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artemartinpietro · 1 year

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Principales componentes del Futurismo: Técnicas, materiales y ejemplos de obras dinámicas y vanguardistas

A los artistas futuristas les fascinaban los temas de la velocidad, la energía, la violencia, la maquinaria y el progreso. Consideraban que el mundo estaba en constante cambio y creían que la única forma de expresarlo era a través de composiciones dinámicas que transmitieran una sensación de movimiento. El futurismo también glorificaba la modernidad y las nuevas tecnologías de la Revolución Industrial, que estaban transformando la sociedad. Esto se refleja en el uso de materiales industriales como el hierro, el vidrio y la electricidad en las obras futuristas.

Explorando el movimiento y la energía: Técnicas y componentes utilizados por los artistas futuristas en su representación visual

Representación visual

Los artistas futuristas trataban de captar el movimiento y la energía en sus pinturas, utilizando a menudo técnicas como el desenfoque o la repetición de patrones para crear una sensación de movimiento. También utilizaron nuevos medios, como el cine y la fotografía, para crear composiciones dinámicas. En escultura, los futuristas exploraron el concepto de dinamismo, creando obras que parecían estar en movimiento incluso cuando eran estáticas.

Técnicas utilizadas

Los artistas futuristas emplearon diversas técnicas para transmitir movimiento en sus obras. Por ejemplo, difuminando imágenes, utilizando patrones repetidos, pintando desde múltiples puntos de vista y empleando nuevos medios como el cine y la fotografía.

Materiales utilizados

Los futuristas estaban interesados en utilizar materiales industriales como el hierro, el vidrio y la electricidad en sus obras de arte. También experimentaron con nuevos medios, como el cine y la fotografía.

Ejemplos de futurismo en el arte

Jeroglíficos dinámicos de Gino Severini.Parole in Libertà de Filippo Tommaso Marinetti.Figuras enmascaradas de Carlo Carra.

El futurismo, uno de los movimientos de vanguardia más influyentes, dejó una huella imborrable en el mundo del arte. En esta sección analizaremos algunos de los ejemplos más emblemáticos de las obras de arte futuristas.

Las singulares formas de continuidad espacial de Umberto Boccioni.

Boccioni fue una figura destacada del movimiento futurista y está considerado uno de sus artistas más importantes. Su obra trataba de captar el dinamismo y la energía de la vida moderna, utilizando a menudo formas abstractas para transmitir sus ideas sobre el movimiento y el cambio. Una de sus obras más famosas es “Formas únicas de continuidad en el espacio” (1913), que representa una figura humana avanzando a grandes zancadas con poderosa determinación. La obra está muy estilizada y contiene elementos que parecen fluir, transmitiendo una sensación de velocidad y movimiento.

Jeroglíficos dinámicos de Gino Severini

Severini fue otro destacado artista futurista que se centró en representar el dinamismo de la vida moderna a través de sus pinturas. Su obra solía presentar colores vivos y formas geométricas, que utilizaba para crear una sensación de movimiento y energía. Una de sus obras más famosas es “Jeroglífico dinámico” (1912), que muestra a una multitud de personas moviéndose rápidamente por un paisaje urbano lleno de líneas y formas dinámicas. El cuadro transmite la sensación de caos y confusión que a menudo acompaña a la vida urbana.

Parole in Libertà, de Filippo Tommaso Marinetti

Además de artista, Marinetti fue el fundador del movimiento futurista, lo que le convierte en una de sus figuras más importantes. Fue conocido tanto por sus escritos como por sus obras de arte, muchas de las cuales trataban de promover los ideales del futurismo. Un ejemplo es “Parole in Libertà” (1915), una serie de formas abstractas que deletrean varias palabras asociadas con el movimiento, como “velocidad” y “poder”. La obra pretende representar visualmente las ideas que promueve el Futurismo, como su enfoque en el progreso y el cambio.

Figuras enmascaradas de Carlo Carra

Carra fue otro destacado artista asociado al Futurismo, conocido por su uso del color y la luz para crear sensación de movimiento en sus cuadros. Una de sus obras más famosas es “Masked Figures” (1917), que muestra a varias personas con máscaras que ocultan sus rostros. Las máscaras son de colores vivos y tienen motivos geométricos, lo que les da una sensación de dinamismo . El cuadro transmite el interés de Carra por explorar la relación entre los individuos y la sociedad , así como el modo en que nuestras percepciones pueden verse influidas por factores externos.

Cómo apreciar el futurismo

Para entender y apreciar el futurismo, es importante comprender primero los valores fundamentales del movimiento. El futurismo se basaba en la idea del progreso y el cambio, y creía firmemente en el poder de la tecnología y la industria. Los futuristas eran también muy críticos con la cultura y los valores tradicionales, que consideraban que ahogaban la innovación y el progreso.

Apreciar su carácter poco convencional

El futurismo fue un movimiento muy poco convencional, tanto en sus obras de arte como en sus ideas. Los futuristas rechazaban las convenciones artísticas tradicionales, como el dibujo en perspectiva y la representación realista. También defendían las nuevas tecnologías y la industrialización, que en su época se consideraban controvertidas.

El impacto en el arte moderno

El futurismo tuvo un impacto significativo en el arte moderno, tanto por su estilo como por sus ideas. Muchos de los principios clave del movimiento, como el interés por la tecnología y la industria, darían forma a gran parte del arte del siglo XX. El futurismo también contribuyó a allanar el camino a otros movimientos de vanguardia, como el dadaísmo y el surrealismo.

Conclusión

El Futurismo fue un movimiento artístico revolucionario que surgió a principios del siglo XX. Se caracterizó por rechazar los valores tradicionales y abrazar la modernidad, la tecnología y la velocidad. El movimiento futurista tuvo un profundo impacto en el desarrollo del arte moderno, y su influencia aún puede verse en los movimientos artísticos contemporáneos. Si le interesa saber más sobre el Futurismo y comprender su impacto en el arte, esta guía es para usted.

Originally published at http://todosobreballenas.com/ on January 30, 2023.

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jepsolell · 2 years

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🏛️Un monasterio arraigado 100% a Ramón Casas - El lote 698 es uno de los más detacados de nuestra futura subasta del 10 de noviembre. En él, Ramón Casas nos muestra, una vez más, la propiedad de su familia; pero esta vez con una invitada. Geográficamente estuvo ligado a la familia gracias a su madre, Elisenda Carbó, la cual tuvo la suspicacia empresarial de comprarlo y rentabilizarlo económicamente. Para Ramón, en cambio, ese espacio supuso un remanso de paz en lo que concierne a su vida, y para su trayectoria pictórica, pero sobretodo, donde poder desarrollar ideas que en otros ambientes no debía o podía: en ese sentido, debemos pensar que una actividad importante para él era la del retrato por encargo, burgués y en cierta manera, aburrido y estático. La otra cara de la moneda la tenía en ese magnífico entorno. Una demostración de todo ello es el lienzo que ofrece Subarna, el cual representa una de sus famosas monjas (muy típicas en gran parte de su carrera) y el claustro de Sant Benet. La presentación de estos elementos, lejos de ser monumental y abierta, es intimista, contemplativa y recogida, un hecho que la hace muy original. Los rasgos principales los encontramos en importantes pinturas del autor. A priori detectamos una pincelada abocetada y un tratamiento de la luz lánguido, casi velado por una fina capa de pigmento. Las intenciones, según Isabel Coll en el catálogo razonado del artista son muy claras. La composición destaca por la combinación del fondo en colores terrosos y verdes, donde sólo hay dos protagonistas relevantes en blancos inmaculados: la luz de las ventanas y la figura femenina de la religiosa. La arcada con vistas exteriores, es casi una imágen cegadora abstracta (con acabado matérico) de lo que representa, luminiscencia y flora. Como afirma la experta también trata el vestido de la religiosa con menor insistencia que otras veces. La falta de precisión en el dibujo y la pintura por otro lado, tiene una pretensión muy concreta: la finalidad es captar todo el conjunto como un ente unificado, donde entender que “el hombre y la naturaleza viven en armonía”. (en Subarna) https://www.instagram.com/p/Ckdy-DPI8B9/?igshid=NGJjMDIxMWI=

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aquellakahi · 2 months

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Imagen e iconografía en el díptico de Marilyn Monroe por Andy Warhol en contraste con La catedral de Nuestra señora de París (Notre Dame).

