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The Poughkeepsie Tapes

John Erick Dowdle

U.S (2007) 86min : Horror, Found Footage, Body Horror

J'ai revu The Poughkeepsie Tapes récemment, à l'occasion de sa sortie 'officielle' en Blu-ray ... Dommage pour la version bootleg originale de 2007 qui donnait au film une certaine saveur de dégueulis presque réelle. Ce n'est que du cinéma. Gare aux snobs ... Haters gonna Hate.

Après avoir vu Broadcast signal Intrusion de Jacob Gentry, je n’ai pu m’empecher de jeter à nouveau un œil au terrifiant Poughkeepsie Tapes. Dans le genre c’est probablement avec le récent Sorgoï Prakov l’un des films le plus réaliste et malsain du genre. A vous de juger …

Un tueur en série laisse derrière lui une cache de cassettes vidéo relatant ses meurtres et la subjugation d’une de ses victimes. Un documentaire mettant en vedette des experts et des profileurs criminels les analyse et tente de percer le mystère du « boucher de la rue de l’eau ».

On ne peut nier la sursaturation des images d’horreur trouvées. Depuis la sortie de The Blair Witch Project, et plus récemment la série VHS, il y a eu une interminable cavalcade d’imitations, certains efforts étant complètement banals. C’est une tendance qui est devenue caduque et fondée sur des formules, avec très peu d’innovation à faire. Pour être franc, bon nombre de ces titres coûtent une dizaine de sous et parfois, c’est trop cher. Cependant, s’il y en a un qui a réussi à briser le moule et à utiliser la technique à son plein avantage, c’est The Poughkeepsie Tapes. Les efforts de John Erick Dowdle en 2007 sont non seulement très efficaces dans leur exécution, mais aussi un regard poignant sur le monde dans lequel nous vivons, un regard qui aborde un sujet dont beaucoup continuent de s’imprégner.

La fascination du public pour le tueur en série a été bien établie grâce à de nombreuses formes de divertissement. Il y a quelque chose chez ces gens qui ont un appétit insatiable de tuer qui nous repousse jusqu’à notre noyau, mais qui propulse notre curiosité vers eux. Nos livres, nos films et nos documentaires débordent de sociopathes et de monstres bien réels. Ce sont des exemples vivants de loups vêtus de moutons, se déplaçant parmi les masses sans méfiance attendant le moment parfait pour frapper.

On ne peut pas regarder cette fascination morbide sans contempler l’existence d’un véritable film de tabac à priser, un film, dans lequel le vrai meurtre est représenté. Dans Henry : Portrait of a Serial Killer, cela a été exploré sous la forme d’un meurtrier filmant ses propres crimes pour se délecter du plaisir voyeuriste et revivre l’expérience. Dowdle prend ce concept simple, et en fait la base pour un film entier. Les bandes de Poughkeepsie est beaucoup plus qu’un film de tabac dramatisé cependant, car il présente le matériel d’une manière intelligente, racontée dans les limites d’un pseudo-documentaire.

La plus grande force du film se trouve dans sa présentation. Bien que plusieurs tentatives d’enregistrement aient tenté d’imiter le style documentaire, beaucoup ne réussissent pas et ont du mal à ressembler à quelque chose de légitime. Les bandes Poughkeepsie démontre une capacité à avoir un air de validité, tout en étant minutieux avec plusieurs détails de la détection du crime. L’analyse approfondie contenue dans le film donne l’impression au spectateur qu’il regarde une véritable étude de cas et pas seulement des acteurs qui jouent des rôles. Beaucoup d’attention est accordée aux motifs et aux techniques comme la détection judiciaire et le profilage criminel.

Coïncidant avec la partie documentaire du film est la vidéo trouvée composée des bandes laissées par le tueur. Leur composition et leur apparence générale est remarquablement bien faite. Il est extrêmement sombre, troublant et contient certaines des images les plus troublantes qu’on puisse trouver. Tout en ayant beaucoup de la même texture et de la même qualité que l’on pourrait trouver avec un vieux caméscope VHS, il permet au public d’être placé dans l’état d’esprit du boucher de la rue de l’eau. La séquence commence progressivement à progresser à mesure que l’agresseur devient plus habile à exécuter ses crimes et à les enregistrer en même temps. Le développement global du tueur est choquant et fascinant à mesure que les événements se développent. Un sous-lot primaire avec les images en ce qui concerne sa subjugation et manipulation d’une de ses victimes, une jeune femme nommée Cheryl Dempsey.

L’histoire de Cheryl n’est pas seulement celle d’une personne kidnappée et torturée, mais aussi l’un des effets à long terme de la violence sexuelle, physique et mentale. Le film aurait pu opter pour une série de meurtres avec un enregistreur VHS granuleux. Elle aurait aussi pu être exploitée en y ajoutant une analyse occasionnelle pour donner l’impression d’être plus éclairée. Ce que nous donne Cheryl Dempsey est un parfait exemple du syndrome de Stockholm. Le film exprime de grands sentiments d’impuissance face à la situation de son personnage. En tant que public, nous sommes forcés de la regarder subir une transformation induite par la souffrance de sa captivité. C’est ce qui élève The Poughkeepsie Tapes au-dessus de tant d’autres dans le sous-genre ; il contient une forme profondément efficace d’horreur psychosociale.

Même si ce n’est peut-être pas acceptable pour tout le monde, The Poughkeepsie Tapes est certainement un film qui mérite d’être visionné et qui mérite d’être salué pour avoir abordé un sujet pertinent pour la société dans laquelle nous vivons. L’un des plus célèbres tueurs en série, Ted Bundy, a déjà fait remarquer que les tueurs en série sont « partout… nous sommes vos maris et vos fils, et d’autres de vos enfants mourront demain. » Dowdle non seulement comprend ce sentiment, mais le transmet d’une manière qui est trop réelle.

