#へアレンジ

[bk-bk]

目隠し種壺待機で廻された時の話①

場所は新宿駅近く某Gホテル一室

このホテルはエレベーターに鍵要らない上、管理緩めだから目隠し種壺待機にはうってつけ。

いつも俺が目隠し種壺待機をする時に種馬さん達をアレンジしてくれる人(ここでは管理人Aという)と合流

彼は俺が//してることを知らない(でもまあ多分、バレてる)

ケツ洗うというていでシャワーを浴びると告げ、浴室へ。

大雑把に詰め15-20ぐらい。

一発でキレイにサクッと入る。

2-3回ポンピング。

一発で完全変態処理マンコ変身。

シャワーから部屋に戻ると管理人Aに「大丈夫？」と聞かれるが、俺はかろうじて「大丈夫」とか細くこたえる。

平���を装いながら気分は最高潮。

いつもなら豹変して「ヤバいヤバいヤバい早い早いすっげーすっげー」と狂ったように連呼してしまう俺だが、今日は黙って息を飲む。

開始1分で既に俺は頭の中チンポのことしか考えられない状態。

管理人Aはいつも手際よく連続で10人ぐらい呼んでくれるので、今回もかなり期待高まる。

管理人A「じゃ一人目上がってもらうよ」

なんとか二つ返事をして、ベッドに倒れ込む。

自覚ないけど心拍数と呼吸が最高潮に荒れてるだろうし、

自ら両乳首に手が伸びてるので、ぶっちゃけモロバレ。

落ち着きを取り戻すために片腕を高く上げ肘を押さえグーパーグーパー。

横になったのと相まってすっげー回ってくる。。。

それを横目にしてか知らずかAが陽気に声をかけてくる。

A「相変わらず変態だねー。今日も土曜夕方だしいっぱい来るよー」

俺はグワングワンする中、まともに返事も出来ない状態に。

簡単に自己紹介しとくと俺は短髪筋肉質全身パイパンのツルツルマンコ。

暗闇徘徊すれば変態丸出しの風貌からかいつもすぐに2-3人に追いかけられる雰囲気。

ドアの音と同時に一人目が入室。

今回はドア開けて正面にベッドが設置されているタイプの部屋ではなく、L字の部屋で右に2,3歩曲がった先にベッドが設置されている部屋。

一人目が入口付近で服を脱ぐ気配を感じながら

目隠し四つん這い待機のポジションをとりケツマンコを高く突き出す。

ケツマンコに自らオイルを塗りたくりわざとらしくぐちょぐちょ音を立てる。

一人目が衣類を脱ぎ去った音と共に足元気配が近づく音が脳ミソに響く。ギシギシとベッドが一人目の重みで沈む。

いきなり挿入ではなく、覆いかぶさるように背中を包みつつゆっくりと両乳首を摘まれる。

俺はトロけるような快感に包まれて思いっきり砕け落ちるかのように深い吐息を漏らす。

俺「あぁーーきもちいぃーーーもっと強くコリコリしてくれ」とギアが入った声を出す。

一気にスイッチが入り、全神経が乳首に集中してビクンと感じる。

「すっげーコリ乳首じゃん。//てる？」といきなりバレバレ。

まあ//たばっかだし、心拍数ヤバいし当然か。

ハッキリと声には出さず首を縦に振る。

俺「あぁーーー。すっげー。乳首きもちいいいーーーー��

一人目の片手がオイルまみれのケツマンコを優しく触れる。

一人目「もうグチャグチャじゃ。ケツマンコ熱っつ。何発目？」

俺「まだ1発目です。チンポ欲しいです。早く欲しい。下さい。」と哀願する。

一人目「しゃぶれよ」と目の前に出される。

18cmぐらいの大砲が顔に当たる。

今の俺は誰のチンポでも愛おしく感じる誰専マンコ。

舌を這わせゆっくりと口マンに運ぶ。

四つん這いじゃうまくほおばり切れない四つん這いの姿勢から体を起こしベッドに座る形で相手には床に仁王立ちになってもらい、愛おしくデカマラを咥える。

俺は一人目の手をそっと俺の乳首に添える。

一人目は淡くゆっくり両乳首をさわさわしてくる。

俺は//の時は乳首を強めに責められるのが好きだ。

相手の手に俺の指を重ねて強めにコリコリと責めてもらうように促す。

一人目はわかったよと言わんばかりにゴリゴリ責めてきた。

俺は乳首を強めに責められると比較的、勃ちやすく、だんだんムクムク大きくなってきた。

一人目「デケェー」と言いながらしゃぶってきた。

一応勃つと俺も18cmぐらいある。

その間も俺はM字に股を開きケツマンコを広げチンポ欲しいアピール。

自分で両乳首いじりながらなすがまま。

一人目「入れるぞ」と正常位の体勢で俺の両足を持ち上げる。

いよいよチンポが入ってくると思うと俺のケツマンコは息を飲んだ。

ガチャっとまたドアが開く音。

一人目「二人目来たぞ？嬉しいな？欲しいチンポいっぱいで」と耳元で囁きながらデカマラをケツマンコに添えて押し込んでくる。

オイルまみれのケツマンコは抵抗なくデカマラを受け入れる。

続く

※このストーリーはフィックションです。

[sarahalainn]

映画 「花束」

2024.10.06 上映会

ご来場ありがとうございました💐

泣いて。笑って。

色々な愛の形はある。

共に寄り添い、

共に花を咲かせて行きたい。

〜音楽の花束〜

2024.10.06 セトリ

💐Silent Night (Hanataba vers.)

💐すべての人の心に花を〜The Rose

💐You Raise Me Up

1.

映画で流れる一曲。アレンジさせて頂きました。

サヘル監督からは「和」を取り入れたアレンジにしたいとのこと。お琴2台、エレキギター、キーボード、そして歌とヴァイオリンというユニークな編成で聖歌を表現。トークショーでサヘル監督がクリスマスへの思いについて語られました。施設でもクリスマスをお祝い。でも、親がサンタになるクリスマスは体験できない。他者との差を感じられる、クリスマス。

��はオーストラリアで育ったので、サーフィンするサンタさんと真夏のクリスマスのイメージがあるかもしれません。実際は、私にとって最も孤独な時期でした。お店は空いてない、ツリーも飾れない、プレゼントもない、友達と会えない。クリスチャン、カソリックにとって大事なクリスマスとかけ離れたところにいました。憧れなのか、昔から教会音楽が大好きで、サヘル監督と同様、クリスマスソングが好き。

そんな、クリスマスへの憧れと孤独さをアレンジで表現してみました。子供達が奏でられる、温もり溢れる音。どこかで切ない、冷たい音色。映画ではお芝居だけではなく、楽器も演奏されたキャスト。すごい！としか言えない。Bravi!

2.

6日は、いつもライブに来られるサポーターさんの姿も見られました。そんな皆さんにとっても、初めて聞く歌と演奏をお届け。「花束」に因んだ、お花をテーマにした選曲。喜納昌吉さんの名曲「花」と洋楽「The Rose」を一つにしたカリンバと歌のアレンジ。

「すべての人の心に花を」。平和の祭典にインスパイアされた、人生を語る一曲。そして、サヘル・ローズ監督に因んだ薔薇の歌。愛とは、色々な形と感じ方がある。でも、私にとっては愛は薔薇であり、あなたはその唯一の種である。心の冬はやってくる。でも、凍った土の下には、種が眠っている。いずれ、春は来る。

カリンバはアフリカにルーツがある楽器です。サヘル監督が演奏後、感想をシェアして下さいました。子守唄のような、子供の頃���思い出す懐かしい音色。カリンバのキラキラした音が、赤ん坊がゆりかごから見上げる、ピカピカな飾りのように見えて、そんな赤ちゃんでありたかった、憧れだという。思わずウルッとしてしまいました…

3.

一人では何もできない、と仰るサヘル監��。大分一人で色々やられていますが！そんな彼女でも、人の支えについて語られる。「人」という漢字も、支え合ってますよね。最後は、そんな誰かの支えによって自分を超えることができる、感謝の歌を、マイクなしのヴァイオリンと歌で、素の音でお届けしたいと思いました。

暖かい眼差しと、色々な感情の子供達の花束に囲まれて、素直に表現ができました。

泣いたり、笑ったりした、そんな一夜でした。

チーム花束、サヘル・ローズ監督

感謝を込めて🌹

[75log]

Down, down, down the road

Down the Witches' Road…

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Episode 4 of Agatha All Along was fantastic!The magic of protection from mother to daughter. the ballad of witches road has a wonderful impact on the show. I am enjoying this show while being scared of how it will turn out in the future. Can I trust Agatha?

By the way, do you have their ship name? It will help me in my search 😃

Agatha All Alongの最新話がめちゃくちゃ良かった…。その前の話が「お、おまえーー！」って感じだったけど、はちゃめちゃに良かった。

そもそもテーマソングのthe ballad of witches roadがすごく良いんだけど、4話のアレンジと物語への絡め方がとにかく最高だった！今の所世間からのけ者にされてる魔女たちの自分セラピーの話でもあるけど、今後どうなるのか脱落者がいるのか…などドキドキしながら楽しんでます！

Another color version🎨

[asaka-lucy-dr-rc]

これだいぶ前に買ってあって、漫画の投稿したらご褒美として聴こう！ってとっておいてて、途中まで、「うわーめっちゃいい〜！やっぱ1ドラマ4〜5分とかって短いように思えてもずっと喋り倒してると結構長く感じるんだな〜！密度高〜！」ってすっごいテンション上がってたんだけど、狛枝のストーリーが……途中までほぼ親密会話のセリフをちょっとアレンジしたくらいのセリフで進んでたのに「でもボクは諦めないよ。日向クンへの協力はこの先も惜しまない。だって、ボクは日向クンが好きだからね。ボクがどうしようもない無能だってことを知ってなお、こうしてボクと話をしてくれるキミのことが、ボクは大好きなんだ」ってセリフが加えられてるの聴いて、なんか……どう受け止めたらいいかわからなくて混乱してる………^^; (その後の日向の返答はほぼ親密会話通りのセリフで、「……勘違いするな。俺はただ怖いだけだ。お前という理解できない存在を、理解できないまま放置するのが、怖いだけだ」になってる)

なんか本当にどうしたらいいかわからない��だけど、どうしたらいいんだ……(挙動不審になるオタク)

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I bought this a while ago (it's an audio drama CD featuring conversations from each character's friendship events, with lines voiced that aren’t in the game) and kept it as a reward for myself to listen to after I posted the Halloween manga (even though it’s not quite finished yet…). So I finally listened to it, and at first, I was totally hyped. Like, "OMG, this is amazing! Even though each drama is only 4 to 5 minutes long, it feels pretty substantial when there's so much non-stop dialogue! The density is so high!" But then, when it came to Nagito's drama... at first, it went on with mostly the same lines as his Free Time Events, just slightly tweaked. But then this added line made me so confused: "But I won't give up. I won't hesitate to continue helping you, Hinata-kun. Because I like you. Even after knowing that I'm a hopelessly useless person, you still talk to me like that, and I really love that about you." Hearing that line... I'm just... so confused and don't know how to take it. ^^;

(After that, Hinata’s reply is almost the same as in the fourth Free Time Event: “...Don’t get the wrong idea. I’m just scared. I'm scared to leave someone like you alone when I don't understand you at all.”)

