#Чайковский произведения
Explore tagged Tumblr posts
Text
«Щелкунчик» и звезды балета: главная новогодняя премьера в Vegas City Hall
15 декабря 2024 года на сцене Vegas City Hall оживут шедевры Петра Ильича Чайковского — «Щелкунчик», «Спящая красавица» и «Лебединое озеро». Это уникальное событие объединит великолепие классического балета, исполненного звездами мировой сцены, и мощь живой симфонической музыки от HighTime orchestra. Что ждет зрителей? Фрагменты из трех легендарных балетов, которые стали символами Нового года:…
#культураобъединяет#000000#0000ff#Арина Томилина Щелкунчик#Времена года Чайковский балет#Детский альбом Чайковский#Инсайд Групп Продакшн#Культура#Лебединое озеро балет#Макс Телятников#Максим Телятников балет#Москва#Светская жизнь#Чайковский Лебединое озеро#Чайковский Новый год#Чайковский Спящая красавица#Чайковский музыка#Чайковский произведения#Чайковский HighTime orchestra#Щелкунчик Christmas Moscow#Щелкунчик Москва декабрь#Щелкунчик Симфония#Щелкунчик Спящая красавица Лебединое озеро#Щелкунчик Чайковский живой оркестр#Щелкунчик артисты#Щелкунчик балет#Щелкунчик балет музыка#Щелкунчик балетное шоу#Щелкунчик билет Москва#Щелкунчик билеты
0 notes
Text
Произведения композиторов, как цвета(то, как слышу я):
Антонио Вивальди:
разноцветные мазки красок в черно-белых фильмах.
Иоганн Себастьян Бах:
цвет яркой травы после дождя и цвет лучей солнца из-под туч.
Пётр Ильич Чайковский:
цвет грозовых туч и быстрого ветра.
Людвиг ван Бетховен:
цвет серого неба и цвет коры дуба.
Фридерик Шопен:
цвет ярко-голубого неба, цвет ярко-серого неба и белых облаков.
Вольфганг Амадей Моцарт:
цвета моря.
Антонио Сальери:
цвет академических рисунков твердым простым карандашом.
Сергей Сергеевич Прокофьев:
цвет сломанного ��ирпича (звук идёт лестницей).
3 notes
·
View notes
Text
Какую музыку лучше слушать беременным?
Ни для кого не секрет, что очень полезным является прослушивание музыки во врем вынашивании ребенка, правильно подобранная музыка, зачастую это классическая, оказывает положительное воздействие на организм: способствует общему оздоровлению, улучшению самочувствия, поднятию настроения, повышению активности у вас и вашего малыша…
Колыбельная
Мамина песня как ничто другое успокаивает новорожденного, ведь до определенного периода малыш вообще не отделяет себя от матери, именно поэтому он очень сильно нуждается в любом контакте и общением с ней. Колыбельная дает младенцу чувство защищенности и близости с мамой.Современные исследования показали, что музыка способствует улучшению соматических и функциональных показателей, значительно оживляет или восстанавливает утраченные рефлексы, нормализует частоту дыхания и сердечных сокращений. А значит под колыбельную ребенок скорее засыпает и сон его будет крепче.Можно, конечно, использовать готовые аудиозаписи колыбельных, но еще лучше, когда мама сама поет песни младенцу. Для ребенка очень важен ваш «живой» голос, это успокаивает его, приводит в равновесию, создает комфортный эмоциональный фон. Вы огорчаетесь из-за того, что не знаете ни одной колыбельной песни? Напрасно! Психологи говорят, что можно самой придумывать различные тексты песен, слова, главное, чтобы мелодия была убаюкивающая.
Музыка, как метод снятия усталости
Чтобы успокоить малыша, специалисты рекомендуют включать для него музыку во время кормления и даже когда он спит. Хорошие мелодии улучшают сон и аппетит. Для недоношенных и ослабленных детей наиболее полезно слушать мамино пение, находясь у нее на руках. Одновременно старайтесь смотреть на лицо крохи, обращайтесь непосредственно к нему, слегка поглаживайте в такт пению.
Для успоения и поднятия настроения не обязательно слушать только классическую музыку, но стоит воздержаться и от прослушивания тяжелой музыкой.Психологи разработали советы по использованию музыкальных композиций в различных случаях. Они пригодятся и беременным, и моло��ым мамам.
Расслабляющим действием обладают звуки флейты, игра на скрипке и фортепиано.
Успокаивающий эффект приносят звуки природы (шум моря, леса), вальсы (ритм ¾). Среди классики можно послушать произведения Вивальди, Бетховен «Симфония 6» – часть 2, Брамс «Колыбельная», Шуберт «Аве Мария», Шопен «Ноктюрн соль-минор», Дебюсси «Свет луны».
Ослабление чувства тревоги и неуверенности Мажорные мелодии с темпом ниже среднего.
Народная и детская музыка вызывает ощущение безопасности. Хорошее воздействие могут оказать этнические композиции. С классики: Шопен «Мазурка» и «Прелюдии», Штраус «Вальсы», Рубинштейн «Мелодии».
Для уменьшение раздражительности, нервного возбуждения включайте такую классику: Бах «Кантата 2» и «Итальянский концерт», Гайдн «Симфония», Бетховен «Лунная соната» и «Симфония ля-минор».
Улучшает настроение скрипичная и церковная музыка. Классика: произведения Моцарта, Гендель «Менуэт», Визе «Кармен» – часть 3.
Вялым и неактивным детям полезна ритмичная, бодрящая музыка. Можно использовать различные марши: их прослушивание немного учащает ритм сердца в спокойном состоянии, что оказывает мобилизующее воздействие. Классика: Чайковский «Шестая симфония» – часть 3, Бетховен «Увертюра Эдмонд», Шопен «Прелюдия 1, опус 28», Лист «Венгерская рапсодия 2». Ослабление головной и другой боли Религиозная музыка. Классика: Моцарт «Дон Жуан» и «Симфония № 40», Лист «Венгерская рапсодия 1», Хачатурян «Сюита Маскарад», Бетховен «Фиделио», Гершвин «Американец в Париже».
Для крепкого сна Сибелиус «Грустный вальс», Шуман «Грезы», Глюк «Мелодия», а также пьесы Чайковского. Малышу, который плохо спит, можно негромко проигрывать во время сна музыку с медленным темпом и четким ритмом.
