#studio kajino

[ystk-archive]

[Translation] L.D.K. Lounge Designers Killer interview (BARFOUT! magazine vol. 122, Oct. 2005)

(Yes, there's really a long-running arts and culture magazine in Japan called Barfout. Click here to view full-page scans of the feature, and feel free to contact me with any questions/comments.)

What surprising developments took place on capsule's new album!?

I'm crazy about capsule's newest album, L.D.K. Lounge Designers Killer. It includes "Flying City Plan" [Soratobu Toshikeikaku] — featured in a collaborative music video created by Ghibli subsidiary Studio Kajino and directed by Momose Yoshiyuki — for a total of ten songs (perhaps I should mention that video is on the same level as many sci-fi films!). capsule is a creative unit made up of Nakata Yasutaka (producer) and Koshijima Toshiko (vocalist). The two have been entertaining listeners with their extremely poppy releases that'll take you on a virtual joyride through a world of music inspired by interior design and mass-produced goods. That said, I was taken aback by the song "Glider"! Even with their cool, plastic charm, capsule launched a dramatic pop track with a melody that tugs at the heartstrings the minute it begins. If I had to compare it to works by other artists, it's got a similar feeling to Quruli's "Wandervogel" and Supercar's "YUMEGIWA LAST BOY." Geez, I've really been wearing this song out! (At this point, "Glider" is going at #1 on my top ten favorites of 2005!) Including a club-oriented track with an enjoyable guitar sound, capsule's new album is filled to the brim with groundbreaking songs that overflow with human emotion. It'll definitely add a certain je ne sais quoi to your own space!!!

Original interview text by Fukushima Ryutaro, translation by ystk-archive

"From outerspace to the ocean, I wanted it to have a sense of vastness" (Nakata)

barf: How in the world did you arrive at something like L.D.K. Lounge Designers Killer? Nakata: All the tracks on this album definitely make me go "hey, I can make good songs too!" (laughs). barf: The jacket photo is a picture of grass. Nakata: It's fake. The clothes we wear in the "Glider" video are also made out of that. I'm not much of a nature enthusiast, but in Japan we sure do have a lot of state-manufactured parks, don't we? The album cover's aura is sort of like that, how it's natural but somehow artificial at the same time. barf: The first track, "Flying City Plan," was used as the basis of a short film, following the examples set by "Portable Airport" [Portable Kuukou] and "space station No.9." They're even screening it before the movie Touch. Nakata: The first short "Portable Airport" showcases a fantasy town in capsule's type of aesthetic. After that was the resort concept for "space station No.9." So for this third one, we aimed for it to be more visually spacious and panoramic. From outerspace to the ocean, I wanted it to have a sense of vastness, so that's why I went with "Flying City Plan" for the music. barf: It has a majestic feel. Nakata: I tried to give it an easygoing sort of speed. When you're flying in an airplane, you can't feel the wind, but you know it's going by extremely fast outside. So the music follows along those lines, with a relaxed pace, kind of giving off an executive's suite type of vibe. And they retired the Concorde planes, so... (laughs) barf: Did you have any thoughts on the video, Koshijima-san? Koshijima: It's dramatic. She's a damsel in distress (laughs). barf: The second track "Teleportation" sounds so much like capsule's usual while simultaneously feeling quite new. Nakata: That's because, in a rare move, I played the guitar. I've used it before but only for riffs and whatnot, this time I played it more messily. barf: Speaking of guitars, the third track "Lounge Designers Killer" is rather rock-influenced. Nakata: To be totally honest, I was given a guitar. So I was just thinking like, "What if I use guitar sounds for this album?" There wasn't a deep reason behind it (laughs). barf: What kind of guitar did you get? Nakata: The one I used in the music video.¹ After we finished the shoot for "Glider," I added guitars to the song (laughs). Originally I thought it'd be interesting that the video was going to show a guitar being played with no guitars in the music, but since we went through the trouble of getting it, I threw some in the song after the fact. barf: That would've been a bizarre visual element (laughs). I get the sense that capsule is strongly influenced by cool instruments. Nakata: I really like changes of scenery and instruments. With bands, new ideas are sparked by the members interacting with each other, right? I pull my inspirations from instruments and checking out stores I haven't been to before.