Écrit et réalisé par John Erick Dowdle (Quarantaine), The Poughkeepsie Tapes joue dès le début avec les attentes du public. Les bandes sont taquinées avant qu��une séquence ne soit montrée et dépeignent des crimes si odieux qu’ils hantent ceux qui les ont vus. Dowdle a coédité le film avec Elliot Greenberg, et le calendrier du tueur en série est présenté en grande partie dans l’ordre chronologique. La police est capable de relier les points sur beaucoup de cas non résolus et d’utiliser les enregistrements pour garder une trace du changement de mode opératoire de leur tueur. Dowdle n’a jamais insisté pour que son histoire soit vraie, mais la présentation travaille dur pour convaincre le public qu’elle l’est. À première vue, cela ressemble à un simple documentaire, mais il y a beaucoup de « révélations » si vous prenez du recul et prêtez attention. Les victimes et leurs familles s’en tirent le mieux, tandis que certaines figures d’autorité sont peu convaincantes dans leurs performances. En passant, les fédéraux sont assez rapides pour révéler toutes les preuves qu’ils ont dans une enquête en cours.

Dowdle fait un bon travail en créant un cauchemar atmosphérique via les images du tueur et garde l’homme dangereux qu’il torture une victime ou qu’il parle à des enfants innocents. L’actrice Stacy Chbosky est aussi puissante que Cheryl Dempsey, la longue victime enlevée. Elle est mise en enfer et ses moments les plus puissants viennent dans sa scène finale. La représentation d’Ed par Ben Messmer est plus convaincante lorsqu’il parle avec désinvolture à des cibles potentielles dans la rue que lorsqu’il les crie dans son sous-sol. Ces deux acteurs effectuent un travail impressionnant de porter cette image et je n’aurais pas eu peur de voir plus de leurs allers-retours.

Les bandes de Poughkeepsie a son lot de défauts, mais je n’ai jamais été assez distrait pour perdre l’intérêt pour l’image. Le film est surtout connu des fans de genre par son acte de disparition. Initialement prévu pour une sortie MGM en 2007, le studio a retiré le titre de son calendrier deux semaines avant la première. Le timing coïncidait avec une misérable projection au Texas, mais ce n’est peut-être qu’une coïncidence. Le film est resté sur l’étagère pendant les sept années qui ont suivi avant de se retrouver brièvement sur un service de streaming en 2014. Encore une fois, le titre a été rapidement retiré et mis de côté jusqu’à maintenant, avec cette sortie Blu-ray de Scream Factory. Bien que ce ne soit pas un film d’horreur parfait (peu le sont), il y a suffisamment de moments qui fonctionnent pour que le film mérite une meilleure réception et une bonne chance de répondre aux attentes du public.

[disamedia]

Rodez (Excerpt) • Stefano Miraglia (FR-IT, 2017, digital, 3') from Collectif Jeune Cinema on Vimeo.

2017 / 3' / silent / distributed by Collectif Jeune Cinéma catalogue.cjcinema.org/fr/film/rodez-1110 derives.tv/constellation/miraglia/ stefanomiraglia.eu

Une exploration de la cathédrale de Rodez et de ses vitraux : figures en prière et imagerie scientifique. Une étude sur la couleur, la répétition et le clignotement, composée de 292 photographies.

An exploration of Rodez Cathedral and its stained glass windows: praying figures and scientific imagery. A study on color, repetition and flickering consisting of 292 photographs.

"A stunning piece of ecclesial psychedelia!" Sarah Bliss

Screenings & exhibitions: 2022/07 La Karavane, France 2021/07 Non-event [online] 2021/07 Cinema Zero, Italy 2020/08 Kino Otok, Slovenia 2020/07 Hambre Fórum [online] 2020/07 Dérives, France [online] 2020/06 Seek the sun, France [online] 2020/05 ICDOCS, USA [online] 2020/02 Les Inattendus, France 2020/01 Maratona di Visione, Italy [online] 2019/12 Les Inattendus Warm-up event, France 2019/11 Istanbul International Experimental Film Festival, Turkey 2019/11 Vidéo/Bars, France 2019/10 Panorama Internacional Vol #1 at Cine Tornado, Brazil 2019/10 Balkan Can Kino at Meme Gallery, Greece 2019/09 Mirada efímera at Museo MAR, Argentina 2019/06 ABOPevent #6b, USA 2019/06 Traverse Vidéo Hors Les Murs, France 2019/05 Panorama Internacional Vol #1 at O Sítio, Brazil 2019/05 Montreal Underground Film Festival, Canada 2019/05 L'Oeil d'Oodaaq (Rennes), France 2019/05 ABOPevent #6, USA 2019/04 Traverse Vidéo Hors Les Murs, France 2019/04 Ibrida - Festival delle arti intermediali, Italy 2019/04 L'Oeil d'Oodaaq (Saint-Malo), France 2019/04 Spectral Film Festival, USA 2019/03 Traverse Vidéo, France 2019/02 RPM Fest, USA 2018/12 Panorama Internacional Vol #1 at Pinacoteca Ruben Berta, Brazil 2018/11 Filmmaker Festival, Italy 2018/11 Nomadica, Italy 2018/10 Transient Visions, USA 2018/10 Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux, France 2018/09 The Unseen Festival, USA 2018/08 MARFICI, Argentina 2018/08 Strange Umbrellas #21, UK 2018/05 Fracto, Germany

Bio: Stefano Miraglia (Málaga, 1988) is an Italian-Spanish artist, curator and writer based in Paris. His activities focus on artists’ film and video. Often composed from diaristic and archival images, his films explore the notion of collage in cinema, combining noise music, photography, documentary and abstraction. His work has been presented internationally in exhibition spaces such as the Taiwan Contemporary Culture Lab (Taipei), Fabrica research center (Treviso), Le dôme (Montbazon), Centrum (Berlin) and in numerous film festivals such as Prismatic Ground, ICDOCS, Vienna Shorts and Festival des Cinémas Différents et Expérimentaux de Paris - where his film Anoche received an award in 2017. Since 2018 he has curated and presented several programs of experimental and artists’ films. Stefano is the founder and principal curator of Movimcat, an online project for the dissemination of artist’s cinema. Since 2019 he has been working on the rediscovery and reappraisal of the work of Ellis Donda. Stefano Miraglia is a member of the French association of art curators C|E|A.

[itscocolyllahgsblog]

Ximena Alexandra Ramírez Lizarazo.

xa_ramirez@javeriana.edu.co.

Étudiante en Licence de Langues Modernes.

