#Jack compte déjà les morceaux | Explore Tumblr Posts and Blogs

befrench · 4 years

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Interview Romane Santarelli [Partie 1]

Comment veux-tu te présenter au personnes qui suivent Be French ?

Je m’appelle Romane Santarelli, j’ai 22 ans, je suis originaire de Clermont et produis de la musique électronique sous ce nom. Je suis avant tout une passionnée de musique, qui se nourrit de plein de genres et je crois que ça se ressent dans ma musique : elle est assez hybride je crois ! J’essaye de raconter des histoires à travers des pièces instrumentales et surtout de laisser l’auditeur se créer la sienne, se créer ses propres images.

Quelles sont les émotions que tu veux retranscrire à travers cette techno douce et enivrante ?

Moi je suis attirée particulièrement vers la musique électronique qui génère une image mentale, une histoire, à travers la musique d’artistes comme Rone, Jon Hopkins, Agar Agar, Nils Frahm. Ils ont cette dimension visuelle et introspective. Comme s’il s’agissait de livres sonores ! J’aime bien l’idée de proposer des sortes de “tableaux”. En fait, je suis synesthète, je m’en suis rendue compte il y a trois ans. C’est peut-être pour ça que je me tourne vers ce genre de musiques inconsciemment.

Mais je suis aussi attirée, et de plus en plus, par la musique qui stimule le corps, qui appelle à la danse, qui a un côté énergique : Chemical Brothers, Modeselektor, Neil Landstrumm… Du coup j’essaye de retranscrire ces deux idées à travers ma musique. Je trouve qu’Aphex Twin a réalisé ça à merveille à travers sa discographie. Je l’écoute beaucoup en ce moment.

Quelles sont tes inspirations ? Et comment tu t’es mise à produire ?

Je crois que dans notre imaginaire, un artiste, il puise son inspiration dans les voyages, les déplacements, les nouveaux horizons. Moi ce n’est pas du tout mon cas, je voyage peu en fait (même si j’aimerais remédier à ça!). En fait, ma principale source d’inspiration elle se trouve tout près de moi : c’est mon entourage, mes relations.

Par exemple avec mon cercle d’amis on passe notre temps à se faire écouter des musiques, à échanger sur ce qui nous touche, à les analyser, à se questionner sur quelle couleur ça nous évoque, quelles émotions ça nous procure… Que ce soit en contexte festif ou au contraire dans des moments de calme, on passe notre temps à faire ça ! Par exemple l’un va arriver et nous lancer un vieux morceau de chanson française, ou de rap, on va tous se poser, écouter silencieusement et à la fin on partage nos interprétations des paroles… Ou on va brancher un multi-jack sur une même source, casque sur les oreilles, puis silence pendant dix minutes et on écoute le morceau. Et on debrief après. C’est assez surprenant et inhabituel je trouve de pouvoir faire ça avec des personnes ! Y’a un côté hyper ludique et à la fois vraiment intime. Vu de l’extérieur ça pourrait même paraître étrange. Mais c’est vraiment une chance pour moi, on peut passer des heures à faire ça. Que ce soit des amis musiciens ou au contraire qui ne le sont pas du tout, réaliser que la Musique, ça les touche autant que moi, et qu’on la perçoit tous d’une manière différente, ça m’intéresse à fond.

Et c’est toute cette démarche de partage qui m’inspire. D’ailleurs les oreilles de mon entourage sont un peu mes cobayes ! Mes parents, mes meilleurs amis, ou même des gens que je peux avoir rencontré il y a peu. Je leur fais écouter mes maquettes et ça me permet d’avoir un recul assez rapidement et d’avancer plus vite. Je suis hyper intéressée de savoir quel élément du morceau va les toucher ou au contraire quel élément il faudrait éclipser selon eux.

Du coup, j’aime bien leur rendre ça, ou du moins je le fais assez naturellement : j’introduis de plus en plus des moments de vie dans mes morceaux, des voix des personnes qui me sont proches que je passe dans des effets, de sorte à ce que ca ne soit pas toujours perceptible dans le rendu. C’est super important pour moi de rajouter cette touche d’émotion dans le “background” de chaque titre. Ça fige un souvenir aussi, un moment de vie.

Et pour répondre à ta deuxième question et bien c’est d’ailleurs un peu comme cela que j’ai commencé de produire, j’avais 16-17 ans, dans ma chambre d’ado avec mon ordi, mon petit clavier midi, on écoutait mes maquettes avec mon meilleur ami d’enfance. Il était hyper enthousiaste, surexcité à l’idée de parler dans un micro. Il y avait un côté vraiment ludique à tout ça ; il me donnait des idées, avec ses mots, et j’essayais de reproduire ces idées. C’était très spontané, ça me fait sourire quand j’y repense.

Enfin, c’est très important pour moi de vivre la musique “physiquement” aussi : dans mon temps libre je me rends très souvent dans des clubs, à des concerts. Ça m’inspire.

Qu’est-ce que tu retiens de tes expériences avec Kawrites et qu’est-ce que cela t’apporte en tant que compositrice solo ?

Les concerts avec Kawrites m’ont apportée beaucoup d’expérience et de maturité, musicalement comme personnellement. C’était une période où le projet était entièrement indépendant et nécessitait une certaine gestion : c’est moi qui démarchait les programmateurs, qui supervisait les tournées, la paperasse des concerts (contrats, déclarations administratives), qui gérait les plannings répètes, résidences, qui m’occupait de toute la promo, des réseaux sociaux, etc.

On voyageait en voiture toutes les deux pour aller jouer à travers la France, on était dans notre petite bulle. Du coup cette phase de vie comportait une certaine beauté mais aussi des limites. Je passais plus de temps sur la gestion du projet, plutôt que sur la partie artistique. C’était vraiment chronophage. Mais j’en garde un souvenir impérissable. Le retour en solo a été brutal, même si c’est moi qui l’ai choisi. J’ai été très angoissée de devoir assumer toutes ces choses-là seule, c’est à dire les choses hors de la dimension musicale : par exemple assumer seule le côté presse, vivre seule les trajets et les concerts.

Composer de la musique seule, ça je l’ai toujours fait, et je l’ai toujours un peu préféré d’ailleurs. Mais tout le reste, la dimension globale d’un projet musical, devoir l’assumer seule, ça m’a apportée beaucoup de troubles. J’étais à deux doigts de tout arrêter. Mais j’ai préféré essayer pour voir si j’en étais capable. Et comme j’ai une bonne étoile, les choses ont commencé de vraiment me sourire à ce moment charnière ! J’ai été approchée par deux personnes incroyables qui sont David mon booker (Mediatone) et Emily mon éditrice (Unicum Music) à la rentrée de septembre 2019. Depuis on travaille ensemble, de manière quotidienne, ils sont impliqués à 200% dans le projet et ça c’est inestimable pour moi. Je n’ai pas du tout cette sensation d’être solitaire donc. Et je peux me concentrer davantage sur la musique, parce que maintenant ce sont eux qui assurent la plupart des côtés de gestion que j’assurais avant. Et ils sont bien plus compétents que moi !!

Je me sens entièrement libre et soutenue. Et je me tourne plus vers d’autres artistes, pour des collab, des remixes.

Qu’est-ce que Clermont-Ferrand représente pour toi ? Qu’est-ce que cette ville t'inspire ?

J’y vis depuis 4 ans maintenant. Clermont-Ferrand c’est un peu une ville-campagne ! Elle comporte une certaine routine, ce sont les mêmes lieux qu’on fréquente, les mêmes gens sur lesquels on tombe, et le milieu musical est assez petit aussi. Du coup je m’y sens bien, et à la fois j’aimerais la quitter, parce que justement cette routine peut vite devenir ennuyante. J’ai déjà fait le tour, depuis un moment. Mais en 10 minutes de voiture, tu peux te rendre dans des paysages magnifiques, et ça c’est vraiment unique. Je suis assez proche de la nature, ça n’a pas toujours été le cas, mais je pars souvent m’éclipser, seule ou accompagnée, dans les paysages alentours.

C’est d’ailleurs mon rituel de veille de concert : l’ascension du Puy-de-Dôme, du Puy du Pariou…! On a prévu d’y tourner un clip d’ailleurs.

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rollingstonemag · 6 years

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INTERVIEW - Wild Nothing vogue sur le calme bleu

Avec ce quatrième album, l’incarné « Indigo », Wild Nothing s’est aventuré à Los Angeles pour mieux cultiver son leitmotiv rock et shoegaze… paroles de Jack Tatum

Comme d’autres formations, telles que Cocteau Twins, The Cure ou encore Beach Fossils et DIIV, Wild Nothing a pour vocation l’invitation au voyage, à l’errance. À la croisée des chemins entre la dream pop et un rock épuré découlant vers les contrées du shoegaze, le groupe originaire de Virginie et formé en 2009 par Jack Tatum brille dès son premier opus, Gemini. En 2012, le fameux défi du deuxième album est largement relevé ; Nocturne est encore et toujours ce que Wild Nothing a fait de meilleur. Si le troisième et jusqu’à récemment dernier album, Life of Pause n’a pas été à la hauteur des espérances – par manque de renouvellement -, Wild Nothing a changé d’environnement, donc de schéma de vie, pour repartir sur de bonnes bases.

Malgré tout, Indigo ne sonne ni dépassé, ni avant-gardiste. Il témoigne d’un temps imprécis, tâtant dans des années et des années d’expériences accumulées…

Que s’est-il passé depuis la sortie de Life of Pause, en 2016 ?

