#Artistas Principales

[sonsofks]

¡El Set 10 del TFT Marca el Ritmo del Cambio! Descubre las Nuevas Melodías y Estrategias

El set 10 es el inicio de una nueva etapa en el TFT, a partir del próximo año, los jugadores se sumergirán en la experiencia de tres sets anuales en lugar de dos, con la desaparición del mid-set; este set llega con una nueva mezcla de mecánicas, nunca mejor usado la palabra mezcla, una principal que son los artistas principales y una secundaria que ha tomado por sorpresa a muchos, MUSICA! Desde…

[patronsaintofposmodernity]

yolanda díaz tiene que estar tirándose de los pelos ahora mismo porque pedro sánchez se acaba de apropiar en un solo episodio de podcast de toda su estrategia de campaña: ir a tope cosas de la cultura pop actual para conseguir que twitter dilotata y los pijos lgtb de madrid les voten porque se sienten identificados

[suenosyfantasmas]

Arte: "David Kroll (estadounidense, nacido en 1956) es un artista surrealista de vanguardia cuyo poderoso uso del color y la combinación de estilos le han valido fama y reconocimiento como uno de los principales pintores posmodernistas".

Fuente: Artnet.com

Sueños y fantasmas. El arte de soñar.

[eddy25960]

“El arte no puede ser moderno. El arte es primordialmente eterno".

-Egon Schiele

Egon Leo Adolf Schiele, más conocido como Egon Schiele (Tulln an der Donau, Austria, 12 de junio de 1890-Viena, Austria, 31 de octubre de 1918), fue un pintor y grabador austriaco contemporáneo y discípulo de Gustav Klimt. Fue, junto a Oskar Kokoschka, el mayor representante del expresionismo austriaco. En su corta pero agitada vida produjo 340 pinturas y alrededor de 2800 dibujos.

Su vida estuvo rodeada por un aura de misticismo y de talento muy precoz. Entre su obra creativa figuran poemas y experimentos fotográficos. Su particular estilo lo situó entre los movimientos expresionistas, especialmente de la Secesión de Viena, con una tipología muy personal.

Las principales obras de Egon Schiele se conservan en Viena, distribuidas entre la Österreichische Galerie Belvedere y el Leopold Museum inaugurado en el año 2001 que es el que conserva el mayor número de obras. Asimismo, la mayoría de su gran colección de dibujos se encuentra en la Albertina, también en Viena.

Su temática asume una altísima tensión emotiva en la sensualidad, que se vuelve obsesión erótica, junto al tema de la soledad angustiosa. Schiele utilizaba una línea cortante e incisiva para expresar su propia realidad y para mostrar impetuosamente la dramática destrucción física y moral del ser humano. El color adquiere un valor autónomo, no naturalístico, resultando particularmente eficaz en sus muchas acuarelas y en sus diseños de alucinada tensión.

Su interés por el cuerpo es un hecho artístico, que pretende dar a conocer la parte fuerte y sensual de uno de los artistas más importantes del expresionismo. Schiele estuvo influenciado fuertemente en sus comienzos por Gustav Klimt pero, hacia 1910, su pintura se convirtió en un viaje de introspección psicológica.

[earln7]

Charles

Phipps era consciente de que su compañero tenía una resistencia formidable; sin embargo, en algún momento, esa resistencia podía verse aplacada, sobre todo si era vapuleada con trago tras trago sin descanso.

—¿Cuánto tomaste?

Grey le restó importancia con una mano, insistiendo en mostrarle una foto.

—No tomé “nada”… ¡mira, mira!

—Estoy mirando.

—¿No es perfecta?

Phipps alzó una ceja, sin entenderle.

—¿Esta mujer es de tu gusto?

Grey asintió con una gran sonrisa.

—¡Es la indicada!

—Ajá —le siguió la corriente; era evidente que estaba borracho. Su comportamiento y su aroma a alcohol eran los indicios principales.

—¡Ella será nuestra tercera integrante!

—Ajá… digo, ¿qué?

—De nuestro dúo. Pero, cuando ella se una, seremos un trío.

La gallina en el hombro de Phipps batió las alas y chilló.

—¡Tú cállate, no te pedí tu opinión! —le respondió Grey.

Phipps suspiró, llevándose una mano a la frente y negando con la cabeza, exasperado.

—¿Cuánto tomaste? —repitió la pregunta.

Grey volvió a restarle importancia.

—Nada, un par de copas.

—¿Cuánto es un “par” de copas?

—No lo sé, perdí la cuenta. Dime, ¿qué tal suena trío Charles?

—Suena terrible —dijo Phipps, quitándole la foto de la mano y arrastrándolo de un brazo.

—¡Eh, déjame!

—Vamos a mojarte la cara con agua fría —dijo, ignorando las quejas de su compañero, lo arrastró hasta el baño más cercano. Por otra parte, la fotografía que anteriormente sostenía Grey, cayó suavemente hacia el suelo. En ella se veía una mujer con gafas de sol y pelo negro, vestía como una artista importante, y en la esquina izquierda de la fotografía había una firma con tinta negra: un autógrafo.

[notasfilosoficas]

“Prefiero morir de pasión que de aburrimiento”

Vincent Van Gogh

Vincent Willem Van Gogh fue un pintor neerlandés nacido en Zundert en marzo de 1853, fue uno de los principales exponentes del post impresionismo.

