#poetas modernistas

[gabinete63]

[frgmento]

Luego me quedé dormida y soñé, ay qué risa, con Juana de Ibarbourou, soñé con su libro La rosa de los vientos, de 1930, y también con su primer libro, Las lenguas de diamante, qué título más bonito, bellísimo, casi como si fuera un libro de vanguardia, un libro francés escrito el año pasado, pero Juana de América lo publicó en 1919, es decir a la edad de veintisiete años, qué mujer más interesante debió de ser entonces, con todo el mundo a su disposición, con todos esos caballeros dispuestos a cumplir elegantemente sus órdenes (caballeros que ya no existen, aunque Juana aún exista), con todos esos poetas modernistas dispuestos a morirse por la poesía, con tantas miradas, con tantos requiebros, con tanto amor. Luego me desperté. Pensé: yo soy el recuerdo. Eso pensé. Luego me volví a dormir. Luego me desperté y durante horas, tal vez días, estuve llorando por el tiempo perdido, por mi infancia en Montevideo, por rostros que aún me turban (que hoy incluso me turban más que antes) y sobre los cuales prefiero no hablar. Luego perdí la cuenta de los días que llevaba encerrada. Desde mi ventanuco veía pájaros, árboles o ramas que se alargaban desde sitios invisibles, matojos, hierba, nubes, paredes, pero no veía gente ni oía ruidos, y perdí la cuenta del tiempo que llevaba encerrada. Luego comí papel higiénico, tal vez recordando a Charlot, pero sólo un trocito, no tuve estómago para comer más.

Luego descubrí que ya no tenía hambre. Luego cogí el papel higiénico en donde había escrito y lo tiré al water y tiré la cadena. El ruido del agua me hizo dar un salto y entonces pensé que estaba perdida. Pensé: pese a toda mi astucia y a todos mis sacrificios estoy perdida. Pensé: qué acto poético destruir mis escritos. Pensé: mejor hubiera sido tragármelos, ahora estoy perdida. Pensé: la vanidad de la escritura, la vanidad de la destrucción. Pensé: porque escribí, resistí. Pensé: porque destruí lo escrito me van a descubrir, me van a pegar, me van a violar, me van a matar. Pensé: ambos hechos están relacionados, escribir y destruir, ocultarse y ser descubierta.

Bolaño Roberto, Los detectives salvajes

[waltfrasescazadordepalabras]

Fernando Pessoa

- Nunca amamos a nadie: amamos, sólo, la idea que tenemos de alguien. Lo que amamos es un concepto nuestro, es decir, a nosotros mismos». -Fernando Pessoa

Fernando Antonio Nogueira Pessoa -Lisboa, (13 de junio de 1888 -30 de noviembre de 1935-), fue un poeta, escritor, crítico literario, dramaturgo, ensayista, traductor, editor y filósofo portugués, descrito como una de las figuras literarias más importantes del siglo XX y uno de los grandes poetas en lengua portuguesa. También tradujo y escribió en inglés y francés.

Se le ha llamado el poeta portugués más universal. Por haber sido educado en Sudáfrica, en una escuela católica irlandesa de Durban, llegó a tener más familiaridad con el idioma inglés que con el portugués, escribiendo en tal idioma sus primeros poemas. El crítico literario Harold Bloom consideró a Pessoa como "Whitman renacido”, ​ y lo incluyó entre los 26 mejores escritores de la civilización occidental, no solo de la literatura portuguesa sino de la inglesa también. De las cuatro obras que publicó en vida, tres son en lengua inglesa y solo una en portugués, titulada Mensagem. Pessoa tradujo varias obras del inglés al portugués (p. ej., de Shakespeare o Edgar Allan Poe), y del portugués (en particular, de Antonio Botto y José de Almada Negreiros) al inglés y al francés.

Pessoa fue un escritor prolífico, y no solo bajo su propio nombre, pues creó aproximadamente otros setenta y cinco, de los cuales destacan los de Alberto Caeiro, Alexander Search, Álvaro de Campos, Bernardo Soares y Ricardo Reis. No los llamaba pseudónimos, pues creía que esta palabra no captaba su verdadera vida intelectual independiente, y en cambio los llamó sus heterónimos. Estas figuras imaginarias a veces mostraban posturas impopulares o extremas. El poeta estadounidense Robert Hass ha dicho al respecto que: "otros modernistas como Yeats, Pound o Eliot inventaban máscaras a través de las cuales hablaban ocasionalmente.... Pessoa inventaba poetas enteros". Buscó también inspiraciones en las obras de los poetas William Wordsworth, James Joyce y Walt Whitman.

Poema en Línea recta- Fernando Pessoa

Nunca he conocido a nadie a quien les hubiesen molido a palos.