"capsule does things without focusing on whether or not it's 'too late' to do them." (Nakata)

barf: "Glider" really comes to life as the seventh track following the science fiction-esque "Antenna." Nakata: I tried to make the transition sound unnatural. There used to be a sense of flow even though songs weren't actually connected to each other, but nowadays there's a high possibility that people will import albums into a computer and listen to everything out of order anyway. I wanted to put something there that would make the listener go "huh?" when the song changed over. "Antenna" starts and ends abruptly: the intro begins and cuts off halfway through, giving the impression that it's broken; it's the same type of weird feeling you get when the TV channel suddenly changes. So I put that in there to make the connection between the songs worse, not better (laughs). barf: "Glider" stands out strongly. Koshijima-san, how was it singing this song? Koshijima: Honestly, my voice was in really bad shape during recording and it was at its worst when we got around to "Glider" — it wouldn't come out at all. But when I got to listen to the song in the studio, I was struck by how long it's been since I heard something so good, and because of that my voice somehow managed to power through (laughs). barf: The title of "Progress and Harmony for Mankind" [Jinrui no Shinpo to Chouwa] feels a bit out of place, doesn't it (laughs). Nakata: It's from the 1970 Osaka Expo. barf: Really!! I didn't make the connection. Nakata: It's so like us to not use the theme from this year's Expo (laughs).² The Osaka Expo happened during a time when people really valued science. They thought like "with science, anything is possible!" Along with the ecological issues, I think the idea of creating another earth is fascinating (laughs). barf: With the kind of rhythm it has, the song's got a cool spacy feel to it. Nakata: That track is close to the type of music that pushed me into doing music. I felt like how I did in junior high, making songs like this when I started recording at home. Koshijima: You definitely did material like this when we first met. It was pretty heavy (laughs). Nakata: That's why when I listen to recent releases, I feel like I've gone back in time. These days, a lot of the songs I hear that people say are "good" are nostalgic. Bands have started making house and electro-ish music with '80s sounds and I wind up thinking, "Can they really do that?" barf: It has gotten like that. Nakata: capsule does things without focusing on whether or not it's "too late" to do them. It's not that I'm bitter about it though; that's just what happens when you do what you enjoy. barf: But if that's how you naturally go about about things, then it's okay. Nakata: It's not a recent phenomenon, but I do think people who create things feel confined. If they do this genre, then they have to use certain sounds — they have so-called rules like that. I make music thinking it'd be nice to ignore those rules.

¹ Nakata owns a Yamaha RGX A2 which he "played" in the Glider music video. I think. I was told that it was actually a different guitar but I guess not! ² 2005 was the Aichi Expo with the theme of "Nature's Wisdom." He's saying this in reference to his disinterest in nature.

[demifiendrsa]

THE ONE PIECE | Production Notes Vol. 1: Staff Interview

The One Piece, a remake of the One Piece anime, will stream on Netflix.

Character sheets

Concept art

Staff

Original Creator: Eiichiro Oda

Director: Masashi Koizuka

Assistant Director:Hideaki Abe

Series Composition: Taku Kishimoto

Character Designer / Chief Animation Director: Kyoji Asano, Takatoshi Honda

Creature Design / Concept Art: Yasuhiro Kajino

Prop Designer: Eri Taguchi

Action Animator: Ken Imaizumi, Shuhei Fukuda

Art Director: Tomonori Kuroda

Animation Production: WIT Studio

[hackshuu]

Diretor de The One Piece promete manter a essência do mangá no remake

Masashi Koizuka garante que temas profundos e histórias de origem dos personagens serão preservados na nova adaptação

Por Marcos Mariano, 14 de agosto de 2024

Em uma recente apresentação do aguardado remake de One Piece, intitulado "The One Piece", o diretor Masashi Koizuka, conhecido por seu trabalho em Attack on Titan e Moonrise, fez declarações empolgantes para os fãs da obra de Eiichiro Oda.

Koizuka enfatizou seu compromisso em manter a fidelidade aos temas centrais do mangá original: "Os temas do mangá são profundos, abordando questões como guerra e racismo. A obra permite aos leitores refletirem sobre isso enquanto se divertem. Essa é a parte mais intrigante e o verdadeiro encanto de One Piece."

