#Futurismo italiano

[artsonmars]

CARLO CARRA' - RITRATTO DI MARINETTI

1910-1911

[bateauivree]

ogni giorno ho la conferma di quanto fosse stupido André Breton

[sunandra2]

Dopo l’orgia 1928 - Cagnaccio di San Pietro

Cuando vi este cuadro recordé una novela de ribetes eróticos que estaba en la casa de mi abuela materna,había muchos libros que pertenecieron a mi abuelo y que yo siendo muy jovencita me deleitaba leyéndolos a escondidas y fantaseando con esas cosas prohibidas. Fue en uno de ellos donde yo recordaba haber visto una escena de orgía con tres mujeres desnudas yaciendo ebrias y drogadas en el piso, era un libro del año 1922 muy amarillento con ilustraciones de Federico Ribas Montenegro (Vigo, 1890-Madrid, 1952) Esa escena detonó en mi mente este recuerdo análogo

Lo bueno de haber visto arte, en especial arte erótico que es el que realmente me gusta y apasiona es que siempre y gracias a las búsquedas descubro cosas notables del pasado que por diversos motivos fueron arrojadas a un rincón polvoriento de la historia hasta que alguien las trajo a la luz y hoy podemos conocerlas.

El cuadro de Natale Bentivoglio Scarpa (Desenzano sul Garda, 1897-Venecia, 1946) Italia que adoptó el nombre artístico de Cagnaccio di San Pietro casi desconocido hasta 1970. Este artista que comenzó adhiriendo al futurismo italiano para luego convertirse en un pintor de alegorías con cierto foco en la moral de su tiempo. 1928 fue el año crucial en la carrera de Cagnaccio. Es el año de su trilogía alegórica sobre el libertinaje de la moral. En la decimosexta Bienal de Venecia expuso Dopo l'orgia (1,80×1,40). El lienzo representa a tres mujeres desnudas (el mismo modelo posando en perspectiva triangular) desplomadas tras entregarse a los deseos de un hombre que está representado por un sombrero y guantes que yace en el piso entre los objetos dispersos, se encuentran este bombín y unos gemelos con el símbolo del insecto fascista el cual el artista fue persuadido de quitarlo para evitar problemas con los partidarios del régimen de Mussolini

[lise-fad]

Futurismo italiano (1909)

"Afirmamos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza: la belleza de la velocidad... un coche de carreras rugiente, que parece que corre sobre metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia."

El futurismo fue una vanguardia que buscó romper con la tradición y cuestionó el pasado de la historia del arte, los elementos principales fueron: la poesía, el valor, la audacia y la revolución, pues se glorificó la guerra y la violencia, pero también se enalteció la velocidad y el movimiento.

De izquierda a derecha: Russolo, Carrà, Marinetti, Boccioni y Severini en París para la Inauguración de la primera exposición de 1912.

Filippo Tommaso Marinetti (1876-1944)

Marinetti fue un poeta, escritor y teórico del arte italiano. Escribió el Manifiesto Futurista, publicado el 20 de febrero de 1909 en el periódico francés Le Figaro, ya que París era el centro del arte en ese momento.

Luigi Russolo (1885-1947)

Fue un pintor y compositor italiano. Escribió el Manifiesto de los pintores futuristas italianos y en 1910 lo firma, junto a Boccioni, Carrà, Severini y Balla.

En el siglo XIX, con la creación de las máquinas, nació el ruido. Es así que Russolo se interesa por las nuevas sonoridades creadas a partir de la industrialización y por ende, de las ciudades estruendosas.

En 1913, escribe el Manifiesto El arte de los ruidos, en él, Russolo expone el cómo las personas se han acostumbrado a la velocidad, estridencia y energía de su paisaje sonoro urbano, y predice que van a influenciar en la instrumentación y composición musical.

"Intonarumori", 1914.

Los Intonarumori son dispositivos para la producción de sonidos mediante un amplio espectro de modulación, sonidos rítmicos similares a los realizados por máquinas, pero sin imitar o reproducirlo.