Todos mis conocidos han sido campeones en todo. Y yo, tantas veces despreciable, tantas veces inmundo, tantas veces vil, yo, tantas veces irrefutablemente parásito, imperdonablemente sucio, yo, que tantas veces no he tenido paciencia para bañarme, yo, que tantas veces he sido ridículo, absurdo, que he tropezado públicamente en las alfombras de las ceremonias, que he sido grotesco, mezquino, sumiso y arrogante, que he sufrido ofensas y me he callado, que cuando no me he callado, he sido más ridículo todavía; yo, que les he parecido cómico a las camareras de hotel, yo, que he advertido guiños entre los mozos de carga, yo, que he hecho canalladas financieras y he pedido prestado sin pagar, yo, que, a la hora de las bofetadas, me agaché fuera del alcance de las bofetadas; yo, que he sufrido la angustia de las pequeñas cosas ridículas, me doy cuenta de que no tengo par en esto en todo el mundo. Toda la gente que conozco y que habla conmigo nunca hizo nada ridículo, nunca sufrió una afrenta, nunca fue sino príncipe - todos ellos príncipes - en la vida... ¡Ojalá pudiese oír la voz humana de alguien que confesara no un pecado, sino una infamia; ¡que contara, no una violencia, sino una cobardía! No, son todos el Ideal, si los oigo y me hablan. ¿Quién hay en este ancho mundo que me confiese que ha sido vil alguna vez? ¡Oh príncipes, hermanos míos! ¡Leches, estoy harto de semidioses! ¿Dónde hay gente en el mundo? ¿Seré yo el único ser vil y equivocado de la tierra? Podrán no haberles amado las mujeres, pueden haber sido traicionados; pero ridículos, ¡nunca! Y yo, que he sido ridículo sin que me hayan traicionado, ¿cómo voy a hablar con esos superiores míos sin titubear? Yo, que he sido vil, literalmente vil, vil en el sentido mezquino e infame de la vileza. - Fernando Pessoa

Autopsicografía- Fernando Pessoa

El poeta es un fingidor. Finge tan completamente

Que hasta finge que es dolor

El dolor que verdaderamente siente.

Y los que leen lo que escribe

En el dolor leído sienten duro,

No los dos dolores que él tuvo,

Sino sólo el que ellos no tienen.

Es así como en los palos de la rueda

Gira, distrayendo a la razón

Ese juguete de cuerda

Que se llama corazón. -Alberto Caeiro [Seudónimo de Fernando Pessoa]

.

.

No sé cuántas almas tengo- Fernando Pessoa (1888-1935)

No sé cuántas almas tengo.

A cada instante cambié.

Continuamente me extraño.

Nunca me vi ni me hallé.

De tanto ser solo tengo el alma.

Quien tiene alma no tiene calma.

El que ve es solo es lo que ve, quien siente ya no es quien es.

Atento a lo que soy y veo, ellos me vuelvo, no yo.

Cada sueño o el deseo no es mío si allí nació.

Yo soy mi propio paisaje, el que presencia su paisaje, diverso, móvil y solo, no sé sentirme yo donde estoy.

Así, ajeno, voy leyendo, como páginas, mi ser, sin prever eso que sigue ni recordar el ayer.

Anoto en lo que leí lo que creí que sentí.

Releo y digo: "¿Fui yo?" Dios lo sabe, porque lo escribió. -Fernando Pessoa.

Literatura, arte, cultura y algo más

[excentricidadebanal]

O "Novo Colonial" na arquitetura brasileira pós-modernista

Existe, entre mentes criativas, a tendência de rejeitar o espaço em que foi criado, como um ato de progresso e rebeldia diante do já estabelecido. É um sentimento natural e necessário para o desenvolvimento, mas dessa vez eu gostaria de negar esse espírito e homenagear aquele meio tão nostálgico em que cresci. Recentemente tenho buscado aprofundar e caçar de qualquer lugar referências sobre essa arquitetura que é, ainda, tão subestimada como genérica e comercial, julgada com toda a hostilidade contra o comum e pós-moderno.

Um dos "estilos de condomínio", que divide espaço com a prática mais comum de adaptação das casas de subúrbio americanas, o ��Novo Colonial”, diferente dos seus vizinhos, serviu como meio de sobrevivência de sensibilidades modernistas diante de um apagamento generalizado de qualquer estética nacional na arte e arquitetura nos anos 1970-1990. Seu uso da madeira, da mescla entre a estrutura corbusiana já madura com as técnicas tradicionais brasileiras e sua preocupação - pelo menos inicial - com a sustentabilidade carregam o ar libertador do Regionalismo Crítico, embora contradizendo seus princípios teóricos pela massificação do estilo e com a tragédia urbana e social que virou o seu berço com Zanine Caldas, a Barra da Tijuca.