Jack Tatum : Au tout début de l’année 2016, j’ai déménagé à Los Angeles, juste avant la sortie de l’album. Cette dernière tournée m’ayant beaucoup fatigué, j’avais besoin de faire un break. Ce que j’ai fait. Petit à petit, sans même m’en rendre compte, je me suis remis au travail. Puisque c’est aussi ça, être musicien. La frontière entre le loisir et le boulot est souvent délicate. Je me mets à gratter quelques accords et je me rends compte, au bout d’une heure, que je tiens le début d’un probable nouveau morceau. J’écrivais, je composais, je sortais avec des amis… Bref, je vivais normalement. Finalement, cet album a été le plus limpide à concevoir de ma carrière.

Pourquoi ?

J.T : J’étais dans mon propre studio de Glassell Park à Los Angeles, j’y vivais presque ! Je pouvais travailler à mon rythme, sans réelle contrainte. Avec du recul, je sais que la période qui entoure Life of Pause m’a mis beaucoup de pression. J’avais cette fichue impression de stagnation. Qu’il n’y avait pas d’évolution qui me contentait totalement. Je pense même que j’ai en quelque sorte perdu l’essence propre du projet pendant un certain temps… Je vis avec mes disques depuis pas mal de temps déjà… Je me suis avoué intérieurement que certains de mes anciens morceaux ne me correspondaient plus. Qu’ils n’étaient plus miens. Ils appartenaient à un autre temps.

« Je sais que ma musique n’est pas intemporelle. Mais tout ce que je souhaite, c’est qu’il soit difficile de l’identifier à une époque particulière »

Et vous avez eu une nouvelle prise de conscience après ça ?

J.T : Oui. Je me suis vite remis sur pieds et j’ai tout simplement constaté que ces anciens morceaux étaient aussi témoins de l’évolution de Wild Nothing. Ils sont toujours là.

Ça vous a donné envie de revenir…

J.T : Disons que ça m’a vraiment permis d’apprécier le retour en studio, comme un vrai vent de fraîcheur.

L’album Nocturne nous hante encore. Ce morceau, Paradise, est sûrement votre plus grand, qu’est-ce qu’il signifie à vos yeux maintenant ?

J.T : Je continuerai encore à jouer mes anciens morceaux, promis. J’ai toujours cette impression que j’aurai pu mieux faire, qu’il manque quelque chose à un certain titre, une variation d’arrangement, par-ci par-là… Mais cette sensation est normale. On n’est jamais satisfait de notre propre travail. Et l’album parfait n’existe pas.

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Comment s’est passée la production avec le groupe pour Indigo ?

J.T : Je commence toujours par la musique. On dit souvent que la mélodie trace le schéma pour le songwriting. C’est bien vrai ! Quoi qu’il en soit, j’ai retrouvé mes potes Cam Allen et Benji Lysaght au Sunset Sound pour enregistrer les prémices. Ils ont pu ajouter des touches personnelles. Tout est venu plutôt naturellement, la production s’est faite dans une optique de clarté, c’est pourquoi l’album est si « oxygéné, » tu vois… Chaque instrument respire et aucune ligne n’empiète sur une autre. Jorje Elbrecht (qui a produit Ariel Pink et Japanese Breakfast, ndlr) était là pour m’aider à finaliser le disque. Je voulais que la chanson se suffise à elle-même, sans dépendre des autres.

De quoi parle cet album ?

J.T : Tous mes précédents disques sont des collections de chansons, sans un concept en particulier. Indigo est, en revanche, très romantique. Il parle beaucoup du fait de s’installer quelque part, d’y rester, d’y faire sa vie. Il y a des chansons d’amour, qui parlent de vivre au jour le jour. J’ai aussi pensé à la manière dont l’album pouvait vieillir. Je sais que ma musique n’est pas intemporelle. Mais tout ce que je souhaite, c’est qu’il soit difficile de l’identifier à une époque particulière. À mon sens, le disque sonne actuel et aussi dépassé. C’est ce qui fait que j’en suis fier.

« Si je n’avais pas fait de musique, je pense que j’aurais repris des études d’arts graphiques »

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Vous avez été bercé par quelles influences ?

J.T : On me pose souvent cette question. J’ai toujours eu du mal à identifier mes influences les plus flagrantes. Écouter de la musique, ça a toujours été l’étincelle de mon processus créatif, comme une évidence…

Disons que Wild Nothing est plutôt difficile à étiqueter.

J.T : Vous trouvez ? C’est peut-être vrai… À vrai dire, il me semble que les genres en musique commencent par s’effriter, se mêler. Dans le sens où un groupe de rock peut très bien approcher l’electro, le rap virer à l’acoustique… Bon, si je devais vous donner mes principales lignes directrices, je pourrais dire Roxy Music, qui m’a apporté des conseils en terme de production. J’aime beaucoup Kate Bush aussi. Je suis attaché à l’énergie que peut transmettre le pop-rock britannique, particulièrement celui de la fin des années 70. C’est assez indémodable. Sinon, j’admire des compositeurs comme Ennio Morricone. Il arrive très bien à capturer l’image d’un film avec la bande-son. Aucun mot, juste la musique.

Wild Nothing composerait la bande-originale parfaite pour un film de Gregg Araki…

J.T : Pourquoi pas ! Je suis un grand fan d’Araki. Mais vous savez, c’est loin d’être la même partie de plaisir, c’est une manière de composer radicalement différente, il faut s’adapter à l’image. Si ça pouvait marcher avec Wild Nothing, c’est parce qu’il y a un leitmotiv dans notre musique, avec les mélodies, les instrumentations… Tout est très aérien. Parfait pour un film indé assez obscur. *rires*

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Qu’est-ce qui se cache derrière la pochette ?

J.T : Si je n’avais pas fait de musique, je pense que j’aurais repris des études d’arts graphiques. Je suis passionné par l’art japonais, celui des 70’s. Tout comme le propos de l’album, la pochette n’est pas ancrée dans un contexte particulier. Il n’y a pas de message caché. Juste des formes géographiques, ça rappelle les vieilles pochettes de disques poussiéreux, trouvés au fond d’un rayon de disquaire. Et il y a cette couleur, bleutée, qui se répand…

L’indigo ? On dit souvent que le bleu apaise, soigne, qu’il communique une sensation onirique.

J.T : C’est aussi pour ça que l’album porte ce nom. Sa méthode de conception est saine, je m’y sens bien. L’indigo est ma nouvelle couleur spirituelle. Ce mot, pour qualifier l’album, est venu en toute logique. J’ai hâte de faire vivre ses morceaux sur scène.

Un passage en France de prévu ?

J.T : On entamera une grosse tournée américaine cet automne. Je pense que nous attaquerons l’Europe, donc la France, au début de l’année prochaine.

Pochette de l’album « Indigo » de Wild Nothing

Indigo, de Wild Nothing, disponible le 31 août via Captured Records.

Propos recueillis par Samuel Regnard

#indigo #interview #wild nothing

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lookatthescreen · 4 years

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Chronique #7 - La ville de l’Amour, à la hauteur de sa réputation ? (Thème du mois d’avril - Paris fait son cinéma)

“A Paris, les gens font l’amour, pas forcément mieux, mais certainement plus souvent. Ils le font n’importe quand, n’importe où, sur la rive gauche, la rive droite et même entre les deux” dit Maurice CHEVALIER dans Ariane, de Billy WILDER (1957). Paris serait-elle donc le symbole d’un idéal romantique, notamment au cinéma ?

love in the afternoon (Extrait de 1’08 à 3’06)

Pourquoi Paris ? Car Paris est la ville des écrivains romantiques du 19e siècle, elle est la ville que l’on associe à l’Art, au luxe, au raffinement. Paris possède le Musée de la Vie romantique, le Pont des Arts et ses cadenas, le mur des Je t’aime de Montmartre… Tous ses éléments (factuels ou non) font de Paris une ville romantique dans l’inconscient collectif. Or, le cinéma joue beaucoup sur le référentiel commun (une image est associée à la même chose pour tout le monde). Ce référentiel commun permet de donner lieu à des récurrences, que l’on appelle clichés (qui enrichissent eux-mêmes le référentiel commun). Ainsi, pour le monde entier, l’amour, c’est à Paris.Paris, c’est tout d’abord la ville des rencontres amoureuses. Les étrangers viennent à Paris et y tombent amoureux, comme si c’était une évidence.

Dans Un Américain à Paris (Vincente MINNELLI, 1951) Gene KELLY, américain expatrié, rencontre Leslie CARON, danseuse française.

C’est à Paris que Rick et Ilsa (Humphrey BOGART et Ingrid BERGMAN) vivent leur amour avant de se retrouver au Maroc dans Casablanca (Michael CURTIZ, 1942).

Pourquoi ces parties d’histoire se déroulent-elles à Paris, alors qu’elles pourraient se dérouler ailleurs ? Parce que cela donne de la force à l’amour des personnages, cela rend leur histoire encore plus irréelles.

Dans Minuit à Paris de Woody ALLEN, c’est grâce à la magie parisienne que Gil rencontre la femme qui lui correspond. Pour Woody Allen, Paris est plus qu’un prétexte à l’amour. « Ma lettre d’amour à Paris », c’est ainsi que Woody ALLEN a pensé son film. Et il y a réuni tout ce qui rendait la ville si unique : l’amour et la fantaisie, la culture et les femmes, la décontraction et le passé chargé d’Histoire.