El díptico de Marilyn Monroe (1962) es una de las obras más conocidas del artista Andy Warhol. Una serie de serigrafías en acrílico, producidas con colores brillantes y poco utilizados por el arte contemporáneo de la época. Enmarcadas en el denominado “pop-art” o arte pop, que nace en respuesta al expresionismo abstracto preponderante en los círculos “elevados del arte”.

La dimensión negativa del arte pop: a qué se oponía el movimiento. El objetivo inmediato fueron las pretensiones de lo que en Nueva York se asumió el manto del arte elevado, para ser claros, el expresionismo abstracto, con su celebración del yo, de los estados internos que la pintura presumiblemente objetivaba y del pigmento mismo, como el medio por excelencia a través del cual estos estados podrían ser transcritos externamente. En cierto sentido, la pintura expresionista abstracta era una especie de lenguaje pictórico privado, que llevó a un alejamiento de lo público y lo político en favor de un arte que era, en palabras de Robert Motherwell, "plástico, misterioso y sublime" (Danto, 2004, p. 12, traducción propia).

Siguiendo lo expuesto por Danto, el pop-art busca hacer arte las cosas comunes y simples que pertenecen a la cultura del consumo, lo popular. Busca darle un nuevo significado, en contraposición a este “arte elevado”, de difícil comprensión y alejado de las personas, y cercano a la academia y las galerías.

¿Por qué Marilyn Monroe? Marilyn es un ícono y “sex symbol” de la historia de los estados unidos de norteamérica, sobre todo después de las postguerras y la cultura consumista naciente.

Marilyn representaba lo deseable, y también la irreverencia femenina y esta nueva “libertad”.

Tuvo múltiples matrimonios, fue la primera actriz en ser portada de la revista playboy. Aunque, para los años 60’s era muchísimo más famosa por su vida amorosa que por su trabajo artístico. El cual se desarrolla principalmente en los años 50’s. Marilyn para la cultura norteamericana era eso, un producto, poco importaba quién era ella realmente, sino que su imagen, el ícono que representaba era lo importante.

Quién o qué fue realmente Marilyn Monroe no es tan importante como sus imágenes, que definen una cierta esencia femenina que, cuando Marilyn estaba viva, condensaba las actitudes de los hombres hacia las mujeres y las actitudes de las mujeres hacia las mujeres mismas. Eran sus imágenes en el cine y en las revistas, y así se volvió común. Se convirtió en parte de nuestras vidas porque formaba parte de una conciencia compartida de los hombres y mujeres modernos de todo el mundo (Danto, 2004, p.16, traducción propia).

Aquello se consolidó con su trágica muerte en el ‘62. Dos semanas después del suceso, Andy Warhol publica su obra, el Díptico de Marilyn Monroe, esa fascinación por el producto de consumo y la muerte, los cuales en el fondo tienen algo muy profundo. La muerte es como la consolidación del ícono, porque cuando ya no existe el ser, lo que lo mantiene vivo, en sí, es el recuerdo, la cultura, la imagen. Cuando ya nadie recuerda quien eres o cómo te veías es cuando realmente mueres. Andy Warhol inmortalizó como un ícono a Marilyn Monroe a través de su obra. Quizás haya algo de religioso en ello. En Estados Unidos de Norteamérica, cuando muere un ícono popular, suele haber una especial efervescencia y enaltecimiento de su imagen. Esto fue precisamente eso lo que ocurrió con Marilyn Monroe.

Hay, por tanto, dos formas de muerte: la terminación de la vida y la obsolescencia de las imágenes mismas. Cuando nadie reconoce quién está en la fotografía, sólo entonces el sujeto de la fotografía queda irrevocablemente muerto. Tener verdadera fama en la vida moderna significa tener una imagen reconocida por otras personas que nunca han conocido nada más que esa imagen. Tener la verdadera inmortalidad es lograr una imagen que excede la duración de uno mismo, y que continúa siendo parte de la mente común indefinidamente -como Charles Chaplin, o JFK, o incluso el propio Warhol. (Danto, 2004, p. 17, traducción propia)

Otro punto relevante es la técnica que Andy Warhol utiliza para el díptico de Marilyn Moroe, la serigrafía, que permite producir en masa o mucho más rápidamente.

A Andy Warhol, al igual que a otros artistas comerciales, le gustaba utilizar esta técnica, ya que era la forma más eficaz de producir impresiones en masa mucho antes de que aparecieran las impresoras láser. La serigrafía definió el estilo y la carrera de Warhol; rara vez utilizó otro medio en su obra. También aplicó este estilo a las reconocibles impresiones "Marilyn", que creó como un intenso reflejo de sus pensamientos sobre las celebridades y otras figuras sociales. (Schulze, 2018, traducción propia)

Lo cual también refleja la intencionalidad misma del artista. En ese sentido hay una total sincronía, un ícono/producto comercial no tan solo de la cultura norteamericana sino occidental, se trata de alguien que cualquiera podría reconocer hasta el hoy en día. Y además de eso, la obra es producida por un medio que también está hecho para poder ser reproducido en masa y de una forma rápida, como un “producto”.

La catedral Nuestra señora de París (Notre Dame).

La catedral de Notre Dame se empieza a edificar en 1163, en el siglo XII y por tanto en la Plena Edad Media, en una época de bonanza y auge económico. Fue construida por Jean de Chelles, Pierre de Montreuil, Pierre de Chelles, Jean Ravy, Jean the Bottle. Perteneciente a la arquitectura medieval del gótico temprano, como mencionaba anteriormente la catedral es construida en pleno auge económico, crecimiento de la industria agrícola y explosión demográfica.

La mejora agrícola derivó en una mejora de la dieta y la alimentación eliminando casi por completo las hambrunas y las epidemias de Europa y propició un aumento de los efectivos demográficos que prácticamente multiplicó por dos la población europea. Así mismo, este crecimiento demográfico produjo una ampliación del espacio europeo mediante expansiones militares como las Cruzadas, la Reconquista o la expansión alemana hacia el este, … se produjeron dos tipos de excedentes, el productivo y el demográfico. El primero de ellos propició un aumento de los intercambios que derivó en el renacimiento comercial a nivel local y de larga distancia, ... Por otro lado, el excedente demográfico generó una sobrepoblación rural que supuso un éxodo de población agraria hacia las nuevas ciudades que se convertían en importantes centros de atracción poblacional. (Lara, 2019, p. 4)

Según lo anterior, hubo un contexto histórico que permitió desarrollar la catedral nuestra señora de París, no solamente en infraestructura sino también en relevancia cultural. En la sociedad de la época medieval la catedral, la basílica eran lugares muy importantes de reunión y en dónde se realizaba la misa y se practicaba la eucaristía, eran lugares “populares” o de “masas”.

De esta manera, podemos observar como la ciudad de París, cuyo centro neurálgico y de vida social se focaliza en su catedral, se postula como el principal centro urbano del medioevo occidental surgiendo de él las principales iniciativas intelectuales de la época y posicionándose de esta manera como el centro de creación y difusión de la identidad europea que se consolida y se desarrolla en estos siglos. (Lara, 2019, p. 5)

Adentrándonos más en el interior de la catedral, podemos reconocer lo importante de la iconografía medieval. No tan solo por los rosetones y los vitrales que muestran la historia de Jesús y su crucifixión, sino también en las diferentes esculturas, gárgolas, escenas que están retratadas por toda la catedral. Además de más de 35 representaciones de la virgen. Cabe destacar que la mayoría de las personas en la época medieval no sabían leer y por ende, a través de la imagen era como aprendían o como se lograba trasmitir un mensaje mucho más claro. En cada parte de la catedral hay una historia, está llena de simbolismos cristianos, enseñanzas bíblicas e historia.

Entonces, es evidente que la cultura medieval tiene una vertiente eminentemente simbólica como en casi ninguna otra época de la historia. Este lenguaje de símbolos abarca todos y cada uno de los aspectos de la vida del hombre desde la etimología hasta la liturgia (López, 2017, p. 2). Y, a pesar de que todo era imagen/ícono, la imagen estaba conformada de elementos que fuesen de fácil entendimiento y solían ocupar simbolismos parecidos sino iguales, no había mucha innovación, ya que al ser algo sagrado, si era modificado, podía ser considerado herejía, es por eso que la representación y el arte dentro del medioevo no tiene tantas variaciones en ese sentido, era muy sagrado y lo sagrado es perfecto por ende no necesita otra interpretación ni otra imagen.

