#1969 rock band au

[peblezq]

Welcome Home // Walter (Wally) Darling // Classic Rock!AU // click the image for HD // art & au by peblezq

Did a quick concept drawing for Wally Darling, the classic rock star from the band "Welcome Home", debuting in 1969 and breaking up in 1973. If you wanna know a bit more about my classic rock au, check the main post here.

Designs for Sally, Julie, and Frank!

Welcome Home belongs to clown//partycoffin.

[couch-house]

Fleebay Beepo playlist! [youtube link] [zip link]

it's been foreverrr since i finished a character playlist--i missed doing this! tracklist and director's commentary under the cut teehee :)

if you disagree with any of my choices, just remember: 1) this is my playlist for me to listen to made of songs I like for me 2) you just don't see my vision 3) you don't know him like i do 4) make your own so i can disagree with yours too.

WDKYWMYAK -- Rabbit junk

This is a Killing Game After All -- Gadgetor

chance bought this cd from the comic store. i think the album is Doom-inspired? pretty cool! check it out! anyway this first section is pretty obviously all violence killing and maiming etc

3. All Futures -- The Armed

4. Bears -- Mass of the Fermenting Dregs

5. You Know What You Are -- Ministry

6. 1969 -- Boards of Canada

we're coming down out of the chaotic songs into some confusion for the amnesia arc, starting with ministry and boards of canada. 7 references an unwilling change of the self, and just fits the vibe right now. 8... should be obvious lol.

7. Long Road Home -- Oneohtrix Point Never

8. I Don't Remember -- Peter Gabriel

9. Come Back June -- Pussy

sorry i heard a psychedelic rock song that starts with a big cat meow and blacked out. EBONY MOMENT!!! this and the next couple songs are again more about contributing to the Feeling of the groovy train than a direct relation to the lyrics. though 10 can be justified by the fact he's british.

10. Hey, Mister Sun -- Bobby Sherman

11. Baby All the Time -- Julien Love (NOTE: NOT IN YT PLAYLIST)

12. Handlebars -- Flobots

i didn't think i would end up keeping this song when i threw it on here but it just... works really well structurally. sigh... okay well it kind of works thematically. we're moving into some merger au territory at this point, which is my way as a fan to give fleet more of a self-actualization arc. establish his own identity, make friends, accept his existence a bit more. 13 is again more focused on the caring environment of groovy train (and the idea that this won't last forever) but we'll come back around to merger in a second.

13. Cursis Melodías -- Natalia Lafourcade

14. Flagiolletes -- Billy Mahonie

15. Wake Up To Be You -- The Aesthetics

i'm so obsessed with this as a song from fleet to sonic. esp focused on the idea of fleet being the trauma dump that everyone wants dead and sonic being the one who gets to keep their friends. another lucky cd find--this time thrifted. this band still has their old website up--you can contact them if you'd like to get ahold of your own copy!

16. Every Home a Prison ft. Jello Biafra -- DJ Coldcut (Inevitable Alien Nation mix)

i'm in love with this song. we're back in merger au btw. fleet is now a goddamn hooligan in the street (teenager socializing outside with his friends).

17. Default -- Django Django

we're getting to the end of his life! canon, not au. once again on the idea of fleet (dying, cringe) being a comparative failure. the next two songs are our big explosive end! 18 is another band i found from a thrifted cd. lucky!

18. Werewolf -- Progger

19. light speed drift ft Kasane Teto + Adachi Rei -- frog96

the end! thanks for listening! ^_^ as a treat, YOU get to see the special bonus track: The Adventures of Little White Baby -- No Soap, Radio.

[avengedbiologist]

Thunderbirds 80s style

So turns out my 80s phase I've been having has brought me back to tbirds so here's my 80s au. Info under cut x

Firstly I ain't taking criticism, these designs feel right 2 me and so do the song choices. Sorry there isn't more diversity in the music tastes these r literally just from bands I know.

Gordon-

Kiefer Sutherland (specifically him in the movie 1969 with his longer hair) and George michael r my inspo for him, I mean the hair is the main inspo but the vibes from both of them R verryyy Gordon to me. He dresses very typical 80s he's a big big fan of denim.

His playlist:

His favourite bands are Wham and Cinderella, being a big George Michael fan in general. His favourite album is night songs by Cinderella. Not sure why Cinderella is his fave but it feels right ☝️ (everyone listen to Cinderella xxx)

Him and Alan being the lame duo they are, were Wham for Halloween.

Alan-

Alex Winter for this guy, probably because of bill and ted (definitely because of bill and ted and also nose 👃) and I can genuinely get behind Alan having curly hair. Despite this he has long hair in this cause he's a trendy fella, and if I didn't give any of them long hair I would be a fraud and a fake to the 80s cause. He switches his style a lot but he has a lot of inspo from rock bands.

His playlist:

(I am definitely not projecting) (okay maybe I am, be glad my favourite KIX song is from the 90s)

I feel he is more rebellious (very 04 Alan me thinks) so he tends to lean more to the rebellious type music (big glam rock fan) his favourite band is and will forever be KIX, he has seen them live like 50 times. And his favourite album is Midnite Dynamite by KIX. Listen to KIX and u will get it (or not idk).

Scott-

I'm blaming @knyee because of their Tom Selleck thoughts 😩. Older Scott very Tom Selleck, younger Scott very Tommy Lee, and Jason patric is just there cause he's a guy with brown hair and blue eyes, any 70/80s person with brown hair is Scott to me (could Eddie Van Halen be the next Scott Tracy 😮).

His playlist:

I feel Scott's tryna be more cool but hes not as deep with his music as say Alan or Kayo. So he's a very, whatevers popular kinda guy. Big Bon Jovi fan, his favourite album is Bon Jovi, slippery when wet. And he's a big fan of older stuff as well, big Kinks fan.

Ugly ass fashion as per w Scott, I mean it's not bad it's just,,, very Scott 🧍‍♀️.

Virgil-

Now I am about to be controversial,,, I genuinely forget Virgil exists. Like who is he,, U tell me ? So this made someone that vibes w him very hard to find. So this may be weird to people, this may not fit as well as the others, but if U ignore the hair I hope U can see my vision. Paul Stanley. Look at his eyebrows, look at his cheek bones then get back to me Kay x.

His playlist:

Virgil's cool af what can I say, he does like older songs too but alas I didn't focus on them. Tho this au of the Tracy family has no specific like version (weather it's tag tos or 04, tho with me it's never TAG do not speak to me about TAG Alan xx) I will say this, TAG Virgil is a Metallica fan, I get he does classical music but he can do that,, and like Metallica, cause guess what,, he's cool as shit. Despite this is fave album is Lick it up by kiss.

Don't ask me how to dress virgil, I just put him in green and call it a day.

My fun fact about Virgil is his gay awakening was Slash from guns n roses.

John-

Again don't know shit about John, not do I care for him but if I make him look like Billy Idol I begin to care. I'll tell U sommat not only is this inspo, Billy is like a face claim for me, Ur telling me that's not John Tracy. Is Billy wasn't cool af he would be John Tracy. And as well as looking like Billy idol he is a fan of Billy idol, his fave album being Billy idol by (U guessed it) billy idol.

His playlist:

(R we starting to see my love for lost boys, cause if not just wait till kayo xx)

Rolling stones yeah pretty sick, time in a bottle is out there compared to the others but John's an all over guy I think.

Kayo-

Oh look, Jami Gertz, lost boys reference, what a shock.

Kayos cool, like just look at her, holding hands with penny (women in love what can I say) originally her like fave album was gonna be Kill em' all by Metallica but Kayos here for the girls so her fave Album is Vixen by Vixen. Corker of an album (everyone listen to it x)

Her playlist:

I fear Joan Jett would also be on her playlist but idk man. Kayos just like quirked up but in a fun way, she does try to listen to a lot of female artists. She likes spooky music and old music. If I was doing a 90s or later au she would be a fan of the song 'Living dead girl' by Rob Zombie.

She's a lost boys fan (not projecting) and loves horror films and she takes John to see em, only cause Penny does not like horror films.

Penelope:

Janet Gardner (from Vixen) is her celeb inspo, tho I fear there's a lot of blonde 80s celebs that would work, but why go for Madonna when Janet's right there, and her hair is taller. If Penny doesn't have tall hair that ain't Penny.