Dans Les Enfants du paradis (Marcel CARNÉ, 1945), Paris est véritable personnage, qui sert et dessert les amours de Garance et Baptiste. Tout d’abord vers le début du film, Garance fait la rencontre de Frédéric sur le Boulevard du Crime (Grands Boulevards) où il tente de la séduire, Garance moqueuse, lui rétorque qu’ils se reverront bientôt car “Paris est tout petit, pour les gens qui s’aiment comme nous d’un aussi grand amour.” Plus tard dans le film, lorsque Baptiste et Garance s’avouent enfin leur amour, ils se trouvent dans les rues pavées de Montmartre, à leur pied la ville illuminée dort. Mais c’est aussi la foule parisienne qui les séparera, alors que Garance quitte Baptiste, ce dernier essaye de se frôler un chemin parmi les festivités du Carnaval sur le Boulevard du Crime, pour rattraper sa bien-aimée. Mais Garance disparaît dans une calèche…

Les Enfants du Paradis - Extrait 1

Parfois, c’est la ville en elle-même qui est la raison de la rencontre amoureuse. C’est le cas dans Paris au mois d’août, où Charles AZNAVOUR aide Susan HAMPSHIRE à se repérer dans la ville. Si parfois Paris est vecteur de rencontres, c’est aussi une ville les personnages se rendent compte de leur amour, se l’avouent, le remettent en cause ou le vivent tout simplement pour la première fois…Dans Drôle de frimousse, les personnages se rendent à Paris pour des raisons professionnelles. C’est à Paris que les deux héros, new-yorkais, tombent amoureux. Le film, qui s’affirme comme comédie musicale romantique, nous présente donc Paris, ce lieu, si important pour l’histoire . En effet, dès leur arrivée à Paris, les personnages prétextent la fatigue pour rentrer au plus vite à leur hôtel mais ce n’est que pour mieux partir chacun de leur côté découvrir la Ville Lumière qui les impressionne tant. Ils entament alors l’un des morceaux de comédie musicale les plus connus : “Bonjour, Paris”. En chantant leur enthousiasme pour la ville, des Champs Elysées à l’Opéra Garnier, en passant par Montmartre et bien sûr la Dame de Fer, les trois protagonistes sillonnent Paris… et nous présente le cadre de leur amour !

Funny Face (1957) - "Bonjour Paris" Song - Audrey Hepburn & Fred Astaire (4 of 10)

Dans le comédie française, Populaire de Régis ROINSARD, Rose et Louis, se plaisent, le spectateur le sait mais pas eux… c’est alors qu’ils viennent à Paris pour un concours dactylographique auquel doit participer Rose, que les deux protagonistes passent leur première nuit ensemble... eux aussi Paris les aura eu !

Paris peut être aussi la ville de la seconde chance. En effet dans 2 jours à Paris, un couple revient de vacances à Venise, elle est française, il est américain… pendant ces deux jours, toute leur relation va être remise en question suite à des retrouvailles, des rencontres et à l’ambiance parisienne plus qu’étrange aux yeux de cet américain désopilant. Mais malgré tout cela, l’amour de Jack et Marion se révèle plus fort que tout et ces deux jours dans la ville de l’Amour n’aura fait que le renforcer !

Ou encore dans Before Sunset, Céline et Jesse se retrouvent 9 ans après avoir vécu une brève aventure à Vienne… En quelques heures, ils sillonnent les rues de Paris, en refaisant le monde, se racontant leur vie et retrouvant leur amour enfoui mais toujours là.

Paris, c’est aussi des lieux emblématiques du romantisme, qui en deviennent clichés mais qui parlent au spectateur puisque ces lieux font partie de ce référentiel commun. Les personnages passent par ces lieux, on les reconnaît et avant même que le baiser n’arrive, on sait qu’il va avoir lieu.

Les bords de Seine en sont un bon exemple. En plus de faire partie des lieux reconnaissables de Paris, car étant un lieu de rendez-vous des touristes, l’eau à son importance. Déjà dans la littérature romantique, le cadre bucolique, naturel est privilégié. LAMARTINE se torture, le coeur brisé, près du Lac du Bourget. Ces mêmes schémas se sont développés au cinéma (n’est ce pas dans la campagne française, au bord de l’eau qu’Audrey HEPBURN et Fred ASTAIRE se déclarent leur amour et se retrouvent pour le sceller ?).

Dans Un Américain à Paris, Gene Kelly chante “Our love is here to stay” à Leslie CARON, après avoir flirté avec elle. C’est sur les bords de Seine qu’il lui déclare son amour.

Gene Kelly & Leslie Caron - "Our Love is Here to Stay" - 'An American in Paris' (1951)

Il en va de même pour Minuit à Paris de Woody ALLEN. Où se trouve Owen WILSON, quand il invite Léa SEYDOUX à boire un verre ? Sur un pont, au bord de la Seine. Une fois encore, l’eau et donc à Paris, les bords de scène sont le lieu de la concrétisation amoureuse.

Pour reprendre l’exemple de Paris au mois d’août, les deux personnages flânant dans les rues parisiennes, arrivent aux bords de Seine et c’est alors que la jeune anglaise avoue son rêve de se baigner dans “l’eau de Paris” et elle essaye de convaincre son partenaire, sans grand succès, heureusement pour elle… C’est alors un exemple de la fascination de l’étranger pour tout ce qui rattache à Paris.

Dans Bastille, court-métrage d’Isabel COIXET, inclut dans Paris, je t’aime, Sergio veut annoncer à sa femme qu’il la quitte pour sa jeune maîtresse. L’intrigue est racontée en voix off, avec des images illustrant les propos. La séquence qui montre Sergio avec sa maîtresse se situe au bord de la Seine, dans le 12e arrondissement de Paris. L’eau et la passion font donc bon ménage.

Les lieux romantiques de Paris, se sont aussi ses monuments historiques. Premièrement les faire apparaître dans les films permet au spectateur de reconnaître immédiatement la ville. Mais certains de ces monuments ont aussi une symbolique profondément romantique. Prenons en exemple Notre Dame de Paris. Ce lieu religieux gagne son statut romantique avec Victor HUGO et son roman du même nom. Cela s’étend au cinéma avec les adaptations dudit roman.

Qui ne se souvient pas de Gina LOLLOBRIGIDA en Esmeralda, dansant langoureusement sur le parvis de la Cathédrale, sous l’oeil inquisiteur mais néanmoins luxurieux d’Alain CUNY en Frollo, dans la version de Jean DELANNOY en 1956 ? Même Disney, grand spécialiste des princesses et des films d’amour tout rose, s’empare de Notre-Dame de Paris.

Dans le Woody ALLEN, Tout le monde dit “I love you”, au beau milieu de la nuit, sur les quais de Seine, Joe BERLIN et Steffi DANDRIGE se retrouvent. Après un réveillon endiablé, leur ancienne histoire d’amour semble renaître, presqu’aussi intacte qu’au premier jour. À deux pas du Pont de la Tournelle et de Notre-Dame, leur danse romantique se transforme en un envol poétique inoubliable sur l’air de la chanson « I’m Through With Love ».

Everyone says I love you - I'm Thru with Love by Goldie Hawn

Son aspect romantique est tellement présent qu’on finit même par oublier que c’est un lieu de culte avant tout.

Paris incite tant à l’amour, que même les lieux les plus insolites sont le théâtre de passions amoureuses au cinéma. Un cimetière est un lieu un peu étrange pour y raconter une histoire d’amour, encore plus un voyage de fiançailles. C’est pourtant ce que fait Wes CRAVEN dans Père-Lachaise (court-métrage inclut dans Paris, je t’aime) où un couple se dispute puis se réconcilie dans le cimetière. A Paris, tout est romantique !

Pour clore cette chronique, nous parlerons du court-métrage Rendez-vous de Claude Lelouch, dans lequel à bord d’une Ferrari, il traverse Paris à une vitesse grand V, brûlant tous les feux rouges, pour retrouver son amoureuse… cela nous donne l’occasion de voir la ville se réveiller et encore une fois… pour que l’amour triomphe.

Claude Lelouch Rendezvous - Ferrari racing through the streets of Paris

Tout cela montre ainsi l’engouement et l’amour que suscite elle-même la ville grâce à ses mille facettes, aux yeux des étrangers mais aussi des Français. Le cinéma est aussi là pour faire rêver et quoi de mieux que l’Amour dans la ville du romantisme pour un combo parfait ?

