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peleailiatopuriavsvolkanovskifec · 8 months ago

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¿Dónde puedo comprar cartulinas A1 de alta calidad para mis proyectos de manualidades?

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¿Dónde puedo comprar cartulinas A1 de alta calidad para mis proyectos de manualidades?

Cartulinas A1 brillantes

Las cartulinas A1 brillantes son un material de papelería versátil y llamativo que se caracteriza por su acabado brillante y su alta calidad. Estas cartulinas son ideales para una amplia variedad de usos, ya sea en proyectos escolares, manualidades creativas o presentaciones profesionales.

Una de las principales ventajas de las cartulinas A1 brillantes es su durabilidad y resistencia, lo que las hace perfectas para proyectos que requieren un material resistente que pueda soportar manipulaciones frecuentes. Además, su acabado brillante le confiere un aspecto elegante y profesional, lo que las convierte en la elección ideal para presentaciones y trabajos de diseño gráfico.

Estas cartulinas vienen en una amplia gama de colores vibrantes que permiten una mayor creatividad y personalización en tus proyectos. Su tamaño A1 también proporciona una superficie amplia para trabajar, lo que las hace ideales para crear carteles, tarjetas, invitaciones y otros trabajos de gran formato.

En resumen, las cartulinas A1 brillantes son un material imprescindible para cualquier persona que busque añadir un toque de brillo y calidad a sus proyectos creativos. Su versatilidad, resistencia y acabado profesional las convierten en la opción perfecta para todo tipo de necesidades de papelería y diseño. ¡Atrévete a incorporarlas en tus próximos trabajos y sorprende con resultados brillantes!

Tiendas de manualidades online

Las tiendas de manualidades online se han convertido en un recurso invaluable para aquellos amantes del arte y la creatividad. Estos sitios web ofrecen una amplia gama de materiales, herramientas y kits para todo tipo de proyectos artísticos, desde pintura y dibujo hasta costura y scrapbooking.

Una de las mayores ventajas de las tiendas de manualidades online es la comodidad que ofrecen a sus clientes. Desde la comodidad de tu hogar, puedes explorar una amplia selección de productos, comparar precios y realizar tu compra con tan solo unos clics. Además, muchas de estas tiendas ofrecen envíos a domicilio, lo que facilita aún más la experiencia de compra.

Otra ventaja de comprar en tiendas de manualidades online es la variedad de productos disponibles. Ya sea que estés buscando materiales básicos como papel y pinturas, o herramientas más especializadas como pinceles de alta calidad o máquinas de corte, es probable que encuentres todo lo que necesitas en estas tiendas.

Además, muchas tiendas de manualidades online ofrecen tutoriales y guías paso a paso para ayudarte a sacar el máximo provecho de tus compras. Esto es especialmente útil para aquellos que están comenzando en el mundo de las manualidades y desean aprender nuevas técnicas y habilidades.

En resumen, las tiendas de manualidades online son un recurso imprescindible para cualquier persona creativa. Con su amplia selección de productos, conveniencia de compra y recursos educativos, estas tiendas ofrecen todo lo que necesitas para dar rienda suelta a tu creatividad y disfrutar de momentos de expresión artística.

Papel de alta calidad para manualidades

El papel de alta calidad es esencial para cualquier proyecto de manualidades, ya que garantiza resultados profesionales y duraderos. Ya sea que estés creando tarjetas decorativas, álbumes de recortes o adornos para fiestas, el papel adecuado marca la diferencia en el acabado final de tus creaciones.

A la hora de elegir papel para manualidades, es importante considerar su textura, peso y durabilidad. El papel de alta calidad suele ser más grueso y resistente, lo que lo hace ideal para proyectos que requieren manipulación y soporte adicional. Además, su textura suave y acabado satinado o mate proporciona un resultado elegante y profesional.

Otra ventaja del papel de alta calidad es su versatilidad. Puede ser utilizado con una amplia gama de técnicas y materiales, como pinturas acrílicas, lápices de colores, sellos y tintas especiales, lo que ofrece infinitas posibilidades creativas a los amantes de las manualidades.

Además, el papel de alta calidad para manualidades suele ser libre de ácido y lignina, lo que garantiza la conservación a largo plazo de tus creaciones sin que se deterioren o decoloren con el tiempo.

En resumen, invertir en papel de alta calidad para tus proyectos de manualidades no solo mejora la apariencia y durabilidad de tus creaciones, sino que también potencia tu creatividad y te permite explorar nuevas técnicas y estilos en tus trabajos artísticos. ¡Atrévete a experimentar con diferentes tipos de papel y eleva tus manualidades al siguiente nivel!

Comprar cartulinas gruesas

Al buscar suministros para manualidades como tarjetas, álbumes de recortes o proyectos artísticos, las cartulinas gruesas son una excelente opción. Estas cartulinas ofrecen una base resistente y duradera para tus creaciones, lo que las hace ideales para una variedad de usos.

Al comprar cartulinas gruesas, es importante tener en cuenta diferentes factores como el grosor, la textura y la cantidad de hojas. Optar por cartulinas con un grosor que se adapte a tus necesidades específicas te permitirá trabajar con mayor comodidad y obtener resultados profesionales. La textura de la cartulina también puede influir en el aspecto final de tu proyecto, ya sea que prefieras una superficie lisa o con relieve.

Además, la cantidad de hojas en un paquete de cartulinas gruesas es un factor a considerar, especialmente si planeas trabajar en varios proyectos o necesitas una cantidad específica para un proyecto en particular. Al adquirir un paquete con la cantidad adecuada de hojas, podrás tener suficiente material para tus creaciones sin quedarte corto.

En resumen, al comprar cartulinas gruesas, asegúrate de elegir un grosor adecuado, prestar atención a la textura deseada y considerar la cantidad de hojas necesarias. Con estos factores en mente, podrás disfrutar de la versatilidad y calidad que las cartulinas gruesas ofrecen para tus proyectos creativos. ¡Manos a la obra y a crear obras de arte con cartulinas de calidad!

Suministros creativos para manualidades

Los suministros creativos para manualidades son elementos esenciales para aquellas personas apasionadas por el arte y la creación. Ya sea que seas un principiante o un experto en manualidades, contar con una variedad de suministros creativos puede inspirarte a dar rienda suelta a tu creatividad y diseñar proyectos únicos.

Entre los suministros más populares para manualidades se encuentran los papeles decorativos, los marcadores de colores variados, las pinturas acrílicas, los pinceles de diferentes grosores, las tijeras de formas diversas, los sellos decorativos, las cintas de colores, los botones y abalorios, entre otros. Estos elementos permiten crear tarjetas personalizadas, decoraciones para el hogar, álbumes de recortes, manualidades con papel, bisutería artesanal y mucho más.

La ventaja de contar con una amplia gama de suministros creativos es que puedes experimentar con diferentes técnicas y materiales, desarrollando así tu habilidad y destreza en el arte de las manualidades. Además, al tener variedad de opciones a tu disposición, puedes adaptar tus creaciones a tus gustos personales y al estilo que desees imprimir en cada proyecto.

En resumen, los suministros creativos para manualidades son la clave para explorar tu expresión artística, canalizar tu imaginación y convertir tus ideas en piezas únicas y originales. ¡Anímate a adquirir nuevos suministros y deja volar tu creatividad en cada creación!

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alexamarierodriguez · 1 year ago

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El expresionismo abstracto: Jackson Pollock

Los expresionistas abstractos mantienen el precepto de la sola pintura, de un mandato de absoluta sinceridad y de la creencia en el artista como individuo que se expresa a través del plano pictórico, el gesto y la acción física. Entienden la pintura como fruto de una experiencia dramática en la que el artista, desencantado por su contexto e inspirado por el Existencialismo, se refugia en su interior y abandona referencias. Se rechaza la forma y se habla de mancha, textura, arenas y goteos. Uno de los artistas que trabajaba por el expresionismo abstracto más grandes fue Jackson Pollock. Sus trabajos se destacaban por cuán visualmente satisfecho eran. El Expresionismo Abstracto se desarrolló conforme a dos tendencias: Action Painting (enérgica y gestual, sus representantes son Pollock, Kline y De Kooning) y Colour Field Painting (más puramente abstracta, reposada, mística para Rosenberg. La representa Rothko).

El estadounidense Jackson Pollock es uno de los pintores más representativos del expresionismo abstracto con sus pinturas de goteo. Sin embargo, su vida no fue nada fácil. No fue fácil obtener el reconocimiento mundial que Pollock logró obtener. Es mencionado en el documental que todos los artistas mundiales eran de regiones de Francia, Italia, Rusia, etc. Pollock raramente fue uno de los primeros artistas estadounidenses al ser popularizado por su arte. El único otro artista que la gente tendía a compararlo antes de sus años famosos era el famoso “Picasso”. Pollock nació en Wyoming, un estado fantasma cual se le complicaba obtener atención desde sus años tempraneros. Con 16 años, Jackson dejó el instituto y se trasladó a Los Ángeles con su madre para estudiar en la Manual Arts High School, una escuela dedicada a las artes. Pocos meses después de graduarse, en 1927, se trasladó a Nueva York para vivir con sus hermanos. Lo que hizo pollock fue desplegar lo que siempre había estado ahí desde las pinturas rupestres, el goteo. Pero, ¿era ya el expresionismo abstracto algo querido por el público? ¿Cómo Pollock logró traerle relevancia a este tipo de arte?

El expresionismo abstracto fue un movimiento pictórico que se dio en el siglo XX, cuya principal característica es la afirmación de forma espontánea que tiene el individuo por medio de la pintura. Es un arte no figurativo que no se ajusta a los límites de la representación convencional. Las obras innovadoras de Pollock allanaron el camino para el desarrollo de varios movimientos artísticos, como el expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campos de color. Se describía como una manera inusual de hacer pinturas por la razón que el pincel nunca tocaba el canvas, era algo que la gente nunca había visto. Comparado con el arte cotidiana de ese tiempo, el expresionismo abstracto no mantiene narrativa ni perspectiva, su singular enfoque de la pintura se basaba en su deseo de liberarse de las convenciones artísticas tradicionales y explorar nuevas posibilidades en el campo de la abstracción. El impacto del arte de Jackson Pollock en el mundo del arte moderno es inmenso. Su revolucionario enfoque de la pintura, que priorizaba el proceso y la espontaneidad sobre la composición tradicional, cambió la forma en que los artistas abordaban su trabajo y abrió nuevas posibilidades en el ámbito de la abstracción.

Número 1A, 1948

En conclusión, es impresionante ver como la fama de Pollock creció al crear una técnica de pintura completamente nueva y desconocida. No sólo trajo gran influencia a los artistas de su tiempo hasta el presente pero también logrado destacarse por ser diferente y querer ir contra las normas de el arte normal. El propio Pollock describió su proceso creativo con estas palabras: “Mi pintura no sale del caballete. Prefiero fijar el lienzo sin estirar a una pared o al suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más cómodo. Me siento más cerca, más parte del cuadro, ya que así puedo caminar alrededor de él, trabajar desde los cuatro lados y estar literalmente en el cuadro.” Pollock se merece todo el reconocimiento que obtiene hoy en día ya que logró traer inspiración a todo tipo de arte abstracto cual no era reconocido en esos tiempos.

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valentinapl19 · 2 years ago

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Taller de Engobes, Esmaltes y Fritas

La cerámica en engobe y fritas son técnicas utilizadas en el campo de la cerámica para decorar y esmaltar las piezas.

El engobe es una suspensión de arcilla fina mezclada con agua y otros aditivos, como pigmentos o minerales, que se aplica a la superficie de la pieza cerámica antes de la cocción. Se utiliza principalmente para crear un color de base o como capa de fondo para la aplicación de otros esmaltes. El engobe se aplica mediante pincel, inmersión o vertido, y después se seca antes de someter la pieza a la cocción.

Los engobes pueden ser opacos o transparentes, y se pueden utilizar en combinación con otros engobes o esmaltes para lograr efectos decorativos. También se pueden aplicar técnicas de grabado, estampado o incisión en el engobe antes de la cocción para crear diseños más complejos.

Por otro lado, las fritas son esmaltes en forma de polvo o gránulos que se funden a altas temperaturas para formar una capa vítrea sobre la superficie de la cerámica. Están compuestas por una mezcla de sílice, feldespato, borax u otros fundentes, junto con óxidos metálicos que proporcionan los diferentes colores.

Las fritas se aplican generalmente sobre la pieza cerámica después de la cocción inicial, mediante inmersión, vertido o pulverización. Luego, la pieza se somete a una segunda cocción a una temperatura lo suficientemente alta como para fundir las fritas y formar una capa de esmalte vítrea.

Las fritas ofrecen una amplia gama de colores y acabados, desde opacos y brillantes hasta mates y transparentes. También se pueden utilizar técnicas de superposición de capas de fritas para crear efectos más complejos y texturizados.

Tanto el engobe como las fritas permiten decorar y embellecer las piezas cerámicas, añadiendo color, textura y brillo. Cada técnica ofrece posibilidades creativas únicas y se utiliza en función del efecto deseado por el ceramista.

PRIMER TRABAJO A REALIZAR - MURAL

Tutulo:

Autores:

Tecnica:

REFERENTES

Ramón Jesús Torres Valls

Ramón en su trayectoria como artesano-artista siempre ha utilizado la técnica del esmalte y la reducción en sus piezas, porque considera que le da una tonalidad muy hermosa, aunque opinó que «no siempre es necesario hacerle una cubierta porque lo importantes es la obra». Siempre trata de seguir la línea del erotismo: llevar la figuración humana a la cerámica, no perfecta, pero sí estilizada, es su forma, cuya obra fue avalada, entre otros, por el prestigioso ceramista Nazario Salazar: «La figura femenina, encuentra un sitio sugerente dentro de su imaginario, de gran gracia. Lo abstracto cristaliza con refinada impronta dinámica, a la vez que compositivamente austeras».

Nuria Blanco

Nuria Blanco busca llega a todo tipo de público con su arte. Democratizar la obra artística y convertirla en una obra de culto al mismo tiempo que un objeto utilitario. Así son sus vajilla, asequibles, personalizadas y únicas, como una pieza de arte. Los platos se convierten en lienzo, en piezas de un puzzle que llenan de color y de arte las casas particulares, las paredes y las mesas de los restaurantes. Utiliza la cerámica para pintar sobres ellas y así efectuar sus obras de arte.