Faculté de Communication et Langage

Pontificia Universidad Javeriana

D’œuvres artistiques de Francis Alÿs:

1. Fabiola- Francis Alÿs (1994)

Description détaille sur l’œuvre :

Dans cette peinture, “Fabiola”, j'e vois une nouvelle version réinterprète de la sainte Fabiola réalisée par Francis Alÿs. Il a utilisé des couleurs vivantes et formes intéressantes. En regardant cette peinture, je pense à ce qui Fabiola avait réfléchi au moment elle y être, où l'artiste l‘a peignant et à que sens signifierai pour nous.

Alÿs montrera comment les images anciennes peuvent changer avec le temps à travers des types des styles et couleurs différentes. Je sens que cette œuvre a mélange le passé et le présent d'une manière spéciale, ce qui me fera réfléchir sur cette époque et comme ça à évoluer.

Liens de ressources :

https://miguelangelmoralex-bitacora.blogspot.com/2011/08/santa-fabiola-alys-y-cantinflas.html

https://www.menil.org/exhibitions/242-francis-alys-the-fabiola-project

2. La ligne de beauté- Francis Alÿs (2002)

 Description détaille sur l’œuvre :

Cette photographie, “La ligne de beauté”, je découvrais comment Francis Alÿs parlé de la beauté avec des formes et des couleurs. Cette œuvre peut-être selon l'artiste "belle", je me sens inspirée par ce qu'il montre, mais cette photo je réalisai que chacun peut verront la beauté de sa propre façon.

Alÿs montre que l'art est quelque chose de personnel. Chaque personne peut imaginer à la beauté d'une manière différente, et cela fasse l'art encore plus intrigant.

Liens de ressources :

https://hipermedula.org/2024/08/francis-alys-cuando-la-fe-mueve-montanas-en-proa21/

3. The Green Line- Francis Alÿs (2004)

 Description détaille sur l’œuvre :

Dans “The Green Line”, Francis Alÿs traite du conflit israélo-palestinien en utilisant une ligne verte pour symboliser la frontière. Cette œuvre est un mélange de vidéo et de peinture, montrent des moments de la vie quotidienne des gens qui vivant près de cette ligne. La pièce représentée des sentiments de séparation et de coexistence.

Cette œuvre, transmet par moi, la complexité des relations humaines et l'impact de la politique sur ses vies. Ce moment me fasse à réfléchir sur la route de continuer par lutter pour défendre la paix et non à la guerre, ainsi qu'à la forme donc les gens s'encouragent heureusement de vivre ensemble malgré les divisions.

Liens de ressources :

https://www.researchgate.net/figure/Figura-1-Francis-Alys-The-Green-Line-2004-Fotografia-do-autor_fig1_339889315

https://youtu.be/vEJ57q3S-es?si=NNAl0JEnpp97Uydl

4. The Night Watch- Francis Alÿs (2006)

 Description détaille sur l’œuvre :

The “Night Watch”, je vois que Francis Alÿs a fait une nouvelle version du la peinture de Rembrandt. Il a utilisé la lumière et l'ombre d'une manière intéressante.

Je vois comment le tableau se connecte avec l'époque de l'Age Moyen mais sans oublier pas le présent. Malgré que le tableau utilise des tons sombres, certaines couleurs sont vivantes dans les traits de la reine, comme : l'or dans sa robe, le blanc dans sa cape, etc. Son visage montre comme doux et délicat et avec un petit sourire, sa posture est très droite et reflète de plénitude, mais en même temps c'est comme s'elle attendras de quelque chose de nouveau. Je sens que ses yeux, ont regard, se doute de quelque chose et qu'elle attend une réponse de ses serveurs.

Liens de ressources :

https://www.tate.org.uk/art/artworks/alys-the-nightwatch-t12195

https://youtu.be/VqVJsfzYaD8?si=7bK8QHa_dBzOMBsm

J'espère que tout le aimera!

Nous nos verront le Semaine prochaîn.

Mbcp, para vote attention.

Au revoir ;)

[entomoblog]

LUISANT - Soirée des amoureux de la nature | Radio Intensité, Eure-et-Loir et Région Centre

See on Scoop.it - Variétés entomologiques

Jeudi 7 novembre à partir de 18h30 à la salle André Malraux de luisan t : soirée des amoureux de la nature.

À partir de 19h00 : Conférences - Nicolas Thenoz (La Fabrique aux Légumes), maraîcher bio, présentera les actions mises en place dans son exploitation et, notamment, avec les vers de terre. - Thierrie Vezie (Préserv'Action Terre et Littoral), fera une présentation pédagogique : qu'est-ce un insecte ? Un coléoptère ? Focus sur les coccinelles. - Philippe Leroy, apiculteur, se concentrera sur les abeilles et leur rôle dans environnement. Découverte des stands des associations liées à l'environnement 20h45 : Projection du film Le petit peuple du potager. « Un carré de potager au fond d’un jardin. À l’abri des regards, des milliers de vies minuscules s’organisent dans cette micro-société : insectes décomposeurs, recycleurs, pollinisateurs, les ouvriers du jardin travaillent à maintenir un fragile équilibre, dans une hiérarchie mise en place depuis toujours. Entre parades, entraides et tentative de putsch, l’histoire du potager prend ainsi la forme d’un véritable conte de la nature. Une immersion en macro-vidéo, avec des séquences à 1000 images / seconde à hauteur d’insectes. »

[lana-khong]

S’inventer une vie à partir d’un passeport, ou quand l’autorité du passeport le dépasse.

Triomphant dans les couloirs du métro parisien et revenant souvent dans les vidéos de recommandations culturelles sur les réseaux sociaux, Passeport s'est imposée toute cette année. L’énergie mise dans la communication de la nouvelle pièce de théâtre d’Alexis Michalik aurait pû m’écoeurer. Mais ma curiosité et l’envie de découvrir la pièce étaient plus fortes que l’irritation que j’aurais pu ressentir à cause de cet amas publicitaire. Passeport : ce petit livret, à la fois pièce d’identité et document de circulation, est l’objet le plus important de l’histoire. Cette pièce de théâtre met en valeur la puissance administrative et identitaire de ce livret : lui seul agit comme source autobiographique et preuve inaliénable de l’identité d’une personne.