Al venerar al ícono veneramos a la persona representada en él. El honor rendido al ícono va en dirección al santo que se ha pintado en sus caracteres singulares y únicos, es decir, el honor entregado al ícono va a su prototipo. Podríamos decir que toda la gloria del ícono es poder reenviar la mirada del fiel hacia la gloria del santo representado (Solís, 2019, p. 146).

Cruces entre ambas obras.

A pesar de la distancia entre épocas, a mi parecer el díptico de Marilyn Monroe y La Catedral de Nuestra Señora de París tienen más de un punto de encuentro. En primer lugar, el uso de los colores para generar una impresión en el espectador. Los rosetones de la catedral de nuestra señora de parís, a través de su color, iconografía y magnificencia esperan quedarse en la memoria del cristiano. Además que por su forma, que pareciese una flor, se parece a los rayos del sol, y a su vez es una entrada de luz hacia la catedral, en sí es como la palabra de cristo entrando por la ventana. Lo cual también es muy atractivo estéticamente. Por otro lado, en el díptico de Marilyn Monroe, Andy Warhol también utiliza los colores para realzar estéticamente la imagen de marilyn, y de hecho utiliza colores que no son tan utilizados por el expresionismo abstracto, cómo el turquesa neón, el amarillo, y el naranjo, lo cual genera una imagen muy atractiva e impactante.

Dentro de lo que significa además esta imagen de perfección que mencionaba respecto a la iconografía cristiano-católica de la catedral, también puedo encontrar este elemento en el díptico, ya que Andy Warhol retrató a Marilyn de una forma pulcra, sin ninguna imperfección, arruga o mancha, solo los bloques de color y sus rasgos más importantes.

Por otro lado, en el díptico de Marilyn Monroe, al ser una obra del pop art, el concepto de la “cultura popular o cultura de masas”, y por esto me refiero a algo o alguien que todas las personas saben exactamente qué o quién es, solamente con verlo, sin ser necesaria mayor explicación. Este elemento, está presente en ambas obras, no tan solo en la catedral en su conjunto, sino también en toda la iconografía cristiano católica que se encuentra dentro de ella. Ambas son elementos de la cultura popular/de masas, cada una de su respectiva época.

La inmortalidad es otro de los conceptos que emerge en ambas obras. Por un lado, cristo resucitado, inmortal. Por el otro, tenemos en el año 1962 a la recién fallecida Marilyn Monroe, la cual es inmortalizada a través de esta obra, resucitada a través de la obra y recordada hasta hoy, como un ícono estadounidense/occidental, pasando de generación en generación como ícono de belleza, erotismo y misterio. Como señalaba Danto (2004) había dos formas de muerte: la culminación de la vida y la obsolescencia de las imágenes. Cuando nadie sabe quién está en la fotografía, sólo entonces el sujeto de la fotografía queda realmente muerto. Basándonos en esto, Marilyn está más viva que nunca, tanto en el cine como en imagen. Y la catedral de nuestra señora de París también y toda la iconografía cristiano católica sigue muy presente dentro de la cultura occidental.

En conclusión, a pesar de que ambas obras están en épocas casi antagónicas de lo que significa el arte, ya que por un lado en la época medieval el arte era y existía en función de la religiosidad, y por el otro en el arte contemporáneo post 60’s hay muchísimas formas de expresión artística. Se pueden realizar cruces interesantes de cómo la cultura popular se traspasa de generación en generación a través del arte, la iconografía y el color. Y de cómo podemos considerar lo mortal, basándonos en Danto, entendiendo lo mortal como no ser recordado o desaparecer de la memoria colectiva, y transformarlo a través de la imagen, en algo inmortal, que sea traspasado de generación en generación, y que siga siendo reconocible y recordado, un ícono.

bibliografía -Danto, A. (2004). Um filósofo como Andy Warhol. ARS (São Paulo) , 2 (4), 99–115. https://doi.org/10.1590/S1678-53202004000400007 -Lara, M. (2019). Ensayo y reflexión acerca de la Catedral de Notre Dame de París y su incendio (11 páginas). Art History, France, Gothic Art, Notre-Dame De Paris. -López Lacárcel, J. M. (2017).Simbología e iconografía religiosa medieval cristiano musulmana. En G. Ponce Herrero (Coord.), Moros y cristianos, un patrimonio mundial (Vol. 1, pp. 421-443). ISBN 978-84-16724-48-2. https://www.csantjordi.es/wp-content/uploads/docs/32b3d3_Simbologia.pdf -Schulze, Martin (2018-10-15T14:30:08+02:00). Why did Andy Warhol paint Marilyn Monroe?. Retrieved from https://publicdelivery.org/andy-warhol-marilyn-monroe/ -Solís Nova, David. (2019). El icono y su herencia en el arte. Veritas, (44), 143-167. https://dx.doi.org/10.4067/S0718-92732019000300143

#marilyn monroe #andy warhol #mine #notre dame de paris

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lampreainsano · 2 months

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¿Qué es el graffiti?

Se llama grafiti, graffiti o pintada a un modo de pintura o arte visual callejero, por lo general ilegal o paralegal, que es generalmente realizada en superficies amplias de espacios urbanos: paredes, portones, muros, etc.

Suele oscilar entre ilustraciones más o menos abstractas, hasta mensajes escritos y otras formas de intervención mediante la pintura, generalmente en esténcil o aerosol.

El término graffiti viene del italiano y a su vez del nombre dado a las inscripciones satíricas en espacios públicos hechas durante el Imperio Romano, conocidas como graffito, y que son su más remoto antecedente.

Este término sin embargo se popularizó enormemente a partir de su incorporación a la cultura callejera estadounidense, así como a los movimientos más o menos contraculturales del hip-hop y distintas tribus urbanas, que empleaban este tipo de forma de expresión.

Sin embargo, las pintadas de protesta han formado parte del imaginario político de las naciones contemporáneas desde hace mucho. Suele decirse que lo que callan los medios lo gritan las paredes, queriendo decir que ante los regímenes represivos que censuran la prensa, el graffiti se impone como vía de protesta.

En otros ámbitos, en cambio, se lo puede considerar una forma de contaminación visual, sobre todo los escritos menos armónicos y menos elaborados visualmente.

Por lo general el graffiti se lleva a cabo en paredes elevadas o muy visibles, a veces como un modo de marcaje territorial o de competencia por conquistar los espacios más audaces, de cara a la posible interrupción del dibujo por parte de la policía.

Además, las ilustraciones no suelen ser demasiado duraderas, ya que los espacios públicos son vueltos a pintar.

Existen tres grandes tipos de grafiti, aunque no haya un estudio formal de los mismos, ni reglas demasiado estrictas para su elaboración:

Art graffiti. Asociado a la cultura hip-hop de las décadas del 70 y 80 en los estados unidos, tiende a representar motivos más o menos abstractos, nombres (“tags” o etiquetas: nombres en clave) o mensajes recurrentes, siempre mediante un despliegue de colores y de formas que en ocasiones toma varios días terminar.

Grafiti público. Los “lemas” públicos que aparecen en una ciudad y reiteran eslóganes o mensajes políticos, más o menos satíricos o groseros, tratando de dar un mensaje a las masas. También entran en esta categoría los grafitis de protesta.

Latrinalia. Se llama así al grafiti poco elaborado, grosero y por lo general de baja ralea que predomina en baños públicos y espacios de tránsito, como puertas, ascensores, trenes, etc. Pueden ser desde confesiones de amor, amenazas, denuncias hasta intentos de poesía o de relato.

Expresiones más elaboradas del graffiti son valoradas hoy en día como una forma de intervención artística del espacio urbano, llegando a hacerse mundialmente famosas a pesar de su carácter efímero, como los diseños del anónimo grafitero británico Banksy.

Fuente: https://concepto.de/graffiti/#ixzz8hl61vB53

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arte-mx · 7 months

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"Arte más allá de solo una pintura"

¿QUÉ ES EL ARTE?

El arte es una forma de expresión humana que utiliza una gama de materiales y técnicas para dar forma a un concepto o sentimiento. Aunque en su origen podría parecer una simple actividad estética, el arte es mucho más que eso: es una forma de comunicación y, a menudo, una forma de protesta o de entendimiento.

¿CUAL ES SU ORIGEN?

