#Fuente de Venus

[manessha545]

Fuente de Venus, Piriápolis, Uruguay: The Fountain of Venus is located on Avenida de Mayo in the Uruguayan city of Piriápolis (Maldonado), almost at the exit to Route 93. The park where the fountain is located is accessed by Defensa Street or by the Camino de Los Arrayanes at the base of Cerro del Toro. It was built by Francisco Piria, founder of the city of Piriápolis, whose original name was "City of the Future". The temple is the work of the architect Beltrame. The statue of Venus was designed by Mathurin Moreau and made in the French foundry Val D'Osne. Wikipedia

[rinascimentoebarocco]

Simonetta Cattaneo Vespucci the Venus who lived in Florence

Simonetta Cattaneo Vespucci la Venus que vivió en Florencia

Detail of The Virgin and Child with Saint John and an Angel (1490) / Detalle de La Virgen y el Niño con San Juan y un ángel (1490) Sandro Botticelli

(English / Español / Italiano)

The 'beautiful Simonetta', the 'peerless one': these are the two nicknames by which one of the most famous noblewomen of the Florentine Renaissance, Simonetta Vespucci, born Cattaneo (Genoa or Portovenere, 1453 - Florence, 1476), entered into legend.

Considered a woman of incomparable beauty, the object of desire of many men in mid-15th-century Florence, a member of one of the oldest families of the Genoese nobility (the Cattaneo), married at only sixteen to the banker Marco Vespucci (a relative of the more famous Amerigo, the navigator who gave his name to America), she died very young (at only twenty-three, probably of plague or tuberculosis) and was associated with the names of many artists of the time, for whom she would have posed.

Her beauty was the source of inspiration for Sandro Botticelli in the creation of some of the most important paintings ever created. The painter could not bear the loss of his muse, and lived the rest of his life obsessed with her beauty, portraying her in many of his works. Among them is the painting "Venus and Mars", in which the gods are represented by Simonetta and Botticelli himself.

Almost nine years after her death, Botticelli completed "The Birth of Venus", his greatest homage to Simonetta and a painting which, over the centuries, would become his most representative work.

The painter, who never married, died in 1510 and was buried at the foot of Simonetta's tomb in the church of Ognissanti in Florence, as he had expressed in his last will. Perhaps this was the only way he could spend eternity with the most beautiful woman of the Renaissance.

-----------------------------------------------------------------------------

La "bella Simonetta", la "sin par": estos son los dos apodos con los que entró en la leyenda una de las nobles más famosas del Renacimiento florentino, Simonetta Vespucci, nacida Cattaneo (Génova o Portovenere, 1453 - Florencia, 1476).

Considerada una mujer de belleza incomparable, objeto de deseo de muchos hombres en la Florencia de mediados del siglo XV, miembro de una de las familias más antiguas de la nobleza genovesa (los Cattaneo), casada con sólo dieciséis años con el banquero Marco Vespucci (pariente del más famoso Amerigo, el navegante que dio su nombre a América), murió muy joven (con sólo veintitrés años, probablemente de peste o tuberculosis) y estuvo asociada a los nombres de muchos artistas de la época, para los que habría posado.

Su belleza fue la fuente de inspiración de Sandro Botticelli en la creación de algunas de las pinturas más importantes jamás creadas. El pintor no pudo soportar la pérdida de su musa, y vivió el resto de su vida obsesionado con su belleza, retratándola en muchas de sus obras . Entre ellas destaca el cuadro "Venus y Marte", en el que los dioses son representados por Simonetta y el propio Botticelli.

Casi nueve años después de su muerte, Botticelli finalizó “El nacimiento de Venus”, su mayor homenaje a Simonetta y cuadro que, con el paso de los siglos se convertiría en su obra más representativa.

El pintor, que nunca se casó, falleció en 1510 y fue enterrado a los pies de la tumba de Simonetta, en la Iglesia de Ognissanti en Florencia, tal y como había expresado en su última voluntad. Quizá fue la única forma que encontró para poder pasar la eternidad junto a la mujer más bella del Renacimiento.

------------------------------------------------------------------------------

La “bella Simonetta”, la “senza pari”: sono questi i due soprannomi con cui è entrata nella leggenda una delle più celebri nobildonne del Rinascimento fiorentino, Simonetta Vespucci, nata Cattaneo (Genova o Portovenere, 1453 - Firenze, 1476).

Considerata una donna di incomparabile bellezza, oggetto del desiderio di molti uomini nella Firenze di metà Quattrocento, membro di una delle più antiche famiglie della nobiltà genovese (i Cattaneo), sposata a soli sedici anni con il banchiere Marco Vespucci (parente del più celebre Amerigo, il navigatore che diede il nome all’America), morì giovanissima (a soli ventitré anni, probabilmente di peste o tubercolosi) e fu associata ai nomi di molti artisti dell’epoca, per i quali avrebbe posato.

La sua bellezza fu fonte di ispirazione per Sandro Botticelli nella creazione di alcuni dei più importanti dipinti mai realizzati. Il pittore non riuscì a sopportare la perdita della sua musa e visse il resto della sua vita ossessionato dalla sua bellezza, ritraendola in molte delle sue opere. Tra queste, il dipinto "Venere e Marte", in cui gli dei sono rappresentati da Simonetta e dallo stesso Botticelli.

Quasi nove anni dopo la sua morte, Botticelli completò "La nascita di Venere", il suo più grande omaggio a Simonetta e un dipinto che, nel corso dei secoli, sarebbe diventato la sua opera più rappresentativa.

Il pittore, che non si sposò mai, morì nel 1510 e fu sepolto ai piedi della tomba di Simonetta nella chiesa di Ognissanti a Firenze, come aveva espresso nelle sue ultime volontà. Forse questo era l'unico modo per trascorrere l'eternità con la donna più bella del Rinascimento.

[jartita-me-teneis]

LA CLOACA MAXIMA La cloaca máxima fué construída a finales del siglo VI a.c. por el rey Tarquinio Prisco. Aunque recientemente se ha demostrado que su construcción es de la época de los etruscos pues vivían en el centro de Italia antes de que llegaran los romanos y en origen era un canal. Con el tiempo, los romanos cubrieron el canal y lo transformaron en una red de alcantarillado de la ciudad. Esta obra pública fué mayormente lograda gracias a ingenieros etruscos y al trabajo de obreros provenientes de las clases más pobres de la ciudadanía . Los once acueductos que proporcionaban agua a Roma en el siglo I, fueron finalmente canalizados a la cloaca después de haber abastecido a los baños públicos como las termas de Diocleciano y las de Trajano, las fuentes públicas, los palacios imperiales y las domus particulares. El abastecimiento continuo de agua corriente ayudó a deshacerse de los desperdicios y a mantener las cloacas libres de obstrucciones. Las mejores aguas se reservaban para beber, y las de segunda calidad se usaban en los baños, cuyos residuos se conectaban con la red de cloacas por debajo de las calles. La Cloaca Máxima se mantuvo en buen estado durante toda la época imperial gracias a su mantenimiento. A día de hoy , arrastra agua de lluvia y deshechos desde el centro de la ciudad, por debajo del Foro, el Velabro y el Foro Boario. Se pensaba que la Cloaca Máxima era presidida por la diosa Cloacina: a "Venere Cloacina" (Venus Cloacina) le fué dedicado un pequeño santuario circular, en el punto en el que la conducción entraba en el Foro Romano, ante la basílica Emilia. Sabemos que también cuerpos de fallecidos eran arrojados a las cloacas en lugar de enterrarlos , entre ellos, el del emperador Heliogábalo. La salida de la Cloaca Máxima al río Tíber es todavía visible hoy desde las cercanías del ponte Rotto, y cerca del puente Palatino. Hay una escalera de acceso que desciende visiblemente desde la basílica Julia en el Foro.

[notasfilosoficas]

“El verdadero infiel es el que hace el amor sólo a una fracción de ti. Y niega el resto”

Anaïs Nin

Anaïs Nin Culmell fue una escritora francesa de padres cubano-españoles nacida en Neully-Sur_Seine en febrero de 1903. Fue autora de novelas vanguardistas en el estilo surrealista francés, y principalmente conocida por sus escritos sobre la vida y su tiempo, recopilados en los llamados Diarios de Anaïs Nin.

Sus padres fueron, la cantante cubana de origen francés y danés Rosa Culmell y el compositor y pianista cubano de ascendencia española Joaquín Nin, quien la abandona cuando Anaïs tenia 11 años, hecho que la marcó durante gran parte de su vida.