I don't know what to do, I really don't know what to do...... (I'm fidgeting so much.)

[nagallz]

[Nagallz]_Couple Poses_07

カップルorフレンドリー用ポーズです。 8,9はおまけの自転車を利用したポーズですが 期間限定配布だったと思うので、お持ちでない方は他の自転車使ってください。 後部座席がないので、座布団とか箱的なののせたり、乗せなかったり、適当にアレンジしてくださいまし。

Term of Use ============

再アップロードは禁止です。 Please do not distribution & re-upload

R18で撮影した場合、各種Webサイト・SNSへの投稿は禁止 (ご自身のPCのローカル上から出さなければOK） If photographed in R18, posting on various websites and SNS is prohibited. (It is OK if you do not put it out on your own PC local.）

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Download[Sim File Share]

[mod] Pose Player & Teleport Any Sim

[leomacgivena]

以前は料理一切作れなくて、コロナ禍で料理始めて1年くらいの時、レシピちゃんと見なくてもいいやって分量適当になって適当なアレンジとかも始めて、途中で「あ、これはメシマズへの道だ」って気づいてからまた「料理名　レシピ　初心者」でググってから作る生活に戻りました

Xユーザーのしんざきさん

[moment-japan]

みずいろの雨 八神純子

作詞：三浦徳子　作曲：八神純子　編曲：大村雅朗

八神のシングルでは最大のヒット曲「みずいろの雨」。

シングルセールスは60万枚を記録。

抜群の歌唱力に、世界中のJ-popファンの誰もが悶絶。

（間違いない）

八神は原宿の歩道橋を歩いている時に、この楽曲の着想を得てメロディを先に書き上げ、数人の作詞家に作詞を依頼していましたが、最終的に新人作詞家・三浦徳子の詞が採用されました。

三浦は日本人の好きな色の上位が水色ということで、実際に曲を聴く前からタイトルは「みずいろの雨」と決めていたそうです。

歌詞中に出てくる「ああ くずれてしまえ」というフレーズは八神純子が気の強い女性だと知っていた三浦は、そのイメージから書いたという。

（気が強そうなのはなんとなくわかる）

編曲は、後に大ヒット曲を連発するアレンジャーになったばかりの大村雅朗が担当、三浦徳子と同じく本作が出世作となりました。

大村は、ネム音楽院に第1期生として入学し、卒業後はヤマハ音楽振興会に所属。

この曲はメロディや詞の良さも然ることながら、大編成向けに編曲されたような壮大なアレンジが素晴らしい。

ラテン調の16ビートのリズムに、ファンク風味なギターの精密なカッティング、控えめながら重厚なブラスサウンドに乗せて流れるストリングスの計算され尽くしたような美しいオブリガートは、さながら上質なサウンド・トラックのよう。

それもそのはず、大村はヤマハ音楽振興会時代、大学や高校のオーケストラや吹奏楽団の指導の中、「日本の音楽は遅れている」とよく言っていたようで、「グリーンカードを取得して映画音楽をやりたい」と数ヶ月間アメリカ・ロサンゼルスへ。

1978年に上京し、船山基紀などのヤマハ時代の先輩や友人に音楽関連の仕事を紹介してもらい本格的にプロの編曲家としての活動を開始し、すぐに八神純子「みずいろの雨」の編曲で一躍注目を浴び、その後も稀代のヒットメーカーとして活躍。

1983年、松田聖子「SWEET MEMORIES」（作曲・編曲）��日本レコード大賞で編曲賞を受賞。

（松田聖子めっちゃ嫌いなんですけど。笑）

知ってる（笑）。

曲に対する徹底した仕事ぶりから数多くのアーティストやスタジオミュージシャン、レコーディング・エンジニアから信頼を得ていた彼ですが、長年の夢であった映画音楽コンポージングの夢が叶わぬまま、46歳という若さでこの世を去りました。

この曲の元ネタはニール・セダカの「Hot & Sultry Nights」といわれていますが、最初のフレーズとピアノのバッキングが多少似ているだけで、コード進行もメロディーも全く別物で個人的には明らかに違うと感じています。

これがまずいというなら、現代のポップスはほとんどアウトでしょう。

（「パープル・タウン」は確かにアレだけど。笑）

しかし、この曲やっぱり編曲が素晴らしすぎる。

そして、イントロがNeil Richardsonの「Prestige Production」っぽい。

（どんだけ音楽マニアやねん、でも確かに！笑）

[elle-p]

The worst scans you've ever seen and transcription of the Persona 3 part of Cut April 2015

2006年にPlayStation2用のゲームソフトとして発売された『ペルソナ3』。20万本以上のセールスを記録したRPGにして、小脱・コミック・ドラマCD・TVアニメなどさまざまなメディアに拡大してきた人気タイトルである。そして2013年より劇場版アニメとして公開されている本作は、原作ゲームの発表から10年近くを経てなお拡大を続けている稀有な作品でもある。斬新なビジュアルや深い感情移入を促すストーリー、中毒性をもたらすゲームシステムなど、本作の面白さを象徴するトピックは数多い。その中でも特に強調したい『P3』の魅力－それは、発売当時ユーザーに衝撃を与えた革新的な音楽と、受け手の想像力をかき立てるパーソナリティを持った主人公の存在だ。今回は劇場版の第3章公開を機に、『P3』の音楽を一手に担うコンポーザーの目黒将司と、主人公を演じる声優・石田彰に登場願った。『P3』が広く深く愛される理由を、彼らの言葉から読み解いてみよう。

『PERSONA3 THE MOVIE』

目黒将司

『ペルソナ3』を特別たらしめた音楽の「革命」とは何か

テキスト＝清水大輔 text by Daisuke Shimizu

『PERSONA3 THE MOVIE #3 Falling Down』4月4日公開、アニプレックス配給 ©ATLUS ©SEGA／劇場版「ペルソナ3」製作委員会

SHOJI MEGURO

1本のRPGとして2006年に登場した『ペルソナ3』 (以下『P3』) がさまざまなメディアに選出しながら現在まで愛され続け、劇場版アニメが公開されるほどの支持を獲得できた理由。それを考える上で、同作品の音楽の斬新さは絶対に外せない要素のひとつだ。では、『P3』の音楽とは何だったのか－それは、本文中で何度か述べさせてもらっているとおり、一言で表すならば「革命」である。最も象徴的なのはフィールドやバトルのBGMにボーカル曲が採用されていることだが、それぞれの楽曲がユーザーの潜在的な欲求に応え、『P3』の世界観を押し広げる大きなうねりとなったことで、本作へのユーザーの熱量が持続してきた側面もあると思う。実際、『P3』やシリーズの他作品の楽曲を演奏する「PERSONA MUSIC LIVE BAND」のライブが日本武道館で開催されていることからも、その支持の深度が窺えるのではないか。そんな『P3』の音楽を手掛けているのが、アトラスのチーフコンポーザーである目黒将司。同社のあらゆるゲーム作品に寄り添う名曲を送り出してきた作曲家・目黒による『P3』の楽曲は、単に「ゲームのBGM」の枠にとどまらない「ポップ・ミュージック」としての力を内包している。 劇場版第3章の公開を機に、革命的な音楽が生まれた背景を聞いた。

目黒さん自身も関わられた劇場版の第1章、第2章ですが、ご覧になってどんなことを感じましたか？

「ウチが作ったゲームを、監督さんからスタッフの皆さんまで全員が理解して、すごく的確なアレンジをしてくれた作品だなあ、と思いました。ファンの目線で見たらすごく喜んでもらえるような映画だと思うし、このスタッフさんたちにやってもらえてほんとによかったなっていう」

目黒さんが『P3』の音楽を最初に作られたのはそれこそ10年くらい前になりますけど、劇場にかかること自体はやはりすごく特別なことだったんじゃないですか。

「そうですね。劇場版の音楽をやらせていただけるのはすごく光栄なことで、もちろんふたつ返事でやらせていただいたんですけども。曲作り自体は特別ガラッと変えることはなかったんですが、ゲームでは表現しきれなかったところを、秒単位で細かく表現できたのは嬉しかったです。それから『ペルソナ』のファンに恩返し��できるような感じもあって、そういう感情は大きかったかもしれないですね。技術的には、作った当時よりきれいにできたけど、『P3』とあまり変わってないのかなっていう気はします。結局、僕が『P3』の音楽だと思って作る以上は違ったものはできないし、ファンの方々が求めているであろう『P3』から逸敗しないものを作るのは大前提にあって、それは特に意識しないでもできるというか」

無意識のところに『P3』の音楽はかくあるべし、というものがあるということでしょうか。

「そうですね。当時『P3』を作る段階で、僕の中の造語なんですけど、『フューチャーポップ』を作ろうと思ったんです。後日検索したらフューチャーポップってジャンルがあって、『どうしよう、かぶっちゃった』っていうのはあったんですけど(笑)。なので、基軸となっているのは僕の中で考えるフューチャーポップっていうジャンルで、それを作れば『P3』の音楽になるという感覚です」