La historia del arte se remonta miles de años atrás. La práctica artística inició con la representación y la decoración de los cuerpos humanos, los animales y la naturaleza. En un primer momento, el arte era algo impuesto al entorno natural, como la pintura de cuevas, y no existía una conciencia de cómo podría afectar a la comunidad. Posteriormente, la influencia del arte se extendió más allá. Mientras avanzaba la civilización, la sociedad se desarrolló y se dieron cuenta de que el arte tenía un poder emocional y cognitivo, pues podía modificar la percepción, la emoción y la conciencia humana. A partir de aquí, se desarrollaron distintas corrientes artísticas y estilos visuales que cambiaron a medida que la sociedad avanzaba.

LOS TIPOS DE ARTE

Al hablar de arte podemos empezar con las artes plásticas, que incluyen la pintura, la escultura, la instalación y el dibujo. También podrías hablar sobre las artes aplicadas, que incluyen las artes gráficas, la arquitectura, la fotografía y la moda. Además, podrías mencionar las artes escénicas como el teatro. Una manera en que se pueden clasificar de manera más simplificada el arte es clasificandolas en expresionismo y surrealismo.

EXPRESIONISMO

El expresionismo se refiere a un estilo artístico que intenta representar una reacción emocional o una sensación, más que la representación realista del mundo. El artista intenta transmitir sus emociones y sentimientos a través de sus obras. Los colores, las formas y las composiciones, son siempre exagerados y se alejan de la realidad. Los artistas más importantes de este movimiento son Van Gogh, Munch y Kirchner.

SURREALISMO

El surrealismo es un movimiento artístico, literario y cinematográfico que floreció en la primera mitad del siglo XX. Se caracteriza por intentar expresar el inconsciente y la imaginación en la creación artística. Sus manifestaciones más conocidas son la pintura, la escultura y la literatura, que intentan combinar elementos de la realidad con fantasía.

LA MUSICA UNA FORMA DE ARTE

La música es considerada arte porque es una forma de expresión humana que puede transmitir emociones, ideologías y mensajes. La música puede ser usada para contar historias, transmitir una experiencia o recrear emociones en el oído del oyente. A menudo, la música es considerada una forma de arte porque requiere de la capacidad y la habilidad del compositor o intérprete, y puede también ser apreciada como una forma puramente estética de arte, sin ningún mensaje o narrativa por detrás. A través de instrumentos, composición y ejecución, la música puede convertirse en una forma abstracta de expresión artística. La música también es un arte que puede ser transmitido a través de otros medios, como el cine, la televisión y las redes sociales.

¿QUIEN ES VAN GOGH?

Vincent van Gogh fue un artista holandés nacido en 1853. Fue uno de los artistas más influyentes de la historia y uno de los representantes más importantes del impresionismo y el post-impresionismo. Sus pinturas, a menudo caligrafías y vibrantes, son una manifestación de sus emociones y la forma en que veía el mundo. Una de sus pinturas más famosas es "El café de noche" (1888), una pintura que presenta una sala llena de personas en un bar de una ciudad. La composición y el estilo del cuadro son característicos de la obra de Van Gogh y el impresionismo, con colores vibrantes y sincopados toques, es una pintura especialmente famosa.

A continuación te compartimos un video con más información sobre el gran Vincent van Gogh

youtube

CONCLUSIÓN

En conclusión, el arte es una forma de expresión humana que puede transmitir mensajes, sentimientos y ideas, y también puede tener una función puramente estética. Ha evolucionado a lo largo de la historia y ha sido representado en diversas formas y medios, desde las pinturas de las cavernas a las creaciones digitales actuales. El arte es un medio de expresión humana que puede emocionar a través del lenguaje visual y sonoro, y que puede ser una fuente de inspiración, curiosidad y transformación. Ha sido y será una de las formas fundamentales de la cultura humana y una fuente de creatividad y emoción para generaciones de personas. De esta manera, podemos decir que el arte es una expresión de la esencia humana y un testimonio de la historia humana.

#Youtube

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royumijapon · 1 year

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Hisako Nakamura: La increíble historia de la niña del daruma que inspiró al mundo

Hisako Nakamura nació en 1897 en la ciudad de Takayama en la prefectura de Gifu en Japón. Cuando tenía dos años, contrajo una enfermedad en su pie izquierdo que se propagó a sus manos y piernas. La enfermedad y sus complicaciones la llevaron a perder las extremidades a la edad de tres años. A pesar de este gran desafío, Nakamura vivió una vida independiente y se hizo famosa por su habilidad en la escritura y la actuación.

A los 20 años, Nakamura se mudó a Yokohama para vivir sola. Más tarde, se convirtió en una artista de entretenimiento en una feria, donde se presentaba como la “niña daruma”, una persona que no tiene brazos ni piernas pero que puede coser y tejer con la boca. Después de casarse y tener hijos, Nakamura continuó trabajando en ferias de entretenimiento y criando a sus hijos como madre soltera después de la muerte de su esposo.

A pesar de esta dificultad, Nakamura encontró una forma innovadora de seguir su pasión por la pintura. Adaptó la técnica “Niña Daruma”, que consiste en sostener un pincel entre los dientes y la lengua para poder pintar con precisión y control. Con esta técnica, Nakamura creó una serie de pinturas abstractas de gran belleza y complejidad.

El trabajo de Nakamura se caracteriza por pinceladas fuertes y audaces, y el uso de colores vibrantes que crean formas y patrones abstractos. Su obra está inspirada en el movimiento expresionista abstracto de los años 50 y 60, pero desarrolló un estilo propio y distintivo.

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#japon #daruma #nakamura #hisako #arte #resilencia

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praza-catalunya · 2 years

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Música, natureza e cor nas obras de Paul Klee

Música, natureza e cor nas obras de Paul Klee.

A creación artística é (e sempre foi) diversa. Non se pode dicir que un só canon dominase a arte dunhas décadas, e menos aínda dun século. Tal é o caso dos vieiros particulares de Paul Klee, o artista nado en Suíza e que -malia teren amizades e afinidades con creadores de diferentes tendencias- non chegou a formar parte de ningún grupo ou escola. Aínda así, Klee vén sendo un dos grandes creadores e humanistas do século XX.

Lito Caramés

Paul Klee i els secrets de la natura

Paul Klee i els secrets de la natura. Música

No filme Close Encounters of the Third Kind (1977) o director Steven Spielderg e o seu equipo acordan empregar cinco notas musicais, só cinco notas musicais (Re-mi-do-do-sol), reiteradas ao longo da película, para que a humanidade se comunique cos seres extraterrestres que están a punto de aterrar neste planeta. Esas notas foron a opción de John Williams, o músico responsable da banda sonora dese filme. Cinco notas de benvida. E a nave chega e reproduce esas sinxelas cinco notas. Pode haber medio máis universal (adxectivo empregado aquí con toda intención), máis conciso e abstracto de comunicación ca música? Re-mi-do-do-sol, tan breve frase musical quizais sexa hogano a banda sonora máis famosa da galaxia.

O pintor Paul Klee (1879-1940) nace en Berna, a capital suíza e onde, desde o ano 2005, está instalado o espectacular Zentrum Paul Klee, a entidade museística dedicada a preservar e estudar a creatividade dese artista local e mundial. O edificio foi deseñado polo arquitecto italiano Renzo Piano e as características do mesmo responden aos seus criterios: integrar plenamente a arquitectura na natureza. A estrutura da construción simula as ondas de tres outeiros que se camuflan na paisaxe. O Zentrum conta actualmente cunhas 4.000 obras do artista, e colaborou decididamente para realización da mostra Paul Klee i els secrets de la natura que nestes meses de finais de 2022 está instalada na Fundació Miró de Barcelona, unha extensa exposición de máis de 200 pezas, entre debuxos, pinturas, documentos e obxectos varios, que foi comisariada por Martina Millà, responsable de exposicións desta fundación, e que contou coa colaboración da comisaria xefa do Zentrum (Fabienne Eggelhöfer). A meirande parte das obras que agora se poden ver no edificio de Sert en Montjuïc proveñen, precisamente, dos fondos do Zentrum Paul Klee. Aquí pódese observar un vídeo sobre a mostra de Klee.