Her playlist:

Big big big Stacey Q fan, her fave album is Stacey Q better than heaven. Penny is a big fan of 60s music as well, loving Erma Franklin, he favourite song being her cover of 'Hold on I'm comin''. She loves Daughters of Eve, their song 'Hey lover' is her and Kayos 'song'.

She has seen Stacey Q live many times and has (lovingly) dragged Kayo to them. Kayo is also a bit of a fan. They both like a lot of each other's music, if they find a new band or an artist they like has released a new song they always try to listen to it for the first time together.

I am realising now I didn't write Penny's fave films which are: Heathers, Labyrinth and Hairspray.

This is a long ass post oopsies, hope U enjoy my nonsense x

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

ARTHUR BLYTHE, UN MUSICIEN HORS-NORMES

“The music that I deal with has elements of bebop to ballad, swing to sweet, blues to boogie, and pop to rock. If I have the ability to do that, I should be able to do whatever I want to do in those areas — because I am dealing with the tradition, and my culture, and my heritage.”

- Arthur Blythe

Né à Los Angeles le 5 juillet 1940, Arthur Murray Blythe était le troisième d’une famille de trois garçons (un quatrième était mort en bas âge). Le père d’Arthur était mécanicien, sa mère maîtresse de maison et couturière à temps partiel. Après le divorce de ses parents, Arthur était allé vivre avec sa mère à Chicago. Il était éventuellement retourné à Los Angeles à l’âge de dix-neuf ans.

C’est à Los Angeles que Blythe avait rencontré le pianiste Horace Tapscott et qu’il était devenu membre de l’Union of God’s Musicians and Artists Ascension, dont Tapscott était un des principaux représentants.

À l’âge de neuf ans, inspiré par le rhythm n’ blues et la musique swing qu’adorait sa mère, Blythe lui avait demandé de lui acheter un trombone, mais celle-ci lui avait offert un saxophone alto à la place.

Blythe avait étudié la musique avec Kirkland Bradford, un ancien membre du big band de Jimmie Lunceford. On raconte que le style de Blythe rappelait alors celui de saxophonistes d’après-guerre comme Earl Bostic. Blythe avait joué du rhythm n’ blues jusqu’au milieu de son adolescence alors qu’il avait découvert le jazz. Au milieu des années 1960, Blythe avait fait partie de l’Underground Musicians and Artists Association (UGMAA), qui avait été fondée par Horace Tapscott. C’est d’ailleurs avec Tapscott que Blythe avait enregistré un premier disque en 1969 intitulé ‘’The Giant Is Awakened.’’ UN ESPRIT SANS COMPROMIS Blythe était dans la trentaine lorsqu’il avait déménagé à New York au milieu des années 1970, car il se sentait frustré par les limites de la scène musicale de Los Angeles. Connu pour son indépendance et son esprit sans compromis, Arthur était d’ailleurs surnommé ‘’Black Arthur’’ à Los Angeles. Très engagé socialement, Blythe n’avait jamais mâché ses mots et détestait le racisme sous toutes ses formes.

Afin de gagner sa vie, Blythe avait travaillé comme gardien de sécurité avant d’être invité à accompagner en 1975 le batteur Chico Hamilton avec qui il était resté durant deux ans. De 1976 à 1979, Blythe, dont la sonorité était déjà facilement reconnaissable par son côté tranchant (qui s’apparentait davantage à un saxophone ténor qu’à saxophone alto), avait joué avec l’orchestre de Gil Evans, les trompettistes Lester Bowie et Woody Shaw, le batteur Jack DeJohnette et le pianiste McCoy Tyner. Parallèlement, Blythe avait formé son propre groupe avec le pianiste John Hicks, le conbassiste Fred Hopkins et le batteur Steve McCall, avec qui il avait joué à Carnegie Hall et au Village Vanguard en 1979.

Dès son arrivée à New York, Blythe avait adopté une instrumentation pour le moins inusitée, notamment sur l’album ‘’Lenox Avenue Breakdown’’ sur lequel figuraient le tuba de Bob Stewart, la guitare électrique de James Blood Ulmer, la basse électrique de Cecil McBee, la flûte de James Newton, les percussions de Guilhermo Franco et la batterie de Jack DeJohnette. En 1977, le critique du New York Times Robert Palmer avait décrit le style de Blythe de la façon suivante: “He is sly; he teases the beat, toys with polyrhythms and leaves gaping holes in the fabric of the music, only to come roaring back in with plangent held tones or crisp, punching riffs.”

Même après avoir signé avec Columbia en 1978, Blythe avait insisté pour conserver son autonomie musicale. Il faut dire que Blythe n’était plus un enfant de choeur, car il était dans la quarantaine au moment de la signature de son contrat. Blythe avait enregistré neuf albums aux styles diversifiés dans le cadre de son contrat avec Columbia. Même lorsque Columbia avait refusé de renouveler son contrat en 1987, Blythe avait continué de jouer et d’enregistrer régulièrement. En 1977, Blythe s’était joint au groupe du batteur Steve Reid, avec lequel il avait enregistré l’album ‘’Rhythmatism.’’ Dans sa revue des albums des années 1970, le critique Robert Christgau avait salué en 1981 la puissance du jeu de Blythe en déclarant que : "like so many of the new players Blythe isn't limited to modern methods by his modernism—he favors fluent, straight-ahead Coltrane modalities, but also demonstrates why he belongs on a tune for Cannonball."

En 1977, Blythe avait commencé à enregistrer comme leader de ses propres formations, d’abord sur l’étiquette India Navigation puis pour les disques Columbia de 1978 à 1987. Le tuba de Bob Stewart était mis particulièrement en valeur sur ces albums, et prenait la place habituellement réservée à la contrebasse. Des albums comme ‘’The Grip’’ et ‘’Metamorphosis’’ avaient contribué à démontrer la maturité de Blythe, tout autant que son habileté à jouer dans des contextes tant de free jazz que plus traditionnels avec un style tout aussi personnel. En 1982, le critique Francis Davis avait d’ailleurs reconnu la capacité de Blythe à réconcilier les styles musicaux en écrivant que le saxophoniste ‘’may well prove to be the magic figure of reconciliation, the force for consensus, that modern jazz has been looking for in vain since the death of John Coltrane in 1967.” Ouverte à plusieurs tendances, la musique de Blythe alternait entre le bebop, les balades, le blues, le boogie, le pop et le rock. Comme Blythe l’avait expliqué à l’historien Ben Sidran en 1986 : “The music that I deal with has elements of bebop to ballad, swing to sweet, blues to boogie, and pop to rock. If I have the ability to do that, I should be able to do whatever I want to do in those areas — because I am dealing with the tradition, and my culture, and my heritage.”

Dans son album ‘’In the Tradition’’, Blythe avait d’ailleurs démontré sa grande connaissance de l’histoire du jazz en interprétant des compositions de Duke Ellington, Fats Waller et John Coltrane.

Blythe avait également collaboré à plusieurs albums-phares des années 1980, notamment comme membre du groupe Special Edition de Jack DeJohnette. Blythe avait aussi été membre du groupe tout-étoile The Leaders. Après la mort de Julius Hemphill en 1995, Blythe avait pris sa relève au sein du World Saxophone Quartet. À compter de l’an 2000, Blythe avait enregistra plusieurs albums pour Savant Records. Parmi ceux-ci, citons l’album ‘’Exhale’’ avec le pianiste John Hicks, le tubiste Bob Stewart et le batteur Cecil Brooks. DERNIÈRES ANNÉES Après avoir divorcé de sa seconde femme, Blythe était retourné en Californie en 1998 pour prendre soin de ses enfants. Même s’il donnait beaucoup moins de concerts, Blythe avait continué d’enregistrer des albums pour les disques Savant au début des années 2000. Atteint de la maladie de Parkinson, Blythe avait dû mettre sa carrière musicale en veilleuse. Blythe avait déclaré en 2000 lors d’une entrevue accordée au San Diego Union Tribune: “I would love for everyone to accept my music, and I would love to make money, but only by keeping my music on the cutting edge”.

Arthur Blythe est mort à Lancaster, en Californie, le 27 mars 2017. Il était âgé de soixante-seize ans. Blythe laissait dans le deuil sa troisième femme, Odessa Blythe, ainsi que deux fils, Chalee et Arthur Jr., également issus de son second mariage. Il avait aussi deux demi-frères, Bernard Blythe et Aldrich Neal, ainsi qu’une demi-sœur nommée Daisy Neal. Ses deux premiers mariages s’étaient terminés sur un divorce.