«No todo el mundo se compra un cuadro, pero sí una vajilla» Nuria.

TEMATICA Y CONCEPTUALIZACION

El erotismo y la biodiversidad

El erotismo y la biodiversidad son temas completamente separados, es posible explorar conexiones entre ambos desde una perspectiva más amplia y simbólica. La sexualidad y el deseo son componentes intrínsecos de la vida y la reproducción, y la biodiversidad es el resultado de la evolución y la interacción de las diferentes formas de vida en la Tierra. Ambos conceptos están relacionados con la vitalidad y la diversidad inherentes a la existencia.

PROCESO

Para este proyecto se inicio comprando los materiales necesarios que fueron empleados para la preparación de la arcilla, los cuales fueron:

Arcilla Natura ( 1 arroba ) -Cuarzo ( 500gamos ) -Feldespato ( 500g) -Carbonato de calcio (500)

Una vez los materiales estén listo se dispone a preparar el espacio para amasar, así los materiales se integran uniformemente.

El amasado de la arcilla debe ser de apoco mezclando el Carbonato de calcio, el feldespato y el cuarzo, para que todo quede muy bien esparcido. Hay que amasar muy bien para que no quede burbujas de aire.

Como segundo paso se empezaran a hacer las placas con la arcilla ya previamente preparada, donde se hará un retablo de 20x22 como molde, los materiales para trabajar son:

Retablo de madera

Tela

Espátula plástica

Aproximadamente se hicieron ocho placas, donde la duración de secado debe estar como mínimo una semana. Las placas deben estar en revisión, ya que en su secado tienten a encoger un poco y a doblarse, lo mejor es dejarlas en una superficie completamente plana y estarlas cambiado de lado día de por medio.

BOCETAJE

Para definir el tipo de estampado de las placas se debe hacer unos bocetos, el cual se eligió el siguiente:

TECNICA DE GRAVADO

Para la elaboración de STENCIL se utilizo los siguientes materiales: Acetato taño carta Bisturí Rotulador o marcador permanente Lápiz Borrador Regla Cinta de enmascarar

Para empezar ya se debe tener previamente listo el boceto en hojas de papel con las medidas de las placas.

Para realizar es stencil se debe colocar la hoja con el boceto debajo del acetato, se calca con un marcador el diseño, y una vez listo se decide según el diseño que se quitara con el bisturí y que se dejara de forma para cuando apliquemos el engobe nos quede la figura.

Una vez se tenga el acetato con la forma que queremos, preparamos los engobes para pasar a gravar las placas de arcilla previamente realizadas.

PREPARACION DE ENGOBE

Para esta preparación se necesitara los siguientes materiales

50 gr óxido de hierro rojo

50 gr óxido de cromo

100 gr de frita

frascos y recipientes

1/32 de Esmalte transparente

Para la preparación se eligió 50 gr porque no se necesita mas cantidad, el oxido de hiero se mescla con 100gr de frita y aproximadamente cuatro cucharadas de esmalte transparente con un poco de agua, al igual el oxido de cormo con 100gr de frita, cuatro cucardas de esmalte y un poco de agua.

APLICACION DEL ENGOBE

Materiales para la aplicación

1 espuma

Recipientes

1 pincel fijo, suave y plano

Placas de arcillas

Para la aplicación se coloca encima de la placa de arcilla el stencil de acetato, se puede ayudar con cinta o con la mano para que el acetato no se mueva. Una vez puesta se toma un poco de engobe con la espuma y se empieza a ejercer presión esparciéndola por aperturas de la figura del acetato.

También se puede aplicar con pincel o con este mismo ayudarse para las terminaciones y acabados.

Una vez estampadas ya quedan listas para cocción.

Se quemara en el horno especial para cerámica.

QUEMA EN EL HORMO

Para comenzar la quema se debe organizar todas las piezas que se quemaran todas deben quedar a una distancia considerable (no se deben pegar ni remontar).

- Para prende el horno se tiene que dejar la tapa abierta, mas adelante se cerrara hasta tener una temperatura homogénea en las piezas.

-Una vez se prenda el horno su temperatura ira aumentando hasta llegar su punto máximo para apagar en 950 grados centígrados.

-La quema tiene un tiempo de duración de cuatro a cinco horas aproximadamente, en este tiempo es necesario estar presente para estar pendiente de que todo este marchando bien.

-Cuando se haya apagado el horno se debe dejar cerrado hasta el otro día, ya que la temperatura estará muy caliente.

Resultado de la quema

PROCESO DE MURAL

Antes de organizar las placas se impermeabilizo cada una de ella con INVECRYL con un poco de agua.

Se juntaron todas placas de los compañeros del curso para realizar el diseño del mural.

Antes de hacer el diseño se planifico en que lugar se instalaría el mural, de lo cual se llego la decisión de que se instalaría en la pared de las escales subiendo al segundo piso en el edificio del programa de la Licenciatura en Educación Artística.

Se tomaron las medidas necesarias para planificar con anterioridad como iba a quedar instalado el mural.

PEGA DE LAS PLACAS

Materiales:

-Un bulto de pegacor de látex

-Un balde

-Agua

-Espátulas

-Papel reciclable

Se dispone a realizar la mezcla de pegacor de látex con agua en un balde. La mezcla debe quedar espesa.

Antes de empezar a pegar las placas se debe debe despicar un poco la pared o lijar para quitar rastros de pintura y también para que se pegue mejor.

Se inicia a pegar las placas aplicando un poco de mezclar por el revés de la placa.

-Se debe sostener por un tiempo hasta que se sujete por si sola

Y así hasta terminar de pegar cada pieza de cerámica...

PROCESO DE FRAGUE

Preparación del frague:

Se hace la misma mezcla para pegar la cerámica pero a esta mezcla se el aplica el pigmento color azul, este se aplicara por los espacios de cada placa y de esparcirá con una espátula plástica. Las placas se irán limpiando con un trapo mojado y una esponja mojada.

Ya para finalizar se impermeabiliza con INVECRYL para evitar filtraciones de agua. se dan los últimos acabados como limpiar los bodes y limpiar de blanco las partes que se mancharo.

RESULTADO FINAL

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entrepalabrasmx · 3 years ago

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¿Qué pinturas son las adecuadas para la edad de mi hijo?

Las pinturas son una de las principales herramientas en el desarrollo de los niños. Descubre sus beneficios

La marca Crayola nos brinda pinturas no tóxicas y 100% lavables para permitir la libre expresión de la creatividad

Cada niño es un mundo y conforme van creciendo quieren explorar más y más, ya que su creatividad comienza a desarrollarse y es el momento perfecto para experimentar con nuevos colores, texturas y formas. Las pinturas son una de las principales herramientas en el desarrollo de los niños, ya que trabajan la psicomotricidad por medio de ellas. Pero ¿te has preguntado cuál es la adecuada para tu pequeño según su edad? Cuando son menores de 3 años, su actividad favorita es ensuciarse, conocer nuevas texturas y la pintura para dedos es el elemento perfecto para comenzar, ya que pintar con los dedos potencia la sensibilidad táctil y desarrolla la coordinación creativa en los niños. Además, trae grandes beneficios como despertar su expresión artística, aumentar sus sensaciones táctiles y potenciar su autoestima. Desde el primer año pueden comenzar a utilizar este tipo de pintura con la supervisión de un adulto para ayudarlo en el proceso de exploración en sus primeros pasos en el arte. Cuando comienzan su etapa escolar a partir de los 3 años, las pinturas témperas son perfectas para pintar en cualquier superficie y tienen grandes beneficios como estimular procesos básicos del desarrollo cognitivo como la percepción y la memoria. Este tipo de pintura es muy utilizado en tratamientos terapéuticos gracias a que favorece la expresión de los sentimientos y estimula la comunicación. Es la etapa perfecta para impulsar a los pequeños a crear sus propias obras de arte y darle forma a su imaginación a través de una pintura. La siguiente etapa a partir de los 5 años, donde la autonomía es la palabra principal, las acuarelas son la herramienta perfecta para desarrollar la motricidad fina y potenciar la concentración. Solo se necesita acuarelas, un pincel y una hoja para que el niño pueda expresar sus sentimientos y todo aquello que vive en su mente. El uso de acuarelas favorece la precisión y la coordinación de movimientos con el pincel, sus dibujos se vuelven más suaves, recordemos que todo comenzó con un trazo y en esta etapa se comienza a ver su evolución artística. Estas son recomendaciones de pinturas por etapas, pero debes buscar la que mejor se acomode a tu hijo y con la que sienta mayor confianza. Lo que debes tener en cuenta es que sean pinturas no tóxicas y 100% lavables para permitir que el niño se exprese libremente sin la presión de tener manchas y horas de limpieza. La marca Crayola nos brinda estos beneficios en todas las presentaciones de pinturas para motivar a los pequeños a seguir creando y explotando su creatividad al máximo. Ahora que ya lo sabes, es cuestión de brindarle las herramientas necesarias al niño y ser parte de su proceso creativo. ¡A pintar!

#niños #niñas #creativos #colores #pintar #colorear #hijo #hija

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retoquesfotograficos · 4 years ago

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¿Qué es el retoque?

El retoque es un proceso sutil y delicado. Ayude a las personas a lucir lo mejor posible en cualquier foto mejorando su belleza natural y eliminando las distracciones. Te mostramos todo lo que necesitas saber para que tus sujetos se vean geniales y con resultados realistas.

Herramientas y técnicas

Lo guiamos a través de todas las herramientas y técnicas que necesitará para dominar el arte del retoque en Photoshop. Suaviza la piel con la herramienta Pincel, elimina las distracciones con la herramienta Pincel corrector puntual, corrige la exposición con el filtro Adobe Camera RAW y mézclalo todo con máscaras de capa, máscaras de recorte y capas de ajuste.

Fondos de limpieza

Un fondo desordenado puede ser uno de los elementos que más distraen en una foto. Le mostramos cómo eliminar objetos que distraigan y suavizar los colores para que los ojos del espectador permanezcan fijos en el sujeto.

Retocar personas

Las personas son, con mucho, lo más desafiante para trabajar en Photoshop. Desde la textura de la piel hasta el cabello, hay innumerables características que son delicadas y deben tratarse con cuidado para evitar un aspecto antinatural, "con Photoshop". Le mostramos los métodos adecuados para suavizar la piel, mejorar los rasgos y resaltar la belleza natural de un sujeto.

Tonos de piel suaves

Todos nos ocupamos de las imperfecciones de la piel a diario. Ya sea que se trate de un granito sorpresa, enrojecimiento de la piel o algunos pelos difíciles de manejar, le mostraremos cómo eliminar y reducir las distracciones para que destaquen las mejores partes.

Fijar exposición

La mayoría de las técnicas de retoque se reducen a luces y sombras. ¿Dónde caen los reflejos y las sombras? ¿Hay áreas que son demasiado brillantes, demasiado oscuras o faltan detalles? Le mostramos cómo suavizar las transiciones de luz para que el rostro, el cabello y los rasgos de un sujeto tengan una exposición perfecta.

Resultados profesionales

El retoque tiene una gran demanda. Desde vallas publicitarias hasta portadas de revistas, fotografías de clientes hasta retratos creativos, las habilidades que aprenda en este tutorial pueden ayudarlo a lograr sus objetivos de creación de imágenes. Aprenda un flujo de trabajo profesional que lo ayudará a trabajar de manera más rápida e inteligente, para que pueda crear las fotos que le encantarán a usted, a sus clientes y a los sujetos.

Esquivando y quemando

Si tiene un retrato que se siente un poco plano, ¡esquivarlo y quemarlo puede ayudar! Agregue forma, estructura y definición a cualquier foto mejorando las luces y las sombras en Photoshop.

Limpiar y dar forma al cabello

Ya sea que esté lidiando con algunos pelos sueltos sueltos o con una cabeza de cama, le mostramos cómo limpiar el cabello, agregar volumen y mejorar las texturas. Aprenda a darle al cabello la forma, el color y la definición perfectos en Photoshop.

Retoque de retrato completo

Lo llevamos a través de un retoque de retrato completo, de principio a fin. Vea cómo un retocador profesional planifica su edición, trabaja de forma no destructiva y resuelve una amplia variedad de problemas comunes que surgen durante la posproducción.

Eliminar imperfecciones

Como retocadores, siempre debemos apuntar a cambios sutiles que reduzcan las distracciones respetando las características únicas del sujeto. Aaron comparte su filosofía personal y experiencias profesionales, discutiendo qué características temporales reducir o eliminar, y qué características permanentes mejorar y resaltar.

Ropa y armario

El cabello y la piel pueden ser las áreas más difíciles de retocar, pero la ropa no es un paseo por el parque. A menudo lleno de hebras sueltas, pliegues incómodos y arrugas no deseadas, el retoque de vestuario está lleno de desafíos únicos. Aprenda a suavizar la ropa, eliminar los elementos que distraigan e incluso recrear la ropa y la tela desde cero.

Solucionar problemas comunes

Le enseñamos cómo superar una variedad de problemas que pueden surgir durante una edición. Desde eliminar una cantidad excesiva de vello en la cara de un sujeto hasta eliminar las luces y el resplandor de los anteojos, le mostraremos algunos trucos poderosos para ayudarlo.

Belleza natural

Cuando se trata de retoques en Photoshop, menos es más. Aprenda a realizar cambios sutiles que no harán que una persona parezca hecha de plástico. Elimina distracciones y realza la belleza natural de un sujeto.

Mejora los ojos

Podría decirse que los ojos son la característica más importante en cualquier retrato, tanto que a veces solo puede retocar los ojos y aún así ver una mejora masiva en la foto. Le mostramos cómo analizar la luz cuando llega al ojo, realzar los reflejos y las sombras utilizando técnicas de maquillaje profesionales y agregar detalles y color para ayudar a que los ojos salgan de la página (o pantalla).

Habilidades para cualquier tipo de piel

Ya sea que el sujeto tenga algunas arrugas adicionales debido a la edad y la sabiduría, o tenga los pequeños granos y enrojecimiento de la piel que todos tratamos, te mostramos técnicas para todo tipo de piel. Aprenda qué imperfecciones eliminar, qué características deben permanecer y cómo combinar con precisión sus ediciones para una apariencia natural.