作品がたまたま歌を呼んでいた。ゲームに呼ばれて歌を入れた、っていう感じです

いちユーザーとして当時『P3』をプレイして、ほんとに革命的なゲーム音楽だなあと思ったんです。ゲームのBGMでありつつ、単に作品に添えられたBGMというだけではなくて、音楽として本当に素晴らしいものだと感じたんですけども。

「革命という意味では、たぶん『P3』自体がウチの会社の中で革命的だったのかなとは思います。もちろん、当時から革命を起こそうぜっていうノリではなかったですけど、結果的に『1』『2』の流れから見たら革命的なゲームになったので、その作品についた曲だったから革命に見えたのかもしれない(笑)。ただ、音楽の面でファンに驚きを与えたい、楽しませたいっていうのは常に考えているので、その驚きの部分でそれまでとは違った感覚で受け入れられたのかなあ、とは思うんですけど。『P3』は、基本的には『ペルソナ』のゲーム音楽の中でも斬新なところをやってるっていう考え方はあって、やっぱりBGMに歌が入ってるのは大きいと思います。このゲームはわりとインターフェースも変わっていて、初期の段階にいろんなサンプルを見て、サウンド面でも新しいことをやってやろうと思ってました。で、ボイスが入っていたら、たぶんみんなビックリするだろうなあ、と」

おっしゃるとおり、たとえば戦闘シーンのBGMがボーカル曲だったのは当時衝撃的でした。「この音楽でイケる!」って確信を持てたのはどんな瞬間でしたか？

「それはもう、作ってる段階ですね。画面なりシナリオなりを見ていて、もちろんこの『P3』の世界観が一番大きかったんですけども、『これは歌入れるよなあ』っていう感覚は普通にありましたね。それよりも、歌を録音して、何曲もBGMとして入れることのコストやノウハウが当時のウチにはなかったので、『歌入れなきゃなんないけど、どうしよう?』っていうのが一番大きかったかもしれないです。ボーカルのツテもないし、どうスタジオをブッキングしたらいいかもわからない。何もわかんないけど、俺しかやる人いないから、しょうがないなあ、頑張るかあって思ったところが、当時の自分に対して一番褒めてやりたいところですね(笑)。ただ、その部分は『P3』が特別なわけではなくて、他の『女神転生 (真・女神転生Ⅲ・NOCTURNE)』だったり、いろんな作品でも『あっ、これ歌入れなきゃ』ってことになったらやるし、『尺八の音必要だよな』って��ったら尺八を演奏できる誰かを探して、スタジオをどうやって取ったらいいかとか知らなくても飛び込んだと思うし。なので『P3』がたまたま『あっ、歌入れなきゃいけない』と思う作品だった、というところで勇気をもたらされた感じですかね」

でも、『P3』の音楽を作ったことで、目黒さん自身の作曲家としての幅は広がったわけですよね。

「そこは転機になりましたね 。いつもどおり、他の作品と分け隔てなく音楽を作ってましたけども、結果的にはすごくいろんな面で転機にはなってます。今は40を過ぎたので、作っていると初期の段階から『こういうふうに受け入れられるだろうなあ』というのは経験則で見えてくるし、大体の予想をしているんです。他の作品なら、たとえば『ペルソナ4』(以下『P4』) のときも『あっ、歌をやっていいんだ。じゃあ次も歌ものをやろう』っていう感じではなくて、作品がたまたま歌を呼んでいたと。もう、ゲームに呼ばれて歌を入れた、っていう感じですね」

『P3』の音楽を作ったときも、想像していた反応と実際の反応が重なった体験をされたんですか？

「そうですね、サントラを出したときは正直売れると思ってました」

(笑)それはすごい！

「(笑)なぜかというと、僕の白がい いから、とかではなくて、ちょうどその頃バスタソースの《♪うた～らこ～》が毎日のようにCMで流れていて、CD化されたらバーンと何万枚も売れたんですよ。それと同じことで、ゲームでずうっと同じボーカル曲を聴かされたら、『なんだろう？ちょっと買っちゃおうかな』ってなるだろうなとは予想してました」

それはすごく面白いお話で、その時点でゲームBGMの枠を飛び越えてますよね。というのも、メロディであったり楽曲自体が、ゲームで流れてる音楽っていう意味を超えて届いていってるということでもあると思うんですよ。たらこは世の中のそこら中に流れてたかもしれないですけど、『P3』の音楽は『P3』をプレイしている人にしか届かない。でも売れたというのは、それだけ深くささったということですよね。

「かもしれない。たらこのCMを聴いて届いちゃってボーンと売れたのと、ウチのゲームが20万本以上売れて、ボーカル曲が響いちゃって『なんだこれ?』と思って買っちゃった方の割合はそんなに変わらないかもしれないですね。『P3』の音楽を作ってる段階では、『なんだこりゃ?』って思う人もたくさんいるだろう、でも作品内のBGMとしては合ってるという評価は得られるだろうなあ、っていう感覚はあって。で、サントラを出すときは、あれだけ何回も聴いて刷り込まれているから、きっと今までになく売れるだろうなあ、とは当時思ってました。ただ、『P3』で特別みんなに突き刺さるカッコいいボッブスを作ってやろうという気はなく－いや、もちろんカッコいいボップスを作りたいとは思っているんですが、それは『P3』に限ったことではなくて」

ただ、結果としてこの音楽を好きになって買った人がたくさんいるわけで、もはやそれはポップミュージックであると言えますよね。

「ああ、なるほど」

物語に添えられることで、すごく意味がある。そして、物語が一緒になっていなくても聴き手にとって意味がある。『P3』の音楽ってそういうものだったと思うんですけども。

「それは『P3』がそういう範囲の曲まで許されるゲームだった、ということでもあるんじゃないんですかね。許容範囲が広かった。『真・女神転生』や『デビルサマナー』にしても、こういう世界観でこういうお話だからこんな音楽、っていう、どこの部分をやるとプレイヤーを驚かせられるか、楽しませられるか、作品に呼ばれてる中でどこを狙うか、の範囲が、『P3』は広かったんじゃないかと思います。結局、『ゲームにつける音楽はこうだよね』というのは、シナリオなり設定なりを見ていって、それに合わせるという感じなので」

なるほど。

「ちょっと象徴的なお話になるんですけど、『ペルソナ』は『3』も『4』もいくつかスピンオフの作品が出ているんですね。そこでは僕じゃなくて部下の小塚 (良太) や喜多條 (敦志) が担当しているんですけど、特に喜多條は “『ペルソナ』らしさとは何か” とか、過去の作品にとらわれすぎていて、いかに目黒が作った曲を真似するか、から入っていったので、まあ最初はクソみたいな曲しかできなかったんですよ(笑)。で、『それは劣化目黒の曲になっちゃうからダメだ、喜多修くんが思う “ペルソナ” の音楽はこうあるべきだっていうのを自分で考えてやらないと』っていうことをずっと言っていて。それで彼は目覚めていい曲が書けるようになって、作品にもなってるんです。なんか、そういうことなんじゃないかなあと思いますね。作品の担当者、作曲家が思う “『ペルソナ』の曲ってこういうことだ” っていうことをしっかり表現すればいいだけなのかな、という。『ペルソナ』という作品からどういう曲が呼ばれているか、それに対して自分なりのアウトプットをすることが重要なのかなあと思いますね。話を戻すと、『P3』の場合はみんなが音楽としても普通に聴けるような曲がBGMとして合ってる、と作品が言ってたから作れた音楽なんじゃないかと思います」

こういう音楽が合ってる、と言ってきた作品は『P3』が最初ですか。

「最初ですね、ええ」

それって革命ですよね(笑)。

「(笑)だからやっぱり『P3』のゲームが革命なんですよ。僕はあくまで革命に乗っかったんです」

ライブでは、予想しなかった部分で「こういうふうに愛していただいてるんだ」っていう発見がある

『P3』の音楽が届く範囲はどんどん広がっていて、もとはゲームのBGMとして作られた楽曲をいろんな方が歌って、武道館でバンドが演奏していますよね。それってほんとにすごいことだと思うんですけど、実際お客さんの目の前で演乗したときはどんなことを感じますか？

「僕自身はライブは買っていただいたファンの方々とのコミュニケーションの場なのかなと思ってます。予想しなかった部分で、『ああ、こういうふうに愛していただいてるんだ』っていう発見がいろいろありますね。ライブに関しては、『P3』のサントラが出るときに、足立 (和紀／アニプレックスブロデューサー)さんと、『これはライブをやったらソニーミュージックのオフィスのカフェテラスくらいは埋まるよね、ウケるよね、やりましょうよ』っていう話を実はしていて(笑)」

そして気づいたら武道館まで行ってしまった、と(笑)。

「あそこまでデカくなるとは思ってなかったですけど(笑)、どうファンに恩返しができるかなっていうのはずっと考えていて。そこでみんなに楽しんでいただけたらいいし、逆に僕も皆さんのペルソナ愛ってこういうものなんだっていうことを、すごく勉強させてもらってます」

わかりました。ではシンプルにお聞きしますが、目黒さんにとって『ペルソナ3』とは何ですか？

「『ペルソナ3』は担当したゲームのうちのひとつですが、僕自身のいろんなキャリアも含めて、転機になった作品だとは思います。一番は、目黒将司っていう名��を世の中に少しだけ広める転機になったのかな、ということですね。それってけっこう大きくて、いろんなお仕事もいただけるようになるし、すごく大事なところだなあと思いますね。僕自身の作曲のスキルは、『P3』だけじゃなく、いろんな作品をやりながら徐々に上がっていってると思います」

『P3』だけでなくさまざまな作品を手がけてきた経験を、次回作 の『ペルソナ5』にどう反映していきたいと考えていますか？

「常に思ってることなんですけど、僕はまだまだ全然だなと。自分を卑下してるわけじゃなくて、僕自身、作曲家としてもっとよくなれるっていう感覚でいます。なので、『P3』『P4』でゲーム音楽業界の確固たる地位を得た、みたいな感覚はまったくないです。『ペルソナ5』も、今までに得たノウハウを導入して、よりよいゲームになるように音楽を作っていくだけですね」