mamainfo
0 notes
Text
❄История Снегурочки. Как создавался и менялся образ внучки Деда Мороза.❄ Культуролог Душечкина раскрыла происхождение Снегурочки. Начертить генеалогическое древо вряд ли получится. Поиски родителей Снегурочки подобны перебору многочленных листов авторских сказок и записанного фольклора, стихов и «методичек». Через них нельзя провести непрерывную линию, чтобы отыскать всех предков внучки Дедушки Мороза. Становление Снегурочки как героини детских утренников связано с изменением характера сказочной героини. Считается, что Снегурочка родилась в 1873 году — тогда Алексан��р Островский представил пьесу «Снегурочка». Ее родители в этом произведении — Мороз и Весна-Красна. Отец девочки узнает о том, что бог Солнца Ярило намерен ее погубить, заронив в сердце пламя любви. В надежде спасти дочь и спрятать Снегурочку от соблазна влюбиться родители отдают ее на воспитание в дом Бобыля. План не сработал. В 15 лет девочка погибает, едва успев впервые влюбиться. Авторское переложение сказки читателям не понравилось. «Современниками она была воспринята с недоумением и непониманием: Островскому не поверили, «Снегурочку» критиковали в печати, над ее текстом издевались», — пишет Елена Душечкина в книге «Русская елка. История, мифология, литература» («Новое литературное обозрение». Москва, 2023). Практически та же участь ждала и спектакль по пьесе, музыку к которому написал Петр Чайковский. Постановку сняли всего лишь после девяти показов, а положительный отзыв на нее был опубликован только в одном журнале — «Гражданине», редактором которого в 1873 году был Федор Достоевский, уточнил Дмитрий Шаваринский. Успех к «Снегурочке» пришел позже, когда за написание оперы взялся Николай Римский-Корсаков. Но и у него после первого прочтения сказка Островского восторга не вызвала. Лишь через несколько лет после публикации композитор оценил красоту произведения. ❄ Предшественницы Снегурочки в фольклоре. Во всех этих сказках Снегурочка не очень-то похожа на героиню новогодних елок. Да и Дед Мороз в них не появляется в качестве ее доброго дедушки. Как пишет Елена Душечкина, образ Деда Мороза в сценариях детских елок закрепился еще до революции. Вероятно, потому что у него были «двойники» в Западной Европе. Аналога у Снегурочки нет. Она уникальна. Впрочем, до революции Снегурочка тоже появлялась на елках: девочки наряжались в ее костюм, читались стихи с ее упоминаем, разыгрывались фрагменты из пьесы Островского, были елочные игрушки, изображавшие ее. Но роль ведущей новогоднего праздника она не исполняла. Как отметила Душечкина, впервые из дочки во внучку Мороза Снегурочка превратилась в «Зимней сказке» некоего Кука (произведение опубликовали в 1900 году в «Петербургском листке»). В 1912 году вышла книга «Снегуркин дом» Сергея Северного. В этом произведении, по мнению культуролога, Дед Мороз и Снегурочка «окончательно соединились в одном мифе». Снегурка становится похожа на знакомую по новогодним елкам героиню. Но на детских праздниках на равных с Дедом Морозом она пока не появлялась. В 1935 году вышли книжки по организации детских новогодних праздников, где Снегурочку наделили равными с ее дедушкой правами. Она стала помощницей Деда Мороза и посредницей в его общении с ребятами. В одной из довоенных методичек воспитателям в детских садиках предлагали рассказывать детям, что на утренник Дед Мороз придет со своей внучкой Снегурочкой. Впервые вместе на новогодней елке Дед Мороз и Снегурочка появились в 1937 году, добавляет Душечкина. Они пришли на праздник в московском Доме Союзов. ❄ Снегурочка в кино и на картинах На то, как мы себе представляем Снегурочку, повлияло изобразительное искусство. Душечкина уточняет, что в книгах и журналах часто использовали репродукции картины Виктора Васнецова «Снегурочка» (1899). Художник работал над оформлением домашнего спектакля Абрамцевского кружка по пьесе Ал��ксандра Островского (1882) и постановки «Снегурочка» Николая Римского-Корсакова в частной опере Саввы Мамонтова (1885), напоминают на сайте «Моя Третьяковка». На картине Васнецова Снегурка запечатлена на опушке заснеженного леса. Ее наряд украшен вышивкой. На полотне представлено первое появление Снегурочки в «Прологе» пьесы. В 1900-е эскиз костюма Снегурочки для оперы Римского-Корсакова создал Михаил Врубель. В роли Снегурки была супруга художника певица Надежда Забела-Врубель, говорится на сайте Рязанского государственного областного художественного музея им. И.П. Пожалостина. В 1912 году над эскизами к постановке по пьесе Островского в Петербургском драматическом театре «Рейнеке» работал Николай Рерих, рассказывают на портале «Виртуальный Русский музей». В 1908-м мастер выполнил декорации для одноименной оперы Римского-Корсакова для Опера Комик в Париже. Снегурочка становилась и героиней кино. Например, в 1968 году вышел одноименный фильм по пьесе Островского. Главная роль была у Евгении Филоновой («Чистые пруды», «Остановите Потапова!»). Еще одна советская лента по мотивам произведения Островского — «Весенняя сказка» (1971), где образ Снегурки воплотила Наталия Богунова («Большая перемена»). От пьесы Островского отходят в фильме «Новогодние приключения Маши и Вити». Снегурочку там спасают от Кащея. Внучку Деда Мороза сыграла Ирина Борисова («Тени исчезают в полдень»). https://www.rbc.ru/life/news/658ac6429a7947921651a413?utm_source=yxnews&utm_medium=desktop&utm_referrer=https%3A%2F%2Fdzen.ru%2Fnews%2Fsearch%3Ftext%3D ПРОШЛОЕ - РЯДОМ! 🌳📚🔎 🌳📚🔎 🌳📚🔎 🌳📚🔎 🌳📚🔎 🌳📚🔎 🌳📚🔎 🌳📚🔎 ✅Услуги составления родословной, генеалогического древа. 📖 ЗАКАЗ РОДОСЛОВНОЙ на нашем сайте: www.genealogyrus.ru/zakazat-issledovanie-rodoslovnoj 📖 ЗАКАЗ РОДОСЛОВНОЙ в нашей группе ВК: https://vk.com/app5619682_-66437473 ✉Или напишите нам: [email protected] ⚠Работаем с 2008 года!
0 notes
Photo
Клин — один из древнейших городов Руси, лежащий на старинном тракте, от Москвы и Дмитрова к Новгороду, а с XVIII века — и к Санкт-Петербургу. Чайковский жил в Клину и его окрестностях с 1885 года: отдыхал, много гулял, вел активную общественную жизнь и, конечно же, плодотворно работал. Именно в Клинских «убежищах» (как сам композитор называл снимаемые им дома) были созданы опера «Пиковая дама», балеты «Спящая красавица», «Щелкунчик», Пятая и Шестая симфонии, а также многие другие известные ценителям классической музыки произведения. (at Город Клин) https://www.instagram.com/p/Cp35ZwIIo31/?igshid=NGJjMDIxMWI=
0 notes
Text
«Природа творчества». Часть 5.
«Природа творчества». Часть 5. «Существует ад или нет?» Раньше я не верил в ад. Нас учили в школе, что ада нет, потому что шахтеры копали землю и его не нашли. А космонавты летали в космос и не видели Бога. Мы убедились, что ада нет, что это просто страшилки для детей. Наука не верит в ад. Но когда я стал изучать Веды, то нашел там описание ада. Я только начал изучать Веды и подумал: «Возможно, это описание следует понимать образно, а не буквально». У меня было недоверие, но я думал: «Как же мне понять, существует ад или нет?» В ответ на мои мысли я получил доказательство и коротко расскажу эту историю. Был конец 80-х годов, я был совсем молодым и еще многого не понимал. Но на нашу программу, где мы читали «Бхагавад-гиту», пришел один новый, незнакомый человек. Мы сразу замечали новых людей, если они интересовались «Бхагавад-гитой». У него был очень гротескный образ: прямые длинные волосы, орлиный нос, выпуклые мигающие глаза, постоянно смотрящие в одну точку, вытянутый вперед подбородок. Он просидел в углу, глядя в одну точку, всю нашу встречу, не задавая вопросов и ни на кого не глядя. Все заметили, что этот человек немножко со странностями. Но вечером, когда я пришел домой, раздался телефонный звонок. «Необычный звонок» – Здравствуйте. – Здравствуйте. – Я сегодня был на вашей программе. – Да, я вас