#polémica en los Grammy

[mundoxnews]

Trevor Noah genera polémica con chiste sobre Colombia y Shakira en los Grammy

El comediante y presentador Trevor Noah desató controversia durante la gala de los Premios Grammy al realizar un comentario sobre Colombia y la cantante Shakira que muchos han calificado de ofensivo. Durante la apertura del evento, Noah presentó a la estrella barranquillera con la frase: “Tenemos a Shakira aquí. Es lo más grande que ha salido de Colombia que no sea un delito grave”. La broma…

[mundo24]

Joy Villa: Apoya deportaciones, defiende a Trump

La cantante y actriz estadounidense Joy Villa mostró su inquebrantable apoyo al presidente Donald Trump durante la entrega de los premios Grammy en Los Ángeles. En una declaración polémica en la alfombra roja, Villa afirmó: “Me encanta ver deportados a violadores y traficantes de personas. No quiero verlos aquí. Los migrantes que están siendo deportados deben ser deportados.” La artista, quien…

[presentecronologia]

2008 - En medio de gran polémica por cuestiones legales y personales dentro del Colectivo Nortec, Bostich + Fussible presentan Tijuana Sound Machine en el Planeta Tijuana. Tijuana Sound Machine, recibe la nominación en la categoría de Mejor Álbum Rock/Alternativo en los Grammy Awards.

[vavalladolid]

“¿Estamos sordos?”: Antonio Orozco deja a todos boquiabiertos con unas polémicas declaraciones sobre Pablo Alborán en los Latin Grammy

https://www.elegimaldia.es/estamos-sordos-antonio-orozco-deja-a-todos-boquiabiertos-con-unas-polemicas-declaraciones-de-sobre-pablo-alboran-en-los-latin-grammy/

[impresionesdeagosto]

Disco #126: Rosalía - Los Ángeles

         Cuando escribí sobre Héroes del Silencio (#123) mencioné en el primer párrafo que hubo una polémica por alguien español que se había ganado el Grammy latino; pues bien, Rosalía fue la que se ganó dicho Grammy y reinició la polémica de que si España está incluida en Latinoamérica. Todavía encuentro idiota esta polémica, pero fue buena publicidad para ella por un momento grande, y que aún disfruta debido a su ojo para el marketing y musical mezclados.

        Rosalía, desde el principio, fue polémica. Lo más seguro es que ella no haya querido eso, pero de alguna manera hizo que la gente de su edad (tomando en cuenta que debe tener actualmente unos 25 años) conozca el flamenco cuando sería imposible si lo haya visto de otra manera. Como siempre, las “voces autorizadas” del estilo la vieron como alguien que rompía la tradición flamenca/andaluza de siglos atrás, no enfatizando en lo que ellos están acostumbrados, si no que más en la melodía y en el ritmo.

        Rosalía se hizo conocida mundialmente con el disco “El Mal Querer”, genial disco de fusión flamenca y ritmos urbanos. Pero la primera polémica (y, por lo tanto, publicidad) fue con su primer disco, “Los Ángeles” en donde, ayudada por el guitarrista y compositor Raül Refree, abarcan el flamenco desde un prisma distinto al tradicional, a la manera de Camarón De La Isla y su disco “La Leyenda del Tiempo”; y por lo mismo, al igual que el disco de Camarón, fueron mirados en menos por los puristas flamencos. Se sabe que Rosalía estudió música y no tiene sangre andaluza, entre otras cosas, pero aun así pudo lograr un disco con la intensidad del flamenco. Quizás más simple hablando de las estructuras, pero igual de intenso.

        Recuerdo cuando escuché este disco por primera vez el año pasado caminando a altas horas de la madrugada, dándome una sensación de cercanía y placer auditivo. A Rosalía la conocía por el otro disco, “El Mal Querer”, pero éste me maravilló al punto de que, cada vez que es de noche y a altas horas de la madrugada, lo escucho.

        Rosalía, como artista, sabe lo que hace, es consciente de lo que logra y la encuentro genial. Y “Los Ángeles” lo he ocupado hasta para momentos íntimos, porque funciona muy bien de noche, como dije antes. Aunque de día suena lindo, igual, pero hay mucha distracción. “El Mal Querer” es para el día; “Los Ángeles” es para la noche. Joya.

[thebiancaexperience]

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) – The Beatles

Tracklist:

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

With A Little Help From My Friends

Lucy In The Sky With Diamonds

Getting Better

Fixing A Hole

She’s Leaving Home

Being For The Benefit Of Mr. Kite!

Within You Without You

When I’m Sixty Four

Lovely Rita

Good Morning Good Morning

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)

A Day In The Life

Como primera entrada de este intento de blog, voy a hablar de uno de mis álbumes favoritos y, además, uno de los más aclamados de la música: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles. A menudo se lo menciona como el mejor álbum de la banda, cosa que no disputo si bien mi favorito de ellos es por lejos Rubber Soul. Si sos un nerd de la música como yo, esto probablemente te resulte entretenido porque está lleno de facts random de la creación del álbum, curiosidades sobre cómo fue producido, etc. Además, es larguísimo, así que acomódate bien y andá preparándote para una lluvia de información que recopilé lo mejor que pude mientras tomaba mate en mi cama a las tres de la madrugada.

Respecto a cómo fue hecho, el cuarteto de Liverpool tardó 129 días en grabarlo. Cansados de las giras y de la histeria colectiva generada por la beatlemania, decidieron que necesitaban un tiempo para liberarse de sí mismos y, siguiendo la idea de McCartney, se encerraron cuatro meses en Abbey Road con el objetivo de experimentar en el estudio. Fue entonces cuando se les ocurrió crear un alias, una banda ficticia para ponerse en otro papel a la hora de hacer música y así tener más libertad creativa. Un alter-ego de los Beatles, concepto con el que ya no se sentían identificados y de hecho hasta se habían hartado.

