#Autor y Compositor

[fannyjemwong]

TODO ERA AMOR – HUAYNO  DE ROGER L. CASALINO CASTRO

TODO ERA AMOR – HUAYNO  DE ROGER L. CASALINO CASTRO Interprete – Sonia Berrocal Autor y compositor – Roger Casalino Castro Arreglos – Segundo Flores Casas 

[jartita-me-teneis]

Cuando John Lennon conoció a Yoko Ono en 1966, se enamoró perdidamente de ella, acto seguido, dejó a su entonces esposa Cynthia, tuvo una aventura y, posteriormente, se casó con Yoko a principios de 1969.

John le dio a su ex mujer, Cynthia, sólo un estipendio como acuerdo de divorcio, aunque sabía que Cynthia iba a tener que mantener y criar a su hijo Julian, que entonces tenía sólo cinco años.

Después de unos años, Cynthia pronto quedaría casi arruinada; sabía que tendría que juntar algo de dinero para que ella y Julian pudieran sobrevivir.

Bajo la desesperación tomó una decisión necesaria, vendería las cartas de amor y los dibujos que John le había regalado cuando eran una pareja joven y enamorada en la adolescencia.

Las cartas eran muy apasionadas, llenas de citas de “Te amo, Cyn”.

¿Puedes imaginar cuánto debe haberle dolido a Cynthia tener que desprenderse de estos recuerdos de valor incalculable?

Cynthia los vendió por una gran cantidad...

El comprador fue Paul McCartney.

Paul había pagado una pequeña fortuna por los recuerdos.

Unos días más tarde, Cynthia recibió todas las cartas y dibujos por correo, ahora todos cuidadosamente enmarcados.

Venían con una nota. La nota decía:

“Nunca vendas tus recuerdos. Con cariño, Paul McCartney”.

Paul McCartney vocalista, compositor, bajista, poeta y pintor británico cuyo trabajo con los Beatles en la década de 1960 ayudó a convertir la música popular en una forma de arte creativa y altamente comercial . También uno de los solistas más populares de todos los tiempos, tanto en ventas de discos como en asistencia a sus conciertos.

En 1996 fue nombrado por la reina Isabel II de Inglaterra Caballero del Imperio Británico, por lo que desde entonces posee el título de sir, ha sido nombrado miembro del Royal College of Music, recibió los honores del Kennedy Center y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

En el 2009, la organización Guinnes World Records otorgó a Paul el título del compositor más exitoso de todos los tiempos, por ser autor o coescrito de 188 canciones que se mantuvieron en las listas de temas más populares del Reino Unido. De estas 91 llegaron al ‘top 10’ y 33 al número 1.

Fuente:

—https://www.britannica.com/biography/Paul-McCartney

[aricastmblr]

Jeon Jung Kook a ascendido a miembro de pleno derecho de la Asociación de Derechos de Autor de la Música de Corea en 2024 (KOMCA) como compositor. .

KOMCA anunció hoy que Jeon Jung Kook ha sido ascendido a miembro de pleno derecho junto con algunos otros miembros.

Jungkook es el cuarto miembro de BTS después de Suga (2018), RM y j-hope (2020) en ser ascendido a miembro de pleno derecho de KOMCA.

La membresia plena de KOMCA se otorga a sus miembros que se han involucrado en una creación musical sustancial, medida por la cantidad acumulada de regalías de obras protegidas por derechos de autor.

Jungkook ahora está acreditado como compositor de 22 canciones y versiones en KOMCA (Asociación de Derechos de Autor de Música de Corea)

• Dreamers (22-11-20) • Dreamers (Live Version) (22-11-20) • My You (22-06-13) • Run BTS (22-06-10) • I NEED U (Demo Ver.) (22-06-10) • Still With You (Acapella) (22-06-10) • Film out (21-04-02) • Stay (20-11-20) • Telepathy (20-11-20) • SKIT (20-11-20) • In The Soop (20-08-19) • Your eyes tell (20-07-15) • OUTRO: The Journey (20-07-15) • Still With You (20-06-05) • My Time (20-02-21) • Magic Shop (18-05-18) • INTRODUCTION: YOUTH (16-11-09) • Love Is Not Over (16-05-02) • Run (15-11-30) • Autumn Leaves (Go Yeop) (15-11-30) • OUTRO: Love Is Not Over (15-04-29) • OUTRO: Circle Room Cypher (13-06-12)

Esto no incluye “No More Dream”, por el que apareció en los créditos musicales del álbum, pero no en KOMCA.

cr. a JJK_Times - TheWingsOfBE - en X

[notasfilosoficas]

“La desesperación no es el resultado del fracaso. Es el resultado de no haber intentado lo suficiente”

Paul Bowles

Fue un escritor y compositor estadounidense, nacido en Nueva York. Conocido principalmente por su obra literaria, es considerado como uno de los grandes escritores del siglo XX y una figura clave en la literatura de la Generación Perdida.