Umberto Boccioni (1882-1916)

Fue un pintor y escultor italiano.

"Formas únicas de continuidad en el espacio", 1913.

Carlo Carrà (1881-1966)

"Funeral del anarquista Galli", 1911.

Fue un pintor italiano.

Gino Severini (1883-1966)

"Tren blindado en acción", 1915.

Fue un pintor italiano.

Giacomo Balla (1871-1958)

"Dinamismo de un perro con correa", 1912.

Fue un pintor y escultor italiano.

En 1915, firma, junto a Depero, el Manifiesto Recontrucción Futurista del Universo. En él se extendieron los principios del futurismo a todos los aspectos de la vida diaria.

Fortunato Depero (1892-1960)

Fue un pintor, escultor, escenógrafo, arquitecto, escritor y diseñador gráfico italiano.

[fashionbooksmilano]

Il Déco in Italia

L’Eleganza della Modernità

a cura di Francesco Parisi

SilvanaEditoriale, Cinisello Balsamo 2022, 304 pagine, 315 ill.,  24 x 28 cm, Brossura con alette, ISBN  9788836653966

euro 36,00

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Il Déco in Italia, l’eleganza della modernità è il titolo della mostra inedita che il Forte di Bard ospita dal 2 dicembre 2022 al 10 aprile 2023. Il volume, muovendo dalla sezione italiana dell’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes, evento epocale che si tenne a Parigi nel 1925 e da cui deriva il termine “Déco”, intende restituire, attraverso 230 opere circa, una fotografia di quanto si andava producendo in quegli anni non solo nelle arti decorative e nella grafica, ma anche in pittura, scultura e architettura. L’obiettivo è quello di scoprire il fil rouge del gusto déco italiano che, tramite le necessarie intersezioni di stili e temi guida – come la danza, la maschera e la spinta sintetica nell’analisi formale di animali esotici –, favorì quella ricerca orientata verso una maggiore struttura architettonica e geometrizzazione delle forme. Tra le opere illustrate, per citarne solo alcune, le sfavillanti ceramiche firmate da Gio Ponti per Richard Ginori e quelle celebri di Francesco Nonni, le delicate trasparenze buranesi di Vittorio Zecchin, gli straordinari dipinti di Aleardo Terzi e Umberto Brunelleschi, che segnano un versante più illustrativo della pittura di quegli anni, e i progetti di Armando Brasini e Piero Portaluppi. Spazio è dato anche a quel sottile legame che avvicinò il secondo Futurismo alla temperie déco, testimoniato dalla partecipazione all’Expo parigina di Giacomo Balla, Fortunato Depero ed Enrico Prampolini.

09/03/23

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[alberto-alpozzi-fotografo-torino]

Il Manifesto futurista dell'Impero italiano

Esce a febbraio 1924 (con data 1° maggio 1923) il sesto numero de IL FUTURISMO Rivista Sintetica Illustrata edita a Milano sotto la direzione di Filippo Tommaso Marinetti. In prima pagina viene pubblicato il Manifesto L’IMPERO ITALIANO, firmato da F.T. Marinetti, Mario Carli ed Emilio Settimelli, già pubblicato su L’IMPERO, il 25 aprile 1923. Ecco il testo indirizzato a “A Benito Mussolini – Capo…

[artesplorando]

Umberto Boccioni, pittore e scultore italiano, esponente di spicco del futurismo.

[cinquecolonnemagazine]