Le saxophoniste ténor David Murray, dont Blythe était un des modèles, avait déclaré après sa mort : “It was pretty much undisputed that Arthur Blythe was the best alto saxophonist out there on the West Coast.” Même s’il avait commencé sa carrière à la fin des années 1960, Blythe avait produit ses œuvres les plus novatrices à la fin des années 1970 et au début des années 1980. c- 2022-2024, tous droits réservés, Les Productions de l’Imaginaire historique

SOURCES :

‘’Arthur Blythe.’’ Wikipedia 2022. ‘’Arthur Blythe, saxophonist.’’ RUSSONELLO, Giovanni. ‘’Arthur Blythe, Jazz Saxophonist Who Mixed Sultry and Strident, Dies at 76.’’ New York Times, 28 mars 2017. SCARUFFI, Piero. ‘’Arthur Blythe.’’ Internet, 2006.

[baufachforum-baulexikon]

#Brian #Guitar #und #Verena #Fuchs, Creedence #Clearwater #Revival #Band, #Lehrstellenbörse, #BauFachForum, #Baulexikon #Wilfried #Berger, #Ausbildungsseite, #Job #Börse: Link zur Lehrstellenbörse: https://www.baufachforum.de/lehrstellenboerse/

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BauFachForum Baulexikon: Für euch immer an vorderster Stelle.

Guten Tag, sehr geehrte Kolleginnen und Kollegen,

aus unserer Rubrik Lehrstellenbörse und Ausbildung haben wir euch wieder einen neuen spannenden Beitrag erstellt.

Viel Spaß beim Studieren von unserem Beitrag aus unserem Baulexikonbegriffen über die Band Creedence Clearwater Revival Band mit tollem musikalischen Vortrag von

Thema heute:

Brian Guitar und Verena Fuchs:

Der Song Proud Mary von Creedence Clearwater Revival Band:

Es wird nur wenige Songs geben, die von so vielen Weltstars übernommen wurde und zum Welterfolge wurde.

Der Song Proud Mary stammt aus der Feder von John Fogerty von der Band CCR Creedence Clearwater Revival.

Brian Guitar und Verena Fuchs, spielen den Titel Proud Mary nach der Version von Tina Turner.

Baulexikonbegriff:

Creedence Clearwater Revival, CCR:

US-amerikanische Rockband, Berkeley, Kalifornien, Wirkungszeit 1967 und 1972, Dezember 1967 Gründungsdatum, Vorname Credence,  Biermarke Clearwater, Umweltschutz, Revival für Zusammenhalt, erste Titel, war Suzie Q., von Dale Hawkins, erstes Album 1968, Album Creedence Clearwater Revival, großer Erfolg, Radio-Stationen, zahlreiche Hörerwünsche, Fans brachten CCR-Manie.

Die Band und Auflösung:

Gebrüder John und Tom Fogerty, Stu Cook, Doug Clifford

Juli 1972 Auflösung der Band, Stu Cook und Doug Clifford, gründen Creedence Clearwater Revisited, spielten CCR-Hits, John Fogerty startet Solokarriere, spielt traditionelle Country-Music, The Blue Ridge Rangers, Album 1973, 1975 Soloalbum, Lied Rockin’ All Over the World, machte Status Quo weltberühmt, erst 1985 Album Centerfield, Singles Rock and Roll Girls, The Old Man Down the Road, kamen die erfolge.

Rhythmusgitarrist Bruder Tom Fogerty, verstarb am 6. September 1990, mit nur 48 Jahren.

Die treibende Kraft der Band war John Fogerty der jüngere der Brüder.

Clearwater, bezeichnet eine Biermarke deren Sponsor der Band Ihre Erfolge zu verdanken hat.

Die Brauerei Clearwater, war mit der Band CCR von 1967 – 1972 führend im Umweltschutz in den USA!!!!

Die Band CCR erreichte Welterfolge, die bis heute weltweit immer noch als Hymnen einer jeder Party gegenwertig sind.

Größte Erfolge der Songs:

Suzie Q. (Part One), 11x Platin:

Autoren: Dale Hawkins, Eleanor Broadwater, Stanley Lewis

I Put a Spell on You:

Autor und Original:

Screamin’ Jay Hawkins, 1956 - 1969

Proud Mary:

Bayou Country :

Autor: John Fogerty

Bad Moon Rising:  

Autor: John Fogerty

Größte Erfolge:

Down on the Corner:

Willy and the Poor Boys    

Autor: John Fogerty

Hho’ll Stop the Rain          

Autor: John Fogerty

Juli 1972 Auflösung der Band:

Der Bruder Tom Fogerty, verstarb am 6. September 1990.

John Fogerty startet Solokarriere, spielt traditionelle Country-Music, The Blue Ridge Rangers, Album 1973, 1975 Soloalbum,

Viele Weltstars übernahmen Songs von CCR und John Fogerty so auch Tina Turner. Sie machte den Titel Proud Mary zum Welterfolg.

Verpasst kein spannendes Video vom BauFachForum mehr:

Werdet einfach Follower:

Gruß aus Pfullendorf

Euer Bauschadensanalytiker

Wilfried Berger

[anteabbie]

Short writeup for my Triumvirate rock band au:

(Circa 1820s triumvirs, so they’re still a bit young. Au takes place circa 1969-1971)

AU story summary:

The great triumvirate for some reason found themselves in a forest. They were bickering like usual, when they found a magic wall. After some fooling around, they ended up at Woodstock (which was happening 55 years ago as I type this fun fact) and they witness majority of the concert, and talk to some of the musicians there.

They then decided to form a band of their own, calling themselves, “Triumvir” (I’m not creative with band names, I’m so sorry 😭. If anyone has any other suggestions feel free to drop them 😭)

They made music for fun, until one day, they topped the charts at number one! Mind you, they’re still balancing 1820s life, and their wives, children, and colleges have NO idea about their secret

Will write it soon, dont wanna spoil it further

Band lineup:

Webster: Drums. I’ve said this before, but he’d totally be a drummer

Clay: Lead vocals + guitar. He’d easily be the most famous member of the band due to his outgoing personality.

Calhoun: Bass. He’d probably hate being in a band, but for this au, he’s stuck as a bassist

What type of music do they make?

I imagine it would be a mix of psychedelic, prog, and yacht rock

Thanks for coming to my historical ted talk!!!

[violetcancerian]

Hello! I am returned from my holibobs and have dropped by to ask you to dish the goss on "Summer, 1979 (And Other Memories along the Road)"

HOWDY!! @knottreally Thank you for the ask! Hope your holiday was a good one! 💕

Ooooh okay, so the story of Summer, 1979 came up last year when I had really bad writer's block for Tales of Tirinth, and I couldn't figure out how to write Finnr, Liath, and Arne. This was also around the time I fell DEEP into my love for classic rock and 70s metal and just the 70s in general, and it became a way to cope with the stress.

So basically I had this idea of the Trinity being in their 20s in 1979, sticking to their canon ages (the boys being 23 and Liath turning 21 later on), making the original Viking lore and shaping it into either a fictional book series that exists in that 70s America or making it into something that fits with the AU. An example is that the band of warriors that Finnr is part of, he's still part of it and they're still his best friends but in this case they're a rock band.

I also had this question of "How do the three meet?" And decided that on a cross country road trip, and in that road trip they end up falling in love, but are also running away from problems of their own, whether personal or literal problems, and learning how to live together in a small Volkswagen 1969 van.

But in essence, the Trinity is the same! Liath still gets her hands broken, Finnr still gets his scars, Arne is still a crafty levelheaded guy that shares the braincell with Liath, but only this time they lived their childhoods through the psychedelic sixties and their teenage/early adult years through turbulently colorful 70s! I even made a playlist for it and plan on adding more stuff to the AU lol 😅

Liath's still having funky dreams (that may not possibly past life memories 👀) and she's a hippie with some strong opinions

Arne is a metalhead with his heart worn on his sleeve.

Finnr's still into the occult and magic, but in this he just also happens to like Judas Priest and Motörhead.

I've been writing it out since May of last year, and it's very rough, but it's been helping me develop these characters better for Canon and just to see how this story ends!

