when you perform with apparently neutral objects?

GJ: Being naked on the stage is like wearing the costume of nakedness. I guess it is different from being naked on the street, in the metro, or in any kind of public place. Doing something onstage, in front of people, feels like being naked anyway, and in Find, Select, Copy and Paste, I am literally naked. I have often thought performing onstage is like becoming a victim of a ritual. So, I think nakedness suits performances in some contexts where we can realize the body itself is a material. When I’m onstage, I can forget that I am naked because I do not see myself and I am busy with the task at hand; only when I see a photo or video documentation of my performances later do I realize how naked I was.

Geumhyung Jeong, interviewed by Lisa Moravec, “The Body Is the Only Object”, for Spike, July 24, 2024.

[news2pjm]

JEANNE MORISSEAU : VOLTIGE DE L'AMOUR

Il y a quelque chose D’abyssal chez Jeanne Morisseau Quelque chose de l’ordre si j’ose dire Des perdants magnifiques Parce que ça déborde C’est souvent Trop, trop Beau et Haut

Prenez son nouvel album par exemple Les battements d’ailes qui paraît En cette fin d’année via Ulule* C’est un long voyage de Pas moins de 16 titres Et de 67 minutes Un album Presque double Donc qui alterne quasi Tout du long, pour simplifier Entre morceau parlé style poème Mis en musique et morceau chantant Quasi pop-rock avec l’attelage classique Je dis simplifier parce que ça déborde Là aussi et au final dans la seconde Moitié du disque les frontières Entre ce qui pourrait apparaître Comme deux approches musicales Différentes s’estompent et se mélangent

Et hop grande voltige de l’amour entre Grande voilure et mise à nu, entre Envol extase et atterrissage Il y a quelque chose D’abyssal chez Jeanne Morisseau Quelque chose de l’ordre si j’ose dire De la bravoure des premiers albums De The National qui viendrait S’enamourer du côté dreamy Et sépulcral du catalogue de 4AD, de This Mortal Coil Donc aux Cocteau Twins

C’est particulièrement notable Sur le morceau introductif "L’eau qui coule en moi" Ainsi que sur "Les élans" Et "La tiédeur du temps" Oui, comme si ce qui unissait La chanson folk et la musique Liturgique médiévale baroque Trouvait là son point d’orgue Et que les élans combatifs et Printaniers de la bande à Matt Berninger se teintaient de notes Plus cold et incantatoires comme C’est aussi le cas dans le titre "Quand la cigogne mère Un ange à nos côtés"

Et ça lui fait du bien A cet album et à Jeanne D’avoir trouvé la jonction Comme ça nous en fait à nous Alors comme tendres et épris L'un de l'autre on se laisse Aller à la suivre jusqu’au Bout de ce grand disque Sans aucun doute son Meilleur à ce jour

Il y a quelque chose D’abyssal chez Jeanne Morisseau Et je ne parle pas de Jeanne Morisseau Je parle de ce qui déborde fluidamment Quand les parfums, les couleurs et Les sons se répondent comme Chez Patti, comme chez Rimbaud, comme chez Ricky, comme chez Peu d’autres

Et la présence à ses côtés De Christophe Jouanno** Pour 7 des 16 compos, de Philippe Thiphaine aux*** Guitares additionnelles Et Jean-charles Versari Au voice recording n’est Pas étrangère à la pleine Réussite de cet objet aux Airs de "galette d’épeautre Dont nul n’a plus besoin" Comme elle le chante Au cœur du disque Dans "Le voilier Rentre au port" Un texte fort

Alors oui, on la suit Comme eux on la suit Le talent attire le talent Là où croît le danger croît Aussi ce qui sauve**** alors On est peut-être peu mais Hold the line, on la suit

On la suit avec un calme ardent Tournant avec un calme ardent Les pages de contes et chants Qui seraient la vie même Tournant les vagues et Ailes de ces morceaux Psaumes poèmes vibrant De longues et lentes guitares Cathédrales, tournant tout ça Jeanne et son double Annjee amor issue, tel Un interlude, une virgule Et un temps suspendu Dans la vastitude du mystère

S’y dessine et déploie comme les mythes Et légendes de la sensibilité perception De l'autre monde qui n'est autre que Celui-ci révélé, où tout n’est que Vide, pleins et déliés et là Encore, ça déborde Alors entre eux Les oiseaux Rigolent

*sa campagne est remportée mais encore en cours alors faite qu'elle soit une gagnante magnifique, merci

https://fr.ulule.com/les-battements-d-ailes-jeanne.../

**déjà guitariste-arrangeur de ses précédents albums autoproduits, notamment Les noisettes folles (2001) et T’es ma branche (2006)

***guitariste du groupe Heliogabale

****citation tubesque du poète et philosophe allemand Friedrich Hölderlin (1770 - 1843)

(Photo par Sf le 10 12 2023)

[leblogdemarinaetjm]

SAMEDI 27 MAI 2023 (Billet 1 / 3)

« SARAH BERNHARDT / Et la femme créa la star »

Nous y sommes allés mardi dernier à l’heure du déjeuner et nous avons beaucoup aimé cette Exposition consacrée à Sarah Bernhardt, une figure emblématique du théâtre français de la fin du XIXe au début du XXe siècle. Elle fut l'une des plus grandes actrices de tous les temps, une interprète mythique des plus grands dramaturges comme Racine, Shakespeare ou Edmond Rostand. Jean Cocteau inventa pour elle l’expression « monstre sacré ». Célèbre pour son talent exceptionnel mais aussi pour son style de vie flamboyant.