La idea general del álbum es una banda que da un recital, por eso está cargadísimo de arreglos con music hall, influencias sinfónicas, etc). Se lo recalca como uno de los primeros discos conceptuales por el hecho de que todas las canciones se suceden de manera continua sin interrupciones y de forma global, idea propuesta por Paul McCartney (sí, otra vez él. ¿Alguien lo puede parar a Paul? Lo hizo él solo prácticamente) para superar Pet Sounds de The Beach Boys, que había salido unos meses antes y del cual tomaron mucha inspiración. El nombre surge gracias a que, en uno de los viajes de la banda, Mal Evans (roadie, asistente y amigo de los Beatles) le pidió la sal y la pimienta a Paul, y éste en vez de entender “salt and pepper” lo malinterpretó como “Sargeant Pepper”. El resto del título, “Lonely Hearts Club Band” es una forma de burlarse satíricamente de los grupos estadounidenses con nombres largos.

Al trabajar bajo un alias, los Beatles se permitieron mucha más experimentación, tanto musicalmente como en ventas. Sobrepasando cualquier limitación, jugaron mucho con nuevos sonidos tales como orquestaciones, instrumentos hindúes, música oriental, grabaciones tocadas al revés y rock psicodélico. Estas innovaciones sin dudas transformaron al rock en objeto de culto, porque nadie había escuchado nada similar antes. Además, si nos remontamos al contexto histórico en el que fue lanzado, este álbum fue editado poco antes del conocido verano del amor en San Francisco, convirtiéndose en el emblema del movimiento hippie.

Comercialmente hablando, fue el primer LP en incluir las letras de las canciones impresas, funda doble, una bolsa interior decorada y a su vez el primer álbum de rock en ganar un Premio Grammy.

Una de las cosas más emblemáticas de esta joya de los Beatles es la portada (de hecho, es más un retrato cultural de la época que funciona como una descripción perfecta de aquellos años), diseñada por Peter Blake y su esposa en aquel momento Jann Haworth.

En la imagen del Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band aparecen 57 personalidades elegidas por los miembros de la banda para la portada. Entre los más destacados se encuentran Fred Astaire, William Burroughs (elegidos por McCartney), Karl Marx, Oscar Wilde (admirados por Lennon) y algún gurú indio escogido por Harrison, quien en aquella época estaba altamente conectado con la cultura oriental y la meditación. También resaltan otras figuras importantísimas de la historia tales como Lewis Carroll, Edgar Allan Poe, Marlon Brando y Albert Einstein, entre otros que luego fueron descartados (como Hitler y Jesús).

Análisis de canciones:

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Como apertura del álbum tenemos este temazo que introduce a la banda alias que crearon los Beatles, mayormente interpretada por McCartney y con una gran performance vocal de su parte. En síntesis, la canción presenta a al grupo ficticio y la letra relata uno de sus conciertos, en donde le hablan a la audiencia diciéndoles que esperan que disfruten el show. 

With a Little Help From My Friends

Pasamos al segundo tema del álbum, interpretado por Billy Shears (alter-ego de Ringo Starr dentro del álbum), quien según dicen grabó el tema mientras sus compañeros de banda estaban parados a su alrededor, dándole mucho sentido al título del tema “con una pequeña ayuda de mis amigos”. Además, fue una de las últimas canciones compuestas por Paul McCartney y John Lennon juntos.

En el verso uno, Starr empieza disculpándose por cantar fuera de tono, siendo su punto fuerte la batería, no el canto. De hecho, la línea “Would you stand up and walk out on me?” era originalmente "Would you throw tomatoes at me?” pero Ringo se opuso por miedo a que el público realmente le arrojara tomates mientras interpretaba el tema en vivo. Nada, eso, POBRECITO. En esta casa amamos y respetamos a Ringo Starr.

Una de las cosas que más me llamó la atención fue esta pequeña referencia a Shakespeare en una parte de la canción: al principio, cuando Ringo canta “lend me your ears and i’ll sing you a song” se está refiriendo a la obra “Julio Cesar”, puntualmente a la frase “Friends, Romans, Countrymen, lend me you ears” (RE NERD el dato, pero me pareció buenísimo, grosos los Beatles referenciando a William)

PERO BUENO, pasando a lo importante, es decir, el significado de la canción en sí, el pensamiento popular indica que trata esencialmente sobre drogas. No es casualidad que el estribillo contenga “i get high with a little help from my friends” siendo que la palabra “high” se utiliza como sinónimo de drogado, y los “pequeños amigos” vendrían a ser justamente los estupefacientes. Es simple, pero la referencia está ahí, ponele que camuflada. O al menos eso es lo que pensaba el entonces vicepresidente de los Estados Unidos, un empedernido anti rock. La banda nunca entró en detalles acerca del “get high”, pero es claro que el álbum está repleto de pequeñas referencias a las drogas que pegaban muy bien con la época.

Lucy in the Sky With Diamonds

UFF, POLÉMICA. Un clásico de The Beatles por donde la mires, Lucy in the Sky With Diamonds es una de las canciones en la que más referencias a las drogas se pueden encontrar. Irónicamente, no trata de eso.  Pese a su controversial título en el cual vemos formadas las siglas de la droga LSD, las vibras psicodélicas de la canción, los detalles que describían la sensación de estar alucinando y la subcultura del “Verano del Amor” reinante en ese entonces, la letra realmente habla de uno de los dibujos que hizo el hijo de John, Julian.

Un día, Julian volvió de la escuela y le mostró la imagen que había dibujado de su amiga Lucy, que volaba sobre un fondo de estrellas brillantes. Lo tituló “Lucy en el cielo con diamantes”. Si bien Lennon generalmente fue abierto acerca de las referencias a las drogas en las canciones de los Beatles, siempre tuvo énfasis en recalcar que esta en particular no hablaba sobre eso.

Foto del dibujo:

Sin embargo, hay muchos detalles que dicen lo contrario. Uno de mis favoritos es este guiño a Bob Dylan, quien unos años antes interpretó su canción “Mr. Tambourine Man” una canción que presuntamente habla del LSD y que contiene el verso “beneath the diamond sky” (bajo el cielo de diamantes), muy parecido a Lucy in the Sky With Diamonds”.