Crédit Photo : Alejandro Guerrero

Lorsque la première scène commence, la chaleur des lumières dorées du Théâtre de la Renaissance disparaît pour laisser place au bleu glacial de la projection d’une image d’un camp de la “jungle de Calais”. Un homme inconscient gît sur le sol. Il s’agit d’Issa, un migrant d’Érythrée atteint d’amnésie. Il a oublié son identité et son histoire. Or, il en a besoin pour obtenir son titre de séjour. Au fil de la pièce, le nom de Lucas lui revient. Celui-ci n’est pas inconnu du public, car l’histoire d’Issa se déroule en parallèle de celle de Lucas, gendarme d’origine comorienne et adopté par une famille blanche calaisienne. Il rencontre Jeanne, qui devient vite sa compagne. Elle lui fait réaliser le mal-être qu’il ressent sur le fait d’ignorer son histoire qui précède son adoption. En tentant d’ouvrir la conversation avec son père, ce dernier nie cette partie de la vie de son fils. Pire que cela, il associe la couleur de peau de Lucas à cette histoire périmée, et évince cette réalité en se persuadant qu’il ne voit pas “la couleur des gens”. Lorsque Lucas lui présente Jeanne, de la même couleur de peau que lui, le déni du père se transforme en racisme. Une violente dispute éclate, Jeanne quitte Lucas, qui plonge dans une profonde détresse. Frustré par la colère, il s’emporte lors d’une mission. Il est puni par une corvée : celle de trier les passeports des migrants décédés. Son attention s’arrête sur le passeport d’un dénommé Issa, et une idée lui traverse l’esprit.

Crédit Photo : Alejandro Guerrero

Chronologiquement, l’histoire de Lucas est la première à se dérouler. Lorsqu’il s’approprie le passeport d’un migrant décédé nommé Issa pour se faire passer pour lui dans un camp de Calais, quelqu’un reconnait le gendarme qu’il était et le tabasse pour se venger. Souffrant ensuite d’amnésie, seul un passeport permet à Lucas, devenu Issa, de se relier à une identité. Ce qui me frappe, c’est que jamais quelqu’un n’a remis en question le fait que le prénommé Issa soit bien le véritable détenteur de ce passeport. Et jamais Issa ne s’est demandé si ce passeport était bien le sien. L’usurpation d’identité est parfaite parce que devenue inconsciente. Le passeport lui a imposé une identité, mais il n’est pas le seul livre qui a servi à la construction du nouvel Issa. En fait, le passeport n’est que le déclencheur de la recherche d’identité, car la grande quête d’Issa qui consiste à inventer son histoire pour obtenir un titre de séjour se fait à la bibliothèque. Les livres sur l’Erythrée et d’autres pays d’Afrique sont aussi gratuits et accessibles que le passeport qu’il s’est approprié. D’abord étranger à lui-même, Issa construit son identité et son histoire à travers la lecture. Cette édification artificielle devient d’une telle solidité qu’il réussit à obtenir son titre de séjour.

Lucas, forcé face à ses parents adoptifs de censurer son besoin de découvrir une partie de son histoire oubliée, a trouvé une harmonie en tant qu’Issa. Même en découvrant qu’il était auparavant Lucas, il refuse de repartir dans une seconde quête identitaire qui semble stérile d’avance, et préfère construire sa propre histoire. Dans le cas de Lucas, ce passeport a fait des miracles malgré lui. Ce passeport, qui n’est formellement qu’un livret, est un symbole dont l’autorité administrative et identitaire est tellement importante qu’elle ne peut pas être questionnée, remise en cause et contestée, ni par les urgences qui ont pris en charge Issa au début de la pièce, ni par les différentes structures administratives auxquelles il a dû faire face dans sa quête de carte de séjour.

[takaominamifr]

"Puppet study #3", 2010. Projection vidéo à 3 chaînes avec son, vue de l'installation, Ota Fine Arts, Tokyo.

Cette installation montre une concaténation de différentes images en mouvement : le motif d'une pose de yoga humain, une animation linéaire générée par ordinateur et le mouvement de la flamme des lampes à alcool.

[nouveau-blog]

LA PROJECTION UN MOYEN D'EXPRESSION

De l'anglais Projection mapping, video mapping ou spatial augmented reality. Le mapping également appelé en français projection architecturale, fresque lumineuse ou fresque vidéo, est une opération qui consiste à appliquer une image de remplissage sur la représentation filaire. Le mapping est aussi une technique qui consiste à projeter à grande échelle des éléments visuels tel que les images, les vidéos, les jeux de lumière, les rayons laser.

HeavyM, Région Hautes-de-France, Sonovision, la Voix du Nord.

Commencer au XVIe siècle jusqu’à la fin du XIXe siècle. Cette période est une période de développements des trois techniques sur lesquelles repose le mapping: l’anamorphose, la projection et l’animation des images. Le XIXe siècle et XXe siècle impliquent aussi d’importantes évolutions dans le domaine de l’éclairage électrique qui permettra d’illuminer les espaces extérieurs, et l’invention de l’ampoule, qui remplacera peu à peu les autres sources lumineuses dans les appareils de projection. C'est au XXe siècle que le premier enregistrement connu de projections sur des objets 3D apparaît avec la production du Haunted Mansion, réalisé par Disneyland, qui est une attraction à la fois humoristique et divertissante, auquel ils ont utilisé de fausses têtes désincarnées comme objets pour projeter sur eux en 16 mm afin de leur donner un aspect réel par des illusions d’optiques.

Dad Logique, D23, stlukes-glenrothes.org, Disney Parks.

L'utilisation des logiciels spécifiques permettent aux volumes d'être dessinés et reproduits, afin d'obtenir des projections vidéo à grande échelle qui adhèrent le plus près possible aux endroits choisis.

Le mapping qui était utilisé pour sublimer les performances artistiques dans les concerts et le théâtre, crée une atmosphère pour le lancement d'un produit animer, des évènements d'entreprise, des festivals.

Actu.fr, Vidéo Mapping Festival, Playtime Animation, Sonovision.

Aujourd'hui le mapping est utilisé pour s'exprimer, pour transmettre des messages, de l'émotion tel que la joie transmise pendant plusieurs événements afin de clôturer les durs moments traversés pendant le COVID.

La Voix du Nord, la Gazette Nord-Pas-de-Calais.

Le mapping est aussi utilisé pour dénoncer les fléaux tel que les crimes contre l'humanité,la population, l'injustice, des violences.