A los 19 años, Anaïs consigue trabajo como modelo y bailarina de flamenco, y se casa en La Habana Cuba con el banquero Hugh Guiler, con quien se marcha a vivir a Paris para estudiar danza española. Durante este tiempo, su vida aburrida y la lectura de D.H. Lawrence la motivan a convertirse en escritora.

En 1930, publica un ensayo sobre Lawrence, y un año después conoce a Henry Miller, el novelista estadounidense de quien tiempo después se convertiría en su amante. Durante este tiempo se convirtió en la amante de la mujer de Miller, June, con quien practicó el vouyerismo.

En 1939, emigra a Estados Unidos y allí se convierte en la primera mujer que publica relatos eróticos. “Delta de Venus” denota una fuerte influenza del Kamasutra.

Enfrentada con una necesidad desesperada por conseguir dinero, Nin y Miller comenzaron a escribir narrativas eróticas y pornográficas en la década de los 40 para un coleccionista anónimo.

En 1955, se casa por segunda vez con Rupert Pole, quien fuera su agente literario sin divorciarse de su primer esposo Hugh Guiler y sin que este último lo supiera. 

Por años, Nin mantuvo una doble vida dividiendo su tiempo en la modesta casa de Rupert Pole en California y el opulento apartamento de Hugh Guiler en Nueva York. 

Guiler toleraba los affairs de su esposa incluido el romance con Rupert Pole, aunque nunca supo de su matrimonio con él.

En 1966 cuando Anaïs Nin entró en la notoriedad pública por el éxito de sus diarios, hizo anular su matrimonio con Pole.

De los Diarios de Anaïs Nin, existen en la actualidad dos versiones publicadas en sus diarios debido a que mucha gente a la que Anais menciona aun vivían cuando el primer volumen fue publicado en la década de 1960.

Nin ha sido aclamada por muchos críticos como una de las más destacadas escritoras de la literatura erótica femenina. Antes de ella la literatura erótica era muy escasa con algunas pocas excepciones.

Su obra a sido llevada al cine en “Henry y June” del director Philip Kaufman, y al teatro con La casa del incesto.

En 1973 recibió un doctorado Honoris Causa del Philadelphia College of Art. 

Anaïs Nin murió en enero de 1977 a la edad de 73 años en Los Angeles California y sus cenizas fueron esparcidas sobre la Bahia de Santa Mónica.

Fuente Wikipedia

[yaellaharpe-blog]

El Hombre-León de la cueva de Hohlenstein-Stadel

The Lion Man from the Hohlenstein-Stadel cave

(Español / English)

NO ES EL REY LEÓN, PERO...

Os presentamos una de las maravillas más antiguas del arte mueble paleolítico: el Hombre-León de la cueva de Hohlenstein-Stadel, en Alemania.

Hace unos 32.000 años alguien talló delicadamente esta figura de casi 30 cm de altura tallada en un colmillo de mamut. Representa a un ser híbrido entre humano y león, habiendo quienes consideran que era un chamán con un tocado de cabeza de león o quienes sostienen que era una divinidad, o un simple adorno, o un objeto apotropáico o... Como ocurre con las Venus o el propio arte rupestre, caben muchas interpretaciones. En el brazo muestra 7 misteriosas marcas, como de garras, que tampoco ayudan a desentrañarlo.

Pero más allá de la belleza de esta figurita, la traemos porque es un titánico ejemplo de reconstrucción. Su descubridor, Robert Wetzel, recogió en 1939 más de dos centenares de fragmentos de marfil de mamut en las excavaciones de la cueva, intuyendo que podía tratarse de algo importante. Nunca tuvo oportunidad de trabajar con ellos porque inmediatamente después del descubrimiento fue llamado a filas. Estallaba la II Guerra Mundial.

Así que nuestra figurita permaneció en un cajón repartida en 200 pequeños pedazos durante más de 30 años. Su restauración, tal como lo veis en la imagen, duró 40 años más.

Fuente: ArqueoEduca

The Lion Man from the Hohlenstein-Stadel cave

IT'S NOT THE LION KING, BUT… We present to you one of the oldest marvels of Palaeolithic furniture art: the Lion Man from the Hohlenstein-Stadel cave in Germany. About 32,000 years ago, someone delicately carved this nearly 30 cm high figure from a mammoth tusk. It depicts a hybrid being between a human and a lion, with some believing it was a shaman with a lion's headdress, others claiming it was a divinity, or a simple ornament, or an apotropaic object, or…. As with the Venus or cave art itself, there are many interpretations. On the arm it shows 7 mysterious claw-like marks, which do not help to unravel it either. But beyond the beauty of this figurine, we bring it to you because it is a titanic example of reconstruction. Its discoverer, Robert Wetzel, collected in 1939 more than two hundred fragments of mammoth ivory in the excavations of the cave, sensing that it could be something important. He never had the chance to work with them because immediately after the discovery he was drafted into the army. World War II was breaking out. So our figurine remained in a drawer in 200 small pieces for more than 30 years. Its restoration, as you see it in the picture, took another 40 years.

[jgmail]

La puerta al corazón de la estética religiosa  

Por Valentina Rivera Goez 

Nuestro primer objetivo debe ser comprender el mundo, pero para comprender el mundo es necesario abrir la puerta de nuestro corazón para poder captar todo aquello que nos rodea. Una de las formas por medio de las cuales se expresa la dimensión estética del arte es precisamente la religión. Es por esa razón que no pienso que el pensamiento no puede reducirse únicamente a la razón, sino que debe brotar de lo más profundo de nuestro ser. Es precisamente de esta profundidad de donde surgen todas las posibilidades que dan forma al arte.  

La religión inspira al arte. Aunque no solo la religión ortodoxa, sino también el paganismo. Estatuas incomparables como el Laocoonte o la Venus de Milo son excelentes ejemplos, también las líneas de Nazca o la estela Raimondi de las ruinas de Chavín de Huántar entran en esta descripción. 

Según este orden de ideas, podemos dar diferentes visiones de la obra de arte desde un pensamiento religioso, pues la religión influye el arte, pero también transforma al artista. Las diferentes tradiciones de las distintas culturas del mundo están ligadas igualmente por el arte, por lo que existe una fuerte conexión entre la sabiduría y el entendimiento religioso del mundo. Una tesis que es defendida por todos los historiadores del arte es que el romanticismo, como rebelión contra la Ilustración y el racionalismo, no desapareció realmente después de su período de auge a comienzos del siglo XIX, sino que más bien mutó a lo largo del tiempo. En este sentido, corrientes como el simbolismo o el surrealismo serían en realidad continuaciones del romanticismo, retomando muchos de sus aspectos oscuros y negros que se expresaron en el arte y la literatura. Corrientes como los prerrafaelistas, los navis, el dadaísmo, etc., no fueron sino continuaciones de esa rebelión estética en contra del conocimiento racional y científico en nombre de una forma de conocimiento no racional. Esta forma de conocimiento no está basada en la razón y sus cadenas causales, sino en un conocimiento inmediato y simbólico donde podemos captar la totalidad del sentido por medio de la imaginación y las imágenes. Este medio de conocimiento, que ha existido desde épocas antiguas es despreciado por el mundo moderno, sin embargo, nuestro interés en el arte es precisamente volver sobre este modo de conocimiento y sobre los artistas que fueron influidos por estas corrientes artísticas. 

Al igual que Josephin Péladin, nosotros creemos que el artista es un rey, un sacerdote cuyo objetivo es preservar la tradición y la fuente de la belleza en un mundo donde solo prima el dinero o el materialismo. Péladin solía decir: “Artista, eres un sacerdote: El arte es el gran misterio y si tu esfuerzo se traduce en una obra maestra, un rayo de divinidad descenderá al altar. Artista, eres un rey: El arte es el verdadero imperio, si tu mano traza una línea perfecta, los propios querubines descenderán para deleitarse con su reflejo... Puede que un día se cierren las Iglesias, pero [¿qué pasará] con los Museos? Si Notre-Dame es profanada, el Louvre será el nuevo oficiante... La humanidad, ciudadanos, irá siempre a misa, cuando el sacerdote sea Bach, Beethoven, Palestrina: ¡no se puede convertir al órgano en un instrumento ateo! Hermanos de todas las artes, hago sonar este grito de guerra: formemos una santa milicia para la salvación del idealismo... construyamos el Templo de la Belleza... porque el artista es un sacerdote, un rey, un mago, porque el arte es un misterio, el único imperio verdadero, un gran milagro” (1). 