De abuelos alemanes, su padre era un odontólogo y músico frustrado. Desde temprana edad Bowles mostró interés por la música y la escritura y tuvo la oportunidad de estudiar con el renombrado compositor Aaron Copland.  Fue autor de partituras para Ballet y compuso música de muchas películas y obras de teatro.

Bowles derivado de sus desavenencias con sus padres decide abandonar el seno familiar a la edad de 19 años, vivió en París en la década de 1930, en donde conoció a Ezra Pound, el poeta, músico y ensayista estadounidense, y a la escritora Djuna Barnes.

En 1938 contrajo matrimonio con Jane Auer, autora de teatro y novelista. Tras haber vivido en Europa, Centroamérica y Ceilán, la pareja estableció su residencia permanente en Tánger Marruecos en donde vivió por más de 50 años. Su amor por Marruecos y su cultura influenciaron gran parte de su trabajo literario.

Bowles tenía una fascinación por lo viajes y la exploración. Durante su vida visitó y vivió en varios países de Europa, Africa, América del Sur y Asia, lo que el permitió experimentar y absorber diferentes culturas y aprender de sus sociedades.

Su primera novela, “El cielo protector”, escrita en 1949, gozó de un éxito de ventas y posteriormente fue llevada al cine por el director Bernardo Bertolucci. En dicha obra, la acción transcurre en dos planos, el desierto africano exterior y el desierto interior de los protagonistas. Esta novela es en parte autobiográfica.

En sus siguientes dos novelas; “Déjala que caiga” (1952) y “La casa de la araña” (1955) relata la extraña integración a la cultura musulmana a europeos o norteamericanos que terminan inmersos en una auténtica crisis de identidad, que los lleva a alienarse en un mundo de alcohol y drogas.

Es en esta época que Bowles se relaciona con la Gay Society con figuras como Luchino Visconti, Tennessee Williams y Truman Capote, así como con la generación Beat, (William Burroughs, y Allen Ginsberg) entre otros, introduciendo a parte de esta generación en algunas drogas curiosas como el majoun.

En 1972 publicó “Memorias de un nómada” y un año después murió su mujer en un hospital de Málaga, tras un largo internamiento de 16 años por demencia. 

Bowles vivió una vida poco convencional y desafiante. Mantuvo una relación abierta con su esposa, de quien Bowles sospechaba que la relación lésbica que tuvo ella con una sirvienta doméstica marroquí la había envenenado o endemoniado, y mantuvo relaciones bisexuales y homosexuales a lo largo de su vida. 

La vida y obra de Paul Bowles ha dejado un legado duradero en el mundo de la literatura y la música. Su capacidad para explorar las profundidades de la psicología humana y retratar la complejidad de la existencia lo convierte en un autor notablemente relevante en la historia de la literatura, y su escritura continúa siendo leída por su originalidad y su cruda representación de la condición humana.

Paul Bowles fallece en noviembre de 1999 en una habitación del hospital Italiano de Tanger a la edad de 88 años.

Fuentes: Wikipedia, buscabiografias.com, bookey.app

[moochilatv]

Fito del Rio y La Granja presentan: Espiral

Fito del Rio es un músico, compositor e intérprete habanero, de formación autodidacta.

La base lírica de sus composiciones está apoyada en la cancionística cubana de la Nueva Trova y el Movimiento del Rock Nacional Argentino como referencia. La Granja surge como respuesta al medio social y artístico, dándole contemporaneidad y riqueza tímbrica/rítmica a sus canciones, rompiendo las fronteras genéricas que le circundan. En sus canciones se mezclan elementos como samples, drums pad y loops con la instrumentación clásica de una banda de rock.

Las letras pintan un cuadro vívido de una experiencia emocional y física intensa, llena de movimiento, transformación y conexión. Utilizando metáforas de la naturaleza y el cuerpo humano, el autor transmite un viaje que va desde la desorientación y el caos hasta un momento de conexión profunda y transformación.

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La narrativa fluye como una danza, llevando al oyente a través de un ciclo de desorden y calma, dejando espacio para la interpretación y la reflexión personal sobre las experiencias de cambio y conexión en la vida.