 Era hijo de un austero y humilde pastor protestante llamado Theodorus y de su mujer llamada Anna Cornelia. Fue el mayor de 5 hermanos.

Durante su infancia acudió a la escuela de manera irregular pues sus padres lo enviaron a diferentes internados, dejando los estudios de manera definitiva a la edad de 15 años. Sobre su infancia Vincent comentaba “Mi juventud fue triste, fría y estéril”.

Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento fuerte, a la edad de 16 años comenzó a trabajar en una importante compañía internacional de comercio de arte de la que su tío Vincent fue socio, y cuatro años más tarde fue enviado a Londres para suministrar obras de arte, y en donde se enamora de la hija de la señora del lugar en donde se hospedó, siendo rechazado por estar comprometida.

En mayo de 1875 fue destinado a París en donde creció su amor por el arte. En 1878 fue despedido de la galería pues anteponía sus gustos personales sobre las ventas que debía realizar.

En mayo de 1877 se traslado a Amsterdam donde quiso hacerse teólogo, en donde fue rechazado por no saber latín ni griego. Pero debido a su profundo fervor fue enviado de misionero a la región de Mons, a las minas de Borinage en Bélgica realizando 22 meses de trabajo evangelizador en condiciones de extrema pobreza, después sus superiores lo enviaron a Cuesmes viviendo un año en absoluta pobreza y en contacto con mineros por quienes sentía una gran simpatía.

En 1880, por recomendación de su hermano Theo quien lo apoyaba económicamente, se inscribió en la Academia de las Bellas artes en Bruselas en donde estudió dibujo y perspectiva. Por esas fechas se hizo amigo del pintor neerlandés Anthon Van Rappard, con quien mas tarde debido a las críticas a sus pinturas rompería su amistad, debido a la sensibilidad y carácter de Van Gogh a la crítica.

Para 1886 y con el apoyo de su hermano Theo, Vincent se mudó a París, instalándose en Montmartre en donde entró en contacto con artistas de la época como Émile Bernard, Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Camille Pissarro y Paul Cézanne entre otros, es ahi en donde comienza a utilizar los colores complementarios pintando paisajes urbanos y naturaleza muertas con colores más vivos.

En 1888, derivado de los consejos de su hermano y motivado por su interés en el color y por la captación de la naturaleza, Vincent fue inducido a trasladarse a Arlés en la soleada Provenza en donde su obra fue cada día representando sus estados de ánimo y sus propios sentimientos. Ese mismo año, el pintor Paul Gauguin se instaló junto con Vincent en la denominada “casa amarilla” en donde debido al temperamento mutuo, en el transcurso de una discusión Van Gogh llegó a atacar a Gauguin con una navaja de afeitar. Arrepentido por ese arranque y para expiar su culpa se hizo cortar el lóbulo de su oreja, haciéndola llegar a Gauguin quien lejos de perdonarlo, ya lo juzgaba como un loco peligroso.

Tras la marcha de Gauguin, Theo lo hizo ingresar en el hospital de Arles, y en mayo de 1889 ante el temor de perder su capacidad de trabajar, pidió voluntariamente se ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció un año.

Derivado por sus sentimientos de culpa debido a su dependencia de su hermano, y sintiéndose un fracaso como artista, Vincent cayó en una profunda depresión. En julio de 1890 muere de un disparo en el pecho sin haber cumplido los 37 años de edad y sin saberse a ciencia cierta si se trató de un suicidio o de un accidente. Su legado de más de 800 cuadros, dibujos y aguafuertes reflejan tanto sus periodos mas oscuros como los de su mayor esplendor.

La calidad de su obra fue reconocida sólo después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, y en donde actualmente es considerado como uno de los grandes maestros de la historia de la pintura.

Fuentes: Wikipedia y biosgrafiasyvidas.com 

[viejospellejos]

Muere Akira Toriyama, creador de 'Dragon Ball', el manga más popular de la historia, a los 68 años:

La compañía Capsule Corporation Tokyo, encargada de gestionar la producción de obras del artista, ha informado de que Akira Toriyama, creador de 'Dragon Ball', 'Doctor Slump' o 'Sand Land' (que este mismo mes iba a ver estrenada su adaptación animada) falleció el pasado 1 de marzo debido a un hematoma subdural agudo. Con él se va una auténtica leyenda del manga, y uno de los principales responsables del alcance internacional del cómic japonés.

El funeral ya ha sido celebrado "únicamente con los familiares cercanos" y la nota concluye que "gracias al apoyo de tantas personas en todo el mundo, ha podido continuar con sus actividades creativas durante más de 45 años. Esperamos que el mundo único de creación de Akira Toriyama siga siendo amado por todos durante mucho tiempo".