No sé, la realidad es que es todo un mito de la música. Por ahí leí que Paul McCartney confirmó en una entrevista de los 90s que la canción mayormente trata del LSD, otros que dicen que Lennon se inspiró en Alicia en el País de las Maravillas, y muchas cosas más. Obviamente queda en manos de la libre interpretación de cada uno, pero si me preguntan hay demasiadas insinuaciones que indican tremendo viaje de ácido (dale, chica con ojos de caleidoscopio, si ahí no está hablando de los reminiscentes del LSD yo no sé).

DATO: Una estrella enana blanca llamada BPM 37093, más conocida como Lucy, obtuvo su nombre en honor a esta canción. Está formada por carbono cristalizado/diamante, y se sitúa en la constelación Centauro, a 54 años luz.

Getting Better

Esta canción es re optimista, la amo. Fue compuesta mayormente por McCartney, con algunos coros y adiciones por parte de Lennon. La idea de la canción vino de la frase favorita del baterista suplente de la banda, Jimmie Nicol, quien reemplazó a Ringo durante 8 días en la gira mundial de 1964. En “Many Years from Now”, la biografía oficial de Paul, podemos leer que tenía la intención de hacer un tema con tono y letra optimista, tanto para animarse a él mismo como para animar a quienes la escucharan.

Eso es lo que podemos sacar en el primer vistazo a la canción. Después te vas dando cuenta de que aborda un tema más oscuro, el abuso doméstico. En una de las últimas entrevistas importantes que dio Lennon antes de su muerte, habló de como el 3er verso de la canción hablaba sobre como él solía ser. “I used to be cruel to my woman, I beat her and kept her apart from the things that she loved” (solía ser cruel con mi mujer, la golpeaba y la mantenía alejada de las cosas que amaba) hace referencia al pasado violento de John. Expresó su arrepentimiento en dicha entrevista: “Solía ​​ser cruel con mi mujer, y físicamente, con cualquier mujer. No podía expresarme y golpeé. Luché contra hombres y golpeé a mujeres. Es por eso que siempre hablo de la paz. Son las personas más violentas las que van por el amor y la paz. Todo es al revés. Pero creo sinceramente en el amor y la paz. Soy un hombre violento que ha aprendido a no ser violento y se arrepiente de su violencia. Tendré que ser mucho mayor antes de poder enfrentar en público cómo trataba a las mujeres cuando era joven ".

Fixing a Hole

Una de las canciones más pop del álbum, trata de como muchos de los fans se instalaban fuera de la casa de Paul todo el tiempo, y de la forma en la que él lidiaba con esa situación: “See the people standing there/ They worry me, and never win/ And wonder why they don’t get in my door.” (veo a la gente parada ahí / me preocupan y nunca ganan / y me pregunto por qué no vienen a mi puerta). Lo raro del tema para McCartney es que la gente que se paraba afuera de su casa jamás se presentaba como un amigo ni intentaba entablar conversación, sino que llevaban una actitud más que nada acosadora para hacerse notar. Realmente los Beatles amaban hablar con los fans que se mostraban amigables con ellos, pero este no era el caso.

Paul contó que una vez hubo alguien que sí se animó a tocar la puerta. ¿Quién? Un tipo que era igual a Jesús. Llegó de lo más tranquilo, llamó a la puerta y claramente McCartney le contestó (siempre lo hacía a menos que fuesen aburridos). El chabón se presentó literalmente como Jesucristo y Paul lo invitó a pasar.

Según explicó, fue algo así: “Este tipo dijo: "Soy Jesucristo". Yo dije, "Oop", un poco sorprendido. Le dije: 'Bueno, será mejor que entres entonces'. Pensé: 'Bueno, probablemente no lo sea. Pero si lo es, no voy a ser yo quien lo rechace ". Así que le di una taza de té y simplemente charlamos y le pregunté: "¿Por qué crees que eres Jesús?" Hubo muchas víctimas en ese entonces. Solíamos tener muchas personas que tal vez eran inseguras o atravesaban crisis emocionales o lo que sea. Entonces dije: 'Tengo que ir a una sesión, pero si prometes estar muy callado y sentarte en un rincón, puedes venir'. Así lo hizo, vino a la sesión y se sentó muy silenciosamente y nunca lo vi después de eso. Le presenté a los chicos. Dijeron: '¿Quién es este?' Yo dije: 'Él es Jesucristo'. Nos reímos un poco por eso ". En fin, amo este relato. Te amo Paul McCartney, sos un copado.

Ooooooooobviamente hay una segunda interpretación del tema, que ooooooooobviamente tiene que ver con la droga. Y sí, son los Beatles. Hay muchos que dicen que la canción habla de la marihuana, y que Paul la fumaba para inspirarse. Qué se yo, es medio rebuscado. Además, nada supera a la anécdota de Jesús.

She’s Leaving Home

Bueno. Es momento de hablar de la enorme, magnífica, excelente, fantástica y ME PONGO DE PIE, She’s Leaving Home. Sin dudas mi tema favorito del álbum y el segundo mejor de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band después de A Day in the Life. ¿Escucharon bien el arpa del principio? Así te reciben en el cielo. (DATO: el arpa la tocó Sheila Bromberg, la primera mujer artista en aparecer en un disco de los Beatles).

Este tema fue otra de las ideas de McCartney, que en este álbum las viene clavando todas. Está basada en hechos reales, específicamente en una historia que Paul leyó en el diario del 27 de febrero de 1967 sobre una adolescente de 17 años llamada Melanie Coe que se escapó con su novio mayor.

Foto del artículo:

Si prestamos atención a la letra, hay varios factores que nos indican que el dejar su hogar le causa tristeza:

“Leaving the note that she hoped would say more” (Dejó una nota, deseando que ésta dijera más)

“clutching her handkerchief” (agarrando su pañuelo) lo cual da a entender que estaba llorando mientras se iba, sintiéndose culpable.

Pero también habla de la liberación que ella sintió al irse: “Stepping outside, she is free” (saliendo, ella es libre) señalando que ella veía a la casa de sus padres como un lugar que la aprisionaba.

El resto de la letra habla también de la reacción de sus padres, que están destrozados por la partida de su hija y a la vez confundidos con el porqué de la situación, ya que ellos le dieron todo lo que ella pudo pedir excepto lo que realmente quería: aventura, experiencias desafiantes, etc.