Es de esta manera que podemos observar cómo la religión termina por darnos un sin fin de ideas nacidas de una visión espiritual del mundo. Un ejemplo perfecto sería Rubens, el cual da un sentido sensual a sus obras tocando temas tradicionales sacados de la mitología y las leyendas religiosas. Rubens es la perfecta manifestación de un espíritu dionisíaco donde el artista celebra la carne en sus obras. Sus trabajos, como Las Tres Gracias, desbordan un naturalismo donde figuras femeninas grandes y redondas, que recuerdan a las viejas Venus neolíticas, expresan un mundo de abundancia, placer y vida. Otras de sus obras, por el contrario, expresan la dimensión trágica de la vida Diana y Calisto, donde las diosas y las ninfas lloran inconsolablemente frente a la muerte. 

Las tres Gracias (Rubens) 

Diana y Calisto (Rubens) 

Otro gran exponente de esta tendencia es el artista romántico William Blake, cuyas maravillosas obras de arte reflejan un simbolismo con un profundo arraigo espiritual que reflejan una interioridad y fantasía que impregnan todos sus trabajos. Estas obras igualmente las podemos ver en su poesía. Blake era un acuarelista que trató de conversar con lo supranatural de forma constante. En su infancia afirmaba que se había encontrado con el profeta Ezequiel bajo un árbol y desde entonces dibujó toda clase de imágenes religiosas sacadas de otro mundo. Algunos ejemplos son la Escalera de Jacob, donde se observa el ascenso hacia otro mundo muy diferente al nuestro. Otras imágenes parecen sacadas de un mundo de fantasía oscura y perturbador, como el Nabucodonosor o El dragón rojo. Sobre Blake el escritor británico Chesterton escribió lo siguiente: «No había nada extravagante ni ostentoso en el sobrenaturalismo de Blake. Lo sorprendente no era su frenesí, sino su calma. Desde que conoció a Ezequiel bajo un árbol, nunca había hablado de tales seres excepto en los tonos más ordinarios». El siglo XVIII está lleno de sobrenaturalismo declamatorio, pero Blake fue el único que habló de lo sobrenatural con naturalidad. Muchas figuras muy respetadas dieron fe de milagros; él se limitó a mencionarlos de pasada. Cuando decía que había conocido a Isaías o a la reina Isabel, no lo relataba como un hecho indiscutible, sino como un suceso tan cotidiano que ni siquiera era discutible. Soberanos y profetas bajaban del cielo o se levantaban del infierno para posar para él y él se quejaba de ello sin mostrar la menor sorpresa, como si sólo fueran modelos profesionales que le causaban un poco de molestia» (2). 

Escalera de Jacob (William Blake) 

Nebuchadnezzar (Tate Britain) 

The Great Red Dragon paintings 

Nos gustaría detenernos en el arte de Gustave Moreau, un pintor simbolista en que el abundan las referencias religiosas mezcladas con un fuerte sentido de lo decadente y en los cuales aparecen muchos elementos propios de su época. Sus obras están cargadas de un fuerte simbolismo y estilo críptico que en muchas ocasiones resulta desconcertante. Muchas de sus imágenes tienen un fuerte sentido místico donde las escenas bíblicas y mitológicas adquieren un sentido surrealista, casi como si se trataran de un sueño. El ejemplo perfecto de ello es Salomé (La aparición), ya que en el cuadro se muestra la cabeza flotante de San Juan Bautista después de ser decapitada por el rey Herodes. Otro ejemplo sería la escena abigarrada y confusa, llena de colores y formas extrañas, de Júpiter y Sémele donde los dioses, ángeles y ninfas contemplan impávidos como un imperturbable Júpiter devora a Sémele para dar nacimiento a Minerva. 

The Apparition de Gustave Moureau 

Jupiter and Semele de Gustave Moreau 

Un autor mucho más actual sería Vasili Vasílievich Kandinski, cuya visión del arte abstracto está impregnada de una fuerte espiritualidad. Kandinski nos mostró como el objeto pasa a un plano secundario para darle forma a una idea anterior. Kandinski era un anarquista y consideraba que el deber del arte era volver a ese mundo anterior al realismo, el cual había destruido el arte y era la causa de la degeneración contemporánea. De allí que muchas de sus obras, como la Composición VII, la cual nos muestra un torbellino de luces y colores, son un intento de captar el ajetreo y movimiento del mundo moderno, un mundo que se deshace de las formas para convertirse en puro contenido. El arte ya no es referencial, sino que intenta explorar aquellos temas que fueron dejados de lado e incluso inspirándose en el arte campesino más antiguo para darle forma a la estética. Kandinski, junto Franz Marc, fundó el Blau Ritter como un intento de superar la degeneración moderna y devolverle al artista su papel como sacerdote, como guía espiritual del mundo, que le había sido arrebatado por el racionalismo. En su libro De lo espiritual en el arte, Kandinski habla sobre la responsabilidad del artista hacia la comunidad en la que vive y señala, igual que Peládin, que el poeta está en el origen de toda forma organizada: “El artista, comparado con el que no lo es, tiene tres responsabilidades: 1.º ha de restituir el talen que le ha sido dado; 2.º sus actos, pensamientos y sentimientos, como los de los otros hombres, conforman la atmósfera espiritual, la aclaran o la envenenan; 3.º sus actos, pensamientos y sentimientos, que son el material de sus creaciones, contribuyen a su vez a esa atmósfera espiritual. No es rey, como le llamó San Peladan, en el sentido de que posee un gran poder, pues su obligación también es muy grande” (3). 

Vassily Kandinsky, 1913 - Composition 7 

Creo que estos ejemplos que hemos señalado de pasada, muchos de los cuales son ignorados a menudo por el predominio actual del racionalismo, permiten ver que la imaginación tiene un componente espiritual. Algunos de estos artistitas también se interesaron por la alquimia, el esoterismo y el paganismo como un medio para observar el mundo más allá de la realidad material y física que percibimos. Un ejemplo de ello fueron los poetas malditos, como Charles Baudelaire y Arthur Rimbaud. Baudelaire desarrolló la teoría de las correspondencias y la sinestesia. La teoría de la correspondencia consiste en darnos cuenta de que los acontecimientos cotidianos de nuestra vida son en realidad signos que nos hablan de realidades no humanas o supra-físicas que ocurren a nuestro alrededor, mientras que la sinestesia consiste en un desarreglo de los sentidos para observar el aspecto oculto de la realidad que no se nos presenta manifiestamente. Arthur Rimbaud expresó este ideal estético de forma clara cuando escribió: “Quiero ser poeta y me estoy esforzando en hacerme Vidente: ni va usted a comprender nada, ni apenas si yo sabré expresárselo. Ello consiste en alcanzar lo desconocido por el desarreglo de todos los sentidos” (4). Este principio sin duda puede aplicarse a varias corrientes artísticas que intentaron seguir este camino, caso del simbolismo y el surrealismo, los cuales intentaron abrir un nuevo camino en el arte dejando de lado el realismo y la correspondencia del arte con la realidad. El arte antiguo y medieval no se basaba en una simple reproducción de la realidad, como sucedió posteriormente con el arte moderno, sino más bien en un despliegue de la imaginación, como sucede en el Jardín de las delicias del Bosco o como uno de tantos momentos místicos provenientes de la Edad Media. Es por eso que pesamos que en la medida en que el arte fue dándole primacía a la reproducción de la realidad, la cual acabó en la reproducción mecánica de la obra de arte como decía Walter Benjamin, el arte decayó y se destruyó. El escritor anarquista Gustav Landauer sostenía este punto: “Landauer siempre se preguntó cómo revivir el espíritu comunitario dentro de la sociedad moderna y abogaba por una reestructuración de la sociedad en pequeñas comunas autónomas rurales. Landauer creía, al igual que Kropotkin, que los escritores, poetas y artistas eran los verdaderos guías del pueblo y por eso consideraba que el triunfo del realismo artístico era el origen de la decadencia espiritual de la Modernidad. Landauer publicó un libro titulado Die Revolution en 1908 donde alababa la Edad Media y decía que los gremios medievales eran el modelo de organización comunitaria por excelencia. Además, sostenía que la espiritualidad medieval se fue evaporando en la medida en que el realismo fue imponiéndose en las artes… por el Estado…” (5). 