Fuente: xataka

DEP, leyenda

[aricastmblr]

Jimin y Jungkook charts a 26 marzo 2024 cr.btscharts cr.jikookcharts cr.jiminGlobal cr.Jungkookcharts

JIMIN ahora se une a JUNGKOOK como los únicos solistas coreanos con más canciones que superan los 200 Millones de reproducciones en Spotify. (6 cada uno)

BTS únicos solistas con canciones en Billboard Hot 100

1 Seven & Like Crazy

El artista coreano/Kpop que más rápido alcanza los 3 mil millones de reproducciones en Spotify:

#2 JUNGKOOK — 631 Days #3 JIMIN — 700 Days

La canción solista coreana/Kpop que más rápido alcanza los 500 millones de reproducciones en Spotify (días):

1 Seven-43

2 Standing Next To You-145

3 Like Crazy-166

Spotify Daily Top Artists South Korea

#1 (=) — Jimin [PEAK: #1] #2 (=) —Jungkook [PEAK: #1]

El solista de Kpop con más canciones ha alcanzado los 500 millones de reproducciones en Spotify:

1 JUNGKOOK-4

3 JIMIN-1

Worldwide Apple Music Charts: 26/03/2024

Album: #34 Golden (+2) #66 FACE (-5)

Song: #72 Seven (-4)

El álbum con mayor duración de un solista coreano/Kpop en la lista mundial de álbumes de Billboard;

1 FACE-46 semanas

Los álbumes con mayor duración de K-Soloist en la lista de ventas de álbumes más actuales de Billboard (semanas)

#1 FACE-26 weeks

#3 GOLDEN-20 weeks (aun en charts)

¡GOLDEN se convierte en el álbum con mayor duración de un solista coreano/Kpop en la lista de ventas de álbumes principales de Billboard, superando a “FACE”

#1 GOLDEN-20 weeks(aun en charts)

#2 FACE-19 weeks

Canción con mayor duración de K-solistas en la lista de ventas de canciones digitales de Billboard en EE. UU. (semanas);

1 Gangnam Style-32

2 Standing Next To You-20 aun en charts

3 Left and Right-17

4 Seven-8

5 Like Crazy-7

6 3D-6

Canción más larga de K-solistas en el Billboard Global 200 Chart (semana)

1 Like Crazy-52

2 Seven-36

aun en charts

Canción más larga en las listas de K-Soloists en Billboard Excl. Gráfico de EE. UU. (semana)

1 Like Crazy-52 (aun en charts)

2 Left And Right-43

3 Seven-36 (aun en charts)

Canción más larga de un acto coreano/Kpop en la lista Billboard Global 200 (semanas)

1 Dynamite-113

2 Butter-73

3 My Universe-59

4 Like Crazy-52 (aun en charts)

Las ÚNICAS canciones de artistas coreanos/K-pop que alcanzaron el puesto número 1 en la lista oficial MENA de IFPI:

#1 JIMIN Like Crazy #1 JungKook Seven #1 JungKook 3D #1 JungKook Standing Next To You

Y Jimin se convierte en el primer artista en alcanzar 118 puestos #1 en iTunes a nivel mundial con 4 canciones.

[jazzandother-blog]

Until January 16, 1938, jazz was rarely heard in concert halls. Benny Goodman changed all that. Goodman’s concert at Carnegie Hall was often described as “the single most important jazz or popular music concert in history: jazz’s ‘coming out’ party to the world of ‘respectable’ music.” In an era of racial segregation, Goodman led one of the first well-known integrated jazz groups. He launched the careers of many major jazz artists including Lionel Hampton, Teddy Wilson and Charlie Christian. He famously said, “I’m selling music, not prejudice.” Through his amazing career, Benny Goodman did not change his style to conform to the latest trends, but retained the original sound that defined the Swing Era and made him the world renowned King of Swing.

Benny Goodman: May 30, 1906 - June 13, 1986

Hasta el 16 de enero de 1938, el jazz rara vez se escuchaba en las salas de conciertos. Benny Goodman cambió todo eso. El concierto de Goodman en el Carnegie Hall fue descrito a menudo como "el concierto de jazz o música popular más importante de la historia: la fiesta de 'salir' del jazz al mundo de la música 'respetable'." En una era de segregación racial, Goodman dirigió uno de los primeros grupos integrados de jazz. Lanzó las carreras de muchos de los principales artistas de jazz como Lionel Hampton, Teddy Wilson y Charlie Christian. Dijo: "Vendo música, no prejuicios." A través de su increíble carrera, Benny Goodman no cambió su estilo para ajustarse a las últimas tendencias, pero conservó el sonido original que definió la Era del Swing y lo convirtió en el mundialmente famoso Rey del Swing.

Benny Goodman: 30 de mayo de 1906 - 13 de junio de 1986

Source: JazzCorner.com

[77jose-ricardo77]

SAN LUCAS, EVANGELISTA, MÉDICO, PATRÓN DE LOS ARTISTAS.

Entre los Santos Evangelistas San Lucas es el más preciso en la descripción psicológica, y debe probablemente su fama de Santo pintor a esta característica. Su fiesta se celebra el 18 de octubre.  

San Lucas, evangelista, médico, patrón de los artistas

18 octubre

El médico gentil

De San Lucas, autor del Tercer Evangelio y de los Hechos de los Apóstoles, habla San Pablo en la Carta a los Colosenses definiéndolo como “Lucas , el médico querido” (Col 4, 14). Según el historiador Eusebio, había nacido en Antioquía de Siria, y era un gentil. Pablo, siempre en la Carta a los Colosenses, habla de sus compañeros y nombra primero a “los de la circuncisión”, es decir, a los judíos, sin incluir entre ellos a Lucas (Col 4, 10-11). Además, en su Evangelio, Lucas demuestra una sensibilidad particular en lo que se refiere a la evangelización de los gentiles. Es él quien narra la parábola del Buen Samaritano, es él quien cita las palabras de aprecio de Jesús por la fe de la viuda de Sarepta, de Naamán el Sirio y del Samaritano leproso, el único que vuelve para dar las gracias tras haber sido curado.