Acción de la textura de la piel

Conservar la textura natural de la piel puede ser una de las partes más difíciles del retoque de personas. Afortunadamente, hacemos que ese proceso sea mucho más fácil con una acción personalizada de Photoshop que le permite separar la textura de la piel y colocarla sobre cualquier edición que realice.

Piel suave

Corrección de color

Los tonos de piel poco naturales pueden arruinar una foto que de otro modo sería genial. Antes de cualquier coloración estilística, es importante que la piel luzca lo más natural posible. Ya sea que el balance de blancos de la cámara esté desactivado o haya un matiz de color debido a las luces del entorno, aprenderá cómo hacer que los tonos de piel vuelvan a la normalidad en cualquier situación.

Lightroom y Adobe Camera RAW

Photoshop puede ser nuestra base de operaciones, pero Lightroom y Adobe Camera RAW son herramientas poderosas que pueden ser muy útiles durante todo el proceso de retoque. Desglosamos algunas funciones útiles en Lightroom que pueden ayudarlo a comenzar sus ediciones con el pie derecho. Luego, analizamos cómo usar Adobe Camera RAW para aprovechar al máximo sus archivos RAW.

Mezcla de exposición

A veces se necesitan varias imágenes para lograr la exposición perfecta. Le mostramos cómo combinar varias imágenes e incluso crear exposiciones alternativas utilizando el filtro Adobe Camera RAW en Photoshop.

Cinco pasos fáciles para retocar fotografías en editores

La calidad de cada fotografía es importante en la industria de la moda y el glamour. Es responsabilidad de los fotógrafos hacer que las imágenes de moda se vean hermosas. El retoque fotográfico de belleza incluye muchos aspectos diferentes, como el reemplazo de color, la eliminación de elementos no deseados, la adición o eliminación de sombras, la adición o eliminación de reflejos, la corrección de la iluminación, la corrección de la piel, la escultura corporal, la eliminación de desenfoques, etc. El retoque depende del juicio estético del artista además saber cómo utilizar las herramientas correctivas o complementos. Dado que cada imagen es única, no existe un enfoque único que funcione para cada fotografía. Sin embargo, tener una rutina te ayuda a realizar retoques de moda o retoques de belleza de manera más eficiente

1.Preparación y creación de una imagen base

Para obtener lo mejor de su imagen RAW, puede comenzar con la corrección de exposición y color antes de exportar su imagen. Exporta diferentes versiones de la foto en un solo archivo PSD. Para la capa base, coloque la capa con exposición media para el área más grande de la imagen en la parte inferior de todas las capas. Enmascare estas capas con máscaras de capa negra y píntelas con un pincel suave blanco. Aplanar la imagen después de revelar las áreas expuestas.

2. Corrección de la piel

Comience a eliminar las líneas finas, las imperfecciones y los puntos con el cepillo de reparación de manchas. Asegúrese de elegir los pinceles muy pequeños solo durante la corrección de la piel. Puede usar una capa en blanco y negro para igualar el tono de piel.

3. Esculpir

Desea que el modelo se vea en perfecta forma y, durante el retoque, es posible que deba esculpir o remodelar el cuerpo o la cara de su modelo virtualmente. Debe tener mucho cuidado durante el proceso de remodelación, ya que no desea cambiar la apariencia del modelo con manipulaciones de apariencia poco natural.

4. Ojos y rostro

Utilice las técnicas adecuadas de corrección de ojos rojos para dar vida a los ojos del modelo. Amplíe la imagen y retire los vasos sanguíneos de la parte blanca de los ojos con herramientas como la herramienta de sujeción de piedra. Oscurece las sombras de ojos y las cejas. Remodele las cejas y asegúrese de que se llenen correctamente. Reforma los labios y limpia los contornos. Mire el rostro y asegúrese de que no haya imperfecciones visibles y el rostro se vea perfectamente esculpido.

5. Cortes de cabello

Si los cabellos del modelo se ven encrespados, debe corregirlos durante el retoque. Utilice un cepillo de curación para eliminar las partículas sueltas visibles. Retire los pelos que se cruzan sobre otros pelos y rompan el flujo. Agrega un poco de brillo extra al cabello.

Conclusión

El retoque de belleza es un paso importante de la etapa de preproducción. Debes saber qué hacer y qué no hacer en el proceso de Retoque de Moda y Belleza . El objetivo no es hacer que un modelo se vea hermoso de manera poco natural, sino realzar la belleza natural de las correcciones sutiles.

Debe evitar aceptar una tarea si los archivos RAW no son de alta calidad. Si las imágenes no se capturan correctamente, para empezar, no puede hacer que se vean hermosas artificialmente, sin importar cuán buenas sean sus habilidades de retoque.

Para el retoque de belleza, necesita saber cómo usar las herramientas de retoque de belleza de manera eficiente , comprender la anatomía humana básica, especialmente la anatomía de la cara, saber cómo representar la luz y la sombra correctamente y conocer la teoría del color. Seguir los pasos enumerados anteriormente agilizará el proceso para usted.

Sin embargo, el retoque de belleza depende más del ojo del artista que de las herramientas y técnicas disponibles para los artistas.

#retoque #photoshop #retoques fotográficos

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fabianosevegnani · 4 years ago

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MÚSICA E ARTES PLÁSTICAS: UMA CONVERSAÇÃO

WICK, R. Pedagogia da Bauhaus. SP. Martins Fontes, 1990.

INTRODUÇÃO

Este artigo expõe os relatos da experiência docente realizada no Estágio Supervisionado do sétimo período do curso de Licenciatura em Música da UNIVALI, tendo como público alvo alunos do primeiro, segundo e terceiro ano do ensino médio do Colégio de Aplicação – Univali em Balneário Camboriú.

Recebendo como desafio a tarefa de lecionar música para alunos do ensino médio, seguindo o material didático e conteúdo previamente definido e exclusivamente orientado ao estudo das artes plásticas, os acadêmicos perceberam a necessidade de utilizar a multidisciplinaridade e conciliar a história das artes plásticas com a música. Apesar da entrada da música no currículo escolar, a mesma ainda não teve seu papel definido no ensino das artes e por vezes é resumida a atividades práticas de voz e instrumentos que visam a excelência técnica em detrimento do desenvolvimento cultural e social do estudante. Práticas essas, replicadas em inúmeras instituições de ensino fundamental, a aula de artes é direcionada pelo ensino e prática das artes plásticas. Sem o intento da prática de música em sala de aula, os acadêmicos direcionaram suas pesquisas em descobrir ferramentas que auxiliassem na contextualização histórica e social das artes plásticas e a música, tecendo uma rede de conexões entre as formas de artes citadas anteriormente.

Atualmente as aulas de artes, no ambiente escolar do ensino médio, têm como predominância o estudo das artes plásticas. Nesse cenário, como podemos construir um diálogo entre as duas formas de arte para que os estudantes possam reconhecer as similaridades entre artes plásticas e música em sua forma, história e também seu espaço na sociedade? A integração e coletividade entre os humanos sempre impulsionou grandes avanços culturais na sociedade e o mesmo acontece entre as diferentes formas de artes. O ensino da arte na escola deve possibilitar a reflexão da arte como um todo, o significado cultural dela e conseguir conectar música às imagens através da história cultural de um povo. “Conhecer vai além da capacidade de enxergar ou de ouvir. Conhecer é compreender, é ser capaz de extrair de um objeto seus sentidos ou suas razões.” (SCHLICHTA; TAVARES, 2006, p. 7).

Na busca por um contraponto pedagógico que pudesse abrigar o ensino da música e das artes plásticas, a dupla de acadêmicos buscou embasamento de alguns autores que dedicaram parte de suas pesquisas a representação gráfica da música e sua presença em diversos âmbitos da sociedade. O artista plástico, professor e músico violinista, Paul Klee (1973), No Pensamento Criativo, apresenta as bases de seu pensamento, onde encontramos a elaboração dos pressupostos formais que são relacionados com a escritura musical, servindo como base do processo criativo. Segundo Ramalho de Castro (2010), foi professor na escola de artes visuais Bauhaus e tocou na orquestra de Berna na Alemanha. Dedicou a maior parte de sua pesquisa em evidenciar a relação entre arte pictórica e música.

Cada vez mais estou convencido acerca dos paralelismos entre a música e a arte (...) Sem dúvida ambos são temporais, o que é fácil de demonstrar... os movimentos expressivos do pincel, a gênese do efeito. (KLEE apud WICK,1990, p. 320).

Schafer e sua pesquisa também colaboraram com este documento influenciando a direção que os acadêmicos deveriam seguir e o tipo de abordagem a ser usada. O mesmo no livro, A Afinação do Mundo (1992), acredita que o músico pode ser qualquer um, sendo o instrumento, qualquer coisa que soe. Ideia essa, levada adiante nas atividades de percepção e interpretação musical feitas por alunos sem experiência na área ou qualquer instrumento em mãos.

Em uma era visual, os alunos devem entender que as artes possuem íntimas conexões desde suas origens e que há diversas maneiras de observar e ouvi-las, sendo algumas sensoriais e concretas, outras filosóficas e abstratas, ambas dependem de uma leitura apurada do cenário histórico em que o criador está inserido. O conhecimento dessas conexões pelos alunos deve criar a discussão sobre o papel da música nesse mundo visual e elaborar um cenário onde o sincretismo artístico possa existir, sem a preferência de uma arte sob a outra.

Visando descrever as experiências vivenciadas, os relatos foram organizados em três unidades, como consta no plano de ensino. A partir de nossas reflexões esperamos instigar a todos a observarem de outra forma a interdisciplinaridade da música com artes plásticas.

FUNDAMENTAÇÃO TEÓRICA

Nunca foi na história da arte, incomum que artistas visitassem diversos tipos de manifestações culturais nas suas criações, quer fossem escritores compondo música ou pintores escrevendo poemas. E a colaboração entre eles durante séculos de criações também está registrada em diversas ocasiões históricas, e mesmo artistas que não transitaram entre duas artes conceberam íntimas relações entre elas. A música assim como as artes plásticas sofreram grandes variações influenciadas pelo cenário histórico cultural do momento e por sua vez influenciaram diversas mudanças. Nestes exemplos temos o surgimento da imprensa escrita na renascença que aumenta a possibilidade da música dos compositores circular a Europa e ser preservada, mesmo em um período sem gravações, séculos à frente de seu tempo. A música, no que lhe concerne, durante a década de 60 do século XX, exerceu influência no comportamento dos jovens da sociedade, que clamavam por mudanças e exigiam maior igualdade entre os semelhantes. Em uma análise de Pop Art: Redefined de Russel e Gablik (1969) podemos ver que artes plásticas, depois da ascensão comercial do movimento Art Pop, passaram a fazer parte de tudo o que é consumido pela atual sociedade. Na ironia de ter surgido de um movimento artístico nascido no propósito de protestar contra a sociedade de consumo, essa está aliada à música, dramaturgia e literatura de consumo em massa.

No artigo, A Trajetória do Graffiti Mundial de Silva-e-Silva (2008) podemos a acompanhar o exemplo moderno de amálgama entre música e artes plásticas moldado pela realidade social, político e econômica. Rap e Grafite são formas de expressões utilizadas por jovens ao redor do mundo, o primeiro é o gênero musical que surgiu na metade da década de setenta nos EUA, carente de produção artística e visual devido à condição econômica de seus praticantes, viu no grafite um modo simples e barato de confeccionar e enfeitar seus palcos e festas. Ambas manifestações culturais, décadas a frente serão responsáveis pela discussão sobre igualdade racial e inclusão social.

No entanto uma corrente de pensamento também pode influenciar ambas as artes, na reflexão feita por José D’Assunção Barros (2008) no artigo, História, Artes Visuais e Música – Imagens de uma relação Interativa, através de uma análise dos estilos Barroco e do Renascentista, se pode perceber o caso dos compositores renascentistas que tentavam retratar os sons da natureza, ao exemplo de Janequin e sua composição, “O Canto dos Pássaros”, onde ele procura imitar sons de pássaros através de recursos onomatopeicos, o que se tornou um traço característico de muitas obras dele.

Em “A Cultura do Renascimento na Itália” do acadêmico suíço Jacob Burckhardt (1990) apresenta um cenário onde o ser humano torna-se um indivíduo espiritual e reconhece a si mesmo como tal. O assunto “homem” e “natureza” como temas principais de várias esculturas e pinturas desse período tem influência direta com o que acreditavam os intelectuais na época, os quais propagavam um abrandamento dos misticismos e leis religiosas e colocava a vida na terra em primeiro plano. Com isso, tem-se plena a ideia de que no estudo das manifestações artísticas, podemos analisar os entrelaçamentos na arte plástica e música analisando seus aspectos formais ou também seu papel na sociedade e história de qualquer momento da cultura humana.

Somos artistas, homens práticos de ação, razão pela qual atuamos, por natureza, em um âmbito preferencialmente formal. Sem esquecer que antes do início formal, ou mais simplesmente antes do primeiro traço, existe uma história precedente, e não apenas o anseio, o prazer do homem em se expressar, não apenas a necessidade exterior de fazê-lo, mas também um estado geral de sua condição humana cuja direção recebe o nome de visão de mundo e que surge aqui e acolá com a necessidade interior de manifestar-se. Faço questão de frisar isso para que não se produza o mal entendido de que uma obra se compõe apenas de forma. (KLEE apud WICK,1990, p.320).

Paul Klee (1973) em seu livro, O Pensamento Criativo, identificou as relações formais entre música e as artes visuais e construiu conexões entre linhas melódicas e linhas no desenho, os tempos dos compassos e as divisões da pintura, experimentou com sobreposições de cores e texturas a representação visual de uma polifonia. O artista que era também professor na escola de artes visuais alemã, Bauhaus e além de artista plástico, foi violinista na Orquestra Municipal de Berna, cresceu em uma família de músicos e desde cedo estudou artes plásticas e música juntas. De fato, a busca da compreensão através de uma Estética mais abrangente, que considere a Pintura, a Escultura, a Arquitetura e a Música de uma mesma época, ou ainda incluindo outras formas de expressão como a Literatura e a Filosofia, tem sido meta de diversos historiadores da cultura e filósofos da arte.