L'artiste Caillou Michaël Varlet et son équipeCie Enlight ont utilisé un mapping vidéo comme moyen d'expression afin de dénoncer certains maux contre l'humanité, la nature. Cet mapping vidéo architectural a été réalisé et projeté sur la façade ouest du bâtiment Pl de l'Université de Toulon le jeudi 28 Mars 2019.

Université de Toulon Spectacle Nature Misses You Live TV 2019

Le mapping a soulevé des réflexions autour de la projection : la projection peut-elle vu comme moyen d'expression ?

De plus en plus répondu dans le monde sous diverses formes, le mapping ne s'arrête pas qu'à projeter des images ,des vidéos ,des jeux, le mapping ne s'arrête plus qu'à présenter les évènements, le mapping est à présent utiliser pour s'exprimer.

Aujourd'hui le mapping est un moyen d'expression dans le monde entier. Permettant l’expression des individus. Le mapping permet à chacun d’entrer en communion d’esprit avec d’autres individus, la nature et la monde, d’avoir l’impression de partager des moments, des sentiments et des émotions avec eux, de comprendre la nature,de la respectée et la protégée.

Manuela Sarah NGANTSUI

[spiritgamer26]

[CP] FF7 ADVENT CHILDREN COMPLETE enfin au cinéma

Suite au lancement de FINAL FANTASY™ VII REBIRTH le 29 février 2024, SQUARE ENIX® et CGR Events, en association avec Sony Pictures et Park Circus, ont le plaisir d’annoncer que FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN COMPLETE, la version longue du film culte en images de synthèse se déroulant après les événements de FINAL FANTASY VII, bénéficiera pour la première fois d’une sortie dans les salles françaises les 16 et 17 mars en VOSTFR.Les places seront mises en ventes à partir du 1er mars à 16 heures auprès de plus de 100 cinémas dans toute la France. Pour retrouver la liste complète des cinémas participants, rendez-vous sur le site de CGR Events (la liste des cinémas est sujette à modification) : https://www.cgrevents.com/programmation/levenement-final-fantasy-vii-advent-children-complete

Grâce à cette ressortie exceptionnelle, le public pourra découvrir la version longue pour la première fois au cinéma dans des conditions optimales. Nous invitons les fans à arriver à temps pour la séance afin de profiter d’un contenu vidéo inédit, proposant notamment des interviews avec les créateurs :- Tetsuya Nomura : réalisateur de FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN et directeur créatif de FINAL FANTASY VII REMAKE et FINAL FANTASY VII REBIRTH - Naoki Hamaguchi : réalisateur de FINAL FANTASY VII REBIRTH - Yoshinori Kitase : producteur de FINAL FANTASY VII REBIRTH, de FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN et réalisateur du jeu FINAL FANTASY VII originalCes derniers reviendront sur l’histoire de FINAL FANTASY VII, son lien à FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN, et vous partageront les coulisses de la création de FINAL FANTASY VII REBIRTH et plus largement du projet de remake.Enrichi de 26 minutes supplémentaires par rapport à la version cinéma et offrant des scènes retravaillées avec des visuels améliorés, FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN COMPLETE poursuit l’histoire racontée dans le jeu à succès FINAL FANTASY VII. Deux ans ont passé depuis l’effondrement de Midgar, témoignage des sacrifices nécessaires afin de ramener la paix. Néanmoins, le monde ne va pas tarder à devoir faire face à une nouvelle menace : une mystérieuse maladie se répand à une vitesse vertigineuse. De vieux ennemis refont leur apparition et Cloud Strife, qui avait abandonné sa vie de héros pour se retirer du monde, doit de nouveau intervenir.

Une projection cinéma exceptionnelle de FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN COMPLETE

Cette projection cinéma exceptionnelle de FINAL FANTASY VII: ADVENT CHILDREN COMPLETE fait suite à la sortie de FINAL FANTASY VII REBIRTH, lauréat du prix du « Jeu le plus attendu » de 2024 lors des Game Awards, disponible depuis le 29 février 2024 en exclusivité sur PlayStation®5 (PS5®). Cette nouvelle histoire indépendante, qui a reçu les louanges de la critique internationale, emmène les joueurs aux quatre coins d'une immense planète pleine de vie. Cloud, Tifa, Barret, Aerith et Red XIII fuient la cité dystopique de Midgar et explorent le vaste monde. À la poursuite de Séphiroth, un être tout droit surgi du passé de Cloud et déterminé à contrôler le monde, ces héros inattendus joignent leurs forces à celles de nouveaux compagnons comme Yuffie, la vaillante shinobi, et Cait Sith, un chat robotique moqueur. Les joueurs vont contrôler ces personnages au combat pour défier le destin, explorer des lieux bien connus, désormais plus détaillés que jamais, profiter de dizaines d'heures de contenu annexe, de missions de chasse et de mini-jeux, et découvrir la riche histoire des différents peuples et cultures de la planète.FINAL FANTASY VII REBIRTH est la suite de FINAL FANTASY VII REMAKE, le premier volet de la trilogie sorti en 2020 et encensé dans le monde entier, aussi bien par les fans que par la critique. FINAL FANTASY VII REMAKE a reçu plus de 20 scores parfaits de la part des médias et a été inclus dans la sélection de la rédaction de PlayStation®. Il est également le jeu au format numérique le mieux vendu sur la plateforme PlayStation® de l'histoire de SQUARE ENIX, avec plus de sept millions d'unités écoulées tous formats confondus depuis sa sortie.FINAL FANTASY VII REBIRTH est disponible exclusivement sur PS5® depuis le 29 février 2024. Le titre a été classifié PEGI 16. De plus amples informations sont disponibles sur : https://ffvii.square-enix-games.com/fr/games/rebirthVersion : VOSTFR Durée de l’événement : 2h19 Read the full article

[gen2book]

GENE{T}RATIVE 2023 L’intelligence artificielle au service d’une architecture de mémoire. Projet de fin d'études - ENSA Paris-Malaquais.