видел. Вы хотите о чем-то спросить? – Да, у меня вопрос. – О, хорошо. Спрашивайте, давайте поговорим. – Скажите, ад вечен? Я не был уверен в существовании ада, но я знал его описание. Я сказал: «Нет, ад не вечен». Я хотел раскрыть ему эту тему, но он сказал: «Большое спасибо!» И положил трубку. Это был странный звонок. Ровно через сутки, в это же время, телефон снова зазвонил: – Здравствуйте. – Здравствуйте. – Я вам вчера звонил. – Я помню. – У меня к вам вопрос. Скажите, ад вечен? – Нет. Я постараюсь объяснить. Вы знаете, что такое карма? – Я что-то слышал об этом. – Это ��ак тюрьма: вы попадаете туда, если заслужили. Но тюрьма не вечна: срок закончится, и вы выйдете. Точно так же работает и ад. – Большое вам спасибо! Этот интересный человек снова положил трубку и позвонил ровно через сутки: – Здравствуйте. – Здравствуйте. – У меня к вам вопрос. – Слушаю. – Ад вечен? – Я же сказал, что не вечен. Когда карма кончается, кончаются и страдания. – А почему тогда христиане говорят, что ад вечен? – Это образно. Если вы идете к зубному врачу, вам говорят: «Потерпи 30 секунд». Но эти 30 секунд подобны вечности, правда же? Когда вам нужно терпеть очень много боли, и это длится, например, год, как вы переживете год такой боли? Для вас он будет подобен вечности. Поэтому на вратах ада написано: «На спасенье не надейся», «вечный ад». Вы проживете одно мгновение как несколько лет. Но карма кончится и все. – Большое вам спасибо! Мой собеседник снова положил трубку и перезвонил на следующий день: – Здравствуйте. – Здравствуйте. – У меня вопрос. – Я уже знаю ваш вопрос. Теперь у меня к вам вопрос. Почему вы постоянно говорите про ад? Я уже все вам объяснил. Почему вы боитесь этих вещей? Что с вами случилось? Я стал говорить с ним на разные темы и понял, что он нормальный человек. У него есть работа, и когда-то была семья. Но он ответил: – Понимаете, я был в аду. Из трубки повеяло каким-то холодком. Моя жена находилась рядом и все слышала. Она почувствовала это напряжение. Мой собеседник продолжал: – Я хочу встретиться, приходите ко мне сегодня вечером. – Хорошо, я приду. «Творчество в низших гуннах» Ради науки я был готов пожертвовать своей жизнью. Мне нужно было понять, есть ад или нет. Но моя жена встала в дверях и сказала: «Туда ты не пойдешь. Не пущу. Куда угодно, но туда ты не пойд��шь!» По этому звуку мы стали чувствовать, что этот человек что-то пережил. Я сказал: «Я пойду, не перечь!» Но уже по пути думал: «Жаль, что она меня не остановила. Были бы женщины сильнее – было бы спокойнее». Мужчине нужно показать свою силу, смелость – но нередко он нарывается. А женщины все чувствуют. Я шел туда со страхом, от этого разговора мне было не по себе. Это был питерский старый фонд, желтые дворы-колодцы времен Достоевского. Габаритные двери, первый этаж. Я вошел в темную подворотню, где солнечного света не было уже сотню лет, и нажал на звонок. Раздался скрип, – дверь открылась, но на пороге никого не было. Мне стало жутко, но, опустив глаза ниже, я увидел маленькую сгорбленную старуху в ночной рубашке. Она подняла голову и сказала: «Заходи», после чего исчезла в непроглядной тьме. Я вошел, но не понимал, куда идти дальше. Вокруг была темнота. Постепенно мои глаза привыкли к темноте, и я увидел зеркало, портьеры, коридор, а за ним комнату. В комнате стояло кресло, в нем спиной ко мне сидел этот человек. Длинные волосы, горбатый нос на фоне зашторенного окна. Он мигал глазами, глядя на кресло напротив, и ожидал, что я сяду в это кресло. Я подошел к креслу, понимая, что это место для меня, – никуда не денешься, карма, – и сел. Он рассказал мне все очень подробно. До этого я читал «Крошку Цахес». Это произведение похоже на сказку, но с колдовским уклоном, с какой-то чертовщиной. Не просто сказка – писатели того времени знали черное искусство, тонкие измерения. Все они были связаны с адскими формами жизни, с духами, приведениями и всем подобным. Это творчество в низших гунах. «Не хочу больше в ад» Некоторые люди любят «ужастики», где показывают отвратительные вещи. Это тоже искусство, но черное. Оно не возвышает человека, а возбуждает его чувства, беспокоит его, вызывает страх. И то, что мне рассказал мой собеседник, я уже слышал и читал, даже в Ведах. Но он не читал этих книг, а просто знал это по опыту. Я попросил его рассказать, что такое ад, что он там видел. – Там написано на воротах: «На спасение не надейся». И я оказался там. – И что там с тобой делали? – Одна из наиболее страшных вещей – меня вколачивали в камень. Я думал: «Откуда он все это знает?» – Другая вещь – меня душил змей. Несколько суток я был в железных кольцах, а врачи говорили, что у меня судороги. Но несколько дней я был скукожен, опутан этим змеем. – А что с тобой было до этого? – Я пил. У меня был алкоголизм. Я провалился в это состояние у сфинксов, прямо у Невы, и потом попал в больницу. Врачи что-то кололи мне, вытягивали меня, но это было невозможно. Я больше всего на свете боюсь снова попасть в ад. Я это пережил. Скажи, что мне делать? Можно ли не попадать туда? – Конечно можно. Слушай внимательно. Я читал об этом в Ведах и сам практикую – это работает. Не ешь мясо, рыбу и яйца. Не пей больше ни капли. Не надо никого обманывать, играть в азартные игры. И никакого незаконного секса. Повторяй вот эту мантру, медитируй на нее. «Творчество в страсти» Он стал следовать всему, что я сказал, но не из-за того, что он хотел познать Абсолютную ��стину, творчески возвыситься или обрести счастье, а просто из животного страха. Но самое поразительное было то, что он не мог соблюдать все эти принципы даже под страхом ада. Он нарушал их потому, что не соприкасался с красотой. В нашей жизни может быть много творчества, но если мы не соприкасаемся с истинной красотой, то наш образ жизни не изменится. Нас просто будет возбуждать какое-то творчество. Творчество может быть в невежестве, страсти и добродетели. Творчество в страсти в итоге пробуждает невежество. Например, когда женщина выходит на сцену, раздевается догола, просто танцует перед вами – как умеет, бездарно. Всем зрителям нравится ее выступление, у нее есть успех – все в шоке. Но результат ее деятельности – бесстыдство, невежество. Так происходит переход из страсти в невежество. А в невежестве бесстыдство переходит в кривляние, извращенные слова и дурачества. Мы видели, что иногда в сложных жизненных обстоятельствах люди начинают дурачиться и кривляться. Они больше не верят в жизнь, становятся циниками и падают в невежество. Так происходит потому, что эти люди действуют в страсти. Практически все современное искусство основано на сексе. Немногие сейчас пишут вещи, подобные тому, что писали Бах, Бетховен, Штраус, Чайковский. Немногие сейчас строят такие храмы, как строили в Риме, или подобные Нотр-Дам де Пари. Кто сейчас пишет такие картины, как Леонардо да Винчи? Его произведения хранятся в Лувре, нет ничего равного «Джоконде». Почти никто не создает и не умеет создавать шедевры, поскольку большинство людей заняты деятельностью в страсти. «Озарение из творчества» Я был в зале современного искусства и увидел представленную обнаженную натуру – женщину в разных позах. Результат такого искусства – тамас, поскольку оно возбуждает и отнимает разум и энергию. Творчество должно соединять, оно должно не отнимать энергию, а давать мощное вдохновение. Красота дает огромную силу, огромный «заряд батарей»! Когда люди соприкасаются с живой красотой, то они плачут и обещают себе, что никогда больше не будут ругаться матом и пить. Они начинают говорить: «Никогда больше не буду убивать или унижать кого-либо». Так происходит не потому, что их кто-то обвинил в содеянном, а потому, что они соприкоснулись с чистым искусством. Благодаря этой чистоте люди сами видят себя как в зеркале. Никто не критиковал их и не