Rodrigues Mota (2010) em seu projeto “Quadros de uma Exposição - Diferentes Formas de Orquestração” mostra Modest Petrovich Mussorgsky, compositor romântico russo. Esse, uma síntese dessa dualidade entre música e artes plásticas. A sua obra permaneceu obscura ao grande público por décadas e após a morte do compositor, diversos músicos renomados demonstraram interesse pela obra de Mussorgsky, em especial por essa aqui comentada (MOTA, 2010). O artista compôs uma suíte em homenagem ao amigo e pintor Viktor Hartmann, que havia falecido, escolhendo dez pinturas como inspiração para a composição. Ele criou uma música para cada um dos quadros, interligando por meio de um tema central e quatro intermezzi aos quais deu o nome de Promenade, “passeio”, que representa o trajeto dos visitantes pela mostra.

Analisando o que foi percebido até este momento, pode-se imaginar certa inclinação em conciliar o ensino de música com o conteúdo das aulas de arte no ensino médio. Possibilidade que pode não se concluir na prática, sendo que o estudante, pode ter a ideia pré-concebida da aula de arte e resta descobrir se eles realmente podem tecer essa conexão entre sua realidade, e as diversas expressões artísticas audiovisuais. Aqui Souza (2009) desabafa no título de seu TCC: ‘Eu não gosto de arte porque não sei desenhar: o reconhecimento de outras linguagens como arte’, remetendo-se à hegemonia do ensino das artes visuais na Educação Básica. No entanto temos a extração do trecho de um texto da professora Rosangela Lambert onde ela cita um comentário de Schafer…

“…Venho discutindo a educação dirigida à experiência e à descoberta. […] Em um trabalho criativo, de qualquer espécie, não há respostas conhecidas nem informação que possa ser examinada como tal. Depois de colocar algumas questões iniciais (não respostas), o professor se coloca nas mãos da classe e juntos trabalham inteiramente os problemas. […]”.(SCHAFER apud LAMBERT, 2017, s.p.).

Libertar o aluno do pensamento ortodoxo de pensar em música e artes plásticas pode ser fundamental no processo de exploração e descobertas, possibilitando o exercício de criação sem pensar no caráter virtuoso, apenas na composição de sua visão de mundo através de alguma atividade artística.

METODOLOGIA

Esse artigo é resultado da contextualização, crítica e descritiva, de 12 intervenções práticas da disciplina de Estágio Supervisionado, realizadas no Colégio de Aplicação - Univali, com as turmas do 1º, 2º e 3º ano do ensino médio, sendo que a primeira contava com 17 alunos de 15 anos de idade, a segunda 9 alunos com idade de 16 e por fim a terceira, 14 alunos e idades aproximadas de 17 anos. As aulas aconteceram no período matutino, contando com 50 minutos de duração.

As intervenções foram distribuídas na seguinte ordem: uma visita técnica, seguida por três aulas iniciais, seis aulas para explicação de conteúdo e desenvolvimento da atividade final e mais três aulas para a finalização e apresentação da atividade. Todas as intervenções foram aplicadas nas dependências do Colégio de Aplicação – Univali em Balneário Camboriú.

A visita técnica entendeu a observação e análise do espaço físico da escola, essa, antecedida por uma entrevista informal com diretora e a professora de artes das turmas alvo do estágio. Nessa reunião ficou decidido como poderíamos usar o conteúdo das aulas de arte para o ensino da música e as datas das intervenções. Na aula diagnóstica tivemos o momento de observar as turmas e analisar o estilo de ensino da professora. As doze intervenções dividiram-se em três unidades: a primeira compreendeu o estudo das artes plásticas e música inseridas em um período histórico, o contexto social, cultural, geográfico, suas similaridades e influência nos acontecimentos que conduziram os humanos em seu caminho. A segunda abrangeu o conhecimento das relações entre artes visuais e a música seguindo o exemplo de mútuas colaborações na história da arte e tratou de trabalhar as habilidades manuais dos alunos. Terceira e última etapa do processo compreendeu em apresentação dos trabalhos feitos pelos estudantes, através da interpretação visual de músicas pré-definidas pelos estagiários.

A dupla de estagiários encontrou alguns desafios na elaboração de estratégias e escolha de metodologia, devido à escassa literatura abordando o estudo das artes unindo música e artes plásticas. Minayo (2007, p. 44) define metodologia de forma abrangente e concomitante.

(...) a) como a discussão epistemológica sobre o “caminho do pensamento” que o tema ou o objeto de investigação requer; b) como a apresentação adequada e justificada dos métodos, técnicas e dos instrumentos operativos que devem ser utilizados para as buscas relativas às indagações da investigação; c) e como a “criatividade do pesquisador”, ou seja, a sua marca pessoal e específica na forma de articular teoria, métodos, achados experimentais, observacionais ou de qualquer outro tipo específico de resposta às indagações específicas.

A dupla precisou desenvolver um “meio caminho” nos temas de artes plásticas que estavam no currículo, para o encontro da música, sua história e colaboração cultural. Procurando uma resposta que pudesse unir o universo de significados, motivos, aspirações, crenças, valores e atitudes que permeiam o mundo das duas formas de arte em estudo, decidimos por uma abordagem de pesquisa qualitativa, pois os resultados aspirados pelo desenvolvimento das atividades é a visão de mundo de cada aluno sobre a música e seu significado. O objetivo da amostra é de produzir informações aprofundadas e ilustrativas: seja ela pequena ou grande, o que importa é que ela seja capaz de produzir novas informações (DESLAURIERS, 1991, p. 58, tradução nossa).

RELATOS DE EXPERIÊNCIA

Quadros de uma exposição

As aulas começaram com apresentação dos estagiários e chamada dos alunos presentes. Após breve exposição dos assuntos a discutir e explanação sobre o trabalho a ser desenvolvido com a turma, o estagiário deu início à aula introduzindo o tema “Música nas Artes Plásticas” e falando sobre a conexão entre sociedade, história, arte visual e sonora. Com auxílio de slides e áudios, ilustrou passagens históricas culturais, seus desmembramentos através das camadas sociais e diversas classes de artistas, mostrando e pontuando aspectos estéticos e ideológicos que música e artes plásticas apresentavam em comum. Como exemplo, tivemos o paralelo feito entre a literatura, pintura e música influenciadas pelo movimento dadaísta, o surgimento do hip-hop e sua cultura grafite.

Logo após fizemos uma breve contextualização da história do pintor Viktor Hartmann, o músico Modest Mussorgsky e o conjunto de obras “Quadros de uma Exposição”. Compositor romântico russo que nasceu em Karevo, Pskov, 21 de março de 1839 e faleceu em São Petesburgo, 28 de março de 1839, compôs sua obra, supracitada, para piano em 1874, motivado pela morte de Viktor Hartmann, arquiteto e pintor, grande amigo seu. Explicamos como funcionaria a atividade “Quadros de uma Exposição”. Gravuras dos quadros originais foram expostas na parede e os alunos ouviriam uma breve explicação sobre as obras e em seguida um trecho da música seria reproduzida para apreciação dos educandos. O objetivo era que eles conseguissem, através da atmosfera da música, adivinhar a qual quadro pertencia à composição sonora.

Desenvolvendo conteúdos específicos

Começamos pelas aulas com o Terceiro ano, onde os estagiários escolheram abordar o tema “Pop Art”. Dividimos a aula em duas metades, sendo que a primeira foi utilizada para contextualizar o movimento cultural, seus principais artistas, obras, influência na sociedade de sua época e a herança cultural. A estagiária, após pesquisa ao material didático e busca de referências externas para complementação de informações apresentou, com auxílio de slides em Data Show, uma série de informações sobre o movimento, sua origem, principais artistas e obras de maior destaque.

A segunda parte da aula construiu o paralelo entre música e artes plásticas fazendo uso do mesmo movimento cultural, onde a história era contada através da ótica musical com as mesmas referências das artes plásticas. O estagiário apresentou através de exemplos de áudio, vídeo e fotos, várias obras e parcerias feitas entre os artistas, suas principais ideias e profissionais que trabalharam em mais de uma forma de arte.

As aulas desenvolvidas para o segundo e primeiro ano seguiram a mesma proposta, onde a contextualização dos períodos culturais históricos, pela ótica das artes plásticas, foi feita pela estagiária e ao estagiário ficou a tarefa de apresentar a visão musical e construir os paralelos entre as formas de artes. O processo também contou com apresentação no Data Show e exposição de fotos, áudios, vídeo, explicação de ligações e contribuições entre artistas, assim como as influências ideológicas presente na arte do período. Para o segundo ano trabalhamos o Romantismo e no primeiro ano desenvolvemos o assunto Renascença.

Exposição e identificação das obras

As aulas nessa etapa foram empregadas para finalizar as atividades da terceira intervenção, onde os alunos tiveram uma atividade prática para executar. Eles tinham como tarefa principal, a composição de uma imagem através da interpretação da música, com a possibilidade de usarem uma gama variada de técnicas das artes plásticas, como desenho livre, colagem, pintura e outros. Após atenta audição de uma música, os grupos de alunos ganharam a tarefa de representar as mesmas em forma gráfica, ficando livres para interpretação, porém, lembrados das formas de comparações estudadas em aulas anteriores. Ao final do ciclo de aulas, os estudantes expuseram suas obras e receberam como exercício um questionário solicitando que indicassem a que obra pertencia determinada música. Todos ouviram e apreciaram os quadros enquanto discutiam entre seu grupo e anotavam. Abaixo, uma tabela com as músicas da atividade e seus grupos:

Tabela 1: Peças instrumentais e canções relativas à última atividade

Giovanni Pierluigi da Palestrina - Gloria

4. Richard Strauss – Also Spracht Zarathustra

Orlando di Lasso – I’vo Piagendo

5. Mutantes – Panis et Circense

Gilberto Mendes – Beba Coca-Cola

6. Ludwig Van Beethoven – Sonata ao Luar

Fonte: produção dos estagiários

REFLEXÃO DAS ATIVIDADES

No decorrer da primeira apresentação e atividade feitas com os alunos do ensino médio percebemos diferentes reações das turmas. O terceiro ano reagiu de forma mais reservada e apesar de mostrar curiosidade nos temas discutidos e participação efetiva na atividade, faziam quando solicitados. O segundo ano e como sequência o primeiro, participaram de forma mais ativa com perguntas e opiniões sobre os movimentos culturais e as músicas apresentadas. Alguns quiseram saber mais sobre as histórias das obras e o contexto das músicas que foram utilizadas na apresentação, estes participaram de forma entusiasta na atividade “Quadros de uma exposição” acertando em 100% as respostas. Como afirma Fisher (2014, p. 130):

“…sabemos que a educação deve inculcar nos alunos a curiosidade de presenciar os fenômenos na prática para que sejam incentivados a pensar por conta própria. Por meio da curiosidade despertada, o aluno deverá fazer sua própria pesquisa e com isso irá descobrir as respostas para as suas questões.”

Enquanto as músicas da atividade eram tocadas, os alunos especulavam e interagiam entre si atrás de uma resposta. Algumas imagens tiveram que ter seu fundo histórico explicado por se tratarem de mitos russos, como “Baba Yaga”. Peter Kivy em “Sound and Semblance” (1997, tradução nossa) alega que a imagem musical se refere à música que, quando escutamos, achamos que se parece com alguma outra coisa. Por exemplo, uma determinada passagem da obra de Messiaen, que parece ser um canto de pássaros. Quando ouvimos uma música deste tipo, imediatamente nos remetemos ao que ela está retratando.

Na segunda etapa do planejamento de aula tivemos que desenvolver nosso conteúdo de ensino da música, visando a proposta de conteúdo programado para as respectivas turmas do Ensino Médio. As mesmas já possuem o material didático dedicado inteiramente à história das artes na humanidade sob a perspectiva das artes plásticas. Nas aulas os alunos podiam visualizar o contexto estético da arte e entender o processo político e socioeconômico que dominava determinado período e influenciou de forma marcante e significativa os artistas que incubavam o pensamento onde germina a cultura. O processo utilizou as congruências artísticas entre música e artes plásticas desenvolvidas nas cenas artísticas, as contribuições feitas pelos artistas em diversas áreas de produção foram exploradas, como no exemplo de Andy Warhol, artista plástico de expressão na cena da “Pop Art” e sua associação com a banda Velvet Underground, o grupo de rock liderado por Lou Reed, que emergiu do underground de Nova York. O mesmo, ainda cedia sua casa para ensaios e produzia as bandas visualmente, da parte gráfica de seus álbuns ao figurino. As conexões ideológicas foram analisadas na mudança da pintura e música da renascença, onde compositores e pintores passaram a explorar o homem e natureza em suas criações.

Os alunos puderam tirar suas próprias conclusões das obras opinando sobre as músicas tocadas em comparação com as pinturas mostradas, e sobretudo conseguiram construir pontes unindo seus gostos particulares em pleno século XXI. Com duas raras exceções no meio de todos os alunos, eles nunca haviam refletido sobre o papel da música e sua conexão com outras formas de artes, e apesar de todos ouvirem diariamente música, faziam em geral na intenção de construir uma paisagem sonora para o dia, para quebrar o silêncio, sem reflexão. “[...] Na sociedade ocidental, o silêncio é uma coisa negativa, um vácuo.” (SCHAFER, Murray R., 1992, p. 354).

Na segunda parte da aula tomamos cuidado em fazer ligações entre música e artes plásticas explicando que ambas podem existir naturalmente no mundo. Na análise de uma paisagem ou imagem podemos encontrar qualquer tipo de som, sendo que a experiência possa ser replicada de forma oposta. Baumer (2009, p. 81) cita Adorno (1995), que assevera que a formação cultural não está disponível em cursos regulares ou matrizes curriculares, mas depende do esforço espontâneo, interesse, disposição aberta, capacidade de se abrir ao espírito, amor. A análise do processo histórico na criação da arte em diversas formas e sobretudo a apreciação da mesma e prática, podem de fato criar um olhar crítico no aluno e em alguma escala o respeito pelo que ela representa.