Al lado de Pablo

No sabemos nada de las circunstancias de la conversión de Lucas, pero podemos deducir a través de los Hechos de los Apóstoles cuándo Lucas se une a Pablo. Hasta el capítulo 16 los Hechos están narrados en tercera persona, y de repente, inmediatamente después de la visión que tiene Pablo de un macedonio que le pide que pase a Macedonia y los ayude (Hch 16, 9) pasan a la primera persona del plural: “inmediatamente intentamos pasar a Macedonia, persuadidos de que Dios nos había llamado para evangelizarles” (Hch 16,10). Por lo tanto, Lucas acompaña a Pablo en el año 51 a Samotracia, Neápolis y Filipos. Después se repite otro pasaje en tercera persona, lo que nos hace pensar que Lucas no fue arrestado con Pablo e incluso que se quedara en Filipos después que el amigo se fue. Siete años más tarde, Pablo regresa a aquella región y Lucas, que en el capítulo 20 vuelve a narrar en primera persona, está junto a él en Mileto, Tiro, Cesarea y Jerusalén. Cuando Pablo está en Roma cautivo, en el año 61, Lucas se queda a su lado, como demuestran las Cartas de Pablo a Filemón y a Timoteo. Después de que todos le abandonaran, en la fase final del cautiverio, Pablo escribe a Timoteo: “el único que está conmigo es Lucas” (2Tm 4,11) .

El evangelista de la Misericordia

Es posible percibir la característica más original del Evangelio de Lucas gracias a los seis milagros y a las dieciocho parábolas que no se encuentran en los demás Evangelios. Vemos una atención particular hacia los pobres, las víctimas de injusticias, los pecadores arrepentidos y acogidos dentro de la misericordia y el perdón de Dios: es él quien narra de Lázaro y el rico Epulón, es él quien habla del Hijo pródigo y el Padre misericordioso que lo recibe con los brazos abiertos, es él quien refiere de la pecadora perdonada que lava los pies de Jesús con sus lágrimas y los seca con sus cabellos, es él quien cita las palabras de María en el “Magnificat” cuando dice que Dios “derribó a los potentados de sus tronos y exaltó a los humildes. A los hambrientos colmó de bienes y despidió a los ricos sin nada”. (Lc 1, 52-53).

Al lado de María

La relación particular con María, es otra de las características principales del Evangelio de Lucas. Gracias a él, presuntamente por el testimonio directo que le hizo María, conocemos las palabras de la Anunciación, de la visita a Isabel y del “Magnificat”, gracias a él conocemos detalles de la Presentación en el Templo y el retrato preciso de la angustia de María y José, que no consiguen encontrar a su hijo de doce años. Se debe probablemente a esta sensibilidad narrativa, descriptiva y también iconográfica, la idea de que Lucas era pintor. Las noticias sobre su muerte son inciertas, algunas fuentes hablan de su martirio, otras dicen que vivió hasta una edad avanzada. La tradición más antigua narra que murió en Beocia, a los 84 años después de haberse establecido en Grecia para escribir su Evangelio.

https://www.vaticannews.va/es/santos/10/18/s--lucas--evangelista--medico--patron-de-los-artistas.html

[yabancreations]

Sobre la traducción del título «guoshi» en la edición española de TGCF

Recientemente, leí el hilo de observaciones que Bruja del Caos hizo en Twitter sobre el segundo volumen de La Bendición del Oficial del Cielo publicada por editorial Norma. Me llamó la atención la confusión causada por la decisión de traducir 国师 (guoshi) como «cultivador del reino jefe» o «cultivador jefe», lo cual Bruja del Caos resalta en los siguientes pasajes:

Tras un par de impresiones que intercambié con Bruja del Caos sobre el tema, que pueden leer en las capturas de abajo o directamente en Twitter, se me ocurrió una posible explicación para la decisión del traductor, además de mi propia alternativa que, a lo mejor, podría ser más clara.

Para sustentar mi idea, voy a definir varias cosas de contexto que puede que muchos ya conozcan. Perdón por la repetición, es para que todos tengamos claridad. También mencionaré datos relevantes pero no tan directamente relacionados con el tema porque me gusta dar datos curiosos. Espero que les gusten.

En fin, empecemos por lo primero. Las tres novelas que MXTX ha publicado hasta ahora se mueven entre dos géneros de la literatura china fantástica: Xianxia y Wuxia.

Las historias del género Xianxia se desarrollan en el universo mitológico que nace del folclor y los tres sistemas de creencias principales chinos: el taoísmo, el budismo y el confucionismo. Van de inmortales, dioses y criaturas legendarias, tienen magia y alquimia, varias dimensiones (como el reino fantasmal o el cielo) y el destino del mundo entero está en juego. La Bendición del Oficial del Cielo/TGCF es principalmente Xianxia.