P. Klee. Ohne Titel, 1920

A familia do artista era unha familia de músicos. Paul, de certo, acabará sendo un gran pianista, aínda que decidiu abandonar a carreira musical que os seus pais xa tiñan decidido para el. Os estudos e practicas musicais darán ao artista unha concepción especial da natureza dos obxectos e seres vivos. A música é de feito a expresión artística máis conceptual e a máis abstracta. Escribía Klee en 1923: O artista actual é máis ca unha cámara perfeccionada, é máis complicado, máis rico e máis espacial. É unha criatura da Terra, é unha criatura dentro dun todo, é dicir, unha criatura nunha estrela entre as estrelas.

Precisamente un dos eixo que direcciona a mostra é a idea de que Klee sempre estivo fascinado pola natureza, e máis especificamente por aqueles principios ou leis que conforman o substrato que estrutura todo na natureza. As cinco notas musicais naturais. Ao observar a composición Klang der südlichen Flora (Harmonía da Flora meridional) é doado asimilar esa reflexión pictórica de Klee sobre as leis da natureza coa reiteración de notas musicais: cada cor, unha nota? Iso xa o determinara Vasili Kandinsky nos anos dez da pasada centuria.

P. Klee Mondaufgang, 1925

Paul Klee i els secrets de la natura. A Natureza

O diálogo coa natureza segue a ser para o artista “conditio sine qua non”. O artista é un ser humano e, como tal, el mesmo é natureza e parte da natureza no ámbito da natureza mesma. Só mudan o número e o tipo de vieiros a seguir, tanto na produción artística como no estudo da natureza a ela asociada. (Paul Klee, Wege des Naturstudiums, 1923).

En xeral a crítica e mais a historia da arte habitúan a definir a Paul Klee ben como expresionista, ben como surrealista, ben como artista que practicou a abstracción. Klee, como artista que foi coetáneo das vangardas de comezos do século XX, viuse influído (evidentemente) por eses movementos, e aínda máis polas tendencias cubistas, mormente cando foi profesor de debuxo na Bauhaus, hai agora xusto un século. Klee viviu en sociedade, e non lle foi doado fuxir dos “ismos”. Pero sempre rematou por atopar un vieiro propio e non quedarse fixo nunha práctica estética. Tampouco nunha técnica. Paul Klee practicou o debuxo, a pintura con diversos materiais; foi escritor, foi profesor.

Pódese afirmar que o autor de Glühende Landschaft tamén se adicou á investigación. Os pintores impresionistas -tan decisivos para o xermolo de todas as vangardas unhas décadas despois- dedicáronse a captar como a luz describía a superficie dos obxectos, da natureza; deixáronse influenciar polas novas teorías das cores e a nova industria química que os e as fornecía de pigmentos xa elaborados. Por contra, Klee, máis aló do cubismo e outros “ismos”, o que fai é procurar a estrutura interna dos obxectos: follas, flores, e tamén dos animais. Rexeita a aparencia externa e pescuda a estruturas, as leis que deciden que o concho dun caracol sexa tan perfecto, e sempre igual. Por iso lle interesou todo aquilo que lle mostraban as novas tecnoloxías que ían traballando no mesmo senso: o microscopio cos novos mundos ata entón imposibles, os raios X capaces de procurar a alma dunha persoa. A Natureza como eixo, como conditio sine qua non. Entre as pezas que agora se poden contemplar na Fundació Miró de Klee hai un debuxo de cando contaba catro anos: un caracol riscado nunha lámina de escaravellos, lámina de ilustración de animais. Ese sinxelo debuxo do espiral do animal, é unha premonición?

P. Klee. Klang der südlichen Flora, 1927

Na mostra que agora se comenta (Paul Klee i els secrets de la natura) as responsables da mesma decidiron engadir catro obras de catro mulleres artistas como reforzo das preferencias estéticas do artista de Berna. Unha das obras -ben axeitada ao fío condutor da exposición- é Protozoarios, debuxo policromo que Maruxa Mallo realizou en 1981, e que, para a ocasión, prestou o Museo Nacional Reina Sofía de Madrid. Na súa liña surrealista, mantida perante décadas e viaxes por continentes, Mallo elabora unha composición variada que mesmo semella un elenco de seres microscópicos captados con axudas mecánicas. Maruxa Mallo xa se interesou por temas naturais desde os anos 20 e 30, cando saía de Madrid para recoller e reproducir elementos vexetais (cardos, herbas) e animais (caveiras de cabras, ovellas). Mallo e mais Klee tamén comparten a vicisitude vital de ter que exiliarse por razóns políticas. Mallo fuxiu de España xusto no ano 1936, a través de Portugal e cara América do Sur (levando consigo a pintura Sorpresa del Trigo), e o autor de Wege des Naturstudiums, pola súa condición de xudeu, viuse na tesitura de abandonar Alemaña, onde exercía de profesor de color na Bauhaus, e regresar á súa Berna natal, lugar no que acaba finando por unha enfermidade dexenerativa.

A transcendencia da creatividade de Klee abrangue tempos e temáticas diversas. En 1920 o artista debuxa a peza Angelus Novus, actualmente no Museo de Israel. Esta pequena obra fai alusión á tradición talmúdica de que en todo intre se están creando anxos novos para cantar as esencias de Deus e que, en pouco tempo, desaparecen. O debuxo foi adquirido por Walter Benjamin, quen aproveitou esa peza de Klee para elaborar algunha das súas Teses sobre a filosofía da Historia (1940). Alí -explica- Benjamin que o Angelus Novus non é outro que o Anxo da Historia, un ser que mira irremediablemente ao pasado onde só ve unha cadea de catástrofes (visión negativa da humanidade). O Anxo quixera recompoñer a desfeita, pero desde o Paraíso sopra un furacán que lle enlea as as, e que é tan forte que o anxo non as pode pechar. Este furacán empúrrao cara o futuro, ao que lle dá as costas (...) Ese furacán é o que nós chamamos progreso. O anxo da historia do que fala Benjamin é ese anxo novo que plasmou Klee no seu famoso deseño.

P. Klee. Wandernde Fische. 1926

Paul Klee i els secrets de la natura. As cores

Para unha persoa tan curiosa sobre o lado oculto da natureza, formas xeométricas e abstractas que tanto estudou e debuxou Klee, non deixa de ser un paradoxo que en 1921 fose chamado para ser profesor de cores na Bauhaus de Dessau, ata 1930. A estancia nesa escola da República de Weimar e as súas propensións á abstracción, á simpleza de liñas e ás querencias polo volumes elementais, agradáronlle e permitíronlle seguir nesa liña de abstracción e de redución dos obxectos a formas xeométricas. Logo, os nazis forzárono a marchar de volta a Suíza só pena de morrer. Contrariamente ao que se poida pensar, Klee confeccionou moita obra en cores. E cores moi diversas. É sabido que as viaxes que fixo ao sur condicionaron as súas visións da Natureza. A viveza de cores que coñeceu en Túnez (1914), por exemplo, deulle un novo xiro á creatividade. Á volta do país magrebí deixou escrito: A cor posúeme. A cor e mais eu somos unha soa cousa.

Eses xiros xa comezaran despois de visitar Italia, e moito máis despois de que en 1928 fixese unha longa estada no Exipto. Ao volver desta última rexión trae consigo as fortes cores do deserto, das vestimentas das poboación, e mesmo reproducirá logo trazos inspirados nos xeroglíficos admirados nas beiras do río Nilo.

P. Klee. Grünes Gelände, 1938

Ao ir estudar e traballar a Munich, alá polo ano 1912, entrou en contacto co grupo vangardista e absolutamente expresionista de Der Blaue Reiter, (O Xinete Azul). Nesa cidade alemá o pintor suízo coñece a Franc Marc, a Gabriele Münter, a August Macke e por suposto ao director de todas e todos eles: Vasili Kandinsky. Klee, sin entrar a formar parte dese grupo vangardista, participou das súas pescudas, das orientacións expresionistas de todos eles, e das influencias que recibían do fauvismo e mais do cubismo. Algúns críticos din que os membros de Der Blaue Reiter foron expresionistas “líricos”.

Co gallo desta exposición, a Fundació Miró edita un magnífico catálogo con estudos atractivos e mesmo escritos de Klee. A mostra Paul Klee i els secrets de la natura é moi ampla e abrangue todas as etapas creativas do artista. Unha proba diso é que o debuxo do caracol que riscou con catro anos está tamén entre as pezas que viñeron do Zentrum Paul Klee de Berna, e algunhas das derradeiras expostas (do ano 1939) xa as confeccionou cos dedos; o avance da enfermidade non lle permitía suxeitar os pinceis nas súas mans. Visitar as creacións deste artista outsider, tan especial, sempre paga a pena.