Romanzi italiani del 900: racconti di un secolo di cambiamenti

I romanzi italiani del 900 hanno saputo catturare le sfumature della società, la politica, la cultura e le emozioni di un Paese che ha vissuto due guerre mondiali, profonde trasformazioni sociali e una rapida modernizzazione. Per questo motivo la letteratura italiana nel Novecento è un affascinante mosaico di stili, voci e storie che riflettono il tumultuoso periodo storico attraversato dall'Italia durante quel secolo. I primi anni del 900: il Futurismo Gli inizi del Novecento italiano hanno visto emergere il movimento futurista, che ha cercato di abbracciare il cambiamento e l'innovazione nella letteratura, nell'arte e nella società. Un esempio notevole di romanzi futuristi è "Zang Tumb Tumb" di Filippo Tommaso Marinetti, un'opera che sperimenta con la forma e il suono delle parole per esprimere l'entusiasmo per la modernità e la tecnologia. Questo movimento ha contribuito a gettare le basi per il modernismo letterario in Italia. I romanzi italiani del 900 e la Seconda Guerra Mondiale La Seconda Guerra Mondiale è stata un'incredibile fonte di ispirazione per gli scrittori italiani dell'epoca. - "Il giardino dei Finzi-Contini" (1962) di Giorgio Bassani narra la triste pagina della persecuzione degli ebrei. - "La casa in collina (1948) di Cesare Pavese analizza la guerra in quanto impegno storico e civile. - "Il sentiero dei nidi di ragno" (1947) è uno dei più bei romanzi sulla Resistenza. - "La ciociara" (1957) di Alberto Moravia rappresenta un'altra tragica pagina del conflitto: lo sbarco degli alleati Il dopoguerra, con tutte le difficoltà della ripresa economica, ha ispirato, invece, la nascita di una vera e propria corrente letteraria che ha coinvolto la letteratura e il cinema: il neorealismo. I romanzi neorealisti più emblematici sono: - "Ragazzi di vita" (1955) di Pier Paolo Pasolini; - "Una questione privata" (1963) di Beppe Fenoglio; - "Se questo è un uomo" (1947) di Primo Levi; - "La romana" (1947) di Alberto Moravia. I romanzi postmoderni Gli anni '60 hanno portato una nuova onda di romanzi italiani che riflettevano i cambiamenti sociali e culturali in corso. "Il Gattopardo" di Giuseppe Tomasi di Lampedusa, pubblicato postumo nel 1958, ha catturato l'atmosfera di una società aristocratica in declino. Altro autore esemplare di questo periodo fu Leonardo Sciascia che con i suoi romanzi accese un faro sulla Sicilia e sul fenomeno della mafia. Ricordiamo "Il giorno della civetta", "A ciascuno il suo", "Il caso Majorana". Negli anni '70 e '80, l'Italia ha assistito a una rinascita letteraria con l'emergere di autori postmoderni come Umberto Eco, che ha scritto "Il nome della rosa" (1980), un romanzo che mescola storia, mistero e teologia. I romanzi che in una certa misura hanno segnato gli anni Novanta del Novecento sono "Castelli di rabbia" (1991), "Oceano mare" (1993), "Seta" (1996) di Alessandro Baricco. In copertina foto di Priscilla Du Preez 🇨🇦 su Unsplash Read the full article

[paoloferrario]

L'architetto Antonio Sant'Elia, 1888-1916

Antonio Sant’Elia, nato a Como il 30 aprile 1888, è stato un architetto e pittore italiano, considerato uno dei principali esponenti del Futurismo. La sua carriera, sebbene breve, ha avuto un impatto significativo sulla storia dell’architettura moderna. Villa Elisi Una delle sue opere più note è Villa Elisi, situata a San Maurizio sopra Como. Progettata nel 1912 in collaborazione con lo…

[espelhodaarte]

René Magritte: Biografia do Artista

René François Ghislain Magritte, mais conhecido apenas como René Magritte, foi um pintor, desenhista e ilustrador belga e um dos principais nomes do Surrealismo.