Wuxia cuenta las historias y aventuras de artistas marciales en la antigua China. Estos artistas marciales normalmente son cultivadores de la inmortalidad bajo uno de los sistemas de creencias antes mencionados, y están organizados en una configuración social independiente del gobierno que se llama Jianghu (江湖). La traducción literal de esta palabra es «ríos y lagos», probablemente referencia al río Yangtsé y el lago Dongting, que son de los más importantes de China, y se refiere al mundo natural/rural que existe más allá de la ley o la estructura social, libre y salvaje. En el Jianghu predomina el que sea más fuerte, y el código moral se define a grandes rasgos bajo el concepto de honor en las artes marciales.

En el Jianghu no hay reyes ni gobiernos, pero sí hay una organización social y jerarquía basada en sectas. Las sectas son grupos que se organizan alrededor de un método/técnica de artes marciales y/o cultivación de la inmortalidad sustentada en uno de los sistemas de creencias. Algunas sectas son lideradas por una familia, que en este contexto se llaman clanes, mientras que otras son lideradas por uno o varios grandes maestros sin lazos familiares que transmiten sus conocimientos bajo un modelo de escuela. En el primer tipo, los hijos heredan el liderazgo de la secta de sus padres, mientras que en el segundo, el poder pasa al discípulo más sobresaliente cuando su maestro decide retirarse, asciende o muere.

Las sectas en El Sistema de Auto-Salvación del Villano Escoria/SVSSS, novela que tiene un buen balance de elementos Wuxia y Xianxia bajo el género sombrilla de historias de transmigración, son tipo escuela. La de los protagonistas es taoísta, pero también vemos sectas budistas y escuelas de artes marciales y magia demoniacas. Por otro lado, El Gran Maestro de la Cultivación Demoniaca/MDZS es principalmente Wuxia y sus sectas están lideradas por clanes taoístas, para los cuales las técnicas innovadoras del protagonista son inaceptables, ya que rompen varios tabús.

En MDZS se ve claramente cómo el Jianghu opera de forma independiente al gobierno: sabemos que hay un emperador porque se le menciona en un par de ocasiones, pero nunca aparece ni nadie se preocupa por saber qué opina del conflicto. A pesar de que hay miles de muertos y damnificados por la violencia, toda la guerra entre las sectas se da sin intervención el ejército imperial.

Por eso es que, aunque como dijo Bruja del Caos, pareciera lógico decir que los cultivadores que nacieron u operan en el territorio de un reino son cultivadores de dicho reino, en realidad ellos no le responden a la dinastía que rige sobre sus territorios, sino solo al Jianghu. De hecho, a veces Jianghu se traduce como «mundo de pandillas» o «bajo mundo» precisamente porque están por fuera de la ley. Para que el gobierno y el Jianghu se relacionen, debe haber algún tipo de acuerdo o negociación. Por ejemplo, en la novela Mil Otoños de Meng Xi Shi, hay varias dinastías imperiales peleando por el dominio del territorio chino. Cada una de ellas le ofrece alianzas a las sectas más fuertes de los diferentes sistemas de creencias (los confucionistas al sur, los taoístas al norte, y el centro disputado entre los budistas y los demoniacos), dándoles beneficios como recursos para construir templos o sedes, permiso para que enseñen sus credos a la población, miembros de sus familias como discípulos o cónyuges, etc. a cambio de que las sectas las protejan y les den apoyo militar y/o logístico en la disputa por el territorio.

Esto tiene un precedente histórico que podemos ver claramente en el origen del título que nos ocupa. El cargo de guoshi fue originalmente instaurado por Kublai Khan —un emperador de origen mongol que fundó la dinastía Yuan en el siglo XI de nuestro calendario— quien se lo confirió al líder de una de las cuatro grandes sectas del budismo tibetano (porque sí, las sectas del género Wuxia también tienen base histórica). Su labor consistía en administrar la región del Tíbet y manejar las relaciones entre el clero budista y la corte imperial mongola. A nivel práctico, el negocio fue darle a esa secta jurisdicción sobre la práctica budista en el imperio, y por consecuencia poder sobre las otras tres sectas que operaban en el Tíbet, a cambio de que el guoshi convenciera a la población del Tíbet de aceptar y someterse el gobierno mongol.

Ahora bien, los cultivadores que se vuelven guoshis en TGCF (Mei Nianqing, Ban Yue y Xie Lian) no son parte de sectas por las que tengan que o quieran buscar beneficio político, sino que son individuos cuyo poder marcial o nivel de cultivación es tan alto, que los reinos con los que interactúan deciden ponerlos de su lado. A cambio, ellos reciben aceptación social, seguridad económica, y aunque el tema en realidad no se toca en la novela, la posibilidad de presidir sobre las prácticas religiosas y/o la interpretación del conocimiento del sistema de creencias que tienen. Por ejemplo, Mei Nianqing mal que bien impone su método de cultivación taoísta en Xianle, que sabemos que es uno de muchos porque requiere celibato, el cual —como se dilucida en la novela y como MXTX explicó directamente en una nota de autor que dudo muchísimo que hayan incluido en la edición impresa— no es obligatorio en otros métodos taoístas de cultivación.

Todo esto para decir que llamar a cualquiera de esos tres personajes «el cultivador del reino (jefe)» tiene sentido porque cada uno es o el único cultivador oficial/formalmente parte del gobierno del que es guoshi (Ban Yue, Xie Lian), o el líder de una secta de tamaño e influencia indeterminados (Mei Nianqing). Soportando esta idea está el hecho de que más adelante en la historia conocemos a algunos cultivadores que son parte del Jianghu y no tienen relación con el emperador mortal del tiempo presente, por lo que no son cultivadores del reino en el que viven.