Lito Caramés

Maruja Mallo Protozoarios 1981

Exposición: Paul Klee i els secrets de la natura

Fundació Miró

ata o 12 de febreiro de 2023

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seraimstories · 7 years

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El arte es una mentira que nos acerca a la verdad

Pablo Picasso

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geralar · 5 years

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Casa giratoria, 1921 por Paul Klee.

Paul Klee (1879-1940) fue un pintor alemán expresionista, aunque lo complementaba con el surrealismo y la abstracción. Llegó a manipular el color con una enorme precisión y pasión, llegando a enseñar la teoría del color en la Escuela de la Bauhaus. Klee trabajaba el óleo, la acuarela, la titan y otros materiales combinándolos en un sólo trabajo que frecuentemente aludían a la poesía, la música y los sueños, incluyendo en varias ocasiones palabras o notas musicales.

La Casa Giratoria Thyssen-Bornemisza fue pintada durante los primeros meses de Klee en la Bauhaus, donde enseñó de 1921 a 1931. Durante esos años, influenciado por el ambiente constructivista en la escuela, Klee tendió a una mayor geometrización en su trabajo, aunque su temperamento y la espontaneidad creativa lo puso en guardia contra cualquier forma de constructivismo puro. En la pintura actual aborda el tema de la ciudad, que consideraba el lugar donde el hombre modifica la naturaleza, y donde prevalecen la ley y el orden. A primera vista, vemos una imagen deliberadamente ingenua que se asemeja a la pintura de un niño, en la que las formas arquitectónicas se han reducido a sus elementos esenciales. Además, Klee, en su rechazo persistente de la perspectiva tradicional, evita el punto de vista único y, como se encuentra con frecuencia en su trabajo, utiliza una gran cantidad de ángulos de visión que empapan la imagen en numerosas ambigüedades visuales. Como tendemos a considerar la arquitectura como algo estático, estable y constructivo, nos sorprende la introducción de Klee de un elemento dinámico en la concepción geométrica de las casas, haciendo que giren alrededor de un centro, como si imitaran la rotación de una rueda. Este dinamismo hace que sus arquitecturas vivan en lugar de ser estáticas; inestable en lugar de estable; e intuitivo en lugar de constructivo.

El celo incansable de Klee por la experimentación lo llevó a emplear medios artísticos no convencionales. En este caso, ha montado en el soporte de papel un trozo de tela fina de queso, que se ha recogido con bastante soltura para crear un efecto de tridimensionalidad que aumenta aún más por la irregularidad de los bordes de la tela. Los colores se aplican libremente y de manera desigual en capas finas, sin cubrir toda la superficie. El tejido de la tela es visible en algunas partes de la pintura y en otras, donde se absorbe la pintura, crea un efecto intencional de textura que, junto con el uso de una gama de tonos terrosos, imita las propiedades de la arena y la arena. cemento. Impulsado por su deseo de relacionar el tema representado con el medio empleado para explorar la naturaleza de las apariencias, el artista logra reproducir en la pintura los materiales con los que se construirían estas casas en la vida real.

La ambigüedad irracional de Klee fue aplaudida tanto por los dadaístas como por los surrealistas, pero su mundo mágico no era en absoluto onírico. Al mismo tiempo, su relación con la abstracción geométrica lo ha convertido en uno de los pioneros de la pintura abstracta, a pesar de que su obra no es en absoluto abstracta y siempre estuvo en constante "diálogo con la naturaleza". No debe olvidarse que para Klee el arte fue una "metáfora de la creación" y rechazó la aspiración artística tradicional de imitar la naturaleza a favor de intentar explicar cómo funciona la naturaleza. Su ensayo Creative Credo, escrito en 1918 y publicado en 1920, comenzó precisamente con la famosa declaración:

"El arte no reproduce lo visible: más bien lo hace visible ”

(paulklee.net)

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mujeresartistaseag-blog · 5 years

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MUJERES ARTISTAS DEL ART NOUVEAU, MODERNISMO Y ART NAIF

ART NOUVEAU

La historiografía ha condenado a las mujeres artistas del Art Noveau a un doble olvido: por el hecho de ser artistas del Art Nouveau, un estilo que durante décadas no ha sido valorado, y por el hecho, una vez más, de ser mujeres. Y si bien es cierto que en la sociedad del período Art Nouveau existía una gran discriminación de género que no ofrecía un entorno de igualdad que permitiese a las mujeres triunfar en el ámbito tradicionalmente “masculino” de las bellas artes, también es cierto que nuestra sociedad no comparte esa visión y que el estudio y la comunicación de la historia del arte del Siglo XXI tiene el deber de compensar esa discriminación.

Gerda Wegener, registrada al nacer con el nombre Gerda Marie Fredrikke Gottlieb (Hammelev, 15 de marzo de 1885 (quizá 1889) - Frederiksberg, 28 de julio de 1940), fue una pintora, ilustradora e ilustradora erótica danesa.

Tras vivir en provincias, se fue a Copenhague para inscribirse en la Academia de Bellas Artes. Allí mismo se casó en 1904 con el artista Einar Wegener.

En París, conoció un gran éxito como pintora e ilustradora de publicaciones como Vogue, La Vie Parisienne o Fantasio. Especialmente polémicas y admiradas fueron las doce acuarelas de contenido erótico y lésbico que pintó en 1925 para el libro Doce sonetos Lascivos de Louis Pearceau.1 De vuelta a su país, comenzó a cosechar gran reconocimiento gracias a su éxito parisino, y expuso en la Galería Ole Haslunds de Copenhague en varias ocasiones. Su carrera estaba bien edificada en un talento sobresaliente y alimentada por las peculiaridades de su matrimonio.

Gerda, que para muchos era una artista con más talento que su pareja, dejó aparcada su carrera para ayudarla, convirtiéndola en su modelo femenina favorita. Acompañó y apoyó a Lili en su transición, cuya operación fue la primera de un personaje público en 1930. El rey de Dinamarca declaró su matrimonio nulo en octubre de 1930.

En 1931, Gerda se casó con el oficial italiano Fernando Porta (1896-), con quien se mudó a Marruecos, donde intentó seguir con su carrera en vano. Finalmente se divorciaron en 1936, y la artista regresó a Dinamarca en 1938. Expuso por última vez en 1939, ya sin mucho éxito, y murió en julio de 1940.

En 2015 se estrenó un film sobre el caso, La chica danesa, dirigido por Tom Hooper y protagonizado por Eddie Redmayne en el que Alicia Vikander interpreta a Gerda. Por su interpretación impecable de la artista, Vikander ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto.

Libros ilustrados por Wegener[editar]

Le Livre des Vikings de Charles Guyot (1920 ou 1924)

Douze sonnettes lascifs de Louis Pearceau (1925)

Une Aventure d'Amour à Venise de Giacomo Casanova. Le Livre du Bibliophile. Georges Briffaut. Collection Le Livre du Bibliophile. Paris. 1927.

Les Contes de La Fontaine (1928-1929).

Contes de mon Père le Jars & Sur Talons rouges de Eric Allatini (1929)

Fortunio de Théophile Gautier (1934)

Margaret Macdonald, de casada Margaret Macdonald Mackintosh (Tipton, Staffordshire, 5 de noviembre de 1864-Chelsea, 7 de enero de 1933) fue una pintora, ilustradora y decoradora británica perteneciente a la Escuela de Glasgow, un grupo artístico cercano al modernismo y simbolismo. Los otros miembros destacados del grupo fueron su marido, Charles Rennie Mackintosh, su hermana Frances Macdonald y el marido de esta, Herbert MacNair, también conocidos como The Four (Los Cuatro). Esta escuela destacó especialmente en arquitectura y artes decorativas, y situó la ciudad escocesa de Glasgow como uno de los epicentros del modernismo internacional —también conocido como Art Nouveau en Francia o Modern Style en Reino Unido

Hija de un ingeniero que dirigía una mina de carbón, estudió con su hermana Frances en la Orme Girls' School de Newcastle-under-Lyme. En 1890 su familia se estableció en Glasgow y las hermanas entraron a estudiar artes decorativas en la Escuela de arte de Glasgow.1 En 1896 crearon la empresa de decoración Macdonald Sisters Studio en 128 Hope Street, Glasgow. En 1900 casó con el arquitecto Charles Rennie Mackintosh, con el pasó a colaborar en estrecha relación, además de con su hermana y el marido de esta, Herbert MacNair, que formaron el núcleo de la llamada Escuela de Glasgow.