A parte final do trabalho foi a produção de arte pelos estudantes, agora com as recentes informações recebidas os alunos poderiam produzir uma interpretação de como a música que eles ouviram poderia parecer ou que signo eles escolheriam para representar as melodias e harmonias que lhes atingiam os tímpanos. A dúvida pairou na possibilidade dos alunos, se deveriam guiar-se pelas melodias, pelas letras ou por suas experiências pessoais na hora de sua análise. Os resultados indicaram que a maioria dos alunos traz sua experiência pessoal para a interpretação, fazendo com que a diplomacia e democracia seja um exercício constante durante o processo criativo. Como possuíam temas de épocas distintas como Renascença e Pop Art, os resultados foram variados, os recortes e colagens utilizados nos trabalhos trouxeram muita informação moderna e contemporânea.

Os resultados foram divertidos e interessantes, onde os alunos usaram recursos para representar a música, onomatopeias imitando tímpanos de orquestra e discos voadores no espaço sideral representado “Also Spracht Zarathustra” do compositor Richard Strauss. Aqui mostrando um significado que essa música tem na atual sociedade que jamais foi pensado na sua forma original. Atualmente e provavelmente, devido ao filme “2001, Uma Odisséia no Espaço” onde foi a trilha principal do longa, a música representa um tema de ficção científica e visual de espaço sideral. Partituras foram utilizadas para representar as notas de uma canção renascentista e Neymar foi representado como um “ser divino”. Os alunos ainda mostraram bastante capacidade na hora da atividade de percepção acertando a maioria das músicas com suas respectivas obras.

Desde algum tempo, eu também acredito que o ambiente acústico geral de uma sociedade pode ser lido como um indicador das condições sociais que o produzem e nos contar muita coisa a respeito das tendências e da evolução dessa sociedade. (Schafer, 1992, p. 23).

O resultado produzido nessa atividade revela muito sobre cada grupo, suas ideias, sua capacidade de conexão com a arte e o conhecimento empírico adquirido pelo convívio em sociedade. Revela sobre a nossa jovem sociedade e qual cenário eles pintam para o futuro.

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Apesar de todo o desafio na montagem de estratégias e escolha dos temas a serem abordados, as aulas foram aceitas para além de nossas expectativas. Durante a apresentação de slides os alunos interagiram de forma consistente, acrescentando conhecimentos de seu cotidiano e perguntando sobre os movimentos culturais e sua respectiva música. Na atividade de sala se mostraram intrigados pelas composições e quadros expostos, desejando aprofundamento sobre os temas e pinturas, solicitando estendermos a atividade além do tempo programado. Iniciamos a aula com cautela e receio, pois não sabíamos como reagiriam aos assuntos, sendo que um dos fatores que nos preocupava era a carga alta de atividades e interesses difusos que possuem os adolescentes. Principalmente o terceiro ano em momento de preparação para o vestibular.

Na continuação do plano de ensino, fomos surpreendidos pela atenção dispensada dos alunos às explicações que foram revertidas em várias dúvidas e perguntas para o estagiário, e como na primeira unidade, tivemos maior entusiasmo e participação com a turma do primeiro ano. Muitos alunos, mesmo os que desconhecem as regras técnicas e teóricas de música, conseguem perceber e apontar similaridades nas formas artísticas, comprovando o que a dupla pensava sobre o adormecimento cultural em que os meios de comunicação em massa aprisionam a população. Os alunos conseguiram não só identificar padrões entre as diferentes formas, mas também traçar paralelos com suas próprias realidades e um aluno no primeiro ano se interessou profundamente pelo intervalo “Diabolus in Musica”.

Conseguimos obter o produto final que desejávamos para a conclusão de nossa jornada de trabalho com o ensino médio, onde poderemos analisar se os alunos conseguiram realizar a conversa entre artes plásticas e música, como também entender de forma superficial um pouco da cultura atual e como ela conversa com o mundo que já foi, à medida que ainda exerce sua influência na forma de comunicação. Tivemos alunos empenhados acima da média e outros abaixo, mas a participação como grupo na atividade foi ideal. Os detalhes das obras podem ser notados após vários minutos de apreciação até que se tenha uma paisagem completa, mas ao depararmos com elas de primeira vista ao som da música podemos identificar todas, tendo como fato curioso de as músicas terem sido escolhidas, propositalmente, apresentando poucas similaridades entre si. O resultado apresentado pelos alunos também apresenta essas características.

Em tempos de massificação constante da arte, a educação do ensino fundamental perde em isolar as manifestações criativas, criando práticas pedagógicas que evidenciam uma sobre outra, privando o encontro das massas com todo tipo de arte em suas mais variadas formas. A música é parâmetro para o desenvolvimento de uma sociedade e faz parte de sua identidade cultural tanto quanto qualquer outra manifestação artística, o muro que educadores erguem ao redor da educação musical, empurra ela para trás das cortinas dos produtores culturais, deixando-a pela conta do famigerado mundo dos meios de comunicação em massa.

REFERÊNCIAS

ANDRIOLI RODRIGUES MOTTA, Daniel. Quadros de uma Exposição — Diferentes Formas de Orquestração. Instituto de Artes – São Paulo SIMPOM: Subárea de Musicologia. São Paulo, 2010.

BAUMER, Édina Regina. O ensino da arte na educação básica: as proposições da LDB 9.394/96. Dissertação (Mestrado) - Universidade do Extremo Sul Catarinense, Programa de Pós-Graduação em Educação, Criciúma, 2009.

BURCKHARDT, Jacob Christoph. A Cultura do Renascimento na Itália. Editora Schwarcz LTDA. São Paulo, 2009.

D’ASSUNÇÃO BARROS, José. História, Artes Visuais e Música – Imagens de uma Relação Interativa, Através de uma Análise dos Estilos Barroco e do Renascentista. Revista Esoboços n. 19 — UFSC, 2008.

DESLAURIERS, J. P. Recherche Qualitative. Montreal: McGraw Hill, 1991.

FISHER, Catarina Justus. Interdisciplinaridade e a música: reflexões possibilidades. In Revista da Fundarte v. 14, n 28, p. 116-135. Montenegro: FUNDARTE, 2014. Disponível em:

http://seer.fundarte.rs.gov.br/index.php/RevistadaFundarte/article/viewFile/149/249 Acesso em: 10 mai. 2018.

KIVY, Peter. Sound and Semblance. In: Aesthetics: A Reader in the Philosophy of the Arts. David Goldblatt, Lee B. Brown (Eds.), New Jersey: Prentice Hall, 1997.

KLEE, P. La Pensée Créatice. Écrits sur L`Art / 1. Textes recueillis et annotés par Jurg Spiller. Paris. Dessais et Tolra, 1973.

LAMBERT, Rosangela. Murray Schafer: Os sons do mundo e a conscientização sonora. Disponível em: https://www.terradamusica.com. Acesso em: 26 mai. 2018.

MINAYO, M. C. S. O desafio do conhecimento. Pesquisa qualitativa em saúde. São Paulo: HUCITEC, 2007.

RAMALHO DE CASTRO, R. C. O pensamento criativo de Paul Klee. Per Musi, Belo Horizonte, n.21, 2010, p.7-18. disponível em: http://www.scielo.br/pdf/pm/n21/a01n21.pdf acesso em: 16 mai. 2018

RUSSELL, John e GABLIK, Suzi. Pop Art Redefined. Frederick A. Prager Inc. Publishers, New York, 1969.

SCHAFER, Murray R. A afinação do Mundo. Ed. UNESP, 1992.

SCHLICHTA, C.; TAVARES, I. M. Artes visuais e música. Curitiba: IESDE Brasil S.A., 2006.

SILVA-E-SILVA, William da. A Trajetória do Graffiti Mundial. Revista Ohun, ano 4, n. 4, p.212-231, dez 2008. disponível em: http://www.revistaohun.ufba.br/pdf/Wiliam_Silva.pdf acesso em: 24 jun. 2018.

SOUZA, Rodrigo Ribeiro de. Eu não gosto de arte porque não sei desenhar: o reconhecimento de outras linguagens como arte. 2009. 47 f. Trabalho de Conclusão de Curso (Licenciatura em Artes Visuais) - Universidade do Extremo Sul Catarinense, Criciúma, 2009.

VALE, Maria Imaculada Rodrigues e SILVA, Mariana Galon da. A metodologia musical de Murray Schafer e sua aplicabilidade em escolas de Educação Básica. Educação, Batatais, v. 7, n. 3, p. 81-101, jan./jun. 2017.

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dinoesculturas · 5 years ago

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Masilla epoxi Parsecs

Este es mi material favorito. Es el que he usado por más de 10 años y siento que conozco todas sus ventajas y desventajas, que las tiene como cualquier otro material, obviamente. Pero si uno las conoce y trabaja alrededor de ellas, se pueden lograr resultados increíbles.

La masilla epoxi (probablemente) se compone de una resina epoxi de dos partes y un aglutinante en polvo que le da consistencia de masa. Dentro de cada paquete vienen dos componentes, envueltos por separado para evitar la reacción por contacto. Son de color diferente, uno más claro y otro más oscuro, que se cortan por partes iguales y mezclan hasta lograr un tono intermedio y uniforme, sin vetas o grumos.

Depende de la presentación, se acompaña con un pequeño sobre de una crema que funciona como guante químico, que permite retirar de forma mas rápida y fácil los restos de producto que pudieran quedar en las manos al trabajar; pero de todos modos yo recomiendo usar guantes de látex para manipularlo con mayor tranquilidad.

Una vez mezclados ambos componentes, tenemos una ventana de trabajo que varía dependiendo de la temperatura ambiente. En días calurosos puede ser tan baja como 45 minutos o de hasta 90 minutos en días de mucho frío. Es aconsejable preparar cantidades pequeñas, para evitar que endurezca antes de tiempo. Y para evitar esto acá van dos tips

Cortar trozos más grandes de cada color, para tenerlos listo y sin el papel del envoltorio, pero cortar piezas pequeñas y mezclarlos a medida que se trabaja, siempre teniendo en cuenta de que sean del mismo tamaño o peso de cada color.

O también, una vez mezclados, si preparaste mucha cantidad, puedes dejar sólo una parte para usar y el resto ponerlo en el freezer. Esto retrasa el endurecimiento y se puede usar hasta 2 días más tarde, ablandándola con las manos. Por ello es conveniente aplanarlo hasta un grosor de unos 5mm máximo para que se descongele rápido sólo con el calor de las manos

Una vez mezclada bien, se aplica sobre la superficie que se quiere cubrir. Como cualquier material adhesivo, la masilla epoxi debe aplicarse sobre una superficie limpia, sin polvo ni grasa o una base que se desmorone. Se puede utilizar sobre yeso (preferentemente sellado con barniz o goma laca), madera, vidrio, metal, poliestireno, cartapesta, plasticera, etcétera.

Para lograr una una piel pareja se puede estirar con rodillos, siempre teniendo en cuenta de que el material se pegará sobre la base y al rodillo, por lo que se deberá usar algún desmoldante, como talco o cremas. Yo prefiero estirarla con los dedos, como si fuera una pizza. No queda tan pareja, pero yo hago seres orgánicos que no son perfectos. Y siempre se puede agregar más para rellenar o quitar si fuese necesario. Para alisar las uniones se puede utilizar crema para manos, agua o mi solución preferida, agua con detergente.

Una vez disimuladas las uniones se puede proceder al texturado con estecas, bolillos, palillos, sellos, etc. Yo uso un bolígrafo sin tinta, al que sumerjo en agua jabonosa para que corra bien y así poder dibujar escamas individuales. También se pueden usar tubos de plástico o metal, de diversos diámetros, para imprimir escamas individuales. O incluso hacer bolitas, aplastarlas sobre la superficie con los dedos y poner una al lado de la otra. Esto logrará que los lados se aplasten contra sus vecinas y queden hexagonales, como en los reptiles actuales. Luego se pueden repasar los bordes con el bolígrafo o pinceles de silicona mojados en agua o crema.

Debido a su corto tiempo de trabajo, se deben trabajar áreas pequeñas. A mi me lleva unos 15 o 20 minutos para aplicar la piel y alisarla, marcar pliegues, arrugas, músculos y los otros 20 a 25 minutos para marcar las escamas o texturas. Pasado ese tiempo el material ya se puso demasiado denso y es inconveniente para lograr texturas con facilidad.

La masilla epoxi Parsecs endurece entre 3 y 6 horas luego de mezclados los componentes, siempre dependiendo de la temperatura ambiente. Se puede acelerar el secado poniendo la pieza al sol o cerca de una fuente de calor.

Al endurecer, se puede lijar, tallar, refinar con minitornos o herramientas manuales, etc. Se pueden agregar detalles estando ya seca o en un tiempo intermedio, que sería lo ideal porque el material fresco se adhiere aún mejor sobre el material a medio curar.

Al terminar la pieza se procede a desengrasarla, con alcohol o si usaron agua jabonosa como hago yo, simplemente lavando la pieza entera bajo la canilla. El detergente disuelto se reactiva y desengrasa por completo la superficie. OJO, este paso es importante porque si no se retira la crema, aceites, glicerina, vaselina o agua jabonosa, la pintura no se adherirá correctamente.

Vamos con las ventajas de la masilla epoxi

No requiere horneado y no endurece al aire, sino que es una reacción química por catalización, por lo que la pieza endurece por sí sola pasado el tiempo de curado

En Argentina es económica, de producción nacional y vienen en varias presentaciones, desde paquetes chicos hasta 1Kg. También tiene una segunda marca, MASILLITE que es aún más económica e igual de efectiva

Se consigue en ferreterías, librerías artísticas o a través de vendedores online. Usualmente, cuanto más Kg compres, menor será el precio unitario, ya que los vendedores suelen hacer packs con precio por unidad menor al individual

Se mezcla fácil, es plástica, se adhiere SOBRE TODO, se puede texturar muy bien y acepta perfecto todo tipo de pintura. Incluso se puede teñir la masa para que tenga color (nunca lo intenté) o con óleos diluidos para que la masilla los absorba estando ya seca (esto lo intenté alguna vez para lograr falsos acabados)

Perfecta para reparar objetos de arcilla, reformar juguetes o muñecos, unir materiales que creías nunca ibas a poder lograrlo

Admite perfecto todo tipo de técnicas de texturado, por lo que es ideal para proyectos de material orgánico o irregular. Permite imitar otros materiales, como rocas, madera, etc. siempre que se texture de forma adecuada

Para proyectos de tipo mecánico, tendrás que ser muy prolijo al momento de modelar o lijar a lo loco para que queden superficies planas y lisas

En caso de esculturas medianas a grandes es el material campeón por su costo, versatilidad y resistencia

Es liviana. Si bien no pierde volumen ni peso al “secar” el material es sorpresivamente liviano para el volumen que ocupa, si lo usas sólo como piel.