Mesmo com essas problemáticas envolvendo o estilo, que, aliás, dizem mais sobre as condições em que foi criado do que sobre características inerentes à ele, o “Novo Colonial” - cujo nome não condiz com sua essência - carrega, em suas varandas, o conforto do balanço de uma rede, o contato com as árvores carregadas de goiaba, limão e jabuticaba; das paredes cobertas de vidro, ilumina o chão de madeira gostoso de pisar descalço; camufla, em sua sutil estrutura, nos poucos pedaços da incrível mata atlântica que nos resta; ela cria, em sua síntese de passado e presente, um sentimento de brasilidade desenvolvida, confortável em sua identidade e orgulhosa de sua história.

Novo Colonial Expressão de uma tendência historicista nascente, misturada ao apreço dos arquitetos modernistas ligados ao IPHAN pela poética colonial, e também à busca de novidades formais das novas classes médias urbanas, este maneirismo desenvolveu-se nos anos 1970, liderado por Lúcio Costa e José Zanini Caldas. O primeiro seria autor de algumas casas para o poeta Thiago de Mello nas proximidades de Manaus. A tendência, utilizada sobretudo em edifícios de pequeno porte, tem alguns trabalhos canônicos, como as casas já citadas, na qual o arquiteto fundia o método corbusiano, sobretudo no seu desenvolvimento tardio, em suas casas da Índia, com as práticas construtivas do setecentos brasileiro, e teve grande aceitação de público a partir das casas de Zanini na Joatinga e Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro, no início dos anos 1970.

[nisalm]

Vivimos en una época de interminables seminarios de creación literaria, cursos universitarios de escritura (imagínate, licenciarse en escritura), hay más poetas por centímetro cuadrado que nunca, más revistas de poesía, más libros de poemas (el noventa y nueve por ciento de ellos publicado por editoriales pequeñas, microscópicas), competiciones poéticas, poetas de performance, poesía vaquera; y sin embargo, pese a toda esa actividad, poco se ha escrito de importancia. Las apasionadas ideas que alimentaron las innovaciones de los primeros modernistas parecen haberse extinguido. Ya nadie cree que la poesía (o el arte) sea capaz de cambiar el mundo. Nadie tiene que cumplir una misión sagrada. Ahora hay poetas por todas partes, pero sólo hablan entre ellos.

Paul Auster.

Fragmento de una carta de Paul Auster a J.M. Coetzee. 29 de septiembre de 2009.

[la-semillera]

(...) Un día, en la Universidad de San Marcos, donde estudiaba, Sebastián Salazar Bondy me preguntó no sé por qué razón si escribía poesía. Le respondí que sí, que tenía algunos textos. Sebastián interesado me dijo: «¿Me los puede enseñar?». Fue muy curioso que me hablara de usted, porque era apenas un par de años mayor que yo. Le respondí que sí y al otro día le llevé un poema. Luego de leerlo me habló de un poeta que nunca había escuchado, un uruguayo llamado Julio Herrera y Reissig, de corte modernista. Me dijo que tenía mucha influencia de Herrera. Pero yo en mi vida lo había leído. Alberto Escobar recuerda a Salazar Bondy como un gran promotor cultural.

Sebastián, sobre todo, me hizo un gran favor: me enseñó a leer poesía. Me acercó mucho, en primer lugar, a la poesía de Moro, Adán y Westphalen. Al mismo tiempo, gracias a él, entablé amistad con Jorge Eduardo Eielson y Javier Sologuren. Juntos conformaríamos un grupo dentro de lo que se denominaría Generación del 50, que es una generación muy amplia donde hay muy buenos poetas. Al grupo que conformaba la crítica lo tildó de poetas puristas, lo que me parece una tontería, porque la poesía es una sola. De la misma forma respondo cuando me preguntan si hay poesía femenina: «La poesía es una sola, la buena, la que funciona». También, gracias a Sebastián, leí a Rimbaud, Lautréamont y Breton. Fue en esa época que mi gusto poético se empezó a formar.

Blanca Varela

-Fuente de la publicación:

https://www.librosperuanos.com/autores/articulo/00000000068/La-poesia-es-una-sola-Entrevista-a-Blanca-Varela?fbclid=IwAR3Xn792mIWKTmuhs6p1pKcEBn_-yUsyynPgm9lghbqF5ttVUBQrEUEsdWg

-Referencia de la imagen publicada:

En una banca del Parque de la Reserva, aproximadamente en la década de 1940, Sebastián Salazar Bondy revisa un libro junto a la poeta Blanca Varela y la hermana de esta, Nelly. (Crédito de foto: Archivo Blanca Varela).