Ce travail est à la fois sujet de recherche, d’expérimentations et de projet. Il puise ses racines dans le double intérêt que nous portons au théâtre et à l’idée de progrès technique comme force génératrice du projet. Nous sommes, plus particulièrement, intriguées par l’essor de l’intelligence artificielle dans le monde de l’art et du design. Naturellement, nous avons commencé à orienter nos recherches vers la notion de mémoire. Mais pourquoi la mémoire ? Le théâtre comme les réseaux de neurones semblent devoir se reposer sur une mémoire plurielle et collective pour pouvoir exister. Les modèles de stable diffusion, capables de créer des images à partir de descriptions textuelles, suscitent un intérêt croissant et pourraient être utilisés pour repenser la conception spatiale et la scénographie de théâtre, et nous permettre d’expérimenter de nouveaux moyens de conception visuelle et spatiale et de nouvelles séquences de projet. Il s’agit d’étudier le passage d’un médium à un autre et notamment celui du texte, à l’image puis à l’espace. L'idée est de proposer un nouveau processus de conception et de nouveaux systèmes de notation plus appropriés à l’usage de ces nouveaux outils.

Les questions qui se posent alors sont les suivantes :

Comment utiliser l’intelligence artificielle comme un pourvoyeur de mémoires collectives pour concevoir des espaces ?

L’intelligence artificielle peut-elle être à l’origine d’un bousculement des séquences traditionnelles de conception et de nouveaux types de notations ?

L’enjeu de notre projet est de concevoir une scénographie de théâtre qui joue son rôle d’architecture de mémoire avec pour support la pièce de Jean Genet, Le Balcon, et avec les didascalies de son texte comme matière première. Pour cela, nous faisons appel à un modèle de stable diffusion, capable de créer des images à partir de descriptions textuelles. Pré-entrainé, il est aussi alimenté par notre propre dataset, notre propre archive. La séquence de notre projet est la suivante : texte-image-espace.

Nous envisageons ici d’aborder le projet d’une manière inédite en utilisant comme outils de conception, le texte de Genet, le modèle de stable diffusion, et nos images de référence. Nous créons un corpus de références architecturales, analysées simultanément par l’architecte et la machine. Nous contrôlons la production de l’IA en évaluant les images générées selon des critères définis, cherchant à combiner les caractéristiques architecturales de bordel et d’espace religieux. La multiplicité des images obtenues induit une multiplicité des possibilités de mise en espace, allant de la plus matérielle à la plus virtuelle, avec différents degrés de transcription pour chaque projet : maquette physique, projection simple, mapping vidéo, réalité virtuelle.

La diversité des images qui se déploie devant nous, la multiplicité des décors,  met en lumière une particularité de notre travail : l’exploration de mondes clos et d’intériorités. Nous allons plus loin dans cette exploration en quittant le monde des didascalies pour plonger à l’intérieur du texte de Genet. On peut ainsi procéder à l’extériorisation de ces intériorités, les matérialiser en donnant une forme concrète aux pensées et aux émotions des personnages. On spatialise le texte, et chaque décor devient contextuel.

Notre approche marque en quelque sorte la fin du décor fixe. Nous abandonnons les changements de décor traditionnels pour embrasser une constante transition entre les environnements, mais aussi les dimensions. Nous venons redéfinir la temporalité au théâtre en brouillant les frontières entre les différents lieux de l’action, induite par le décor statique. En cela, nous nous inscrivons dans la continuité de ce que Genet énonçait à propos des mises en scène de ses propres pièces, en particulier Le Balcon.

[tempsdesfetesdixieland2023]

Jeudi 28 décembre 2023

Ce matin, c’était à nouveau la flotte à Fort Lauderdale. Heureusement, nous quittions dès la fin de l’avant-midi pour Clearwater, sur les rives du golfe du Mexique, tout près de Tampa. Une fois sur place, la pluie était chose du passé et le ciel était expressif, donnant de magnifiques reflets dans la baie de Tampa, où des centaines de bateaux étaient amarrés (photos 1 et 2).

Nous avons visité The Dali, le musée de St Petersburg entièrement consacré à l’œuvre de Salvador Dali (1904-1989). Il y avait foule en ce jeudi moitié prix, les visiteurs se pilant sur les pieds tout le long du parcours. L’édifice en soi est une attraction, tant de l’extérieur (photo 3) que de l’intérieur, notamment par son escalier central en forme de spirale (photos 4 et 5).

À l’intérieur, de très nombreuses œuvres de Dali, de toutes les époques de sa vie, allant des simples gravures jusqu’aux toiles de très grand format des années 1970. J’en isole 5, qui se distinguaient et se prêtaient bien à la photo:

Photo 6 - Gala nue regardant la mer qui à 18 mètres laisse apparaître le président Lincoln (1976)

Photo 7 - Le Torero hallucinogène (1969-1970)

Photo 8 - Réminiscence archéologique de l'Angélus de Millet (1934)

Photo 9 - Galacidalacidesoxiribunucleicacid (1963)

Photo 10 - Le Téléphone aphrodisiaque (1936-1938)

Enfin, après notre visite, nous avons eu droit à Dali 360, une projection sur un écran circulaire de forme presque sphérique, le sol faisant aussi partie du spectacle. Je dois dire avoir moins apprécié ce segment de notre visite : ça manquait un peu d’imagination, et j’ai tiqué sur les musiques d’accompagnement qui n’avaient pas grand chose à voir avec l’univers de Dali. De belles images, mais ça pourrait être retravaillé, compte tenu du prix demandé. En guise de photo 11, un petit exemple vidéo de la projection.

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Comment l'intelligence artificielle impacte-t-elle la créativité et le concept d'artiste dans la K-pop ?

J’aimerais commencer mon article en vous demandant cher lecteur, dans cette image qu’elle Artiste de Kpop du groupe SuperKind est réel ou non ? (La réponse sera mise à la fin de l’article).