Cuando los padres de Melanie la encontraron dos semanas después de su escape, ella se justificó diciendo que ellos nunca le habían dicho que la amaban.

Investigué un poco para ver si se había enterado que los Beatles le hicieron una canción y, efectivamente, lo hizo algunos años después. Volvió a casa con sus padres hasta los 18 años, cuando se casó y dejó su hogar permanentemente.

Fun fact: Conoció a Paul McCartney en 1963, algunos años antes de la noticia en el programa ITV’s Ready Steady Go!

Being for the Benefit of Mr. Kite!

Compuesta por John Lennon, quien tomó inspiración en un afiche de circo del siglo XIX, adquirido por él mismo en una tienda de antigüedades el 31 de enero de 1967 mientras grababa el video promo de “Strawberry Fields Forever” en Sevenoaks, Kent. Lennon explicó que prácticamente toda la canción venía del póster, a excepción del caballo (en la canción se dice que se llama Henry, cuando el afiche lo identifica como Zanthus). “Mr Kite”, mencionado en la canción, vendría a ser el circense William Kite, que trabajó para el dueño del circo (Pablo Franque) entre 1843 y 1845.

Foto del póster:

Por supuesto que el tema se ve ligado al concepto más recurrente que surge al hablar de los Beatles: las drogas. El verso en el que habla del caballo Henry está visto por algunas personas como una referencia a la heroína, y ahí fue cuando Lennon salió a aclarar que toda la canción estaba basada en el póster menos el caballo. Dejando esto de lado, me parece uno de los temas más falopa de la banda: ¿para qué se gastan en buscar referencias a drogas en otras canciones o dichos de los integrantes del grupo cuando existe ESTA CANCIÓN? ¿su existencia no es el comprobante más verídico de que definitivamente consumían algo? ¿podría algún ser humano componer esta canción estando LIMPIO DE DROGAS? Yo no creo.

Within You Without You

Llega el único tema del álbum escrito por George Harrison, uno que apenas lo escuchas te das cuenta que fue idea de él: tiene muchísima influencia musical del estilo indio, muy diferente a cualquier cosa que hayan hecho los Beatles antes. Harrison la compuso después de haber estado seis semanas meditando en India con Ravi Shankar, su mentor, en 1966. Muchas de sus ideas acerca de la filosofía hindú y las enseñanzas de los Vedas se ven incorporadas en la canción.

Por ejemplo, frases como: “Never glimpse the truth, then it's far too late when they pass away” (nunca vislumbran la verdad, entonces es demasiado tarde cuando mueren” hace referencia a aquellas personas que se esconden detrás de la ilusión de las cosas materiales y efímeras, como el dinero o la belleza, y por ello nunca son capaces de entender el verdadero significado de la vida.

Hablando de las influencias musicales hindúes, dentro del tema podemos encontrar una gran variedad de instrumentos: la tambura (instrumento de cuerda pulsada utilizado para mantener sonidos zumbantes constantes), el sitar (instrumento de cuerda pulsada parecido a la guitarra, el laúd o el banjo pero con el mástil más grande, con sonido metalizado y glissandos) y el dilruba, bastante parecido al sitar. Todo esto acompañado de swarmandal (cítara india), violines y chelos. Para la percusión, se utilizó una tabla, instrumento indio utilizado como acompañamiento rítmico.

When I’m Sixty-Four

Paul McCartney escribió este temazo A LOS QUINCE AÑOS. Increíble. Sin embargo, no vio la luz hasta que salió Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, para ese entonces tenía 25 (inicialmente ese no era el título de la canción, pero fue adaptado porque justo el año que salió el padre de Paul tenía 64). La canción trata de un hombre joven que imagina cómo va a ser la vida cuando envejezca junto a la mujer que ama, preguntándose si ella lo seguirá amando y cuidando “cuando pierda su cabello”.

Irónicamente, Paul se divorció de su segunda esposa, Heather, a los 64 años de edad. Todo mal.

Este tema aparece acreditado a Lennon-McCartney, pero cuando le preguntaron a John sobre eso él le dio todo el crédito a Paul, argumentando que a él jamás se le ocurriría escribir una canción así.

Lovely Rita

McCarteny escribió esta canción sobre una oficial de estacionamiento que lo multó afuera de Abbey Road Studios Two, donde se grabó la mayor parte del álbum. Lo gracioso es que realmente la mujer se llamaba Meta Davies, pero Paul decidió llamarla Rita en la canción porque para él “se veía como una”.

Dibujo que hizo Paul en el proceso de escribir la canción:

Hasta ahí viene lo normal. Peeeero, acá entra un tema que vine evitando hasta ahora: la teoría de la muerte de Paul. Resumido así nomás, existe una gran creencia popular que dice que Paul McCartney falleció y fue reemplazado por un doble. Este tema vendría a tratar sobre el momento en el que McCartney se distrajo mientras manejaba, se accidentó y murió. Re loco. Se puede leer más en detalle toda esta conspiración, pero no le voy a dar mucha bola porque no creo que sea verdad y esto ya está quedando larguísimo.

Good Morning Good Morning

Este es el tema número 4 de las b-sides de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Habla sobre la insatisfacción y el aburrimiento de ser una persona normal que lleva una vida normal, que curiosamente funciona como presagio de los tiempos de Lennon como “amo de casa” en los 70s. Está inspirado en un anuncio de Corn Flakes de 1965 que mostraba un gallo cantando, muy parecido al que se escucha al comienzo de la canción. Está buenísima para usar como alarma, lo digo por experiencia propia.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)

En esta canción, la banda de los corazones solitarios del Sargento Pimienta se despide del público, cerrando el ciclo de su recital (concepto en el que basaron el álbum) y abriéndole paso al punto culmine del álbum, A Day in the Life. De acuerdo con “The Beatles Bible”, la idea central de la canción vino del road manager de la banda, Neil Aspinall. Se le ocurrió que, ya que habían hecho un tema inicial de bienvenida, deberían cerrar de la misma forma, incluyendo una repetición de despedida para finalizar el álbum.