L'Exposition est organisée de manière chronologique, permettant de suivre l'évolution de sa carrière depuis ses débuts jusqu'à sa consécration en tant que comédienne renommée. Des photographies, des affiches, des costumes et des objets personnels (plus de 600 œuvres) sont exposés, offrant un aperçu captivant de sa vie sur scène et en dehors.

Mais l'Exposition ne se limite pas à sa carrière théâtrale, elle explore également ses talents multiples en tant que sculptrice et peintre. Des sculptures et des tableaux créés par elle sont exposés, révélant son talent artistique et sa créativité.

De plus, l'Exposition met en évidence l'influence durable de Sarah Bernhardt sur le monde du théâtre et de la culture en général. Son style de jeu novateur, son charisme et sa personnalité extravagante ont fait d'elle une icône et ont inspiré de nombreux artistes par la suite.

L'Exposition met également en évidence l'influence de Sarah Bernhardt en dehors du monde du théâtre. Elle était une femme engagée et avant-gardiste, qui s'impliquait dans des causes sociales et politiques importantes de son époque. On découvre comment elle a utilisé sa renommée pour défendre des idéaux tels que les droits des femmes, la liberté d'expression et la justice sociale.

Notre conseil : Si vous voulez apprécier au mieux cette Exposition, nous vous conseillons formellement 1. de ne surtout pas venir un week-end, 2. de choisir plutôt l’heure du déjeuner et enfin, 3. d’opter pour une visite guidée. C’est ce que nous avons fait et ne l’avons pas du tout regretté.

Il y a beaucoup d’œuvres exposées et notre guide (c’était une femme, elle a un micro et nous un casque, ce qui est très pratique car on peut bouger et s’éloigner un peu du petit groupe, nous étions 5…), a déjà fait une sélection des œuvres qu’elle va commenter. Malgré cela, la visite a quand même duré 1 heure et demi. Mais rien ne vous empêche ensuite de retourner dans l’Exposition et de vous attarder ici ou là…

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MUSÉE DU PETIT PALAIS, Paris 8e Du 14 avril 2023 au 27 août 2023 Tarifs : Entrée 15€ / Supplément visite guidée : 7€ Tous les jours (sauf lundi et jours fériés) 10h-18h, vendredi et samedi jsq 20h

La réservation sur Internet : fortement conseillée.

Station de Métro : Franklin Roosevelt

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Après la visite nous avons voulu déjeuner dans le charmant petit salon de thé du Petit Palais. Ils ont changé la carte et les propositions salées ou sucrées sont très sympas. Malheureusement, à 14h30, il y avait un monde fou qui faisait la queue.

Du coup, nous avons remonté les Champs pour retourner à l’« Alsace », pas très loin de notre station de Métro, mais le fond de l’air était trop frais pour manger sur la terrasse, même couverte du restaurant.

Finalement nous avons atterri à l’« Entrecôte », rue de Marignan, juste en face de l’ex-Pizza Pino, en plein travaux. L’« Entrecôte » est une imitation du « Relais de l’Entrecôte », rue Marboeuf… et c’est UNE CATASTROPHE ! La formule semble la même : une entrecôte découpée, servie avec des pommes allumettes, accompagnée de la fameuse sauce dont la recette est secrète… mais qui n’a rien à voir avec l’original ! Heureusement les pommes allumettes n’étaient pas trop mauvaises, c’était déjà ça !

[princesssarisa]

Prince Avenant - an old-fashioned word for "good-looking", literaly means "looks pleasant and friendly"

No wonder Jean Cocteau used this name for Beauty's handsome but antagonistic suitor in the classic 1946 La Belle et la Bête! (The prototype character for Disney's Gaston.)

Prince Alidor - not an expert in etymology but a brief search tells me it comes from te Latin "aldo" which means "old" or "ancient". While very rare today it was a common fictional name in the 17th century of France.

Nicolas Isouard's opera Cendrillon uses this name for the counselor/magician who takes the place of the Fairy Godmother. The libretto for Rossini's later and now better-known Cinderella opera, La Cenerentola, is based on the libretto of Isouard's version, and Latinizes the name as Alidoro. Since "ali d'oro" means "wings of gold" in Italian, I've seen that meaning applied to the La Cenerentola character's name, because it suits his "guardian angel" role.