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[azul-maria-elias]

Hablemos de Alfredo Le Pera.

Figura central del tango, Alfredo Le Pera fue un periodista, poeta, traductos, escritor, autor teatral y cinematografo de origen brasileño, nacido el 7 de junio de 1900 en São Paulo, Estado de São Paulo, Brasil.

Le corresponden ni más ni menos que las letras de los tangos «Amores de Estudiante», «Arrabal amargo», «Cuesta Abajo», «El día que me quieras», «Golondrinas», «Guitarra, guitarra mía», «Lejana tierra mía», «Melodía de arrabal», «Mi Buenos Aires querido», «Por una cabeza», «Recuerdo malevo», «Rubias de New York», «Silencio», «Soledad», «Volver», «Volvió una noche» (todas con música de Carlos Gardel), entre muchos otros. Además, escribió junto a el gran maestro Enrique Santos Discépolo el tango «Carrillón de la Merced».

El cine lo llevó al lado de Carlos Gardel, escribiendo el argumento de casi todas sus películas para Paramount Pictures: «Melodía de Arrabal» (1933), «Espérame» (1933), «La casa es seria» (1933), «Cuesta Abajo» (1934), «El tango en Broadway» (1934), «El día que me quieras» (1935), «Tango Bar» (1935) y todas las canciones originales de las mismas.

El compositor y director de orquesta Terig Tucci contó la siguiente anécdota acerca de la relación entre Gardel y Le Pera (cita extraída de @cultura_tango en twitter):

Gardel insistía en una cosa: los argumentos de las películas tenían que ser a medida para él. Usaba este giro con tanta frecuencia que una vez Le Pera replicó con exasperación: ¿Para que andás buscando un escritor si lo que necesitás es un sastre?

En sus letras, Le Pera trató de emplear un lenguaje que resultara comprensible a todo el mundo hispanohablante, ampliando, de ese modo, la geografía del tango. Es por esto mismo que podemos notar como sus letras, en relación a la mayoría de tangos, carecen de una presencia y protagonismo del lunfardo. Es cierto que Gardel rompía las barreras del idioma, pero es quizás también esta característica de Le Pera la que permitió que dichos tangos encontraran el éxito internacional.

Ciertamente si no hubieran contado sus letras con la música y la voz de Gardel carecerían hoy de la popularidad y el prestigio que ostentan, pero no se trata de lo que pudo haber sido, sino de lo que es. Hoy no se repara en lo reiterativo de sus figuras, y aun de su léxico, para prestar atención a la nobleza de los sentimientos que canta, a la adorable nostalgia que impregna muchas de sus estrofas, al decoro del lenguaje y a la singularísima aptitud que permitió al autor de “Volver” reducir a una coiné muy expresiva y sobre todo inteligible a todo el mundo hispanófono el habla de Buenos Aires. (José Gobello para Todotango.com)

Hermanados tanto en el arte como en la muerte, Le Pera murió junto a Carlos Gardel en la tragedia de Medellín el 24 de junio de 1935.

[claudiosuenaga]

Entrevista com o arqueólogo, explorador e linguista Luiz Caldas Tibiriçá

Foi por intermédio do jornalista, escritor, ufólogo e explorador espanhol Pablo Villarrubia Mauso que pude ter a honra de conhecer e entrevistar o grande músico, compositor, folclorista, explorador, indigenista, antropólogo, arqueólogo, linguista e escritor Luiz Caldas Tibiriçá (1913-2006) em sua casa em Pinheiros, zona oeste de São Paulo, em 17 de fevereiro de 1997.

Na ocasião, Tibiriçá estava com 83 anos, mas ainda exibia invejáveis lucidez, disposição e vigor físico, tanto que voltaria a participar de expedições arqueológicas pelo sertão brasileiro. Entre inúmeras obras, entre eles o livro de contos O Fruto Proibido (São Paulo, João Scortecci, 1995), com que nos presenteou, Tibiriçá era autor de três monografias inéditas (resultantes de 15 anos de pesquisas), de um monumental Dicionário Tupi-Guarani (que confirmaria que o tupi era o mesmo idioma usado pelos hititas da Anatólia), e de um não menos monumental dicionário de raízes primitivas de estudos comparativos (que demonstrariam a existência de uma língua-mãe pré-histórica que teria se difundido e se tornando universal).