Magritte nasceu em Lessines, Bélgica, no dia 21 de Novembro de 1898. Filho mais novo de Léopold Magritte, um tecelão, e Régina Magritte, uma chapeleira, ele começou a pintar em 1910, quando ainda tinha 12 anos. O desenvolvimento de Magritte como artista foi influenciado por dois eventos significativos em sua infância; o primeiro foi um encontro com um artista pintando em um cemitério, com quem ele se deparou enquanto brincava com um amigo. O segundo foi em 1912, um evento triste crucial em sua vida, sua mãe cometera um suicídio quando ele tinha apenas 14 anos. Segundo consta em alguns relatos, Magritte estava presente quando seu corpo foi encontrado em um rio. Com 18 anos foi aceito na Academia Real de Belas-Artes de Bruxelas, onde permaneceu por dois anos (1916-1918). Nesse período, tornou-se amigo íntimo do pintor Victor Servranckx, que apresentou-lhe ao futurismo, cubismo e purismo. Em particular, Magritte foi atraído pelo trabalho de Jean Metzinger e Fernand Léger, os quais tiveram grande influência em seus primeiros trabalhos.

Sua primeira exposição como pintor profissional ocorreu em 1920, no Centre d'Art de Bruxelas. Dois anos mais tarde, conheceu Georgette Berger, com quem se casou em 1922 e viveu pelo resto de sua vida. Neste período, René realizou trabalhos como designer gráfico de cartazes publicitários para sobreviver. Em 1926 firmou contrato com a Galerie la Centaure (Galeria de Artes de Bruxelas) e pôde se dedicar em tempo integral à pintura. Nesse mesmo ano, inspirado na obra do italiano Giorgio de Chirico, apresentou sua primeira obra surrealista, “O Jóquei Perdido”, que não teve boa recepção. De 1927 a 1930, Magritte viveu em Paris e estabeleceu fortes conexões com o círculo de surrealistas parisienses  do escritor André Breton, que na época incluía artistas como Max Ernst e Salvador Dalí. Ele começou a incorporar formas mais ambíguas e orgânicas em seu trabalho, fazendo experiências com composições essencialmente surrealistas. No entanto, Magritte ficou cada vez mais desiludido com os assuntos “sombrios” de seus colegas surrealistas, como histeria e loucura. Em 1928 produziu a obra “Les Amants” (Os Amantes), na qual os rostos e pescoço dos personagens estão cobertos por panos, podendo ter uma variedade de interpretações, a gosto dos observadores. Nesse mesmo ano produz “Le Faux Miroir” (O Falso Espelho), na qual o olho humano está superdimensionado e reflete um céu repleto de nuvens. Em 1929, terminou seu contrato com a galeria.

Ainda em 1929, René Magritte produziu uma de suas principais obras “La Trahison des Images” (A Traição das Imagens), também conhecida como “Ceci n’est pas une pipe” (Isto não é um cachimbo), frase escrita na base da tela, uma verdadeira contradição, deixando uma pista para a leitura de sua obra. Assim que Magritte estava alcançando sucesso e reconhecimento, teve início a Segunda Guerra Mundial. Embora ele tenha continuado a desenvolver seu estilo, ele também empregou cada vez mais uma paleta brilhante e impressionista como uma resposta subversiva à desolação da guerra. Ele escreveu: “A sensação de caos, de pânico, que o surrealismo esperava promover, para que tudo pudesse ser posto em questão fosse alcançado com muito mais sucesso por aqueles idiotas nazistas … Contra o pessimismo generalizado, agora proponho uma busca por alegria e prazer.” Em 1930, Magritte retornou para Bruxelas e durante essa década aprofundou sua técnica, pintando imagens perturbantes e desconstruídas que desafiavam a percepção do público. Sua pintura dá vários significados aos objetos comuns, mas de uma forma diferente. Rejeitou a suposta espontaneidade do automatismo surreal até então praticado, e seu trabalho surgiu com um caráter bizarro e com sobreposições impossíveis. Rene Magritte foi chamado pela crítica de “Pintor cerebral” e seu estilo foi rotulado de “Visual Thinkin”. Apesar de ter produzido um grande número de obras, começou a ser reconhecido a partir da década de 60. Muitas de suas telas se tornaram parte da cultura popular durante as décadas seguintes.