Si haces objetos sólidos sí es pesado y denso, por lo que sirve para hacer “fósiles” u objetos que dependen de su peso para convencer

Es resistente, al tacto parece un plástico de calidad. Suena bien al golpetear con los nudillos y la textura es lisa y tersa si no fue texturada excesivamente

Ahora vamos con las desventajas

Al moldear pequeñas piezas o de bajo espesor el producto se vuelve frágil, como una porcelana que resiste el uso diario sin problemas; pero si la pieza se cae o sufre un stress excesivo, se partirá. No deja de ser resinas con polvos que la estabilizan, así que es las esculturas son igual de frágil que una hecha con materiales más “nobles”

Para reducir la fragilidad se puede reforzar con armazón de alambre, en mi caso específico el talón de Aquiles de los dinosaurios son sus largas colas. Por más que use un alambre muy resistente, si alguien las forzara mucho, la masilla no es elástica y se termina quebrando.

El tiempo de trabajo tan reducido es una desventaja para principiantes. Sugiero hacer pequeñas pruebas de modelado y texturado. Y cuando hayas logrado dominarlo, pasar a piezas completas. Aún así, deberás trabajar de a pequeños sectores al momento de los detalles. Quizás la estructura base puedas hacerla en etapas sucesivas en el mismo día. Lo he hecho

Quizás en tu caso particular encuentres alguna otra desventaja. O ventaja. Como dije, cada material se adecua a una u otra persona. Mi material favorito sigue siendo la masilla epoxi PARSECS. Si tienes alguna duda, puedes consultarme por e-mail o mensaje privado en Instagram o Facebook

DISCLAIMER: esta es mi opinión personal, independiente y real. No tengo relación comercial con Parsecs, ni actualmente ni en el pasado. Si en un futuro eso cambiara, no afectaría mi opinión sobre este o ninguno de los demás materiales revisados

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#parsecs #masillaepoxi #escultura #modelado #paleoarte #materiales

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apkgoz · 4 years ago

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Descarga Adobe Lightroom CC - Hack Premium Desbloqueado

Servicio de edición de fotos potente, intuitivo y gratuito. Lightroom te permite crear magníficas fotografías y crecer como fotógrafo. Descubre cómo a continuación. Actualmente, la necesidad de la fotografía se ha convertido en uno de los elementos esenciales de la vida humana moderna. Si no lo tenemos, aún podemos vivir normalmente pero no podemos seguir el ritmo de la tendencia de la sociedad. Incluso este año, 2020 tiene una tendencia llamada turismo para aumentar la influencia, las personas viajan y usan sus fotos para publicar en las redes sociales para convertirse en una persona de moda. Eso confirma en parte el poder que las fotografías traen a las personas en este siglo XXI.

A continuación, se crearán las herramientas de edición de imágenes para aumentar la profesionalidad y servir a todo tipo de intereses de muchas personas. Herramientas como Camera 360, B612, más recientemente PicsArt Gold ... son todos productos que te ayudan a verte mucho mejor gracias a las prácticas herramientas integradas que no necesitas hacer nada tú mismo. Pero profesionalmente, ningún software puede superar Photoshop y Lightroom.

Si desea editar la estructura de la imagen, Photoshop es la herramienta más conveniente y Lightroom es la catedral para los efectos de luz y color. Actualmente, en paralelo con la gran versión para PC, Lightroom tiene una versión para Android llamada Adobe Photoshop Lightroom CC. Es el producto número 2 de mayor recaudación de la línea de aplicaciones de fotografía de Google Play con más de 10 millones de descargas de todo el servidor.

Edita, gestiona y comparte fotos

Cuando se trata de Lightroom, seguramente imaginará hermosas fotos con correcciones de color realizadas por fotógrafos profesionales. Pero con esta versión de Android, puede convertir fácilmente sus obras en una obra maestra. Estas herramientas también están llenas de lo que está presente en la versión para PC y están optimizadas para dispositivos móviles. Gracias a eso, muchas personas pueden usarlo fácilmente. Puede crear excelentes fotos en su teléfono inteligente tan pronto como termine de tomar fotos, sin necesidad de esperar hasta llegar a casa y usar su PC. Las tres funciones principales que le brinda la herramienta son capturar, editar y compartir fotos. Ya no necesita usarlo como herramienta de edición, pero ahora puede aplicarse como filtro justo durante el disparo. Y la función de edición lo ayudará a eliminar los hermosos puntos y reemplazarlos con colores más hermosos. Después de tener trabajos así, puede actualizar fácilmente a cualquier red social que desee. Instagram, Facebook, Twitter y Flickr están integrados para que los comparta, e incluso Lightroom crea una red social para que los usuarios compartan sus trabajos.

# 1 Editar fotos para Android

Acabamos de hablar sobre la característica principal como esa, y las características recientemente actualizadas harán que su estadía en Lightroom sea mucho más larga. Primero, será la función de la pestaña Álbumes compartidos para que los usuarios puedan ver fácilmente las fotos más que en cualquier momento. La tendencia actual es que todo está interconectado en una red estrecha, que a menudo llamamos redes sociales. Por lo tanto, esta función también parece crear un sistema donde los usuarios pueden acceder fácilmente y ver todos los trabajos de otras personas publicados en "lightroom.adobe.com" a través de esta función. Además, debe aprender a crear un ad-hoc que se pueda compartir fácilmente con la comunidad de Lightroom en la web. Elija sus mejores trabajos y cree una colección, luego haga clic en el icono de tres puntos y seleccione "Compartir en la Web" para poder publicar su trabajo.

FUNCIONES PREMIUM

Lleva tu actividad fotográfica a un nivel superior con Lightroom Premium. Mejora tu versión para desbloquear herramientas fáciles de usar del editor de fotos como el Pincel corrector, los ajustes selectivos, la geometría, el almacenamiento en la nube y las funciones de Adobe Sensei, entre otras. • PINCEL CORRECTOR: hazte con todo el control de la imagen eliminando lo que quieras de ella, independientemente de su tamaño. • AJUSTES SELECTIVOS: edita al detalle cualquier parte de tu foto con el dedo o el lápiz óptico para aplicar mejoras con la máxima precisión. • GEOMETRÍA: para que todo esté bien alineado. Crea planos perfectos con líneas rectas ajustando la perspectiva de tu imagen gracias a las potentes herramientas de upright, upright con guías y reguladores de geometría. • EDICIÓN RAW: importa fotos RAW de tu cámara DSLR o sin espejo para poder editarlas en cualquier lugar. • ADOBE SENSEI: utiliza el poder de la inteligencia artificial para etiquetar automáticamente tus fotos y organizarlas en función de los objetos o personas que se encuentran en ellas. Haz una búsqueda rápida de "montañas" o "María" y saldrán todas las fotos que tengan esos elementos. • EDICIÓN POR LOTES: edita fotos de álbumes grandes fácilmente y con un estilo coherente copiando los cambios preferidos de una foto a otra. En ApkGoz.com tenemos el Hacker perfecto y completo, con todo lo que necesitas para pasar todos los niveles, la descarga es totalmente gratis y con un solo link en APK. Capturas de pantalla del hack

Foto Real Tomada desde mi Celular Características del MOD Tutoriales interactivosTextura (suavizar y resaltar detalles de tamaño mediano como piel, corteza, cabello)Álbumes grupales Edición por lotes Integración ACR: Compatible con las últimas cámaras y lentes.Se han corregido los problemas de importación de imágenes. ¡Importante! No necesita iniciar sesión para usar, presione "X" en la esquina superior izquierda de la pantalla.

Descarga por MediaFire

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#ADOBE #DISEÑO #FOTOGRAFIA #HERRAMIENTAS

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quietlylonging · 5 years ago

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Casa

As paredes descascam tão só pelo atrito que foram submetidas com o passar do tempo como pela falta de zelo, de cuidados com a tinta que não se encontra tão facilmente, a textura dificilmente vista em quaisquer outras casas, o arejado pertencente exclusivamente as suas quinas e rodapés. A tinta que recebe diariamente o calor de nossa única estrela, sua radiação e desmandos de dias férvidos e a luz sem temperatura do satélite que orbita a rocha duvidosa e banhada pela água dos mares. Essa tinta que, caindo aos poucos, não vê em si a qualidade de sua cor, a memória vívida que é criada ao ter olhos e consciência fixos em si - olhos atentos e cientes de que jamais verão esses realces outra vez senão ali.

Ando de olhos fechados torcendo para não tropeçar ou ser picado por um traiçoeiro debaixo da areia. Areia gélida, calma após o passar de um dia nublado que agora dá abertura para uma brecha de luz solar em direção ao que restou da maré agitada de antes. Não sei ao certo para onde a trilha de passos leva, tampouco se preciso me apressar antes que as pequenas ondas a apaguem e me joguem à deriva para encontrar o que sequer sei estar procurando, mas sigo. Pouco a pouco sinto os dedos ficando dormentes e a sola dos pés esquentando de tanto forçá-las para que resistam o longo caminho. Os alivio eventualmente seguindo a rota um pouco mais para o lado do mar, molhando tudo que está abaixo dos calcanhares. Queria saber, caminhando sem um destino definido, se quando o encontrasse sentiria o mesmo, encarnaria a atual metáfora num evento de sentir na pele o que por hora são somente suposições e palavras soltas para o deleite da imaginação. Eu sinto a água cada vez mais gelada, junto com a brisa, ainda que tenha traçado há minutos um caminho sem ponto definido, a sensação de que estaria diante de uma prévia da resposta: teria passado por bocados e para enfim ter o descanso sem que precisasse morrer ou desistir, continuaria em frente, passo a passo, com a certeza de uma segunda, terceira ou quarta onda batendo nos pés e refrescando o cansaço, me lembrando da importância de não parar. Por isso, não pararia. Tinha a certeza inicial: toda metáfora resguarda um significado mais profundo que tende a querer contar algo.

De tanto insistir rumo ao que ainda não conhecia, um sinal. No horizonte, uma luz forte em giratória me cegava para depois apontar para o outro lado e depois fazer a volta, tornando a me cegar novamente. Ao despontar o olhar e desviá-lo para frente, um lugar. Quem ficaria ali, no meio do nada? - pensei, hesitante e com razão, pois logo em seguida me dei conta: quem não iria querer ficar ali, no meio do nada, com toda essa paz ao redor? E nisso fui correndo na direção. Uma casinha de paredes brancas, teto feito de telhas arredondadas com um laranja gasto, porta de madeira rústica e o contorno das janelas num azul forte. Bati, sem resposta. Chamei, sem resposta. As cortinas internas não deixavam ver o que havia dentro, privavam minha visão de deleitar a ansiedade perante o desconhecido. Não havia me tocado, no entanto, que a porta estava aberta, destrancada, parecendo que estava sendo aguardado e quem ali morava só não estava presente naquele momento. Entrei, limpando os pés ensopados e melecados com a areia molhada no tapete pacato que me encarava do chão, na frente interna da porta. O silêncio, a comodidade de um lugar que guardava ombros cansados e um espírito que sabia por onde andavam os melhores dias e criava as melhores noites. O calor do cômodo - uma sala, talvez - dizia tudo isso, e reafirmava pelas diversas plantas penduradas, de todos os tipos, algumas cobrindo uma parede por completo, revelando entre as pequenas folhas o branco desgastado e manchado das paredes. Uma televisão antiga de tubo aparentava estar desligada, emitindo um ruído. Um rádio de época ao lado. Por pura distração e imersão nos próprios devaneios e delírios não pude perceber de primeira a música tocando ao fundo, não a conhecia, mas a melodia soava algum clássico de época instrumentalizado para convidar corações apaixonados na direção de uma dança lenta e harmoniosa. Tocava numa vitrola feita de madeira em ótimo estado, com o botão de volume beirando o mínimo. Sentei no sofá para esperar. Esperei. O tempo não passava ali, congelado. Parado. Não havia motivo para passar, concluí após alguns minutos observando tudo. Por que alguém gostaria que o tempo passasse estando numa representação fiel do que significa a paz? A comodidade se abalou, contudo, ao ver que duas paredes descascavam. A tinta ruía como se há muito não fosse cuidada, retocada. Puxei algumas lascas e nelas senti um macio que desconhecia, não sabia o que era essa sensação. Passeei levemente e despretensiosamente com a ponta de dois dedos pela parede, por onde a tinta descascava. Tentava segurá-la, mantê-la fixa onde passou tanto tempo e me ocorreu: deve ter mais.

Com certo trabalho encontrei uma lata daquela tinta, que também não cheirava a tinta. Ao abri-la, os olhos tiveram vontade de lacrimejar pela lembrança que causavam, a lembrança da segurança e do conforto de fazer por outro quando o que é bonito precisava ser restaurado para continuar consciente do quão único e afetuoso é. Ergui o pincel e retoquei ponto a ponto. Pedaços caíam e seus espaços eram cobertos pelo mesmo material, da mesma cor, agora em mãos terceiras. Você tem que tomar cuidado, não se pode só deixar perder a cor assim - pensei, parando por um instante e encostando a testa onde ainda não havia tinta nova. Respirei fundo. Continuei. Um palmo por vez, sem qualquer pressa. Aos poucos, voltava a ser recente, como se nunca tivesse perdido pedaços. Enquanto secava, reguei as plantas e aumentei o volume da música, decidi ir para fora ver o pôr do sol e gostaria de continuar a ouvindo.