O diretor também destacou a importância das histórias de origem dos personagens, prometendo preservar momentos icônicos: "Cada personagem tem uma história forte e passou por experiências marcantes. Por exemplo, a cena em que Nami pede ajuda a Luffy em um momento de desespero é algo que quero manter fiel ao original."

Esta nova adaptação está sendo produzida pelo renomado WIT Studio, responsável por sucessos como SPY x Family e Ranking of Kings. A Netflix será responsável pela distribuição global da série.

Contexto histórico

One Piece, criado por Eiichiro Oda em 1997, é um dos mangás e animes mais populares do mundo. A série original, que continua em produção, já ultrapassou 1000 episódios. Este remake promete trazer uma nova visão da amada história, potencialmente atraindo novos fãs e satisfazendo os antigos com uma adaptação fiel e moderna.

Equipe de produção

A equipe criativa por trás de The One Piece inclui nomes de peso da indústria do anime:

Roteiro: Taku Kishimoto (Haikyu!!, Ranking of Kings)

Assistente de direção: Hideaki Abe (Esquadrão Suicida ISEKAI)

Design de personagens e direção-chefe de animação: Kyoji Asano (SPY x FAMILY) e Takatoshi Honda (The First Slam Dunk)

Animação de ação: Shuhei Fukuda (My Hero Academia: You're Next)

Design de criaturas: Yasuhiro Kajino (In/Spectre)

O anúncio inicial do remake ocorreu em dezembro de 2023, com as primeiras artes conceituais e detalhes sobre a equipe de produção revelados durante o recente One Piece Day.

Os fãs de One Piece ao redor do mundo aguardam ansiosamente por mais informações sobre a data de estreia e detalhes adicionais sobre esta nova e promissora adaptação.

[pkjd]

More of the cast from the “Ochikobore Fruit Tart” TV anime series has been revealed. It will premiere in July 2020.

-Synopsis-

“Fourth dormitory of the Rat Production (commonly known as Nezumi-sou), the place were dropout idol girls live; the former child actor Sekino Roko, musician Nukui Hayu, and model Maehara Nina. Sakura Ino, who always dreamed of becoming an idol, moves in. At the same time the decision is made to demolish the dormitory. Due to the project launched by the manager Kajino Hoho, “Ochikobore Fruit Tart,” occupants of the dormitory form a new idol group called “Fruit Tart,” and start their activities in order to repay a one hundred million yen debt.”

-Staff-

Director: Keiichiro Kawaguchi

Series Composition: Keiichiro Kawaguchi, Tatsuya Takahashi

Character Design: Sumie Kinoshita

Studio: feel.

-Cast-

Ino Sakura (CV: Hiyori Nitta)

Roko Sekino (CV: Risa Kubota)

Hayu Nukui (CV: Haruka Shiraishi)

Nina Maehara (CV: Reina Kondou)

Hemo Midori (CV: Kyouka Moriya)

Hoho Kajino (CV: Youko Hikasa)

Chiko Sekino (CV: Kaoru Sakura)

Nua Nakamachi (CV: Yuu Sasahara)

Rua Nakamachi (CV: Takako Tanaka)

via: ochifuru-anime.com

[koholint]

i found out that there were a series of capsule music videos made by “studio kajino,” a studio owned by studio ghibli, which technically makes them ghibli shorts. kinda disappointed though because this is one of my favorite capsule songs but it’s probably the weakest video of the bunch. it makes me want to see what a full-on futuristic sci-fi ghibli movie would look like though

[pierrelauret]

Portrait : ANNO Hideaki (pt.2)

Writer

Comme nous le présentions dans la première partie de notre dossier consacré à Hideaki ANNO, si Nadia, le secret de l’eau bleue et Neon Genesis Evangelion sont parmi les animés les plus reconnus aujourd’hui, ce n’est qu’après la sortie de The End of Evangelion en 1997 que le réalisateur a connu l’âge d’or de son cinéma. En développant un message vindicatif à destination de la communauté otaku – dont il est lui-même partie intégrante – au cours des deux épisodes finaux de la série Neon Genesis Evangelion, Hideaki ANNO a crée le leitmotiv qui allait être le ciment de son cinéma en prise de vue réelle.