Sua obra teve um grande impacto em vários movimentos que se seguiram após a sua morte. Seu trabalho provou ter uma influência em artistas pop como Andy Warhol e desde então tem sido celebrado em inúmeras exposições ao redor do mundo, incluindo a arte conceitual e a pintura dos anos 80. Em particular, seu trabalho foi aclamado como um prenúncio das tendências futuras da arte por sua ênfase no conceito sobre a execução, sua estreita associação com a arte comercial e seu foco em objetos do cotidiano que eram frequentemente repetidos no espaço pictórico.

René Magritte permaneceu em Bruxelas até sua morte por câncer pancreático, aos 68 anos de idade, no dia 15 de agosto de 1967. Seu corpo está enterrado no Cemitério do Schaerbeek.

[ttantta]

Hiero Badge: «Estoy convencido de que la inteligencia artificial es *la* estética del fascismo en el siglo XXI, al modo del futurismo italiano. Un arte sin artistas, subordinado a fines políticos, pero (literalmente) desligado de la realidad. Basura reproducida mecánicamente para promover el apartheid y el genocidio». Añado yo: un arte generado mediante una tecnología novísima y asombrosa, pero incapaz de crear; capaz solo de refreír incesantemente el arte del pasado. La técnica ultramoderna al servicio de una perpetuación hortera de lo antiguo. Sí: tiene sentido que a los fascistas les encante la inteligencia artificial.

Pablo Batalla en elcuadernodigital.com 24.09.04

[naoehcleber]

Diário de viagem - 21/02

Hoje a manhã foi gasta resolvendo coisas do apartamento. A tarde almoçamos por perto e eu e mainha fomos pegar um Uber pra irmos pra nossos respectivos locais; eu queria ir pra Pinacoteca de São Paulo e ela queria ir para o centro ver uma loja de móveis. Dentro do Uber passamos uma eternidade presos no trânsito com um homem que eu chuto ser italiano por quão carregado era o sotaque dele enquanto a chuva desabava sobre o capô. Chegando na Pinacoteca eu fui pra uma exposição de um artista chinês que era focada no futurismo. Tinha um documentário sobre o metaverso aonde ele questionava pessoas na China sobre a opinião delas sobre o que o metaverso é hoje, o que ele pode ser, e se as pessoas estão dispostas a viver esse mundo digital. Isso me fez pensar, não há nada nesse mundo que possa simular a experiência de viver no mundo real, o calor de um abraço, o fervor de uma paixão, o calor de uma televisão quando você pousa sua mão sobre a tela dela enquanto ela transmite o jornal, o frescor de entrar numa sala refrigerada num dia de calor escaldante. O metaverso pra mim é uma furada. Mas talvez não seja para o autor do documentário; ele questionou pra várias pessoas se elas topariam o metaverso se soubessem que havia a possibilidade de se apaixonar lá. Paixão é um grande eixo da minha existência, mas mesmo se eu soubesse que há essa possibilidade eu não toparia. Pra mim tudo tem que ser real no sentido literal. Não tem como recriar digitalmente a experiência de uma ficada com alguém por quem você nutre sentimentos.

[pikasus-artenews]

Futurismo italiano. Il contributo del Mezzogiorno agli sviluppi del movimento

Un progetto espositivo sul Futurismo che nasce dalla collaborazione traMuseo Nazionale di Matera e Direzione regionale Musei del Veneto

[sebastianbianchi-blog]

Juan Caramuel: Laberintos y artefactos

A diferencia de los significantes estáticos y las lecturas horizontales de margen a margen que diagraman los textos tradicionales, los laberintos y poemas-máquina de Juan Caramuel Lobkowitz proponen un plan textual abierto a las virtualidades del movimiento, los mecanismos combinatorios y las estrategias de lectura multifocales de los llamados artefactos o artificios literarios que han proliferado en las poéticas españolas del manierismo y el barroco. Esta fascinación por el movimiento, abordada posteriormente en muchas obras pictóricas del futurismo italiano y el arte cinético desde la década del ´50 en adelante, encuentran ya en los mecanismos icónico-verbales de Caramuel un antecedente remoto en esa búsqueda de la interacción y los desplazamientos combinatorios que se activan con cada nueva lectura. Asimismo, la estructura textual circular, radiada o en damero de sus laberintos y poemas-máquina plantean la posibilidad del movimiento virtual primero, y luego del movimiento real de los segmentos lingüísticos e icónicos que, al activar determinados sectores textuales por parte del receptor, conforman infinidad de mensajes posibles en cada nuevo recorrido de decodificación.