[pdj-france]

Robbie Robertson, cinq fois nominé aux Grammy Awards et célèbre auteur-compositeur, chanteur, guitariste et compositeur de films, est décédé, d'après une annonce envoyée par son agence de publicité Costa Communications, Inc à CNN. Il avait 80 ans et est décédé des suites d'une longue maladie.Dans une déclaration, le manager de Robertson depuis 34 ans, Jared Levine, a affirmé "Robbie était entouré de sa famille au moment de sa mort, dont sa femme, Janet, son ex-femme, Dominique, son partenaire Nicholas, et ses enfants Alexandra, Sebastian, Delphine et le partenaire de Delphine, Kenny."Il laisse aussi dans le deuil ses petits-enfants Angelica, Donovan, Dominic, Gabriel et Seraphina. Robertson a récemment terminé son quatorzième projet de musique de film avec son collaborateur fréquent Martin Scorsese, "Killers of the Flower Moon".Le musicien Robbie Robertson, photographié en 2015, est décédé à l'âge de 80 ans. (Evan Agostini/Invision/AP)Né à Toronto, en Ontario, Robertson avait des racines à la fois dans la communauté mohawk de la réserve des Six Nations et dans l'enclave juive du centre-ville de sa ville natale.Il a démarré à jouer de la guitare à l'âge de 10 ans et six ans plus tard, il a rejoint le batteur Levon Helm dans les Hawks, le groupe d'accompagnement de la star du rockabilly Ronnie Hawkins. C'est là que Robertson a reçu son éducation rock 'n' roll, qui inclura éventuellement les futurs camarades du groupe Rick Danko, Richard Manuel et Garth Hudson.Robertson continuerait à jouer avec Bob Dylan durant ses légendaires tournées "Going Electric" en 1965 et 1966.Déménageant à Woodstock en 1967, Robertson et ses compagnons de groupe ont enregistré les "cassettes de sous-sol" révolutionnaires avec Dylan avant de changer leur nom pour The Band et de sortir leur album séminal "Music from Big Pink" l'année suivante. L'album, contenant la chanson classique "The Weight" écrite par Robertson, est toujours considéré comme un point d'inflexion à travers l'histoire du rock.Robbie Robertson, à gauche, et Elvis Costello jouent ensemble sur scène. (PA)En 1969, The Band s'est produit au légendaire Woodstock Festival avant de sortir un album éponyme qui comprenait "Up On Cripple Creek" composé par Robertson et "The Night They Drove Old Dixie Down", tout aussi classique (et très repris).Témoignage de leur nouvelle renommée, The Band est devenu le premier groupe de rock nord-américain à apparaître sur la couverture du magazine Time.D'autres albums ont suivi, dont "Stage Fright" en 1970, "Cahoots" l'année suivante qui comprenait "Life Is A Carnival", et le double live "Rock Of Ages" en 1972."L'année suivante, The Band s'est produit devant ce qui est devenu le plus grand public de concerts de rock de l'histoire avec environ 650 000 personnes au Watkins Glen Festival à New York.Robertson sur scène en 1971. (Michael Putland/Hulton Archive/Getty Images)En 1976, The Band a fait ses adieux à la performance live avec le concert "The Last Waltz" le soir de Thanksgiving. Des invités tels que Dylan, Eric Clapton, Muddy Waters, Van Morrison, Neil Young et Joni Mitchell ont rejoint le groupe au Winterland de San Francisco et le film de concert, réalisé par Martin Scorsese, de même qu'un coffret de trois disques sont sortis en 1978.Le septième et dernier album studio du groupe avec Robertson était "Islands", qui est sorti en 1977. Il a ensuite produit l'album live "Love At The Greek" de Neil Diamond, renforçant leur relation créative puisque Robertson avait dirigé "Beautiful Noise" de Diamond l'année précédente. .Robertson a aussi ouvert la voie en qualité de l'un des premiers rock'n'rollers à s'engager sérieusement dans la musique de film.Il a co-écrit, produit, joué et composé la musique source du film "Carny" de 1979 avec Gary Busey et Jodie Foster. Il continuerait à créer et à produire de la musique pour "Raging Bull" (1980), "King Of Comedy" (1983) et "The Color Of Money" (1986) de Scorsese, qui comprenait "It's In The Way That You Use It". ", co-écrit avec Clapton.

Robertson a travaillé fréquemment avec le réalisateur Martin Scorcese, à gauche. (PA)Robertson a fait ses débuts en solo en 1987 avec son album éponyme, avec les invités Peter Gabriel et U2.L'album comprenait le morceau "Somewhere Down The Crazy River", et a été certifié or, nominé aux Grammy Awards et a remporté plusieurs prix Juno dans son Canada natal.Son deuxième album solo, 1991'a "Storyville", mettait en vedette certains des musiciens les plus respectés de la Nouvelle-Orléans et a remporté deux nominations aux Grammy Awards.En 1994, The Band a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame et s'est produit en direct durant la cérémonie.Robertson a poursuivi son travail au cinéma, marquant "Jimmy Hollywood" de Barry Levinson et jouant dans "The Crossing Guard", avec Jack Nicholson et réalisé par Sean Penn. Il a aussi produit l'album de la bande originale de "Casino" de Scorsese.L'ex premier ministre du Queensland décède à l'âge de 81 ansL'artiste a continué à sortir de la musique solo et a rédigé les mémoires à réussite du New York Times, "Testimony", en 2016.Un long métrage documentaire basé sur le livre et intitulé "Once Were Brothers: Robbie Robertson And The Band" a été affiché en première au Festival international du film de Toronto en 2019 et diffusé sur Hulu.En 2019, Robertson a sorti son sixième album studio solo "Sinematic", et son travail avec Scorsese s'est poursuivi avec sa partition originale pour le film "The Irishman".Au moment de son décès, Robertson écrivait ses mémoires de suivi de "Testimony" et venait de terminer la musique de "Flower Moon" de Scorsese avec Leonardo DiCaprio et Robert DeNiro, qui devrait sortir en salles cette année.Au lieu de fleurs, la famille a demandé que des dons soient faits aux Six Nations de la rivière Grand pour soutenir un nouveau centre culturel Woodland.Inscrivez-vous ici pour recevoir nos newsletters quotidiennes et nos alertes d'actualité, envoyées directement dans votre boîte de réception.

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Golden Hair

by stedebonnetkinnie

The year is 1969. Izzy hands is the lead singer and guitarist of his garage band. One day he notices someone new in the crowd of usuals - who wouldn’t notice that bright golden hair?

Stede Bonnet is new in London — his recent divorce leading him to own a small record store near Izzy’s usual performance spot. He’s always loved music, always wanted to perform, but all his life everyone has only ever told him how bad he is, whether it be at singing, playing instruments, or just performing in general. And up until meeting Izzy, he fully believed it.

Though he’s frustrated at first by the complicated feelings he gets around Bonnet, Izzy can’t help but find himself searching for that striking golden blonde hair in the crowd. Yes, Stede is kind of a bumbling idiot, but he can’t help it that nobody ever taught him how to play. He’s actually kind of a natural at the guitar, albeit too self-conscious to believe it.

Words: 709, Chapters: 1/?, Language: English

Fandoms: Our Flag Means Death (TV)

Rating: Mature

Warnings: No Archive Warnings Apply

Categories: M/M

Characters: Izzy Hands, Stede Bonnet, Fang (Our Flag Means Death), Ivan (Our Flag Means Death), Blackbeard | Edward Teach

Relationships: stede bonnet & izzy hands, Stizzy - Relationship

Additional Tags: ofd 60s au, izzy hands has a 1960s rock band, izzy hands definitely wears leather in every decade, stizzy 60s au, stede bonnet owns a record store, izzy hands is uncomfortable about his sexuality at first

source https://archiveofourown.org/works/46799707

[peblezq]

Welcome Home ~ Classic Rock AU

Frank Frankly on Bass || Julie Joyful on Violin + Vocals || Sally Starlet on Lead Guitar + Vocals || Welcome Home created by @/partycoffin || AU created by me [peblezq] || click on image for HD ||

Here are some more character designs for my Classic Rock AU. Basically, they're a rock band that was active between 1969 and 1974 (instead of being from a kid's puppet show). I like to imagine they're humans that just wear insane levels of makeup and costumes to have a "puppet look". It's the thing that makes their band stand out from the rest. (or...are they actually puppets just pretending to be human? who knows...)

Coming soon are designs for Barnaby, Howdy, Eddie, Poppy, and Home (their sentient tour bus).