When @paexgo-rosa asked me about the meanings of the Disney Princes names, I wasn't able to give one for Cinderella's Prince, because the Disney version doesn't name him.

I don't like to call him Prince Charming: that's just a cultural nickname for all fairy tale princes.

Fortunately, there are plenty of other Cinderella adaptations that do give the prince a name, so I thought I'd share those names' meanings.

Christopher (his name in every version of Rodgers and Hammerstein's musical, and presumably Disney's 2015 film too, since "Kit" is usually short for Christopher): "Bearer of Christ."

Henry (his name in the Faerie Tale Theatre adaptation and the film Ever After: A Cinderella Story): "Home ruler."

Charles (the film The Glass Slipper and the anime Cinderella Monogatari): "Free man."

Charmont (Massenet's opera Cendrillon and the book and film Ella Enchanted): "Charming."

Ramiro (Rossini's opera La Cenerentola): "Renowned councilor" or "great judge."

Arthur (the Muppets' Hey, Cinderella!): "Bear" or "bear king."

Edward (the film The Slipper and the Rose): "Wealthy guard."

John (the anime My Favorite Fairy Tales): "God is gracious."

Felipe (the series Happily Ever After: Fairy Tales for Every Child): "Horse lover."

Nicolo (the musical A Tale of Cinderella): "Victory of the people."

Leonhard (the Märchenperlen adaptation): "Brave as a lion."

Viktor (the Sechs auf einen Streich adaptation): "Victorious."

Theodore (Deutscher's opera): "Gift from God."

Sebastian (Lloyd Webber's musical): "Revered."

Robert (the Sony/Amazon movie musical): "Bright fame."

For that matter, let's look at the meanings of his full name in the Rodgers and Hammerstein musical:

Christopher Rupert Windermere Vladimir Karl Alexander Francois Reginald Lancelot Herman Gregory James

Christopher: "Bearer of Christ."

Rupert: "Bright fame."

Windermere: "Winand's lake."

Vladimir: "Great ruler" or "peaceful ruler."

Karl: "Free man."

Alexander: "Defender of mankind."

Francois: "Frenchman."

Reginald: "Ruler's advisor."

Lancelot: "Javelin" or "servant."

Herman: "Army man."

Gregory: "Vigilant."

James: "Heel-grabber" or "supplanter."

[labadira]

La Badira   I   Jean Cocteau Suite

Each of our 6 Legend suites with an area of 160 m2 will give you a unique experience. The private swimming pools overlooking the sea and heated in winter, will bring you zenitude and serenity. In the cold season, you will relax by the fire, near the fireplace.

Grand French artist who marked the XXth century, Jean Cocteau was the visionary and impresario of his time.

Charmed by Hammamet, which at that time was a small fishing town, Jean Cocteau stayed there several times and was inspired to create his literary and artistic works.

To art and serenity lovers, the Suite Jean Cocteau will seduce you with its unique atmosphere and will transport you into the artistic world of the 50s !

Concept

Suites

Dining

SPA by Clarins

Events

Experiences

Contact

[la-cocotte-de-paris]

I'm feeling in a ✨social✨ mood so if anyone likes L'Aigle à deux têtes then I made a playlist inspired by it! :)

[possiblu]

songs to smoke on the back porch to

delicious things - wolf alice

pretty girlz - willow

sad girl - lana del rey

blue jeans - lana del rey

holy - king princess

why do i cry - margo guryan

in a sentimental mood - duke ellington and john coltrane

cocaine blues - nick drake

more than a woman - bee gees

groupie love - lana del rey

nutshell - alice in chains

the blackest day - lana del rey

the beack ii - wolf alice

blue light - mazzy star

how to disappear - lana del rey

dark but just a game - lana del rey

mystery - jesse jo stark

tulsa jesus freak - lana del rey

art deco - lana del rey

dealer - lana del rey

thunder - lana del rey

female energy pt 2 - willow

stargirl interlude - the weeknd

cinnamon girl - lana del rey

get free - lana del rey

coolest place in the world - suki waterhouse

wild at heart - lana del rey

lovers rock - tv girl

sea, swallow me - cocteau twins

teenage blue - dreamgirl

black bathing suit - lana del rey

cupid - alexandra savior

dandelion - jesse jo stark

angel tears - barrie-james

louise - camille jansen

heaven or las vegas - cocteau twins

salvatore - lana del rey

girlie - alexandra savior

andromeda - weyes blood

the archer - alexandra savior

heaven, california - honey gentry

when he's done - tei shi

only in my dreams - the marias

some things cosmic - angel olsen

euphoria - dianna lopez

cherry - lana del rey

the blonde - tv girl

religion - lana del rey

in my feelings - lana del rey

savior complex - phoebe bridgers

vanilla baby - billie marten

mary magdalene - fka twigs

prophet - king princess

nectar of the gods - lana del rey

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for @purpleratbastard