[labitacoradelhombresolitario]

Del cuaderno... (IV)

LAS ETAPAS DEL ARTISTA

Leo y releo, tomándolos al azar, poemas sueltos del volumen Dios deseado y deseante, de Juan Ramón Jiménez, y siento que de algún modo me dejan flotando en el vacío. No es infrecuente que me ocurra esto con la obra más crepuscular del vate de Moguer (con cuya presunta pieza cumbre, «Espacio», no he podido nunca, quién sabe si por no haberme esforzado lo suficiente). Este posible «ángulo muerto» de mi sensibilidad me suele llevar a considerar las dos etapas establecidas por la crítica en la poesía de Juan Ramón: la modernista y la de la lírica «pura», que da comienzo —esta segunda— hacia 1916, con su famoso libro Diario de un poeta recién casado. A mí la verdad es que me gusta bastante más la primera que la que vino después.

Con Picasso me sucede algo parecido; no es que Picasso en general me vuelva loco, y nunca he sido víctima de la universal fascinación que su pintura y su persona o personaje parecen ejercer, pero si algo de él me atrae son las obras de sus diversas «primeras épocas» (y no soy ni mucho menos experto. Hablo de la época azul, de los saltimbanquis, de las señoritas de Aviñón). A partir de la década de 1920, Picasso es ya pura «marca»; de la etapa surrealista en adelante, su producción está para mi gusto desprovista de interés. El Picasso maduro y tardío es commodity para inversores y especuladores artísticos.

Pablo Picasso: La familia de saltimbanquis (1905)

Yo he dicho más de una vez —afirmándolo en poemas, incluso— que lo mejor de un poeta o escritor nos lo encontramos en las últimas publicaciones de su carrera, cuando al autor se le han caído todos los complejos y ya no tiene nada que perder, ni necesidad real o imaginada de andar mirando por encima del hombro a la hora de ponerse a crear. (Quien dice un poeta o escritor, y habla de publicaciones impresas, dice artista de cualquier otra disciplina, y las obras que le caractericen.) Eso contradice un poco mis anteriores observaciones sobre Juan Ramón Jiménez y Picasso, aunque sigo pensando que no deja de ser cierto.

W. H. Auden es un caso que en este sentido se me viene a la cabeza: algo tiene el Auden primero que desaparece más adelante en su obra y ya no vuelve a asomarse a ella. Es la brillante —y autosuficiente— audacia del artista joven, dispuesto a comerse el mundo y convencido de que puede hacerlo y salirse con la suya. Después, tenemos al Auden viejo, el del tramo final, que vuelve a resultar interesante, pero precisamente por todo lo contrario: nos encontramos ante la amena bonhomía de aquel a quien, no teniendo nada que demostrar, se le da todo una muy provechosa higa.

Sería una posible regla (que siempre habría que adoptar con las debidas precauciones): vete a los comienzos, vete a los finales. A las primeras cosechas, y a las postreras. Son las más dulces.

[25-26/01/24]

ROGER WOLFE

[romanticismocolombiano]

romanticismo en la literatura colombiana

1823: Nace Francisco Antonio Zea, precursor del romanticismo en Colombia y autor de obras como "El Matemático" y "Atala y Angelina".

1830: La independencia de Colombia marca un punto de inflexión en la literatura, con autores que comienzan a explorar temáticas románticas y nacionalistas.

1838: Jorge Isaacs publica "María", una novela romántica que se convierte en uno de los mayores referentes del género en Colombia.

1841: José Eusebio Caro publica "Clavileño o el Romanticismo en Nueva Granada", un ensayo que busca difundir y promover el romanticismo como movimiento literario.

1850: Se funda el periódico "El Mosaico", uno de los principales medios de difusión de la literatura romántica en Colombia

1853: Soledad Acosta de Samper publica "Lucas", una novela romántica que aborda temas sociales y amorosos, destacándose como una de las primeras escritoras de la época.

1863: Nace José Asunción Silva, uno de los poetas más importantes del romanticismo colombiano, reconocido por su obra "El libro de versos".

1879: Rafael Pombo publica "El renacuajo paseador", un poema infantil que combina elementos románticos y elementos folclóricos colombianos.

1885: Nace José María Vargas Vila, escritor y ensayista conocido por sus obras románticas y polémicas como "Aura o las violetas".

1890: José Asunción Silva y Baldomero Sanín Cano fundan la revista "El Mosaico", que se convierte en un importante espacio de difusión del romanticismo en Colombia.

1892: José María Vergara y Vergara publica "Azul", una de las obras más destacadas del modernismo en Colombia, que combina elementos románticos y modernistas.

1895: Rafael Pombo publica "Simón el bobito", un cuento infantil con tintes románticos y moralejas educativas.

1899: La Guerra de los Mil Días marca el fin del período romántico en Colombia, con la destrucción de gran parte del patrimonio literario y el surgimiento de nuevas corrientes literarias.