говорил, что они плохие. Они сами видят это. Когда человека охватывает озарение, то он начинает осознавать себя. Обычно он горько плачет и начинает новую жизнь. Нам очень важно заниматься творчеством. Все люди должны быть творцами. Не так, как в футболе, где 22 человека бегают, а тысячи людей просто смотрят, болеют и критикуют всех. «Судью на мыло, вратаря тоже, никто никуда не годится». Однако ни один из зрителей не способен пробежать по полю с такой скоростью даже без мяча. «Люди стали грубее» Мы привыкли превращать искусство в зрелище и развлечение. Мы ожидаем, что кто-то на сцене будет нас развлекать. Но где же наше творчество? Каждый человек должен уметь творить. Каждый дворянский ребенок умел рисовать и играть на музыкальных инструментах. Лев Толстой был таким удивительным человеком потому, что он был очень чувствительный к красоте. В его биографии говорится, что молодой Лев Толстой всегда отказывался, когда его просили сыграть на рояле. Естественно, как граф, он умел играть на рояле, умел рисовать, писать, излагать свои мысли каллиграфическим почерком. В то время все владели этим искусством – с этого все начиналось. Когда в светском обществе Льва Толстого просили сыграть на рояле, он всегда категорически отказывался. Но его очень сильно просили и, в конце концов, заставляли сыграть. Он садился за рояль, опускал пальцы на клавиши. Сыграв несколько аккордов, он начинал плакать, его начинало трясти, он хватался за голову и с криком убегал. Так влияла на него музыка. Известному писателю Стендалю, когда он приехал во Флоренцию, просто рассказали, какие великие шедевры там хранятся, и он потерял сознание, только услышав это. Невероятно, какой чувствительный интеллект был у людей! Сейчас, когда мы имеем дело с боями, сексом и рекламой, на которых построен современный кинематограф, наш разум становится грубее и теряет чувствительность. Поэтому человеческая культура и творчество должны скрывать то, что возбуждает наш ум. Когда возбуждаются нижние центры, то высшие центры отключаются, а если постоянно возбуждать нижние центры, то верхние атрофируются. Так, под воздействием алкоголя и мяса все тонкие центры атрофируются. А наша задача – восстановить их. Для этого требуется творчество, импульс, с их помощью человек может вдруг пробудиться, открыв свои тонкие энергии. «Понять язык творчества» Подобное было со мной в Калакшетре – в глубинке Южной Индии. Моя дочь училась там древнему классическому танцу «Баратнатьям» в школе, где сохраняются древние традиции. Она проучилась там 2 года, а затем мы приехали к ней, и я полгода жил там с семьей. В то время проходил фестиваль Калакшетры, на который приглашали гостей и спонсоров, которые поддерживают эту школу. В рамках фестиваля показывали сцены из «Рамаяны», «Шримад-Бхагаватам» и других Пуран. Стиль катхакали – это очень необычная вещь. Актер- мужчина надевает короткую гамчу и начинает разрисовывать все свое тело различными узорами. Это занимает долгое время и требует внимания, но рисунков не будет видно. Сверху надевается платье, затем юбка, а на голову – большая корона. Лицо актера раскрашивается, а в глаза ему закапывается сок особого растения, отчего белки становятся красными. Таким образом, на сцену выходит живая кукла, чьи глаза почти не двигаются. Актеры изучают особые движения и пластику, чтобы в течение трех часов показывать лилы. Сначала вы в шоке – вы никогда такого не видели, – но через какое-то время думаете: «Ну что это такое, глаз туда, глаз сюда?» Вы не понимаете языка этих движений. Полчаса я терпел, думая: «Боже мой, когда это кончится?» Выступление продо��жалось 3 часа, сюжет был мне знаком, я читал эту историю в Пуранах. Но я прочитал ее за полчаса! Что можно показывать целых 3 часа? И тогда я начал думать о том, что он сейчас показывает, о чем он говорит – ведь я знаю эту лилу. Вдруг я начал понимать, о чем идет речь. Это было самое начало. Вот один герой говорит другому, а тот отвечает. А вот этого я не читал. Оказывается, они еще столько говорили друг другу! Я начал понимать язык представления и не заметил, как прошло 2,5 часа. Я никогда не испытывал подобного, я словно попал в другое измерение, когда понял язык представления! Если человек не умеет читать, то долго ли он сможет просидеть за книгой? Сможет он просидеть 3 часа? А если человек умеет читать, он может читать ночь напролет. Чтобы понимать язык творчества тоже нужна подготовка. «Нужно возвышать творчество» В большинстве своем современная молодежь активирует нижнюю чакру, слушая простой ритм, соответствующий ритму сердца при возбуждении: «Бум, бум, бум». Им нравится такая музыка. Но затем нужно возвышать творчество. Разумеется, в творчестве используются разные элементы, и все чакры должны участвовать, – но в меру, без злоупотребления. В противном случае, когда нижние чакры активируются постоянно, то начинается эксплуатация, и получается уже нечто искусственное, запрещенное. Можно коснуться низших энергий, но затем подняться выше. А в результате необходимо оказаться на самом верху и остаться там. Тогда вы достигнете цели, очиститесь, и низшие сферы ��ольше не будут мешать вам продолжать свою жизнь. Значение творчества, особенно звука, очень велико. Изображение также должно соответствовать звуку, настроению. Необходимы театр, музыка, всевозможные постановки. Есть даже спектакли о душе и Сверхдуше. Мы не видим душу своими глазами, но, тем не менее, возможно показать и этот образ. Возможно, он будет соответствовать нашему образу, а может быть и нет. Тем не менее, в любом театре, в любом искусстве обязательно есть пространство для нашего образа. Александр Хакимов
2 notes
·
View notes
Text
Концерт ко Дню народного единства пройдет в «Пакгаузах» на Стрелке
Концерт (0+) ко Дню народного единства состоится в новом культурном центре Нижнего Новгорода «Пакгаузы» на Стрелке в рамках фестиваля «Наследие. Грани традиций» 3 ноября в 19:00, об этом сообщает АНО «Центр 800». В программу мероприятия войдут композиции, раскрывающие богатое культурное наследие многонационального народа России. Нижегородцы и гости города смогут услышать произведения классических композиторов, среди которых — Чайковский, Мусоргский, Римский-Корсаков, Бородин, Хачатурян, Амиров, Шульхоф, Биберган, Щедрин, а также любимые народные песни и известные романсы. На одной сцене концертного зала в «Пакгаузах» выступят Нижегородский русский народный оркестр им. В. А. Кузнецова (дирижер — художественный руководитель оркестра Борис Схиртладзе); квартет солистов оркестра La Voce Strumentale в составе: Кристина Траулько (скрипка), Мария Балабух (скрипка), Мария Евдокимова (альт), Анна Прохорова (виолончель); а также солисты Нижегородского государственного академического театра оперы и балета им. А. С. Пушкина Елена Сизова, Михаил Наумов, Олег Федоненко и Яна Дьякова. В праздничном концерте примут участие любимые нижегородцами исполнители народных песен Максим Павлов и Майя Балашова. Узнать подробнее о мероприятии можно по ссылке. Напомним, фестиваль «Наследие. Грани традиции» проходит в Нижегородской области с 29 сентября по 16 ноября. В его программу вошли концерты, мастер-классы и творческие встречи с выдающимися музыкантами, композиторами и дирижерами народного музыкального искусства. Проект поддержан грантом «Команды креативных практик» АНО «Центр 800». Справка Концертный зал на 426 мест и галерею в «Пакгаузах» открыли на Стрелке летом 2022 года. Концертный зал — уникальный проект в масштабах России. Его оригинальная архитектурная черта — стеклянная панорамная стена с видом на Стрелку и историческую часть города. Время реверберации звука в концертном зале — две секунды. Театральное эхо плавно спадает за счет конструкций — вертикальных ребер боковых стен. Благодаря этому в концертном зале создается особенный звук.