Here is Wally's design

Here is the original post talking about my au

Here is the Spotify Playlist that I made to showcase the style of music they would have released

[worldfamoustattoo-blog]

Portrait de Armando Reverón ( un artiste-peintre vénézuélien, né à Caracas le 10 mai 1889, et mort dans la même ville, le 18 septembre 1954. Précurseur de l'Arte povera, et reste considéré comme l'un des plus importants du XXᵉ siècle en Amérique latine. (Source : Wikipédia). Réalisé pour Yomico Moreno ( a famous tattoo artist from Venezuela. He is known for his amazing tattoo style and clientele such as Dwayne "The Rock" Johnson. ( Source : Yomicoart.com ). Par la légende du réalisme en noir Robert Hernandez ( he was born in Prudnik, Poland on July 19, 1969. He's 53 years old today. Tattoo artist whose hyper-detailed black and white work, much of it represents the faces of artists or characters from popular fiction, has earned him international acclaim. ( Source :allfamous.org ). Some of his Tattoo styles include medieval art, impressionism, surrealism, contemporary art, and event photography. Some of his biggest celebrity clients are members of the Kiss band which is the same band which Robert admired all his life. Apart from that David Beckham and Victoria Beckham are also other big names he has worked with. ( Source : allstarbio.com ) MESDAMES et MESSIEURS  exclusif chez  " The Most Famous Studio "  à Perpignan, sur rendez-vous uniquement :  ROBERT HERNANDEZ  pour vos tatouages dans son style unique au monde. Encore quelques rendez-vous disponibles. Possibilité de payer en 4 fois jusqu'à 2000€ The Most Famous Studio by @marco.scarfo is Powered by : @cheyenne_tattooequipment @inkmachines ⚜️ Sponsorship: @tadoo_original @247inkmagazine (@247inkmag ) ⚜️ Pro Team : @tattooproton Award-winning, published and sponsored artists 🏆 Published : best studio in P.O. France . 🥇 Published : most famous studio in Europe ⚜️ Published : top first page l'independant 🥇 Published : first page " Le Journal Catalan " 🥇 Published by : @hifructosemag ⚜️1 MLN FLWS 3 times @247inkmagazine ⚜️ Interview + publication : TIME MAGAZINE INDIA ⚜️ V-partners : @kimberleyanngram @inkedhumanmermaid @coconutkittywins ⚜️ 5.5 MLN FLWS @blacktapeproject @zitavass (Top Model) @rzzn__giulia ( Miss WNTM Europe) @ladybossk_official Testimonial : @jillisalynn #roberthernandeztattoos (à The Most Famous Studio) https://www.instagram.com/p/CpDi1Awrsa4/?igshid=NGJjMDIxMWI=

[diceriadelluntore]

Storia Di Musica #241 - Embryo, Rocksession, 1973

Tra le meraviglie del rock cosmico tedesco, vorrei sottolineare un filone particolare, che certi filologi del rock chiamano Munich Style, caratterizzato dalla preminente, e all’epoca, innovativa commistione con il jazz nel loro rock, prendendo al balzo la palla scagliata in quella direzione da Miles Davis sin da In A Silent Way (1969). È definito Munich Style perchè furono i locali di quella città a essere teatro delle nuove sperimentazioni, e non come si può pensare perchè le band fossero tutte bavaresi. Anzi, proprio in questo filone in Germania furono attivi personaggi nemmeno tedeschi. Per fare una breve carrellata, tutto inizia con gli Xhol Caravan, che si fondano verso fine anni’60 per suonare musica soul con le cover di artisti americani, per poi virare con più decisione verso un suono jazz elettrico che fece breccia in molte band, oscure ai più e del tutto dimenticate, ma che grazie alle piattaforme di musica digitale regalano musica eccelsa e facilmente reperibile alla fruizione, a differenza dei loro dischi in vinile, i cui originali sono perle rare (e costosissime) per i collezionisti. Alcuni nomi e storie, per dare qualche spunto: gli Association P.A. di Pierre Courbois, batterista olandese, dal suono levigato ed elegante (meraviglioso Earwax del 1972, loro secondo lavoro); i Wallerstein, che prendono il nome dal generale Albrecht von Wallenstein, eroe della Guerra dei Trent’anni (1618-1648, la più lunga guerra combattuta sul suolo europeo a tutt’oggi), dal suono potente e sofisticato (album di riferimento, Blitzkrieg del 1972, un gioiello); i Sunbirds, supergruppo fondato dal noto batterista jazz��Klaus Weiss, che forma un ensemble davvero internazionale con Jimmy Woode (bassista dagli Usa), Ferdinand Povel (sassofonista dall’Olanda), Fritz Pauer (pianista dall’Austria), Philip Catherine (chitarrista dal Belgio) e Juan Romero (percussionista, che non so dove è nato, ma l’internazionalità funziona lo stesso) con il loro fondamentale e meraviglioso omonimo album del 1972; i McChurch Soundroom, svizzeri, che presero il nome dal loro fondatore, Sandro Chiesa (da cui McChurch), con il loro istrionico folk synth rock, in un misto jazz con i Jethro Tull e il suono hard noise dei Nosferatu (album di riferimento Delusion, dalla macabra copertina, 1971). Ma la storia di oggi la dedico ad un altro gruppo storico di quel filone, la cui storia è per me davvero interessante, come del resto la loro musica. Tutto inizia addirittura verso la fine degli anni ‘50 a Hof, una cittadina al confine con l’allora Cecoslovacchia, dove due ragazzi, adolescenti, Christian Burchard e Dieter Serfas, vanno a scuola di musica insieme. Nasce lì un seme, soprattutto in Burchard, che lo porterà a diplomarsi e a suonare per anni come musicista sessionista sia in esibizioni dal vivo sia in studio. È verso la fine degli anni ‘60, visto il fervore della musica tedesca, che fondano una loro band, a cui danno il nome di Embryo. Burchand è un fenomenale percussionista (batterista, il dulcimer con i martelli,  tastierista, vibrafonista), lo è anche Serfas (ma meno dotato e istronico) e il primo che si accoda è Edgar Hofmann, sassofonista e flautista. Su questo pilastro, e per decenni (fino al 2016 quando Burchard ebbe un infarto che lo tolse dalle scene, con la figlia Marja che ne prende il ruolo di leader) la band pubblicherà decine di dischi, alternando, secondo il loro sito ufficiale, oltre 400 musicisti, nell’esplorazione del loro jazz rock intenso e suggestivo. Gli album della prima metà degli anni ‘70 sono tutti formidabili. Tra l’altro, ebbero un curioso record: messi sotto contratto per la United Artist, che fu una casa discografica molto attiva verso il krautrock, quando presentarono il materiale per il disco di oggi, fu inizialmente scartato. Gli Embryo non cedettero e divisero i brani scritti in tre dischi, uno Father Son And Holy Ghosts (1971) per la UA, altri due Steig Aus e quello che ho scelto per oggi, Rocksession (1973) per la Brain\Metronome, aggiungendo nel frattempo un altro lavoro, anch’esso stupendo, We Keep On (1973) per la BASF, divenendo una delle pochissime band a pubblicare con tre diverse etichette nello stesso biennio nella storia della musica. Rocksession è un gioiello della commistione jazz-rock di quel tempo: la formazione è composta oltre che da Burchard, Hofmann e Serfas, da Mal Waldron (piano), Roman Bunka (chitarra e oud, un liuto arabo), Uve Müllrich (basso), Michael Wehmeyer (tastiere, organo Hammond), Chris Karrer (seconda chitarra), Lothar Stahl (marimba, batteria) e Jens Polheide (basso, flauto). Tra le varie registrazioni di quel tempo, Sigi Schwab sostituì in molti brani Roman Bunka alla chitarra. Rocksession è composto da 4 brani: A Place To Go è meravigliosamente influenzato dall'oriente con marimbe, tastiere, chitarra elettrica, percussioni. Entrances, la traccia più lunga, dall’inizio jazz funk irresistibile, è dominata dall'eccellente chitarra jazz di Schwab a cui si aggiunge l’organo Hammond di Wehmeyer. Anche il lavoro della sezione ritmica è semplicemente fantastico: il brano è fortemente più jazz che rock e si sente il contributo del pianista jazz Mal Waldron, autore nei crediti di ben tre delle quattro tracce. Nell'ultimo terzo del brano c'è un ottimo assolo di sax di Hofmann. Questo è sicuramente il momento clou dell'album. Il secondo lato del disco è quello più rilassante e slanciato ed inizia con Warm Canto, un brano molto morbido e pastoso suonato con l’intreccio di vibrafono, tastiere, violino e percussioni più chitarra elettrica e pianoforte di Waldron nella sua seconda metà, un brano dalle due facce, una prima parte delicata e una seconda più incisiva, che rapisce per la sofisticata costruzione musicale. Anche l'ultimo Dirge inizia con un'atmosfera altamente slanciata con vibrazioni, chitarra e poi violino e pianoforte elettronico. Come in tutto l'album, il lavoro di basso e batteria diventerà proverbiale, una delle esecuzioni migliori di tutto il periodo kosmic rock. Rimane un esempio dell’abilità strumentale di quella generazione, e occasione per sentire musica nuova e dimenticata. Dimenticata senza davvero un perchè, visto certe cose che vanno per la maggiore oggi.