Artículo completo: https://opcitpoesia.com/juan-caramuel-laberintos-y-artefactos/

Revista Op. Cit. Agosto de 2016.

[hldrmusicametria]

Review de Flying Shark

Um lançamento que havia passado despercebido por mim mais cedo no ano foi Flying Shark, da banda eurobrasileira The Grombbles. O grupo, que se juntou inicialmente no fim da década de 70, mas passou por um longuíssimo hiato, e cujos únicos lançamentos até então haviam sido curtos EPs, finalmente lança seu disco de estreia, quase 50 anos após sua formação inicial. Apesar de uma discografia curta, as performances ao vivo intensas mantiveram o perfil da banda bem proeminente em círculos musicais mais experimentais, especialmente por ter membros do Funhauser e Fefo Falleiros na formação, quase como a relação do Camberwell Now com This Heat. A banda fez parte de um movimento/gênero de curta duração chamado Pizza Rock, que trazia uma veia satírica ao Rock In Opposition, e apresentava ideias puxadas de música eletroacústica e dos princípios da música eletrônica, mas acabou abandonando o movimento quando este começou a tomar uma forma mais séria em 1981, especialmente considerando bandas como Like May e Postpartum, que em 1982 já haviam abandonado completamente a veia satírica para focar em estudos intensos de marxismo italiano e o pensamento de Mao Zedong.

O disco te introduz às suas experimentações musicais logo de cara. É impressionante que músicos que a essa altura do campeonato têm mais de setenta anos consigam parecer tão jovens em sua ousadia musical. Apesar de seu estilo emprestar muito do Rock Progressivo (especialmente da onda do Rock In Opposition), o uso de drones de sintetizador analógico também mostram uma certa influência de Space Age Pop e do futurismo do fim dos anos 60, de forma bem irônica e ácida, quase como uma faixa do Frank Zappa, ou They Might Be Giants. Só essa introdução já serviria o suficiente, mas as faixas seguintes introduzem elementos de Trip Hop, samples equivalentes aos encontrados em faixas de rap, uso de colagens sonoras e soundscapes industriais junto de passagens de folk, mas tudo sublinhado por guitarras, bateria e baixo, continuando as ideias de Prog Experimental, mas de uma maneira que desconstrói os tropos de bandas como Black Midi e Henry Cow.

Não obstante, os temas das faixas, apesar de questionáveis (com uma forte veia "anti-lacração", e com algumas referências de caráter duvidoso a teorias da conspiração), são explorados com uma lírica incisiva e poética (que acabam se perdendo para mim, já que o disco puxa umas ideias da caixa do Manu Chao e usa pelo menos duas línguas inteligíveis, junto com um pouco de bobagens sem sentido), que dá ao disco, apesar de seu caráter satírico e humorístico, uma complexidade maior. Um momento de destaque é It's Over, Jessica, em que a banda traz um mote quase de espelho, com a primeira parte da faixa trazendo a frase "Drone over me, sweet baby Jessica/I'll hang under you", que na segunda metade é referenciada no trecho "Te dá la gana, no quiero/Huye de mí, mirote de arriba". A faixa encerra no mantra "Huye, soy tu bruma", que muda todo o tom cômico do disco a um terror assombroso.

Mesmo com sua ousadia, é importante notar alguns aspectos negativos gritantes do disco, o principal sendo a inconsistência. Apesar das faixas trazerem uma variedade interessante de sons, esses sons nem sempre se combinam, com passagens de folk em uma faixa sendo cortadas por um industrial psicodélico na faixa seguinte, sem nenhum tipo de sequenciamento lógico. Para além disso, a banda se perde em algumas das experimentações, criando algumas experiências tediosas ou totalmente incongruentes. Apesar de sua influência no passado, é possível ver porque algumas dessas ideias não haviam sido executadas em estúdio, é quase impossível pensar em uma única gravadora que conseguiria fazer um marketing minimamente lógico desse disco.