C’est par ailleurs en 2000, deux ans après Love & Pop, que le réalisateur a signé le film le plus personnel de sa carrière avec Ritual. Pour autant si Ritual sonne bel et bien comme la conclusion du message qui a porté le cinéma de Hideaki ANNO pendant près de 5 ans, de nombreux relents peuvent se dénicher dans son troisième long métrage en prise de vue réelle, Cutie Honey.

Ritual : Retour à Ube, rituels et pardon

« Once upon a time, returning to my home town »

Deux ans après Love & Pop, c’est par ces mots que Hideaki ANNO ouvre Ritual – connu aussi sous les noms Shiki-Jitsu, Ritual Day, ou Ceremonial Day – son second long métrage en prise de vue réelle. Réalisé dans la ville de Ube, lieu de naissance du réalisateur, le film est produit par un sous-studio de Ghibli, le studio Kajino, et se voit attribué un budget modeste qui mènera à une diffusion du film quelque peu confidentielle et à un casting restreint. Mettant en scène une relation de 33 jours entre un réalisateur de cinéma et une femme souffrant d’un trouble de la personnalité borderline, Ritual se place sans aucun doute comme le climax de la filmographie de Hideaki ANNO.

Non seulement d’être l’œuvre la plus personnelle du réalisateur, Ritual est une adaptation des réflexions personnelles de l’actrice Ayako FUJITANI, fille illégitime de l’acteur américain Steven SEAGAL, que celle-ci a réuni dans la nouvelle Touhimu. En recoupant les diverses thématiques que contient la nouvelle – telle que l’adolescence, l’absence de repère paternel et le fait d’être métisse au Japon – avec ses propres réflexions, Hideaki ANNO s’accapare pleinement son adaptation contrairement à ce qu’il avait pu faire sur Love & Pop. Plus qu’une simple réappropriation, il livre dès 2000 ce qui peut être perçu à la fois comme la synthèse et la conclusion du leitmotiv qui a porté son cinéma de 1995 à 2004.

Par ailleurs, Ritual se place comme la réalisation la plus traditionnelle dans l’ensemble des longs métrages en prise de vue réelle de Hideaki ANNO. Néanmoins, bien qu’il ne possède pas une esthétique unique comme pouvait avoir Love & Pop, Ritual fait preuve d’une mise en scène pointilleuse et intelligente, avec notamment un travail sur les couleurs rouge et le bleu qui irait faire pâlir un Pedro ALMODÓVAR. De même si le montage s’avère plus léger et plus simple à suivre que sa précédente réalisation, Hideaki ANNO semble trouver une liberté sincère avec Ritual comme s’il pouvait enfin s’affranchir d’une certaine inertie propre à l’animation.

Ritual : Les trois visages d’un homme

Il est admis aujourd’hui que les personnages de Neon Genesis Evangelion, Shinji, Rei et Asuka, représentaient trois traits de personnalités de Hideaki ANNO. Dès lors, il est aisé de voir dans Ritual une caractérisation de différents aspects du réalisateur qui, cette fois-ci, correspondent à différentes périodes de sa vie.

Soutenue par la voix hors champ de Megumi HAYASHIHABARA qui fait une lecture de certains extraits de Touhimu, Ayako FUJITANI tient le rôle principal dans l’adaptation de sa propre nouvelle. Pour autant, s’il est logique de voir que l’actrice jouer à la perfection son propre rôle, on peut aussi déceler dans cette jeune femme atteinte d’un trouble de la personnalité borderline le Hideaki ANNO qui existait avant la sortie de Neon Genesis Evangelion, celui qui était encore pleinement un otaku. Remettant continuellement en cause ses relations à autrui et entretenant un rapport destructeur avec soi-même, ce personnage s’enfonce peu à peu dans une solitude profonde qui n’est pas sans rappeler la dépression que Hideaki ANNO a fait à l’issue de Nadia, le secret de l’eau bleue. Isolée dans une fuite perpétuelle de la réalité et du temps qui passe, la jeune femme ne cesse de répéter « Demain, c’est mon anniversaire » et va jusqu’à s’empêcher de dormir pour ne pas avoir à connaître de quoi sera fait chaque lendemain.