Estes são apenas os primeiros 12 minutos da entrevista, já que infelizmente o restante ficou com o som bastante prejudicado, lembrando que usávamos na época gravadores analógicos de fita k-7. Mas você pode tentar ouvir o conteúdo integral, audível em muitos trechos, aqui:

https://rumble.com/v40woxn-entrevista-com-o-arquelogo-explorador-e-linguista-luiz-caldas-tibiri-verso-.html

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[latamclassiclitbracket]

El sapo Ruperto - Roy Berocay

Roy Berocay es un escritor, músico, compositor y periodista por sus trabajos de literatura infantil. En 1989 inició su carrera como escritor de literatura infantil con Las aventuras del sapo Ruperto. Escribió varios libros sobre Ruperto después de aquél, algunos de cuales recibieron premios. Sus libros también se han publicado en Argentina, México, España y Perú. Además, recibió el premio Alas por su aporte a la cultura nacional.

Lee más sobre el autor en Wikipedia.

El sapo Ruperto - Roy Berocay

Roy Berocay is a writer, musician, composer and journalist for his works of children's literature. In 1989 he began his career as a writer of children's literature with Las aventuras del sapo Ruperto, a book about a toad named Ruperto. He wrote several books on Ruperto after that one, some of which received awards. His books have also been published in Argentina, Mexico, Spain and Peru. In addition, he received the Premio Alas for his contribution to national culture.

Read more about the author on Wikipedia.

[elimoris]

¿Charly y Fito, los Mozart y Beethoven de nuestra época?

 Ayer terminé la serie sobre la vida de Fito Páez en Netflix, y no se preocupen este post no será para «spoilear» a aquellos que aún no la han visto, sin embargo me quedé pensando en la línea delgada entre la rivalidad y la complicidad de ambos personajes.

Debo confesar que hace más de 20 años Charly y las bandas que había tenido no eran de mi más mínimo conocimiento, lo único que escuché de él eran las canciones que pasaban por la radio, me parecía un tipo pedante y egocéntrico, es más cuando Sui Generis tocó en Perú en 2001 fui al Estadio Monumental pero a vender cola, en esa época mi economía no era de las mejores y me acababa de enterar por toda la movida que Sui Generis había ocasionado en los fans de mi país, que «Rasguña las Piedras» era una canción de ellos y no el «Ave María» que se cantaba en las misas de mi colegio con otra letra, ya que solo por eso conocía la melodía y después de 20 años supe que la original era de Charly y Nito.

Y sobre Fito desconocía su pasado, eso sí cuando escuché «Mariposa Technicolor» y «El amor después del amor» de inmediato se posicionaron entre mis canciones preferidas de esa época, pero no era para comprarme el álbum entero ya que coleccionar discos no era una de mis prioridades.

Con el tiempo y las amistades que fui forjando conocí más del rock argentino y con ello toda la onda de Charly, Fito, Almendra y sus derivados, despertando en mi un gusto musical que se mantiene en la actualidad, no podía creer lo perdida que estaba sin conocer la maravillosa música de los papás del rock gaucho.

Con estos conocimientos previos me atreví a formular un pensamiento, comparé a Charly con Mozart y a Fito con Beethoven, si nos ponemos a realizar algunas comparaciones Ludwig era admirador de Amadeus así como Páez de García, el autor de Elisa era 14 años menor que Mozart y Fito 12 años menor que «El bigote bicolor» 

Aunque hay varias teorías acerca del encuentro entre Mozart y Beethoven y otros dicen que nunca ocurrió me quisiera quedar con una anécdota la cual recita el biógrafo del siglo XIX Otto Jahnque, ambos se conocieron en Viena cuando Ludwig viajó como un prometedor músico, le presentaron a Mozart y el discípulo interpretó para él, sin embargo Amadeus no le tomo importancia porque era un tema que Beethoven ya había estudiado, al darse cuenta de su indiferencia, el joven músico pidió improvisar inspirado en Mozart, captando en ese momento la atención del experimentando compositor a lo que éste dijo «Recuerden su nombre, este joven hará hablar al mundo»

Me imagino a un Charly viendo a Fito por primera vez y pensando que sería útil para su banda, sin esconder un poco sorpresa y cierto recelo al ver a un tecladista que tocaba tan bien como él y sobre todo que lo imitaba. Al inicio es conocido que Charly ponía a Fito de espaldas en los conciertos porque ya era conocido en el círculo musical pero da a entender que tal vez no quería que tome mayor protagonismo que el mismo Charly, sin embargo con el tiempo éste admitió que debía tomar su propio camino dejándolo recorrer las sendas musicales que hoy conocemos y que estoy segura tiene mucho más que ofrecer.