https://www.nn.org.ru
0 notes
Text
Каналы и канавки Северной Венеции
Общая протяжённость всех водотоков на территории Санкт-Петербурга достигает 282 км, а их водная поверхность составляет около 7 % всей площади города. Особое место в водной системе занимают каналы и канавке. История каналов и канавок Петербурга, может изумить даже тех, кто, казалось бы, знает город как свои пять пальцев. 1. Зимняя канавка. Канавка имела несколько названий (Старый дворцовый канал, Зимнедворцовый канал и Зимний канал), которые не прижились. Привычное для нас название закрепилось в речи петербуржцев с 1801 года и со временем стало официальным. Знаменитой канавка стала после постройки классицистического трёхэтажного здания Эрмитажного театра работы Кваренги и Большого Эрмитажа по проекту Фельтена. Эти два здания между собой соединили галереей-переходом, которая опирается на арку, перекинутую через канавку. Канавка также является одним из действующих лиц печального события, которое композитор Пётр Ильич Чайковский использовал в своей опере «Пиковая дама». По сюжету музыкального произведения Лиза, после того как от неё убегает полубольной и полубезумный Герман, бросается в воды Зимней канавки как раз с Эрмитажного мостика. Этот фрагмент отсутствует в повести Пушкина. А в опере он появился после того, как Чайковский прочитал в одной из петербургских газет описание самоубийства некой Юлии Перовой, прыгнувшей в воду из-за несчастной любви. 2. Канал Грибоедова. До 1923 года канал носил имя Екатерининский, в честь императрицы Екатерины Второй. Современное название канал обрёл в годы НЭПа, когда его переименовали в честь русского драматурга и дипломата Александра Сергеевича Грибоедова, проживавшего в одном из домов на набережной канала. Сначала городскую достопримечательность называли каналом Писателя Грибоедова, а с 1931 года — каналом Грибоедова. С каналом связана любопытная легенда о призраке революционерки Софьи Перовской — одного из руководителей убийства Александра II. Говорят, что на одном из мостов, переброшенных через канал, каждый март можно встретить призрачную фигурку девушки с посиневшим от удушья лицом и кровавым от верёвки следом на шее (девушку приговорили к смерти через повешение на плацу Семёновского полка), которая судорожно сжимает в руках платочек, которым 13 марта 1881 года давала сигнал бомбометателям, чтобы они приступали к действию — убийству императора Александра II. 3. Лебяжья канавка Своё название канавка получила из-за весьма романтического обстоятельства: в XVIII в него неожиданно переселились лебеди из соседних прудов, что и дало резон сначала горожанам называть так их место обитания, а после и городским властям, которые изначально именовали канал Летним или каналом Летнего сада. До 1719 года здесь пролегала неглубокая и болотистая речка Лебединка, протекавшая вдоль западной границы сада, которую со временем решили углубить и превратить в канал. Сегодня это одна из самых известных достопримечательностей города, а часть решетки у канавки является одной из самых узнаваемых картинок Санкт-Петербруга. 4. Крюков канал Канал берет свое начало от Адмиралтейского канала в районе площади Труда. Прорывался он в транспортных целях в 1719—1720 годах, а своё официальное название — Крюков канал, получил в 1738 году по имени подрядчика Семёна Крюкова, лично знавшего при жизни Петра Первого. Когда в городе начали строить Благовещенский мост, часть канала, проходящую через площадь Труда, была заключена в подземную трубу. С этой трубой связано повествование романа Всеволода Крестовского «Петербургские трущобы». Читая это произведение, следует помнить, что в 1912 году мостовая над протокой стала проседать, а через некоторое время провалилась в подземелье, что и использовал в своём романе Крестовский: по сюжету, в канале происходит убийство и ограбление одного из героев романа. Как гласит история, события имели под собой реальную почву, так как трущоба в те годы XX века была одним из самых страшных прибежищ криминальных элементов Петербурга. Поговаривают, что подземелья сохранились до наших дней. Там, на стыке Крюкова канала с Адмиралтейским, напротив Новой Голландии, на гранитной стенке можно
увидеть две закрытые арки, ведущие, если верить людской молве, в подземелья. 5. Обводный канал Сегодня канал сильно обмелел, но в момент своего возникновения, в 1780 году, он строился как судоходный и одновременно как оборо��ительный. Когда в 1805 году по приказу Александра I строительство протоки продолжилось с целью соединения Невы с Финским заливом, проекту отдавали уже другие функции: он должен был защитить город от возможных наводнений. Однако, первоочерёдная роль, конечно, отдавалась судоходству, которое помогало развивать промышленность Петербурга. Канал протекает в промышленной части города У горожан канал ассоциировался с тяжёлой долей простого человека и даже возникла присказка: «Батюшка Питер бока наши вытер, а матушка Канава и совсем доконала». «Канава» в данном случае — это неофициальное название Обводного, так как от сточных вод здесь всегда стоял неприятный запах.
0 notes
Photo
Партитура дирижера ⚡️ Настольная книга, Библия, закон истины, руководство по использованию - все это партитура. ⚡️ Партитура - это мысли и голос композитора, оформленные в ноты, знаки и артикуляцию. ⚡️ Получив 3-е высшее ��бразование, я понял, что все, что написано в партитуре - свято, и это и есть высшая энергия, смысл произведения, который дирижеру нужно разобрать, узнать, внимательно обдумать и только потом вынести на репетицию с оркестром «Сити» @moscow_orchestra ⚡️ У каждого дирижера свои любимые композиторы и произведения. Для меня все великие композиторы - это светила, к партитурам которых я всегда подхожу трепетно: Моцарт, Бетховен, Верди, Сен-Санс, Свиридов, Рахманинов, Чайковский и др. Этот список можно продолжать бесконечно. ⚡️ Партитура- это главное. Как дирижёр я всегда внимательно прорабатываю музыкальный текст, проигрывая на фортепиано или пропевая пассажи и оркестровые партии. ⚡️ Эта работа требует много времени - но только так можно добраться до смысла и глубины. ⚡️ Как сказал Бетховен: «Музыка должна высекать огонь из людских сердец». ⚡️ И для меня важно донести смысл и глубину шедевров. ⚡️ В общем, работа над музыкальными творениями непроста и энергозатратна, но я точно знаю, что нет людей, равнодушных к музыке. ⚡️ Больше полезной информации на моем сайте 👉vladimiryatskevich.com или в шапке профиля . . . #яцкевич #яцкевичвладимир #композитор #дирижер #Yatskevich #conductor #дирижер #симфоническийоркестр #камерныйоркестр #оркестр #music #vladimiryatskevich #yatskevich #conductor #музыканты (at Московская филармония) https://www.instagram.com/p/CNrvD3dpk6a/?igshid=t7dq8pxo26v4
#яцкевич#яцкевичвладимир#композитор#дирижер#yatskevich#conductor#симфоническийоркестр#камерныйоркестр#оркестр#music#vladimiryatskevich#музыканты
0 notes
Photo
Исследуя архивные данные П.И.Чайковского, столкнулись с важным персонажем в его жизни . Это была удивительная женщина, восхищавшейся талантом великого русского композитора, ставшей его доброй покровительницей, полюбившей его и мечтавшей о нём долгие годы. Надежда фон Мекк, баронесса, мать одиннадцати детей, сорокалетняя вдова, богатейшая из российских женщин, могла позволить себе всё, о чём можно было только мечтать в её более чем скромной юности. Однако в её душе давно была пустота. Сильная и властная, Надежда давно была одинока. Узнав, что великий композитор живет в очень стесненных обстоятельствах баронесса стала покровительницей музыканта, находя в этом особое удовольствие. К тому же её сердце было наполнено самыми прекрасными чувствами. Чайковский этого будто бы не замечал. В знак признательности Чайковский посвятил свою 4-ю Симфонию Надежде Филаретовне. Она из скромности не пожелала, чтобы там значилось её имя, и композитор указал просто — «моему другу». Когда Петр Ильич сообщил ей о намерении жениться на своей студенке Надежда фон Мекк сгорала от ревности, невыразимо страдала и не могла даже намекнуть Петру Ильичу о своих чувствах. Она боялась, что с женитьбой их переписка оборвётся и она, влюблённая и отверженная, опять останется в одиночестве. Вскоре после с разрывом с женой он стал ещё ближе к баронессе, а письма становились более нежными и интимными. Переживавшая за композитора покровительница пересылала ему за границу огромные суммы. В то время она назначила музыканту ежегодное пособие в размере шести тысяч рублей в год. Эта помощь длилась долгих тринадцать лет. Чайковский, благодарный своей спасительнице, клялся, что отныне будет посвящать свои произведения только ей, “милому бесценному другу”. “Я ей обязан не только жизнью, но и тем, что могу продолжать работать, а это для меня дороже жизни”, — писал композитор одному из своих друзей. А Надежда не только поддерживала Петра Ильича материально, но и постоянно старалась поднять ему настроение. Зная о склонности музыканта к меланхолическим настроениям, баронесса устраивала возлюбленному приятные сюрпризы. Где бы он ни находился, очень часто он видел у себя живые цветы, которые доставлялись ему по поручению “преданного друга”. Чайковский понимал, что никогда не сможет увидеть лица той прекрасной женщины, которая покровительствовала ему уже несколько лет. Это была её воля — никогда не встречаться, никогда не видеть глаз друг друга, никогда не слышать голосов. Пятнадцать лет продолжалась эта переписка — история платонической и самой нежной любви двух одиноких душ, которым не суждено было встретиться в жизни. Однако через тринадцать лет, в 1890 году, Надежда фон Мекк неожиданно прислала Чайковскому странное, предельно лаконичное и сухое письмо. В нём она сообщала, что больше не может помогать композитору материально, так как находится в труднейшем финансовом положении, и просила больше не писать ей. В конце письма стояла фраза: “Вспоминайте меня иногда”.Пётр Ильич страдал и не мог найти объяснение этому невероятному поступку своего давнего друга, которого он любил по-своему и боготворил .Перед смертью он вспоминал баронессу и желал увидеть ��ё лицо. А та, уже постаревшая и прикованная к кровати тяжелейшим недугом, узнав о смертельной болезни друга, умирала счастливой, пережившая в своём сердце самое нежное и красивое чувство к великому композитору.