A Day in the Life

Si hay una sensación que me encantaría experimentar por primera vez de nuevo, es aquella que sentí cuando descubrí este tema. Es lo más parecido a sentir que tu alma flota; no sé cómo describirlo exactamente, pero es increíble. Y a pesar de que nunca voy a vivirlo como algo nuevo, cada vez que vuelvo a escuchar esta canción tengo un dejo del sentimiento que me abrumó, tal como abrazar a un amigo que conoces desde hace años, o como reencontrarte con tu juguete favorito de cuando eras chico. Es una sensación que te renueva por dentro, pero al mismo tiempo se siente tan familiar como volver a la casa en donde creciste.

Sin duda alguna es el mejor del álbum, y un perfecto final para el mismo.

Lennon escribió las secciones del inicio y del final de la canción mientras que McCartney contribuyó con el puente y, además, para el clímax, contrataron una orquesta de 40 músicos.

La verdad es que este tema por sí mismo ya se merece un solo post para explicarlo a fondo. Hay múltiples maneras de interpretarlo, se tomó inspiración de varias cosas para escribirlo (Lennon se inspiró en las noticias y Paul en la juventud), por supuesto que tiene una forma de relacionarlo con las drogas, etc. Indagando un poco más en la inspiración de John, se basó mucho en el accidente de de Tara Browne, heredera de la fortuna de la familia Guinness, quien falleció en un accidente automovilístico a los 21 años.

Artículo del accidente:

A menudo se la reconoce como la mejor canción de The Beatles y una de las piezas individuales más importantes en la historia del rock. Se encuentra en el puesto 28 de las 500 más grandes canciones de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone.

Conclusión:

Que grandes que son los Beatles. Yo creo que, si algún día nos visita vida extraterrestre y hay que mostrarles algo de nuestra cultura relacionado con el arte, hay que ponerle este álbum. Tomá, esto es lo mejor que tenemos.

¿Es realmente Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band el mejor álbum de la historia? Para mí (y para muchos más) sí. Pero me es difícil ser objetiva cuando The Beatles es mi banda favorita (aunque igualmente también califica perfectamente para ser la mejor del mundo). Durante mucho tiempo este álbum estuvo en el puesto N°1 en el Top 500 Greatest Albums de la Rolling Stone, siendo desplazado hacia el #25 a finales del 2020. Independientemente de los rankings, creo que es una obra de arte que todo el mundo debería escuchar por lo menos una vez en la vida. Es una genialidad, tanto musical como culturalmente.

Creo que eso es todo lo que tengo para decir en este primer análisis (que poquito, 4000 palabras). Quiero dedicarle esta entrada del blog a mis abuelos Moni y Julio, fanáticos de los Beatles igual que yo y que me bancaron a full con este proyecto. Los amo y espero que lo disfruten.

[ardeportal]

Lil Nas X hizo bailar al Diablo con su último lanzamiento.

MONTERO (Call Me By Your Name), el último lanzamiento de Lil Nas X, generó polémicas por su contenido erótico y su representación de la religión y el satanismo. ¿Dejaremos en algún momento de censurar el contenido de la música que consumimos?

Por Ginny Lupin.

Con el lanzamiento de MONTERO (Call Me By Your Name), el norteamericano Lil Nas X revolucionó las redes, despertando la admiración y el repudio de público por igual. El tema debutó en el número 1 de Billboard; y su videoclip, que muestra la visión del artista de cielo e infierno, se convirtió en tendencia instantánea en YouTube, Twitter y TikTok, donde los usuarios crearon un challenge popular para difundirlo.  ¿Pero quién es el músico del momento y por qué, en 2021, el tratamiento de ciertos temas en el arte sigue significando una polémica?

Lil Nas X

Montero Lamar Hill - conocido en el mundo de la música como Lil Nas X - nació en Georgia (EE.UU) en Abril de 1999. Eso significa que, quien fuera el artista con más nominaciones a los Premios Grammy en 2020, revolucionara internet con su single Old Town Road, y está actualmente en boca de todos por su más reciente lanzamiento; acaba de cumplir 22 años. ¿Cómo es que un chico de su edad llega a ganar 2 Grammy antes incluso de lanzar su primer álbum? La respuesta en este caso, como parece serlo para todo en la industria de la música últimamente, es: a través de internet. En Diciembre de 2018 y luego de cultivar una activa presencia en redes como twittero, Nas X lanzó una canción que fusionaba música Country con Rap. El éxito de Old Town Road nació de la curiosidad del músico, un beat que compró online al productor holandés YoungKio de manera anónima y una intensa campaña de difusión a través de TikTok liderada por el mismo cantante. Con apenas una hora de grabación en su estudio casero y unos cien memes creados por Lil Nas X, la promoción del tema dio sus frutos y pronto Old Town Road se había viralizado. Después llegarían las colaboraciones - que incluyeron un feat con Billy Ray Cyrus (si, el papá de Miley) en el que sería el primero de muchos remixes del caballito de batalla del rapero. Fue éste mismo tema el que lo llevó a ser el primer artista negro perteneciente a la comunidad LGBTQ en ganar un premio de la Country Music Association. Para cuando subió al escenario a recoger la estatuilla, Lil Nas X tenía solamente 20 años.

El outsider del rap. 

En 2019 y tras destronar a Mariah Carey y Boyz II Men’s con su “One Sweet Day”; Old Town Road rompió un record de Billboard al convertirse en la canción que más semanas permaneció en el número 1 de la lista. Sin embargo, el éxito trajo consigo las críticas de quienes no consideraban al tema “lo suficientemente Country” para entrar en los parámetros de ese género. La polémica fue la primera de muchas para el artista, quien ajeno a reglas de estilos musicales o diplomacia a la hora de realizar declaraciones, trabaja su música y su presencia en redes con una espontaneidad refrescante. Claro que esto no detiene a los twitteros, críticos musicales, especialistas en farándula, policías de la moral y demás opinólogos virtuales que han encontrado en Lil Nas X un blanco tentador.