Si la jeune femme semble par moment souhaiter sortir de cette spirale d’enfermement, elle rechute néanmoins dans ses rituels et ses passions à la moindre difficulté. Sans prendre les traits usuels des animés ou des figurines, la jeune femme cultive les mêmes pulsions maladive que les otakus pour les objets de couleur rouge ainsi que pour les trains, ce qui n’est pas sans rappeler que certains penchants otakus de Hideaki ANNO qui – aux vues de la forte présence de trains dans Neon Genesis Evangelion, Love & Pop, ou plus récemment Godzilla Resurgence – est lui-même un densha otaku (trad. otaku des trains).

he told me i’m useless

she told me

my face makes her mad

but i’m still here doing nothing

and i feel empty

waiting for someone

to hold me

i know nobody is coming

he told me to die

she told me to see nothing

Cependant, s’il est toujours sujet à de multiples dépressions, Hideaki ANNO n’est plus l’otaku que caractérise Ayako FUJITANI, ou du moins ne se considère plus tel quel. Au travers du personnage interprété par Shunji IWAI, un de ses amis qui tenait là sa première expérience en tant qu’acteur, il représente celui qu’il est devenu depuis la fin de Neon Genesis Evangelion. Tout comme lui pendant le tournage de Ritual, Shunji IWAI prend les traits d’un réalisateur ayant arrêté l’animation qui retourne dans sa ville natale pour réfléchir son cinéma et potentiellement tourner son premier film en prise de vue réelle. Par le biais des doutes de ce personnage, Hideaki ANNO interroge l’essence de son propre cinéma et caractérise l’absence de pouvoir que celui-ci a pu avoir auprès de la communauté otaku au travers d’une longue tirade se concluant sur « Même ce film, une fois terminé, deviendra un moyen pour déclencher des stimulations sans surprise et une mesure du temps que l’on passe en paix. Qui veut des images qui vont au-delà ? Qui en a besoin ?  »

Outre cette remise en cause de son cinéma, le personnage de Shunji IWAI souhaite néanmoins aider la jeune femme rongée par ses angoisses qu’interprète Ayako FUJITANI. Celui-ci tente éperdument de la sortir de sa spirale destructrice malgré les échecs constants et de nombreuses périodes de doute. Pour autant, il ne perd jamais cette volonté d’aider et décide, comme Hideaki ANNO après The End of Evangelion, de filmer le monde réel pour éviter de voir les personnes atteintes d’un trouble de la personnalité borderline s’enfermer dans un monde de fiction.

Cinq ans après ses premières apparitions, le leitmotiv de Hideaki ANNO n’a pas perdu de sa splendeur et de sa force, bien que celui-ci ait pris une forme moins vindicative que dans The End of Evangelion. Ritual est un film bien plus porté sur la compréhension que l’agression à l’instar d’un Shunji IWAI qui s’interroge  pour savoir si cette idée d’un bonheur otaku arrive réellement à préserver ces personnes qui fuient la réalité ou si il est une simple attitude mensongère traduisant un malheur profond et auto-destructeur.

Avec un jeu sur les couleurs entre le rouge et le bleu, Hideaki ANNO met en place un duel intérieur chez le personnage de Ayako FUJITANI, ainsi que chez chaque individu de la communauté otaku et par conséquent, chez lui-même. Alors que la première couleur constitue l’otaku qui fuit la réalité et toutes formes de rapport social, la seconde représente l’otaku qui embrasse tout ce qu’il déteste et devient ce fameux autrui qui l’effraie. Au travers des personnages de l’ex-petit ami et de la mère de Ayako FUJITANI, interprétés par Jun MURAKAMI et Shinobu OTAKE, Hideaki ANNO représente la troisième et dernière facette de lui que contient Ritual : celle qui a fait de lui un « autrui » pour les otakus. À l’instar de son répondeur téléphonique qui contient seulement des hurlements et des reproches, cet autrui s’avère être ce qui effraye le plus la jeune femme puisqu’il est dans l’agression constante et le jugement de valeur. Tel le regard de l’humanité sur les otakus, Hideaki ANNO semble prendre conscience avec Ritual que le message que portait ses précédents films avait dû, par sa violence, amenuir la capacités des otakus à entretenir des rapports avec autrui plutôt que les favoriser. Cependant, la mère de la jeune fille ira jusqu’à exprimer lors du dénouement final les excuses que Hideaki ANNO souhaite exprimer à tout ceux qui ont pu être heurté par Neon Genesis Evangelion et Love & Pop au travers d’un « Peut-être que je n’ai jamais rien fait pour toi. Peut-être que j’ai seulement pensé à moi-même » lourd de sens.