Avec l'arrivée de l'intelligence artificielle dans la scène de la K-pop, des groupes tels que Superkind bouleverse l’industrie du monde Artistique de la k-pop. Superkind utilise des technologies d'IA pour composer de la musique, ce sont des machines qui contribuent à la production de mélodies et de paroles uniques. Cette approche interroge profondément la notion d'artiste et de créativité dans l'industrie de la K-pop. Cela nous fait repenser comment les artistes travaillent avec les ordinateurs pour créer, remettant en question ce que nous pensions savoir sur la créativité artistique qui provient de l’homme ou de la machine maintenant ?! En introduisant l'IA dans la K-pop, de nouvelles façons de concevoir des clips et de créer la musique émergent, soulevant ainsi des questions importantes sur l'avenir de cette industrie musicale. Car Super Kind est un groupe composé musical composé à la fois d'artistes humains. Et d’une autre partie de l'équipe constituée de développeurs spécialisés en intelligence artificielle pour créer des personnages du groupe. Les Artistes sont : Geon  (Chant, Danse, Leader) , Eugene (Chant, Danse), Daemon  (Chant, Danse) , SAEJiN  (Chant, Danse, IA Virtuel) , SiO  (Chant, Danse) , JDV (Chant, Danse, Maknae) , Seung (Chant, Danse, IA Virtuel). Il y a deux Artistes qui utilise l’intelligence du DeepFace pour que Seung et SAEJiN apparaissent dans les clips et les concerts ! Par de simples calcule ou projection sur scène nous pouvons tout reconstruire. Mais cela voudrait dire que les vrais danseurs et chanteurs pourront-il s un jour être remplacé ? Parce qu’on aimerait un groupe totalement parfait ? Tout cela c’est aux fans dans j’en juger et c’est vrai qu’il y en a de toutes les parties. Car pour les fans les Idoles doivent être parfait mais l’humain ne pas l’être ? Pourtant l’imperfection peut justement montrer que nous sommes humains et réels. Vous pouvez aller voir le site écrit par les fans sur le Deep Studio Entertainment pour observer un peu leur démarche si vous souhaitez en savoir plus : https://kpop.fandom.com/wiki/Deep_Studio_Entertainment Nous pouvons parler d’un autre groupe qui fait sensation dans la k-pop mais aussi dans les jeux vidéo ! Ahri, Kais’a, Akali et Evelynn sont des personnages du jeux vidéo league of legends et pour agrandir le chant de l’industrie leur créateur à décider de lancer un groupe pop virtuel.

K/DA est un groupe Virtuel composé de quatre membres chantés par quatre artistes connus dans la vraie vie ! Madison Beer (Evelynn), Miyeon (Ahri), Soyeon (Akali) Jaira Burns (Kaisa).

Imaginez que les fans se concentrent davantage sur les personnages animés que sur les voix et les visages des chanteurs. Cela peut entraîner une situation où les artistes réels se retrouvent relégués à l'arrière-plan, leur contribution artistique minimisée, alors que les avatars virtuels reçoivent toute l'attention et la reconnaissance. Ça m’est déjà arrivé de demander à des personnes jouant au jeux vidéo avec moi s’ils connaissaient qui chantaient derrière le groupe K/DA, très peu ont su me répondre. Cela peut être difficile pour les artistes réels qui souhaitent être appréciés pour leur talent et leur travail, mais on peut croire qu’ils connaissent déjà les enjeux en participant à un groupe virtuel. Ici, les Chanteuses sont aussi connues car elles pratiquent à d’autres créations solo/groupe.

Le concert de K/DA est une performance virtuelle qui mélange animation et technologie pour créer une expérience immersive. Habituellement, il est présenté sous forme de projection holographique ou de vidéo projection, où les avatars animés des membres de K/DA apparaissent sur scène sous forme de personnages virtuels, accompagnés de chorégraphies synchronisées et de visuels dynamiques. Les chansons sont souvent jouées en arrière-plan avec la possibilité d'interactions en direct entre les personnages virtuels et les artistes réels si ceux-ci sont présents. L'objectif principal est de créer une expérience divertissante et captivante pour le public, mêlant la réalité et la fiction grâce à la technologie. Mais même si elles sont magnifiques à certain moment la projection est raté et bizarre. Leur première album POP/STARS, premier single de K/DA est certifié disque d'or. Voici la vidéo du concert si vous êtes intéressé : https://youtu.be/p9oDlvOV3qs?si=HwORTSGuh1s1nWv6 Je trouve ça trop génial :D L'intelligence artificielle devient de plus en plus importante dans la K-pop. Elle aide à créer de la musique et des images, et même à faire des idoles virtuelles. Mais il y a toujours des personnes derrière ces avatars. Ça nous fait réfléchir sur qui sont les vrais artistes : les avatars ou les personnes ? Il est important de se souvenir que derrière chaque chose faite par l'IA, il y a toujours le travail humain. Les petites erreurs des vraies idoles montrent justement le côté humain. Et cela peut aider à mieux faire briller une œuvre par ses harmonies. D’après moi, une création trop parfaite peut sembler moins intéressante qu'une œuvre créative avec des défauts.

La fameuse réponse pour vous dire qui sont les deux chanteurs/danseurs virtuels du groupe SuperKind sont Seung (le dernier dans la photo) et SAEJiN (le quatrième, celui du milieux). Tout les autres sont des vrais humains.

Sur cette image se sont les deux qui ne portent pas de veste. (Troisième et cinquième). Les Sources images : nautiljon.com et koreanxwear.com et  kpopping.com Azmia Mavoulana

[liviopaupemid]

The Follower

PP-2023, PP-MID

The follower est un projet de l'artiste Belge Dries Depoorter qui, en utilisant les caméras de surveillance ouvertes au public et l'intelligence artificielle, peut retrouver la vidéo du moment précis où une photo Instagram a été prise.

Je trouve ce projet particulièrement intéressant car il aborde deux sujets en même temps. Le premier est que l'on est en permanence filmé sans s'en rendre compte et qu'il est assez facile d'accéder à ces vidéos.

Le second sujet abordé est bien sur la fausse réalité montrée par les influenceurs. Une photo, qui peut paraître banale et d'avoir été prise sans arrières pensées, est en réalité réfléchie.

Ce projet permet de mettre en image une des possibles utilisations de l'intelligence artificielle, mais aussi sa puissance. Nous sommes seulement au début de cette technologie mais l'on peut déjà apercevoir un potentiel futur utilisation.

L'artiste joue très bien son rôle avec ce projet. Celui d'être avant-gardiste mais surtout d'avoir un regard critique sur le monde et ses nouvelles technologies.

[leblogdemarinaetjeanmarie]

VENDREDI 17 NOVEMBRE 2023 (Billet 3/3)

D’abord la captation des images, en plein concert, et leur qualité, sont remarquables. La prise de son et le montage tout autant.