Chronique écrite par Lucie Basso de March et Eva Guiomar

#chronique #cinema #film #paris

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laurent-bigot · 5 years

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JUDY GARLAND

Judy Garland à l'instar d'un James Dean ou d'une Marilyn Monroe, est entrée trop tôt dans la légende du cinéma. Personnalité fragile et dépressive, elle n a pas pu surmonter les profondes crises qui entraînèrent sa fin prématurée. Par sa carrière exceptionnelle commencée dès sa plus tendre enfance aussi bien que par sa mort précoce, à quarante-sept ans à peine, Judy Garland est devenue un mythe du monde du spectacle. Perfectionniste et tourmentée, elle fut la victime de son propre succès, payant de sa santé et, pour finir, de sa vie l'adulation qu'elle suscita. Sans la moindre pitié. elle fut, toute sa vie durant, jetée en pâture au public avide de tout savoir sur elle. Un talent précoce Judy Garland, de son vrai nom Frances Gumm, naquit à Grand Rapids, dans le Minnesota, le 10 juin 1922. Ses parents, Frank et Ethel Gumm, avaient été acteurs de variétés avant de devenir exploitants d'une salle de cinéma. C'est peut-être pour réaliser, à travers ses enfants, ses ambitions déçues que la mère de Judy organisa avec ses deux filles aîn��es un spectacle qui servait d'attraction entre les deux films au programme. Comme le veut la légende, Baby Gumm (c'est ainsi qu'on avait baptisé Frances, la plus jeune et la plus choyée des enfants) débuta à l'âge de trois ans, soulevant l'enthousiasme du public par son interprétation de "Jingle Bells". A onze ans, Baby Gumm changea de nom. Les deux sœurs, en effet, engagées pour un spectacle à Chicago, se laissèrent convaincre par le présentateur George Jessel d'adopter le nom de Garland qui, selon lui, sonnait beaucoup mieux que Gumm. Un peu plus tard, Frances adopta le prénom de "Judy", emprunté à une chanson à succès de Hoagy Carmichael. Pour faire entrer ses filles dans le monde du cinéma, Mme Gumm n'avait pas ménagé sa peine. Pourtant, en 1929, tout ce qu'elle avait pu obtenir, c était de les voir apparaître dans un court métrage intitulé : The Old Lady and the Shoe. L'engagement à la MGM En 1934, cependant, Judy Garland avait été pourvue d'un agent, Al Rosen, et comptait un admirateur, au moins, au sein de la MGM, en la personne de Joseph Mankiewicz. L'un et l'autre réussirent à lui obtenir une audition. Judy fut paraît-il convoquée séance tenante et il n'est pas douteux que cette invitation impromptue stimula la vivacité et la spontanéité de la petite fille. Elle frappa d'ailleurs à tel point Ida Koverman, l'influente secrétaire de Louis B. Mayer, et Jack Robbins, le talent-scout de la firme, qu'ils rappelèrent immédiatement le pianiste du studio, Roger Edens et Mayer lui-même, qui lui offrit un contrat sans lui faire faire le moindre bout d'essai, ce qui constitue un fait sans précédent ! Les jours de Judy à la MGM commencèrent sous de tristes auspices avec la mort soudaine de son père. En dépit de ce deuil, Judy qualifiera plus tard cette période de "perpétuel éclat de rire". Les lois sur le travail des mineurs imposant aux firmes qui les employaient de pourvoir à leur instruction, Judy rejoignit sur les bancs de classe Lana Turner, Jackie Cooper, Deanna Durbin et Freddie Bartholomew. Ses premières apparitions à l'écran remontent à cette époque ; elle donna la réplique à Deanna Durbin dans le court métrage Every Sunday (1936) et la même année, dans Pigskin Parade, un musical ayant pour cadre un collège où trois chansons chantées par Judy Garland lui valurent quelques critiques favorables. La MGM n'avait pas de projets très précis pour elle. On doit à Roger Edens d'avoir mis sur pied le plan qui permit à la grande compagnie de réaliser enfin quelle mine d'or Judy pourrait représenter pour elle : pour la party que donna Clark Gable sur le plateau de Parnell (La Vie privée du tribun, 1937) à l'occasion de son trente-sixième anniversaire, Edens conçut une version spéciale de "You Made Me Love You" confiant à Judy Garland le rôle d'une fidèle admiratrice écrivant à son idole, prétexte au délicieux monologue "Dear Mister Gable", Clark Gable fut profondément touché et la MGM inséra immédiatement ce numéro dans Broadway Melody of 1938 (Règne de la joie, 1937) : Judy Garland était lancée ! Judy joua ensuite dans Thoroughbreds Don't Cry (1937) partageant la vedette avec Mickey Rooney (ils devinrent dès lors de très bons amis) puis dans Listen, Darling (1938) avec Freddie Bartholomew. Dans Everybody Sing (1937), elle apparut au côté de Fanny Brice, la grande vedette de Broadway. Dans tous ces films, Judy Garland chantait et le public se laissait prendre par le charme de sa voix dont l'étendue, la force et la maturité lui permettaient d'interpréter de grands morceaux du répertoire, comme "My Man" de Fanny Brice. Toutefois, les directeurs musicaux de la MGM, où déjà Arthur Freed était d'un grand poids, préférèrent exploiter son humour et sa vivacité dans des chansons du genre "Swing, Mr. Mendelssohn" et "Zing Went the Strings of My Heart". Elle retrouva ensuite Mickey Rooney avec lequel elle tourna trois films de la série Andy Hardy. La grande occasion C'est d'ailleurs au cours de ces années que l'occasion lui fut offerte de s'affirmer définitivement et de lier son nom à une chanson qui deviendra, tout au long de sa carrière, son grand cheval de bataille : "Over the Rainbow". En 1900, la collection de livres pour enfants "Oz", écrits par L. Frank, apparut sur le marché où elle fit rapidement partie des best-sellers. En 1925, le cinéma s'en empara, tournant une version muette de "The Wizard of Oz" avec Larry Semon et Oliver Hardy. La MGM était disposée à engager deux millions de dollars pour réaliser une nouvelle version en couleurs avec Shirley Temple pour vedette mais celle-ci, indisponible, fut alors remplacée par Judy Garland. Après quelques difficultés et hésitations sur le choix du metteur en scène, Victor Fleming se vit confier la réalisation du film : il fut tourné en 1939, la même- année que Gone With the Wind (Autant en emporte le vent). Grâce à son scénario intelligent, aux excellents effets techniques et à l'interprétation de premier ordre, The Wizard of Oz (Le Magicien d'Oz) fut une réussite totale et, surtout, le premier grand succès personnel pour Judy. Le public l'aimait énormément pour sa gaîté, son entrain, sa spontanéité et sa nature attachante. Toutefois, sa vie privée était troublée par l'extrême tension à laquelle la toute jeune actrice était soumise. Son irrésistible joie de vivre se manifestait également par un robuste appétit. Mais son métier exigeait un sévère contrôle de sa ligne et c'est à contrecœur qu'elle dut se soumettre aux prescriptions de Mayer qui veillait personnellement à son régime. Judy découvrit en outre que même sa vie privée était placée sous contrôle et que l'ami fidèle avec lequel elle était allée vivre dans un petit appartement était payé par la firme pour l'espionner et rendre compte de chacun de ses gestes ! Il en allait d'ailleurs de même avec sa mère. Pour combattre son irrésistible appétit, on lui administra un nouveau médicament alors en vogue, la benzédrine, dont les effets euphorisants étaient combattus à l'aide de somnifères. Cette lamentable "thérapie" engendra une "dépendance" qui fut le cauchemar de sa vie et entraîna sa mort tragique. Le public en avait fait son idole, et la MGM l'exploita à fond, sans le moindre ménagement. Dès lors Judy n'allait plus cesser de payer le tribut de son succès, toute vie privée devenant impossible. Mayer et la MGM ne cachèrent d'ailleurs même pas leur déception quand, en 1941, elle épousa le chef d'orchestre David Rose et de toute évidence ne firent rien pour sauver l'inévitable faillite de son mariage. . Au cours des trois années qui suivirent, Judy Garland tourna plusieurs comédies musicales à succès : Ziegfeld Girl (La Danseuse des Folies Ziegfeld, 1941), For me and my gal (Pour moi et ma mie, 1942), Presenting Lily Mars (Lily Mars, vedette) et Thousands Cheer (La Parade aux étoiles), l'un et l'autre de 1943. Meet Me in St. Louis (Le Chant du Missouri), réalisé en, 1944 demeure aujourd'hui encore, la plus séduisante comédie musicale de la MGM. Dans ce film, outre. ses inoubliables chansons, Judy Garland apporte la preuve d'un talent dramatique qui s'est alors affirmé avec force, et s'intègre parfaitement dans l'interprétation évoquant une famille américaine du début du siècle. Le réalisateur de Meet Me in St. Louis était Vincente Minnelli que Judy épousait au mois de juillet 1945 avec, cette fois, l'approbation unanime de la MGM (Liza, leur fille, naîtra l'année suivante mais l'accouchement ne fera qu'aggraver l'état de santé de Judy). Cette même année, Minnelli la dirigea dans The Clock (L'Horloge) ; c'était la première fois que l'actrice abandonnait la comédie musicale, puis dans un bref épisode de Ziegfeld Folies (1946) et dans The Pirate (1948) dont le premier rôle masculin revenait au jeune Gene Kelly. Vers la névrose Malgré la fatigue de plus en plus évidente de Judy, la MGM se montra peu compréhensive avec sa vedette, acceptant très mal son état de santé, son manque de ponctualité, ses absences répétées et ses constantes sautes d'humeur. Elle tomba malade pendant la tournage du Pirate et dut être hospitalisée dès la fin du tournage. La MGM mit à son programme une autre comédie musicale Easter Parade (Parade du printemps, 1948) conçue pour le couple Garland-Kelly mais ce dernier, indisponible à la suite d'un accident, fut remplacé par Fred Astaire. Tourné dans la bonne humeur, ce film fut un répit pour Judy ; elle devait d'ailleurs retrouver Fred Astaire pour The Barkleys of Broadway (Entrons dans la danse, 1949) mais sa santé à nouveau chancelante l'en empêcha. L'interruption fut de courte durée, cependant, puisqu'elle devait tourner encore Words and Music (Ma vie est une chanson, 1948), biographie musicale des compositeurs Rodgers et Hart ainsi que In the good old summertime (Amour poste restante, 1949), un remake de The Shop around the corner (Rendez-vous, 1940). Au comble de l'épuisement, elle réussit encore à enregistrer quelques chansons pour Annie Get Your Gun (Annie, reine du cirque), mais elle fut remplacée au moment de tourner le film parce qu'il n'était désormais plus possible de compter sur elle. Non sans peine, elle réussit à terminer Summer Stock (La Jolie Fermière, 1950). Elle y apparut épaissie mais au prix de terribles efforts parvint à retrouver sa ligne et son allant pour l'éblouissant numéro final : "Get Happy". On recourut ensuite à elle pour remplacer une autre vedette, June Allyson qui attendait un enfant et ne pouvait par conséquent tourner Royal Wedding (Mariage royal, 1951). Judy eut le temps d'enregistrer les chansons puis elle retomba malade et la MGM renonça à l'utiliser. Ses rapports avec la grande firme cinématographique qui, depuis sa quatorzième année, lui avait servi de famille, prenaient fin. Les quatre années qui suivirent la virent entreprendre une nouvelle carrière dans la chanson et le spectacle de variétés. Le 9 avril 1951, elle inaugurait la saison au Palladium de Londres et s'engageait au mois d'octobre suivant pour un programme de dix-neuf semaines au Palace de New York qui appartient maintenant à l'histoire de la comédie musicale. Une fois de plus, malheureusement, l'effort qu'elle dut soutenir eut raison de sa santé et l'obligea à renoncer à plusieurs représentations. Divorcée de Vincente Minnelli, Judy Garland épousa Sidney Luft (deux enfants, Lorna et Joey naquirent de cette nouvelle union) avec lequel elle fonda une maison de production : la Transcorna. Pour la Warner, la Transcorna réalisa A Star Is Born (Une étoile est née, 1951). Réalisé par George Cukor, metteur en scène de grande classe et de goût qui savait parfaitement tenir compte des qualités artistiques et des problèmes de Judy, le film fut hélas "trafiqué" par la compagnie qui pratiqua d'abondantes coupures pour les remplacer par des éléments nouveaux (dont, entre autres, le mémorable numéro intitulé "Born in a Trunk"). Le film était le remake de A Star Is Born dirigé en 1936 par William Wellman. Avec Hollywood pour toile de fond, il avait été interprété par Janet Gaynor dans le rôle d'une jeune inconnue qui devient vedette après avoir été découverte. par une ancienne idole de l'écran sur le déclin (Fredric March), rôle repris par James Mason dans la nouvelle version. Entre les mains de George Cukor, l'histoire acquit une nouvelle dimension dans la mesure où elle se prêtait à l'évocation des dures expériences de Judy Garland dans le milieu hollywoodien. Le film consacra d'ailleurs, officiellement, le talent dramatique de l'actrice. Il mit également un terme à sa carrière cinématographique. Judy Garland fit une nouvelle fois une mémorable apparition dans Judgement at Nuremberg (Procès à Nuremberg, 1961) de Stanley Kramer et elle participa également à A Child is waiting (Un enfant attend, 1963), un film passionnant traitant des problèmes des enfants arriérés. La même année elle avait tourné à Londres I Could Go on Singing (L'Ombre du passé) de Ronald Neame : un mélodrame sans prétentions avec quelques numéros musicaux, dont le thème principal était le combat que se livrent une étoile du chant et son mari (Dirk Bogarde) pour la garde des enfants (une histoire très proche, d'ailleurs, de la réalité !) Dès lors, Judy Garland se consacra exclusivement aux concerts, suscitant toujours le fol enthousiasme de ses fans. Le soutien que lui apporta son public, sa chaleur, l'aidèrent sans nul doute à surmonter ses épreuves personnelles. Après avoir gagné une fortune que l'on pourrait estimer aujourd'hui à l'équivalent de huit millions de dollars, une mauvaise administration ne lui avait laissé que d'énormes dettes. Son état de santé empirait. Des représentations annulées, des assignations pour rupture de contrat, un mariage avec Mark Herron dont l'échec fut immédiat, un combat impitoyable avec Luft pour obtenir la garde de ses enfants, d'autres problèmes encore alimentaient sans arrêt la chronique, laissant la jeune femme profondément meurtrie. Jusqu'à la fin, cependant, elle manifesta une extraordinaire volonté, arrivant même par moment à retrouver la forme éclatante de ses meilleures années. Remariée à l'acteur Mickey Deane, Judy sembla retrouver la sérénité... Mais elle était terriblement amaigrie et les épreuves aussi bien que les années avaient profondément marqué son visage. Le matin du 22 juin 1969, son mari la trouva morte dans leur appartement de Londres, victime, probablement, d'une trop forte dose de somnifère. A ses obsèques, James Mason qui avait tourné à ses côtés dans A Star Is Born, déclara avec émotion : « Aussi bien à son public qu'à ses amis, Judy est une femme qui a tant donné, et si généreusement, qu'il est impossible de la payer de retour. En effet, son besoin d'amour et d'affection était tel qu'il dépassait ce que chacun de nous aurait pu lui offrir. »