[sassy-ahsoka-tano]

(English is not my first language, so sorry for any grammatical mistakes) Here are some SFW headcanons I had for this AU. What literary inspired me to think this whole AU was that scene in the movie where Elvis is sitting in the Hollywood sign looking all casual, dressed all in black and wearing his sunglasses. That’s how he appears to you and asks you what do you summon him for :P Also, I pictured Austin!Elvis for this, but it works for the real Elvis too!

- The first time Parker (also a demon) meets Elvis is in a crossroad, in the middle of nowhere on an August summer night in 1954. The boys gawks at him in shock, probably not able to believe that the whole thing actually worked.

- Before he can say anything, the boy starts to ramble on and on about how sick his mother is and how his band is not gaining enough money to pay good doctors to take care of her. He has tried everything and doesn’t know what else he can do.

- Parker is about to turn the boy down because honestly, what can he get from him? But then he looks at Elvis in his eyes, really looks at him, and then he sees his soul. It has to be one of the purest soul he has seen in a long time on his line of work, because he is so willing to give his life away to help the people he cares about.

- That’s why he accepts to make a deal with Elvis, so he makes him sign a physical contract. The boy has 15 years to enjoy the life of a famous rock star -and its benefits- and when the time comes, he will go to Hell. They shake hands.

- “So… that’s it?” Elvis asks incredulous looking around, still standing in the middle of nowhere. Parker smiles tightly at him. “Well, of course not, my boy. We need to introduce you to the public first, and I think I know the perfect place.” (cue Hayride show). And the rest is history.

- “I will only have one year left on Earth soon, and nobody's gonna remember me.”

- In this little AU, Elvis “dies” on August 16th in 1969, one night he disappears out of nowhere. No one can explain where he went and no one can find him (he doesn’t make it to Vegas on this AU, sorry).

- Elvis spends centuries in Hell, although just one year has passed on Earth when he comes back. No one remembers him and somehow it’s almost like he never existed (he wonders if Parker had something to do with that while he was down there).

- He starts to do the same work Parker does (I imagine him acting like he acts at the end of the movie, most of the time he’s serious and somber). Very, very few people that summon him actually recognize him but he just shrugs at them, and asks what they want from him and what they are willing to give him in exchange.

I hope it’s not too long, but I wanted to give his story some basic background. I also have NSFW headcanons for this too, but I’d would like to know if this AU is interesting enough so far!

ooooh this is so intriguing. this is definitely not something i could write myself bc i grew up catholic and demons scare the shit out of me sksksj

HOWEVER, i love how developed this is and it's just all so...sad dude 😭 reading a full fledged version of this AU would literally destroy me 😭 i love the way you adapted some of the real life events to fit with this AU and i definitely think it would be of interest to some readers!

also the fact that the colonel is a demon here is honestly just historically accurate 💀 the most true description of his character i've ever read

[jpbjazz]

LÉGENDES DU JAZZ

JOHN SCOFIELD, LE TOUCHE-À-TOUT

"I don't know if I'm going to do anything new in my life but I would like to... because all the stuff that I admire is new and different."

- John Scofield

Né le 26 décembre 1951 en Ohio, John Scofield était le fils de Levitt et Anne Fay Scofield. Il est déménagé à Wilton, au Connecticut, avec sa famille peu après sa naissance. Même si ses parents n’étaient pas spécialement doués pour la musique, Scofield avait commencé à s’y intéresser dès son plus jeune âge. Après avoir obtenu sa première guitare à l’âge de onze ans, Scofield aurait cessé tout travail domestique afin de se concentrer sur la musique.

Même s’ils s’étaient inquiétés pour son avenir, les parents de Scofield avaient fini par accepter son désir de devenir guitariste de jazz. Comme il l’avait expliqué plus tard au cours d’une entrevue accordée au magazine Down Beat, dès l’âge de quinze ans, Scofield désirait devenir musicien professionnel depuis l’âge de quinze ans. Il avait déclaré: "There was something at first about the image of New York being this great, cosmopolitan place, and jazz being the sound of New York, but all that romanticism got replaced really early by just a love for the music--abstractly, not connecting the music with any culture or groove. It was just the sound, the sound." Commentant son intérêt pour le jazz, Scofield avait précisé: "The music of my people--who knows what that is?" The Connecticut Sound's not a big part of my thing." Relatant ses débuts dans la musique, Cofield avait ajouté: "I learned from records and the radio and the few live bands and musicians I met... And that's the background of everybody I know, whether they're from the ghetto or wherever. They learned from the media, and the few good musicians they'd meet."

DÉBUTS DE CARRIÈRE

À partir de 1970, Scofield avait étudié durant trois ans à la Berklee School of Music de Boston. Parmi les camarades de classe de Scofield à cette époque, on remarquait oe Lovano, Bill Frisell, George Garzone, Billy Pierce, Billy Drewes et Jamey Haddad. Durant ses études à Berklee, Scofield avait été particulièrement été influencé par Gil Evans.

Tout en fréquentant les clubs de jazz de la région, Scofield avait rencontré un guitariste local très respecté, Mick Goodrick, qui était rapidement devenu son mentor. Lorsque Goodrick, qui travaillait souvent comme accompagnateur, avait dû décliner une offre de se produire à Carnegie Hall avec Gerry Mulligan et Chet Baker en 1974, il avait demandé à Scofield de prendre sa place. Après le concert, qui donné lieu à la publication de deux albums, Scofield avait reçu une offre de se joindre au groupe de fusion de Billy Cobham et George Duke. Le groupe partageait d’ailleurs souvent la scène avec Weather Report. Décrivant ses débuts dans le jazz, Scofield avait expliqué:

‘’When I first got into jazz — around 1969, I came from playing R&B and Soul in High School. Jazz Rock was in its infancy stage and I was lucky enough to be around to experience the Golden Age of both Rock and Soul and see Jazz embrace that movement while I was trying to learn how to play straightahead Jazz. A lot of my early chances to actually gig were in various Jazz/Rock idioms. I got to play "real" jazz with Gary Burton and Gerry Mulligan but my real first "big time" gig was with the Billy Cobham/George Duke band. We got to play in gigantic concert halls and rock venues for excited people who were not necessarily jazz aficionados, but loved the music.’’

Même s’il avait fait partie du groupe durant deux ans, Scofield avait été plutôt incomfortable dans son rôle de leader du jazz-fusion. Il expliquait: "Billy's band was really hot when I got the call, so all of the sudden I started getting national exposure. And all this time, ironically, I was trying to learn how to play bebop." Scofield avait finalement quitté le groupe en 1977 pour collaborer avec de grands noms du jazz comme Charles Mingus et Jay McShann, entre autres.

Après avoir signé un contrat avec les disques Enja en 1976, Scofield avait publié un premier album comme leader l’année suivante. En 1978, Scofield avait enregistré avec le pianiste Hal Galper, avec qui il avait participé à l’album Ivory Forest en 1980. Dans le cadre de cet album, Scofield avait livré sa propre version du classique "Monk's Mood" de Thelonious Monk.

En 1978, Scofield avait travaillé avec Gary Burton. Il avait par la suite formé son propre groupe avec le contrebassiste  Steve Swallow et le batteur Adam Nussbaum (ce dernier fut plus tard remplacé par Bill Stewart). La formation jouait du bebop un peu dans le style du guitariste Jim Hall. Les albums du groupe intitulés Bar Talk (1980), Shinola (1981) et Out Like A Light (1981) avaient obtenu un certain succès critique. Même si les enregistrements du groupe n’avaient pas remporté la faveur du public aux États-Unis, Scofield avait été très populaire en Europe au début des années 1980. Très influencé par Swallow, Scofield lui avait rendu hommage en ces termes: ‘’As a jazz bassist and real songwriter (not just a composer) Swallow has influenced me as much as anyone.’’

Durant la même période, Scofield s’était produit avec le quintet du saxophoniste Dave Liebman.