Adicionalmente, puede que se haya descartado la opción de traducir guoshi como "tutor/preceptor imperial" porque aunque Mei Nianqing y Xie Lian enseñan, Ban Yue no lo hace, y el título histórico de guoshi en sí no tenía un componente de tutorado o enseñanza tampoco. Debido a que 师 (shi) significa «maestro», resulta intuitivo traducirlo con la connotación de «persona que enseña» y usar sinónimos como «tutor» o «preceptor», pero recordemos que la palabra tiene otras connotaciones, como por ejemplo «dicho de una persona o cosa: principal entre las de su clase», de la que creo que salió lo de «jefe», definido como el que manda, el que domina, el que está arriba.

De esa manera, «cultivador del reino jefe» funciona como traducción de guoshi en la medida en que con ese título se denomina al cultivador más poderoso que está al servicio del gobierno y no del Jianghu. El problema, por supuesto, es que no se entiende de dónde sale sin este kilométrico contexto, e incluso dado el contexto, no suena como un título, sino como un vago descriptor.

Personalmente, si no tuviese la opción de dejar guoshi en pinyin y explicar de dónde sale el término en una nota al pie o en el glosario, yo consideraría «maestro cultivador (imperial/real/de la corte)» como opción. Como mínimo, cambiaría «jefe» por «líder» para que sonara un poco más formal, o si no hay manera, «cultivador en jefe», porque mejor que suene militar a que suene... como suena.

[rideretremando]

L' arte d'insultare:

D’Annunzio su Marinetti

Cretino fosforescente.

Marinetti su D’Annunzio

Idiota con lampi di imbecillità.

Gore Vidal su Truman Capote

È in tutto è per tutto una casalinga del Kansas, pregiudizi compresi.

Truman Capote su Jack Kerouac

Quello non è scrivere, è battere a macchina.

Oscar Wilde su Alexander Pope

Ci sono due modi per disprezzare la poesia: uno è disprezzarla, l’altro è leggere Pope.

D.H. Lawrence su Herman Melville

Nessuno riesce a essere più buffonesco, sgraziato e sentenziosamente di cattivo gusto come Herman Melville, persino in un grande libro come Moby Dick… Uno sforzo immane. Ma c’è qualcosa di finto. Ed è Melville. Oh Dio, quando il solenne asino raglia, raglia raglia!

Charles Baudelaire su Voltaire

Mi sono annoiato in Francia – e la ragione principale è che tutti assomigliano a Voltaire… il re degli imbecilli, il principe dei superficiali, l’anti-artista, il portavoce delle portinaie, il padre Gigogne dei redattori del “Siècle”.

Vladimir Nabokov su Fëdor Dostoevskij

La mancanza di gusto di Dostoevskij, il suo monotono trattare di personaggi sofferenti di complessi pre-freudiani, il suo modo di sguazzare nelle tragiche sventure dell’umana dignità – tutto ciò è difficile da ammirare.

William Faulkner su Ernest Hemingway

Non risulta aver adoperato mai parola che costringesse il lettore a consultare il dizionario.

Ernest Hemingway su William Faulkner

Povero Faulkner. Davvero crede che i paroloni suscitino forti emozioni?

William Faulkner su Mark Twain

Uno scribacchino che in Europa non sarebbe stato considerato nemmeno di quart’ordine, e che ha agghindato qualche vecchio schema letterario di provato successo con la giusta dose di regionalismo per affascinare i superficiali e i pigri.

D.H. Lawrence su James Joyce

Dio mio, che minestrone è James Joyce! Nient’altro che avanzi, torsoli di citazioni bibliche, e tutto il resto cotto nel brodo di una deliberata, giornalistica lascivia.

Virginia Woolf su Aldous Huxley

Completamente rozzo, immaturo e oppositivo.

Friedrich Nietzsche su Dante Alighieri

Una iena che scriveva poesie sulle tombe.

Gustave Flaubert su George Sands

Una muccona piena di inchiostro.

Elizabeth Bishop su J.D. Salinger

L’ho odiato [Il giovane Holden]. Mi ci sono voluti giorni per leggerlo, una pagina alla volta, con cautela, imbarazzandomi per lui a ogni frase ridicola. Come hanno potuto permetterglielo?

Mark Twain su Jane Austen

Non ci guadagno nulla a stroncare libri, e non lo faccio a meno che non li odii. Spesso ho provato a scrivere di Jane Austen, ma i suoi libri mi fanno diventare matto a tal punto che non riesco a nascondere la mia furia al lettore; perciò devo fermarmi ogni volta che comincio. Tutte le volte che leggo Orgoglio e Pregiudizio mi viene voglia di disseppellirla e colpirla sul cranio con la sua stessa tibia.

Henry James su Edgar Allan Poe

Provare entusiasmo per Poe è segno di uno stadio di pensiero decisamente primitivo.

Gertrude Stein su Ezra Pound

Lui descrive villaggi. Sarebbe eccellente se tu fossi un villaggio, ma nel caso non lo fossi, allora non lo sarebbe.

Thomas Bailey Aldrich su Emily Dickinson

Una reclusa eccentrica, sognatrice, di un villaggio fuori mano del New England (o di qualunque altro posto del mondo) non può impunemente disprezzare le leggi della gravità e della grammatica. L'oblio è in attesa nelle immediate vicinanze.