Certes, on peut crier au sacrilège : revisiter Vivaldi de cette façon pourrait paraître sacrilège. Mais il n’est pas le seul à avoir osé : Max Richter a « recomposé » les « Quatre Saisons » et son album a été édité chez Deutsche Grammophon. Une célèbre chorégraphe canadienne, Crystal Pite, a créé une chorégraphie sur les « Quatre Saisons de Richter » et l’a dansée à l’Opéra national de Paris pas plus tard qu’en octobre de cette année. Comme quoi…

La vidéo, bien sûr, est à regarder a minima sur une tablette, mieux, sur un PC ou un Mac. Si vous n’avez qu’un smartphone, laissez tomber. Les autres, n’oubliez pas de monter le son. « L’Hiver » de Vivaldi, quel que soit son interprétation, a quelque chose d’« orgasmatique » !

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Debussy, Vivaldi… À Angers, THYLACINE, le prodige de l’électro, revisite la musique classique

Thylacine, le producteur de musique électronique d’Angers s’est produit à domicile, jeudi 27 avril 2023. Au « Quai », devant plus de 900 personnes, le concert s’est joué à guichets fermés.

Avec pour invités les musiciens de l’Orchestre National des Pays de la Loire et pour choristes la Maîtrise des Pays de la Loire, soit plus de 70 personnes sur scène. La performance, filmée, a servi d’enregistrement pour le premier album « Live » symphonique de l’artiste. À paraître.

Une première publique pour Thylacine, qui avait revisité il y a deux ans, en plein confinement, dans un chalet en Suisse, Satie, Beethoven, Schubert, Vivaldi – pour ne citer qu’eux – dans un album nommé « Timeless ».

Thylacine a été gratifié d’un tonnerre d’applaudissements à la fin de son concert.

(Source : « ouest-france.fr »)

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Directed by Cécile Chabert

Cameramen : Emile Cervia & Célidja Pornon

Director Assistant : Léna Charlon

Editing : Zoé Sassier Editing

Assistants : Émilie Lesgourgues & Guillaume Schmitter

Production : SONY MASTERWORKS

Video Violonist : Nathalie Shaw

Orchestre : Orchestre National des Pays de la Loire, conducted by Uèle Lamore

Violin : Luka Faulisi

Piano : Bravinsan Karunanithy

Chœur : Maîtrise des Pays de la Loire, conducted by Pierre-Louis Bonamy

Recorded at : « Le Quai », Angers by Hugo Scremin, assisted by Nicolas Erard

Mixing : Antoine Thibaudeau and Hugo Scremin

Mastering : Antoine Thibaudeau

Thylacine « Vivaldi (and 74 musicians) »

Composer : Antonio Vivaldi

Arrangements : Thylacine

Project carried out : with the support of DRAC des Pays de la Loire, SACEM and ADAMI.

[infosisraelnews]

Larmes, choc et échange d'accusations : "Le film d'horreur" a été projeté à l'Assemblée nationale en France

Echange d’accusations à l’Assemblée nationale française suite à la projection de la vidéo d’horreur à la chambre basse du parlement du pays hier (mardi). L’ambassadeur Ardan à « Israël Hayom » après la projection du film d’horreur : « Il est important qu’ils voient les images choquantes de leurs propres yeux et sachent contre qui nous combattons » // Dor Malol Une centaine de parlementaires ont…

[epaulesdegeantes]

Il y a 125 ans naissait Hilde Mangold (1898 -1924). Elle a fait une découverte majeure en l’embryologie reposant sur une expérience difficile et minutieuse qui a donné lieu à un Prix Nobel mais pas pour elle.

Basée sur la vidéo consacrée à Hilde Mangold : https://www.youtube.com/watch?v=QjBAselfrXs

Bibliographie :

Hamburger, Viktor. "Hilde Mangold, Co-Discoverer of the Organizer." Journal of the History of Biology, 1984: 1–11 https://www.jstor.org/stable/4330877

Doty, Maria, "Hilde Mangold (1898-1924)". Embryo Project Encyclopedia (2011-05-09). ISSN: 1940-5030 http://embryo.asu.edu/handle/10776/1743.

"Hans Spemann - Nobel Lecture: The Organizer-Effect in Embryonic Development". Nobelprize.org. Nobel Media AB 2014. Web. 26 Jul 2017. http://www.nobelprize.org/nobel_prizes/medicine/laureates/1935/spemann-lecture.html

Musique par Aaron Kenny

Image : 

Portrait d’Hilde Mangold par Patricia Díaz Belamendia (2021) pour Wikipedia - CC0 - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Hilde_Mangold.jpg

Researchers par Storyset - licence Freepik - https://storyset.com/illustration/researchers/pana

Illustration issue de Spemann, H. and Mangold, H. (1924). "Über Induktion von Embryonanlagen durch Implantation artfremder Organisatoren". Roux' Arch. f. Entw. mech. 100: 599-638. - Domaine Public - https://link.springer.com/article/10.1007/BF02108133

Cooking par Storyset - licence Freepik - https://storyset.com/illustration/cooking/pana

Manuscrit par OpenClipart-Vectors - licence Pixabay - https://pixabay.com/fr/vectors/manuscrit-journal-article-papier-149606/Illustration issue de Spemann, H. and Mangold, H. (1924). "Über Induktion von Embryonanlagen durch Implantation artfremder Organisatoren". Roux' Arch. f. Entw. mech. 100: 599-638. - Domaine Public - https://link.springer.com/article/10.1007/BF02108133

[temoinmuet]

Came et scope

S’il est un film réflexif sur le cinéma lui-même, Lost Highway en célèbre aussi son illusion absolue : grand film du faux, de la déformation, de la défiguration et de la distorsion. Pullman déclare à deux inspecteurs ne pas posséder ni aimer les caméras parce qu’il préfère avoir “son souvenir à soi, et pas nécessairement ce qui est réellement arrivé”. Un autre personnage se chargera alors de filmer : l’homme-mystère, la face blafarde, caméra vidéo en main dans une cabane en plein désert. Quelle est cette cabane ? Un paysage mental ? Une salle de cinéma ? Un studio de tournage ? Les innombrables très gros plans sur les yeux regardant, les projections de films, les images vidéo de télévision, toutes ces sources se croisent et s’empoignent dans un ballet de représentations. Lost Highway se fait œuvre de mémoire, où les héros et héroïnes se plongent et se perdent dans l’image elle-même. Jusqu’à la folie. 

Arnaud Hallet