¿Qué hubiera pasado si Mozart y Beethoven hubieran tocado juntos? ¿Sería la misma complicidad que tienen Charly y Fito? o ¿Los egos de Mozart y Beethoven hubieran sido un impedimento ya que en el siglo XVIII quien componía para las cortes era el más beneficiado económicamente? Lamentablemente no lo sabremos, no hay registros de sus encuentros y si los hubo me quisiera imaginar que tuvieron mucho de que hablar o que estuvieron enfrentados en algún duelo de pianistas como se solía acostumbrar en la época.

Y vale más que decir que Charly y Fito aprendieron a tocar con las partituras de estos ídolos que a finales de 1700 y principios de 1800 fueron como los reyes del rock and roll de la música clásica.

¿Y ustedes como creen que hubiera sido el encuentro de ambos compositores de la época barroca? ¿Tienen alguna otra comparación entre Charly/ Fito y Mozart/ Beethoven o lo consideran algo descabellado? Me gustaría saberlo.

[elartedeseryo]

El Arte De Ser "Yo"

Esta es mi autobiografía expresada de forma fantástica con ayuda de herramientas como la ilustración, la literatura y la música. Es un viaje sobre mi crecimiento como persona y como alguien, que a dedicado su vida a volverla "una obra de arte".

te presento mi metamorbosix (metamorfosis) a través de álbumes conceptuales, un proyecto que me ha tomado 10 años de mi vida construir.

te doy la bienvenida a este universo, esto es: "EL ARTE DE SER YO"

FASE 1 SOUNDTRACK:

FASE 2 SOUNDTRACK:

FASE 3 SOUNDTRACK:

[mintaeggukie07]

A mediados de los setenta y durante toda la década de los ochenta, la banda de rock británica Queen gozaba de una gran fama gracias al dinamismo de sus actuaciones. Las tendencias jazzísticas, sinfónicas y operísticas fueron algunas de las características que les hizo alcanzar un éxito abrumador.

Integrantes

Queen fue fundada en el año de 1970 donde firmaron su primer contrato para grabar con EMI. Ese mismo año, lanzaron su álbum debut, Queen.

Freddie Mercury

Vocalista, músico y compositor. La energía y entretenimiento de la producción en conciertos en vivo explican el merecido y deslumbrante triunfo del grupo, sin descartar, su extraordinaria intuición y creatividad musical, quien simultáneamente desarrolló una carrera solista que recibió aplausos.

Roger Taylor

Es el batería de Queen. También cantó, grabó coros y escribió canciones.  Fue una de las voces más influyentes y con peso a la hora de tomar decisiones, tanto artísticas como empresariales. Siempre se mostró como uno de los miembros mas extrovertidos de la banda, junto a Freddie.

Brian May

Es guitarrista, compositor reconocido mundialmente, acreditado en producciones y grabaciones que han vendido más de 100 millones de copias a través del mundo, vocalista y en ocasiones teclista de la banda británica Queen. Utiliza una guitarra eléctrica hecha por él mismo, llamada Red Special. 

John Deacon

Es ex bajista de Queen. En varios discos también desempeñó el papel de guitarrista y más ocasionalmente de teclista. Es el autor de canciones como Another One Bites The Dust y I Want To Break Free. Tras la muerte de Freddie Mercury, no quiso continuar con la actividad de la banda.

Aunque hubieron ausencias de algunos de sus integrantes, la banda estuvo activa hasta el 2009.

Una de las cosas que hizo que Queen se destacara de los demás, era la energía que se sentía en sus puestas en escena, que se manifestaba desde los comienzos de su carrera gracias a Mercury.

La banda no tenía miedo de renovar el sonido, ya que combinaba exitosamente elementos del rock clásico de los 70's con otros géneros. Las complejas armonías vocales y los instrumentos variados hacían de su enfoque único y destacado.

Utilizaban sintetizadores, baterías electrónicas y solos de guitarra al experimentar en el estudio de grabación. Todo esto conllevó a un sonido distinto.

Freddie Mercury es considerado uno de los vocalistas más icónicos de todos los tiempos gracias a su increíble rango vocal, que le otorgó la habilidad de poder interpretar tanto baladas emotivas como poderosos temas de rock y canciones pop.

50 años después, esta banda sigue siendo una de las más emblemáticas en la historia de la música por su enfoque ambicioso en la escritura de canciones y en su manera de interpretarlas.