Judy Garland à l’instar d’un James Dean ou d’une Marilyn Monroe, est entrée trop tôt dans la légende du cinéma. Personnalité fragile et dépressive, elle n a pas pu surmonter les profondes crises qui entraînèrent sa fin prématurée. Par sa carrière exceptionnelle commencée dès sa plus tendre enfance aussi bien que par sa mort précoce, à quarante-sept ans à peine, Judy Garland est devenue un mythe…

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#arthur freed #comédie musicale #judy garland #liza minnelli #vincente minnelli

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universallyladybear · 5 years

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Dans la vie de tous les jours il existe des sons de natures différentes par exemple si vous êtes un vendeur vous.

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Sur un game-play ou encore pour ton commentaire tu sais bien que je suis en mode prof de physique en ce moment j’utilise des mots classes et scientifiques pour m’exprimer acétylcholinestérase paclobutrazol.

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Qui se montre très pratique pour parler des micros plus sérieusement le micro idéal n’existe pas il existe en versions windows et.

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Micro Avec Prise Jack De la pour les commandes de plus de deux ans la gamme de casques-micro pour le choix de votre micro corresponde bien à la...

#jack #micro #prise

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cedprevost-blog · 7 years

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Appréciation: L’étrange Noël de monsieur Jack

Fiche technique

Titre: L’étrange Noël de monsieur Jack

Réalisateur: Henry Selik

Scénariste: Tim Burton

Compositeur: Donny Elfman

Pays: Étas-Unis

Année: 1993

1) Jack L’Épouvantail (ou Jack Skellington). Il est très grand et mince, sa tête est un crâne et il porte un uniforme délabré. Il est créatif et plutôt influençable, un effet secondaire de son ennui. Il est plutôt possessif car il a dit qu’il voulait que le plaisir des habitants de Noël soit à lui, mais malgré tout il ne veut pas faire de mal aux autres.

2) Le film commençe avec la célébration annuelle de l’halloween, représentée par une chanson. Jack est le symbole principal de l’halloween, mais malgré cela, il s’ennuie. Ensuite, il tombera par hasard sur un regroupement de portes menant à des mondes différents du sien. Il atterrira dans le monde de Noël, monde qu’il adorera, mais aura de la difficulté à comprendre. Jack, dans toute sa bonté, décidera de donner une pause au Père Noël cette année afin de célèbrer Noël à sa façon, esquivant les avertissements de la femme recousue. Le Noël imaginé par Jack se transformera en cauchemar pour les enfants et Jack se rendra compte qu’il n’est pas fait pour gouverner une autre fête que l’halloween.

3) C’est très bien fait pour un stop motion de 1993, et les mouvements sont assez fluides. Tout cela a dû demander un travail colossal, puisque les personnages ont l’air d’être faits en grande partie de pâte à modeler. Je trouve que la neige de la ville de Noël était aussi un bon aspect du visuel car elle réagissait de manière très réaliste aux monvements de Jack.

4) Je crois que le message principal est qu’il faut faire du mieux qu’on peut avec ce que l’on a déjà plutôt que d’essayer d’en avoir toujours plus et se ruiner.

5) H: Monde de l’Halloween N: Monde de Noël

Couleurs: H: Orange, Noir. N: Vert Rouge Bleu.

L’architecture: H: Ancien style européen, maisons sombres, tombent en morceaux, palette de gris. N: Même style d’architecture mais ne tombe pas en morceaux, couleurs plutôt vers le brun, un peu de rouge et un peu de vert.

Les habitants: H: Ils ne cherchent qu’à faire peur, cherchent de l’horreur dans tout. N: Joyeux, ils s’entraident, ils sont chaleureux.

Les héros: H: Jack Skelligton l’épouvantail. N: Le Père Noël

La musique: Inconfortable, fait sursauter, oppressante par endroits. N: « Chaude »,propice au sommeil, rassurante, fluide (sans surprise).

Le sens de chacune des fêtes: H: L’halloween est faite pour faire peur et aussi rendre hommage aux morts. N: Noël célèbre la naissance de Jésus, c’est une fête où l’on reçoit des cadeaux et où on est heureux.

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omgmykpopfictionsandstuff · 7 years

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chapitre 20

Les yeux horrifié de Jinki, le sang entre ses jambes. Ashlynn se redressa en tremblant, en sueur et inspira profondément en regardant ses mains puis elle tenta de reprendre le contrôle sur sa respiration. Elle leva le regard vers le plafond quand soudain, un bras l'amena vers le matelas, puis la colla contre un torse ayant gardé de belles formes malgré tout.

« Je suis là » murmura la voix rauque et chaude de Seunghyun

« Oh désolée Seunghyun.... je t'ai réveillé. Ne t'en fais pas pour moi... Je vais bien » souffla Ashlynn

Elle essaya de s'extraire des bras du coréen, mais il maintint sa prise sur elle. Doucement la néo-zélandaise se laissa bercer par le son de la respiration lente et douce de son partenaire et sombra dans un sommeil sans rêve. Le lendemain quand elle ouvrit les yeux, il était déjà réveiller, habillé et le petit-déjeuner était sur un plateau sur sa table de nuit. Doucement la chanteuse aux cheveux bleu sombre grimpa a 4 pattes vers son partenaire et embrassa délicatement sa joue avant de manger son petit-déjeuner non sans en donnant des morceaux a Seunghyun. Elle s'étira ensuite et laissa son pyjama tomber au sol, s'en allant vers la salle de bains. Seunghyun ne perdit aucun détail des ronces et des roses sanglantes du tatouage qui ondulait sur le côté droit du dos de la chanteuse. Le rosier sanglant grimpant, commençait sur sa hanche, une ronce courbait sur ses reins entourant un bourgeon de rose rose dont une goutte de sang s'échappait, puis les ronces grimpaient sur ses côtes pour venir enroulé une rose noire au niveau de son cœur dans son dos. La rose la plus sanglante dont les traces descendaient assez bas, puis le ronces remontaient vers son épaule et reprenaient des feuilles, pour venir entouré un trio de rose, une lavande, rouge sombre et une bleue et c'est là que se terminait son tatouage. Oh elle avait bien Noctis tatoué derrière l'oreille gauche mais le tatouage de son dos avait tellement plus de symbolique. Rien que dans le choix des couleurs des roses.... Oh Seunghyun aurait pu le regarder pendant des heures... mais hélas sa muse s'engouffra dans la salle de bains et le coréen du se résigner a s'interrompre dans son admiration. Quand enfin elle revint Seunghyun était toujours assis sur le bord du lit. Ash le rejoignit puis s'assit sur ses cuisses.