めぐろしょうじ

1971年生まれ。1996年株式会社アトラス入社、現在同社クリエイティブ部サウンドチーム ディレクター／チーフコンポーザー。『女神異聞録ペルソナ』(96年) で一部楽曲を担当、以降『ペルソナ』『真・女神転生』シリーズなど数多くの作品で音楽制作を担当。

石田彰

「ゼロの存在」を肉体化させた10年間。その道のりで得たものとは

テキスト＝清水大輔 text by Daisuke Shimizu

AKIRA ISHIDA

『PERSONA3 THE MOVIE』の原作『ペルソナ3』は、いちユーザーとして見ると特殊なゲームであるように思う。基本的に、劇中の主人公にほぼセリフはなく、何事にも一歩引いたパーソナリティの持ち主である彼が、さまざまな出会いを通して変化と成長を遂げ、やがて大きな運命を背負っていく－この構造に感情移入し、作品にのめりこんだユーザーがものすごく多いということは、発売から10年近くを経た今劇場版としてアニメ化されたという事実が証明している。受け手の想像力をかき立てる存在としてのこの主人公には、『ペルソナ3』という作品だからこその魅力があるのだ。劇場版では結城 理という名前を与えられた主人公を演じてきたのが、『新世紀エヴァンゲリオン』の渚カヲル役や『機動戦士ガンダムSEED』のアスラン・ザラ役で知られる声優・石田彰。現在の日本のアニメ界には欠かせない名優のひとりだが、彼はこの「主人公」から何を感じ、受け取り、どのような過程を経て「ゼロの存在」だったキャラクターを肉体化させていったのか。原作ゲームとの出会いから劇場版に臨んだ際の心情まで、幅広く語ってもらった。

最初は、「とにかく邪魔にならないようにしよう」という発想だった

まずは、彼に出会ったときにどんな印象を受けましたか？というところからお話を聞かせてください。

「原作ゲームでは “主人公のセリフ。” というのはないんですね。なので、プレイヤーの人が気持ちよくゲームをできるような声を求められてるんだなと、一番最初はそういうふうにとらえていたので、『とにかく邪魔にならないようにしよう』っていう発想でしたね。その後、ドラマCDをやらせていただくことになっ��、そのときに初めて『ああ、こういうことを言う人なんだ』『���るほど、こういうタイプの人間なのね』っていうことがわかってきて。“主人公” というキャラクターが自分の中でどんどん厚みが出て固まってきて、あとからイメージが大きく育っていったところがありますね」

なるほど。

「彼は、普段こう、自分から進んで何かしようというキャラクターではないので、そこはメリハリというよりも、むしろ何かあったときに頼りがいがあることに違和感が出るくらい、普段はさめている感じをちゃんと持っておかないと、成り立たなくなるんです。まずそこが、“主人公” としての意識を持つときの一番のポイントですね。で、それをやっているとだんだん面白くなってくるんです。ある意味変な人なので(笑)。『なんかひとりだけ消費カロリーが少ないなあ』っていうところがあるんですけれども、そこに面白さを感じてたりしましたね」

変ではあるけれど、同時にすごく受け入れられて、愛されているキャラクターでもありますよね。

「静の部分での特徴はすごく大きい人ですが、決して『こういうキャラです!』っていう動的な特徴の出し方ではありません。だから皆さんに受け入れてもらえているのはなぜかと考えると、最初に立ち戻って、“主人公” としてあまり色を出さなかったのがよかったんだと思います。このキャラクターをどう作った、ということではなくて、削いでいって、要素をなくしていった結果、ゲームの楽しさに引っ張られて皆さんが彼を受け入れてくれたのかな？という気がします」

今こうして劇場版で絵がついて、ご自身でセリフを入れた「主人公」が結城 理という名前を与えられて動いてしゃべっている。その姿というのは、10年近く彼と向き合ってきた石田さんにとっても感慨深いものがあったんじゃないですか？

「何より名前がついたのが嬉しかったですね。それこそドラマCDでも “主人公” っていうクレジットでしたから、やっと名前がついたことがとてもとても嬉しかったです。それだけで、映画になってよかったなって思うくらい(笑)。『ペルソナ3』は長年続いてきて、自分の中でもそうそう終わらないものという意識があったし、本当にこう、想像以上にいい子に育ってくれた気がします(笑)」

(笑)劇場版の主人公である結城 理は、原作ゲームやドラマCD以上に、特に物語の序盤では厭世感が強い人物として描かれている印象を受けました。今までの “主人公”と理を演じ分ける上で、意謡の違いはありましたか？

「いや、僕の感覚ではそんなに違いをつけるつもりはなんです。むしろ第1章を録り終えたときに、ずいぶんとフレンドリーになったなっていう感覚があったくらいで」

なるほど。特に第1章は距離があるというか、何か1枚挟んだ向こう側からしゃべっている感じがあると思いまして。だからこそ、第2章、第3章で仲間を思う気持ちが強くなっていく描写が効くというか。

「正直、第1章と第2章、3章との違いで言えば、第1章は劇場版ということで気負っていた部分はありますね。最初、けっこう気負ってガチガチになって球を投げていたところがあるんだと思います。でも、得体の知れないものとガチで戦わなきゃいけなくなりました、さあどうします？っていう物語の導入部である第1章が終わって、第2章では高校生の楽しい日常みたいなやわらかい話も入ってきて。なおかつ第3章では理と��比されるキャラクターも出てきて、こっちはこうだけど、そっちはそうだよねっていう見せ方ができてきたんですね。だから第2章、第3章になって変化球も使えるようになったというか、自分の武器が増えたのに比べて、第1章ではストレートでいくしかない、打たれないためにはとにかくスピードを出さなきゃっていう、そういうところにしかすがれないと思っていたわけです。なので、自分自身の緊張感という部分での差は、第1章と他の豊とを比べるとあると思いますね」

第3章では理に加えてファルロスと綾時を含めた3役を演じられたわけですけど、ファルロスと綾時がいることによって、石田さんの中で理の人物像がよりハッキリしていったところもあるのでしょうか。

「理と綾時は、お互いに持ってない部分を表しているキャラクターだと思うんですね。大きくとらえてしまえばファルロスもその一部なんですけど、理というのは、自分が関わってることはすべて自分でコントロールしてなんとかするべき、という部分を表す人だと思っていて。で、綾時は人と接しやすいように壁を薄く薄くして、その壁はフィルム状にしてすごく薄く見せることで人とベタッとくっつける、相手と距離を縮められるっていう、そういうやり方ができるキャラクターで。その両方を演じるというのは、自分の中でもバランスが取りやすいんです。2役やる、3役やるというのはフィジカル的には大変で、ちょっと負担になったりもするんですが、物語の中で理と綾時は対をなすキャラクターと言われたときに、それを自分の手の中でやれるのは、自分にとってすごくわかりやすいですね。逆にひとりでやっている分、その両方のキャラクターが自分の範疇を超えていかないので、思ってもみなかったものが生まれない部分もありますけど、なんとか納得のいくものにさせていただけたなと思います」

第3章を拝見して印象的だったのが、理が心の底から笑うシーンで。原作のゲームからこのキャラクターを知ってる身からするとすごくグッとくるシーンなんですが、石田さんにとってもすごく大事なシーンだったんじゃないですか？

「そうですね。理が『どこまでみんなに溶け込んでいくのか?』っていうところが物語のポイントになるので、確かにすごく大事だと思います。大事だし、第2章の屋久島に行くシーンあたりから、『壁取り払い始めてるよね、君』みたいなことは理に対して思ったりもしてました。ずっと仲間と一緒に行動をしているし、徐々に徐々に距離は詰めていってるんだけど、理なりのみんなへの近づき方として、僕にとって一番わかりやすい近づき方をしたのが今おっしゃったシーンだと思います。いろいろ迷って、迷って迷って、最終的に『自分はこうするんだ!』って決めて行動に出たのがそこなのかなっていう気もちょっとしていて。でもそれは、映画を観てくださる皆さんがそれぞれの理像を受け取ってもらって、理の理らしいところってここだよねっていうポイントを持っていただけたらいいと思いますね」

薄い色を何回も何回も、何十回も重ねていきながら濃くしていった。そういう作業です

今後、物語は佳境に入っていくわけですが、どのようなイメージを持って臨みたいと考えていますか？

「そうですね、話の流れを意識して、観てるお客さんを泣かせてやろうとそういうスケベ心を出さないようにしようかなと」

(笑)。

「そういう���とを考えると、よく失敗するので(笑)。そうしたいっていう感覚は湧いてくると思うんですよ。思うんですいく、そこは抑えてやらなきゃいけないんじゃないかな」

わかりました。では最後に、「声優・石田彰にとって『ペルソナ3』とは何か?」というお話を伺いたいと思います。10年間演じる中で主人公の彼がどんどん肉付けされていって、石田さんにとっても、観ている人にとっても人物像が見えてきましたよね。そういうキャラクターを演じる経験というのは、やはりすごく大きいことなのでは、と思うんですけども。

「ひとつのキャラクターを、その成長も含めて長ーいスパンでやらせていただくというのは、限られた運のいいキャラクターでしか経験できないんですよね。これだけいろいろとこの主人公について考える、特に劇場版になってそういう機会を与えてもらえたなと。すごくこう、ひとつのキャラクターを深く掘り下げることができた作品だし、そういう作業を強いられたキャラクターでもあって(笑)、いい修行をさせてもらったと思います。感覚としては、薄い色何回も何回も、何十回も重ねていきながら濃くしていったっていう、そういう作業ですかね。最初の頃は、ここにも塗り残しがある、こんなところにも範囲があったっていう発見がいっぱいあって、それが出揃って見渡せてからも作品が続いているので、そこにどんどん色を塗り重ねていってる感覚ですね。そこに面白さを感じながらやっています」

[ryotarox]

(【特集】『ブレードランナー』伝説の名ゼリフ『雨の中の涙』を徹底解説【はじめてのブレードランナー2】 | THE RIVERから)

この記事には、映画『ブレードランナー』第一作のネタバレが含まれています。 雨の中の涙 「おまえたち人間には信じられないようなものを私は見てきた。オリオン座の近くで燃える宇宙戦艦。タンホイザー・ゲートの近くで暗闇に瞬くＣビーム、そんな思い出も時間と共にやがて消える。雨の中の涙のように。死ぬ時が来た。」 （原文：I’ve seen things you people wouldn’t believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I watched C-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate. All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die.)