De longe, vi o olhar de quem viria para cá. Alternava entre trocar olhares comigo e com o Sol que já se despedia, a passos lentos, descalça. A esperava desde cedo, desde ontem, anteontem, semana, mês passado, só não sabia onde encontrá-la, nem quando. Não por acaso, acho, a casa estava no aguardo, no lugar onde deveria estar. Minutos depois, ela estava próxima, diminuiu o ritmo dos passos e parou na minha frente. Segurei sua mão e com a outra tirei a mecha de cabelo de seu rosto, passando para trás da orelha num toque delicado. Não sabia o que tinha passado enquanto não esteve lá, o que viu, enfrentou. Tudo tinha que ser delicado para que sentisse novamente do que se tratam as coisas pequenas e esquecesse, ao menos temporariamente, da brutalidade e da indiferença do mundo e dos que nos cercam. Seu braço tá sujo de tinta - ela me disse, tocando-o e apertando em seguida, numa forma de dizer para não soltá-la. Eu sei... estava retocando a tinta lá dentro, para você. Não sabia que estaria aqui e que tinha feito esse lugar. Reguei as plantas também - respondi. Me leva lá dentro pra ver? - ela disse, e fomos para dentro, indo direto para o sofá, deitando abraçados com ambas as respirações fortes de um final de aventura tempestuoso que agora contava sobre o descanso e a calmaria, a compreensão, o afeto. As plantas podem esperar... e até lá a tinta já vai ter secado. Quer que deixe a música tocando? - perguntei, com voz mitigada não corromper o silêncio. Quero... - ela respondeu, fechando os olhos e entrelaçando os dedos da mão nos meus.

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allnailartes · 6 years ago

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Diseños de Uñas Acrílicas para Expresar tu Personalidad

Las uñas acrílicas, las uñas dip y las manicuras en gel son solo algunos de los tipos de uñas artificiales que las mujeres adoramos. Las acrílicas son una forma de uñas falsas, que son amadas por su elegancia y por la forma en que transforman las manos de una mujer, de aburridas a brillantes. Las uñas largas de acrílico permiten que las mujeres tengan uñas que no solo son hermosas también darán algo de envidia, ya que a quien no le gusta causar una buena impresión.

Uñas Acrílicas a la Moda, Bonitas y Elegantes

Artista: @DaniArtNails

Las uñas acrílicas son diferentes de las uñas dip y las uñas creadas con gel. Con el polvo de inmersión, coloca la uña en un polvo y luego sella el polvo con un pulidor protector transparente. Una manicura de gel se crea a partir de una sustancia de gel que se cura bajo una luz UV o LED. Sin embargo, las uñas acrílicas se consiguen mezclando un monómero, que es un líquido, con un polímero, que es un polvo. La mezcla forma una especie de masa. La masa se coloca en la uña con un pincel especial. Después de que la masa se transfiere a la uña, se seca al aire en forma de plástico. El esmalte de uñas y los diseños con el esmalte de uñas se aplican si se desea.

Uñas Acrílicas Crema con Brillo Encapsulado

Un patrón favorito para los diseños de uñas acrílicas 2019 es mezclar un color sólido con un color brillante dentro de un tono similar. Para las mujeres que prefieren un tono que sea perfecto para cada ocasión, desde informal hasta elegante, el beige combina con todo. Al agregar un estallido de brillo, se transforma la elección de simple a dinamismo y funciona bien con toda forma de uña acrílica.

Uñas Acrílicas con Punta Francesa Dorada

Los adictos a las uñas adoran el estilo francés, especialmente en colores fuetes como el oro. Las uñas color rosa transparente decoradas con puntas de oro francesas son una combinación perfecta para un cóctel o una noche en la ciudad. Sin embargo, debido a que el rosa transparente y el oro son colores que combinan con todo, este combo también funciona bien para llevar con ropa informal.

Diseño Mate con una Uña Plateada

Para el 2019, los tipos de manicura en acrílico con tres uñas en un color sólido y una en un color brillante es el BOM!. El Bordó oscuro es un tono neutro que combina bien con la plata brillante. Use esta combinación de colores para eventos casuales, así como para ocasiones de lujo.

Sofisticado Diseño de Uñas Cortas en Color Beige

Los diseños de uñas acrílicas cortas en color beige combinan con todo y funcionan bien con todos los tonos de piel. Pero, ¿cómo vestir el color sin arruinar el aspecto clásico y limpio? Transforma una uña con un poco mas de brillo brillo degradado con estilo ombré y veras que agrega un toque único al estilo casual de acrílico sin exagerar.

Diseño de Uñas Acrílicas con Pedrería

Ser creativo con las uñas es una de las cosas que hacen que trabajar con acrílicos sea muy divertido. Comenzando con un tono rosa neutro en las uñas y luego mezclando color con brillos encapsulados, convierte un color clásico en un top de exhibición. Se agregan unos diamantes en una solo uña y tendrás un bello set para llamar la atención.

Uñas Negras con Dorado

Hay muchos estilos geniales para los acrílicos, y muchos de estos estilos incluyen el uso del brillo. Comenzando con una base de color negro, el brillo dorado se agrega a la parte inferior de cada uña, a excepción de una uña que pondremos con brillo de arriba a abajo. Este es un look elegante y es perfecto para una noche en el club.

Uñas Acrílicas Malvas con Brillo

La mezcla de colores y brillo se realiza correctamente cuando la combinación de colores está bien planificada. Los tonos malva con brillo plateado son una buena combinación. Se agrega brillo malva y plateado en una uña; el rosa claro degradado como efecto ombré con el malva más profundo en otra uña, y luego se agrega el mismo malva más profundo al resto de las uñas.

Diseño de Uñas Acrílicas como Óleo

Uno de los tipos de diseños más populares es dar a las uñas acrílicas un aspecto de pintura al óleo. Comience con una base blanca y agregue manchas de color rosa, azul y plateado como si cada uña fuera una pintura al óleo, luego puedes pegar trozos de papel plateado para darle un toque mas bonito. Este es un look casual que es perfecto con leggings o jeans.

Uñas Blancas Acrílicas con Brillo

A todo el mundo le gusta el color blanco, especialmente cuando el color tiene chispas rosas como en la foto. Aquí el brillo rosa se aplica degradado encima de algunas uñas blancas, en las otras puedes aplicar solo una capa de acabado mate. El estilo es divertido y juvenil.

Efecto Ojo de Gato en Uñas Acrílicas

Las mejores uñas acrílicas muestran atención al detalle y diseño. Aquí, las uñas de color negras tiene una capa de efecto ojo de gato puedes encontrar varios tonos de este estilo: la uña con brillo de color rosa le da un acabado perfecto a este set. Es bueno para el día o la noche.

Uñas de Acrílico de Remolino Aqua

Un estilo simple pero llamativo es pintar acrílicos con un patrón de swirly azul oscuro y blanco. En las uñas cortas de forma redonda se aplica una base de azul aqua oscuro. Luego se aplican pequeños remolinos de color blanco en la parte superior. Es un look casual ideal para la oficina o los fines de semana.

Diseño de Uñas Acrílicas Cortas

Una de las formas más originales de decorar acrílicos es en un estilo abstracto que celebra las maravillas del mar azul profundo. Aquí, las uñas cortas y oscuras, enmarcadas en un cuadrado, se pintan, comenzando por el fondo de cada una y trabajando, con un diseño moderno que refleja la belleza colorida que se esconde en el fondo del océano.

Diseño de Uñas Crema con Flores

Un diseño de uñas único es pintar una uña con un retrato de una hermosa flor. Aquí, dos flores de peonía rosa, junto con sus verdes ojas, se ilustran en una uña. Otra uña está recubierta de oro brillante trémulo. El resto de las uñas son de color rosa champán con un diamante de imitación de oro en la parte superior.

Uñas Stiletto como Efecto Hielo

Un estilo de uñas fresco para los acrílicos es construir una apariencia deslustrada y hermosa. Las uñas largas con forma puntiaguda están recubiertas con varias miradas heladas usando brillo azul y esmalte blanco. La creatividad y la coordinación del color unen todo. Este es un look de invierno perfecto con blue jeans y suéteres.

Uñas Chocolates Esculpidas

¿Qué es elegante y hermoso? Es cuando el chocolate claro y el esmalte bronceado brillante adornan las manos de una mujer. Las uñas esculpidas en forma ballerina son una de las preferidas de muchas. Se pinta un color chocolate claro en la mayoría de las uñas acrílicas y solo una uña con brillo bronceado marrón para darle el glamour que necesitas.

Diseño con Brillo y Efecto Mate

Una forma discreta de hacer una declaración con sus manos es mantener sus estilos acrílicos en la misma combinación de colores pero en dos texturas diferentes. Las uñas largas se presentan en forma cuadrada. Luego, algunas uñas largas se pintan de negro, mientras que las otras uñas se cubren con polvo de brillo negro. ¡Eso es!

Uñas con Destellos de Oro y Crema

Estas uñas acrílicas en una forma marcadamente aguda. Es una forma que no es tan popular como cuadrada u ovalada, pero se hace una gran declaración cuando estos acrílicos están coordinados por color y tienen destellos. Aquí, las uñas están cubiertas con esmalte dorado, crema y piedras brillante.

Las Mejores Uñas Acrílicas Verde Esmeralda

Una forma elegante de levar acrílicos es con un color fuerte como el verde esmeralda. Aquí la forma real del verde cubre la mayoría de las uñas. Una uña, sin embargo es dorada, y también presentan hermosas pedrería de color oro. Es una forma simple pero elegante de vestir las uñas tanto para asuntos elegantes como casuales.

Uñas con Beige y Brillo

Una hermosa manera de mostrar las uñas largas en forma ballerina es colocar un cromado en una de las uñas y el otro color beige en el resto de las uñas , si olvidar resaltar una de ella de brillo plateado. El look es perfecto para las mujeres que quieren arreglarse las uñas pero sin mucho alboroto.

Diseños Inspirados en el Arte Azteca

Los diseños de uñas acrílicas son increíbles e innovadores cuando incluyen toques étnicos. Aquí, la cultura azteca inspira este diseño de uñas. Todas se representan en una impresión azteca usando hueso claro para la base con un negro oscuro para la impresión.

Uñas Acrílicas Finas y Simples

Las uñas acrílicas ven muy bien con varios colores y diseños, pero también se ven maravillosas en un formato natural. Aplicar acrílico a las uñas y luego sellar con un esmalte rosa transparente en un aspecto fácil pero atractivo que es apropiado para todas las ocasiones, desde el más informal hasta el más elegante.

Uñas Rosa con Brillo

El rosa es un color popular para colocar en las uñas, y uno de los mejores complementos al color es el brillo rosado. Aquí, casi todas las uñas tienen esmalte rosa y solo una en la mitad de las uñas y brillo rosado en la otra mitad. Este es otro aspecto que puede ir de lo casual a lo elegante con facilidad.

Uñas Bronceadas y Mate

El oro y la plata son los colores favoritos, pero también el bronce. Aquí, todas las uñas están vestidas con un hermoso bronce mate. No hay pinturas ni adornos adicionales. Lo que se presenta es un aspecto simple pero elegante que combina con todo, y es especialmente adecuado para ocasiones de lujo, como las fiestas.

Uñas Coral y Oro

Las mejores uñas de diseñador a menudo combinan varios estilos diferentes en un set mientras se aseguran de que los colores coincidan. El coral está pintado en algunas de las uñas, pero el uso del oro y el coral constituyen hacen el resto. Una es en oro macizo y la otra incorpora un patrón de oro y coral.

Uñas Acrílicas Rojas con Blanco y Dorado

Las uñas largas y puntiagudas se vuelven aún más atractivas con un patrón deslumbrante. Como con todos los mejores diseños, los colores utilizados van bien juntos. Aquí, la mitad de las uñas están pintadas de rojo con la otra mitad pintada de blanco con rayas doradas. Este es un look casual que es perfecto con leggings y jeans.

Diseño de Corazones Negros

El arte de uñas acrílicas, uno de los favoritos de todos los tiempos: Amo los corazones. En este diseño, un solo corazón negro, sobre un esmalte transparente, aparece en dos uñas. El resto de las uñas se pintan en negro sólido. Las uñas se liman brevemente en una forma cuadrada. Este look es 100% perfecto para necesidades casuales.

Uñas Oro Rosa y Cintas

El oro rosa es uno de los brillos favoritos para los acrílicos, y muchos colores van bien con el oro. Dos de esos colores son blanco y rosa. Aquí, dos uñas se muestran en oro rosa brillante. Otras dos se presentan con una base blanca y un diseño de flecha dorada, echo con cintas de color bronce adheciva. Las uñas restantes están pintadas de un rosa suave.

Uñas Acrílicas Claras y Limpias

Las uñas acrílicas transparentes son un aspecto que combina bien con todo, desde la vida informal hasta la vida laboral, hasta la elegante. Aquí, el acrílico se aplica a las uñas para hacerlas largas y de moda. Las uñas se como ballerina en una de las formas más populares. Se añade un esmalte transparente para el toque final.

Diseño de Uñas Brillo y Piedras

La mayoría de los adictos a las uñas que aman las acrílicas también amarían sus uñas cubiertas con brillo y con diamantes de imitación . En este diseño, el brillo rosado cubre algunas de las uñas. El resto está pintado con una base beige y rosa pálido adornada con dos diamantes de Swarovski.

Diseños de Uñas Efecto Ombré

En las manicuras acrílicas, el efecto ombré es un de los diseños mas pedidos, el color de las uñas puede ser colorido, o puedes simplemente usar uñas acrílicas combinando tonos claros como en la foto. Los diseños de uñas acrílicas de esta variedad son simples y bonitos al mismo tiempo.

Diseño con Acento Dorado

Este color de uñas corre el riesgo de parecer un poco aburrido. Pero ese no es el caso cuando lo vistes con oro. Oro y taupe van bien juntos. En este ejemplo, una uña está pintada en oro brillante. El resto de las uñas están pintadas en tonos marrón con una línea de oro cerca del área de la cutícula.

Diseño de Uñas con Punta Francesa de Oro

Una reminiscencia de estilo regio del estilo griego y la moda son las uñas largas de color rosa con puntas doradas. Un rosado mate cubre las uñas y cada una está pintada en la punta de color dorado brillante que contrasta con el rosa mate.

Uñas Acrílicas Cortas con Brillos

El color de las uñas en la almendra no solo es atractivo sino que también es versátil para el día y la noche. Las uñas cortas cubiertas con acrílico, esta forma cuadrada es bien popular. Una sola uña se cubierta de brillo. El resto de las uñas están pintadas en almendra lila a juego con la versión brillante.