Cet oppresseur maternel donne néanmoins une nouvelle dimension au personnage de Ayako FUJITANI lorsque le personnage de Shunji IWAI décrit la jeune fille comme quelqu’un « ayant une haine viscérale pour ces hurlements, [mais qui] les écoute dans l’espoir d’y entendre un encouragement. ». Le personnage rappelle dès lors Asuka de Neon Genesis Evangelion qui affirme constamment sa haine d’autrui mais qui en réalité a simplement peur de son jugement puisque celui-ci peut être potentiellement négatif. De même, si Asuka avait peur d’être comparé à Shinji et Rei, Ayako FUJITANI fuit naturellement toute forme de comparaison avec sa sœur ou son père. Hideaki ANNO prononce alors ouvertement une vérité, qui a dû néanmoins être arrachée à son penchant otaku, lorsqu’il affirme que le besoin de reconnaissance est quelque chose d’humain et profondément naturel.

En somme, Hideaki ANNO dresse avec Ritual un bilan des cinq années qui ont constitué sa carrière depuis sa dépression pré-Neon Genesis Evangelion. Remettant en question le bien fondé de son attitude envers la communauté otaku. Il rappelle que malgré son attitude agressive, il est lui aussi sujet à cette forme d’isolement et d’auto-destruction. À l’instar de l’attitude finale de la mère qui affirme se sentir seule et qui a peur de faire preuve d’égoïsme en voulant combler sa solitude, Hideaki ANNO montre que malgré sa maladresse pour exprimer sa volonté d’aider, il est en proie aux mêmes doutes et peurs que ceux à qui il s’adresse. Dès lors le message qui porte le cinéma de Hideaki ANNO semble avoir comme principale cible, lui même.

De même, le Hideaki ANNO actuel que symbolise Shunji IWAI prend d’autant plus de sens lorsqu’il se place tel un psychologue face à la mère et sa fille pour aider à recréer du dialogue entre l’otaku et autrui. Sans être un sauveur, il partage les mêmes angoisses que ses deux patientes et tente simplement d’user de sa propre expérience pour trouver une solution pour mieux les aider, et mieux s’aider. En interrogeant ainsi son cinéma et l’essence même du trouble de la personnalité borderline, Hideaki ANNO démontre que le problème ne se situe pas uniquement chez la communauté otaku ou le public d’animation mais bel et bien à l’échelle de la société japonaise voire mondiale, comme si l’humanité entière cherchait à réussir à vivre la réalité tout en s’affranchissant des concepts de solitude et de difficulté relationnelle.

Cutie Honey : L’ingénu de retour au bercail

Après avoir signé avec Ritual son film le plus abouti et le plus mature de sa carrière, Hideaki ANNO retourne dans la Gainax – notamment en superviseur pour la série Furi Kuri de Kazuya TSURUMAKI – et réalise le court métrage Ryusei Kacho où il explore à nouveau le jeu sur les formats et le montage éclair qu’il avait développé avec Love & Pop. En 2004, il réalise le film Cutie Honey adapté du manga éponyme de Go Nagai qui tire notamment sa réputation pour les nombreux panchira dont il fait preuve. Si le film s’avère être un exemple jouissif de tout ce que l’on peut aimer dans les tokusatsu (ndlr. films et séries particulièrement riches en effets spéciaux tels que Kamen Rider, Ultraman ou encore les kaijus eigas comme Godzilla), il caractérise aussi les derniers relents de ce qu’a été le leitmotiv du cinéma de Hideaki ANNO entre 1995 et 2000.

Au travers de cette histoire plus légère Hideaki ANNO met en scène la lutte de Honey KISARAGI, une employée de bureau candide qui peut se transformer en Cutie Honey, contre Sister Jill et son organisation Panther Claws. Avec Cutie Honey, il renouvelle certains motifs et thématique que l’on pouvait trouver dans ses précédentes réalisations, à l’instar de l’amour présenté comme la force la plus importante de l’humanité mais aussi sa faiblesse la plus destructrice comme dans Nadia, le secret de l’eau bleue. De même, l’amour paternel protégeant le personnage de Honey n’est pas sans rappeler la réelle nature de l’AT Field de Neon Genesis Evangelion et les nombreuses séquences en surimpression constituent échos visuels directs à Love & Pop et The End of Evangelion.