1903: Nace Candelario Obeso, poeta y escritor afrocolombiano conocido por sus composiciones románticas y por resaltar la cultura y la identidad afro en sus obras.

1917: Germán Arciniegas publica "Aura o las violetas", una novela que aborda temas como el amor y la justicia social, representativos del romanticismo colombiano.

[alvaronobrejunior01]

Grande Mário Quintana 📚

📃 Há 4 poetas modernistas que eu amo a poesia: Vinicius de Moraes, Mário Quintana, Carlos Drummond e Manuel Bandeira ❤ Essas travessuras, pequenas loucuras de entusiasmo, da poesia de Mário Quintana me encantam 🥰 Estou relendo as suas poesias e ainda vou fazer um vídeo com resenha, ok? 😉📽

[pochita225onvvk]

MODERNISMO EN ARGENTINA

*Hola les explicare o les diré cuando y cuales fueros sus hechos durante el modernismo. Demos un viaje al conocimiento VAMOS.

El modernismo en argentina como tal inicio de 1890 a 1920 en estas fechas pasaron desacuerdos frente a la burguesía y además de ello se considero la estética como belleza ejemplo.

VEAMOS ALGUNOS AUTORES:)

Primero tenemos en la lista de importante a

Rubén Darío: el cual participo como poeta, periodística y diplomático el cual fue represéntate del modernismo como máximo de la lengua española en literatura.

en segundo lugar a

Horacio Quiroga:

Horacio Silvestre Quiroga Forteza fue un cuentista, dramaturgo y poeta uruguayo. Fue el maestro del cuento latinoamericano, de prosa vívida, naturalista y modernista.​ Sus relatos a menudo retratan a la naturaleza bajo rasgos temibles y horrorosos, como enemiga del ser humano, seguidor de la escuela modernista fundada por Rubén Darío y obsesivo lector de Edgar Allan Poe Y Guy de Maupassant .

HACI COMO ELLOS UBIERON MAS AUTORES LOS CUALES MARCARON COMO MODERNISTAS EN ARGENTINA EN SU MOMENTO.

PRINCIPALES HECHOS HICTORICOS

Frente a la burguesía se provoco desacuerdo por lo que se volvió cultura y provoco el cambio de heredero al romanticismo, lo cual paso lo mismo con las muestras artísticas en Australia y Alemania. Algunos teóricos dicen que el modernismo en argentina era un poco complejo en su historia.

POETAS

Ricardo Rojas

Enrique Banchs

Arturo Marasso

Pedro Miguel

LOS LIBROS MAS INPORTATES EN ESTA EPOCA U TIEMPO

MISAS HEREJES

CANCIONES DE MI BARRIO

[canseideserpop]

FLIP 2023: Feira literária de Paraty anuncia Pagu como a autora homenageada da 21ª edição.

Conheça Pagu, figura emblemática do movimento modernista e feminista, que será homenageada na 21ª edição da Flip. Inspire-se na festa literária de Paraty.

A 21ª edição da Flip – Festa Literária Internacional de Paraty tem uma autora homenageada especial: Patrícia Rehder Galvão, conhecida como Pagu.Nascida em 9 de junho de 1910, em São João da Boa Vista (SP), Pagu foi uma figura multifacetada, atuando como jornalista, dramaturga, poeta, tradutora, cartunista e crítica cultural.Sua vida e obra estiveram imersas nos movimentos modernista e feminista,…

[kiki-de-la-petite-flaque]

José Sobral de Almada Negreiros nasceu no dia 7 de abril de 1893, em S. Tomé e Príncipe.

“Quando eu nasci, as frases que hão-de salvar a humanidade já estavam todas escritas, só faltava uma coisa - salvar a humanidade.”

- José de Almada Negreiros, in ‘A Invenção do Dia Claro’

Artista multidisciplinar, dedicou-se especialmente às artes e à escrita, tendo sido artista plástico, poeta, ensaísta, romancista, dramaturgo e coreógrafo. Almada Negreiros ocupa uma posição de destaque na primeira geração de modernistas portugueses. Morreu em Lisboa, no dia 15 de junho de 1970, com 77 anos de idade.