En ese marco, el lanzamiento de MONTERO (Call Me By Your Name) llega para, como el propio Nas X definía: “hacer llorar a sus haters”. En el videoclip de enorme despliegue, el artista se sacude el rol de “ejemplo a seguir” que quedara asociado a su figura tras la popularidad que Old Town Road tuvo entre los niños; responsabilidad que, sin embargo, el artista jamás quiso ni solicitó.  Es así que MONTERO nos presenta a un Lil Nas X maduro, haciendo gala de su ácida ironía, riéndose de quienes lo tildaran de satanista en el pasado y adueñándose de su narrativa en el marco de su orientación sexual. Y es que a todos nos gustaría creer que en 2021 la discriminación por raza, religión u orientación sexual es cosa del pasado más antiguo y oscuro; pero para un hombre negro homosexual en la escena de la música Rap, la realidad sigue siendo desafiante.  Lil Nas X es en la actualidad un outsider de la música. Imposible de encasillar dentro de un género, el cantante tiene una activa presencia en redes, tanto por su música como por sus videos y memes en clave de humor. Luciendo looks osados en cuanta alfombra roja pisa, o empujando los estándares de lo políticamente correcto en sus letras y videos; Nas X es un referente de las nuevas generaciones, desatando reacciones varias entre colegas y escuchas. Siendo uno de los pocos artistas en el mundo del hip-hop en expresar con orgullo su homosexualidad, su camino no ha sido sencillo. Pero son justamente sus vivencias en un medio que predica una aceptación y diversidad que no siempre abraza, las que inspiran el arte que lo lleva a la cima de las listas de éxitos mundiales. Es lo que da profundidad a su música, dicen los medios especializados, y el análisis es tan certero como ineludible.  En un mundo de éxitos rápidos, el equivalente musical al “fast fashion”, Lil Nas X se inspira en su vida para plasmarla en historias enmarcadas en una amplia gama de sonidos. Es innovador, adjetivo no menor en la monotonía que invade la música mainstream contemporánea. 

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“Querido Montero-de-14-años, escribí una canción con tu nombre en ella. Es acerca de un chico al que conocí el año pasado. Sé que prometimos no decirlo públicamente, sé que prometimos nunca ser “ese tipo” de persona gay, sé que prometimos morir con el secreto, pero esto va a abrir puertas a tantas otras personas queer para que puedan simplemente existir. Verás, esto me da mucho miedo, la gente va a enojarse, van a decir que estoy imponiendo una agenda. Pero la verdad es que, lo estoy haciendo. La agenda de hacer que la gente se mantenga fuera de la vida de otras personas y deje de dictaminar quiénes deberían ser. Te mando amor desde el futuro - LNX”

La carta que acompañó el lanzamiento de MONTERO, primer single del que será su álbum debut, respalda el análisis del párrafo anterior. Lil Nas X hace música para su público, una generación a la que representa y quienes lo han adoptado como vocero; pero también lo hace para él mismo, quién es y quién supo ser. Es un grito de protesta, de reivindicación. Su manera de decir “estamos acá, nos ven, no pueden ignorarnos”. Y los números hablan por si mismos, ya sea para criticarlo o venerarlo, nadie queda ajeno al fenómeno que desata el músico. 

"In life, we hide the parts of ourselves we don't want the world to see, we lock them away, we tell them, 'No,' we banish them. But here, we don't. Welcome to Montero."

Bienvenidos a Montero.

Montero es, a partir del pasado 26 de Marzo, no sólo el nombre real del artista sino el de la canción que lo trajo nuevamente al centro del ojo público. Será también, a mediados de este año, el título de su primer álbum de estudio que aún no tiene fecha confirmada de lanzamiento. MONTERO (Call Me By Your Name) es la versión del Jardín del Eden re-imaginada por el artista. Como narra al comienzo del videoclip que acompaña el tema (cosechando al momento más de 120 millones de visitas en YouTube); "en la vida escondemos las partes de nosotros mismos que no queremos que el mundo vea, las encerramos, les decimos 'no', las desterramos. Pero aquí no. Bienvenidos a Montero". Montero es la utopía de Lil Nas X, y en su mundo, tiene la libertad de vivir como quiera sin necesidad de ser juzgado o dar explicaciones.

El videoclip es una obra de arte en sí mismo, plagada de simbologías. Lo tiene todo: representaciones alienígenas, un exceso justificado de CGI, referencias a Platón, pelucas altas a lo Maria Antonieta y la actuación estelar del mismo Nas X, quien eligió poner no sólo voz, sino también rostro, a la historia que narra.  El video tiene su climax en el ascenso de Lil Nas X al paraíso, el cual se ve frustrado con la aparición de un caño de pole dance en el que el músico se desliza hasta el mismísimo infierno. Allí se encuentra con el Diablo, a quien seduce con un baile para luego robar sus cuernos, coronándose a si mismo como único rey del infierno. Un guiño a los homofóbicos que sostienen la homosexualidad es un camino directo a la perdición - el trono de Satán está rodeado por un círculo que reza en latín “condenan aquello que no comprenden”. 

El mensaje claramente no fue bienvenido por los fanáticos religiosos - menos aún al publicar el videoclip en plena Semana Santa (una reacción similar a lo que ocurriera con Judas de Lady Gaga); pero para Lil Nas X existen problemas más graves que su cuerpo semi desnudo deslizándose por un tubo hasta el inframundo. O al menos eso respondió frente a las acusaciones que políticos y referentes religiosos decidieron plasmar en redes, las cuales respondió mencionando la crisis de armas en Estados Unidos - las muertes por tiroteos frecuentes en el país siendo sin dudas un tema al que los senadores deberían prestar más atención que a un videoclip. 

La realidad es que al final del día y polémicas a parte (el video también generó críticas por supuesto plagio a Cellophane de FKA Twigs y discusiones con Nike en torno a la venta de calzado deportivo temático que no había sido autorizado); Lil Nas X sale victorioso de su lanzamiento. Mientras el mundo discute MONTERO, sus adeptos esperan ansiosos el lanzamiento del disco, especulando con las nuevas perspectivas políticamente incorrectas que podría abordar.  ¿Es este el comienzo de una nueva ola de músicos contraculturales, dispuestos a contar historias sin miedo a la censura? Solo queda esperar a ver qué le depara el futuro a Lil Nas X y la música en general. Lo que, al menos desde Arde, vemos imposible negar, es que el tema es increíblemente pegadizo.