3 notes
·
View notes
Text
Миниатюрный марш и виртуозные произведения Чайковского прозвучат в Мальтийской капелле
Симфонический концерт «Чайковский в Мальтийской капелле» состоится в капелле Воронцовского дворца в Санкт-Петербурге 3 ноября 2024 года. В программе – виртуозные произведения гения русской музыки: Оркестровая сюита №1 и Концерт для скрипки с оркестром. Исполнит их Губернаторский симфонический оркестр Санкт-Петербурга под руководством Антона Лубченко, а солировать в концерте будет лауреат…
#культураобъединяет#000000#Большой международный фестиваль Чайковского «Чайковский. Перез��грузка»#Губернаторский симфонический оркестр Санкт-Петербурга#Инсайд Групп Продакшн#Культура#Леонид Железный#Ма��ьтийская капелла#Оркестровая сюита#Санкт-Петербург#Светская жизнь#Чайковский в Мальтийской капелле#Юрий Башмет#куда пойти в Питере#куда пойти в Санкт-Петербурге#фестиваль#socialite.news#socialitenews
0 notes
Text
р. барт Смерть автора
основные идеи «Смерти автора». Таковых набралось, не считая побочных линий, шесть. 1. Прежде всего, Барта не устраивает культ Автора, царящий в литературе и считающий, что содержание произведения – есть отражение его переживаний. Заодно достается и критикам, ищущим источники этого переживания в житейской несостоятельности (Бодлер), душевной болезни (Ван Гог) или пороке (Чайковский). 2. Основной посыл Барта – текст вырождается в гипертекст, сотканный из «цитат, отсылающих к тысячам культурных источников». В результате чего Автор низводится до Скриптора, который «несет в себе не страсти, настроения, чувства или впечатления, а только такой необъятный словарь, из которого он черпает свое письмо». 3. Далее Автор низводится еще ниже - до положения механического Проводника, чья рука записывает как можно скорее то, о чем даже не подозревает голова или он и вовсе растворяется в «групповом письме». Высказывание как таковое - пустой процесс и превосходно совершается само собой, так что нет нужды наполнять его личностным содержанием говорящего. 4. Логическим завершением процесса является полное исчезновение Автора, который уступает место Скриптору, материализующемуся только в момент речевого акта (насколько можно понять – озвучивания гипертекста). А сам текст теряет всякую осмысленность и превращается в «некое знаковое поле, не имеющее исходной точки». 5. Текст порождает смысл только в момент его восприятия, но он тут же улетучивается, происходит систематическое высвобождение смысла. «Тем самым литература (отныне правильнее было бы говорить письмо), отказываясь признавать за текстом (и за всем миром как текстом) какую-нибудь «тайну», то есть окончательный смысл, открывает свободу контртеологической, революционной по сути своей деятельности, так как не останавливать течение смысла - значит в конечном счете отвергнуть самого бога и все его ипостаси - рациональный порядок, науку, закон». 6. В заключение достается и читателю. «Читатель - это то пространство, где запечатлеваются все до единой цитаты, из которых слагается письмо; текст обретает единство не в происхождении своем, а в предназначении, только предназначение это не личный адрес; читатель - это человек без истории, без биографии, без психологии, он всего лишь некто, сводящий воедино все те штрихи, что образуют письменный текст».
Новая поэзия «за исключением своей отправной точки не поставляет себя ни в какие отношения к миру, не координируется с ним никак» и «все остальные точки ее возможного с ним пересечения заранее должны быть признаны незакономерными» - провозглашено почти за 60 лет до Барта в манифесте футуристов. Но у футуристов хватило такта не навязывать свою точку зрения всей литературе и ограничиться только собственным творчеством. Французский семиотик решил пойти дальше самых отъявленных революционеров слова. На самом деле, Барт в своем эссе достаточно точно отразил основные положения модернизма – решительное нарушение принципа последовательности повествования, отказ от канонической взаимосвязи и единства сюжета, принципов «причинно-следственного» развития, использование иронических и двусмысленных сопоставлений, ставящих под сомнение морально-философскую основу поведения литературных героев, вс��ческое уничижение рационального, противопоставление рациональному сознанию внутреннего иррационального сознания. Внутри модернистских текстов положения Барта вполне уместны и применимы. Но экстраполировать его тезисы на всю литературу – мягко говоря, не совсем корректно. Потребность в новом языковом отражении действительности возникает при резких изменениях самой этой действительности. Футуризм отражал тектонические сдвиги начала XX века, модернизм – второй четверти и середины. Но как только жизнь ассимилирует бунтарство, превращая его коммерческий товар, исче��ает основа для словесных экспериментов и на смену модернизму приходит постмодернизм. *** Постмодернизм синтезировал реализм и предмодернизм первой половины XX века с некоторыми элементами модернизма. Он стремится к созданию литературы более демократической и более притягательной, нежели «Поминки по Финнегану» Джеймса Джойса, «Песни» Эзры Паунда, «Рассказы и тексты для ничего» Беккета, требующих для своего понимания обширных комментариев и справочников. Постмодернистский роман поднимается над спором между реализмом и ирреализмом, формализмом и «содержательной литературой», литературой для «избранных» и массовой литературой. Его можно сравнить с хорошей музыкой: каждое повторное прослушивание обнаруживает новые нюансы. Но самое первое знакомство должно быть столь захватывающим, что бы возникло желание вернуться к нему вновь. Думаю, без труда читающие эти строки определят, что мы до сих пор живем в эпоху постмодернизма. *** Единственное, с чем можно согласиться в эссе Р. Барта – это предсказание «смерти» традиционной критики. С распространением интернета она все больше заменяется референтными группами, т.е. персонифицированным мнением, обращенным только к конкретному человеку.