En 1982, Scofield avait enregistré Solar, un album en duo avec le guitariste John Abercrombie. Composé de standards du bebop, l’album avait remporté un succès limité, ce qui avait incité Scofield à se remettre en question et à douter de sa capacité à obtenir un certain succès commercial. Il expliquait: "It is possible to play this music for audiences that are not incredibly sophisticated. But let's face it, it's a connoisseur's music.’’ Scofield commençait à se résigner à connaître un succès plutôt limité lorsque Miles Davis l’avait invité à se joindre à son groupe en 1983. Décrivant l’impact que sa participation au groupe de Davis avait eu sur sa carrière, Scofield avait déclaré: "My public persona expanded 100%. I can't remember the first time I ever heard of Miles.It seems I've been listening to him ever since I could think." Dans le cadre de sa collaboration avec Davis, Scofield avait joué avec de grands noms du jazz comme John McLaughlin, Ron Carter, Keith Jarrett, Herbie Hancock et Chick Corea. Si dans les albums You're Under Arrest (1985), dont il avait écrit la pièce-titre, et Star People (1983), Scofield s’était illustré à la fois comme musicien et compositeur, c’est surtout avec l’album Decoy (1984) qu’il s’était établi comme guitariste de premier plan. Dans son compte rendu de l’album, le critique Bill Milkowski avait écrit dans le magazine Down Beat: "Scofield grabs Most Valuable Player honors on that album.’’ À partir de 1986, Scofield avait aussi été membre du comité aviseur du magazine Guitar Player. Scofield avait passé trois et demi avec le groupe de Davis.

Convaincu qu’il devait quitter le groupe de Davis sur une bonne note, Scofield avait décidé de se concentrer sur son travail solo et sur la direction de son propre groupe à partir de 1986. La même année, Scofield avait terminé au premier rang du sondage des critiques du magazine Down Beat. Après avoir publié l’album Electric Outlet en 1984, Scofield avait enchaîné l’année suivante avec Still Warm, un enregistrement qui présentait un son plus énergique et plus rythmique que son travail avec le groupe de Davis. L’album avait été enregistré avec un quartet composé du claviériste Don Grolnick, du bassiste Daryl Jones et du batteur Omar Hakim.

En 1986, Scofield avait inauguré un des partenariats les plus productifs de sa carrière dans le cadre de l’enregistrement de l’album Blue Matter, qui mettait en vedette deux de ses collaborateurs les plus fidèles, le bassiste Gary Grainger et le batteur Dennis Chambers. Le groupe, qui avait remporté un grand succès sous le nom de Blue Matter Band, avait publié plusieurs albums, dont Loud Jazz (1988) et un enregistrement en concert réalisé au Japon intitulé Pick Hits Live (1987). Durant la même période, Scofield avait également collaboré avec le groupe Bass Desires de Marc Johnson, qui comprenait le guitariste Bill Frisell et le batteur Peter Erskine. Le groupe avait enregistré deux albums: Bass Desires (1986) et Second Sight (1987). Depuis 1987, Scofield se produisait également une fois l’an avec Palle Danielsson, Knut Riisnes et Jon Christensen dans le cadre du Molde Jazz Festival en Norvège.

Tout au long de sa carrière, les critiques avaient salué la qualité du jeu et des compositions de Scofield. Le critique Bruce Milkowki du magazine Down Beat avait commenté: "One quality that has always come out in his playing, no matter what context--fusion, bop, Miles, or his post-Miles solo career--is an authentic feeling for the blues. And he's evolving a distinctive voice as a composer as well." Pour sa part, le critique Howard Mandel avait précisé:

"His band may be an ensemble of several years' accomplishment, a trio he called together, or a spur-of-the-moment collaboration. Scofield's music is by turns piercing, lyrical, reckless, thoughtful--depending on his mood, the response of his colleagues and audience. When he's hot--and he has a true professional's consistency- he shoots off steely, far-from-predictable lines with natural, funky rhythm... Scofield can rock a house with altered Tin Pan melodies, post-bop harmonies, and what-the-hell spirit." 

Souvent qualifié de ‘’post-moderne’’ en raison de ses nombreusesa influences, Scofield avait souvent été critiqué en raison de sa tendance à changer de groupe musical ou de style après avoir connu du succès.

Lorsqu’on avait interrogé Scofield sur sa propension à passer d’un style musical à l’autre, il avait reconnu qu’il était souvent attiré par la nouveauté. Il avait conclu: "I don't know if I'm going to do anything new in my life but I would like to... because all the stuff that I admire is new and different." Décrivant son habileté à se produire dans différents styles, Scofield avait commenté: "I have a couple of bags. The funk bag, the slow melodic bag, the jazz bag, the blues bag... I think everybody has about three or four tunes in them - Beethoven included. And you just keep writing them over and over again, trying to get them right.’’

ÉVOLUTION RÉCENTE

Au début des années 1990, Scofield avait formé un quartet avec le saxophoniste Joe Lovano. Le groupe avait enregistré plusieurs albums pour Blue Note. L’album Time on My Hands (1990) avait été enregistré avec Lovano, Charlie Haden et Jack DeJohnette, et comprenait plusieurs compositions largement influencées par Charles Mingus. Après être devenu le batteur du groupe, Bill Stewart avait participé à l’enregistrement des albums Meant to Be (1991) et What We Do (1993). En 1992, Scofield avait également enregistré Grace Under Pressure, un album enregistré avec Bill Frisell à la guitare, Charlie Haden à la contrebasse et Joey Baron à la batterie. Scofield avait aussi rejoint son ancien collaborateur Steve Swallow dans le cadre de l’enregistrement de l’album I Can See Your House from Here, qui mettait également en vedette le guitariste Pat Metheny. Il avait également collaboré avec McCoy Tyner. En 1993, Scofield avait aussi rendu hommage à son ancien patron Miles Davis dans le cadre d’une tournée avec le saxophoniste ténor Joe Henderson.

Vers la fin de son contrat avec Blue Note, Scofield était retourné vers un son plus axé sur le funk et le jazz soul. En 1994 et 1995, Scofield avait formé un groupe avec l’organiste et pianiste Larry Goldings, le bassiste Dennis Irwin et les batteurs Bill Stewart et Idris Muhammad. Les albums Hand Jive (1994) et Groove Elevation (1995) étaient de bons exemples du virage de Scofield vers un son plus funk et soul, et mettaient en vedette le saxophoniste ténor Eddie Harris, le trompettiste Randy Brecker et le percussioniste Don Alias. Après avoir signé avec les disques Verve, Scofield avait enregistré Quiet, un album sur lequel il se produisait exclusivement à la guitare acoustique avec Wayne Shorter comme principal soliste. Durant cette période, Scofield avait également collaboré aux albums de Joe Henderson So Near, So Far (Musings for Miles) (1993) et Porgy and Bess (1997). Scofield avait aussi fait des contributions significatives à l’album d’Herbie Hancock The New Standard (1996), dans lequel il avait remis à la sauce jazz de grands succès d’artistes comme Peter Gabriel, John Lennon, Paul McCartney, Prince et Kurt Cobain.

En 1997, Scofield avait opéré un nouveau changement de cap dans le cadre de l’album A Go Go��mettant en vedette le trio d’avant-garde Medeski, Martin & Wood. Comme accompagnateur, Scofield avait également collaboré aux albums de Bill Frisell Grace Under Pressure (1992) et de Pat Metheny I Can See Your House from Here (1994).

À la même époque, Scofield avait commencé à travailler avec le compositeur britannique Mark-Anthony Turnage. Dans le cadre de cette collaboration, Scofield avait fait une apparition sur l’album Blood on the Floor: Elegy for Andy (1998). Le duo avait également collaboré en 2004 dans le cadre de l’album Scorched, qui comprenait des orchestrations des compositions de Scofield. Le contrebassiste John Patitucci et le batteur Peter Erskine avaient participé à la première mondiale de Scorched qui avait été présentée à l’Alte Oper de Francfort en septembre 2002 par la Radio-Symphony-Orchestra de Francfort et le hr-Bigband. Le concert avait été enregistré et a été publié par les disques Deutsche Grammophon.