El jardín de las delicias 

Ahora bien, el arte no solo se reduce a las pinturas o las esculturas, sino que también la literatura es un medio para la expresión artística: los poemas y obras literarias de William Blake, Gustavo Adolfo Bécquer, Charles Baudelaire, Gerard de Nervald, Antonin Artaud o la Divina Comedia de Dante son expresiones magnificas en este sentido. Podríamos agregar las obras literarias de otros autores, como El Anticristo de Dmitri Serguéievich Merezhkovski, las obras místicas de Raymond Abelio y Jean Parvulesco, las novelas de Herman Hesse, las historias de Virgilio, los Puranas hindúes y el I Ching chino. Todos estos libros gozan de un fuerte carácter religioso que se puede percibir en su contenido. Blake una vez escribió sobre sus trabajos: «No conozco otro cristianismo o Evangelio, aparte de la libertad del cuerpo y de la mente juntos, para ejercitar las divinas artes de la Imaginación, de la Imaginación que es la obra real y eterna de la que el universo de la vida no es más que una sombra debilitada, y en la que viviremos en nuestros cuerpos eternos e imaginarios cuando estos cuerpos mortales de la vida ya no existan» (6). Esta idea sin duda resulta de una gran importancia para nosotros y quisiéramos seguir explorándola en nuestros trabajos futuros. 

El arte también puede dotar a la religión de un aire de alivio y frescura que muchas veces no se percibe a simple vista, pues la representación visual de las ideas permite captar las cosas de una manera sorprendente, como sucede con las Muy Ricas Horas del duque de Berry en las cuales queda plasmada la vida cotidiana del pueblo de su época. 

Las muy ricas horas del Duque de Berry 

Es precisamente este punto de iluminación, de claridad, el que nos permite decir que los artistitas son influidos por una luz divina que da al mundo físico un aspecto distinto. Es precisamente el acceso a esa luz divina lo que permite al artista conocer la realidad de una forma distinta. Hoy en día muchos rechazan el hecho de que el arte o los artistas famosos y más relevantes de los últimos siglos hayan sido influidos por literatura espiritual y religiosa, pero existen muchas evidencias de ello. Tanto es así que incluso los actuales críticos de arte contemporáneo y los historiadores del arte actual reconocen estas influencias en muchos artistas de primer orden. “La palabra «vergonzoso» (embarrassing)”, escribe Alex Rose, “es extraída de un texto de teórica del arte de Rosalind Krauss que en 1979 dice que ‘ahora nos parece extremadamente vergonzoso poner las palabras arte y espíritu en la misma frase’. Sin embargo, Kandinsky, Pound y otros modernistas absorbieron a principios del siglo XX lo que Silver llama ‘una amalgama de fuentes espirituales – cristianas, hindúes, budistas, cabalísticas y alquímicas – simplemente descabelladas’. El hacerse pasar por brujos o gurús inspiró a muchos a artistas y escritores en sus intentos de hacer estallar la tradición y crear un nuevo orden” (7). 

Por otra parte, podemos decir que las fiestas y carnavales también encarnan un espíritu artístico y religioso que nos lleva a reencontrarnos no solo con las tradiciones más antiguas, sino también con el espíritu estético de una comunidad particular de la cual puede brotar una obra de arte. Los antropólogos han demostrado que las celebraciones son rituales que buscan reconstruir el todo social por medio de múltiples sentidos, ya que “la fiesta constituye un hecho social y cultural complejo, que al celebrar la vida y la experiencia de comunidad mediante ciclos rituales es capaz de movilizar sentimientos y emociones, así como de aglutinar las más diversas formas de expresión: deporte, juego, arte, comensalidad, sexo, hedonismo, ornamentación, liturgia, éxtasis, danza, exceso, desmadre, espectáculo, literatura, artes escénicas, ceremonia, diversión, cuerpo y espíritu. Un estado especial de catarsis personal y colectiva que transgrede las rutinas cotidianas y genera plenitud y trascendencia. Un tiempo excepcional y carismático, históricamente vinculado a las más diversas expresiones de religiosidad, en que se celebra la naturaleza y la intensidad vital... Además, las fiestas no solo constituyen un reflejo bastante fiel de las sociedades que las celebran, con sus esperanzas, ilusiones, mitos, divisiones, contradicciones y conflictos, sino que también tienen el poder de generar innovaciones y cambios en aquellas (Hernàndez, Marín y Martínez Tormo, 2022), un aspecto crucial para entender su fuerza performativa” (8). Colombia es un país de fiestas, donde se celebran precisamente nuestras tradiciones con todas sus contradicciones y cantos que abarcan las diferentes realidades de nuestro ser. 

Es importante que profundicemos en el paganismo a la luz de la obra de arte y la inspiración que podemos extraer de ella, porque de ese modo encontraremos que están más unidos de lo que parecen. De hecho, un excelente momento para captar el aspecto pagano de nuestra sociedad lo encontramos en las fiestas, de las que hablamos más arriba. Las fiestas del Corpus Christi en el Caribe colombiano, como han demostrado los antropólogos, conservan gran parte del patrimonio pre-cristiano mezclado con elementos católicos que podemos asimilar de varias maneras. Un ejemplo perfecto de esto es la historia de porque el diablo baila en los carnavales colombianos: «Dios le dijo al diablo que tenía que adorarlo, el diablo le contestó que no podía, porque era su enemigo. Dios le respondió que sí (…) «Te voy a presentar una fiesta para que tú me adores». Y entonces hizo la fiesta y comenzó a bailar y le dio de compañera la Cucamba para que bailara con él, ya que Dios se le presentó al diablo en forma de pájaro, que es la Cucamba» (9). Aquí, como señalan los académicos, no se trata del diablo de la teología cristiana, sino de un espíritu o dios pre-hispánico o negro que termina por bailar en las celebraciones católicas reconciliando lo terreno con lo celestial. Este espíritu que aparece en las fiestas es precisamente el que todo artista debe asumir, volver sobre él y encarnarlo para de ese modo revivir las facultades dionisíacas atrofiadas debido al racionalismo y el materialismo imperante en el mundo moderno. 

No obstante, debemos anotar que, aunque usemos la religión como fuente de inspiración, está última se ha visto sometida a una fuerte degradación igual que el arte, por lo que no toda forma religiosa actual nos puede servir como inspiración real. 

El arte religioso contemporáneo carece por completo de ese brillo insondable y mística que poseía en el pasado. Esto se debe a que el arte se ha diluido hasta perder su esencia, lo mismo que ha ocurrido con la religión, lo que ha terminado por crear un arte religioso poco profundo e insulso que ya no tiene nada de cautivador. 

Teniendo como premisa todo lo expuesto arriba podemos decir que existe un vínculo entre el arte y la religión, razón por la cual los artistas acuden a la religión para encontrar ideas. Los artistas son sacerdotes que exponen de diversas maneras las verdades religiosas, transformándolas y mostrando sus diferentes caminos o vertientes a lo largo de la historia del arte y la historia religiosa. Un ejemplo de esto sería el nacimiento de Venus que originalmente era un mito, pero este mito ha sido representado de muchas formas a lo largo del tiempo, convirtiéndose en un elemento estético que hace parte de la religión, informándonos y comprendiendo los signos de nuestras creencias. Es por eso que los artistas deben encaminar sus esfuerzos a buscar en la religión formas de poner en práctica sus técnicas con tal de representar diferentes imágenes. Por supuesto, esto debe ir ligado a un conocimiento racional e irracional con tal de alcanzar la armonía y esencia de la estética religiosa, teniendo en cuenta que al hacer eso estamos abriendo la puerta de nuestro corazón con tal de alcanzar un conocimiento divino que ha impregnado el arte. Tal medio de conocimiento es, en sí, mágico. 

Notas: 

1. Bolton, Kerry, Joséphin Péladan y la guerra oculta contra la decadencia liberal, Rebelión contra el mundo moderno, https://www.tumblr.com/jgmail/701825544651767808/jos%C3%A9phin-p%C3%A9ladan-y-la-guerra-oculta-contra-la?source=share, consultado el 10 de noviembre del 2024. 

2. Moltante, Jean, William Blake, el bardo londinense, Rebelión contra el mundo moderno, https://www.tumblr.com/jgmail/767775812880564224/william-blake-el-bardo-londinense?source=share, consultado el 10 de noviembre del 2024. 

3. Kandinski. Vasili, De lo espiritual en el arte, Premia, 1989, pág. 106. 

4. Rimbaud, Arthur, Cartas de un Vidente, 1986, pág. 103. 

5. Washton Long, Rose-Carol, Ocultismo, anarquismo y abstraccionismo: el arte futurista de Kandinsky, Rebelión contra el mundo moderno, https://rebelioncontraelmundomoderno.wordpress.com/2021/10/27/ocultismo-anarquismo-y-abstraccionismo-el-arte-futurista-de-kandinsky/, consultado el 12 de noviembre. 