Ph Almada Negreiros na I Conferência Futurista, abril de 1917; Domínio Público

[robertafr2]

As Flores do mal - Charles Baudelaire

Projeto 100 livros essenciais da literatura mundial # 12 Como vocês sabem, poesias não são o meu forte, mas longe de mim desmerecer a influência de Baudelaire na literatura mundial, afinal é conhecido como o primeiro poeta modernista. Nós só não temos muito em comum. A bem da verdade, às vezes, me peguei rindo de alguma de suas poesias feitas para chocar. Como estamos falando de uma obra…

[arte-e-homoerotismo]

Cláudio Bravo (pintor)

Claudio Nelson Bravo Camus (8 de novembro de 1936 em Valparaíso – 4 de junho de 2011 em Taroudant) foi um pintor hiperrealista chileno . Ele foi muito influenciado por artistas renascentistas e barrocos , bem como pintores surrealistas como Salvador Dalí . Ele viveu e trabalhou em Tânger , Marrocos , a partir de 1972. Bravo também viveu no Chile , Nova York e Espanha . Ele era conhecido principalmente por suas pinturas de naturezas mortas, retratos e embalagens, mas também fez desenhos, litografias, gravuras e esculturas figurativas de bronze. Bravo pintou muitas figuras proeminentes na sociedade, incluindo o caudilho Franco da Espanha, o presidente Ferdinand Marcos e a primeira-dama Imelda Marcos das Filipinas e Malcolm Forbes .

O Museu de Arte de Baltimore , o Museu del Barrio (Nova York), o Museu de Arte de Honolulu , o Museu Metropolitano de Arte , o Museu Nacional de Belas Artes (Santiago, Chile), o Museu Rufino Tamayo (Cidade do México), o Museu Boijmans Van Beuningen (Roterdã, Holanda), o Museu de Belas Artes de Boston , o Museu de Arte Moderna (Nova York), o Museu Ludwig (Colônia, Alemanha), o Museu de Arte Palmer (Universidade Estadual da Pensilvânia) e o Museu de Arte da Filadélfia estão entre as coleções públicas que abrigam obras de Bravo.

Início da vida e educação no Chile

Bravo nasceu em Valparaíso , Chile , filho de Tomás Bravo Santibáñez e Laura Camus Gómez. Seu pai era um empresário de sucesso que também possuía uma fazenda, e sua mãe era dona de casa. Eles tiveram sete filhos: María Inés, Claudio Bravo, Patricia, Ana María, José Tomás, Hernán e Ximena. Uma de suas primeiras memórias de infância foi ser colocado em um cavalo aos três anos de idade. 

Em 1945, ele deixou o rancho da família para ingressar no Colégio San Ignacio em Santiago, Chile , onde se destacou em coral, literatura e música. Para aumentar suas notas em matemática, física ou química, ele dava um retrato ao seu professor. O prefeito, padre Dussuel, percebeu sua habilidade artística autodidata e pagou para que ele estudasse arte no estúdio de Miguel Venegas Cifuentes em Santiago. Eventualmente, o pai de Bravo concedeu-lhe permissão para fazer as aulas e assumiu a responsabilidade de pagar por elas. Bravo estudou com Venegas dos 11 aos 20 anos e foi o único treinamento formal em arte que ele recebeu. O estilo hiper-realista em desenvolvimento de Bravo foi encorajado por Venegas, que era conhecido por ser um forte apoiador do movimento realista no Chile. O Chile tem um forte vínculo com as artes europeias e não experimentou um grande movimento modernista como outros países latino-americanos. 

Em 1954, ele teve sua primeira exposição no “Salón 13” em Santiago aos 17 anos. Consistia principalmente em pinturas a óleo com alguns desenhos em giz vermelho. A exposição recebeu boas críticas e foi considerada um grande sucesso. Todas as obras foram vendidas, embora tenham ido para familiares e amigos. Ele se envolveu muito na cena cultural de Santiago e foi influenciado por pessoas como Luis Oyarzun, um poeta e filósofo. Bravo e Oyarzun pegaram carona juntos por todo o Chile, com Oyarzun atuando como professor de filosofia, arte e vida. Benjamín Subercaseaux foi outro amigo que encorajou Bravo a expandir seus conhecimentos por meio da leitura. Em 1955, ele dançou profissionalmente com a Compañía de Ballet de Chile e trabalhou para o Teatro de Ensayo da Universidad Católica de Chile e teve sua segunda exposição no “Salón 13”. 

Madri, Espanha

Retrato

Aos 21 anos, Bravo começou a fazer retratos em Concepción, Chile, e rapidamente ganhou muitas comissões. Ele economizou seus ganhos e comprou uma passagem a bordo do Amerigo Vespucci para navegar para Paris . A viagem, no entanto, foi muito tempestuosa e Bravo desembarcou em Barcelona e seguiu para Madri, onde ficou. Bravo se estabeleceu em Madri na década de 1960 como um retratista da sociedade, ganhando reconhecimento por sua capacidade surpreendente de criar verossimilhança . Sua capacidade de retratar objetos e formas complexas lembra Velázquez . Havia até um estilista de vestidos, Balenciaga, cujos vestidos tinham uma qualidade renascentista. Bravo fez mulheres da nobreza comprarem uma das obras de Balenciaga antes que ele concordasse em fazer seu retrato. Um ano e dois meses após sua chegada, ele já estava pintando a filha de Francisco Franco . 