Mais outre les hommages directs au manga original qui ont de quoi satisfaire pleinement les fans de Go NAGAI, Cutie Honey constitue un élément intéressant dans la carrière de Hideaki ANNO bien que celui-ci soit d’une qualité moindre vis à vis de Neon Genesis Evangelion, Love & Pop et Ritual. Traditionnel à chaque réalisation de Hideaki ANNO, Honey dresse une tirade finale résumant le propos que veut transmettre le réalisateur invitant l’antagoniste Sister Jill – et peut-être là encore les spectateurs – à « apprendre à aimer quelque chose de ce monde ». Si la candeur de Honey peut occasionner quelques révulsions oculaires chez les spectateurs les plus exigeants, ceux à la recherche du Hideaki ANNO post-Neon Genesis Evangelion peuvent y voir en filigrane le réalisateur qui lance un dernier regard vers l’âge d’or de sa carrière. Car si sa volonté d’aider était aussi honorable et intense que celle de Honey, il partageait aussi l’aspect candide de son personnage en ne sachant pas réellement comment s’y prendre, ce qui mena aux messages mal perçus et agressifs que proposaient Neon Genesis Evangelion et Love & Pop.

Malgré le fait que Hideaki ANNO se soit bel et bien approprié ses adaptations de Ryu MURAKAMI, Ayako FUJITANI et Go NAGAI, le leitmotiv qui accompagnait sa carrière entre 1995 et 2004 a été à la fois un échec auprès des spectateurs et auprès de lui même. Le réalisateur étant toujours sujet à de nombreuses dépressions dues à son trouble de la personnalité borderline, on peut remarquer ce phénomène social ne semble pas prêt de s’arranger.

Plus qu’un simple message à transmettre, Hideaki ANNO semble avoir mis en place durant cette période une réelle thérapie qu’il offrait, parfois maladroitement, à lui même et à son public. À la suite de cela, Hideaki ANNO se lança avec le studio Khara, dans le projet Rebuild of Evangelion qui, comme son nom l’indique, propose une version alternative de la série originale. Si cette tétralogie propose quelques réflexions intéressantes sur sa propre nature, elle semble néanmoins dénuer de tout ce qui avait fait l’unicité du cinéma de Hideaki ANNO.

Il s’avère par ailleurs difficile de résumer le message d’Hideaki ANNO tant il est soumis à la libre interprétation du spectateur. Néanmoins il est aisé de conclure que pour lui, comme il le décrit dans Ritual, « les arts, à commencer par ceux de l’image, servent uniquement de divertissement, de passe-temps pour ceux qui ne font rien. Ou servent d’échappatoire pour ceux qui ont peur de souffrir. ». Toujours selon Hideaki ANNO, cette fuite de la réalité vers la fiction semble trouver sa solution dans l’instance la plus effrayante et attirante qui existe : autrui.

Critique publiée dans le webzine Journal du Japon.

[newsintheshell]

Ochikobore Fruit Tart, design e doppiatrici delle Cream Anmitsu

La serie animata inizierà ad andare in onda da luglio.

Il sito ufficiale di “Ochikobore Fruit Tart” (Dropout Idol Fruit Tart o OchiFuru), la serie animata tratta dall’omonimo manga di Sou Hamayumiba, si è aggiornato svelando bozzetti e doppiatrici delle tre ragazze che formano il gruppo idol Cream Anmitsu. 

Chiko Sekino: Kaoru Sakura (Nagi Kobotoke in Change Our Mirai!)

Nua Nakamachi: Yuu Sasahara (Akari Amano in Ms. vampire who lives in my neighborhood)

Rua Nakamachi: Takako Tanaka (Hina in Hinamatsuri) 

Inoltre Hoho Kajino, la manager delle Fruit Tart sarà interpretata da Yoko Hikasa (Freya in DanMachi).

Sakura Ino è una studentessa al prima anno di superiori e si è appena trasferita a Tokyo con l’intento di seguire il proprio sogno di diventare, un giorno, una idol. Inaspettatamente, la sua occasione si presenta quasi subito, infatti il dormitorio nel quale risiede sta per essere demolito e, assieme ad altre tre ragazze, decide di formare un gruppo per cercare di prevenire la cosa. A Sakura si uniscono Roko, ex attrice bambina, la musicista Hayu e la modella Nina: insieme sono le Fruit Tart!