El grupo se dio a conocer en la Exposición de Artes y Oficios de Londres de 1896. Su objetivo principal era la obra de arte total, para lo que diseñaban con esmero hasta el último detalle de sus obras, desde el diseño arquitectónico hasta la decoración y todos los elementos presentes en sus construcciones (mobilario, papales pintados, vidrios, metalistería, objetos decorativos, etc.). Cada objeto forma parte de un conjunto planificado, fuera del cual pierde sentido.2

Margaret se dedicó especialmente a la decoración de interiores, como en sus famosas decoraciones para varios salones de té de Glasgow, como la Willow Tea Room (1903). Su estilo decorativo era lírico y estilizado, con tendencia a la fantasía y preferencia por las formas redondas, en el que destacan los elementos vegetales —principalmente brotes y pimpollos de rosa— y unas etéreas figuras femeninas de influencia prerrafaelita.3 Por otro lado, en algunos de sus diseños se halla un simbolismo de tendencia abstractizante que denota la influencia de Jan Toorop.4 Otras influencias fueron los modernistas ingleses Aubrey Beardsley y Charles Francis Annesley Voysey, cuya obra conocieron a través de la revista The Studio, así como el arte celta tradicional.5

Utilizó preferentemente la acuarela, con un acabado parecido al esmalte, y trabajó a menudo con incrustaciones en madera, gessos, cloisonnés y repujados en oro y plata. También diseñó mosaicos, vidrieras y bordados.

Pese a su maestría e innovación artística, apenas se habla de las mujeres visionarias del mundo del arte moderno en las corrientes históricas principales.

«Cuando observas la forma en que se ha escrito la mayor parte de la historia del arte [de la época modernista], si se menciona a estas mujeres, se mencionan de pasada», afirma Deborah Gaston, directora de educación y compromiso digital en el Museo Nacional de Mujeres Artistas. «Muchas también se relacionaron con otros artistas que forman parte de ese círculo. Continúa la narrativa de ellas como seguidoras en lugar de innovadoras creativas por derecho propio».

Estas son seis mujeres ignoradas que han tenido un impacto importante en la escena del arte moderno.

Sonia Delaunay: la madre del orfismo

Nacida en Ucrania el 14 de noviembre de 1885, Sara Élievna Stern creció usando el nombre de «Sonia». Delaunay estudió arte en Alemania y Francia, donde más tarde se casó con el marchante Wilhelm Uhde en París. Esta unión evitó que su familia la obligara a volver a casa y también sirvió de tapadera de la homosexualidad de Uhde.

Además de su educación artística tradicional, Delaunay fue una gran fuerza en el mundo de las artes decorativas, con un talento especial para las telas y el diseño de interiores. Tras su divorcio amistoso de Uhde y su matrimonio con el pintor francés Robert Delaunay en noviembre de 1910, los Delaunay impulsaron el orfismo, una variante abstracta y vibrante del cubismo y del arte futurista.

«Siempre cambiaba todo lo que me rodeaba», decía Delaunay. «Hice que mis primeras paredes fueran blancas para que nuestros cuadros tuvieran un mejor aspecto. Diseñé mis muebles; lo he hecho todo. He vivido mi arte».

En 1964, Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer artista viva que tuvo una exposición en retrospectiva en el Louvre en París.

Marie Laurencin nació en París el 31 de octubre de 1883. La crió su madre y estudió arte con Georges Braque, que contribuiría al desarrollo del movimiento cubista.

Laurencin creó cuadros, acuarelas, dibujos y grabados. Es una de las pocas pintoras cubistas, junto con Delaunay, y desarrolló un enfoque único de la abstracción. Los tonos pastel y las figuras esbeltas en sus obras les dan una estética femenina. Pintó retratos de celebridades parisinas, incluyó animales en sus cuadros y produjo escenarios de teatro.

En 1983, se inauguró el Musée Marie Laurencin en Japón, convirtiéndose en el único museo de arte especializado del mundo centrado en una mujer artista. El museo alberga más de 600 obras de Laurencin en su archivo.

Aleksandra Exter: la rebelde de la escuela de arte

Aleksandra Exter, también conocida como Aleksandra Aleksandrovna Ekster, nació en Białystok, Polonia, en el seno de una familia bielorrusa acomodada el 6 de enero de 1882. En el transcurso de su educación privada estudió idiomas, música y arte y finalmente adquirió fama internacional en el panorama artístico europeo.

En la Escuela de Arte de Kiev, Exter se mezcló con otros artistas que reaparecerían en la vanguardia rusa. En 1908, se casó con un abogado de Kiev y ambos se convirtieron en destacados personajes culturales e intelectuales. Se mudaron a París, donde Exter estudió una temporada en la Académie de la Grande-Chaumière hasta que la expulsaron por rebelarse contra la visión artística de la institución.

El estilo de Exter se hizo cada vez más radical y vanguardista con el tiempo. Pasó por el impresionismo, el cubismo, el cubofuturismo y el arte no objetivo con pinturas abstractas de paisajes, formas geométricas y bodegones. Su obra es dinámica y, además de sus exposiciones, la artista de múltiples talentos destacó en su trabajo escénico e ilustraciones de libros.

Sophie Taeuber-Arp: la visionaria sin fronteras

Sophie Henriette Gertrude Taeuber nació en Davos, Suiza, el 19 de enero de 1889. Estudió dibujo en la Escuela de Artes Aplicadas en Saint Gallen y, a continuación, diseño textil en Alemania. También aprendió a tejer, a hacer artesanía con cuentas y a bailar.

Taeuber-Arp fue influyente en el Café Voltaire de Zúrich y en 1928 se mudó a la zona de París. Su obra como pintora, escultora y arquitecta —por no mencionar como consumada diseñadora de muebles y de interiores— seccionó las fronteras entre los diferentes géneros de arte.

Adoptó el modernismo y el dadaísmo, e incluso creó disfraces y marionetas para actuaciones dadá. Colaboró con otros artistas como su marido Hans para producir espectáculos, coreografías, textos y obras de arte.

Como guiño al legado de Taeuber-Arp, el gobierno suizo rediseñó el billete de 50 francos en 1995 para incluir su retrato.

Natalia Goncharova: la innovadora experimental

El 21 de junio de 1881, Natalia Goncharova nació en una familia de la élite de Nagaevo, Rusia. Empezó sus estudios en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú en 1901, inspirándose en los impresionistas, en especial en Auguste Rodin.

Como pintora, la obra de Goncharova tiene notas de la mezcla de lo sagrado y lo profano. Parte de su arte incluye a trabajadores rurales rusos realizando tareas cotidianas repetitivas, pero su estilo tradicional se presta a la interpretación religiosa. La formación formal en arte de Goncharova acabó en 1909 cuando la expulsaron del Instituto de Moscú por no haber pagado la matrícula.

Goncharova también trabajó en el sector textil y, con su marido y también artista Mikhail Larionov, exploró los estilos vanguardistas rusos que llevarían a futuros movimientos artísticos. Las obras de Goncharova en el rayonismo y el futurismo influyeron a sus contemporáneos rusos y fueron cruciales para guiar la abstracción futura.

Tarsila do Amaral: la revolucionaria con raíces

Do Amaral, a la que suelen conocer como Tarsila, nació el 1 de septiembre de 1886 en Capivari, Brasil, en el seno de una familia acomodada de productores de café. La familia de Tarsila apoyó sus propósitos educativos, animándola a que asistiera a la escuela en Barcelona, donde empezó a interesarse por el arte.

Tarsila comenzó su educación formal en arte en 1916, estudiando escultura, dibujo y pintura, pero el conservador mundo del arte brasileño y la falta de recursos creativos limitó su exposición. Los viajes a París la ayudaron a ampliar sus horizontes artísticos y finalmente se integró en el Grupo dos Cinco, un movimiento de artistas que promovían activamente la cultura brasileña sin emplear estilos tradicionales europeos.

«Quiero ser la pintora de mi país», escribió Tarsila en 1923. Su estilo de mezclar iconos locales brasileños con estética vanguardista ayudó a configurar el arte moderno de Brasil, y su legado perdura hasta la actualidad.