[cleoenfaserum]

Entre Marx y una mujer desnuda - Jorge Enrique Adoum

Mi contacto con Ecuador ha sido a través de mi cuñado, ecuatoriano de Quito, victima del COVID, siendo mi única hermana y yo dominicanos, se conocieron en la gran urbe de la cuidad de Nueva York. Fruto de ese matrimonio de mi hermana nacieron sobrino y sobrina gringos. El carácter de la familia Ecuatoriana que conocí de mi cuñado es lenta y apacible, de pocas palabras, pero firme. Quise buscar la imagen que yo tenía de los ecuatorianos con la representada en la película. Bueno, recomiendo ver la película y leer el libro basado en la obra de Entre Marx y una mujer desnuda del ecuatoriano Jorge Enrique Adoum.

TRAILER:

765-1 ENLACE: https://youtu.be/fd-8o_cZfMY

A continuación un interesante repaso del autor y película.

765-2 enlace https://ok.ru/video/8105589803571

anulado por YOU TUBE por motivos desconocidos 765-2 ENLACE: https://youtu.be/17vSrf24CMY

La película cuenta la historia de Galo Gálvez durante la década de los sesenta en la ciudad de Quito. Un intelectual que lucha entre la marginación del Partido Comunista y la mala convivencia con su compañera de partido Margamaría, quien ha sido su novia desde la niñez. (Entre Marx y una mujer desnuda - Wikipedia)

PELICULA

ENTRE MARX y UNA MUJER DESNUDA (1976)

765-3 ENLACE: https://youtu.be/GL2YorQMpzU

ENLACE DEL LIBRO EN PDF: Adoum Jorge Enrique - Entre Marx Y Una Mujer Desnuda.pdf (archive.org)

BIO ENLACE: Jorge Enrique Adoum - Wikipedia

765-4 ENLACE: https://youtu.be/SFqDgXTDVV0

765-5 ENLACE: https://youtu.be/F-IOlGY6Zjo

Camilo Luzuriaga (Loja, Ecuador; 1953) es un escritor, productor y director de cine ecuatoriano.1​ Es hermano del compositor ecuatoriano Diego Luzuriaga.

CANTUÑA: Canción Diego Luzuriaga basada en el mito-historia de Cantuña, quiteño que construyó la Iglesia de San Francisco en Quito en el siglo XVII, con la ayuda del diablo.

Canta Margarita Laso

765-6 ENLACE: https://youtu.be/Z_hbk71wS08

765-7 ENLACE: https://youtu.be/l7eqjVfRIZ8

REF: 765

[sarpuri]

Días Buenos, Días Malos

Entre los días que parecen grises,

y entre los días que parecen claros.

Todas las noches siguen siendo horribles,

y los domingos siguen siendo raros.

Entre las fotos que aun no he borrado,

porque parece que se borran años.

Y la verdad es que no quiero.

Y como quiero esos recuerdos que llevo;

Que llevo y pesan,

¡Ay! como queman,

a veces callan y me abrazan.

Hay veces que puedo volar,

y otras me ahogo en el fondo del mar,

a veces me cuesta aceptar que aún la extraño.

Hay veces que empiezo a soltar,

y otras recojo y me vuelvo a enredar,

como es que ella pudo soltar si duele tanto.

Entre los días que parecen malos,

y entre los días que parecen buenos.

Entre cervezas con amigos;

Hay un camino que es muy largo y lento

de regreso o desde casa hasta el destino,

en el coche con la música que oímos.

O en mi cama con los sueños que me esperan

con la estúpida mentira de que llamas y regresas

y que piensas, que el partir fue un error.

Y volví a escuchar tu voz,

sin la cruda sensación de que estas lejos

y que todo terminó.

Hay veces que puedo volar,

y otras me ahogo en el fondo del mar,

a veces me cuesta aceptar, que aún la extraño.

Hay veces que empiezo a soltar

y otras recojo y me vuelvo a enredar,

como es que ella pudo soltar, si duele tanto.

Hay veces que puedo volar

y otras me ahogo en el fondo del mar,

a veces me cuesta aceptar que aún la extraño.

Y duele tanto.

—Autor y compositor: Andrés Obregón.