L’adattamento  è diretto da Keiichirou Kawaguchi (Jinsei, Frame Arms Girl), presso lo studio Feel (Hinamatsuri, Yahari Ore no Seishun Love Comedy wa Machigatteiru. Zoku) e andrà in onda in Gioappone partire da luglio. 

La sceneggiatura è curata da Kawaguchi e Tatsuya Takahashi (Eromanga-sensei, Katana Maidens: Toji no Miko), mentre il character design è ad opera di Sumie Kinoshita (Gi(a)rlish Number, A Sister’s All You Need). Le musiche saranno firmate MONACA (Yuki Yuna is a Hero, Wake Up, Girls!, Nisemonogatari). 

Autore: SilenziO))) (@s1lenzi0)

[FONTE]

[charpenterie]

Ryuji Kajino converts simple shed into studio for flower craft https://ift.tt/2Lhm6ds June 04, 2018 at 09:00AM

[morphinelab]

[ystk-archive]

Do you know where I could find a DVD rip of the music videos included in the Flash Best release? AFAIK this is the only time these videos have been released to the public. I have the Studio Kanojo ones from a Ghibli DVD, but I would like to have the rest (particularly the Glider one).

taopriest might have something if you ask him nicely. (Also fwiw it’s Studio Kajino; kanojo can mean girlfriend in Japanese.)

[demifiendrsa]

Key visual for Me & Roboco TV anime. 

Me & Roboco TV anime will premiere on December 5, 2022. Each episode will be five minutes long.

A new heroine of the Reiwa era is burstingly born!?

A knee kick against the world in depression!

She will Inject energy into everyone's heart♥

Staff

Director: Akitarō Daichi

Series Composition: Sayuri Ooba

Character Design: Yūko Ebara

Art Director: Manami Koyama

Sound Director: Kazuya Tanaka

Director of Photography: Rena Tanimoto

Assistant Director: Michihiro Sato

Color design: Ayami Minowa

Editing: Masafumi Kajino

Prop Design: Yoshihiro Sato

Animation Production: Studio Gallop

[refresh321]

short & beautiful music videos made by Studio Ghibli

1. On Your Mark - CHAGE and ASKA (director: Hayao Miyazaki)

2. Portable Airport - Capsule (director: Yoshiyuki Momose)

3. Space Station No. 9 - Capsule (director: Yoshiyuki Momose)

4. Flying City Plan - Capsule (director: Yoshiyuki Momose)

5. Doredore no Uta - Meiko Haigou (director: Osamu Tanabe)

6. Piece- Yui Aragaki (director: Yoshiyuki Momose)

*2, 3, 4 made by Studio Kajino, subsidiary of Studio Ghibli

[prfm-multiverse]

Interview with Yoshiyuki Momose and Yasutaka Nakata (Ghibli ga Ippai Special Short Short 1992 - 2016) (DL)

[pkjd]

A teaser website for the “Ochikobore Fruit Tart” TV anime series has launched.

-Synopsis-

“Fourth dormitory of the Rat Production (commonly known as Nezumi-sou), the place were dropout idol girls live; the former child actor Sekino Roko, musician Nukui Hayu, and model Maehara Nina. Sakura Ino, who always dreamed of becoming an idol, moves in. At the same time the decision is made to demolish the dormitory. Due to the project launched by the manager Kajino Hoho, “Ochikobore Fruit Tart,” occupants of the dormitory form a new idol group called “Fruit Tart,” and start their activities in order to repay a one hundred million yen debt.”

-Staff-

Director: Keiichiro Kawaguchi

Series Composition: Keiichiro Kawaguchi, Tatsuya Takahashi

Character Design: Sumie Kinoshita

Studio: feel.

-Cast-

Ino Sakura (CV: Hiyori Nitta)

Roko Sekino (CV: Risa Kubota)

Hayu Nukui (CV: Haruka Shiraishi)

Nina Maehara (CV: Reina Kondou)

Hemo Midori (CV: Kyouka Moriya)

via: ochifuru-anime.com

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Space Station No.9, (2005)

[dearninety]