通称「Tears in rain monologue」（雨の中の涙モノローグ）、または「Ｃビームスピーチ」として知られるこの台詞は、ＳＦ映画だけでなく映画史全体においても屈指の感動的なスクリプトとして知られています。 筆者の個人的見解では、『ブレードランナー』を後世に残る偉大な作品たらしめる要素の中でも、この台詞を含めたロイの最後の場面は最も重要だったといって過言ではありません。 冷酷な殺人マシーンのようだったロイが、短い人生の最後に愛おしむように鳩を抱きしめ、動かなくなっていく体を雨の中震わせながら絞り出す稀代の詩人のようなセンテンス。全ての観客を予期しなかった感動の渦に巻き込んだこの名台詞は、一般的にロイ・バティーを演じたルトガー・ハウアーのアドリブであったとして知られています。しかし私見ながら、これは正確な情報とは言えないと考えます。

オリジナル脚本にアドリブを加えて生まれた名台詞 ハンプトン・ファンチャーが製作上の意見の相違から降りた後、二人目の脚本家として招集されたディヴィッド・ピープルズ。彼がこのシーンの為に書き下ろしたオリジナル脚本では、該当の台詞はこうなっていました。 「私は冒険を知っている。お前達人間が決して目にすることはない場所を見てきた。オフワールドへ行って戻ってきたんだ…フロンティアだぞ！プルーティション・キャンプへの信号機の背甲板に立って、汗で沁みる目で、オリオン座の近くの星間戦争を見たんだ。髪に風を感じていた。テストボートに乗って黒い銀河から去りながら、攻撃艦隊がマッチのように燃えて消えていくのを見た。そう、見た、感じたんだ！」 （原文：I have known adventures, seen places you people will never see, I’ve been Offworld and back…frontiers! I’ve stood on the back deck of a blinker bound for the Plutition Camps with sweat in my eyes watching the stars fight on the shoulder of Orion. I’ve felt wind in my hair, riding test boats off the black galaxies and seen an attack fleet burn like a match and disappear. I’ve seen it…felt it!) 1ページの半分ほどもあったこの長台詞を読んだルトガー・ハウアーが、死を前にしたレプリカントの言葉としては長すぎると、台詞がもたらすイメージをそのままに要約し、そして”All those moments will be lost in time, like tears in rain. Time to die.”という言葉を付け加えて完成したのが、「雨の中の涙」モノローグです。 お気づきの方も多いと思いますが、ピープルズのオリジナル脚本には「タンホイザーゲート」、そして「Cビーム」という単語は登場しません。その代わりに、「オフワールド」や「プルーティションキャンプ」といった造語が登場しています。 ポール・Ｍ・サモン著『メイキング・オブ・ブレードランナー』（ソニーマガジンズ、1997）によると、ルトガー・ハウアー本人がインタビューで、 「私のことやあのセリフのことはよく取り上げられるが、肝心の脚本家が無視されているのはよくない。バティの独白を書いたディヴィット・ピープルズの仕事は本当に素晴らしい。私は彼が掘り下げたあのイメージがとても好きだった」とピープルズを賞賛しています。 「銀河っぽくカッコいい造語の固有名詞」を使うこと、信号灯のようなものが暗黒の宇宙で輝いていること、オリオン座の近くで宇宙船が燃えていること、これらのイメージを作り上げたピープルズを抜きに、この台詞は誕生しなかったというわけです。 このロイ・バティーの最後の言葉は、映画中盤のチュウの眼球��房で��イが口にするアメリカの詩人ウィリアム・ブレイクの詩のアレンジ「燃える様に天使は落ちた。轟くような雷鳴が岸をころがり、怪獣の火と共に消えた」や、「チュウ、お前が造った目で私が見たものを、お前にも見せてやりたかった」という台詞と対になっています（これらの台詞もピープルズによるものです）。 チュウを殺すこの場面では、戦闘用レプリカントであるロイはさぞかし凄惨な情景ばかり見せつけられて、自らの造物主に恨みを抱いているんだろうなという印象を受けるのですが、『雨の中の涙』モノローグによって、醜いものばかりでなく美しいものもたくさん見たからこそ、彼はもっと生きていたかったのかもしれないと受け取ることができるわけです。 というわけで個人的に『雨の中の涙』モノローグは、ピープルズが造った土台に、ルトガーが素晴らしいアドリブを加えた二人の共作であるとするのが一番しっくり来ます。 ちなみに「タンホイザー・ゲー���」や「Ｃビーム」とは何か？という質問をよく受けるのですが、前述したように造語ですので正式な意味はありません。 それでも無理やり適当に解説すると「タンホイザー」とはそもそもリヒャルト・ワーグナーのオペラ『タンホイザーとヴァルトブルクの歌合戦』に登場する主人公の名前です。ゲートってからには、ワープの発着点のようなものが想像できます。ドイツ系のタンホイザーという人が開発したんでしょう、きっと。 「Ｃビーム」の方は何でしょう、宇宙戦艦がマッチのように燃えていることから『ブレードランナー』世界における兵器ではないかと推測できます。「Charged particle-beam 」（荷電粒子ビーム）という言葉はあるので、これの略ってことでいかがでしょうか。（あくまでも個人的推察です。）

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この文を書いたライターさん、上手。 「> 『雨の中の涙』モノローグによって、醜いものばかりでなく美しいものもたくさん見たからこそ、彼はもっと生きていたかったのかもしれないと受け取ることができるわけです」

[alien-melissa]

𝐓𝐡𝐞 𝐍𝐞𝐯𝐞𝐫𝐦𝐢𝐧𝐝𝐬 - 𝐢𝐧𝐭𝐞𝐫𝐯𝐢𝐞𝐰★

2022年にバンドを結成されたカナダを拠点に活動するシューゲイズバンドThe Neverminds。

儚くドリーミーなシューゲイズサウンドは最新EPではよりヘビィでノイジーに厚みを感じるサウンドへと進化し魅力を増している。

『never mind,the summer 』　『nevermind, the winter 』では夏と冬の別々のコンセプトでリリースし、どちらも儚い青春時代の夢をみているような感覚に......

6/8〜日本ツアーをすることが決定！

来日公演が目前に迫ったThe Nevermindsにインタビューを行った。メンバーそれぞれが答えてくれている。

G - Ginny

V- Vincent

R - Ronan

A - Avi

1.いつから音楽を作り始め、どのようにしてバンドは始まりましたか？

G - バンドを始めるまで、自分で音楽を作ったことはありませんでした。　それまでは、ギターを少し弾くことはあっても、音楽はいつも私の趣味でした。そのおかげで、このバンドにいる間に曲作りについて多くのことを学ぶことができたと思います。

V - 中学生の時に自分で曲を作り始めて、高校生の時にGarageBandでプロデュースを始めたんだ。プロデュースを始めると、ベースやピアノ、ドラムなど他の楽器も独学で覚えた。高校ではバンドのためにたくさんの曲をアレンジした。Logic Proを使ったレコーディングや、様々な楽器のパートを書いたりアレンジしたりする方法を知っていたから、これらの経験はすべてネヴァーミーズで役立ったよ。

R - 9歳か10歳くらいから自分で曲を書き始めて、徐々にミュージシャンになることを真剣に考えるようになったんだ。

A - 去年の9月にバンドに加入して、みんなと一緒に音楽を作る喜びを感じている。6歳からドラムを叩いていて、人生のほとんどを音楽制作に費やしてきたんだ。

2.メンバーが音楽を始めたきっかけは？

G - 僕の両親は昔から音楽が好きで、僕が小学生の時にギターを習い始めた時、父がギターの弾き方を教えてくれたんだ。中学では学校のロックバンドに入り、文化祭で演奏していました。仲の良い友達とバンドを組んだことが学生時代で一番楽しかったし、その頃からずっとバンドを組んで友達と一緒に音楽を作りたいと思っていたんだと思う。だからnevermindsを始めた。

V - 最初に習った楽器は中学の時のウクレレ。それから独学でギターも弾けるようになって、学校で他の友達とジャムを始めたんだ。クラスメイトが給食のテーブルを囲んで、適当な曲を歌ったりジャムったりして、最終的には高校でバンドを作ったんだ。

R 小さい頃、父親がアコースティックギターを持っていて、時々弾いていた。

A - 生まれたときから音楽に夢中だった。

3.ニューEP『nevermind, the winter』のコンセプト、制作、レコーディングについて教えてください。

G 「"nevermind, the winter. "は、1st EP "nevermind, the summer. "の姉妹作／続編にあたります。

夏のEPではノスタルジックでメランコリックな夏と青春をとらえようとしました。一方、冬のEPでは、孤独、孤立、失恋、もう思い出せない夢から覚める感覚など、重い感情についてより語っています。両EPのコンセプトを思いついた後、歌詞のアイデアが続き、アルバムの意図に合うように書きました。曲を完成させた後、EP全体がうまく流れ、一緒にストーリーを作れるように、トラックリストを編集しました。どの曲も同じ本の異なる章として機能しているので、EPを聴いてくれた人たちが、まるで私たちの物語を読んでいるように感じてくれたら嬉しいです。

V - “nevermind, the summer. "について、夏のEPでは

ギターとベースは、ドラム・トラックにオーディオ・インターフェイスを通して同時に録音し、生ドラムは別々に録音した。ギターとベースのパートは、フェンダーのツイン・リバーブとアンペグのBAを使って、DIとマイクの両方で個別に録音した。今回、ドラムのレコーディングに導入した新しいテクニックは、ルームマイクを使ったことだ。全体的に、よりユニークなトーンやエフェクトを実現するためにマイクの配置を変えてみたり、新しいギター・ペダルをたくさん試してみたりした。