Bernhard su Heidegger

Ridicolo filisteo nazista con calzoni alla zuava, ciarlatano, ruminante, imbecille delle Prealpi.

Giacomo Puccini su Richard Wagner

Non si può giudicare l'opera di Wagner dopo averla ascoltata una sola volta, e non ho nessuna intenzione di ascoltarla una seconda

Lord Byron su John Keats

Ecco qui la poesia di Keats piscia-a-letto, e tre romanzi da iddio sa chi… Non più Keats, vi supplico: scorticatelo vivo; se qualcuno fra voi non è disposto a farlo, lo dovrò fare io in persona: non c’è posto per quelle schifezze idiote nel genere umano.

Céline su Proust

Sì, sarà anche bravo ma vorrà ammettere che scrivere 300 pagine per dire che lo vuoi prendere nel culo sono un pochino troppe.

[fashionbooksmilano]

De París a Cádiz. Calotipia y colodión

David Balsells, César Díaz-Aguado, Asunción Domeño, Mario Fernández, Angel Mª Fuentes, Ricardo González, Rafael Levenfeld, Mercedes Mutiloa, Juan Naranjo, Bernardo Riego, Larry J. Schaaf, Marie-Loup Sougez, Valentín Vallhonrat.

Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona 12/3 - 25/2 2004

De la Ombra Editorial, Barcelona 2004, 246 Páginas,24x29,5cm, ISBN 978-84-8043-119-4

euro 80,00

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Las páginas De París a Cádiz. Calotipia y colodión nos proponen un recorrido que se inicia en la calotipia, técnica con la que las imágenes se obtenían a partir de negativos de papel. El colodión, descubierto en 1851, supondrá un salto cualitativo, ya que proporcionará al autor una calidad mayor por lo que se refiere a la definición de la imagen y la posibilidad de reproducirla las veces que se quiera a partir de un negativo. De París a Cádiz. Calotipia y colodión presenta obras principales de la historia de la fotografía, que nos permiten entender la evolución de sus primeras aplicaciones: arquitectura, retrato, etnografía, obras públicas, etc. Ambas técnicas fueron utilizadas en las fotografías que los viajeros románticos de la época tomaron en España, como complemento ideal a sus crónicas literarias. La muestra quiere ser, pues, también un homenaje a todos estos pioneros, que quizás no se consideraban artistas en el sentido que posteriormente asumieron los pictorialistas

03/04/24

[trastornadosrevista]

LEO RIZZI Y LASSO EXPLORAN LAS HERIDAS DEL ALMA EN SU ESPERADA COLABORACIÓN “QUEBRANTO

Una canción que conecta el dolor y la superación a través de dos voces inolvidables.

Leo Rizzi y Lasso se unen en su tan esperada colaboración “QUEBRANTO”, un single de pop nostálgico cargado de emoción que explora la fragilidad emocional y el camino hacia la sanación. Con un enfoque resiliente, la canción aborda el dolor de un corazón roto y la lucha por reconstruirse, llevando a los oyentes a un viaje emocional que celebra la superación personal.

"QUEBRANTO" combina las raíces del pop latino con un sonido distintivo inspirado en el pop-rock de los años 80, donde riffs de guitarra nostálgicos se mezclan con ritmos latinos contemporáneos. Este híbrido sonoro crea una experiencia única: refrescante en su modernidad, pero profundamente evocadora de clásicos emocionales. La canción ha sido producida por Oliver García de 3KMKZ recientemente nominados a los Latin Grammy y el videoclip ha sido rodado en las frenéticas calles del centro histórico de Ciudad de México, lugar donde Leo estará residiendo hasta finales de año.

Las interpretaciones vocales de Leo Rizzi y Lasso se entrelazan de manera impecable, elevando el plano lírico una entrega poderosa que resuena en aquellos que encuentran fuerza en su vulnerabilidad. Esta colaboración llega como una gran alianza entre dos revelaciones del pop latino como Leo y Lasso y formará parte del próximo proyecto relacionado con el exitoso álbum debut del artista uruguayo-español “PÁJARO AZUL” publicado en septiembre de este año.

Leo Rizzi en directo: Pájaro Azul Tour

Tras el lanzamiento de este single Leo Rizzi da el pistoletazo de salida a su gira internacional, comenzando el 26, 27 y 28 de noviembre en Bogotá (Colombia), Quito (Ecuador) y Lima (Perú) respectivamente. Leo retomará la gira en España a comienzos de 2025 haciendo las principales ciudades del país, para finalmente poner el broche de oro con su paso por México y los mayores festivales de LATAM a mediados de 2025. Sigue sus redes sociales y no te pierdas ninguna información adicional sobre PÁJARO AZUL TOUR.

ENTRADAS PÁJARO AZUL TOUR

Sobre Leo Rizzi 

Leo Rizzi, un artista cosmopolita nacido en la vibrante isla de Ibiza y criado entre las exuberantes tierras de Uruguay. La combinación de sus raíces mediterráneas y su crianza en América del Sur se refleja en su arte, que transmite una energía única y una conexión con la naturaleza y la vida urbana. Con una determinación implacable, Leo Rizzi irrumpió en el panorama artístico nacional e internacional con una fuerza arrolladora. En poco tiempo se convirtió en un referente del indie pop, desafiando las normas establecidas y rompiendo fronteras con su música y su arte visual. Su capacidad para combinar lo visual y lo auditivo lo ha convertido en un artista completo, capaz de cautivar tanto a los ojos como a los oídos de su audiencia, consolidando así su posición como una figura influyente en la escena indie pop contemporánea. Cuenta con millones de reproducciones y visualizaciones en las principales plataformas digitales y mueve cientos de miles de seguidores con sus contenidos en Tik Tok e Instagram.