[gposada]

N° 244 ‘The Marshall Mathers LP’ Eminem, 2.000

Al igual que su predecesor, "The Marshall Mathers LP" estuvo rodeado de una gran controversia sobre su lanzamiento, al tiempo que impulsó a Eminem a la vanguardia de la cultura popular estadounidense, ningún rapero blanco había llegado tan alto para quedarse allí. La crítica se centró en las letras que se consideraron entre violentas, homofóbicas, misóginas, así como en la referencia a la masacre de la escuela secundaria de Columbine. La escritora Lynne Cheney, esposa del futuro vicepresidente en la era Bush criticó la letra en una audiencia en el Senado de los Estados Unidos, mientras que el gobierno canadiense consideró rechazar la entrada de Eminem al país. A pesar de la polémica, el disco recibió elogios de la crítica, que resaltó la capacidad   de Eminem y su profundidad oscura y emocional. Así debutó en el número uno en el Billboard 200, permaneciendo en primer lugar durante ocho semanas consecutivas. Un éxito comercial significativo en comparación con el lanzamiento de "The Slim Shady LP" el año anterior, el álbum vendió 1.78 millones de copias en su primera semana, lo que lo convirtió en uno de los discos de estudio más vendidos en la historia. El trabajo produjo cinco singles: "The Real Slim Shady", "The Way I Am", "Stan", "I'm Back" y "Bitch Please II". Entre otras publicaciones, la revista Rolling Stone lo nombró el mejor álbum del año. Como uno de los álbumes más innovadores y controvertidos en la historia de la música estadounidense, "The Marshall Mathers" LP ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos y es ampliamente considerado como el mejor disco de Eminem. Ha vendido en total 25 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndolo en uno de los más vendidos de todos los tiempos, y certificado Diamante por la Industria de la Grabación. Fue además nominado al Álbum del Año y ganó el Mejor Álbum de Rap en los Premios Grammy 2001, mientras que "The Real Slim Shady" ganó la Mejor Interpretación de Rap Solo. En 2013, "The Marshall Mathers LP 2", la secuela del álbum, fue lanzado y actualmente, el término "Stan" se utiliza para definir a los fans acérrimos movilizados de cualquier género en las plataformas virtuales.

La revista británica NME lo describió así: "The Marshall Mathers LP" “puede ser el blanco de los más indeseados de Estados Unidos, pero también es el producto de un talento supremamente intocable”.

En una mirada introspectiva a su carrera y vida personal, en ese momento, Em explicaba las razones de su alter ego y por qué su nombre artístico:

“Eminem es el rapero, Slim Shady te matará, Marshall Mathers es la persona detrás de toda la fachada”. N° 244 ‘The Marshall Mathers LP’ Eminem, año 2.000.  

[lallyouhadtodowasstayl]

Kanye empieza la llamada hablando sobre lo emocionado que está del álbum que estaba próximo que lanzar (Life of Pablo), de su colección de ropa y del problema que tenía con Nike.

Minutos después, le dice a ella que ya tiene su primer sencillo y elogia su propia canción diciendo que es la 'Canción del Año' etc, por lo cual Taylor lo felicita y dice que está emocionada por él.

West, cambia la conversación y le dice que la razón por la cual él le está hablando es porque la menciona en la canción y que ocupaba su aprobación porque es controversial.

Una vez que Taylor escucha que él la va a mencionar y que ocupa su aprobación, se nota que su voz cambia, deja de reír y se queda callada.

Cuando él está a punto de decirle la línea, le dice que si está molesta o asustada (porque en serio, se escucha el cambio de humor de Taylor, como que tiene miedo. Deja de reír y hacer bromas).

Swift le responde que sí está nerviosa porque piensa que la va a insultar o algo parecido.

Kanye después se tarda como 3 minutos en decir que todo su equipo había amado la línea, que es muy controversial y que Kim al principio dijo que no le gustaba la línea pero que después solamente eso cantaba. A todo esto, él todavía no le ha dicho la letra a Taylor.

Después de darle muchas vueltas al asunto, Kanye finalmente le dice a Taylor que la línea es: 'I think me and Taylor might still have sex'.

Se nota la voz de alivio de Swift y ella dice que creyó que la iba a insultar pero que tiene que pensarlo porque ella ha sufrido de una sobre exposición en los medios y que las personas están esperando a que ella haga/diga algo estúpido y que quiere salir del ojo público por un rato.

Antes de seguir, tengo que recalcar que Kanye le pidió explícitamente a Taylor que una vez que la canción fuera lanzada, que ella tenía que publicar un tweet, como para animar a los fans a que la compraran. Swift, de una manera amable se niega a hacerlo porque dice que las personas podrían malinterpretar la situación creyendo que ella tuvo algo que ver con la canción cuando en realidad había sido escrita por Kanye y su equipo solamente. (Algo que posiblemente pudo molestar a Kanye).

West después le explica a Taylor que al principio la línea era distinta, que era 'I think Taylor still owes me sex' (Creo que Taylor todavía me debe sexo), entonces Taylor prosigue a decir que ella, desde un punto de vista feminista no lo aprueba, como queriendo decir que una mujer no le 'debe' sexo a ningún hombre, entonces decide mejor pensar en aprobar la primer línea de 'aún podríamos tener sexo' porque cree que ahora que son amigos, puede verlo desde un punto de vista, como dos amigos bromeando.

Lo que Taylor dijo en su publicación de Instagram que le molestó, se podría resumir en dos cosas:

1) Kanye JAMÁS le dijo que aparte de esa línea, que la llamaría 'esa perra' en la canción.

2) Taylor también dijo que Kanye JAMÁS le reprodujo o le mandó la canción finalizada para que ella la escuchara a pesar que él dijo que lo haría.

Casi al final de la llamada, Kanye promete que una vez terminada, se la enviará.

Taylor incluso le dice: 'Ese día estaré en una alfombra roja para los Grammys, así que si los medios quieren decir que estamos peleados, yo les diré: 'No, él me habló para pedirme permiso'.