また、"hunt me "のイントロや "dusk "のエンディングで聴ける音を作るために、ギターにバイオリンの弓を使った。ヴォーカルはShure SM7Bを使って録音した。Shure SM7Bは遮音されていない部屋で使うのに適したマイクで、私のタウンハウスのベッドルームですべてを録音したので、私たちにとっては完璧だった。

でも、このEPのレコーディングでは、大音量で長時間録音したため、近隣から騒音の苦情を何度も受けたよ。

4. 周りのシーンをどう感じていますか？

他のバンドとのつながりはありますか？

V - トロントのバンド・シーンにはとても刺激を受けている。White Rabbit、Poor You、Brotherなど、トロントの様々なインディー・バンドと共演したことがある。これらのバンドは、単に知り合いだからというだけでなく、本物で、個人的で、心に響くような、生々しく素晴らしい音楽を作っているので、大ファンなんだ。彼らのようなバンドは、国際的にもっと注目されるべきだと思う

R- トロントのシューゲイザー・シーンは、かなり小さいとはいえ、今でもかなり素晴らしいと思う。例えば、Luster Dustと一緒にプレイできたことは信じられないことだと思う。

A - 地元トロントのシューゲイザー／オルタナティヴ・ロック・シーンにいるバンドたちに会うのが大好きなんだ。Luster Dustのようなバンドに触発されて、自分たちのライブ・サウンドをもっと頑張ろうと思うようになったよ。

G- トロントのシーンで好きなバンドはもうみんな答えてくれたから、私は別のことを話すと、私たちは最近、"loveless collective "という音楽とアートの集団を作りました。このコレクティブは、トロント内外のシューゲイザー／ドリームポップバンドとつながり、彼らを巻き込んだショーやイベントを企画するために作りました。自分たちの音楽を発表する場を持つことで、��ューゲイザー・シーンがもっと活性化する手助けをするのが私の目標です。

5.よく聴く日本のアーティストはいますか？

G - 日本のシューゲイザーバンドが大好きで、揺らぎ、my dead girlfriend、Tokyo Shoegazer、宇宙ネコ子、きのこ帝国、For Tracy Hydeなど。ボーカロイドのシューゲイザーも大好きで、mikgazerは史上最高のシューゲイザー・アルバムだと思います。シューゲイザー・シーン以外では、ヨルシカとEveも大好き。

V - 日本のアーティストで好きなのは、杉山清貴と山下達郎。日本の80年代シティポップ時代の音楽が大好きです。

R -15歳か16歳くらいのときに二藤一花にハマって、今でも時々彼の曲を聴いているんだ。

A-いや、でもツアーが終わったら変わってくれるといいな。

6.来日して楽しみにしていることは？

G- 日本にいる間に大阪と名古屋を訪れる予定です。　　　旅行したり、街を探索したり、そこの食べ物を楽しんだりするのがとても楽しみです。他のバンドがいろんなライブハウスで演奏するのを見るのも楽しみ。みんなにとって素晴らしい経験になると思います。

7.これからの夢や現在の目標は何ですか？

G - ツアーに出ることは僕らの最大の目標のひとつだったから、キャリアの早い段階でそれが実現できて本当に感謝している。もうひとつの目標は、もっと音楽を作って、シューゲイザー・シーンでもっと多くのアーティストとつながって、ミュージシャンとしてもっとうまくなることだね。

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G - Ginny V - Vincent R - Ronan A - Avi

1. When did you start creating music and how has that led to the neverminds it exists today?

G - I had never really made my own music until right before we started the band. Before that, music was always just a hobby for me even though I played guitar a little bit. I think I'm learning so much about songwriting while being in this band because of that

V - I started writing my own songs in middle school and began producing in high school on GarageBand. When I began producing, I taught myself other instruments such as bass, piano and drums. I would also arrange a bunch of songs for my band in high school. All of these experiences would help me in the neverminds as I knew how to use Logic Pro to record our music as well as write/arrange various instrument parts for our songs.

R - I started writing my own stuff when I was about 9 or 10 and slowly got more and more serious about being a musician.

A - I joined the band last September and have had the pleasure of creating music with everyone. I’ve been playing drums since I was 6 and making music most of my life.

2. How did the members first get into music?

G - My parents always loved music and my dad taught me how to play guitar when I first started learning guitar in elementary school. I joined a school rock band in middle school and played at school festivals. Being in the band with my close friends was the most fun part of my school years and I think since then I always wanted to be in a band and make music together with friends. That’s why I started the neverminds in the first place.

V - The first instrument I learned was the ukulele in middle school. I then taught myself how to play guitar as well and started to jam with my other friends at school. Our classmates would gather around the lunch table and we would sing and jam out to random songs and eventually we created a band in high school.

R - when i was a little kid my dad had an acoustic guitar that he sometimes played and i just wanted to play super bad

A - I’ve been into music since birth.

3. Please tell me about the concept, production and recording of the new EP “nevermind, the winter”?

G - “nevermind, the winter.” is a sister/sequel album to our first ep “nevermind, the summer.” In the summer ep, we tried to capture a nostalgic and melancholic summer and adolescence while the winter ep talks more about heavy emotions - loneliness, isolation, heartbreak and the feeling of waking up from a dream you can’t remember anymore. After coming up with these concepts for both EPs, the ideas for the lyrics followed and were written to fit the intention of the album. After we finished our songs, we carefully curated the tracklist so that the whole EP could flow well and create stories together. Every track works as different chapters of the same book, and I hope people who listen to our EP can feel as though they are reading our story.

V - For “nevermind, the summer.” " guitars and bass were recorded simultaneously straight into an audio interface over a drum track while live drums were recorded separately, however, for the new EP we experimented with more complex recording techniques and overdubbing to have more creative control over our sound. We recorded all guitar and bass parts individually through both DI and microphone using a Fender twin reverb and an Ampeg BA. A new technique we implemented for recording drums this time was using a room mic. Overall, we played around a lot with different mic placements to achieve more unique tones and effects as well as experimented with a lot of new guitar pedals. We also implemented the use of a violin bow on the guitar to create the sound that can be heard in the intro of “haunt me” and the ending of “dusk”. Vocals were recorded using a Shure SM7B which is a good microphone to be used in untreated rooms which was perfect for us since we recorded everything in my townhouse bedroom. However, we got several noise complaints from neighbours during the recording of this EP because of the long hours of recording very loud sounds.

4. how do you feel about the scenes around you? Do you have any connections with other bands?

V - I am very inspired by the band scene in Toronto. We have played with various toronto indie bands such as White Rabbit, Poor You and Brother. These are all bands who I am a big fan of not just because they are our acquaintances but because they make raw and amazing music that feels genuine, personal and heartfelt. I think bands like them need more attention internationally.

R - I think the shoegaze scene in Toronto, even if it’s pretty small, is still pretty great. I think it’s incredible that we’ve gotten to play with Luster Dust, for example.

A - I’ve loved meeting some of the bands in the local Toronto shoegaze/alternative rock scene. Bands such as Luster Dust have really inspired us to work harder on our live sound.

G - Everyone already answered my favourite bands in the Toronto scene so I want to talk about something different. We recently made a music and art collective called ‘loveless collective’. We made this collective to connect with shoegaze/dreampop bands in and out of Toronto and organize shows/events involving them. Our goal is to help the shoegaze scene become more active by having a platform to showcase their music.

5. Are there any Japanese artists you listen to?

G - I love Japanese shoegaze bands, such as Yuragi, my dead girlfriend, Tokyo Shoegazer, Uchuu Nekoko, kinokoteikoku, For Tracy Hyde and so on. I also love Vocaloid shoegaze, I think mikgazer is the best shoegaze album of all time. Apart from shoegaze scene, I also love Yorushika and Eve.

V - Some of my favourite Japanese artists are Kiyotaka Sugiyama and Tatsuro Yamashita. I love music from the 80s city pop era of Japan.

R - when i was about 15 or 16 i got really into ichika nito and i still listen to his stuff from time to time

A - No, but I hope that will change after the tour.

6. What are you looking forward to doing when you come to Japan?

G - We are visiting Osaka and Nagoya while we are there. We are very excited to travel and explore the city, and enjoy the food there. We are also looking forward to watching other bands play at different live houses. I feel like it will be a great experience for all of us.

7. What are your current/dream goals for the upcoming?

G - Going on a tour was one of our biggest goals, so we’re really grateful that we get to that so early in our career. Another goal would be to make more music, connect with more artists in the shoegaze scene and become better as musicians.

The Neverminds

Instagram@thenvrminds ←

X @thenvrmindsband←

[kennak]

報告書によると、芦原先生との不協和の一例として「メイン人物朱里のルーツ描写の改変」があったそうです。 親に男兄弟を優先され、自分は四大でなく短大にしか行けなかった、その結果派遣社員の道しか選べなかった朱里のキャラ背景を制作側は 「高校で制服のかわいい(気に入った)私立でなく(学費の安い)公立を選ばされた」という背景に作り変えようとしました。 恐らく四大に行けなくて短大、という選択肢は昔ほど一般的でないと考えての変更だと思うのですが、だとしても「高校が私立でなく公立」は、朱里のコンプレックスを補強する材料として不充分…というか不適切です。「制服がかわいい」など蛇足でしかなく、芦原先生が「心底どうでもいい」と切り捨てたのも当然だと思います。 コア集団は基本的な原作読解力が著しく低かったのでしょう。アレンジ力も皆無だった。プロデューサーは実力以上の原作に手を出したと思います。

亡き芦原妃名子さんへの苛烈な言葉の数々…『セクシー田中さん』日テレ調査報告書が「傷口」を広げた理由（ENCOUNT）のコメント一覧 - Yahoo!ニュース

[sarahalainn]