ART NAIF

María del Carmen Mondragón Valseca (Nahui Olin) nació en Tacubaya (México) en 1893, en el seno de una familia perteneciente a la burguesía mexicana, debido al trabajo del padre, trasladaron su residencia a París cuando la niña apenas contaba cuatro años. En Francia Carmen permaneció en un internado donde recibió formación en danza clásica, pintura, literatura y teatro,a los diez años, ya destacaba por su innata sensibilidad para escribir, especialmente poesía.

A su vuelta a Ciudad de México se casó con Manuel Rodríguez Lozano, pero poco tiempo después, debido a la irrupción de la Revolución Mexicana, la pareja se instaló nuevamente en París uniéndose al grupo de artistas que en aquellos momentos encabezaban el movimiento de las primeras vanguardista como Diego Rivera, Georges Braque, Henri Matisse y Pablo Picasso. Al estallar la Primera Guerra Mundial Carmen y Manuel se refugiaron en San Sebastián, donde se cree nació su único hijo, que al parecer murió por asfixia. Desde la muerte del niño la relación entre ambos se fue deteriorando y Carmen regresó sola a su país natal, donde se sumergió completamente en la vida artística compartiendo largas veladas bohemias junto a Dolores del Río, Antonieta Rivas Mercado, Frida Kahlo, Tina Modotti, María Izquierdo, José Vasconcelos, David Alfaro Siqueiros, Xavier Villaurrutia, Guadalupe Marín, Tereza Montoya, José Clemente Orozco, Lupe Vélez y Salvador Novo.

En 1921 se separó de Manuel después de descubrir la homosexualidad de su marido, mientras ella destacaba por sus ideas avanzadas y su actitud que algunos tachaban de provocadora.

Apoteosis del General Mondragón

Su belleza fascinó al artista plástico Gerardo Murillo, más conocido como Doctor Atl, con quien sostuvo una relación amorosa intensa y enfermiza que duró casi cinco años y de la que se conservan más de 200 cartas escritas por ella. Atl la bautizó como Nahui Olin, que según el artista significa “Renovación continua del Universo”. Este período fue el más fructífero en la producción poética y pictórica en la vida de la artista, con su siempre personalísimo estilo naif.

Como modelo, su figura se encuentra ámpliamente representada, tanto en fotografía como en obra pictórica, concrétamente en “La creación” de Diego Rivera, aparece como Erato, la musa de la poesía erótica, también posó para Jean Charlot y sus desnudos en las fotografías de Edward Weston y Antonio Garduño.

“Me retraté desnuda porque tenía un cuerpo tan bello que no iba a negarle a la humanidad su derecho a contemplar esta obra”

Mondragón formó parte del grupo de mujeres que durante las décadas de 1920 y 1930 produjo uno de los períodos más activos de la cultura y el arte en México, y a las que Elena Poniatowska bautizó como “Las siete cabritas” y en 1935 fundó la Liga Feminista de Lucha contra las Toxicomanías, que buscaba erradicar los vicios que, a su juicio, no permitían el progreso del país; con ella pronto se unió a otros grupos que buscarían el voto femenino, la igualdad de derechos frente a los hombres, acceso al trabajo con apoyos a la maternidad, derecho a poseer tierras, la integración de las mujeres indígenas y el acceso a la educación para todas las mujeres.

Tras terminar su relación con el Doctor Atl, Mondragón conoció al caricaturista Matías Santoyo, con quien viajó a Hollywood. Allí el director Rex Ingram le ofreció aparecer en una película, Carmen no la aceptó por manifestarse contraria a explotar su imagen como símbolo sexual.

Nahui y Agacino frente a la isla de Manhattan

A los cuarenta años conoció al capitán Eugenio Agacino, quien aparece en algunos de sus cuadros, ambos vivieron una relación tan intensa que a la muerte de Eugenio se retiró de la vida pública, optó por una soledad que derivó en locura; vivió con decenas de gatos y deambulando confusa, deshecha, demente, sucia, obesa y en estado de pobreza extrema, cayó para no levantarse jamás. Durante los últimos años de su vida, vivió dando clases de pintura en una escuela primaria y de una pequeña beca del gobierno. Murió en la casa familiar en la que había pasado su infancia a los 85 años de edad.

Séraphine Louis, también citada por algunos autores como Séraphine de Senlis, nació en Arsy-Oise (Francia) en 1864. Procedente de una familia campesina de muy pocos recursos fue hija de un obrero. La historia de Séraphine parece extraída de una novela costumbrista de podredumbre y desgracias ya que cuando apenas contaba con un año de edad falleció su madre. Su padre volvió a casarse, pero también falleció seis años después. La falta de medios la obligó a trabajar en todo tipo de labores para procurarse sustento. Séraphine era pequeña, ajada, con mirada ardiente y oscura sobre su pálido rostro y poseedora de una personalidad misteriosa. Empezó como pastora, más tarde como asistenta en el convento de las Hermanas de la Providencia y finalmente como criada en diferentes casas de la preciosa ciudad de Senlis, donde era fácil verla caminar, siempre con prisa, por las antiguas callejuelas que rodean su muralla medieval.

Fue una artista autodidacta ya que nunca recibió ningún tipo de formación como pintora, pero en sus tiempos de pastora pudo encontrar materiales en la naturaleza que mediante un proceso intuitivo comenzó a utilizar mezclándolos con la cera de velas que cogía en la iglesia para realizar sus obras. Posteriormente, cuando trabajó como sirvienta, pudo destinar pequeñas cantidades de su salario para adquirir soportes y pigmentos más convencionales. Sabemos muy poco del drama íntimo y aun menos de sus ideas sobre la representación artística porque ella guardaba con riguroso celo el secreto de su pintura, se escondía para que nadie pudiera observar cuando y como realizaba sus cuadros, cómo mezclaba los colores y preparaba los lienzos; pero es conocido que todo ello lo efectuaba con una gran perfección artesana, fruto de muchas horas de ensayo y corrección.

El árbol de la vida (1928) Museo de Arte de Senlis

Vivió en un recogimiento casi monacal en su pequeña habitación y comenzó a pintar -según decía- por indicación de los ángeles y de la Virgen María. Cuando salía del aislamiento iba a hablar, a abrazar a los árboles y las flores. Pintaba en una especie de trance, como un jardinero m��stico flamantes ramilletes tras los cuales ocultaba la tentación de todo lo sagrado: plantas carnales con frutos rodeados de pestañas, ornamentos foliáceos hechos de suntuosas plumas delicadamente coloreadas que en los que se adivinan ojos. La casualidad quiso que en 1912, cuando trabajaba como sirvienta, una obra fue descubierta por el coleccionista y crítico de arte Wilhelm Uhde – descubridor de Picasso, Braque y Rosseau – que quedó muy sorprendido al enterarse que la autora de la curiosa obra que esta admirando había salido del talento de la invisible mujer que estaba haciendo la limpieza.

Su carrera fue relativamente corta. En 1930, tres años después y bajo la tutela de su protector realizó la primera exposición de Louis, la crítica la calificó dentro de los “modernos primitivos” y su nombre alcanzó importancia como una de las pintoras naïf del momento. Poco tiempo después Uhde dejó de comprar sus pinturas debido a la Gran Depresión ya que, perseguido por la Gestapo, se vio obligado a regresar a Alemania y sus posesiones, incluida su colección de arte, fueron confiscadas por el estado francés.

Probablemente debido a una fuerte depresión, Séraphine Louis ingresó en el área de psiquiatría de un hospital geriátrico de Clermont, pese a su inestabilidad física sobrevivió hasta 1942 en una soledad extrema. Se especula que a causa de las dosis masivas de tranquilizantes, de las privaciones físicas o más probablemente muriera de hambre por la falta de alimentos que impuso la ocupación alemana de Francia y que fue especialmente letal para los miles de hombres y mujeres que vivían en centros psiquiátricos. El pequeño cuerpo de la artista fue enterrado entre anónimos en una fosa común.

Feuilles (1928-29) Coleccion Dina Vierny

De los 200 cuadros que presumiblemente pintó, sólo han sido localizados 70 que pueden admirarse en el Museo de Arte de Maillol (París), el Museo de Arte (Senlis), el Museo de Arte Naif (Niza) y el Centro Georges Pompidou (París).

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