6. Moltante, Jean, William Blake, el bardo londinense, Rebelión contra el mundo moderno, https://www.tumblr.com/jgmail/767775812880564224/william-blake-el-bardo-londinense?source=share, consultado el 10 de noviembre del 2024. 

7. Ross, Alex, Las raíces ocultas del modernismo, Rebelión contra el mundo moderno https://rebelioncontraelmundomoderno.wordpress.com/2021/10/08/las-raices-ocultas-del-modernismo/, consultado el 17 de octubre del 2024. 

8. Herrero, Alberto Fraguas, Crecimiento, ecología y pensamiento mágico, Rebelión, https://rebelion.org/cultura-festiva-control-capitalista-y-alegria-decrecentista/5 de noviembre del 2024 

9. Anónimo, El origen del Corpus Christi en el Caribe Colombiano, Rebelión contra el mundo moderno, https://jgmail.tumblr.com/post/653160677581668352/el-origen-del-corpus-christi-en-el-caribe, consultado el 14 de noviembre del 2024. 

[justinspoliticalcorner]

Kayla Gogarty and Justin Horowitz at MMFA:

Less than a week after being reinstated to Twitch, misogynistic pro-Nazi streamer Sneako (real name Nico Kenn De Balinthazy) attended an event associated with Nick Fuentes’ white nationalist America First Foundation. Sneako has repeatedly defended and praised Fuentes’ extremist group since his reinstatement. This “off-service conduct” seemingly violates Twitch’s policies, which assert that “some off-service offenses committed by Twitch users can create a substantial safety risk to the Twitch community,” and do not allow “individuals or organizations who engage off-service in … leadership, membership, or sponsorship of a known hate group.” On June 10, Sneako was reinstated on Twitch after being banned from the platform in 2022, at a time when he's said he was “peak red pill raging.” Discussing his reinstatement, the streamer claimed: “I sent them a proper email explaining that I want to be a good member of the community and all this stuff. So if you are banned, just make sure to send Twitch a proper email and explain that you want to be involved, and you'll get unbanned.”

But less than a week after his reinstatement, Sneako was in Detroit on June 16 for what was supposed to be the 2024 America First Political Action Conference — an event organized by the white nationalist America First Foundation. The group was founded by Fuentes, a Holocaust denier and white supremacist who attended the deadly 2017 “Unite the Right” rally in Charlottesville, Virginia. (Sneako is linked to Fuentes and spoke at a Fuentes rally in 2023.)    Fuentes and his organization reportedly attempted to hold their event in two different locations in Detroit but were kicked out of both venues. While the group did not end up having an official location, it appears that Fuentes did speak from a podium for a short time to a crowd of attendees who mingled in and around the venue spaces. 

Twitch reinstated misogynistic manosphere streamer Nico Kenn De Balinthazy (aka Sneako), only for him to attend the AFPAC event associated with vile antisemite and white nationalist Nick Fuentes.

[kuuxum-place]

Sistema Tengri

El sistema Tengri o también Alula Ba es un sistema planetario que tiene a la estrella Tengri como estrella madre una enana amarilla,mas grande pero ligeramente mas fría que la del sol (Temperatura de 4,750 K) la estrella es acompañada por 3 planetas.

Shataasa: El primer mundo del sistema es una roca ardiente y rojiza a unas 0.34 unidades astronomicas lo que le provocado una lenta rotación es el más pequeño de los mundos de Tengri siendo ligeramente menor a Venus.

Vasteland (Divaajin): Es el segundo mundo por tamaño es el único que sostiene vida de tipo terrestre, la cual fue misteriosamente sembrada desde la tierra.

Planeta de clima generalmente frio rondando entre los -20 a 17 grados centígrados, en raras ocasiones superando estas. compuesto por grandes planicies que a su vez están rodeadas por mares de agua con muy alto nivel de salinidad, no cuenta con muchas fuentes sustentables de agua, dependiendo en su mayoría de los valles que se han formado a través del tiempo por la erosión de las lluvias al suelo, creando lagos temporales. Salinidad del océano: 40g/l Porcentaje de agua: 58% Porcentaje de tierra: 42%, tiene 2 lunas

Temujin: Es un gigante de gas superior a Júpiter y con unos anillos que competirían contra Saturno.

[gonzalo-obes]

IMAGENES Y DATOS INTERESANTES DEL DIA 13 DE FEBRERO DE 2024

Martes de Carnaval, Día Mundial de la Radio, Día Mundial del Soltero, Día Mundial del Infiel o Día Mundial del Amante, Día de los Amigos de Internet, Año Internacional de los Camélidos.

Santa Viridiana y Santa Fusca.

Tal día como hoy en el año 1960

Francia, tras su desastre militar en la Indochina francesa (actual Vietnam), y la humillación de la expropiación del canal de Suez, ocurrida en octubre de 1956 al dejar EE.UU. a sus aliados sin apoyo, acelera su programa nuclear de defensa y, en el día de hoy, detona su primera bomba atómica de pruebas en el Sahara argelino. (Hace 64 años)

1945

Se produce un bombardeo aéreo masivo de los aliados contra la ciudad alemana de Dresde. Durante 3 días, 1.300 aviones ingleses y estadounidenses lanzarán 3.900 toneladas de bombas y material incendiario, reduciendo la ciudad a escombros y matando entre 35.000 (fuentes oficiales) y 135.000 personas (fuentes civiles). Algunos mandos intermedios aliados muestran su más enérgico desacuerdo con esta acción contra civiles indefensos, ya que Dresde no es una ciudad industrial de producción de material de guerra. Los inductores del ataque manifiestan que éste servirá para romper las líneas de comunicación que han entorpecido la ofensiva soviética en el Este. A pesar de ello, muchos seguirán pensando que el ataque se ha planeado para aterrorizar a la población civil alemana y forzar de este modo la rendición nazi. (Hace 79 años)

1904

La Asamblea Constituyente panameña, presidida por Pablo Arosemena Alba, aprueba la primera Constitución. El día 16 de este mismo mes, en sesión secreta, se escogerá unánimemente a Manuel Amador Guerrero como primer presidente constitucional de la República de Panamá. Ya como presidente, Manuel Amador conformará su primer gabinete de gobierno por partes iguales, entre destacados y sólidos liberales y conservadores. (Hace 120 años)

1812

En Chile se edita la "Aurora de Chile", primer periódico del país, publicado hasta el 1 de abril de 1813. (Hace 212 años)

1812

En la ciudad de Rosario (Argentina), el general Manuel Belgrano propone al Gobierno la creación de un estandarte nacional con el fin de motivar a la tropa en la lucha por la independencia, en vista de que los cuerpos del Ejército usan diferentes enseñas. El 18 de febrero, el Triunvirato aprobará el uso de la bandera blanca y celeste. (Hace 212 años)

1801

En Aranjuez (España), Godoy por España y Luciano Bonaparte en representación de Francia, firman un convenio que establece el auxilio de la armada española a Napoleón Bonaparte para enfrentarse a los británicos. (Hace 223 años)

1678

Más de 76 años después de su muerte, se publica el "Sistema Tychonico", de Tycho Brahe, sobre el sistema solar, según el cual el Sol y la Luna giran alrededor de la Tierra inmóvil, mientras que Marte, Mercurio, Venus, Júpiter y Saturno giran alrededor del Sol, una solución de compromiso entre el sistema geocéntrico tolemaico y el heliocéntrico elaborado por Copérnico. (Hace 346 años)

1668

Con el tratado de Lisboa firmado hoy con intermediación inglesa, España y Portugal acuerdan la paz y Portugal logra su independencia poniendo fin así a casi un siglo de dominación española. (Hace 356 años)

[chromaglitchgaming]

This is my week 3 build for #BGS5WorldTour this week I decided to visit Madrid, Spain. I’ve traveled here IRL and was super excited to see it on the challenge. 

I decided to recreate a portion of El Retiro Park and challenged myself to use one of the big lots (I always struggle with these), I’m proud of the result.

The park has so many interesting sites to explore, each with unique bits of history, so I chose a couple of areas I would want to explore and tried to make them flow together. Google Maps was definitely my friend here

Things I built:

Puerta de Felipe IV - Entrance Arch and path leading to the Statue of Jacinto Benavente and the Fuente de la Concha del Parterre (fountain).