Sarah Àlainn - Celestial Christmas Concert

サラ・オレイン

~ 天使と天上の音楽 ~

念願だった日本の協会でのクリスマス。

11年目でやっと実現できました。

色々なサライブをプロデュースして来ましたが、どれも特別な思い入れがある中。

今回は1番印象に残るステージの一つになりました。

これをきっかけに、また日本の教会でコンサートが実現できれば幸せす。

個人的にはとても長崎に行きたく、、、チャンスに巡り合えることを祈っています！

では、プロデューサラからのライナーノート。

今回のセトリ。デザインさせて頂きました＾＾

夏のオーストラリアで育ったため、リースのサラは半袖。

寒さにとても弱いものの（昨日のライブでもカイロを貼ってて落ちないかドキドキ）、

クリスマスはやっぱり寒いのがしっくり。

1. Pie Jesu (Andrew Lloyd Webber)

2. Bring the Snow『ムーミン谷とウィンターワンダーランド』

3. Toccata (J.S. Bach) ～ Shchedryk/Carol of the Bells

4. Eternal Rest 『蒼き革命のヴァルキュリア』

5. Eight Melodies 『MOTHER』

6. Hijo de la Luna

7. Airmail Special Xmas Vers.

8. Hallelujah (Leonard Cohen)

9. Andata (坂本龍一)

10. Merry Christmas Mr. Lawrence 『戦場のメリークリスマス』

11. Joyful Joyful / 第九

12. O Holy Night

ENCORE

13. Ave Maria (Vavilov)

14. Silent Night

15. Nessun Dorma

16. You Raise Me Up

海外の協会や大聖堂といえば、キャンドル🕯️

本物はNGとのことで、こちらに。帰って我が家のツリーの下に🎄

今回のサラスタイルは、一番好きな純白。

１部はサラッと見つけた衣装！今回ネックだったのは、パイプオルガンの弾き語り。

普段はもっと高いヒールを履いてパフォーマンスをしているのですが、ペダルがもちろんキツく不可能。

因みに、ペタンコな靴でも試したところ、これもこれで初心者にはとても踏みにくく、多少ヒールがあった方が演奏しやすかったです。

長いスカートも足の動作の邪魔になるため、とても苦労しました。最終的には普段より低いヒール（これで）に動きやすいドレスに出会えました。オープニング、アンコール、エンディングの演出としてバージンロードを歩きたかったため、

それにしてはカジュアルすぎる姿かなと思い、裾が長い素敵なビジューのケープに出会えました。

アンコールではお世話になってる方々のお衣装:

Instagram

Dress: DRESS SALON Lu:Che @dress_salon.luche

Veil: @paradisewest

Hair & Make up: @west_kuboki

アー写でも着てた一点もののヴェールとウェディングドレス。

華やかな衣装も大好きだけど、普段着も含めて、基本一色でシンプルなスタイルが1番好き。

見えにくかったはずですが、アクセサリーには十字架のネックレス。

Sarah’s Angels

チャーリーズ・エンジェルともちろんかけてます。

ピアニストの宮本貴奈さんは色々な意味で今回救いの天使でした！

Soprano/ SAK.

Mezzo Soprano/ 渡辺磨裕美

Alto/ 会原実希

Tenor/ 大山桂佑

エグイアレンジにも関わらず🙇‍♀️サラッと歌われて素晴らしかった👏Bravi!

皆さんのシックな衣装が会場にぴったりでした。

実はAngels’のスタイリングもしてたのですが。。なんと、衣装が間に合わず（本番の次の日に到着＞＜）

いつかまたぜひこちらも着て一緒に歌いたいものです！

では、音楽のもう少し詳しい編成や演出について。

聖なる場所で、今回はとても分かりやすいテーマとメッセージがあったこともあり、

MCを最小限にし、音楽中心のコンサートに。

アルバムやテレビと違って、コンサートでは自分の思いを自由に語れる貴重な場なので、

基本話せる時は話したいですが、今回はより音楽に集中できたため（ツアーでは毎回MC＝ー「笑い」に命をかけていますw）、こういうコンサートも続けたい。

1. Pie Jesu (Andrew Lloyd Webber)

Takanaのクリスマス・アドリブから始まり、イエスキリストを讃える一曲へと繋がる。

色々な作曲家のPie Jesuがありますが（Faureフォーレのも好きで迷いました）、アルバムに収録されてることと、京都音舞台での思い出もあり（お寺でのPie Jesuなんて、日本の神は心が広い）、Andrew Lloyd Webberバージョンに。

皆さん驚かれたかもしれませんが、後ろから登場し、キャンドルを灯し、歌いながらバージンロードを歩きました。

教会の大きな十字架✝️を見ながら歌う感覚。

色々な感情が心に重く、深く、宿る。

2. Bring the Snow『ムーミン谷とウィンターワンダーランド』

クリスマスは基本違和感と寂しい思い出しかなかったですが（夏のオーストラリアで、クリスマス��祝わない家族）、

昔からクリスマスソング・キャロル・讃美歌が大好き。とても嬉しいことに、オリジナルのクリスマスソングを歌わせて頂いています。それも、憧れのムーミンの。映画『ムーミン谷とウィンターワンダーランド』で英語版と日本語版で主題歌を歌わせて頂くクリスマスの奇跡が起こりました。

そんなムーミン一家も、クリスマスはお祝いしません。

クリスマスが何なのかすら、知りません。

でも、「クリスマスさんがやってくる！」

人と勘違いしてる？

ツリーの飾り方も分からず独特。テッペンには薔薇。

そんなムーミンは、何よりも大事なクリスマスのメッセージに気づきます。

そんなハートフルなクリスマスソングを教会でも歌えるなんて。

年に一度しか使えないと思ってゲットした鈴は、今日も大活用。

3. Toccata (J.S. Bach) ～ Shchedryk/Carol of the Bells

さあ、ここからが難関。思いだすだけで冷や汗。

人生初のパイプオルガン演奏。弾き語り。そして途中で指揮。

本来予定してなかったのですが、教会の下見に行った時、オルガンを見て、これは演奏してみたい！、と燃えてしまいました。

どの楽器もマスターするのに難しいですが、その中でもパイプオルガン奏者にはリスペクトしかありません。

ピアノ、チェンバロと違って、鍵盤が三段階。それぞれ音色は違いますが、その音色をさらに左と右横にあるストッパーで調整する。演奏中引っ張ったり押したり大忙し。シンセも昔から好きだったので、感覚が似てて、音色を選べるのはとても楽しいです。演奏してる間は別問題ですが＾＾；そして、私にとって何よりも困難だったのはペダル。ペダルも鍵盤になっているんです！ひ〜

エレクトーンの経験もないので、シクシク家で妄想練習。手書きの鍵盤。

あるピアニストがピアノがなくて紙の鍵盤で練習したという都市伝説を聞いたことがあったけど、

本当だったかもしれない。

最初はオルガンソロのみ予定してて、何が良いかなと思って、冗談で「バッハのトッカータとフーガニ短調BWV 565」なんて！と言ったら、ピアニストの塩入俊哉さんが、「それで良いんじゃない」と真面目に答えられてから、やることになっちゃいました（塩入さん、体調回復されて、元旦でお会いします＾＾）

どうやって鍵盤を弾きながらペダルを踏んで歌うのだろうか。。。練習ができないため、

今回はずっと足を見て演奏するしかない。

そのため、普通のマイクではなく、ヘッドセットをお願いしました。

ここで合唱が登場したらカッコ良いなと思い、バッハからウクライナの新年の曲「Shchedryk」、別名「Carol of the Bells」（ホームアローンやテーマパークでもよく流れるクリスマスの定番）に繋がる。

ペダルを踏んでない時は指揮。オルガンが大きくて見えにくい位置でしたが、さすが聖歌隊、

Sarah’s Angels見事について来ています。

「Carol of the Bells」　「鐘のキャロル」というだけに、パイプオルガンにも鐘があるので、このチャイムをペダルと鍵盤でもONに。

今回は合唱のアレンジをさせて頂き、こちらも燃えました。

GLORIA CHAPELだけに、アレンジに「Gloria」（讃美歌）も取り入れました。

ウクライナ語、早口英語（合唱お見事）、脳みそがフル回転に働かされる一曲でした。

足元の動画をとってあとで見返し��みると、おそらくこの姿勢で筋肉痛になったかと。

YouTubeにアップしました！

動画編集に苦戦。いくつかのカメラが音と映像がシンクしない。多分カメラの位置とホールの響きの影響も？

また、見返して思い出したのは、音のディレイ。特にオルガンは、鍵盤を弾いてる時と、実際に聞こえてくる音とズレがあります。ゆっくりなところは大丈夫でしがた、早いパッセージは心臓バクバク。

【LIVE】Shchedryk Carol of the Bells /Pipe Organ, Voice & Choir｜Sarah Àlainn サラ・オレイン | パイプオルガン弾き語り

＜初！パイプオルガン弾き語りinウクライナ語+指揮🎄＞

4. Eternal Rest 『蒼き革命のヴァルキュリア』

ここでやっと普通のMC。

次からは合唱メインの選曲へ。

今回リーダーのSAK.に合唱についてご相談させて頂きました。SAK.とのご縁はゲーム音楽のコンサート。

そんな繋がりもあり、一番最初に合唱とやりたい！と浮かんだ曲は、ゲーム音楽でした。

私の歌のデビューは光田康典さんのゲーム音楽『ゼノブレイド』の「Beyond the Sky」。

よくライブで歌わせて頂いている大切な楽曲。SEGAの 『蒼き革命のヴァルキュリア』でもコラボが実現。

ラテン語で英語で作詞させて頂き、とても好きな世界観。でも、ライブでは一度も歌ったことがありません。

レコーディングでは自分の声を何重に重ねたセルフ・クワイヤー。

ループするようなラインでもないため、ルーパーでも一人でライブでは歌えません。

今日までは！

合唱のおかげで、やっと生でこの歌が届けられる！テーマも「Requiem（レクイエム）」なので教会にもぴったり。

ゲームの中では死神の歌なので、プレイヤーとしてはあまり聞きたくない曲かもしれませんが＾＾；

さらに、この曲は完全にアカペラ。オリジナルと同じように表現できた喜び。

アカペラが大好きで、合唱の皆さんにまたハードルが高い曲を２曲目に持って来たのにも関わらず、Bravo！

正面向きながらの指揮。

5. Eight Melodies 『MOTHER』

ルーツのvgmが続きます

ご縁があり、作曲家のChip Tanaka（田中宏和さん）の前で彼の作品をいくつか演奏する貴重な機会がありました。私が最初にプレイしたゲーム機はGAME BOY(ゲームボーイ）。唯一入ってたゲームがDr. Mario。今でも完璧に覚えてるあのチップチューン。それがまさかのChipさん作曲。そんなDr.MarioとRPG『MOTHER』をご本人の前で演奏させて頂く夢のようなステージがありました。