Seu interesse por obras renascentistas e barrocas veio de suas muitas visitas ao Museu do Prado em Madri , onde admirou pinturas feitas por antigos mestres espanhóis e italianos. Especificamente, ele foi inspirado por Diego Velázquez para seus efeitos de luz, os estudos de tecido de Francisco de Zurbarán , as naturezas mortas de Juan Sánchez Cotán , Juan van der Hamen, que popularizou a pintura de natureza morta em Madri , e Luis Egidio Meléndez, que tinha grande habilidade técnica no uso da luz para representar textura. 

Em 1968, Bravo recebeu um convite do presidente Marcos das Filipinas para vir e pintá-lo e sua esposa, Imelda Marcos, bem como membros da alta sociedade. Ele passou seis meses lá fazendo retratos e viajando. Bravo descobriu que a qualidade da luz lá era mais intensa do que na Espanha ou no Chile e isso transformou a maneira como ele pintava enquanto estava lá. Ele realizou uma exposição na Galeria Luz em Manila , onde exibiu mais de 50 obras. 

Pinturas de embalagens

Com a Espanha sob o governo de Franco , a maior parte da arte estava restrita às suas políticas de extrema direita. Os retratos de Bravo atraíram o público conservador, mas ele ficou frustrado com a falta de valores intelectuais em relação à arte. Sua arte mudou um dia quando suas três irmãs visitantes trouxeram alguns pacotes para casa e os deixaram na mesa. Ele ficou fascinado por suas formas e pela textura do papel com que estavam embrulhados. A primeira exposição de Bravo na Espanha, na Galería Fortuny em 1963, teve todos os tipos de pinturas, incluindo essas novas de pacotes. 

Pacote Branco e Amarelo , pintado em 2005, é um bom exemplo da continuação da série de parcelas de Bravo. Uma das primeiras coisas a chamar a atenção é seu uso de trompe-l'œil , uma técnica do período barroco que significa “enganar o olho”, usada para criar a ilusão de tridimensionalidade. Este estilo de pintura é semelhante à sua abordagem de naturezas-mortas e ajuda a enfatizar as qualidades táteis do papel. A maneira como o pacote preenche a moldura eleva seu status de maneira semelhante ao que a Pop art fazia nos anos 60 quando ele começou. Também abstrai o pacote, quase quebrando-o em blocos de cores limpos, se não fosse pelo barbante que o mantinha contido. Esta abstração é semelhante às pinturas de Rothko que empregam campos de cor e encorajam quase um estado meditativo.

Embora semelhante aos movimentos modernos, White and Yellow Package também imita os antigos mestres e seu uso de tecido drapeado. O uso da luz por Bravo é semelhante ao de Caravaggio , um pintor barroco italiano que usou um estilo de iluminação dramático chamado tenebrismo para destacar um momento climático e chamar a atenção para o plano frontal, ocultando o fundo na escuridão. Muitas das obras de Caravaggio eram espirituais e a educação católica de Bravo o deixou com interesse em temas de ritual, mistério, espiritualidade, morte e a ideia de santos. Essa conexão é tornada óbvia através do título de uma de suas peças, Homage to St. Theresa , também óleo sobre tela pintada em 1969. Uma referência sutil ao comercialismo permanece no simples fato de que é um pacote, mas o mistério do que o papel esconde parece ser mais importante. O pacote está provocando o espectador ao se abrir lentamente e, embora a estrutura interna seja sugerida, ela nunca será revelada. Nesta pintura, o ato de provocar também se torna sexual, reforçado pelo esquema de cores que lembra um ovo - um símbolo de renascimento e fertilidade. No geral, White and Yellow Package mostra sua habilidade como pintor e é uma mistura de imagens contemporâneas feitas com valores tradicionais.

Nova Iorque

Em 1969, Bravo conheceu Melvin Blake e Frank Purnell, que estavam na Espanha colecionando arte – especialmente figuras e peças surrealistas. Eles o encorajaram a se mudar para os Estados Unidos e o ajudaram a se conectar com a cena artística. Ele se mudou para um apartamento no East Side de Manhattan. Em 1970, Bravo teve sua primeira exposição na Staempfli Gallery em Nova York, recebendo ótimas críticas do renomado crítico de arte do New York Times, John Canaday. Anos mais tarde, quando o trabalho de Bravo refletiu o movimento hippie, Canaday se referiu ao trabalho de Bravo como “barato e vulgar”.