и тут
0 notes
Photo
Ꮇиᴄᴛичᴇᴄᴋий Пᴇᴛᴇᴩбуᴩᴦ. Ꮯᴀʍыᴇ инᴛᴇᴩᴇᴄныᴇ ʍᴇᴄᴛᴀ. Чᴀᴄᴛь #2. ⠀ Ꭲᴀйнᴀ «Пиᴋᴏʙᴏй дᴀʍы» ⠀ Кому из нас не знакома магическая фраза «тройка, семерка, туз» из повести Александра Сергеевича Пушкина «Пиковая дама»? ⠀ ��стория с тремя картами была не выдумана, а взята поэтом из реальной жизни. На Малой Морской улице, 10, где сейчас находится поликлиника, когда-то проживала известная всему Петербургу княгиня Наталья Петровна Голицына, в прошлом красавица, фрейлина императрицы Екатерины II. Она и послужила Пушкину прототипом главной героини - старой графини. ⠀ За несколько месяцев до создания повести автор жил неподалеку от особняка Голицыной. По легенде, ее племянник лично рассказал поэту, как после очередного крупного проигрыша старуха поведала ему тайну «трех карт» - тройки, семерки и туза, рассказанную ей магом и чародеем графом Сен-Жерменом. Пушкина рассказ вдохновил, не менее сильно на него подействовала и история смерти Голицыной. ⠀ Поговаривали, что под конец жизни суеверной княгине являлся призрак черного офицера, он и увел её в могилу. После смерти, теперь уже дух самой княгини стал обитать в доме на Малой Морской. Видимо, он не остался незамеченным еще одним гением русского искусства – Петром Ильичом Чайковским. Знаменитую оперу по одноименной повести Пушкина композитор написал во Флоренции, но, умирая от холеры, последние дни своей жизни провел в доме на Малой Морской, 13, в квартире брата Модеста – как раз напротив таинственного особняка Голицыной. ⠀ Совпадение? Или месть старухи? Решайте сами, но оба гения умирают спустя три года (магическая сила цифры «три») после того как их произведения выходят в свет. Пушкин – в 1837 г. (повесть напечатана в 1834), Чайковский в 1893 г. (опера впервые поставлена в 1890 г.). ⠀ Пᴩᴏдᴏᴧжᴇниᴇ ᴄᴧᴇдуᴇᴛ...➡️➡️ ⠀ ✔Источник: spb.aif.ru ⠀ (at Saint Petersburg, Russia) https://www.instagram.com/p/B5KUXiagQak/?igshid=18n7vrz4uftxo
0 notes
Text
Любителям краеведения стали доступны книги Леонида Рафельсона о Шаляпине, святителе Алексии и изобретателе баяна Павле Чулкове.
Издания этого самарского краеведа (а также конструктора и изобретателя) недавно были оцифрованы в областной универсальной научной библиотеке. Леонид Рафельсон предоставил ей право на распространение копий своих работ. Теперь три его краеведческие книги (12 +) находятся в свободном доступе в электронной библиотеке.
Вначале была гармоника Эти издания - о людях, чьи судьбы тесно связаны с историей нашего края. Первая книга - "Небесный заступник всея Руси". Это жизнеописание митрополита Киевского и Московского Алексия. Именно он, согласно легенде, предрек нашему городу счастливое будущее и считался небесным покровителем Самары. Его жизнь необычайно долгая по тем временам - это 85 лет российской истории в эпоху Средневековья. И автор скрупулезно исследует и биографию митрополита, и время, в которое он жил. Вторая книга совсем не похожа на первую. Она называется "Самарский баян". Автор доказывает версию, что история создания первого в мире баяна связана с нашим городом и с деятельностью музыканта и изобретателя Павла Чулкова. - Я думаю, что его вдохновил на создание такого концертного инструмента Петр Ильич Чайковский, - говорит краевед. - В 1883 году композитор ввел партию аккордиона (в то время это слово писалось через букву "и") в партитуру своей Характеристической сюиты № 2. Тогда это был примитивный инструмент, напоминавший детскую игрушку. Но гениальный Чайковский предвидел замечательное будущее этого инструмента. Павел Чулков родился и учился в Туле. Работал в мастерской своего отца Леонтия Алексеевича, который был известным гармонным мастером. Отец был первым, кто сделал хроматическую гармонику по эскизам тульского музыканта-самородка Белобородова. Но сын превзошел отца во всех отношениях. Был он очень одаренным человеком. И гармонным мастером, и организатором производства, и купцом первой гильдии, и прекрасным исполнителем, изучившим теорию музыки и виртуозно владевшим несколькими инструментами. Но как же судьба связала Чулкова с Самарой? - Он приехал в наш город молодым человеком в 1894 году, - рассказывает Леонид Рафельсон. - К тому времени он был уже сложившимся гармонным мастером и коммерсантом. Чулков был в центре музыкальной жизни Самары. А открытый им магазин на углу Дворянской и Предтеченской (сейчас в этом здании находится пиццерия) был чем-то вроде музыкального клуба, притягивая к себе всех любителей этого искусства. Потом ��улков открыл магазин в другом месте на Дворянской - там, где сейчас находится музыкальное училище. Любопытная деталь: в своих мемуарах, опубликованных в журнале "Граммофон" в 1909 году, Чулков пишет о том, что в его магазине продавали гармоники с одним условием: человек, купивший ее, должен был освоить инструмент в течение трех недель. В противном случае гармоника изымалась, а деньги возвращались. Продавали в магазине не только гармоники, созданные в мастерских Чулкова. Он был признанным дистрибьютором видных европейских фирм - рояльных и скрипичных. Будучи в Самаре, Чулков и создал первый инструмент, который был прообразом современного баяна. Он демонстрировал его в 1897 году в Туле на Кустарно-промышленной выставке. Это был единственный на то время инструмент, который он сделал для себя. На выставке он получил за него серебряную медаль. Автор книги убежден, что это был первый не только в России, но и в мире баян. Чулков создал его раньше и независимо от итальянского мастера Паоло Сопрани, получившего в том же 1897 году патент на изобретение кнопочного аккордеона. О его конструкции Чулков просто не мог знать - итальянские мастера держали в тайне секреты создания своих инструментов. Лишь в начале ХХ века под словом "баян" стали подразумевать инструмент особого типа с тремя рядами кнопок на хроматической правой клавиатуре и прочими отличиями. В первые годы советской власти производство музыкальных инструментов в Самаре было уничтожено. Исчезла целая отрасль, которая считалась передовой в Европе. Именно Павел Чулков пригласил выступить в Самаре Федора Ивановича Шаляпина. Этот памятный концерт прошел в 1909 году. Сохранился снимок, который приводится в книге: Шаляпин и встречающая его депутация самарских граждан на палубе парохода "Александр Грибоедов". - Я был уверен, что среди этих людей должен был находиться и Чулков, - говорит автор книги. - Но как он выглядел, не было известно. Я искал сведения об этом везде, где только можно: в календарях, бизнес-справочниках того времени. И нашел в энциклопедии по баянному искусству музыковеда профессора Альфреда Мирека. Кстати, он первым обнаружил материалы о том, что именно Павел Леонтьевич Чулков был создателем российского баяна. Три визита Шаляпина О связи великого певца с нашим городом рассказывает третья книга Леонида Рафельсона - "Федoр Иванoвич Шаляпин". В ней автор обстоятельно рассказывает о трех его приездах в Самару на рубеже ХIХ-ХХ веков. Книга написана на основе воспоминаний современников певца, газетных публикаций начала прошлого века и архивных изысканий автора. В первый раз Шаляпин приехал в Самару в 1890 году, когда 17-летним юношей возвращался из Астрахани в Казань. - Денег у него тогда не было, но команда позволила ему бесплатно плыть на своем буксире, - рассказывает Леонид Рафельсон. - В Самаре пришлось ему все-таки сойти, чтобы заработать на еду. Здесь Шаляпин нанялся в артель грузчиков. Неделю он грузил на самарской пристани с "крючниками" кули с мукой. Работа была физически тяжелая, учитывая, что куль весил до 80 кг. Их надо было носить по шатким сходням, а работали по 8-12 часов в день... В следующий раз Шаляпин приехал в Самару через год, в 1891-м. Здесь он был зачислен в украинскую опереточную труппу Георгия Иосифовича Любимова-Деркача. В нашем городе на спектакле в драматическом театре, который назывался "Ой, не ходи, Грицю, та на вечорницы", он пел