その時はサラカルの編成だったため、歌とヴァイオリンはルーパーを使ってました。

この名曲をSt. Paul’s Cathedral Choirが歌われてるバージョンをサラジオでも以前お届けしましたが、

これぞ教会で聞きたい一曲！ゲームでは８つのメロディーが物語のキーとなるのですが、アレンジバージョンには英語歌詞がつきました：

Take a melody, simple as can be

Give it some words and sweet harmony

Raise your voices, all day long now, love grows strong now

Sing a melody of love, oh love…

作詞：Linda Hennrick

作曲：鈴木慶一さん/Chip Tanaka

簡単なメロディーをとって、歌詞をつけて、

優しいハーモニーを当てて、

声をあげて、愛のをメロディーを共に歌おう。

何とも純粋な美しい歌詞。。。

以前のループも生かしつつ、合唱とピアノ演奏を加えた教会バージョンにアレンジ。

Chipさんに映像を送らなければ〜年末は休めるのだろうか＾＾；

今回は出番が短かったですが、ここでサラ・オリジナル八ヶ岳カリンバが重要なところに登場。

シンプルなメロなので、これもいずれ皆さんとカリンバで演奏するのが夢です＾＾

6. Hijo de la Luna

合唱がミステリアスなピアノアドリブの中ゆっくり去っていく。

ガラッと雰囲気を変えて、不思議なスペイン語の世界へ。

スペイン語は話せないので、早口言葉がとても難しい一曲です。

子供の時ラジオでも流れてたヒットで馴染みがある一曲なのに、大人になってから歌詞の意味を知り、びっくり：

かなりダークです

当日のセリフをそのまま:

『母といえば、息子が欲しかったお月様の話、ご存じでしょうか？

ある女性の望みと引き換えに、息子を手にした、お月様

女性は望み通り、夫をもらった。

でも、その間に産まれた子は、夫と違い、肌色が真っ白だった。月のように。

あまりの怒りに、夫は女性に怒り、最悪な結末に。

お月様は、こうして母になった。

「お月様、腕がなくて、あなたはどうやって息子を抱くの？」

「三日月になって、息子を揺らすのよ。」

Hijo de la Luna 月の息子』

やっぱり怖い。

ヨーロッパで大ヒットしたMecanoの名曲。オリジナルがとにかくカッコ良い。

Takanaからお借りしたシェーカー（振り方、角度によって音が変わる！欲しい）も登場。

音楽的にはシンプルに１番、サビ、という構成ですが、違和感がある転調があったり、

演奏してみると意外とミスしやすい（そして目立ちやすい）、難関な曲。

7. Airmail Special Xmas Vers.

今回のセトリからカットされそうになった一曲。

でも、リハで試しに一回Takanaとやってみて、これはやっぱり入れなきゃとcome-backしたジャズナンバー。

「天上の音楽」とはかけ離れたイメージだけど、普段のライブなら元気に盛り上がる・アップテンポな曲が入ってからの重ための曲の流れを意識してるので、やっぱり息抜きできる一曲が必要。

炭水化物好きでもたまには野菜を挟んだほうが良い、的な？

ただ、中々息する暇もない、かなりのアップテンポで音かずが多い一曲。

以前ハマジャズで急遽この曲をやることになり、必死にElla Fitzgeraldの音源を完コピ。

バンドが初めて歌ったと信じてなく、嬉しくも複雑な（嬉しい）ライブでした。あんなに必死に歌を覚えたのは初めてです。

ヴァイオリンでは速い曲はたくさんありますが、歌はどうしてもバラードが多く、

こういう一曲を待ってました！

クリスマスネタをあちらこちらにアドリブで飾っていく。

さすがJazz出身のTakana。刺激されて、色々湧きでくる、セッション！

ちょうど次の曲のセットチェンジもあるので、ここで会場に降りました。

ワンピ＋ヒールが低いと本当に簡単に動き回れる〜

Airmail Specialと並んでYoasobiさんの「アイドル」が同じ部類のもの。癖になる。

続きはPART 2 で!

[faunandfloraas]

i got tagged by @inloif and @rainknow to share 10 songs I've been enjoying lately 💕

okay cliche but i actually think this is a banger remix

been back on a Billie jaunt and its Lee Knows fault ^^

this one needs the video attached and it's almost certainly not on spotify lol

chrissy amphlett was so hot

underrated ^^

he :]

i'll tag @edgymcgoth @telomirage @sunshineleefelix :)

[petapeta]

　「スパイス」や「バター」を使った料理は、当時の日本人の口に合わなかったのです。しかし、ある日本の調味料がきっかけで、一転して「肉が大好き」になりました。その魔法の調味料は「味噌」と「醤油」です。普段から馴染みのある調味料を使って、獣肉の臭みを消すことに成功。かくして牛肉にネギ・コンニャク・豆腐などを入れて、味噌・醤油・砂糖で煮込んだ「牛鍋」が誕生、大流行しました。明治８年（1875）、牛鍋屋は東京で100軒を越え、２年後にはなんと558軒と激増。大正時代になると、焼いた牛肉を醤油・みりん・砂糖で煮込み、溶いた生卵につけて食する、関西発祥の「すき焼」が主流になり、現在に至っています。岡田哲氏は「なぜ日本人に肉食が浸透したのか」について、以下のように考察しました。 「肉鍋の調理形態は、獣肉から牛肉へ、そして、味噌から醤油と砂糖へ移行していく。換言すれば、米飯に合うおかずとして発展しはじめる。しかし、欧米の肉料理に共通する、香辛料（スパイス）の使用はまったく見られない。つまり牛鍋は、日本人の食卓を欧風化したのではない。洋風素材の牛肉を、和風鍋に取りこんだ」 『とんかつの誕生～明治洋食事始め／岡田哲著』から抜粋 　日本人は、西洋料理をそのまま受け入れることはせず、自分たちの主食である「御飯」に合うように日本風にアレンジしていったわけです。小菅桂子氏も著作で「カレー」にまつわる面白いエピソードを紹介しています。 「かつてインド料理店のインド人のコックが『ボンカレー』を食べて、「これはなかなかおいしい日本料理だ。なんていう料理か教えてくれ」と真顔で訊いたという嘘のような本当の話も伝わっている」 『にっぽん洋食物語大全／小菅桂子著』から抜粋

ナガジン！｜特集：発見！長崎の歩き方 「西洋は長崎から～「洋食」」

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移住した経緯（終章）

南伊豆エリアでの内見を終え自宅に帰った私は思いを巡らせる。最後に見た物件はあらかじめリストアップした移住先条件を全て満たしているし、価格も無理のない範囲だ。土地こそ栽培用に再整備が必要だけど、自力で好みにアレンジしていくのも醍醐味の一つだろう。そして何よりこの集落では催しが全くなく、皆自由に暮らしているとのことで、引き篭もって自分事に没頭したい私にとって魅力的な環境だ。山の中だから猪鹿出るのは避けられないが、猿や熊がいないと言うだけでもそのリスクや防除負担は大きく下がる。おぞましいヤマビルがいないのも高評価だ。強いて言えば家屋がスギ＆ヒノキに囲まれているのが花粉症の自分には挑戦的環境ではあるけれど、山の中に居れば隣の森からだって相当量飛んでくる���ろうから気にするだけ無駄かと。

他の物件も内見して、もっとも条件的に良さげなところを移住先に選定する見込みでいたが、結局のところ、限られた探索期間内では設定条件を充分に満たす物件を他に見つけることが出来なかった。タイミングもあるだろうし、運命とか縁とかもあるのかもしれないが（笑）、やはり「菜園に使える広い土地付き物件」が希少であることが大きい。家屋に隣接で平坦地となればなお更だ。

そんなわけで、最後に内見した物件を購入することに決め、不動産屋を介して売主と売買契約をした。中古物件なので「現況渡し」となる点は受け入れざろう得ないが、振込でなく現金を持ってきてくれと言われたのには困惑した。その場で仲介手数料と登記費用を抜いて、残りを売主に渡して完結させたい不動産屋の意図はわかるが、銀行に事前に連絡して現金を準備してもらわなければならないし、その際に何に使うのか根掘り葉掘り聞かれるし（詐欺犯罪が多い時世だからね）、こちらも分厚い札束持ち歩くのは変な気疲れするし、こういうことは何度もやりたくないね。

ちなみにこの物件に関しては在住者が居るところを買ったから、契約後も彼らが退去するのを待たなければならない。まあ私自身もアパートから退去して引っ越してくる準備を諸々しなければならないので無駄な時間にはならないけど。

数ヵ月後、季節は仲秋となり、私は引越作業を開始した（荷物移送については過去記事で書いた）。運んできた荷物はとにかく片っ端から部屋に仮置きしていくが、一部屋では収まらず、写真のように隣の部屋にまであふれる始末。解体して運んできた幾つものメタルラックを再び組み上げて整理収納が完了するまでにはかなり時間が掛かりそうだが。。。移住後は誰にも縛られない時間がたっぷりあるから焦らずコツコツやっていきますわ（笑）。

アパート退去の立会いをし、最後の荷物を車に乗せたらもうその場所からはサヨウナラ。自分が勤務する会社の近くに借りた部屋だったけど、出張族だったからほとんどビジネスホテル暮らしで、実質的にそこに住んだ時間は少なく、ただの物置状態だったなあ。家賃も安くなかったけどね（嘆）。

そんなことを回想しながら車を走らせ新居に到着。これをもって私の移住は完了となった。今後この地で出来るだけ長く暮らせることを願っているが、人生は何が起きるか解らない。終の棲家となるのか、あるいはさらに二転三転するかもしれない。ただいずれにしても今日が人生何度目かの再出発であることは間違いない。自分のした選択を信じ、とりあえず行けるところまで行ってやろうと改めて腹を決める。さすればきっと悔いを残さず笑って逝けるだろうと。

肌寒さを感じる仲秋の山奥で、初めて点けた薪ストーブの炎は希望の灯火のようにも映るのだった。

（完）

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[yula2008]

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