Marrocos

O relacionamento de Bravo com a cena artística de Nova York permaneceu forte, mas ele começou a sentir o cimento cinza e o ambiente urbano afetando seu trabalho. Isso, somado às demandas sociais ativas em Nova York e na Espanha, fez com que ele começasse a procurar um novo lugar onde pudesse dedicar mais tempo à pintura. Não querendo se afastar completamente de seus amigos em Madri, Bravo decidiu passar algum tempo no Marrocos. O fato de ser um lugar completamente diferente em quase todos os aspectos da vida (religião, idioma, vestimenta, etc.) era intrigante para ele. Bravo mudou-se para Tânger em 1972, onde comprou uma mansão de três andares do século XIX. Ele removeu muitas das paredes, e as paredes restantes foram pintadas de branco para incentivar a luz mediterrânea tão presente em suas pinturas.

Ele não pretendia ficar no Marrocos, mas foi lá que encontrou as cores e a luz que procurava. Bravo considerou o que conseguiu pintar “…sinfonias de cores”. Marrocos rapidamente se tornou o lugar que ele considerava seu lar e, com seus jardins e vista, Bravo raramente precisava sair de casa. No entanto, em uma tentativa de se reconectar com o mundo marroquino ao seu redor, ele comprou uma segunda casa em Marrakech , que se tornou sua residência de inverno. Mais tarde, Bravo construiu uma terceira casa ao norte de Taroudant . Embora o estilo de Bravo seja hiper-realista por natureza, ele rejeitou a suposição de que baseou seu trabalho em imagens fotográficas. Em vez disso, Bravo tinha um ritual diário de pintura que começava com uma caminhada no jardim e terminava depois que ele passava horas em seu estúdio pintando um assunto presente. Ele levava sua dedicação à pintura muito a sério e tentava pintar todos os dias.

Naturezas-mortas, embalagens e pinturas figurativas compõem a maioria dessas obras criadas no Marrocos. Embora todas tenham conexões com seus trabalhos anteriores, elas se tornaram infundidas com a cultura marroquina. Seu uso do surrealismo também se torna mais proeminente, perceptível em sua justaposição de objetos, composições oníricas e fundos etéreos. Bravo se interessou pelos aspectos espirituais da cultura islâmica que tinham um senso de intensidade religiosa que combinava com sua preocupação com mistério e espiritualidade. Muitos veem suas obras como sendo um híbrido de múltiplas religiões e estilos - técnicas tradicionais com sensibilidades contemporâneas, santos bíblicos deslocados em um mundo marroquino e objetos exóticos próximos a imagens ocidentais comuns. Isso é apoiado pelo fato de que, apesar de seu interesse em seus arredores, Bravo rejeitou o rótulo de orientalista porque não se considerava parte de nenhuma cultura em particular, mas sim um homem interessado em muitas. Embora fosse fascinado pelo mundo árabe ao seu redor, seu uso de objetos e imagens exóticas não foi feito como uma tentativa de fundir seu trabalho com a cultura. 

Morte e legado

Bravo morreu em sua casa em Taroudant , Marrocos , em 4 de junho de 2011, de dois ataques cardíacos.

Em 8 de novembro de 2019, o Google comemorou seu 83º aniversário com um Google Doodle . 

Vida pessoal

Bravo foi celibatário nas últimas 2 décadas de sua vida. Em uma entrevista para El Mercurio, ele declarou: “Isso (amor romântico) foi muito complicado para mim… Sou muito apaixonado e ciumento. Decidi que minhas pinturas e meus animais eram minhas melhores fontes de amor. Acho que não tive ninguém na minha cama desde os 50 anos. Cansei disso.“ 

Bravo era homossexual, algo que “não escondia na pintura nem na vida privada”

Bravo foi auxiliado por Bachir Tabchich, que foi contratado inicialmente como motorista, mas depois se mudou para a residência de Bravo com sua esposa e filhos e trabalhou como assistente de Bravo desde 1979. Tabchich atualmente permite passeios no Palais Claudio Bravo, que fica 10 quilômetros ao norte de Taroudant.

🎨 by Claudio Bravo

[cmatain]

El poema «Lo fugaz», de Ricardo Jaimes Freyre

El poema «Lo fugaz», de Ricardo Jaimes Freyre

Ya en una entrada anterior ofrecí una breve semblanza del poeta boliviano Ricardo Jaimes Freyre  (1868-1933) y un comentario de su poema «Canción de la primavera», buen ejemplo del estilo modernista que impregna su primer poemario, Castalia bárbara (1899). En esta ocasión reproduzco su composición «Lo fugaz», que es el octavo poema de la sección «Los sueños son vida», del poemario de igual título…

[elidilicoexistencialista]

#Explora el #CanalOficial de @TonyCantero Suárez - #YouTubeChannel #escucha las #canciones y mira los #videos : https://www.youtube.com/@TonyCanteroSu%C3%A1rez @youtubemusic @YouTube #ElIdilicoExistencialista #YouTubeArtist #music #musica #cuba #cubanos #france #BePromotedPormoting #TonyCanteroSuarez