La canción es lanzada y el producto final es distinto del cual Kanye le había informado a Taylor.

Swift jamás escucha la canción terminada y al final, aparte de las dos línea polémicas que dice de ella, la llama 'perra'. Fue por esa razón que jamás le enviaron la canción a Taylor.

Como dije anteriormente, se escucha en su voz que ella estaba nerviosa creyendo que la iban a insultar en la canción pero Kanye lo niega. Al final, sí incluyó un insulto en la canción.

Para rematar, ya sabemos que también puso en el vídeo, una figura de cera de su cuerpo desnudo y el de otras personas, en una cama. Algo que tampoco fue discutido en la llamada.

La publicación en Instagram de Taylor pudo que haya sido confusa o que las personas solamente tenían esa necesidad de creer que ella estaba mintiendo.

Si leen nuevamente lo que ella puso, ella dice: "¿En qué parte de la llamada Kanye me dice que me llamará ESA PERR@? No existe."

Ella jamás negó que hubo una llamada, ella lo que dijo fue que los detalles habían sido cambiados y que al final ella ni siquiera había escuchado la canción.

La llamada duró +30 minutos y las 'pruebas' que Kim subió a Snapchat duraban como 40 segundos, dejando convenientemente afuera las partes importantes de la conversación.

Incluso, se puede ver en los vídeos subidos que está editado (búsquenlos en YouTube si quieren). Se mira a Kanye hablando con Taylor, después el vídeo se corta y se va hasta otra parte de la conversación, después se vuelve a cortar y se salta hacia otra parte de la conversación.

El resto de la conversación me dio mucho cringe porque es Kanye exaltándose a sí mismo.

Diciendo que es un genio, que el género que Drake/The Weeknd cantan él lo inventó. Que todas las personas en la industria lo tienen como inspiración. Que quiere convertirse en un multibillonario y otras pendejadas más.

En esas partes, Taylor solamente lo escucha. Creo que hay como 5 o 6 minutos en toda esa conversación en donde Kanye solamente habla de lo 'genial' que es y de su pelea con Nike.

[lizard-news]

NOTICIAS 👉 2️⃣7️⃣-0️⃣1️⃣-2️⃣0️⃣

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[impresionesdeagosto]

Disco #123: Héroes del Silencio - Senderos de Traición

        España, hasta ahora, tiene una polémica con Latinoamérica debido a la denominación de su cultura, ya que normalmente se la asocia con el asunto latinoamericano, siendo que está fuera de América. A mí hasta se me había olvidado ese conflicto, pero el año pasado, una española ganó un Grammy a la mejor canción latinoamericana y empezó de nuevo. Lógicamente, al estar emparentado con el idioma, es más fácil unir España con Latinoamérica, algo así como lo que pasa con Brasil y Portugal, a pesar de que Brasil también cuenta como Latinoamérica. Complicado parece el asunto.

        Fuera de todo ese rollo, España tiene una cultura fuerte arraigada en su tradición, pero las bandas que salieron de sus fronteras son las que rompieron con esa tradición, como por ejemplo Héroes del Silencio, demasiados pop para el rock, demasiados rock para el pop, pero aun así, la banda rock más masiva de allá. Acá en Chile se les recuerda por tocar antes de The Rolling Stones en los 90, pero se fueron después de la segunda canción gracias a la lluvia de escupitajos que les lanzaron.

        Héroes del Silencio fueron conocidos prácticamente en todo el mundo gracias a la polémica del video de la canción “Entre dos Tierras”, el cual mostraba a la banda en medio de una pelea casi a muerte de una pareja y su posterior reconciliación. Mucha pantalla para una banda que no estaba acostumbrada, pero salió a relucir su profesionalismo manteniendo su estatus hasta su separación algunos años después.

        “Entre dos Tierras” era el primer sencillo del disco “Senderos de Traición”, quizás el disco rock más importante salido de España hablando de masividad. Este disco, el segundo de la banda, muestra todas las cualidades del disco anterior, pero mejor producidas en todo ámbito. Europa y Latinoamérica se rindieron a sus pies en esa época, pero era porque el disco tenía canciones geniales en su estilo.

        Después de este disco se pusieron más rock a la manera Led Zeppelin incluso, y tanto por sonido como producción se fueron superando disco a disco, pero el principio del fin está en este disco, ya que en su gira promocional empezaron los primeros conflictos personales dados por el exceso de drogas y alcohol.

        Héroes del Silencio son geniales, sinceramente, y podría haber elegido cualquiera de sus tres últimos discos (de 4) para anotar acá, pero me quedo con “Senderos de Traición” por “Entre dos Tierras” y otras maravillas. Enrique Bunbury y Juan Valdivia, genios andaluces.

[cuatriboliaord]

Polémica y rechazo en Cuba en torno al tema 'Patria y Vida', premiado con el Grammy Latino como la mejor canción del año

Polémica y rechazo en Cuba en torno al tema ‘Patria y Vida’, premiado con el Grammy Latino como la mejor canción del año

De izquierda a derecha: Alexander Delgado, Randy Malcom, Yotuel, Beatriz Luengo, El Funky, Descemer Bueno y Maykel Osorbo, Las Vegas, Nevada, EE.UU., el 18 de noviembre de 2021.Foto: Eric Jamison/Invision / AP El tema ‘Patria y Vida’, de los artistas cubanos Yotuel, Gente de Zona, Descemer Bueno, Maykel Osorbo y El Funky, que obtuvo el Grammy Latino a la mejor canción del año, ha causado rechazo…

[lafamamusic]

J Balvin publica su número de teléfono en Instagram en medio de la polémica con Residente por el Latin Grammy

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J Balvin. Foto: Michael Loccisano. / Getty Images Luego que se dieran a conocer los nominados a los Latin Grammy 2021 hace dos días, el cantante J Balvin arremetió con la organización del Grammy e invitó a reguetoneros famosos: “Ninguno debería ir”. Inmediatamente después, varios músicos respondieron y arremetieron al ataque de J Balvin, en especial el puertorriqueño Residente, ex integrante de…