No fim de tudo, o disco é uma aventura intrigante, mas que ocasionalmente deixa a desejar devido à sua inconsistência e tendências líricas duvidosas.

[personal-reporter]

Festival delle Nazioni 2023 a Città di Castello

Dal 23 agosto al 7 settembre a Città di Castello e in Valtiberina protagonista della cinquantaseiesima edizione del Festival delle Nazioni sarà l’Italia, come seconda tappa d’un progetto triennale iniziato lo scorso anno e dedicato al rapporto che i tre paesi europei ebbero con i territori in cui hanno lasciato una forte eredità culturale. Il concerto inaugurale del 23 agosto sarà dedicato alla musica del periodo tra Quindicesimo e Sedicesimo secolo, in occasione dei cinquecento anni della morte del Perugino e del Signorelli, che hanno lasciato diverse opere a Città di Castello e nel territorio limitrofo e l’Ensemble Micrologus, uno dei migliori gruppi esperti nella musica di quel periodo, accosterà autori anonimi al sommo Josquin Desprez. È molto attinente al tema del festival Inquietudini ruggenti,  un nuovo spettacolo di parole e musica, che il 24 racconterà gli anni dell’inizio del colonialismo italiano, con testi a cura di Caterina Casini e Fabio Mangolini e musiche composte per l’occasione da Mattia Novelli. Il giorno successivo l’Umbria Ensemble eseguirà musiche strumentali del periodo tra le due guerre mondiali,  tra futurismo e passatismo, con brani notissimi di Puccini e Mascagni, poco noti di Alfredo Casella e rarissimi di Balilla Pratella e Franco Casavola. Il 26 agosto è in programma un concerto in collaborazione con l’Accademia internazionale d’arte lirica di Osimo, che proporrà romanze da camera e canzoni d’autore di quello stesso periodo, alternando grandi musicisti quali Pizzetti, Respighi e Castelnuovo-Tedesco a canzoni dialettali ricche di ironia nei confronti della politica coloniale italiana. Nella sera del 30 si potrà riascoltare la musica leggera italiana degli anni Trenta, Quaranta e Cinquanta nell’interpretazione della Papillon Vintage Swing Band, da Quel motivetto che mi piace tanto  a Nel blu dipinto di blu,  passando per Baciami piccina  e Bellezza in bicicletta. Il concerto dell’1 settembre sarà un omaggio a  Casella nella vita musicale italiana nei primi decenni del Novecento, dove il duo pianistico Alberto Miodini - Pierpaolo Maurizzi eseguirà i suoi Quattro film musicali e la sua trascrizione per pianoforte a quattro mani della Sinfonia n. 7  di Mahler, a testimonianza della precoce intuizione di questo compositore. Il giorno seguente l’Orchestra Filarmonica Italiana diretta da Stefano Seghedoni farà ascoltare alcuni brani sinfonici di Elena Barbara Giuranna, Adriano Lualdi, Guido Pannain e Francesco Santoliquido, inneggianti alle imprese coloniali italiane e il 29 agosto l’Atse Tewodros Project e la scrittrice e performer italiana di origine etiope Gabriella Ghermandi presenteranno brani della musica tradizionale etiope, in stile jazz, includendo canzoni della resistenza etiope contro l’esercito invasore italiano. A chiudere il festival sarà il 7 settembre la prima esecuzione di Ciondolino,  opera da camera di Stefano Garau, su un libretto di Enrico Paci liberamente ispirato al racconto del giornalista ed educatore Luigi Bertelli, noto con lo pseudonimo di Vamba, che coinvolgerà musicisti professionisti ma anche il sistema scolastico musicale di Città di Castello, offrendo ai giovani la possibilità di inserimento in una produzione di teatro musicale. Read the full article