[knario47]

ARRORRO

Nací con ésta canción de cuna, recuerdo a mi abuela cantarla hasta el amanecer cuando me ponía malo con la tosferina, falso cruz o asma, ahí estaba mi abuela cantando me ésta canción para mi recuperación y descanso

El periódico colonizador español La Provincia descubre la pólvora con el ARRORRO de origen Amazigh canario

Una nueva investigación rescata el origen bereber del arrorró

La canción de cuna 'arrau' o 'arrew' arribó hace milenios a las Islas con los guanches y en el siglo VIII a la Península con los amazigh

El arrorró es una antiquísima y original canción de cuna de los bereberes, que llaman "arrau" o "arrew" a los niños pequeños, y que se introdujo hace milenios en Canarias a través de los guanches, llegó a la Península con los árabes y, finalmente, se incorporó al folclore doméstico de América.

El investigador Francisco García-Talavera indica que el arrorró ha traspasado las fronteras continentales africanas y se introdujo inicialmente en Canarias para pasar luego a la Península Ibérica con el numeroso contingente bereber (amazigh) que la invadió, en el siglo VIII.

García-Talavera considera que, dado que esta invasión te-nía un componente bereber, es incorrecto denominarla como la "conquista árabe", y señala también que el "arrorró" dio el salto desde Canarias al Nuevo Mun-do y se incorporó al folclore doméstico de muchos países americanos.

Entre éstos figura México, en donde se canta a los niños pequeños: "Arrorró mi niño, arrorró mi sol, arrorró pedazo de mi corazón. Este niño lindo ya quiere dormir, háganle la cama de rosa y jazmín. Esta leche linda que le traigo aquí, es para este niño que se va a dormir. Arrorró mi niño, arrorró..."

El investigador, que fue director del Museo de Ciencias Naturales de Tenerife, señala que en la mayoría de los dialectos bereberes a los niños pequeños se les denomina "arrau, arrew" o, como apuntaba el fallecido abogado y político Antonio Cubillo, sería "arru para luego transformarse en el arrurru repetitivo". Ello sucedió al añadirle "el ur (no, en amazigh) y el rur (llorar, en bereber), con lo cual la palabra arrorró sería en realidad una frase que significa: "niño, no llores".

Otros autores berberólogos, como J. Lanfry, asocian aruru con el verbo sruru, acunar, dormir al niño o niña, meciéndolo, cantándole y dándole peque- ños golpes en la espalda con la palma de la mano", precisa García-Talavera.

En cuanto a la palabra "ajó" o "agó", sabemos que viene de "aho" (con hache aspirada), que es -según los cronistas, historiadores y lingüistas- como llamaban los guanches a la leche en casi todas las islas y que coincide, con ligeras variantes, con la denominación de tan básico alimento en diferentes dialectos bereberes: "agu" en tashelhit, "agi" en rifeño y "akh" en tuareg.

Estas son dos sonoras y antiguas palabras canarias "de hondo significado materno-filial, y heredadas de nuestros antepasados" que nos hablan del inmenso cariño que nos transmitían las madres mientras nos alimentaban y nos acunaban en los transcendentales primeros meses de nuestra existencia, rememora el también expresidente de Museos de Tenerife, y actual asesor emérito de la institución.

"Una de estas palabras se ha ennoblecido hasta el punto de llegar a constituir el tema central del himno nacional canario: El Arrorró. Todo un canto a la vida y al amor maternal", detalla Francisco García-Talavera en alusión a la adaptación de la versión realizada por el compositor Teobaldo Power y que se ha convertido en el himno de la Comunidad Autónoma de Canarias.

"Un fino hilo conductor que nos conecta con nuestro ancestral, y poco conocido, pasado líbico-bereber norteafricano", puntualiza Francisco García- Talavera.

También recuerda la destacada versión del "arrorró" que cantó la célebre Valentina la de Sabinosa y al respecto, detalla que esta monótona y dulce canción de cuna da pie a constatar las similitudes lingüísticas y etnográficas "entre lo guanche de ayer y lo canario de hoy". Valentina la de Sabinosa convirtió esta melodía en una de sus interpretaciones más reconocibles, en un estilo austero pero emotivo, desnudo pero cálido, que supo encontrar el tono ancestral que reclama la antigua canción de cuna, inmortalizada en aquella voz desgastada e inconfundible.

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Florence Henri (1893-1982)

Florence Henri, nacida en Nueva York, el 28 de junio de 1893, fue una fotógrafa y artista. Creció en Europa y estudió en Roma, donde conoció a los futuristas, en Berlín, en París con Fernand Léger y Amédée Ozenfant, y finalmente en la Bauhaus de Dessau antes de regresar a París, donde comenzó con la fotografía.