Estanque Grande de El Retiro (Great Pond of El Retiro) - Central pond in El Retiro Park with a colonnaded monument, popular for rental rowboats & canoes. I combined this lake with the lake outside the Crystal Palace to fit both buildings.

Monument to Alfonso XII - Built-in 1922, this monument in Buen Retiro Park features a colonnade with an equestrian statue.

Palacio de Cristal - Venue for art exhibitions organized by Reina Sofía Museum, modeled on London's Crystal Palace.

Templete del Parque de El Retiro (Retiro Park Bandstand) - Used to host concerts.

Área infantil (Playground) 

A Rosaleda (Cecilio Rodríguez) - Rose Garden

[apolloandthealiens]

[ARTPOP; 20:13]

Allí estaba ella, la Afrodita de carne y hueso, en la punta de la pirámide donde lxs simples mortales la habían ayudado a posicionarse luego de ser coronada como vencedora de cada una de las batallas que afrontó.

Para sus discípulxs, ella representaba una fuente de energías.

Para otrxs, representaba una fuente de amenazas.

Y para los poetas, representaba una fuente de riquezas.

Algo tenían todxs ellxs en común: esperaban su próximo cántico para dar comienzo a la cena.

Y ahí estaba Venus, en la cima del templo y a sus pies, un ejército de hombres con hambre de derribar su imperio. Temerosos del poder de una mujer, esperando su momento vulnerable para intentar apagar su divinidad, con arco y flecha en mano para cazar "lo que quedaba de ese ser", un cuerpo humano, o lo que para ellos era "solo otro árbol que producía manzanas"

Y finalmente vulnerable, ella caminó por el infierno, invisibilizando sus penas ante ellos con diamantes, una imagen tan estática, lujuriosa e imponente, una escultura. Dominando su propia mente y espíritu a traves de esas sustancias que la subían a bordo de un avión psicodélico con destino al cielo, de regreso al infierno, y finalmente aterrizando en el limbo.

Entonces los hombres armados rieron hambrientos y ante un primer flechazo, entre la lluvia de plumas, trozos de papel verde comenzaron a caer en sus manos. Las escrituras realizaron, el árbol "su fruto estaba dando". Tomaron todo lo que pudieron y escaparon, su banquete había terminado

Y mientras tanto, aquellxs que alguna vez se sintieron intimidadxs ante su luz, vieron aquel ángel caer entre lxs mortales con admiración y repugnancia, pero ella solo tomó la flecha, la desenterró de su corazón derramando sangre a través de los diamantes, se puso de pié y río ante ellxs. Removió las aguas y ellxs vieron sus propios reflejos en el lugar donde yacía aquel angel.

Y entonces lo vieron, ese paraíso que siempre soñaron y ese infierno que siempre temieron, están entre nosotres. Nosotres somos lo bueno y lo malo, somos híbridxs. Y entre nosotrxs se encuentran estos dos mundos porque ambos no existen, solo son representaciones humanas, son nuestros espejos.

Entonces el agua y todos aquellos reflejos se esferizaron, ella tomó el espejo, aquella esfera tan azul, tan marina, tan reflectante. Entró a su templo y le ofreció la esfera a sus monstruosxs discípulxs, rezando:

"Unx híbridx puede soportar estas cosas

Su corazón puede latir con ladrillos y cuerdas

Los pinceles de la oscuridad no te ayudarán a pintar tu realidad

Libera tu mente

ARTPOP podría significar cualquier cosa"

[astrovida]

La Luna nueva en Piscis nos invita a entregarnos al mundo de la sensibilidad, la empatía, la espiritualidad y la unidad, la fusión con el todo, la consciencia universal. Sentimos que conectamos con algo más allá del mundo tangible, que podemos comprender el dolor y el amor ajeno, que todos tenemos un propósito divino que hemos venido a realizar en este mundo.

También nos conecta con el arte, sobre todo el cine, la fotografía y la música. La expresión a través de otros lenguajes que no son la palabra: el color, la forma, el sonido nos conectan con dimensiones más sensibles de nuestra consciencia, más profundas y al mismo tiempo menos claras y comprensibles, inconscientes.

La dimensión espiritual también se ve acentuada en forma de visiones, sueños, clarividencias, energías, percepciones de mundos sutiles que están presentes todo el tiempo pero que sólo son accesibles con los ojos del alma. Las intuiciones son llaves que abren la puerta de la fuente divina. Inspiración para meditar, hacer yoga, Reiki, gemoterapia, flores de Bach, aromaterapia y cualquier otra terapia holística que nos permita abrirnos al lenguaje del alma. Todo tiene que ver con todo pero no sabemos por qué ni cómo. “Yo creo y con eso basta”.

Sol y Luna en Piscis están muy cerca de Saturno en los últimos grados de Acuario: lo que sembremos en este nuevo ciclo viene cargado de un espíritu de unidad espiritual y para el bien común. Proyectos y nuevas ideas que pueden aliviar el dolor o el sufrimiento ajenos.

Neptuno, Venus y Vesta en conjunción nos inspiran a la meditación, la creatividad y la entrega total al amor incondicional. Podemos perdonar y perdonarnos todo, cerrar el ciclo y empezar de nuevo, crear algo nuevo. Sólo el amor nos permite crear, crecer y sanar.

Júpiter en Aries junto a Quirón nos invitan a la acción directa, al impulso creativo para sanar y ser quienes realmente somos. Sanar la herida de supervivencia es dar el salto hacia nuestro verdadero ser. El camino es solitario e individual pero debemos darlo si deseamos sanar. Júpiter en trígono a Lilith en Leo nos invitan a empoderarnos y expresar nuestro talento, aunque ello implique sacrificio, renuncia y dolor.

Mercurio en Acuario dibuja un trígono a Marte en Géminis, con lo que la comunicación estará activa y podrá facilitarnos la difusión y expresión de nuestros proyectos.

La lunación se da en el grado 1 de Piscis. Revisando tu carta natal podrás observar en qué casa se da este tránsito y qué energías se están activando.

Entregarse al amor, el arte y la unidad espiritual podrá ser la tendencia de esta temporada en Piscis. A disfrutarla y cerrar los ciclos que deban cerrarse. Buenas siembras e intenciones.

.

.🙏💜✨

.

[docpiplup]

@asongofstarkandtargaryen I have found about a new upcoming horror series, Romancero.

This is the info I have found until now:

The cast of the series will be led by Sasha Cócola (Techo y comida, Los hombres de Paco) and the Serbian actress Elena Matic (Kineski zid, Bon voyage). The little that is known about the synopsis is related to its characters, since they are the ones who will give life to Jordán and Cornelia. He is not a boy and he is not a man and she is a girl whose childhood has been stolen. Turned into some strange teenagers, they decide to change their lives and flee from the desert of southern Spain, pushed by circumstances. In their escape from a cruel Andalusia, as real as it is mythical, they come across demons, witches and blood drinkers.

They are accompanied on this adventure by Belén Cuesta (La trinchera infinita, Paquita Salas, La llamada, Cristo y Rey, La casa de papel, Vis a Vis, El Aviso), Ricardo Gómez (El sustituto, La ruta, Cuéntame cómo pasó, Vivir sin permiso, La Casa entre los cáctus, 1898: Los últimos de Filipinas), Guillermo Toledo (Los favoritos de Midas, Crimen perfecto, 7 vidas, Historias de Lavapiés, Juana La Loca, Black is Beltza), the Argentinian actress Julieta Cardinali (Ecos de un crimen, Maradona: Sueño Bendito, Los ricos no piden permiso, Valentín, Carta a Eva) and Alba Flores (La casa de papel, Las cartas perdidas, El tiempo entre costuras, Vis a Vis, Sagrada familia). In addition, to complete the information about the series, Romancero will be set on locations in Almería and Madrid, two of the cities that host the filming of the fiction, in different natural settings in the province of Almería, while the interiors will be filmed in Madrid.

Jordán and Cornelia are two helpless youngsters on the run from the forces of the law, powerful supernatural creatures, and themselves. The series, which has just started filming, will consist of six episodes of 30 minutes each and its action takes place in a single night.