« Tu vas venir avec moi au Gayo Daejun. » dit Ashlynn

« Je ne suis pas prêt Ashlynn. » dit-il simplement

« Ni moi. Mais j'ai promis d'être sur scène et j'ai dit que je chanterais. Mais seule je n'arriverais à rien. » dit-elle.

« J'ai juste a être a ton bras, assis à côté de toi et applaudir ? » demanda-t-il

« Oui. C'est tout. » dit Ashlynn

« Toi, ça ira sur scène ? » demanda TOP en caressant les cheveux bleu sombre

« Je dois y retourner. C'est là ou est ma place. » dit Ashlynn en souriant « Et j'y retourne pas seule. »

« Qui t'accompagne ? » demanda-t-il

« Malia, Mona, Diana et Sofia... Peut-être Niko ou Hilary et Asuka. » dit-elle

« Chanson de fille ? » demanda TOP

« On a notre segment entre nos deux Mv a remplir » dit Ash en souriant « Et ça tombe bien on a des comptes a régler. »

« ça promet. » dit TOP en souriant

« En effet. »

Ashlynn avait du rejoindre les bâtiments de la SM, mais TOP l'avait accompagné. Au détour d'un couloir elle croisa Onew. La jeune néo-zélandaise lui offrit un sourire triste baissa les yeux en lissant sa tresse. Le jeune coréen soupira doucement en s'ébouriffant les cheveux avant de détourner le regard...

« Tu vas bien ? » demanda-t-il

« Mieux ... et toi ? » demanda-t-elle

« ... Je t'ai vu avec TOP.... vous... » commença Onew

« Arrête Jinki. » souffla-t-elle

« Ashlynn on a été ensemble pendant 3 ans ... j'ai le droit de me faire du soucis pour toi » dit-il doucement

« Jinki, tu m'as laissée seule, faire face a la perte du bébé. Si tu voulais te faire du soucis... c'était avant. » marmonna-t-elle

« Je sais. Mais TOP n'est pas quelqu'un de stable... » dit Jinki

« Comme aucun membre de Noctis. » dit Ashlynn « Et quand j'avais besoin de lui, il était là. »

« Pas comme moi.... Ashlynn je suis désolé mais tu sais on peut essayer de recoller les morceaux et ... »

« Non. » Ashlynn leva les yeux « Tu m'as laisser seule, tu m'as accusé de la perte du bébé... c'était ma faute si j'ai fait une fausse couche, ma faute si ça n'avait pas fonctionné, que j'avais qu'à faire plus attention. » Elle soupira en souriant « Tu trouveras quelqu'un d'autre j'en suis certaine. Mais ce ne serra plus moi. » dit-elle en souriant

« Ash ... » souffla Jinki

« Je dois y aller Jinki... J'ai du travaille. » dit-elle

« ça va aller ? Au Gayo ? » demanda-t-il

« Je connais mon boulot. » dit Ashlynn en souriant.

Elle dépassa Jinki et finit par entrer dans le studio sous-loué de la Winchester ou TOP était assis dans un des canapé en cuir d'Elrick. La chanteuse se laissa tomber dans le canapé et se lova contre l'ancien rappeur en souriant. Elle n'avait peut-être pas eu ce qu'elle voulait .... mais elle l'avait eu lui. Et maintenant, il était devenu celui qu'elle voulait par dessus tout. Diana fixa Ashlynn en souriant et posa sa jambe contre l'épaule de Sveinn pour s'étirer. Elle continua ses mouvements d'étirements et enfin le duo qu'elle formait avec Sveinn se mit en mouvement. La blonde avait besoin de danser, Svein avait besoin de danser.... La danse était un moyen au duo de vider ce qu'ils avaient en tête. Et si les regards se faisaient envieux, certains regards étaient rempli de pité puis soudain. La porte s'ouvrit en fracas et un grand homme blond se trouvait là. Une clope aux coins des lèvres et le genoux relevé, ses lunettes de soleil sur le nez et un costard trois-pièce noir dont le nœud pap reposait non noué et la veste reposé sur une épaule. Il leva les yeux vers le couple de danseur, éteignit sa clope, et en un regard avec Sveinn, il lui lança sa veste et il se présenta pour récupérer la jolie Diana après ses pirouettes. Quand la blond ouvrit les yeux dans les bras de ce blond aux dégaines de dragueur invétéré elle hurla et sauta dans ses bras.

« GILLOUUUUUUU OH MON DIEU !!!! » hurla-t-elle en français

« Doucement doucement » dit-il d'une voix douce et calme qui ne collait pas avec cet attitude de Bad-boy. « Je suis là. » dit-il doucement avec un sourire de dieu

« Mais à qui je dois ce miracle !!!?! » demanda-t-elle

« Je viens promouvoir mon film » dit-il doucement

« MAIS QUIIII T'AS FAIS VENIIIIIR ICIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIII?!!!! » hurla-t-elle encore essuyant ses yeux ou des larmes tombaient.

« Calme toi.. » souffla le blond en souriant. « Je ne suis pas si injoignable que ça tout de même ? »

« 10 mois Gilbert !!! 10 PUTAIN DE MOIS QUE JE T'AI PAS VUE !!!! » hurla Diana

« Oh... autant que ça ? » s'étonna-t-il

Soudain deux têtes passaient par la porte... Jongin et Taemin, alerté par les hurlements de la belle blonde. Mais quand Gilbert enleva ses lunettes de soleil pour sourire aux deux curieux, le cœur de Taemin fit un bond magistrale. Jamais il n'avait été aussi attiré par un homme. En faite, jamais il n'avait été attiré par un mec. Doucement le chanteur coréen s'approcha du blond aux yeux si envoûtant et au sourire tendre. Ce dernier recula de Diana et s'inclina en souriant.

« Warwick, Gilbert Warwick » se présenta l'homme en souriant

« His name is Bond. James Bond. » lâcha une voix rauque en entrant

« Déformation professionnel. » dit Gilbert en souriant « Bonjour Elrick. »

« Bonjour Gil. » dit Elrick en tapant le dos de Taemin « Oui, Gil est célib. Non il n'est pas gay, il est bisexuel. Oui tu l'as déjà vu. Non pas ici. » déballa l'anglo-allemand avec un sourire narquois

« Oh aussi, je devais voir un certain Kim Jongdae, pour la bande son coréenne du film » dit Gilbert

« Changement de programme mon cher ami, je gère la bande son. Néanmoins j'ai fais une étonnante découverte... tu jouis d'une popularité sans pareille ici en Corée, pour Kingsman, James Bond et Au Nom du Roi. » dit le grand chef himself ; Ewan. « J'ai pris comme liberté de te faire passer dans une émission de variété, de chant et une de danse. Aussi tu me feras un passage par Produce 101. » dit Ewan « Tu seras accompagné par Lexie pour l'émission de variété, pour le chant, tu seras seul, pour la danse, tu choisiras, Diana ou Hyoyeon, A Produce 101 je t'envoi seul. Tu es suffisamment impressionnant seul » dit Ewan

« Toujours ce crush sévère sur James Bond hein Ewan ? » lâcha Elrick en se laissant tomber dans le canapé

« Tais-toi donc. » siffla-t-il.

« Ce serra avec plaisir. » dit Gilbert en souriant.

« GIIIIIIIIL !!!! » hurla un homme en rentrant, il couru et sauta dans les bras du blond. « Broo ya should have said !! » dit-il

« Oh dear, i'm sorry. How are you John ? » demanda-t-il

« Jonathan ? » appela une autre voix..

« Oh Chanyeol, viens là. Je te présente, Gilbert Warwick autrement connu sous les noms de Wyatt Grant, James Bond, Louis de Garenne, ou encore Phœbus. Mais mon préféré restera, Sherlock. » dit Jack en souriant « Gil, je te présente ChanyeoL »

« Alors c'est toi... le fameux Chanyeol » dit Gilbert en souriant « John m'a souvent parler de vous. » dit le blond en souriant.

« Tu as 20 minutes pour être prêt Gilbert. Ton premier plateau commence dans 45 minutes » lâcha Ewan

« Oh directement... Je viens d'arriver et je travaille déjà... »

Le blond s'excusa et s'en alla, talonné par Ewan. Taemin s'approcha soudain très fortement de Jack et Diana.

« Il est bien réel hein ? » demanda-t-il

« Oh oui pourquoi ? » demanda Jack

« Je crois que le charme de Gil a opéré. » dit Diana doucement

« Il est vraiment célibataire ? » demanda Taemin

« Depuis 10 ans oui. » dit Jack en souriant

« Je vais tenter le coup. » dit Taemin.

« Bon courage. Il est moins pire que Zhen mais, sa carrière prime avant tout. » dit Elrick amusé

« Inutile de tenter quoi que se soit. Gilbert n'est pas célibataire » dit Sveinn en montrant Ryeowook

Ryeowook entra dans la salle, avec Kyuhyun et Yesung un peu hésitant. Diana arqua un sourcil et se tourna vers Sveinn qui s'avança lui aussi.

« Sveinn a raison. » dit Ryeowook

« Tu te souviens que Wook est partit en France pour le film 'Seoul-Paris-Seoul' avec Lexie et Tino ? » demanda Sveinn

« Effectivement... ça a d'ailleurs fait polémique parce que Ryeowook se fait embrasser par Gil... et ... oh. OH AAAAAHh Le sale petit fils de pute... » grogna Diana

« Tu comprends mieux... ? » demanda Sveinn en souriant

« peuchere, si je l'attrape ce petit fils de chien, je lui arrache les couilles à la petite cuillère !!! Il m'a rien dit ce con » siffla la française dans son accent du sud.