En 2000, Scofield avait enchaîné avec Bump, un CD comprenant des échantillonnages, des diapositives et même une entrevue vidéo. L’album, qui comprenait des instruments de percussion additionnels, avait été enregistré avec des membres des groupes Deep Banana Blackout, Soul Coughing et Sex Mob. La même année, Scofield était retourné vers un jazz plus swing dans le cadre de l’album Works for Me. L’album avait été enregistré avec une formation composée de Kenny Garrett au saxophone alto, de Brad Mehldau au piano et de Christian McBride à la contrebasse. Toujours dans le but de se rapprocher des amateurs d’un jazz plus traditionnel, Scofield avait collaboré au quartet tout-étoile ScoLoHoFo, comprenant Joe Lovano au saxophone ténor, Dave Holland à la contrebasse et Al Foster à la batterie.

En 2002 Scofield a publié Überjam, un album qui flirtait avec le rock psychédolique de la fin des années 1960. Afin d’éviter toute confusion, Scofield avait pris soin de faire inscrire dans les notes de pochette une déclaration qui précisait: "John Scofield wants his audience to know that (despite evocative tune titles) he has not used drugs and alcohol since 11 July 1998."

En 2003, Scofield avait enchaîné avec Up All Night. Dans le cadre de ces deux derniers albums, Scofield avait expérimenté avec la batterie et la basse. En 2001, 2002 et 2006, Scofield avait également enregistré en Europe avec la Bugge Wesseltoft New Conception of Jazz. En 2004, Scofield avait publié un album en trio intitulé EnRoute: John Scofield Trio LIVE avec un groupe comprenant Steve Swallow à la contrebasse et Bill Stewart à la batterie. L’album avait été enregistré au club Blue Note de New York en décembre 2003. L’album avait été suivi l’année suivante d’un hommage à Ray Charles intitulé That's What I Say: John Scofield Plays the Music of Ray Charles. L’album comprenait des performances de Mavis Staples au chant, de Gary Versace à l’orgue, de John Benitez à la contrebasse et de Steve Hass à la batterie. Après avoir participé à deux premiers contrats avec le groupe Phil Lesh and Friends en décembre 2005, Scofield s’était produit avec la formation à de nombreuses reprises.

Le 26 septembre 2006, Scofield avait publié Out Louder, sa seconde collaboration avec Medeski, Martin & Wood. Le groupe, connu sous l’acronyme de MSMW, avait fait une tournée mondiale en 2006 et 2007. Scofield avait aussi participé à un duo avec John Medeski sous le nom de The Johns ainsi qu’avec un trio comprenant Medeski et le batteur Adam Deitch. En 2009, Scofield avait également enregistré de la musique inspirée par le gospel dans le cadre de l’album Piety Street mettant en vedette Jon Cleary et George Porter Jr. Le 18 septembre 2007, les disques  EmArcy avaient publié This Meets That, un album enregistré avec Steve Swallow, Bill Stewart et un trio de cuivres. En 2011, la même compagnie avait publié A Moment's Peace, un album en quartet mettant en vedette Larry Goldings au piano, Scott Colley à la contrebasse et Brian Blade à la batterie. L’album 54 (2010) remontait aux années 1990 lorsque le compositeur et chef d’orchestre Vince Mendoza avait proposé à Scofield de participer à son premier album. Directeur du Metropole Orchestra, Mendoza avait collaboré avec Scofield sur des arrangements de ses compositions qui avaient été interprétées par la suite par l’orchestre.

Également professeur, est membre de faculté adjoint du département de jazz de la Steinhardt School of Education de l’Université de New York. Lauréat de nombreux prix, Scofield est titulaire d’un doctorat honorifique de son alma mater, la Berklee School of Music (1997). Il a également remporté en 1998 le prix Miles Davis décerné par le Festival international de jazz de Montréal. Mis en nomination à de nombreuses reprises au gala des prix Grammy, Scofield a remporté le prix du meilleur disque de jazz instrumental pour son album Past Present en 2016, ainsi que pour son album Country for Old Men l’année suivante. La même année, Scofield s’était aussi mérité le prix du meilleur solo instrumental sur la pièce "I'm So Lonesome I Could Cry". Scofield a également été décoré de l’Ordre des Arts et des Lettres décerné par le ministre de la Culture de France en 2010. En 1979, Scofield avait marié Susan Scofield, avec qui il avait eu un fils, Jean.

En 2022, Scofield a fait l’objet d’un documentaire de Joerg Steineck intitulé Inside Scofield. Décrivant le jeu de Scofield, le critique Jim Ferguson du magazine Guitar Player avait commenté: “Sco’s distinctive sound and approach, coupled with his expert talents as a composer, place him at the vanguard of contemporary jazz guitarists.” Ouvert à plusieurs styles de musique, Scofield a été influencé par le jazz soul, le blues, le gospel, le jazz de la Nouvelle-Orléans, le R & B, le free jazz et le bebop.

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SOURCES:

‘’John Scofield.’’ Wikipedia, 2023.

‘’John Scofield.’’ Net Industries, 2023.

‘’John Scofield.’’ All About Jazz, 2023.

‘’Scofield, John.’’ Encyclopedia.com, 2023.

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Guten Tag, sehr geehrte Kolleginnen und Kollegen,

aus unserer Rubrik Lehrstellenbörse und Ausbildung haben wir euch wieder einen neuen spannenden Beitrag erstellt.

Viel Spaß beim Studieren von unserem Beitrag aus unserem Baulexikonbegriffen über die Band Creedence Clearwater Revival Band mit tollem musikalischen Vortrag von

Thema heute:

Brian Guitar und Verena Fuchs:

Der Song Proud Mary von Creedence Clearwater Revival Band:

Es wird nur wenige Songs geben, die von so vielen Weltstars übernommen wurde und zum Welterfolge wurde.

Der Song Proud Mary stammt aus der Feder von John Fogerty von der Band CCR Creedence Clearwater Revival.

Brian Guitar und Verena Fuchs, spielen den Titel Proud Mary nach der Version von Tina Turner.

Baulexikonbegriff:

Creedence Clearwater Revival, CCR:

US-amerikanische Rockband, Berkeley, Kalifornien, Wirkungszeit 1967 und 1972, Dezember 1967 Gründungsdatum, Vorname Credence,  Biermarke Clearwater, Umweltschutz, Revival für Zusammenhalt, erste Titel, war Suzie Q., von Dale Hawkins, erstes Album 1968, Album Creedence Clearwater Revival, großer Erfolg, Radio-Stationen, zahlreiche Hörerwünsche, Fans brachten CCR-Manie.

Die Band und Auflösung:

Gebrüder John und Tom Fogerty, Stu Cook, Doug Clifford

Juli 1972 Auflösung der Band, Stu Cook und Doug Clifford, gründen Creedence Clearwater Revisited, spielten CCR-Hits, John Fogerty startet Solokarriere, spielt traditionelle Country-Music, The Blue Ridge Rangers, Album 1973, 1975 Soloalbum, Lied Rockin’ All Over the World, machte Status Quo weltberühmt, erst 1985 Album Centerfield, Singles Rock and Roll Girls, The Old Man Down the Road, kamen die erfolge.

Rhythmusgitarrist Bruder Tom Fogerty, verstarb am 6. September 1990, mit nur 48 Jahren.

Die treibende Kraft der Band war John Fogerty der jüngere der Brüder.

Clearwater, bezeichnet eine Biermarke deren Sponsor der Band Ihre Erfolge zu verdanken hat.

Die Brauerei Clearwater, war mit der Band CCR von 1967 – 1972 führend im Umweltschutz in den USA!!!!

Die Band CCR erreichte Welterfolge, die bis heute weltweit immer noch als Hymnen einer jeder Party gegenwertig sind.

Größte Erfolge der Songs:

Suzie Q. (Part One), 11x Platin:

Autoren: Dale Hawkins, Eleanor Broadwater, Stanley Lewis

I Put a Spell on You:

Autor und Original:

Screamin’ Jay Hawkins, 1956 - 1969

Proud Mary:

Bayou Country :

Autor: John Fogerty

Bad Moon Rising:  

Autor: John Fogerty

Größte Erfolge:

Down on the Corner:

Willy and the Poor Boys    

Autor: John Fogerty

Hho’ll Stop the Rain          

Autor: John Fogerty

Juli 1972 Auflösung der Band:

Der Bruder Tom Fogerty, verstarb am 6. September 1990.

John Fogerty startet Solokarriere, spielt traditionelle Country-Music, The Blue Ridge Rangers, Album 1973, 1975 Soloalbum,

Viele Weltstars übernahmen Songs von CCR und John Fogerty so auch Tina Turner. Sie machte den Titel Proud Mary zum Welterfolg.

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