"With echoes of the famous Romancero Gitano, a poetic work by Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, Granada, June 5 of 1898 -  Víznar, Granada, August 18 of 1936), it seems that the references of Romancero will be very different from each other. Comics, Gothic literature, the stories of witches, ghosts and creatures, the poetry of Federico García Lorca or esotericism, all of this in the enveloping setting of a desert and cruel South, where the clichés of rural Spain and more cañí they coexist with supernatural creatures, violence, revenge, redemption and love”, comments the information provided. "We love that Romancero is a horror series with a strong local point of view, an approach that allows us to offer a different and updated vision of our traditions and culture," says María José Rodríguez, Head of Spanish Originals, Amazon Studios. "We want to offer the public unique stories and different voices that resonate and impact. We are convinced that Romancero will not leave anyone indifferent," says Rodríguez.

"We are very happy to work with Fernando Navarro and Tomás Peña on a project as distinctive as Romancero," James Farrell, Head of International Originals, Amazon Studios, told the press. On behalf of THE MEDIAPRO STUDIO, the producer is Laura Fdz. Espeso and Javier Méndez, Fernando Navarro, Alejandro Florez and Maya Maidagan serve as executive producers. Everyone will be looking for the new original Spanish youth horror series that will replace the gap left by El Internado: Las Cumbres in the new Prime Video catalog. Prime Video has announced its upcoming Spanish original series “Romancero,” a fast-paced horror story with supernatural overtones written by the horror author and screenwriter Fernando Navarro (Venus, Verónica) and directed by Manson collective member Tomás Peña, in which It will be his first foray into a fiction production, after directing video clips for artists such as Rosalía, C. Tangana, Katy Perry, Raw Alejandro, Bad Gyal or The Prodigy.

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

Well, I find it very interesting that Romancero Gitano is a source of inspiration for a series, another work of Lorca was adapted some years ago into a film, La Novia (based on the play Bodas de Sangre).

The book is composed of 18 poems: Romance de la luna, luna, Preciosa y el aire, Reyerta, Romance sonámbulo, La monja gitana, La casada infiel, Romance de la pena negra, San Miguel, San Rafael, San Gabriel, Prendimiento de Antoñito el Camborio en el camino de Sevilla, Muerte de Antoñito el Camborio, Muerto de amor, Romance del emplazado, Romance de la Guardia Civil española, Martirio de Santa Olalla, Burla de don Pedro a caballo and Thamar y Amnón.

So, maybe the stories of the characters are inspired on the poems.

It was published in 1928, so maybe the series will be set on the 1920's, although it hasn't been told any concrete period, I don't know if they will through a modern day setting.

Romancero Gitano isn't a horror book but maybe some elements of the poems like metaphors or symbolisms could be taken for some kind of magical elements (and some of the metaphors are a bit strange due to surrealism influences, although surrealism is more a thing from Poeta en Nueva York, writen between the years 1929-30, published in 1940 in Mexico). The other inspiración for the series is Gothic literature, so that would be the source of supernatural elements.

Like, the Romancero book mainly are stories (some of them tragical) about Andalusian Romani people and their culture, and also deals with the marginalization and oppresion suffered by the Romanis because of the Civil Guard (the Spanish Gendarmerie).

Taking a look at the cast for Romancero, Alba Flores is Romani. She's from the Flores family, a famous Andalusian Romani family of artists, in fact Alba's grandmother was the flamenco dancer and singer Lola Flores.

An interesting aspect from Romancero Gitano is that Lorca mixed elements from the literary movements from the early 20th century and the style of poetry from the past, like the "Romancero viejo", that is a collection of anonymous poems from oral tradition from the Iberian Peninsula from the Middle Ages that were later published in books between the 15-16th centuries. Then there's the "Romancero nuevo", that is the total of the writen poetry of known authors since the 16th century (although it's common to focus on the poetry from the 16-17th centuries mainly).

Talking about symbolism, these are the main symbols used by Lorca in Romancero Gitano (although some of them are very common in other of his works):

• Metals (knives, anvils, rings...): the life of Romani people and death.

• Air or wind: tragedy, male eroticism aggressive and violent.

• Mirror: home and sedentary life.

• Water: (in motion) life, (at rest) stagnant passion or death.

• Well: stagnant passion or death

• Horse: unbridled passion that leads to death. It could also mean virility, wild passion or freedom.

• Moon: It is the most used by Lorca, it appears 218 times. Its symbolism depends on how it appears. If it is red it means painful death; black, simply death; big means hope; pointy, has an erotic connotation. I could also mean femininity or sensuality.

• Rooster: sacrifice and destruction of the Romani

• The Civil Guard: they represent authority, therefore symbols of destruction and death over the Romani

• Alcohol: negativity.

• Milk: the natural.

• Wicker rod: lordship, nobility, dignity and elegance of the Romani

•Color green: death. It could also represent love frustration, forbidden desire and male sexual instinct

• Color black: death.

• Color white: life, light.

• Roses: blood

• Rider: omen of death

• Fish: associated with sexuality and dawn

• Blood: sexual instinct and omen of death

I wonder if this symbols will be shown in some kind of way.

For example the symbol of the green color meaning death can be noted in the poem Romance sonámbulo, like in this case the green that is constantly used for descriving the woman or her environment means that is going to die/is dying, and she couldn't meet her lover again. Then there's other symbols like the moon that means death too and the aljibe (a water cistern) is water at rest, so it could also mean death. It could be that the woman got drown in the aljibe, and maybe the civil guards are involved or responsible for her death.

And also metals could be a death symbol, and the eyes of the woman are described as "cold silver", maybe a way of saying that her eyes are grey.

Verde que te quiero verde.

Verde viento. Verdes ramas.

El barco sobre la mar

y el caballo en la montaña.

Con la sombra en la cintura

ella sueña en su baranda,

verde carne, pelo verde,

con ojos de fría plata.

Verde que te quiero verde.

Bajo la luna gitana,

las cosas le están mirando

y ella no puede mirarlas.

*

Verde que te quiero verde.

Grandes estrellas de escarcha,

vienen con el pez de sombra

que abre el camino del alba.

La higuera frota su viento

con la lija de sus ramas,

y el monte, gato garduño,

eriza sus pitas agrias.

¿Pero quién vendrá? ¿Y por dónde...?

Ella sigue en su baranda,

verde carne, pelo verde,

soñando en la mar amarga.

  *

- Compadre, quiero cambiar

mi caballo por su casa,

mi montura por su espejo,

mi cuchillo por su manta.

Compadre, vengo sangrando,

desde los montes de Cabra.

- Si yo pudiera, mocito,

ese trato se cerraba.

Pero yo ya no soy yo,

ni mi casa es ya mi casa.

- Compadre, quiero morir

decentemente en mi cama.

De acero, si puede ser,

con las sábanas de holanda.

¿No ves la herida que tengo

desde el pecho a la garganta?

- Trescientas rosas morenas

lleva tu pechera blanca.

Tu sangre rezuma y huele

alrededor de tu faja.

Pero yo ya no soy yo,

ni mi casa es ya mi casa.

- Dejadme subir al menos

hasta las altas barandas,

dejadme subir, dejadme,

hasta las verdes barandas.

Barandales de la luna

por donde retumba el agua.

  *

Ya suben los dos compadres

hacia las altas barandas.

Dejando un rastro de sangre.

Dejando un rastro de lágrimas.

Temblaban en los tejados

farolillos de hojalata.

Mil panderos de cristal,

herían la madrugada.

  *

Verde que te quiero verde,

verde viento, verdes ramas.

Los dos compadres subieron.

El largo viento, dejaba

en la boca un raro gusto

de hiel, de menta y de albahaca.

- ¡Compadre! ¿Dónde está, dime?

¿Dónde está mi niña amarga?

- ¡Cuántas veces te esperó!

¡Cuántas veces te esperara,

cara fresca, negro pelo,

en esta verde baranda!

*

Sobre el rostro del aljibe

se mecía la gitana.

Verde carne, pelo verde,

con ojos de fría plata.

Un carámbano de luna

la sostiene sobre el agua.

La noche se puso íntima

como una pequeña plaza.

Guardias civiles borrachos,

en la puerta golpeaban.

Verde que te quiero verde.

Verde viento. Verdes ramas.

El barco sobre la mar.

Y el caballo en la montaña.

Now I'm remembering about symbolisms of Lorca's works that could be hinted in other fictions, although it's more like a theory/headcanon from a certain part of the Emdt fandom here on Tumblr, is that in El Ministerio del tiempo, Julián is the origin of the symbolism green=death. In this post there's the one in which the idea was pointed, although it points something more general, not concretely being a symbol for death, because depending on the work or the context, green can be also a symbol for life, rebeldy and desire for freedom. It might seem a little weird, but I will develop later.