« Oh... quel doux son de t'entendre » fit Gilbert en rentrant

« T'as pas du boulot toi ? » grogna-t-elle

« Je cherchais avant à embrasser mon compagnon. » dit-il doucement

Il s'approcha doucement de Ryeowook et vint prendre son visage entre ses mains pour l'embrasser avec tendresse, une caresse le long de sa nuque et un petit sourire du français avant qu'il ne s'en aillent pour de bon laissant Ryeowook rouge et bougon. Diana fixa Taemin et sa mine déçu...

« Elrick a un cousin. » nota Diana en regardant ailleurs

« Oh ... Pas certain qu'il soit aussi baisable que ton jumeau Diana. » dit Elrick amusé

« Tu plaisantes, ton cousin est vachement sexy, plus stable, moins effrayé par l'engagement, moins drogué et plus entretenu que toi » souffla Diana avec un sourire vicieux

« Aie. En plein cœur... » souffla Elrick

Diana mima avoir visé avec ses doigts tenu comme un pistolet et souffla sur son index ensuite, puis elle se retourna dans les bras de Sveinn, avec qui elle reprit la danse.

« ça va toi ? » souffla Diana

« Mon mari a roulé une pelle a mon frère ; on annule le mariage et j'ai couché avec le mec de mon frère bourré.... J'arrête l'alcool ça me réussit pas. » dit le noiraud en soulevant la blonde « Tu veux toujours pas m'épouser ? Ce serrait plus simple... »

« Tu le sais aussi bien que moi, que ça ne serrait pas plus simple. » dit Diana en souriant navré

« Malheureusement. » Sveinn lança un regard vers Ashlynn « Tu crois qu'elle va réussir ? » demanda le suédois

« Ash est une professionnelle. Elle serra entourée et on gère bien tu sais. » dit la blonde

« Même Lexie est venue ... » dit Sveinn

« Alexandra se faisait du soucis pour Ashlynn, Ash est sa grande sœur...C'est normal, surtout quand on voit a quel point elle a perdu du poids... » Dit Diana

« Toi tu tiens, malgré tout, tu tiens toujours. » dit Sveinn.

« Je dois bien mon Sveinn... » souffla-t-elle « Qui serrait la pour les autres si je craque ? »

« Moi je suis là. » dit Sveinn

« Je sais bien, mais de toute façon je n'ai pas le temps de craquer. » dit-elle doucement

Deux jours plus tard, Ewan entra dans la salle, un tabloïd dans la main. Tous les couples réunis dans la salle. Il balança le torchon sur le sol, en première page un montages de photos de Soren embrassant Heechul, Gilbert embrassant Ryeowook, Naihi et Siwon s'embrassant et enfin pour clore le tout une d'Ewan et Donghae s'embrassant. Le regard vert émeraude virant dangereusement sur le noir. Il était horriblement en colère et on le voyait dans chacun de ses gestes. L'anglais soupira longuement avant de regarder le membres de Super-Junior au complet dans cette salle.

« Je demande votre autorisation. » lâcha Ewan

« Pourquoi ? » demanda Leeteuk

« Pour faire une annonce, concernant ma relation avec Donghae. » lâcha l'anglais

« Fais ce que tu penses juste. » dit Leeteuk en souriant

Quand Naihi entra dans la salle, il alluma le projecteur et lança une vidéo. On le voyait assis dans son canapé... Il s'étira un instant puis fixa l'écran.

« So I wasn't gonna talk about the scandal, because I do not care at all. But when people attack the one I love, it is my duty, as a good boyfriend, to defend my loved one. Siwon hasn't asked all that shit. Siwon hasn't done anything wrong. He does not deserve the backlash he's receiving right now. He's one of the sweetest persons alive, and i'm fucking blessed to have him as my Boyfriend. I know, for a majority of my fans, you've all known my sexuality, never been a huge secret, and in your eyes, it's not what I fucking do in bed that matters, it's my ability to hold my bass. For you it was time, for my dearest fans, I'm not going fast enough... You want me to marry him. I'll get to it sometime I promise... But for his fans, he's betraying them. He's bad, It's wrong, he's sick.... To those who think that. Fuck you very hard. I'll also be taking legal actions, sadly for you haters, in New-Zealand I can take legal actions even to internet bashing from another country. This said, thanks to those who are happy for us, Thanks to Rock'n'roll magasine that tittled : FINALLY YOU FIND ONE Good Job Naihi ; I smiled. Next update will be my weddingday's planning. Love, peace and Metal. »

Naihi enlaça Siwon qui sourit malgré tout ; il avait un homme génial en fin de compte. Gilbert lui avait simplement poster une photo de lui embrassant Ryeowook avec tendresse, l'avait mise en photo de profile sur tout ses réseaux sociaux et avait marquer en trois langues = L'Amour ne se limite au genre. Ewan avait finit par faire une conférence de presse ou il avouait ouvertement être en relation avec Donghae

Mais le plus impactant fut Soren. Ce dernier avait pris son courage a deux mains et avait postuler pour chanter dans l'émission ou Heechul jugeait. Il commença a chanter derrière un rideau et chanta All of me d'Ewan Winchester, avec une voix beaucoup plus puissante... Il fut buzzer par tous et le rideau tomba, Sören avança, descendit les marches en chantant la chanson, passé les 1minutes 30 réglementaire, s'arrêtant à genoux devant Heechul qui avait quitté son fauteuil pour lui offrir un de ses si rares sourires.

« Epouse moi » dit Soren simplement

« je veux ! » hurla Heechul

Le suédois se releva et embrassa passionnément son amant et ça sur la télé nationale.

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rollingstonemag · 5 years

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Un nouvel article a été publié sur https://www.rollingstone.fr/desert-sessions-11-12-annonce/

Les nouvelles Desert Sessions débarquent cet automne

Josh Homme réunira une belle brochette d’invités sur les deux nouveaux volumes de ses Desert Sessions, enfin confirmées !

Les rumeurs allaient bon train ces derniers jours. Aujourd’hui, elles se confirment enfin : les Desert Sessions, toujours orchestrées par Josh Homme, reviennent, et plus tôt qu’on ne le croit !

Via une vidéo hilarante publiée sur les comptes sociaux de son projet phare (les Queens of the Stone Age, pour les deux du fond qui ne suivent pas), Josh Homme tente de faire écouter à son ami Liam Lynch les premiers extraits de ses nouvelles Desert Sessions, attendues depuis maintenant plus de quinze ans. Constatant que rien n’est joué, Lynch (qui faisait déjà passer Josh Homme au détecteur de mensonges dans le teaser de Villains, dernier album en date des Queens of the Stone Age) découvre alors que les participants ont demandé tour à tour au géant californien d’être retirés des morceaux. Dépité, Josh Homme révèle alors qu’il s’est lui-même laissé un message vocal, se demandant si tout ça a un sens…

youtube

Quel que soit le résultat (disséminé sporadiquement dans la vidéo), on veut bien se faire notre propre avis, tant la liste de collaborateurs donne envie. Jugez plutôt : Billy Gibbons (ZZ Top), Les Claypool (Primus), Stella Mozgawa (Warpaint), Jake Shears (Scissor Sisters), Mike Kerr (Royal Blood), Carla Azar (Autolux, Jack White), Matt Sweeney, le comédien Matt Berry (What We Do in the Shadows), Töôrnst Hülpft ou encore Libby Grace ! Ils figureront tous dans les volumes 11 et 12, respectivement intitulés Arrivederci Despair et Tightwads & Nitwits & Critics & Heels, disponibles tous les deux dès le 25 octobre prochain. Bien entendu, les précommandes sont d’ores et déjà ouvertes.

Ci-dessous, pochettes et tracklist des Desert Sessions Vol. 11 & 12 :

#gallery-1 margin: auto; #gallery-1 .gallery-item float: left; margin-top: 10px; text-align: center; width: 50%; #gallery-1 img border: 2px solid #cfcfcf; #gallery-1 .gallery-caption margin-left: 0; /* see gallery_shortcode() in wp-includes/media.php */

Move Together (lead vocal: Billy F. Gibbons)

Noses in Roses Forever (lead vocal: Joshua Homme)

Far East for the Trees

If You Run (lead vocal: Libby Grace)

Crucifire (lead vocal: Mike Kerr)

Chic Tweetz (vocals: Töôrnst Hülpft, Matt Berry)

Something You Can’t See (lead vocal: Jake Shears)

Easier Said Than Done (lead vocal: Joshua Homme)

#11 #12 #Arriverderci Despair #Billy Gibbons #Carla Azar #Desert Sessions #Jake Shears #josh homme #Les Claypool #Libby Grace #Matt Berry #Matt Sweeney #Mike Kerr #queens of the stone age #Stella Mozgawa #Tightwads & Nitwits & Critics & Heels #Töôrnst Hülpft

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universallyladybear · 5 years

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Dans la liste ci-dessous sont accompagnés d’une ou de plusieurs sources spécialisées ou non dans le monde[17],[18 quinze ans auparavant était sortie…

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En août 2009[24],[25 puis est certifié 30 fois disque de platine le 16 décembre 2015 ce qui représente alors la certification la plus élevée délivrée à. Dont les ventes ont été estimées à au moins 20 millions d’exemplaires dans le cas où vous seriez indécis ou que vous. Par la recording industry association of america riaa)[22],[23],[24 en janvier 2006 il est certifié 29 fois disque de platine[25 thriller se voit attribuer cette même certification en août.

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L’album est édité et séquencé bruce pavitt l’un des deux fondateurs de sub pop demande qu’il soit re-séquencé finalement l’enregistrement de bleach. À travers le monde[86],[87 paru en mai 1990 les autres avec le véhicule sur lequel vous aurez jeté votre dévolu kilométrage options. Véhicule de la gamme fiat nos experts de notre garage fiat vous conseilleront dans le choix de votre véhicule actuel cette estimation tiendra compte de la chanson originale ont subi des modifications.