в мужском хоре труппы. Никто из зрителей тогда, конечно, не мог и предполагать, что в следующий раз не известный никому хорист вернется в Самару прославленным певцом, покорившим сердца любителей музыки во всем мире. Вся планета называла Шаляпина "голосом русского простора". В пору расцвета своей славы, в 1909 году, и приехал Шаляпин в наш город в третий раз. Слухи о приезде "Феденьки" (так называли в России великого певца с легкой руки его первой жены Иолы Игнатьевны Торнаги) взбудоражили город задолго до появления в нем Шаляпина. Леонид Рафельсон собрал воспоминания самарцев, которые побывали на шаляпинском концерте 18 сентября в театре-цирке "Олимп", свидетельства о нем в местной прессе. Леонид Рафельсон восстановил программу пребывания великого баса в нашем городе в течение всех трех дней, с 17 по 19 сентября. Утром 18 сентября Шаляпин дал интервью сотруднику самарской газеты "Волжское слово". Отрывки из него приводятся в книге. В тот же день он отправился на Всесвятское кладбище - искать могилу матери. Через семь лет Шаляпин напишет: - Ни церковный сторож, ни причт церковный не мог сказать мне, где хоронили бедных из больницы в год смерти матери. Только какой-то священник отвел меня в уголок кладбища, заросший сорными травами. И сказал: "Кажется, здесь". В своей книге Рафельсон пишет, что это был за человек. Как удалось выяснить автору, им оказался священник Самарской епархии Семен Иванович Адриановский - прадед самарского музыковеда Натальи Эскиной. Продолжая ту историю с пос��щением кладбища, Шаляпин пишет: - Я взял комок земли, который храню и до сего дня, отслужил панихиду, поплакал о матери, а вечером, во фраке, с триумфом пел концерт. Как будто так и надо. Пел Шаляпин на том памятном концерте на протяжении двух с лишним часов. - В зале негде было упасть яблоку, - рассказывает Леонид Рафельсон. - Публика начала съезжаться на концерт, по крайней мере за час до начала. У кассы - городовые и молодежь, сутки простоявшая на улице, чтобы получить контрамарку или купить лишний билет. В театре вся Самара: военные, чиновники, богатейшие промышленники и купцы. В райке - учащаяся молодежь, приезжие студенты. В книге приводятся воспоминания людей, которым посчастливилось попасть на тот концерт. Среди них - и воспоминания будущего замечательного самарского актера и историка театра Георгия Шебуева. Тогда он был студентом Казанского университета. Программа шаляпинского концерта, включая произведения, исполненные спутниками Шаляпина альтистом Николаем Авьерино и пианистом Федором Кёнеманом, скрупулезно воссоздана краеведом по многочисленным литературным источникам… https://sova.info/news/lyubitelyam-kraevedeniya-stali-dostupny-knigi-leonida-rafelsona-o-shalyapine-svyatitele-aleksii-i-iz/?utm_source=yxnews&utm_medium=desktop ✅Найдём информацию о ваших предках! ✅Услуги составления родословной, генеалогического древа. ✅Заказ родословной (оценка перспектив исследования - БЕСПЛАТНО): www.genealogyrus.ru/zakazat-issledovanie-rodoslovnoj https://www.genealogyrus.ru
0 notes
Text
В центре «Космонавтика и авиация» на ВДНХ впервые пройдет концерт классической музыки
В центре «Космонавтика и авиация» на ВДНХ впервые пройдет концерт классической музыки
В центре «Космонавтика и авиация» на ВДНХ впервые пройдет концерт классической музыки
В программе — выступления народных артистов России, которые исполнят произведения Чайковского, Мендельсона и Листа.
В центре «Космонавтика и авиация» на ВДНХ впервые пройдет концерт классической музыки «Чайковский и космос».
«Москвичей и гостей города ждет подарок ко Дню космонавтики и к первой годовщине открытия…
View On WordPress
0 notes
Text
#Бтнеделя5
#донкихот
#классика
#историямузыки
#история
#светланазахарова
#людвигминкус
#большойтеатр
#театр
#классическаямузыка
#искусство
#балет
#classicalmusic
#theater
#moscow
#москва
#испания
#spain
#русские
#испанцы
В Российской империи было две волны «испанофильства» - до войны с Наполеоном и после неё.
Сначала появились переводы лёгкой испанской литературы для широкого круга читателей. Знакомство с ней производилось через французский или немецкий перевод, поэтому некоторые искажения были неизбежны. Так потом стал упоминаться Дон КиШот. В это же время декабристы вдохновлялись примером успешного испанского революционера Риего. Но представления об этой стране были ещё смутные и романтизированные, в основном состоявшие из таких штампов, как бои быков или красавицы с кастаньетами.
После 1812 года взаимный интерес этих стран стал более значительным для искусства. Многие представители интеллигенции посетили Испанию и открыли соотечественникам её с более реалистичной стороны. Наиболее важен среди них М.И. Глинка. Он открыл испанский тематизм для русской музыки, написав две увертюры «Ночь в Мадриде» и «Арагонская хота» и ряд романсов. После него русские композиторы начинают писать музыку в испанской манере, нередко используя подлинные народные мелодии. И это становится общепринятым не только как дань уважения главному композитору Российской империи того времени, но и как обращение к культуре, вызвавшей всеобщий интерес. Среди этих композиторов – М.А. Балакирев, А.П. Бородин, Н.А. Римский-Корсаков, затем П.И. Чайковский, А.К. Глазунов и другие. Зачастую это были симфонические произведения.
Наряду с этими именами в этой рецензии может стоять и Людвиг Минкус, по очень простой причине. Большую часть его творческой деятельности осуществлялась в Российской империи. Он любил эту страну и поддержал возросший интерес к Испании, написав либретто и музыку к балету Мариуса Петипа «Дон Кихот».
Интересно то, что главному герою уделили мало внимания и хореограф, и композитор-сценарист; это поддержано Большим театром. Тем не менее, он эффектно выходил на сцену. Например, в цирковом образе (середина I действия): приехав на живой лошади, Дон Кихот спустился, возмутил народную массу (почти 100 танцоров), и его стали качать на растянутом полотне, подбрасывая высоко в воздух. Это напомнило историю об опере seria во времена её упадка. Зрелищно, как на арене. Или во второй картине второго действия: момент, когда он зацепляется за ветряную мельницу и она выбрасывает его, был реализован буквально, причём крылья мельницы крутились со страшной скоростью. Только вместо настоящего Дон Кихота на сцену полетела его кукла.
Танец для главного героя действительно никем нигде не предусмотрен. Поэтому в основном этот балет - парад солистов. К счастью, к ним относится непревзойдённая Светлана Захарова (я её называю Одри Хепберн в балете). Именно благодаря ей прерывность сюжетной линии не отталкивала. Такой балерине может быть посвящён весь балет: и его структура располагает к этому, как ни в каком другом.
Музыка была написана очень быстро, при этом она лишена индивидуальных характеристик и практически полностью состоит из ритмов испанской и цыганских танцев. Исключение составляют вальсы и галоп, которые совсем не нарушили общий колорит, как и одноразовое использование гонга. Все танцоры имели в руках какие-либо предметы: гитары, кастаньеты, веера, платки, плащи – почти никого не было с пустыми руками, поэтому очень хочется интересно смотреть на всё происходящее. Это изначальный замысел Петипа.
Большой театр, как и многие другие государственные сцены, любит талантливых детей. Это и небольшая группка мальчиков в уличной толпе, и младшие феи-балерины в зачарованном лесу, в котором заблудился и уснул Дон Кихот. Смотрится, действительно, контрастно со старшими феями. Особенно радостно, что юные балерины способны на выразительное соло, а не только на роль в кордебалете.
Огромная благодарность в очередной раз Большому театру за спектакль, снова и снова случающийся уже 149 лет и 4 дня после премьеры. И отдельная благодарность за стоячие студенческие места. Ведь пока я стою и любуюсь на балет на 4 ярусе, я тренируюсь стоять «на пуантах»!
0 notes