Lorca's character makes his debut in the season 1 finale 1×08, La leyenda del tiempo, set on 1924 (Lorca was 26 years old in 1924, although Ángel Ruiz, the actor who plays Lorca is much older) that clearly shows references or takes themes from some of his works, like the poem Fábula y rueda de los tres amigos from Poeta en Nueva York and the poem La Leyenda del tiempo (the title of the episode comes from this poem) from the play Así que pasen cinco años , but indirectly could be a little from Romancero Gitano.

Like, firstly in the episode it's shown a special connection between Julián and Lorca through dreams, and their shared dreams of the episode depict Maite's death.

Something like the eye colors of an actor may seem something trivial, but yeah, Rodolfo Sancho's eyes are green, although sometimes it can't be appreciated well, although for example there's a close up to Julián's eyes at the end of episode 1×07 Tiempo de Venganza , and Mar Ulldemolins' eyes, the actress who plays as Maite, are also green.

Just by the end of the episode Julián tries to save Maite but he fails, and it resembles a bit the situation of the poem where the traveler is going to meet his lover, but she died and he couldn't do anything to save her. But at the end in the season 4 finale he finally saved her.

Next there's the issue of Lorca's death, and Julián is worried about and wanted to warn Lorca about his death but he didn't do it, so in season 4 he did it, although Lorca accepted his fate.

This is kind of a joke but in the first seasons Julián is the Margaery Tyrell of Emdt, like the ones who get married with them probably will die soon, in one case Renly and Joffrey (+Tommen in GOT) and then Maite and Amelia.

Between Amelia and Julián there was the thing about the fake engagement that started on episode 1×04 so Amelia's mother doesn't annoy her with trying to push her into an arranged marriage, and then what it's known from Amelia's tomb and the photos, the wedding, their daughter and Amelia's death, and in episode 8 they me their grandaughter Silvia (played by Iria del Río, who has participated in some period dramas like La catedral del mar and Las chicas del cable). Although after what happened in the following seasons, that future will never happen.

I was thinking about the Emdt showrunners Javier and Pablo Olivares. Pablo had Amyotrophic Lateral Sclerosis and the first season of Emdt was his last work (in the last previous years the Olivares brothers worked on period dramas like Isabel or Víctor Ros) and there could be some personal aspects reflected on ths series in some character plots, for example following this theme, there's no cure for ALS and there's the struggle of both brothers towards Pablo's death, from Pablo's perspective, knowing that he's going to die soon, like Amelia visiting her own tomb in the first seasons, knowing she's going to die in 5-4 years, although she didn't knew about the cause of her death (that's a thing for fan theories); Pablo and Javier facing Pablo's future death, reflected in Julián and Lorca, Julián told Lorca that he'll die and Lorca accepts it and Julián deals with it; iI would say that this also could be seen in the Amelia &Julián part, although maybe Julián isn't as much emotionaly involved into it but he cares about Amelia (Julián is more focused on Maite and maybe the thing about knowing that he will allegedly marry, have a daughter and lose someone again it'a a bit hard to process);and there's the last part of Javier mourning his brother, that could be represented in Julián's mouring over Maite's death.

[jartita-me-teneis]

TODO EN SU LUGAR 🤯🌏🪐 Para que la vida sea posible en la Tierra se necesita agua en estado líquido. Naturalmente, algunos dicen que puede florecer en otras condiciones y, quizá, incluso sin agua. Aunque esto pueda ser cierto, mira a tu alrededor: a la vida en nuestro planeta no le va nada mal y aún no la hemos encontrado en otras partes del Sistema Solar (Por ahora). La zona de habitabilidad o zona habitable es la región alrededor de una estrella en la que se cree que los planetas podrían ser capaces de reunir las condiciones para tener agua líquida sobre su superficie de forma que pudiera dar lugar a la vida tal como la conocemos. No obstante, las condiciones que se deben dar en el planeta para que sea habitable son muy específicas. Tendría que ser rocoso, con una masa entre 0,5 y 10 M y presión atmosférica por encima de 6,1 mbar. Otros factores que influyen en la habitabilidad de un planeta son la excentricidad orbital, las propiedades atmosféricas, la rotación planetaria y las fuentes de calor adicionales más allá de la radiación estelar, como es el caso del calentamiento de marea. Si miramos en Sistema Solar, observamos que no solo la Tierra se sitúa en la zona habitable. También lo hacen Venus y Marte, de hecho, según investigaciones, hace millones de años debieron tener condiciones aceptables para la vida, con océanos de agua, pero las perdieron por motivos que todavía se nos escapan, aunque existen teorías diversas al respecto.

[notasfilosoficas]

“La vida se reduce o se expande en proporción al coraje”

Anaïs Nin

Anaïs Nin Culmell fue una escritora francesa de padres cubano-españoles nacida en Neully-Sur_Seine en febrero de 1903. Fue autora de novelas vanguardistas en el estilo surrealista francés, y principalmente conocida por sus escritos sobre la vida y su tiempo, recopilados en los llamados Diarios de Anaïs Nin.

Sus padres fueron, la cantante cubana de origen francés y danés Rosa Culmell y el compositor y pianista cubano de ascendencia española Joaquín Nin, quien la abandona cuando Anaïs tenia 11 años, hecho que la marcó durante gran parte de su vida.

A los 19 años, Anaïs consigue trabajo como modelo y bailarina de flamenco, y se casa en La Habana Cuba con el banquero Hugh Guiler, con quien se marcha a vivir a Paris para estudiar danza española. Durante este tiempo, su vida aburrida y la lectura de D.H. Lawrence la motivan a convertirse en escritora.

En 1930, publica un ensayo sobre Lawrence, y un año después conoce a Henry Miller, el novelista estadounidense de quien tiempo después se convertiría en su amante. Durante este tiempo se convirtió en la amante de la mujer de Miller, June, con quien practicó el voyeurismo.

En 1939, emigra a Estados Unidos y allí se convierte en la primera mujer que publica relatos eróticos. “Delta de Venus” denota una fuerte influenza del Kamasutra.

Enfrentada con una necesidad desesperada por conseguir dinero, Nin y Miller comenzaron a escribir narrativas eróticas y pornográficas en la década de los 40 para un coleccionista anónimo.

En 1955, se casa por segunda vez con Rupert Pole, quien fuera su agente literario sin divorciarse de su primer esposo Hugh Guiler y sin que este último lo supiera. 

Por años, Nin mantuvo una doble vida dividiendo su tiempo en la modesta casa de Rupert Pole en California y el opulento apartamento de Hugh Guiler en Nueva York. 

Guiler toleraba los affairs de su esposa incluido el romance con Rupert Pole, aunque nunca supo de su matrimonio con él.

En 1966 cuando Anaïs Nin entró en la notoriedad pública por el éxito de sus diarios, hizo anular su matrimonio con Pole.

De los Diarios de Anaïs Nin, existen en la actualidad dos versiones publicadas en sus diarios debido a que mucha gente a la que Anais menciona aun vivían cuando el primer volumen fue publicado en la década de 1960.

Nin ha sido aclamada por muchos críticos como una de las más destacadas escritoras de la literatura erótica femenina. Antes de ella la literatura erótica era muy escasa con algunas pocas excepciones.

Su obra a sido llevada al cine en “Henry y June” del director Philip Kaufman, y al teatro con La casa del incesto.

En 1973 recibió un doctorado Honoris Causa del Philadelphia College of Art. 

Anaïs Nin murió en enero de 1977 a la edad de 73 años en Los Angeles California y sus cenizas fueron esparcidas sobre la Bahia de Santa Mónica.

Fuente Wikipedia

[semtituloh]

Vía Sudamerica Precolombina © investigadores de arqueologia

Sairy Willka

Venus de Frías

Perú 500 a.C. aprox.

Esta figura fue trabajada en oro de 24 kilates y luce engastes de platino. Mide 15,4 cm. de al­to. Alambres torcidos y soldados, a modo de un trabajo de filigrana, remarcan sus grandes ojos enchapados con láminas de platino. Para realzar su volumen, la figura fue elaborada en base a diversas láminas, las que fueron sometidas a las técnicas del embutido y del repujado, para finalmente ser soldadas. (Kauffmann Doig, 1976).

La Diosa de Frías, como el idolillo de oro (estatuillas que se encuentran en el Museo Vicús del Perú), son objetos de oro que –a juicio de los especialistas– simbolizaban la fertilidad, la vida y la regeneración. Fabricadas con las técnicas de laminado, embutido, repujado y soldadura.

Fuente del texto: Diario El Comercio

Fuente de la imagen: The cultural circle concep