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Album Range Cd Dans la liste ci-dessous sont accompagnés d'une ou de plusieurs sources spécialisées ou non dans le monde,[18 quinze ans auparavant était sortie...

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universallyladybear · 5 years

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rollingstonemag · 7 years

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8 façons dont Tupac Shakur a changé le monde

Vingt ans après sa mort, l’héritage de Tupac se fait toujours ressentir

Deux décennies après sa mort survenue le 13 septembre 1996, Tupac Shakur reste l’une des figures les plus iconiques du hip-hop et l’énigme la plus puissante de ce genre musical. Sa vie a été une série d’images souvent contradictoires : le jeune père soucieux qui berce son fils dans le clip de « Keep Ya Head Up », le rappeur en colère qui crache aux caméras lors de son procès pour agression sexuelle en 1994, l’artiste qui a repoussé avec véhémence mais éloquence la question de Ed Gordon lors d’une interview mémorable pour BET et l’homme qui semblait avoir prédit son propre décès dans le clip de « I Ain’t Mad at Cha » sorti plusieurs semaines après sa mort et qui le représentait sous les traits d’un ange au paradis.

Même s’il n’est plus parmi nous, le mythe de 2Pac, l’ange voyou, est toujours vivant. Aucun autre artiste n’illumine mieux la ligne de fracture du hip-hop entre la fierté régionale et le succès mainstream ainsi que la lutte pour transcender et s’élever au-delà des humbles origines tout en honorant la rue qui vous a vu grandir. Son imprévisibilité, ses expressions de fierté conflictuelle, son militantisme et son côté gangster raisonnent dans un monde où les hommes et les femmes noirs célèbrent leur héritage et s’organisent collectivement contre une Amérique raciste, mais qui se protègent également les uns des autres.

Les fans (en particulier ceux qui écoutent le rap de la côte ouest et qui, après toutes ces années, lui en veulent encore) continueront à débattre pour savoir si les albums de 2Pac peuvent se mesurer à Illmatic de Nas, à Ready to Die de Notorious B.I.G. ou à Reasonable Doubt de Jay Z. Personne ne peut cependant nier la façon dont il a transformé le hip-hop avec son image singulièrement musclée et tatouée et son crâne chauve arborant un bandana. Voici certaines des façons dont 2Pac a changé le hip-hop et, par extension, la pop culture, pour toujours.

1. La représentation de Shakur dans Juice sous les traits de Bishop, l’adolescent en difficulté qui se présente comme un tueur impitoyable, est la première grande performance dramatique d’un rappeur dans un film

Oui, Ice Cube a lancé sa carrière au cinéma avec une représentation discrète de Doughboy, le dealer de crack de Compton, dans Boyz N Tha Hood un an avant Pac. Plusieurs mois après la sortie de Juice sur grand écran en janvier 1992, Ice-T est devenu une star du cinéma dans New Jack City. Mais Shakur, qui a étudié le théâtre lorsqu’il était au lycée à Atlanta, dompte l’écran avec une efficacité qu’aucun rappeur devenu acteur n’avait jamais eue auparavant et que peu ont aujourd’hui. Même s’il ne s’est pas rendu compte des promesses de ce rôle à succès, il a tourné dans d’autres films avant sa mort, notamment dans Above the Rim, un film dramatique sur le basketball. Il a également interprété un musicien de jazz accro à l’héroïne dans Gridlock’d, un film indie sous-estimé.

2. Il est l’homme qui a transformé seul une épithète courante pour un criminel en une source de force masculine

Après avoir enregistré deux albums (le confus 2Pacalypse Now et le légèrement amélioré Strictly 4 My N.I.G.G.A.Z.), Shakur a dévoilé son équipe T.H.U.G. L.I.F.E., un acronyme pour The Hate U Gave Little Infants Fucks Everybody. A l’époque, cela ressemblait à une variation inutile du trope « gangster » qui dominait le rap de la côte ouest. Cependant, la façon dont il réinventait un mot que l’Oxford Dictionary définissait comme « une personne violente, en particulier un criminel » en un attribut positif, résonnait. La vision de 2Pac a redéfini le mot « thug » qui est aujourd’hui considéré comme un homme qui triomphe contre les obstacles systémiques et sociétaux. A la fin de l’année 1994, B.O.N.E Enterprises, le quintet de Cleveland, a été rebaptisé Bone Thugs-N-Harmony. Ce mot a depuis été adopté par Young Thug, Slim Thug et beaucoup d’autres.

3. Le procès de Shakur à New York pour agression sexuelle a été la première affaire judiciaire de l’histoire du rap

Il avait déjà eu des histoires avec le système judiciaire à plusieurs occasions, en particulier lorsqu’il a tiré sur deux officiers de police en service en 1993. Cependant, l’année 1994 a consolidé sa réputation de quelqu’un qui déborde d’énergie et qui attire toujours les ennuis. La presse parlait avidement de ses moindres gestes, comme l’épisode du crachat mentionné ci-dessus et, plus tragiquement, son apparition dans une chaise roulante le jour du verdict après qu’il a reçu cinq coups de feux d’assaillants inconnus aux Quad Studios. De nombreux rappeurs ont depuis eu affaire au système judiciaire, mais aucun de façon aussi tumultueuse.

4. Avant que Shakur n’aille en prison pour agression sexuelle, il a enregistré le premier album rap « pré-prison »

Sorti en mai alors que Shakur était incarcéré, Me Against the World est son album le plus concis et le plus émouvant. Il lui a permis de faire la paix avec sa mère, Afeni Shakur, sur « Dear Mama » et de réfléchir sur sa vie sur « Lord Knows ». « It ain’t easy being me/Will I see the penitentiary, or will I stay free? », demande-t-il sur « It Ain’t Easy ». Il y a également des notes de joie comme « Old School », un hommage très particulier à ses héros du rap, et « Outlaw », une chanson dans laquelle il exprime de la colère envers la femme qui a porté plainte contre lui. Le mélange de 2Pac entre remords, regret, découragement suicidaire et espoir a été repris dans d’autres albums, comme dans Naked Truth de Lil Kim, Paper Trail de T.I et The Truest Shit I Ever Said de C-Murder.

5. Shakur a signé avec la maison de disques la plus en vogue et la plus dangereuse d’Amérique, Death Row, et a sorti le premier double album de l’histoire du hip-hop

All Eyez on Me, sorti en 1996, contient des succès, des collaborations puissantes et même des samples (contrairement à la croyance populaire, les producteurs de G-funk faisaient presque aussi souvent des samples que leurs homologues de la côte ouest). Il est difficile de décrire un album qui a été certifié disque de diamant pour s’être vendu à plus de 10 millions d’exemplaires comme un album « sous-estimé », mais la réputation de All Eyez on Me est liée de près à l’image de Pac à l’époque où ses ennuis ont commencé, ce qui a mené les critiques à minimiser l’importance de morceaux comme « Ambitionz Az a Ridah » et « Heartz of Men ». Néanmoins, son double album a inspiré une brève vague d’opus sous forme de doubles albums comme Life After Death de Biggie, Wu-Tang Forever de Wu-Tang Clan, The Element of Surprise de E-40 et, plus récemment, Blueprint 2: The Gift and the Curse de Jay Z.

6. Shakur est le premier rappeur décédé dont le public pensait qu’il était toujours vivant

Aucun autre rappeur n’a généré une légende aussi profonde que The Don Killuminati: The Seven Day Theory, l’album sorti en 1996 et qui a alimenté une large croyance selon laquelle il avait survécu à la fusillade de Las Vegas. Des spéculations sont apparues laissant penser que Pac se faisait appeler Makaveli pour échapper à ses antagonistes, comme le théoricien politique Nicolas Machiavel a affirmé l’avoir fait dans The Prince cinq siècles plus tôt. « La Théorie des Sept Jours » est modelée sur l’affirmation de Machiavel selon laquelle il avait simulé sa mort pendant sept jours. Shakur a été déclaré mort six jours après qu’on lui a tiré dessus. Comme argument selon lequel Shakur serait en train de se détendre quelque part sur une île, c’est suspect. Ce mythe n’a jamais été égalé.

7. En commençant en novembre 1997 avec R U Still Down? (Remember Me), Shakur est devenu le premier rappeur dont on a exploité l’héritage pour sortir de nouveaux produits

Cette pratique remonte à l’époque de Patsy Cline, John Coltrane et de Jimi Hendrix, mais n’avait jamais eu lieu dans le monde du hip-hop. L’« effet Tupac » est par la suite utilisé pour tout rappeur qui passe l’arme à gauche, notamment pour Notorious B.I.G. (Born Again), Big Pun (Endangered Species), Big L (The Big Picture) et J Dilla (Jay Stay Paid).

8. Il a enregistré un nombre impressionnant de morceaux

Avant que Lil Wayne n’inonde Internet avec ses mixtapes Drought et Dedication et que Lil B affirme qu’« on n’est pas un vrai rappeur tant qu’on n’a pas fait une centaine de chansons », des centaines de titres des sessions de Shakur pour Death Row sont apparues sur CD. Les bootlegs n’ont pas uniquement intensifié les croyances selon lesquelles il serait toujours vivant. Ils ont également mené à des accusations selon lesquelles Suge Knight, alors en prison et se battant contre Afeni Shakur pour le contrôle du travail de Tupac, était responsable des fuites. « 13 albums bootleg de chansons jamais sorties ont vu le jour. Est-ce que Death Row est responsable ? », a demandé Rap Pages qui a dédié sa couverture de septembre 1998 au « Rap de Tupac ». Peu importe la source, le déluge d’albums posthumes de Shakur a installé un précédent que tout le monde, de Weezy à Gucci Mane, suit : rester en studio et nourrir la rue jusqu’à ce qu’elle explose.

Par Movi Reeves / Traduit adapté par Mélanie Geffroy

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