Diseño de Uña Dorado de Lineas Negras

Lo que hace que el mundo de las uñas acrílicas sea tan divertido es que hay todo tipo de estilos para ti. Muchas mujeres están eligiendo diseños que incluyen variaciones atractivas. En este ejemplo, una uña está cubierta de oro brillante. Otra está cubierta del mismo oro pero decorada con franjas color negro. El resto de las uñas son de negro sólido.

Diseño de Uñas con Brillo en la Punta

Siempre puedes escoger entre un diseño de uñas acrílicas elaborado o uno mas simple. Este ejemplo es una version simple pero con un poco de estilo. Pinta todas las uñas con un esmalte transparente, coloca brillo en todas sus puntas y espárcelo hacia arriba y ya está.

Uñas Acrílicas Color Lavanda

Para las mujeres que disfrutan de una apariencia simple pero con un poco de color, una opción para probar es un suave lavanda sin colores o adornos adicionales. El tono más un acabado brillante es una buena opción.

Diseños de Uñas Acrílicas Unicornio

Un diseño de unicornio y arco iris es ideal si quieres salirte de la rutina conservadora. El rosa iridiscente está pintado sobre todas las uñas. Una lleva un arco iris, y otra presenta un unicornio en el mismo diseño de color rosa. Este es un look lindo y casual que se trata de diversión.

Diseño de Corazones Blanco y Oro

Un diseño bonito que incluye muchos detalles es este diseño de corazones en blanco, negro y oro. Aunque cada uña coincide entre sí, los patrones son diferentes. Una uña es sólida negra mate. Otra uña es de oro macizo brillante. La otra es negra con corazones blancos, y otra lo une todo con un brillante corazón dorado sobre rayas blancas y negras.

Diseños Uñas Negras y Beige con Corazones

Las uñas cortas pueden no ser tan populares como las uñas medianas y largas cuando se trata de acrílicos, pero el diseño correcto puede hacer que las versiones más cortas resalten. Dos uñas dejadas a su color natural, están cubiertas con esmalte transparente y un pequeño corazón negro. Las otras uñas son de color negro sólido.

Diseño de Uñas Color Caramelo y Brillo.

Un diseño de uñas acrílicas largas que incluye brillo es uno de los favoritos para 2019. Dos de las uñas están cubiertas de purpurina dorada. El resto se cubren con esmalte de color toffee y solo agrega brillo dorado.

Diseño con Piedra y Purpurina .

Lo mejor de las uñas acrílicas es que puedes ser tan creativa como desees. Aquí, algunas uñas están cubiertas de un esmalte rosa claro. Un par de ellas están cubiertas en plata brillante. Y el resto está cubierto completamente en gemas de plata que combinan perfectamente con el rosa y el plateado brillante.

Uñas Acrílicas Negras Difuminadas

Hay tantos diseños de uñas acrílicas que se pueden hacer con esmalte negro. En este diseño, las puntas de cada uña están pintadas de color negro difuminadas hacia arriba. En dos de las uñas se presenta un patrón de triángulo negro y brillante que coincide con el resto del negro.

Uñas Acrílicas Marrón y Beige

Muchos colores combinan con el marrón, y uno de ellos es el beige. En este diseño, las uñas acrílicas están limadas estilo coffin. Las uñas de color beige son lisas y sin adornos. Sin embargo, las uñas marrón incluyen pedrería dorada desde la cutícula hasta el centro de las uñas. Este es un look que va especialmente bien con los anillos de oro.

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guindarebelde · 6 years ago

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Eleonora Aldea Pardo: “Lo que más me inspira, yo creo, es la gente”

La autora de “Espécimen” habla sobre su trabajo con el lettering, sus hijos, el feminismo, y sus próximos proyectos.

Entrevista por Francisca Hale Fotos por Dani Giadach Maquillaje por Ivám

Eleonora, o Nori, como la conocen sus cercanos, es una mujer de muchas aristas. Casada, madre de dos hijos, Leopoldo, de 11, y Félix, de 4, la joven divide su tiempo trabajando haciendo diseños de lettering, conduciendo un programa de radio llamado “Caseritas”, y escribiendo.

¿Cómo empezaste a hacer lettering?

La verdad es que de puro metida. Lo vi no me acuerdo si en Instagram o en Youtube; vi a alguien haciendo caligrafía con un plumón pincel, y nunca se me había ocurrido que era algo que uno podía hacer a mano. Nunca lo había considerado, pero vi a alguien haciéndolo y pensé “oh, yo puedo hacer esto”. Fui, me compré un plumón pincel en la Librería Nacional, y na’ po, empecé a ver videos en Youtube, videos como tutoriales, los más básicos, y me puse a practicar sin parar, y después me metí a un taller, y ahí como que fui haciéndolo de forma más seria. Esto fue el 2015, se cumplen 4 años este año.

¿Cuáles elementos son tus favoritos para incluir en tus diseños?

Mis elementos favoritos para incluir en los diseños tienen que ver principalmente con el color, me gusta mucho ocupar colores que han sido como estereotipados como femeninos, que se han dicho que son como “de niñita”, como el rosado y el rojo, para decir cosas más feministas y más combativas. Me gusta incorporar cierta estética o cierto look a mis diseños, y tiene que ver más con que se vea como más análogo, que no se vea que es tan digital, que se vea hecho a mano, incluso medio vintage, con el uso de los colores, las tipografías e incluso las texturas que ocupo. Me gusta la temática, también, que sea siempre un mensaje como empoderador, o feminista, o medio como inspirador. Me gusta hacer como llamadas a acción, para que la gente los lea y de repente se sientan como invitados a hacer una reflexión, a cambiar algo, a hacer algo.

¿Te gusta hacer otro tipo de dibujos?

Me gustaría mucho hacer otro tipo de dibujos, pero la verdad es que soy bien mala para dibujar. Dentro del dibujo, siento que las letras son algo que encontré y que sé hacer, pero no le pego a la ilustración. La verdad es que me gustaría mucho aprender y tengo muchas ganas, pero no le pego a otro tipo de dibujo.

¿Qué te inspiró a escribir “Espécimen”?

“Espécimen” tiene muchos textos que yo ya había escrito antes, entonces es como una especie de compilado de cosas que yo ya había escrito, y de cosas nuevas que escribí. Yo no sé si me habría inspirado a hacer un libro si mi editora no se hubiera acercado a mí con la idea de hacer un libro. Mi editora me dijo “oye, ¿te tinca hacer un libro?”, y yo le dije “obvio que sí, démosle”. Para escribir los textos que están en “Espécimen”, que muchos fueron específicamente para éste, y muchos no, me inspiré en la vida, básicamente, en la vida, en las relaciones, en las relaciones entre las personas; yo siempre escribo, casi siempre, sobre las relaciones entre la gente, me gusta mucho la gente, me inspira mucho. Lo que más me inspira, yo creo, es la gente.

¿Planeas seguir escribiendo?

Sí, planeo seguir escribiendo. Tengo muchas ganas de empezar a escribir mi segundo libro, que lo tengo ordenado en mi cabeza no más ahora. Tengo varias ideas y cosas que quiero decir, pero aún no me siento a ordenarlo bien y escribirlo, porque también estoy trabajando en un libro que vamos a hacer con mi socia del “Caseritas”, de mi programa de radio. Nunca he parado de escribir, en verdad, voy a seguir probablemente haciéndolo para siempre. Pero otro libro, sí, me encantaría publicar otro libro y que sea un poco más trabajado en cuanto a la escritura.

¿Qué te gusta transmitir a través de tu arte?

No sé si uno se hace esa pregunta. Lo que sí creo que es algo que pienso en todo lo que hago, en escribir, o en los lettering, o en cualquier cosa en verdad, me gusta transmitir como, no sé como decirlo, pero como que la gente se sienta como representada, o vista, o entendida en las cosas que yo hago. Me gusta agarrar sentimientos que podemos tener todos y bajarlos a una frase muy simple.

¿Cómo te ha ayudado el feminismo?

El feminismo me ha ayudado de todas las maneras posibles. Siento que era feminista sin saber que estaba siendo feminista. Cuando chica, onda, creciendo, muchas de las cosas que se me eran impuestas, no me acomodaban por mi género, y no sabía que el feminismo tenía que ver son eso, con la libertad de ser la mujer que uno quiere ser y como uno se sienta mujer. Conocer el feminismo como tal, y leer al respecto, y conocer feministas, siento que me ha dado la sensación fuerte de que nunca estuve sola, de que siempre había gente, mujeres, que les pasaba lo mismo que a mí y que, desde siempre se sentían incómodas o fuera de lugar. Siento que ese sentimiento de no estar sola o de sentirse acompañada, es súper empoderador con respecto a las cosas que uno quiere hacer. Una se siente validada en las cosas que quiere hacer, que quiere lograr; te da una base, como un trampolín en el que puedes saltar. Entonces también ese sentido de empatía entre mujeres o ese sentido de empoderamiento, de confianza, también me ha ayudado mucho con respecto al amor propio. Yo siento que ha ido fundamental en entenderme y en aceptarme, las cosas que me gustan, las cosas que quiero, las cosas que quiero lograr, lo que quiero hacer, le ha dado sustento a todo mi discurso, como que es muy importante en verdad.

¿Cómo crees que está ayudando a las nuevas generaciones?

Creo que el feminismo cambió el mundo. Creo que lo que estamos viviendo ahora es un cambio de paradigma brígido, y por eso el mundo está tan turbulento como está, porque está cambiando. Por eso es todo tan difícil, los cambios no son fáciles. Entonces, yo siento que es medio chocante escuchar a cabras siendo más extremistas o más radicales en cuanto al feminismo, pero puta, lo encuentro la raja. Como que, aunque a mi me choque, siento que es muy necesario que exista esa punta de lanza que sea más extrema, más violenta, más directa, más exagerada. Pa’ que la weá avance siempre se necesita una vanguardia que se vaya en volá y que logre que la weá cambie. Estoy super segura de que las cabras que vienen, vienen con la weá muy clara y tengo fé en que el mundo va a cambiar, realmente siento que el patriarcado va a caer, aunque tenga que caer toda la sociedad con él, pero la weá va a caer.

¿Qué es lo mejor de ser mamá? ¿Y lo peor?

Lo mejor de ser mamá es poder presenciar cómo una persona aprende las cosas más esenciales de la vida como hablar, comer, leer, escribir, vestirse. El hecho de ver una persona que pasa de ser completamente dependiente a ser independiente, y empieza a aprender cosas que uno no se acuerda de haber aprendido, como que uno se lava los dientes sin pensar que un momento no te sabías lavar los dientes; entonces poder ver como pasa eso. Probablemente el Félix cuando sea grande no se va a acordar de el día en que aprendió a cruzar la calle, pero yo me voy a acordar, yo voy a saber que él un día no sabía y después, al otro día, sí sabía; o que un día no sabía leer y que después si sabía leer. Esa weá me parece fascinante, muy misteriosa y muy increíble, el hecho de ver a mis hijos y saber que ellos no existían, que salieron de mí y que ahora hacen cosas, y que eventualmente van a contribuir a la sociedad. Ver cómo sucede la vida, en frente mío es una weá muy misteriosa, muy hermosa, y un poco terrorífica también.

Lo más malo de ser mamá es la responsabilidad en el sentido de que es medio agobiante de repente; el sentir que todo lo que uno hace, o todo lo que uno decide, está afectando a otras personas que dependen de ti. El sentimiento de responsabilidad tan absoluta que uno tiene con respecto a los hijos, eso puede llegar a ser súper agobiante o cansador y estresante, súper estresante.

¿Qué valores le transmites a tus hijos?

Trato de que los valores que le transmito a mis hijos tengan que ver con la libertad, con que ellos son libres de elegir, de ser distintos. Yo los voy a querer sean lo que sean. Es muy importante que entiendan el valor de ser distinto, que tienen que respetar siempre a las personas que son diferentes entre cualquier tipo de diferencia, que no todos somos iguales, que no hay una forma buena de ser, y una forma mala de ser. No hay como una forma correcta de llevar la vida y una forma incorrecta, cada uno puede tener como su manera de vivir la vida, y el amor, y todo, en verdad. Para mí es muy importante que mis hijos crezcan con que para ellos sea importante la justicia, el amor, el feminismo el respeto, la libertad, la tolerancia. Que sean personas buenas, no discriminatorias, que no caigan en estereotipos de género, que sean libres de todas esas convenciones culiás que a nosotros, por lo menos en mi generación, todavía tenemos encima. Entonces eso lo que más me importa.

Si pudieras volver a un momento especial de tu vida, ¿cuál sería?

Volvería al momento antes de tener a mis hijos y aprovecharía de hacer un montón de cosas que no hice en ese momento. Hubo un momento justo antes de quedar embarazada del Leopoldo, que yo estuve viviendo en Santiago, por primera vez viviendo sola, y viví con dos amigas, y fue un momento súper corto, porque al toque me emparejé con el papá de Leopoldo y quedé embarazada, y siento que disfruté super poco. Entonces, si pudiera volver a ese momento, me gustaría alargarlo un poco más, poder vivir con mis amigas, y disfrutar más de esa libertad, y juventud, y soltería que tenía, y aprovecharlo más, y pasarlo mejor, y alargar mucho más el momento de haber quedado embarazada, que ni cagando me arrepiento de haberlo hecho. Quedaría embarazada igual, todavía tendría al Leopoldo, sí, seguro, pero lo habría aplazado un poco más.

¿Eres feliz?

Es muy difícil responder esa pregunta, porque siento que la felicidad no es un estado constante, sino que son como momentos, y si la suma de los momentos son más felices que tristes, entonces se puede decir que eres feliz, ¿cachai? Tengo más momentos felices que tristes, yo creo, entonces se puede decir que sí. Los momentos felices que tengo son de una felicidad muy absoluta, eso sí que sí, como que cuando estoy feliz, cuando tengo momentos felices, son demasiado felices, entonces soy capaz de reconocer esa felicidad y sentirla, así que yo creo que sí, soy feliz. Tengo mis momentos webeados también, como todos, entonces yo no sé si se puede decir “sí, soy feliz”. Creo que soy más feliz que infeliz en este momento.

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