[sxntvriar]

Imágenes de mi tierra - Vol. I

"Imágenes de mi tierra - Vol. I" nace de mi necesidad de poder reflejar un poquito más de mi realidad en el juego. Entiendo que "The Sims 4" refleja únicamente el paradigma estadounidense, sin embargo ―considero que― no existe una conexión real con este cuando hablamos de la experiencia de jugadorxs latinoamericanxs. Es por esto que me decidí a incluir en el juego una serie de obras hechas ―en este caso― por gigantes en el ámbito de la pintura en México, la mayoría de ellos forman parte del Movimiento Muralista Mexicano.

Para comprender en qué consistía; el Movimiento Muralista Mexicano...

"Tiene su origen en la Revolución mexicana de 1910, paralelamente al movimiento de transformación en México. Sin embargo, no es hasta 1921 cuando inicia formalmente el Movimiento Muralista Mexicano, año en que José Vasconcelos, uno de los principales intelectuales mexicanos, asumió funciones como Secretario de Educación Pública bajo el Gobierno del Presidente Álvaro Obregón, quien comisionó a distintos artistas a pintar una serie de murales en las paredes de la Secretaría Nacional y la Escuela Nacional Preparatoria. A partir de ese momento, la Escuela Muralista Mexicana comienza adquirir prestigio internacional no sólo por ser una corriente artística, sino por ser un movimiento social y político de resistencia e identidad, con imágenes a través de la diversidad de sus componentes estilísticos que retratan temas como la revolución, la lucha de las clases y al hombre indígena." 

(Gobierno de México. (s. f.). El Muralismo Mexicano. Secretaría de Relaciones Exteriores. Recuperado 18 de diciembre de 2023, de consulmex.sre.gob.mx).

A continuación, adjunto capturas directas de mi juego con el objetivo de que se pueda apreciar cómo se ven:

En este volumen, las obras que seleccioné son las siguientes:

Acto I:

"Niño muerto" - Olga Costa.

"Dioses del mundo moderno" - José Clemente Orozco.

"Solo en Do" - Rafaél Coronel.

Acto II (Mural):

"Presencia de América Latina" - Jorge González Camarena.

"Liberación" o "La humanidad se libera de la miseria" - Jorge González Camarena.

"El tastuán y la niña de Jerez" - Rafaél Coronel.

"Katharsis" - José Clemente Orozco.

"Nacimiento de nuestra nacionalidad" - Rufino Tamayo.

"México de hoy" - Rufino Tamayo.

"Dualidad" - Rufino Tamayo.

"Alegoría de la Producción" - Fermín Revueltas.

Acto III:

"Aguas frescas" - Jorge González Camarena.

"Sueño y pensamiento" - María Izquierdo.

"Piedad en el desierto" - Manuel Rodríguez Lozano.

"La trinchera" José Clemente Orozco.

"Alegoría del viento" - Roberto Montenegro.

Espero sea de su agrado esta adición; es la primera vez que hago contenido personalizado, así que no estoy segura si habrá algún problema o bug existente. Personalmente; no tengo ningún problema en mi juego. Cualquier cosa, déjenme un comentario o mándenme un DM para poder encontrar una solución respecto a los archivos. Descarga - Dropbox

¡Tengas buenos días, tardes o noches!

― Sxntvriar xx

[quesadillas15]

BITACORA DE

ARTE   Y

ENTRETENIMIENTO

Inicio

 Nuevas formas de arte

Arte digital. Este tipo de arte se aleja mucho del formato físico tradicional, puesto que es elaborado por medio del uso de herramientas tecnológicas, lo que convierte su resultado en un arte de contemplación que es intangible. ...

Arte conceptual. ...

Con materiales reciclados. …

Arte abstracto.

Música y cine

La música es un elemento clave en el cine que dota de significado a la película y logra conmover al espectador, provocando que se recuerde no solo la historia, sino también su banda sonora.

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         ARTES ESENICAS

Las artes escénicas son todas las expresiones artísticas en las que se lleva a cabo una representación escénica. Estas se componen de una gran variedad de manifestaciones artísticas, pero todas ellas derivan o son resultado de una combinación entre las tres disciplinas principales: el teatro, la música y la danza.

¿QUE RELACION HAY ENTRE TODAS LAS ARTES?

El arte desempeña un papel mediador y motor de la comunicación, ya que el artista a través de su creación transmite no solo emociones, sino también mensajes, y nos hace reflexionar sobre nuestra existencia, los problemas sociales o la vida en general.

 CUAL ES LA RELACION ENTRE LAS ARTES Y EL ENTRETENIMIENTO

El entretenimiento busca estimular los sentidos para mantener la

atención de la audiencia; por su lado, al crear artista, el artista ahonda en la experiencia y la reproduce de la mejor manera posible, conectando con otras personas a través de su obra