En su obra se incluye la fotografía experimental, la publicidad y los retratos, muchos de artistas. Henri nació en Nueva York, hija de un padre francés y una madre polaca. Después de la muerte de su madre en 1895, Henri y su padre comenzaron a viajar por su trabajo como director de una compañía petrolífera. Henri empezó a estudiar música en París a los 9 años de edad. En 1906, Henri y su padre se instalaron en la Isla de Wight en Inglaterra donde su padre murió en 1908. Después de la muerte de su padre, Henri fue a vivir a Roma con Gino Gori, un poeta que introdujo a Henri en los movimientos artísticos de vanguardia.

En 1913 Henri se trasladó a Berlín para continuar sus estudios de música con el pianista-compositor Ferruccio Busoni. Cuando la primera guerra mundial estalló en 1914, Henri se vio atrapada en Berlín, con su dinero congelado. Para lograr vivir, Henri tocó el piano para películas mudas. Después de visitar la Academia de las Artes de Berlín, Henri decidió seguir con la pintura, en lugar de la música. A lo largo de este período,

Henri se centró en paisajes y estudios de figuras. También en esta época, conoció al crítico e historiador de arte Carl Einstein que se convirtió en un mentor y amigo íntimo hasta su muerte en 1940. Después de la guerra, Henri estudio con artistas como Johann Walter-Kurau y Vasili Kandinski. En 1924, decidió trasladarse a París, pero tuvo dificultades para obtener permiso de residencia en Francia. El 18 de junio de 1924, se casó con Karl Anton Koster en Lucerna, lo qu le permitio obtener permiso para residir en Francia. Koster y Henri se divorciaron en 1954.

En 1925, Florence Henri se apuntó a la Académie Moderne para estudiar con Fernand Léger y Amédée Ozenfant. En el verano de 1925, el pintor polaco Victor Yanaga Poznanski organizó la exposición internacional El arte de hoy en día. Fue la primera exposición internacional de arte vanguardista en París desde la guerra. Además de Henri, otros artistas expusieron obra como Piet Mondrian, Paul Klee, y Pablo Picasso. Después de exhibir obras en la Académie Moderne, en la Galería Aubier en marzo de 1927, Henri marchó a estudiar a la Bauhaus en Dessau. La obra de Florence Henri ocupó un lugar central en el mundo de la fotografía de vanguardia a finales de los años veinte.

Se hizo miembro del grupo Círculo y Cuadrado en 1929. En la Bauhaus, Henri conoció a László Moholy-Nagy y acudió a su curso de fotografía de verano. Se trasladó a la casa de Moholy-Nagy y se hizo amiga íntima de su esposa Lucia Moholy quien la animó a centrarse en la fotografía.

Nota: La propiedad intelectual de las imágenes ... ( todo) que aparecen en este blog corresponden a sus autores y a quienes éstas las han cedido. El único objetivo de este sitio es divulgar el conocimiento de estos pintores, grabadores, fotógrafos... a los que admiro y que otras personas disfruten contemplando sus obras. No son todas las que son, pero si son todas las que están

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Global Vision Project Hypnotic Surf Eclipse Music Group 1999

A esta hora #SonidosPranicos rescata otra iniciativa valiosa desde la internet. Su autor, sello y cualquier otra referencia sobre esta serie llamada Global Vision Project (GVP) es indeterminable. Sea cual sea su origen, dejó un aporte a la música New Age de al menos veinte trabajos que se componen de sonidos ambientales acompañados por sintetizadores. Japanese garden, Caribbean dream, Winter snow, Desert winds, Dolphins harmony entre otros, cumplen la promesa de transportarnos oníricamente a ambientes naturales y tranquilos. En el caso puntual de Hypnotic surf los 62 minutos de duración son atravesados por el sonido de diferentes mareas. Poco a poco, sintetizadores muy sutiles trazan melodías suaves que inducen a la relajación. A diferencia de Kitaro o Vangelis, aquí el compositor no desarrolla peaks ni momentos grandiosos, se nota que el centro de la experiencia es el sosiego, uno de los componentes impostergables en nuestro Hatha Yoga: Pratyāhāra o retracción de los sentidos. Tengo claro que tanto editoriales como sellos discográficos cubren tendencias con colecciones genéricas. El caso de GVP es uno de los buenos. Quizás una próxima publicación sea dedicada a otro disco para que poco a poco dispongamos de un marco sonoro sáttwico a nuestros momentos de distensión y descanso. Namasté Escuchar en Spotify: https://open.spotify.com/album/6Y3ex47OtLbsv5rdxNEhxm